Academic literature on the topic 'Arbres dans l'art'

Cette interprétation esthétique, prenant l'iconographie comme outil, tend à dénouer un stéréotype de l'arbre figuré. Face à une réception de la verticalité et de l'enracinement elle met en regard une esthétique de la courbe et du mouvement dont rend compte l'acte poétique sémantique actuel. Focalisée sur le thème visuel du contact et d'un effet de présence, la thèse met à nouveau sur le devant de la scène le paradigme des shâlabhafljikâ, sculptures monumentales indiennes du IIe siècle avant notre ère, expressives de l'émergence d'un potentiel. Elle propose une interprétation des paysages pastoraux (Europe, XVIe-XVIIIe siècles) prenant en compte les motifs végétaux comme entités agissantes, dans l'énoncé artistique. Quant aux créations actuelles, elle analyse " le geste végétal " de Giuseppe Penone (Arte povera) intégré à la forêt et l'expression urbaine de la présence biologique de l'arbre chez Ernest Pignon-Ernest.

Constatant à la fois l'omniprésence de l'arbre dans la peinture de portrait britannique du dix-huitième siècle, et l'importance de l'arbre dans la culture et la société britanniques en général à la même époque, cette thèse pose la question du lien entre les deux phénomènes. Les portraits avec arbres sont replacés dans leur double contexte : la peinture de portrait et la place de l'arbre dans la société, l'économie, la culture et l'imaginaire. Puis, la thèse examine les diverses manières de représenter l'arbre. Les formules stéréotypées montrent que l'arbre est un élément clé d'une mise en scène culturelle, sociale et économique de l'individu et de la famille. On remarque ensuite que l'arbre est au cœur de plusieurs mythes constitutifs de l'imaginaire britannique. Ceux-ci ont un impact certain sur la peinture de portrait, dans le cadre d'une définition politique des modèles. Enfin, on s'intéresse à l'esthétique de l'arbre, indissociable du contexte scientifique et philosophique de l'époque. L'apparence de l'arbre dans le portrait dépend entièrement de la manière d'envisager l'identité du modèle et la nature profonde de la représentation picturale
Trees often appear in the backgrounds of British portraits from 1709 to 1792. At the same time, they come under unprecedented scrutiny in economic, social, patriotic, political, artistic and scientific discourse. This research explores the specificity of the representation of trees in British portraits of the eighteenth century by establishing a link between the texts and the images of the period. Trees are undeniably considered as key elements in a representational process that aims primarily at staging cultural, social and economic identity by stressing values shared by many members of the 'polite classes'. Moreover, trees are at the heart of several myths that contribute to a new definition of national and political identity and this too impacts on portraits. Ultimately, however, the representation and physical aspect of trees also depend on individual interest in the scientific, philosophical or artistic theories of the time, and on the way the artist or the sitter understands the depiction of identity through art and the very nature of a work of art

L’écomorphisme — oikos/habitat et morphé/forme — est le résultat d’une adaptation d’une espèce vivante suivant son environnement. Appliqué à l’art, récurrence d’œuvres, scénographies et récits d’expositions, l’écomorphisme est ce processus d’adaptation qui change nos perceptions et notre conscience écologique vers une culture du vivant. Comment des artistes réussissent-ils à créer une relation singulière au vivant qui perdure dans le temps ? Par delà un panorama de formes de nature en crise, des artistes fabriquent des points de vue et des liens singuliers en symbiose avec le vivant. Vu(e) des arbres et des nuages, postes d’observation symboliques de notre environnement —plus de 90 expositions expérimentées in situ— nous avons analysé les relations complexes entre création artistique, effets esthétiques expérimentés in situ, scénographies d’installation, récits d’exposition et prise de conscience écologique. Suivons la piste de l’écomorphisme, (r)évolution silencieuse, tel un envahissement artistique de formes de la nature sauvage au musée et autant de possibilités de rencontres du vivant capables de nous trans-former. Formes contemporaines de la nature, (éco)morphogénéalogie Notre premier corpus de formes s’est révélé à 70% européen —174 artistes internationaux—d’après une classification de 800 œuvres en lien avec les principes d’écologie diffusées —et légitimées— dans les musées en France de 2012 à 2016. Un second corpus est extrait sur la symbolique des arbres, figure statistique la plus fréquente, puis des nuages, objet-symbole émergent au 21e siècle. Une esthétique de la complexité confirme la nécessité d’ordonner ses formes. Ainsi, notre création d’(éco)morphogénéalogie en cinq branches principales est liée aux mouvements dans l’histoire de l’art et de l’écologie à partir de 1916. Nous avons classé les branches —et filiations— par ordre d’importance : 1. biomorphisme écologique (sculptures intra-muros) ; 2. l’art environnemental dans l’environnement extérieur ; 3. l’art écosystème technologique en mimèsis de milieux naturels et artificiels ; 4. l’arte povera et l’art du rebut ; 5. bioart lié à la génétique et l’hybridation du vivant. Vu(e) des arbres au musée-ville, « perchoirs » symboliquesLa singularité du musée « perchoir » réside dans sa capacité à conserver la beauté manifeste de la nature dans la ville. Avatar du monde humain de la ville, le musée cultive des forêts symboliques. Les formes de la nature en crise sont un signal visible symbolique de conscience écologique et de culture du vivant au musée. A posteriori, la singularité et l’efficacité d’œuvres et expositions tient d’un processus de création-observation d’un écosystème in vivo et d’une capacité à restituer des liens avec des êtres vivants. Nous qualifions ces voies de passage fécondes d’écologie artistique (éco)poétique cultivée à la fois dans les objets et la littérature des musées. Nous suggérons que les musées et leurs expositions sont devenus des « perchoirs » contemporains. Sorte d’appel de la forêt symbolique à vivre en lien avec le vivant, le musée-perchoir est un observatoire essentiel d’évolution de nos sociétés.Au-dessus des nuages de crise, théorie de l’écorphisme et prospectiveL’ambiguïté du nuage, objet-symbole, réside autant dans l’annonce du danger qu’il prévient que dans celui qu’il occasionne. Le nuage sert d’inducteur théorique à Aristote, Descartes, Howard ou Damisch. Nos analyses démontrent un Homme en recherche d’un renouvellement de positionnement vis-à-vis de la nature. La place de l’humain n’est plus au-dessus de la nature mais au milieu du vivant via un ADN symbolique commun. Des formes à l’écopoétique singulière et sur-réaliste révèlent une autre réalité que nous ne percevons plus. In fine, l’écomorphisme agit comme la conscience d’un patrimoine génétique où se mêlent formes naturelles et artificielles. N’est-il pas temps de reconsidérer ces formes tel un enjeu culturel d’évolution du vivant ?
Ecomorphism—from oikos as habitat and morphé as form—is the result of a species’ adaptation to its environment. Applied to the recurrence of artistic works, scenographies and exhibition narratives, ecomorphism is this process of adaptation that pushes our perceptions and ecological consciousness towards a culture of the living. How do artists manage to create over time a unique long term relationship with the living world? Beyond a panorama of forms of nature in crisis, artists create singular point of views and links in symbiosis with the living world. From the point of view of trees and clouds, symbolic observation posts of our environment—more than 90 experienced exhibitions in situ—we have analysed the complex relationships between artistic creation, aesthetic effects experienced in situ, installation scenographies, exhibition narratives and ecological awareness. Let us follow the path of ecomorphism that leads through a silent (r)evolution like an artistic invasion of wild nature forms in a museum and as many opportunities of transformative encounters with the living world.Contemporary forms of nature, (eco)morphogenealogyOur first corpus of forms was revealed to 70% European—174 international artists—according to a classification of 800 works related to the principles of ecology disseminated—and legitimised—in museums in France from 2012 to 2016. A second corpus is extracted on the symbolism of trees, the most common statistical figure, then clouds, object-symbol emerging in the 21st century. An aesthetic of complexity confirms the need to order its forms. Thus, our creation of (eco)morphogenealogy into five main branches is related to the movements in the history of art and ecology from 1916. We have classified the branches—and filiations—in order of importance: 1. ecological biomorphism (intra-muros sculptures); 2. environmental art in the external environment; 3. technological ecosystem art in mimèsis of natural and artificial environments; 4. arte povera and recycling art; 5. bioart related to genetics and hybridization of the living. From trees at city museum, symbolic “perches”The uniqueness of the “perch” museum lies in its ability to preserve the manifest beauty of nature in the city. Avatar of the human world of the city, the museum cultivates symbolic forests. The forms of nature in crisis are a symbolic visible signal of ecological awareness and culture of the living in a museum. Retrospectively, the singularity and effectiveness of works and exhibitions result from a process of creation-observation of in vivo ecosystem and an ability to restore links with living beings. We define these fertile pathways of passage as artistic (eco)poetic ecology cultivated both in objects and in the litterature of museums. We suggest that museums and their exhibitions have become contemporary “perches”. As a call of symbolic wild to live in relation with the living, the perch-museum is an essential observatory on evolution of our society. Above the clouds of crisis, ecomorphism theory and prospective analysisThe ambiguity of the cloud, object-symbol, resides as much in the announcement of the danger it prevents, as in the one it may cause. The cloud serves as a theoretical driver for Aristotle, Descartes, Howard or Damisch. Our analyses show a human in search of a renewal of positioning in relation to nature. The place of human beings is no longer above nature but in the middle of the livings, via a common symbolic DNA. Forms with unique and over-realistic ecopoetics reveal another reality that we no longer perceive. In the end, ecomorphism acts as the consciousness of a genetic heritage where natural and artificial forms mingle. Is it time to reconsider these forms as a cultural challenge of living evolution?

La thèse de doctorat est l'étude des arbres et des rochers dans la peinture sur vases attique. La notion anachronique de paysage dans l'image y est abandonnée au profit d'une conception de spatialité qui ne dissocie plus l'espace de l'image et celui de son support matériel, le vase. Les rochers et les arbres dans les images n'y servent donc pas à représenter un espace propre à l'image qui constituerait le lieu des figures, mais participent directement à la représentation et la caractérisation des figures, qui elles sont à comprendre comme se trouvant sur le vase et non pas dans un espace pictural autonome. L'introduction présente une courte histoire des recherches sur la nature et le paysage dans l'art grec. Une première partie donne un aperçu chronologique des emplois iconographiques d'arbres et de rochers. Une deuxième partie tente de définir le concept de spatialité qui régit l'emploi des éléments de paysage. Une troisième partie étudie des aspects sémantiques
The doctorate studies the ways in which trees and rocks are depicted in Attic vase-painting. The anachronistic notion of landscape is replaced by a concept of spatiality that does no longer differentiate between the pictorial space and the space of the vase and his viewer: The trees and rocks do not depict a space within the picture, that is, they do not represent the scene of the figures, but rather take part in the depiction and characterisation of the figures themselves. These figures should be understood both concretely and metaphorically as standing on the ground line as a part of the vase. The introduction gives a short review of the past research on nature and landscape in Greek art. The first part presents the different iconographies of trees and rocks in chronological order. The second part defines the general concept of spatiality that rules the iconographic use of trees and rocks in vase painting. The third part studies semantic aspects of trees and rocks

L'Arbre de Jessé est une image particulièrement complexe qui a connu plusieurs variantes iconographiques. Le type christologique complexe est une création byzantine du sujet. Ce type est constitué de plusieurs éléments iconographiques, comme des scènes prophétiques, des figures des ancêtres et des prophètes. A ce noyau iconographique s 'ajouteront à partir de la fin du XIIIe siècle et le début du XIVe siècle les figures des sages et philosophes païens. Dans la présente étude nous examinons l'iconographie de ce type et nous essayons de comprendre, à travers les images et les inscriptions écrites sur les rouleaux des sages païens, cette association afin de retracer ses étapes d'évolution principales dans la peinture murale byzantine et post-byzantine
The Tree of Jesse is a particularly complicated pictorial theme, which can be found in many different versions. The complex christological type is a purely Byzantine creation. Towards the end of 13th and early 14th century, figures of sages and philosophers of the Greek antiquity are added to this type, which already contains many iconographic elements such as prophetic and evangelical scene and independent figures of prophets and ancestors of Christ. In this study we examine the compositions and the texts of the inscriptions written on the pagan's scrolls this iconographic combination in order to trace its key evolutional stages in Byzantine and post-Byzantine mural painting

Si l’iconographie de l’Arbre sec ou arbre sans feuilles de la Légende du bois de la Croix a marqué le Moyen Age, paradoxalement, elle a peu attiré l’attention des historiens de l’art des XXe et XXIe siècles. Afin de combler cette lacune, nous proposons de développer ce thème dans notre thèse de doctorat. Nous montrons l’aspect formel que les images donnent à cet arbre, l’évolution de sa morphologie au fil des siècles, sa période d’apparition, celle de sa disparition, ainsi que le symbolisme qui lui est attaché, un symbolisme puissant, en relation avec la recherche du Salut. Les images qui illustrent un épisode crucial de la Légende du bois de la Croix — la vision de Seth, le fils d’Adam et Eve, avec l’arbre dénudé au centre du Paradis terrestre — constituent le pivot de notre recherche. Viennent se greffer d’autres images de l’Arbre sec, que nous appelons des « variantes » : la représentation de l’Arbre sec de la légende est transposée dans des contextes extra légendaires, tels ceux des romans d’Alexandre le Grand et du Lancelot-Graal, tel celui de la Divine Comédie, ceux du Devisement du monde de Marco Polo et des Voyages de Jean de Mandeville, ou encore du Pèlerinage de l’âme de Guillaume de Digulleville. L’Arbre sec est aussi dans le tableau de Petrus Christus, la Vierge à l’Arbre sec. Les images montrent l’Arbre sec dans un lieu intemporel, ou au Paradis, ou un lieu qui s’apparente au Paradis. Ce végétal est accompagné de la figure du Christ ou de personnages ou d’animaux le symbolisant. Dans tous les cas, le symbolisme fort et multiple de cet arbre sacré est conservé. L’Arbre sec est tout à la fois un rappel de l’arbre de la connaissance du bien et du mal, une évocation de l’arbre de la Croix et de l’arbre de vie
The iconography of the Dry Tree or leafless tree is present through out the Middle Ages, but paradoxally, its study has only attracted few historians of art of the XXth and XXIst centuries. To compensate for this, we choose to devote our thesis to an extensive study of this tree. We examine the formal aspect given to the Dry Tree depicted in the images, the evolution of its physical form through the centuries, the period when it first appears and when it disappears, as well as the symbolism it carries, a powerful signification related to the quest for Salvation. The core of our research is the images that depict a crucial episod in the Legend of the wood of the Cross — Seth’s vision of the leafless tree of the Earthly Paradise. Other images of the Dry Tree, which we call « variations », are also examined : the theme of the Dry Tree taken from the Legend is transposed in extra-legendary contexts such as in the romances of Alexander the Great and the Lancelot-Graal, the Divine Comedy, the Million by Marco Polo and the Voyages by Jean de Mandeville, as well as the Pilgrimage of the soul by Guillaume de Digulleville. The Dry Tree is also depicted in Our Lady of the Dry Tree by Petrus Christus. The images show the Dry Tree in Paradise or in a place which symbolises Paradise, with Christ in the Dry tree, or figures or animals as symbols of Christ. The powerful and multiple symbolism is present : the Dry Tree is a reference to the tree of the knowledge, to the tree of the Cross and to the tree of life. Therefore, it is no surprise that the images show man in his quest for the Dry Tree, ie in the quest for God

Le motif du palmier, qui apparaît dès la fin du IVe millénaire av. J.-C. en Égypte et en Mésopotamie, connaît une très large diffusion dans la Méditerranée antique, durant les second et premier millénaires av. J.-C. Il s’inscrit dans la tradition artistique, culturelle et religieuse d’un grand nombre de régions : le Levant, l’île de Chypre, la Grèce, la Méditerranée occidentale. Bâtie sur ce champ d’étude, géographiquement et chronologiquement très large, cette thèse examine la répartition du motif résultant de contacts et d’échanges entre les différentes civilisations et met en lumière l’élaboration d’une iconographie spécifique, propre à chacune d’entre elles. Certains développements symboliques – tels l’aspect cultuel du palmier et le rapprochement ou l’assimilation de l’arbre avec l’être humain, et plus particulièrement avec la femme –, apparaissent récurrents et permettent d’examiner la question de la continuité, ou non, du motif dans les différents groupes d’images étudiées et la façon dont la vision de l’arbre se manifeste dans chacune des civilisations
The pattern of the palm-tree, which appears as soon as the end of the IVth millennium BC in both Egypt and Mesopotamia, experiences a vast diffusion across the Ancient Mediterranean world during the IInd and Ist millennium BC. Its style situates it in the artistic, cultural, and religious tradition of a large number of regions: the Levant, Cyprus island, Ancient Greece, and the Western Mediterranean. This thesis, built on wide geographical and chronological fields of study, investigates the geographical distribution of the pattern arising from contacts and exchanges between various civilizations and highlights how a specific iconography, proper to each civilization, has been elaborated. Some symbolic developments, such as the religious aspect of the palm-tree and the connection or assimilation of the tree to humans, in particular to women, appear recurrent and allow one to address the question of the continuity of the pattern in various picture samples and the way the view of the tree manifests itself in each of these civilizations