Dissertations / Theses on the topic 'Sublime – Dans la littérature – Antiquité'

Notre propos, dans notre thèse, est de démontrer que les Stoi͏̈ciens romains de la République au Haut Empire, peuvent être sublimes. A cette fin, il est fait une étude approfondie des textes pour dégager les éléments producteurs de sublime. Dans cette analyse, l'accent est porté de même sur les nuances d'élévation qu'il peut revêtir. Mais cette étude serait incomplète, si elle n'évoquait la doctrine stoi͏̈cienne qui se dessine et s'affirme dans les textes des différents stoi͏̈ciens. Tout comme celle-ci, le sublime devient ainsi un enjeu stratégique essentiel pour les philosophes de la Stoa. C'est ce double enjeu que nous avons cherché, tout au long de notre étude, à mettre en évidence, tout comme l'éthos des Stoi͏̈ciens romains

La présente thèse, consacrée à l'engouement de la littérature fin-de-siècle pour l'antiquité latine dite décadente, commence par démontrer que la filiation s'impose des romans chrétiens des années 1850 aux « romans antiquisants » fin-de-siècle. Par ailleurs, la littérature chrétienne a contribué à la création de l'idée de décadence romaine. N'avait-elle pas besoin d'un constat de décadence préalable pour rendre nécessaire le renouveau chrétien? La thèse s'attache ensuite à la démarche rétroactive fin-de-siècle, qui part de la ruine et du fragment pour repenser l'antiquité menacée, avant sa destruction. Le troisième chapitre tente de cerner au plus près cet empire romain recréé par la décadence. Pour la fin du siècle, il se divise en deux entités : la cité d'une part, le césar de l'autre. Les empereurs décadents forment une sorte de famille naturaliste, au sein de laquelle se transmet la tare originelle qu'est l'empire. Focalisant l'attention sur Rome comprise comme un grand corps malade, nous établissons une topographie de l'organisme romain. Rome est en effet, pour la décadence, circonscrite à quelques lieux symboliques, comme le cirque. Le dernier chapitre est entièrement consacre à la question de l'écriture latinisante. Il s'ouvre sur une tentative de définition du « roman antique ». L'une des particularités de la fiction antiquisante décadente est le jeu avec les matériaux de l'écriture. Le latin lapidaire, pris pour modèle, finit par n'être plus que prétexte à une écriture hiéroglyphique, à la limite de l'illisibilité. En réalité, la langue latine à laquelle il est fait référence dans les écrits décadents n'est jamais intégrée. Quand elle n'est pas tronquée, elle est entachée de bassesse.

Le présent travail de recherche, consacré à l’oeuvre critique de Edoardo Sanguineti, porte principalement sur la définition de “canon littéraire italien du XXe siècle” formulée par Sanguineti, et sur les relations entre ce poète et critique littéraire italien et les avant-gardes poétiques du siècle dernier, en rapport avec la question du “sublime” en poésie, ou plutôt de son renversement en fonction d'un thème particulièrement cher à cet écrivain et essayiste politiquement engagé, à savoir celui de la critique de la société bourgeoise. Plus précisément, nous examinons le rôle central que revêt, dans l’oeuvre critique de Sanguineti, la première avant-garde du XXème siècle, sur laquelle il concentre ses études et réflexions en vue de faire ressortir les mouvements et les auteurs qui, à son avis, ont le plus contribué à renouveler le langage poétique au tournant des XIXème et XXème siècles. Dans un paysage exégétique si varié, éclectique, labyrinthique, à bien des égards brisé, construit par accumulation, sans direction unique, mais multiple et allusif, comme celui de Sanguineti, l'expérimentation formelle et le contenu des mouvements d'avant-garde entre les deux siècles représentent un intérêt continu et constant, en particulier dans les essais publiés à la fin des années soixante et dans les années soixante-dix
The present research work, devoted to the critical work of Edoardo Sanguineti, focuses mainly on the definition of “Italian literary canon of the twentieth century” formulated by Sanguineti, and on the relations between this Italian poet and literary critic and the avant-garde poetics of the last century, in relation to the question of the “sublime” in poetry, or rather of its overthrow according to a theme particularly dear to this politically engaged writer and essayist, namely that of criticism of bourgeois society. More specifically, we examine the central role of the first avant-garde of the twentieth century in Sanguineti's critical work, on which he concentrated his studies and reflections with a view to bringing out the movements and the authors who, at his opinion, have contributed the most to renew the poetic language at the turn of the XIXth and XXth centuries. In an exegetical landscape so varied, eclectic, labyrinthine, in many ways broken, constructed by accumulation, without single direction, but multiple and allusive, like that of Sanguineti, the formal experimentation and the content of avant-garde movements between the two centuries represent a continuous and constant interest, especially in essays published in the late Sixties and in the Seventies

Les débats provoqués par la notion de sublime sont fructueux en questionnements rhétoriques, riches de paradoxes, croisant les grandes interrogations esthétiques du XVIIe siècle. Introduite dans le monde des lettres par les polémiques qui se nouent autour de Guez de Balzac, abondamment développée par les théoriciens de l'éloquence sacrée, révélée au public par la traduction que publie Boileau du traité de Longin, cette réflexion sur le sublime permet de concevoir le discours comme << une force irrésistible >> ravissant les âmes, au-delà de la hiérarchie des styles. Recourant à des outils lexicaux, logico-sémantiques et stylistiques, cette étude se propose de déterminer quelles sont les exigences théoriques essentielles posées les traites d'éloquence, fondées notamment sur une tension entre la recherche de simplicité et l'art des passions, pour les confronter avec l'exemplification qui lui est parfois associée ; il s'agit de se demander dans quelle mesure la réflexion rhétorique sur le sublime engage un renouvellement de la réception de l'œuvre. Les citations empruntées à des textes français du XVIIe siècle sont alors un lieu privilégié pour l'exploration d'un panthéon classique en voie d'élaboration
Meeting the great aesthetical interrogations of the XVIIith century, the debates about the notion of sublime are rich in paradoxes and raise many rhetorical questioning. Introduced in the literary world by the polemics on Guez de Balzac, amply developed by the theoricians of the holy eloquence, disclosed to the public by the publishing of the Longin's treatise by Boileau, this thought on the sublime considers the discourse as an +irresistible force ; that ravishes the souls beyond the hierarchy of styles. Using lexical, stylistic, logical and semantical aids, this study intends to determine what are the main theorical requirements proposed by the treatises about eloquence. Then, its aim is to confront these requirements, often based on the tension between the quest of unaffectedness and the art of passions, with the exemplification sometimes associated with them. The matter is to ask oneself to which extend the rhetorical thought on the sublime leads to a renewal of the reception reserved to the literary work. In this viewpoint, the quotations derived from texts written in the XVIIith century by French authors further fruitfully the exploration of a classic pantheon on the way to completion

Dans leurs récits factuels, les voyageurs romains représentent leurs parcours comme des itinéraires de fondation, au terme desquels leur identité gréco-romaine et celle du paysage traversé sont fortement affirmées. En revanche, la fiction d'Apulée élabore une toute autre image du voyage, qui est conçu comme une exploration au cours de laquelle le voyageur va à la rencontre de ce qui lui est étranger, au risque de perdre sa propre identité. Fondation ou exploration, réalité ou fiction, telle est l'alternative qui informe, à Rome, la représentation du parcours individuel. Que deviennent ces conceptions chez les écrivains chrétiens ? D'une part, certains introduisent une rupture plus profonde dans l'histoire du récit de voyage : l'exploration de terres lointaines et étrangères, la Palestine ou la Thébai͏̈de, devient le moyen, pour le pélerin d'Occident, de fonder son identité chrétienne
In their factual narratives, Roman travelers represent their itineraries as means of foundation, through which they can assert their Greco-Roman identity and that of the landscape they cross. In contrast, the fiction of Apuleius elaborates a very different image of traveling, conceived as an exploration through which the traveler encounters the foreign, at the risk of losing his/her identity. .

L'etude chronologique, qui couvre un peu plus de deux siecles, ne montre pas une evolution notable dans l'utilisation litteraire du theme. Celle-ci depend moins de l'epoque ou de la personnalite de l'auteur que du genre de l'oeuvre. Dans les comedies de plaute on trouve des pecheurs et la peche et les poissons fournissent de nombreuses images comiques. Dans la satire (lucilius, vairon, horace) ona aussi quelques images tirees de la peche, mais l'essentiel des references concerne la critiques des gourmands, amateurs de poissons fins. Dans les genres poetiques plus nobles, le poisson n'apparait guere que dans les recits mythologiques ou dans quelques cliches, mais on ne connait de la mer que le dauphin et la pourpre. De meme, on ne trouve pas mention de la peche dans les discours de ciceron, en revanche, la consommation du poisson est evoquee dans la correspondance et la faune marine fournit des exemples au philosophe. Dans la ferme de caton, comme dans celle de vairon, il y a une piscina, mais ni l'un ni l'autre ne sont des piscinarii. Dans le vocabulaire, on constate l'importance des emprunts : consequence de la situation historique et economique ou signe d'une imitation de modeles litteraires grecs, notamment pour les poemes gastronomiques d'ennius et de vairon et les halieutiques d'ovide. Les textes litteraires ont aussi un interet documentaire concernant les techniques de peche et les habitudes de consommation. Poissons et coquillages sont couramment consommes, mais restent des produits de luxe ; les conserves paraissent plus accessibles. Les gouts des romains semblentassez stables et leurs appreciations different peu des notres, hormis pour la murene, dont ils font le plus grand cas.

Dans la littérature grecque archaïque et classique, l'exil apparait et évolue dans des contextes politiques déterminants. Du VIIe au IVe siècle avant J.-C., à travers les régimes tyranniques et oligarchiques, mais aussi durant la démocratie, c'est une mesure à la fois punitive et préventive qui sert à maintenir un pouvoir en place, tendant à évoluer vers une modération des expulsions, à travers notamment l'ostracisme, tout en étant de plus en plus encadrée par la législation. L'exil peut également être une démarche volontaire pour fuir les malheurs de l'existence, échapper à un procès ou encore s’éloigner d'une cité corrompue. Au-delà de cet ancrage politique, les représentations de l'exil et des exilés participent à un imaginaire riche qui est exploité dans tous les genres littéraires de cette période. Ces représentations font naitre une réflexion sur l'histoire et l’état de la démocratie, ainsi que sur la dimension métaphorique de l'exil. De plus, les malheurs de l'exil, les plaintes ou la souillure qui lui sont associées côtoient des représentations moins attendues, telles que celle d'une communauté active et vindicative d’exilés ou encore celle d’archétypes du bon ou du mauvais exilé. L'exil prend souvent fin lorsque l'on a intégré une terre d'accueil ou que l'on est rappelé dans son pays d'origine, mais peut tout aussi bien être à perpétuité et parfois perdurer au-delà de la mort. Enfin, l'abondance de ces représentations, autant que de son vocabulaire, fait de l'exil une image propre à illustrer des concepts politiques et philosophiques de premier plan dans la pensée grecque
In archaic and classical Greek literature, exile is shown to evolve within determining political contexts. From the VIIth to the IVth century B.C., through tyrannical and oligarchical regimes, but also during a period of democracy, it is both a punitive and preventive measure which is used to maintain an authority in power, tending to evolve towards a moderation of expulsions, notably through ostracism, while being more and more regulated by legislation. Exile may also be a deliberate move to flee away from life's woes, escape from a trial or even get away from a corrupt city. Beyond this political anchoring, the representations of exile and of exiled people take part in a rich imagined world which is exploited in all the literary genres at that time. These representations give life to reflection on history and the status of democracy, as well as on the metaphoric dimension of exile. Furthermore, the woes of exile, the grievance or the pollution which are associated with it go along with less expected representations, such as one of an active and vindictive society of exiled people or even one of archetypes of the good or the bad exiled person. Exile often comes to an end when one integrates a host haven or when one is called back to one's country of origin, but may as well be for the rest of one's life and sometimes continue after death. Eventually, the abundance of these representations, as well as the vocabulary associated with it, makes exile become an image suitable for the illustration of the leading political and philosophical concepts in Greek thought

L’œuvre de Georges Bataille comporte plusieurs points communs avec celle de Jean Genet. En 2008, le nom de ces auteurs fait d’ailleurs encore peur à certains, tant il est devenu synonyme de littérature scandaleuse et de provocation. Les deux écrivains ont en effet cherché à bousculer leurs lecteurs par leur langue, crue et directe, et leurs sujets, sulfureux et provocants. Nombre de leurs textes ont ainsi été publiés sous le manteau et ont mis beaucoup de temps avant d’être rendus accessibles au grand public. Bataille et Genet se rejoignent également dans leur volonté de subvertir la littérature traditionnelle en s’affranchissant des pesanteurs de la morale commune. Leurs œuvres respectives, atypiques, sont un défi à toutes les limites, et Bataille aussi bien que Genet ne reculent pas devant l’excès. La mort, le sexe, la violence emplissent leurs livres, comme en témoignent maintes pages de Ma mère, Histoire de l’œil, Journal du voleur ou Notre-Dame-des-Fleurs. Tous deux exaltent le corps, jusque dans ses plus triviales manifestations, et se plaisent à parler sans détours de ce qu’il est convenu de cacher et de taire : inceste, viol, ordure, humeurs, excréments. . . Mais pour autant, ces écrivains ne sont pas des pornographes racoleurs, contrairement à ce que leurs détracteurs ont coutume d’affirmer. Ils développent à l’opposé une forme d’éthique originale et personnelle qui peut être rapprochée du sublime tel que le traité attribué à Longin le définissait. Leur travail stylistique montre en outre leurs hautes ambitions esthétiques. La langue de Bataille, comme celle de Genet, est le fruit d’une élaboration formelle qui rend leur lecture passionnante, mais aussi parfois difficile. L’attention croissante du grand public et des chercheurs pour leurs livres depuis vingt ou trente ans démontre en tout cas l’importance de Bataille et de Genet dans la littérature du XXe siècle
The work of Georges Bataille shares several common themes with Genet’s. In 2008, the name of these authors still frightens some people, such is the extent to which they have become synonymous with scandalous litterature and provocation. Both writers indeed tried to shock their readers by their coarse and straight language, as much as by their sulfurous and provocative subjects. Several of their texts were published clandestinely and a lot of time elapsed before they became accessible to a more genral public. Bataille and Genet are also united by their will to subvert standard litterature in ridding themselves of common morality. Their atypical books challenges all the limits, and Bataille as much as Genet is not afraid of excess. Death, sex, and violence fill their books, as many pages of Ma mère, Histoire de l’œil, Journal du voleur or Notre-Dame-des-Fleurs certify. Both of them glorify the body, in even its most trivial manifestations, and they like to speak frankly about what is usually hidden and concealed : incest, rape, dirt, excrement… But these writers are not vulgar pornographs, as theirs disparagers tend to say. On the contrary, they develop an original and personal ethic which can be linked with the notion of sublime that the Treatise attributed to Longin defined. Besides, their stylistic technique shows their high esthetic ambitions. Bataille’s language, like Genet’s, is the fruit of a formal elaboration which makes their reading fascinating, but also sometimes hard. The general public and researcher’s increasing attention to their books over the last twenty or thirty years shows the importance of Bataille and Genet in the literature of the twentieth century

Après avoir reçu les tendances des écoles de pensée, en Grèce et à Rome, concernant l'être vivant et l'animal, nous avons rédigé un plan en trois parties visant à suivre l'évolution de l'anthropomorphisation du règne animal dans l'Antiquité. Les premières études portent sur la présence de l'âme, de la raison, d'une disposition particulière innée chez l'animé, homme et animal. Faut-il séparer l'homme de l'animal comme le veut Aristote, tout en assurant la continuité entre le espèces de vivants animés, ou bien faut-il admettre, avec Platon et ceux qui croient à la métempsycose, que l'âme humaine et l'âme animale peuvent se confondre? Les stoïciens, en refusant la raison à l'animal, se sont penchés sur ses caractéristiques innées, sur l'instinct. Sextus Empiricus croit que le chien peut donner son assentiment. Antisthène pense que l'animal a une nature bestiale. Xénocrate et Théophraste reconnaissent une parenté entre les animés hommes et bêtes. Pythagore, Empédocle et plus tard Porphyre refusent l'alimentation carnée. Pline l'ancien et Plutarque sont partisans de l'intelligence animale. Aristote et Pline sont sensibles à la voix et au cri des animaux. Cependant le rapprochement de l'homme et de la bête a déjà eu lieu dans des circonstances rapportées par les auteurs : Ulysse et Argos, Xénophon et les chevaux, le dauphin et les enfants. L'humanité et la douceur envers les bêtes vont accélérer le rapprochement entre l'homme et l'animal.

Cette etude porte sur l'inscription du motif de la decadence de rome dans la prose francaise de la fin du xixe siecle. Elle aborde le phenomene litteraire de la decadence sous l'angle privilegie de la reference a rome qui permet d'en souligner la richesse et la diversite. Elle tente egalement de montrer dans quelle mesure l'idee de decadence a contribue a modifier les representations de l'histoire et de la culture romaines a la fin du siecle dernier. Le corpus comprend a la fois des oeuvres historiques et litteraires, ajoutant aux oeuvres proprement decadentes des textes qui incluent simplement un point de vue sur rome. Il contient enfin, en regard des textes modernes, les textes latins anciens qui permettent d'approfondir ou de preciser le sens de la reference a rome. L'analyse aborde successivement : le recours a l'histoire de rome pour expliquer la decadence francaise ; le lien entre la revendication critique de la decadence et la redecouverte de la litterature latine tardive ; enfin, dans une derniere partie, la constitution progressive d'un imaginaire romanesque antique a travers la relecture decadente de l'histoire et de la geographie de rome. L'etude du sens historique, critique et esthetique de cette reference antique revele une evolution decisive : la decouverte d'une etrangete romaine qui rompt avec la proximite que sous-entendait le modele classique. La litterature de la fin du xixe siecle contribue ainsi a modifier le sens de l'heritage culturel et historique de rome et, par la, a mettre en question une certaine forme d'identite nationale.

Le Haut-Empire romain est la période où le hors-la-loi entre en force dans la littérature grecque : il devient à cette époque une figure négative et récurrente chez tous les auteurs des Ier-IIIe siècles : non seulement il s'enrichit de traits nouveaux (marginalité, fourberie, cupidité, cruauté, barbarie), mais il joue aussi des rôles inédits et très variables selon les textes où il est mis en scène, en fonction des intentions politiques, philosophiques ou morales des auteurs, de leurs exigences artistiques ou des lois du genre. Ainsi, alors que dans la réalité, la menace du brigandage et de la piraterie a beaucoup diminué, on assiste à une inflation remarquable des manifestations et des utilisations littéraires du hors-la-loi. Tel est le paradoxe à expliquer. Le premier chapitre est consacré au brigand dans l'oeuvre de Flavius Josèphe et montre l'ambiguité de la situation, de l'homme et de l'historien, car la Judée était une des zones les plus dangereuses de l'Empire à cette époque mais le terme "brigand" a été utilisé par Josèphe pour désigner les ennemis de Rome, qu'ils soient animés par des sentiments religieux ou nationaux ou les deux à la fois. Enfin les personnages ainsi mis en scène se rapprochent des héros de romans d'aventures. . . Le deuxième chapotre permet d'aborder l'oeuvre de Plutarque, et, parla même occasion, la piraterie, le problème réglé par Pompée et qui, sous la Haut-Empire, ne laissait que des souvenirs. La figure du pirate est en outre mise au service d'une intention morale : le brigand sert de faire-valoir aux grands hommes vertueux. Enfin le pirate est lui aussi un personnage romanesque. Le troisième chapitre est consacré à Lucien, auteur accusée d'imposture, qui utilise les brigands pour faire rire ou sourire dans une intention polémique. Dans certains passages, la mise en scène du hors-la-loi prend aussi des allures romanesques. Le quatrième chapitre nous conduit vers de vrais personnages fictifs puiqu'il est consacré aux romans : le hors-la-loi romanesque. Tous les brigands des romans grecs, loin d'avoir été créés ex nihilo, empruntent à de multiples sources (fonds historiques, épopées, tragédies, rhétorique d'école); ils sont stéréotypés, physiquement et moralement et servent d'anthithèse aux héros, comme chez Lucien et Plutarque. Mais ils se caractérisent surtout par leur rôle moteur dans l'action : c'est par eux, à cause d'eux que le héros, ou le couple des héros amoureux, bascule dans l'aventure et le danger et affronte les pires épreuves. Ainsi, loin d'être réduits à de simples figurants ou d'éléments de décor, ils sont au contraire ceux par qui la tentation narrative se crée, se maintient et se réactive. . .

Les écrivains latins offrent une image souvent négative et stéréotypée des rues de Rome, en décalage avec la réalité, comme le montre la confrontation avec d’autres sources, juridique, archéologique ou épigraphique. Loin d’être anecdotiques, ces descriptions littéraires révèlent une réflexion complexe autour de la ville et des problèmes qu’elle pose sur le plan matériel, social, politique, économique, philosophique et moral. Espace de circulation et de rencontres, la rue est représentée comme un monde repoussant, désordonné et violent, malgré le contrôle exercé par les autorités. Reflet partiel de la vie quotidienne dans l’Urbs, cette image participe surtout de la critique de la civilisation urbaine, puisque la façon dont s’opèrent les déplacements dans la capitale symbolise les clivages sociaux qui structurent la société romaine. Chez les satiristes de l’époque impériale, cette critique coexiste avec un attachement particulier au monde de la rue, propice à l’inspiration poétique
Latin writers give an often negative and stereotypical image of the streets of Rome, out of step with the reality as evidenced by other legal, archaeological or epigraphical sources. Far from being anecdotal, those literary descriptions provide a profund reflection on the city and the brought forth material, societal, political, economical, philosophical, and moral issues. Place of ciculation and encounters, the street is depicted as and ugly, untidy, and violent world despite the control of the authorities. The partial view of the everyday life given by the image of the streets in Urbs mainly contributes to the criticism of the urban civilisation as the journeys within the city symbolise the societal divides that structure the Roman siciety. Among the satirists of the imperial era, this criticism coexists with a personal attachment to the streets, a world of propitious to poetic inspiration

Les représentations et les images de femmes que nous livrent les discours des orateurs attiques et les poèmes homériques montrent que celles-ci, tout au niveau des institutions que des mythes occupent une position de marginales dans la société grecque
The way women are presented in attic orator's speeches and homeric poems show that, on an institutional as well as a mythical level they only have a minor position in greek society

Au-dela de l'education sentimentale, tournant de l'oeuvre, flaubert radicalise une esthetique de la << deliaison >>, liberee des contraintes generiques, caracterisee par la mise en tension de la totalite et du fragment et le motif de la vocation, commun a la tentation de saint antoine, bouvard et pecuchet et trois contes. Les personnages, soumis a la crise de leur vocation, acedie ou melancolie, sont appeles a se relever de la ruine, en deliant leur etre pour l'accorder au mouvement du monde, danse des atomes et flux des formes, en abdiquant l'intelligible pour le sensible. La deliaison, au croisement du sublime et de la melancolie, manifeste l'impuissance de la pensee a representer la totalite, et sa confrontation avec l'epars. Les oeuvres du corpus fondent une esthetique de la deliaison, dans la mesure ou elles en proposent la releve par l'art. Derriere les vocations de saints, de copistes ou de la bienheureuse felicite se dessine celle de l'artiste : dissemine dans ses personnages, il accomplit avec eux le sacrifice et la traversee de la melancolie qui l'amenent a l'oeuvre, contemplant l'illimite des formes, copiant l'illimite des livres, assistant a la fondation de la croyance et du recit. Ces etats, extatiques ou heureux, le sont en raison de la resolution de l'aporie sublime et melancolique : les fragments inventent une unite, sans ordre ni perspective, selon une << harmonie du disparate >> revelee par l'orient. Les personnages, soumis a une compulsion accumulative, puis cherchant le sens dans le fragment qu'ils brisent dans l'espoir d'y trouver le chiffre du monde, ne se relevent finalement que dans la mise en circulation de ces fragments : ainsi se construit un simulacre de totalite, inachevee, illimitee, mouvante, proche du rythme du monde en sa danse d'atomes, dont la figure du monstre est exemplaire.

Cette thèse se propose d'étudier la valeur fondamentale du mystère dans les romans de Barbey d'Aurevilly. Le mystère chez Barbey tient à l'expérience primordiale de la religion qui n'a rien à avoir avec la logique humaine. L'épiphanie du mystère consiste dans l'établissement de la relation symbolique entre le visible et l'invisible. Cette vérité religieuse est au-dessus de la raison humaine. Puisque toute tentative d'interprétation est impossible, les jugements moraux et esthétiques ne sont aussi qu'une interprétation insuffisante. La distinction du bien et du mal devient floue. Le mystère fondamental de la vie humaine se manifeste à travers le mal essentiel qui met à jour le factice de l'ordre du monde humain. A travers ce renversement de valeur, Barbey représente les personnages qui transgressent tous les critères de la vie humaine à travers la figure du sublime et du surhumain. Ces figures révèlent un accès vers l'invisible immanent à la nature humaine. Le mystère peut aussi engendrer dans ce monde réel une zone tout à fait floue démunie de distinction et d'évidence. Barbey oppose cette zone mystérieuse à la faculté de raison, l'idée dominante du XIXe siècle. Mais plus essentiellement, la notion de mystère fonde la création romanesque de Barbey. La transmission orale des expériences qui est aussi acte de partage est une des réponses au mystère qui dépasse notre faculté de compréhension. Ainsi Barbey conçoit l'activité essentielle de son narrateur autour de la transmission orale de la mémoire collective. L'écrivain devient lui aussi un initie mystique qui ressuscite l'expérience primordiale de l'homme.

Cette thèse se propose d’étudier la façon dont l’idée de mineur traverse l’œuvre de Pier Paolo Pasolini, que ce soit dans son sens linguistique et littéraire (rapport aux langues et aux auteurs dits « mineurs »), sociopolitique (présence des subalternes et des minorités), ou encore spirituel (« mineur » au sens franciscain). L’ensemble de la vaste production artistique et critique de l’auteur italien que nous prenons en considération semble en effet guidé par le désir de porter à la lumière et de valoriser ce qui d’ordinaire est dénigré, oublié et situé au bas des hiérarchies, quelles qu’elles soient : paysans frioulans, sous-prolétaires romains, peuples du Tiers Monde, langues et cultures périphériques, etc. Les notions de « minore » (« mineur ») et de « minoranza » (« minorité ») paraissent d’autant plus significatives et pertinentes qu’elles sont utilisées et problématisées par l’écrivain-cinéaste, de ses premiers essais littéraires à ses derniers articles et scénarios, à des moments clés de son parcours. Elles se révèlent en outre étroitement liées aux périodes de profondes transformations socio-culturelles que traverse l’Italie, dont elles se font le reflet antithétique. Alors que le prétendu « miracle économique » bat son plein au cœur des années 1960, la notion de mineur, centrée autour de l’idée d’infériorité et d’humilité, cède la place à la notion plus politique et polémique de minorité. Si cette dernière reprend certains traits de la précédente, elle se définit davantage comme altérité radicale et puissance de contestation des modèles dominants, tout en accentuant l’esthétique et la poétique de la contamination, selon lesquelles humilis et sublimis sont indissociables
This PhD thesis intends to explore how the idea of minor is present throughout Pier Paolo Pasolini’s works, in its linguistic and literary sense (linked to languages and authors called « minors »), in its socio-political sense (presence of the subalterns and the minorities), or even in its spiritual sense (« minor » according to Franciscans). The extensive artistic and critical production of the Italian author who we consider, seems in fact to be guided by the will of highlighting and promoting what is usually depreciated, forgotten and situated at lower levels in every hierarchy : Friulian peasants, Roman sub-proletarians, people from the Third World, outlying languages and cultures, etc. The notions of minor and minorities are particularly significant and relevant, given that they are used and questionned by the writer and the director from his first literary essays to his last articles and scenarios, in key moments of his career. Furthermore, they appear closely associated to the period of deep socio-cultural changes that Italy is experiencing, hence the contradicting images they convey. While the so-called « economic miracle » is triumphal in the sixties, the notion of « minor », centered on the idea of inferiority and humility, is replaced by the more political and polemical notion of minority. If this last notion has some characteristics of the former one, it should also be defined as a radical alterity and contesting power of the dominant models, at the same time keeping the emphasis on the contamination esthetic and poetics, whereby humilis and sublimis are inseparable

Le XIXe siècle est une époque en rupture avec les conventions classiques et semble marquer le début du monde moderne. Le signe le plus important de cette rupture est la Révolution française, qui a provoqué un bouleversement radical dans la société et donné une orientation nouvelle aux écrits de nombreux écrivains. C’est le cas de Chateaubriand, auquel la Révolution a fourni des images convulsives où se confondent, conformément à l'esthétique du sublime, les catégories du beau et du laid. Que ce soit dans Les Natchez ou Les Martyrs, on retrouve les mêmes scènes d'horreur. Nous sommes plongés dans un univers fascinant et énigmatique, peuplé de personnages à la fois troublants et inquiétants, un univers fort et puissant où se côtoient tous les extrêmes. Les textes romanesques de Chateaubriand sont inspirés du sublime miltonien et burkien. L'énergie, la passion et la violence y dominent le goût esthétique. Notre étude consiste à montrer comment le sublime infernal qui se manifeste simultanément dans les personnages, la nature et l'écriture, est aussi atténué par un sublime merveilleux de la religion. Les personnages de Chateaubriand ont le culte de l'exaltation devant le malheur. L'auteur insiste sur la pratique volontaire du crime, même quand elle est justifiée sur le plan collectif par les guerres. Le vocabulaire du sublime dans ses romans conduit ainsi à une théorie de l'action et de la transgression individuelle. Le plaisir dans le mal n'est plus un paradoxe mais la logique d'une volonté de puissance. A travers ses personnages, Chateaubriand sonde les sombres énergies qui animent l'homme, et dont l'explosion produit un sublime de la terreur. L'auteur a introduit le sujet du crime pour produire, comme l'exige la notion de sublime, un effet choquant et extraordinaire ; il raconte aussi l'intervention du diable qui incarne le Mal dans ce monde romanesque. L'univers des Natchez et des Martyrs est ainsi un monde déréglé et fantastique. Dans Les Martyrs, Chateaubriand aborde des crimes que la société commet, et qui nous font entrevoir l'enfer au dessous de ce monde. Ici, la littérature exprime la réalité du côté obscur de la vie humaine. La survivance du mal s'exprime par des crimes affreux, la violence des conduites et l'exacerbation du désir. La terreur, la force et l'excès sont les moteurs de nos deux romans. La puissance intarissable des scélérats doit toujours les conduire à des états excessifs : la folie et la monstruosité. Pour présenter ces êtres surhumains, il n'y a pas d'autres moyens que de recourir à l'image de monstre, ou encore à celle du feu et de l'enfer qui évoquent des figures presque démoniaques. Cette transgression des lois et des ordres établis rend ainsi possible la création d'un homme absolu dans le mal tel Ondouré, et cette puissance sans limite constitue le caractère essentiel du sublime dans les deux œuvres. Les Martyrs et Les Natchez indiquent ainsi à leur manière que la vérité la plus profonde de l'homme se révèle dans l'émotion et dans les pulsions excessives et non dans l'exercice de la raison et de la sagesse. Cette conception du sublime se manifeste aussi dans la nature, violente dans un premier temps et magnifiée par la suite. Horribles et menaçantes, la mer, la forêt et la tempête éblouissent et hypnotisent car elles contiennent en elles des forces sublimes. Ce sublime monstrueux de la nature inflige ainsi à l'homme la défaite de sa volonté de puissance. Il traduit l'intensité dramatique où l'homme est confronté au vertige de sa faiblesse et de son impuissance face à une nature inhospitalière. A côté de ce sublime monstrueux, se trouve un sublime plus paisible dans les récits. Le sublime se réalise aussi dans l'humilité et la simplicité et dans une pensée chrétienne qui veut concilier humilité et sublime, dévouement et grandeur divine. Dans l'univers chateaubrianesque, la poétique du sublime n'est jamais éloignée d'une interrogation religieuse, qui se limite à une communion avec Dieu. C'est surtout dans Les Martyrs que ce sublime idéal se manifeste. Le sublime y est vécu sur le plan de la morale et de la religion. Il a pour vocation la reconnaissance de la loi divine. Ce sublime idéal conduit aussi à une évocation de la nature, finalement paisible et accueillante. Chateaubriand se change en peintre, car le sublime paisible est d'abord pour lui un enchantement des sens, un faste visuel qui suscite l'activité artistique. Chateaubriand a ainsi orienté le sublime vers le pittoresque. Ainsi, cette notion n'est pas uniquement inscrite dans la violence et ne passe pas toujours par le terrifiant. La nature est le lieu d'une incessante fécondité qui conduit à une rêverie toute sensuelle : le sublime a partie liée avec le plaisir et la grâce tout autant qu'avec la violence et le terrible. Elle est si imprégnée d'humanité que l'auteur confère une finalité morale et sentimentale aux êtres les plus simples : la fleur, l'oiseau, l'insecte témoignent de la vie et de l'unité de la nature. L'élément naturel est peut-être un gouffre, mais Chateaubriand refuse la pensée du chaos, et fait converger ses récits vers une finalité qui est celle de l'harmonie. Néanmoins, bien que Les Natchez et Les Martyrs soient le creuset privilégié de l'idéalisme de la simplicité de leur auteur, la pensée de Chateaubriand reste constamment occupée par le problème du mal, qui ruine sans cesse l'édifice de l'idéalisme humanitaire et religieux
The Nineteenth century is a period which breaks with classical conventions and seems to mark the beginning of the modern age. The most important sign of this rupture is the French Revolution, which brought about a considerable upheaval in society and gave new direction to the work of many writers. That is the case for Chateaubriand, for whom the Revolution produced convulsive images in which the ugly and the beautiful merged into each other, in compliance with the aesthetic of the sublime. The same horrific scenes are found in both Les Natchez and Les Martyrs. We are plunged into a fascinating and enigmatic world, full of characters both disconcerting and upsetting, a powerful world in which all extremes come together. Chateaubriand's novelistic texts are inspired by Milton's and Burke's sublime. Energy, passion and violence override aesthetic taste. Our study consists in showing how the infernal sublime which appears simultaneously in characters, nature and writing, is also attenuated by a supernatural sublime linked to religion. Chateaubriand's characters worship exaltation in the face of misfortune. The author stresses the voluntary experience of crime, even when it is collectively justified by war. The vocabulary of the sublime leads to a theory of action and of individual transgression. The pleasure in evil is no more a paradox but the logic of the desire of power. Through his characters, Chateaubriand fathoms dark energies which animate man, and their explosion produces a sublime of terror. The author introduced the suject of crime to cause an extraordinary and shocking effect, as the notion of sublime requires ; he also tells of the devil's apparition which embodies Evil in his novels, so that the world of Les Natchez and Les Martyrs is a disorded and fantastic one. In Les Martyrs, Chateaubriand tackles crimes that society commits, and which suggest hell beneath our world. The survival of evil shows itself in awful crimes, violent behaviour and the exacerbation of desire. Terror, strength and excess are the driving forces of both our novels. The inexhaustible power of the wicked must always leads them to extreme states of mind : madness and monstrousness. The only means to present these superhuman beings is to use the image of the monster, or else those of fire and hell, which convey quasi-demoniacal characters. This transgression of law and order makes possible the creation of a man absolute in evil, such as Ondouré, and this boundless power constitutes the fondamental feature of the sublime in both works. Les Martyrs and Les Natchez point out in their own way that the most profound truth of man is revealed through emotion and violent pulsions, and not in the use of reason and wisdom. This idea of sublime also appears in nature, first impulsive, then glorified. Horrible and threatening, seas, forests and storms impress and hypnotize because of the sublime forces they contain. This monstruous sublime of nature imposes the desire for power's defeat of man. It expresses the dramatical intenseness in which man is confronted with the vertigo of his weakness and with his helplessness faced with an inhospitable nature. Parallel to this monstruous sublime, a more peacefull sublime can be found in the narration. The sublime comes to be in humbleness and simplicity, as well as in a Christian thought which wants to conciliate humility and sublime, devotion and divine greatness. In Chateaubriand's world, the sublime's poetics are never far from a religious question, in communion with God. This ideal sublime becomes especially apparent in Les Martyrs, where it is lived morally and religiously, and its purpose is to acknowledge divine law. It also leads to the evocation of nature, finally peaceful and welcoming. Chateaubriand becomes a painter, because restful sublime is for him first a delight for the senses, a visual display which causes artistic activity. Chateaubriand thus guided the sublime towards the picturesque. So, this notion does not originate solely in violence and is not always on a par with terror. Nature is the place in which a ceaseless fecondity leads to a particularly sensual reverie : sublime is in league with pleasure and grace as much as with violence and terror. It is so full of humanity that the author gives a moral and sentimental aim to the simplest beings : the flower, the bird, the insect show its vitality and unity. The natural element is perhaps an abyss, but Chateaubriand rejects the thought of chaos, and makes his texts converge at a finality : harmony. Nevertheless, although Les Natchez and Les Martyrs are the privileged crucible of the author's idealism of simplicity, Chateaubriand's thougt remains constantly preoccupied with the problem of evil, which unceasingly ruins the whole structure of humanitarian and religious idealism

L’objet de ce travail est de montrer le rôle capital qu’a joué la parodie dans la construction du genre romanesque, le seul de ce que l’on considère aujourd’hui comme les grands genres à ne pas être théorisé jusqu’à la fin du XVIIe siècle. La parodie est considérée comme une pratique facile et gratuite, comme une attaque déloyale visant à détruire sans pitié un modèle supérieur. Pourtant, on peut plaider en faveur de son pouvoir habilement corrosif et régénérateur : en critiquant une esthétique, elle en dénonce les défauts et invite à la renouveler. Tournée vers le passé du texte qu’elle imite, elle est aussi tournée vers l’avenir et porte en germe, dans sa critique, la suggestion de voies de renouvellement. Cette capacité de la parodie de régénérer par-delà la critique explique que le roman, en l’absence de théorisation, se soit largement défini par la parodie. Son rôle a, de ce fait, été crucial aux époques où le roman n’était ni théorisé ni accepté et elle a constitué un des lieux majeurs de la réflexion sur le genre romanesque. Non seulement la parodie bouscule le genre du roman et, par ce geste même, le constitue comme genre, mais elle permet aussi de mettre en évidence la conscience générique d’une époque et les formes qu’elle adoptait. Œuvre de lecteur, elle reflète la vision qu’a eue une époque du roman et les manières dont elle entendait le renouveler : elle est donc doublement théoricienne. Il s’agit ici de voir comment la parodie, du roman grec au roman du XVIIIe siècle a été le laboratoire du genre romanesque, situé dans un fragile équilibre entre la destruction des esthétiques qui l’ont précédé et la promotion de nouvelles formules
The aim of this dissertation is to show the decisive role that parody played in the construction of the novel as a genre, that has not been theorized before the end of the XVIIth century (a unique case within the main forms of literatures). Parody is often considered as an easy process, an unfair and merciless way to attack a superior model. However, its defenders can valuably argue for its caustic and regenerative impact : by criticizing the novel’s aesthetic, parody points out its weaknesses and thus shows the way to renew it. By the process of imitation, parody inevitably confines the parodied text into the past; but at the same time it looks towards the future and suggests, in its criticism itself, new territories to explore. This fertile feature of parody explains why it has largely helped to define the novel in the absence of theoricians. At times when the novel was neither theorized, nor even accepted, parody has played a crucial role, concentrating most of the intellectual reflection about the novel. Not only has parody shaken the form of the novel – which by the way helped establishing it as a genre, it has also highlighted how conscious people were of the existence of this genre, the forms it took. Being a reader’s work, parody reflects how an audience considered the novel and how it intended to renew it : in that sense it has a double contribution to theory. Our objective is to see how, from the greek novel to the XVIIIth century, parody has been a think tank for the novel, in a fragile balance between the destruction of former aesthetics and the promotion of new formulas

L'influence du poète latin, en particulier de l'Enéide, est étudiée sous l'angle de la filiation symbolique et du testament poétique laissé par Virgile aux hommes du Grand Siècle. Ainsi, les "héritiers" revendiquent le legs virgilien et tentent de le faire fructifier par le biais de traductions, de théorisations savantes, etc. Les "grands bâtards" ne l'acceptent que sous bénéfice d'inventaire et s'efforcent de se constituer un patrimoine propre en inventant de nouvelles formes d'épopée. Les parricides, enfin, rejettent l'héritage antique au profit de la culture française et du développement contemporain des arts. Versailles leur apparaît comme une "épopée architecturale" qui supplante l'Enéide. On voit, pour conclure, que le Sublime est au coeur de ces tensions successorales
The influence of the Latin poet and in particular of the Aeneid is studied through two angles : the symbolic filiation and the poetical legacy Virgil left to the men of the seventeenth century. In this way, the "heirs" proclaimed this legacy and tried to put it forward with translations, learned theorizations, etc. It's only with certain reservations that the illegitimate sons (the "grand bastards") admitted this legacy - they strove to build up their own patrimony inventing new forms for the epic. Finally, the "parricides" rejected the antic legacy favouring the French culture and the contemporary development of arts. To them, Versailles was like an "architectural epic" which supplanted the Aeneid. To conclude, the Sublime is presented as being in the heart of these inheritance tensions

Lorsque Edmund Burke et Kant traitent du sublime à la fin du XVIIIe siècle, ils identifient l’infini et l’ « astonishment », lié à une passion de conservation de soi, comme sources de sublime. L’identification de celles-ci dans leurs œuvres respectives s’oriente toute vers la violence d’une émotion, d’un paysage ou d’une situation : sang, assassinats, paysages naturels gigantesques et effrayants sont autant de situations qu’ils identifient comme principaux motifs de transport de sublime. Mais dans l’Œuvre de Balzac, il va se révéler beaucoup plus complexe, prenant différentes formes toutes plus diverses les unes des autres. Ainsi, sous la plume de Balzac, le sublime ne s’incarne plus qu’à travers le côté sombre des choses, caractéristique romantique. Cette étude propose donc d’envisager le sublime comme pluriel. Le but premier en sera d’établir une typologie du sublime dans plusieurs œuvres de l’auteur afin de montrer le génie d’un homme qui sut innover et se différencier des autres auteurs de l’époque. Le beau, le bon, l’exemplaire, le surpassement de l’être et bien d’autres encore sont autant de catégories qui seront proposées et permettront ainsi une relecture de La Comédie humaine jusque-là jamais envisagée
When Edmund Burke and Kant deliberate on the aesthetic of the sublime in the late 18th century, they identified concepts such as the infinity and the “astonishment“ as the beginnings of this aesthetic, linked to an instinct of self-preservation. They identify how the origins of the sublime take form around the violence of an emotion, a landscape or a situation: blood, murders, great but terrifying landscapes are all considered a reason for the communication of this aesthetic. Conversely, in Balzac’s work, the sublime is more complex, showing multiple forms all different from one another; the sublime no longer appears only through the somber lens, characteristic of the Romantic Period. This study suggest reconsidering the sublime as plural. The main objective being the establishment of a typology of Balzac’s novels in order to identify the genius of a man who innovated and differentiated himself from other 19th century writers. The beauty, the good, the exemplary, alongside the out-performance of oneself and more, are all categories which appear in this study and allow a now reading of La Comédie humaine

L’œuvre de De Quincey s’inscrit à la croisée de trois concepts presque indéfinissables : autobiographie, romantisme, et une dimension trop souvent négligée, l’ironie. Qu’elle soit rhétorique, tragique ou « romantique », l’ironie exprime parfaitement les multiples contradictions du mangeur d’opium : outil rhétorique de confrontation et d’autodérision, individualiste et communautaire, sociable et provocatrice, l’ironie est à la fois l’instrument d’une rédemption et l’expression d’un profond malaise, une façon de se mettre en avant comme de s’effacer totalement. Entre Romantisme et Victorianisme, De Quincey interroge les limites de son identité et de son statut d’intellectuel, et reste réticent à exploiter le potentiel subversif de la parodie : l’ironie semble alors s’effacer derrière ses protestations nostalgiques et autocritiques. Pourtant elle sous-tend pour une bonne part la vitalité et la diversité de l’écriture des essais, dont elle manifeste une modernité largement sous-estimée, tant par les critiques que par De Quincey lui-même. L’ironie permet finalement d’esquisser une unité qui recentre les Confessions au cœur de la diversité de l’œuvre, plutôt qu’à la marge d’un ensemble hétéroclite au statut incertain
Studying the works of De Quincey necessarily leads to three concepts almost impossible to define: autobiography, Romanticism, and all-too neglected irony. Whether rhetorical, tragic or “romantic”, irony expresses perfectly the many contradictions of the opium-eater. As the rhetorical tool of conflict and self-derision, claiming both individualistic and community values, sociable and provoking, irony is the way to redemption as much as the expression of deep unease, a way of pushing himself forward, or of withdrawing into the background. Caught between Romanticism and Victorianism, De Quincey questions the limits of his own identity and his status as an intellectual, and exploits reluctantly the potential subversion of parody, so that irony seems to yield to nostalgia and self-derogatory laments. And yet it can be said to underlie the vitality and diversity of the essays, whose modernity has been greatly underestimated by the critics and by De Quincey himself, as well. Finally, irony allows us to re-evaluate the Confessions as the centre of a unified, though diverse, set of writing, rather than as one of many, rather ill-assorted essays of unequal value

L'auteur propose d'étudier le « bestiaire celtique », entendu comme l'ensemble des animaux réels avant tout, dans la littérature celtique du Moyen Âge. A travers les textes mythologiques, héroïques et hagiographiques surtout, une vue d'ensemble sera établie. Il veut savoir ce que sont devenus les animaux cultuels de l'Antiquité dans les textes médiévaux ; il étudie également le rôle et le symbolisme des autres animaux de la tradition médiévale, qui n'étaient pas forcément importants pendant l'Antiquité ; il fait le tour de la question en donnant un aperçu du corpus étudié, en faisant des références à d'autres traditions (indo-européennes entre autres), en comparant la tradition médiévale au folklore (pré-moderne), en décrivant plusieurs aspects du bestiaire : la question épineuse de l'existence de pratiques comme le chamanisme et le totémisme et de l'applicabilité de ces termes sera abordée ; il sera question des sonorités et de la musique que produisent les animaux ; des aspects comme la métamorphose, la métaphore, l'onomastique et la classification animales seront discutés avant de fournir, dans la deuxième partie, un catalogue des animaux, dans lequel le symbolisme et le rôle de chaque espèce seront analysés de façon succincte ; la troisième partie est une étude type qui vise à analyser le bestiaire contenu dans un texte hagiographique breton, la Vie de saint Malo et à apporter quelques éléments qui prouveraient l'appartenance de la Bretagne armoricaine à l'espace culturelle des îles celtiques, qui comprend aussi l'Irlande, l'Île de Man, l'Ecosse, le Pays de Galles et la Cornouailles
The author offers a study of the "Celtic bestiary" which is understood here as the sum of the reel species above all; an overall view of the function and role of animals in medieval Celtic literature will be given, analysing especially the mythological, heroic and hagiographical texts. The evolution of the role of antique and medieval cult animals will be dealt with. The symbolism of the other species will be studied as well. The corpus analysed here – medieval Celtic literature - will be presented, references will be made to other civilizations (Indo- European and others). The medieval tradition will be compared with the folklore of premodern times. Several aspects linked with the animal world will be dealt with as well: the complex question of shamanism and totemism and their applicability to Celtic beliefs; animal sounds and music and their relation to human music; animal metamorphosis, animal metaphors, faunal onomastic and anthroponomy including animal terminology as well as the classification / taxonomy of the animal world. The second part is a catalogue of the species known to the medieval Celts; their role and symbolism will be briefly discussed. The third part consists of an analysis of the bestiary contained in a well-known Breton hagiographical text: the Life of St. Malo. Some of the elements studied here clearly show that the medieval Breton literary tradition belongs to the Celtic insular tradition, together with the literature of Ireland, the Isle of Man, Scotland, Wales and Cornwall

Notre étude a pour objectif de montrer que la sublimation est le principal ressort esthétique de l’oeuvre de Valery Larbaud. Une partie du travail consiste à définir une notion qui croise plusieurs champs de la connaissance : théologie, philosophie, esthétique, psychanalyse. Cette première recherche permet de faire de la sublimation un concept pour l’analyse des textes littéraires. Il s’agit ensuite de cerner la sublimation larbaldienne. Elle émane d’une volonté moderne de décrire, à l’intérieur de l’oeuvre, l’acte créateur à partir d’une érotique. Elle résulte d’une relation à la mère qui détermine la vocation littéraire. Elle s’explique aussi par le catholicisme de l'auteur. Ces contextes inventent de nouvelles écritures élégiaques qui font évoluer la notion de sublime dans la première moitié du XXe siècle en France
The objective of my study is to demonstrate that sublimation is the principal aesthetic mechanism in the work of Valery Larbaud. In the first part of my work I seek to define a notion that intersects several fields of knowledge : theology, philosophy, aesthetics and psychoanalysis. This initial research enables me to make sublimation a concept with which to analyze literary texts. I will then seek to identify the sublimation characteristic of Larbaud. It emanates from a modern desire to describe, in the interior of the work, the creative act on the basis of the erotic. It results from a connection to the mother that determines the literary vocation. It can be explained also by the Catholicism of the author. These considerations give rise to new elegiac writings through which the notion of the sublime evolves in the first half of the 20th century in France

Outre les trois fonctions indo-européennes de souveraineté, de force et de prospérité, une quatrième fonction, celle de la parole, sert d'armature aux trois précédentes, fonctions d'administration. Celle-ci a pour rôle de célébrer l'harmonie constituée par les trois autres ; elle en est ainsi un élément, parce que la beauté poétique ne relève pas de l'art pour l'art, mais est au service d'une idéologie : le chant se chante aussi lui-même comme porteur des valeurs qu'il célèbre : harmonie, concorde, véracité, ordre, mesure. Cela à l'époque archaïque, d'Homère aux guerres médiques(en y incluant Sophocle, comme transmetteur de mythes plus anciens) où toute oeuvre d'une certaine portée est composée en vers : oeuvres de divers genres poétiques proprement dits, scientifiques, philosophiques, morales, politiques, et aussi les oracles. La poésie a une fonction cosmique : reflet du cosmos (exercée par Apollon lui-même chef de divers choeurs féminins), elle le couronne et le protège ; enfin elle le révèle par les procédés de l'inspiration, de la transe, de l'anamnèse, donc indirectement : une dialectique doublement verticale (de l'Olympe aux régions souterraines puis, en remontant, vers les hommes) empêche une révélation immédiate ; Apollon peut aussi utiliser comme intermédiaire des animaux ou des hommes élus, enivrés ou aveuglés pour devenir voyants. La portée sociale de cette quatrième fonction arbitrale et engagée apparaît dans des textes grecs, védiques,celtiques et scandinaves à trois ou quatre termes : la fonction vocale encadre les trois fonctions traditionnelles, s'y entrelace mais aussi s'introduit dans chacune, exprimant l'essentiel de l'idéologie indo-européenne
Besides the three indo-european functions of sovereignty, strength and prosperity, a fourth function, of speech, gives structure to these first three functions of administration. This one has the part of celebrating the harmony built by the three others. .

Ce travail s'est voulu une etude globale de l'ivresse dans l'antiquite grecque. On a etudie le vocabulaire, les sources et leur specificite, les relations entre les dieux, les mythes et l'ivresse. Le vin a ete individualise, comme son usage (krasis). On s'est interesse a la phenomenologie de l'ivresse, a ses explications, a ses therapeutiques, a l'existence de l'alcoolisme. Les buveurs (categories, individus) comme les jugements de philosophes et de chretiens ont ete etudies. On en degage l'idee d'un exces integre a la societe, limite par des seuils (boire seul, boire pur, ceder a la paroinia).

L'étude précise d'abord la place de la prière dans l'organisation religieuse des romains (libri, recueils de formules, classifications) et s'efforce de décrire le déroulement de la prière en tant que rite. Dans ce cadre sont définies les formules du culte public (sacrifice, votum, supplications, hymnes) et du culte privé (interjections, prières quotidiennes, genius, rites de passage de la naissance à la mort). Se trouve ensuite définie une double problématique du saturnien et du carmen (théories accentuelles et théories quantitatives), dont les procédés sont mis en valeur à travers la tradition oraculaire sibylline, italique (carmina marciana) ou étrusco-italique (tarquitius priscus, prophetie de vegoia, responsa des haruspices). L'étude aborde ensuite les grands corpus de prières conservés par la tradition : tables eugubines et dialectes italiques, rituel de la devotio et de l'evocatio (rituels guerriers), corpus de Caton (rituels agraires). Une dernière partie est consacrée aux formules archaïques des grands collèges dont les fragments ont survécu : fétiaux, augures, saliens, arvales. A ces formules sont appliquées les méthodes de la philologie classique ; l'étude est consacrée aux modes de transmission, de réception et d'adaptation de ces formules et aux procèdes mis en œuvre (rythmes, quantités, procédés mnémotechniques). Ces formules, développement des indigitamenta primitifs, suscitent la présence divine, établissent un dialogue avec la divinité et permettent de définir l'attitude du romain face au sacré
First is studied the situation of the prayer in the roman religion (libri, typology) and described the proceeding of the prayer as ritual. Are defined the formulas in the public worship (sacrifice, votum, supplicationes, hymns) and in the private or domestic worship (interjections, daily prayers, genius, prayers form birth to death). Then are considered the problem of the Saturnian verse and its religion with the Latin carmen (accent, prosody), the tradition of the oracles (sibylline oracles) etrusco-italic tradition (carmina marciana, tarquitius priscus, vegoia, haruspices). Philological studies are devoted to the great corpus of prayers preserved in latin literature: bronze tables of iguvium, ritual of devotio and of evocatio, prayers from Cato's De Agricultura, special studies are dedicated to the colleges of fetials, augurs, salians and arvals brothers

Ce travail de recherche étudie la déstabilisation de la hiérarchie entre l’abject et le sublime dans les oeuvres [textes de théâtre, récits et essais] de Georges Bataille, Jean Genet et Samuel Beckett. L’étude part de la constatation effectuée par Jean-François Lyotard selon laquelle la question du sublime se pose à chaque fois qu’une crise de la représentation a lieu [âges de la poétique et de l’esthétique, âge actuel] afin de confronter l’art à ce qui l’excède, lui permettant ainsi de se renouveler. Elle montre que la notion de sublime tend également, lors de chacune de ses réapparitions, à se rapprocher davantage de la notion d’abject, sensée lui être diamétralement opposée. C’est ce qui apparaît dans les oeuvres de Bataille, Genet et Beckett où la doxa qui organise le monde et les valeurs à partir de paradigmes purement antithétiques est déconstruite. Cette redéfinition du rapport entre les notions est analysée aux niveaux stylistique, poétique, esthétique, empirique, psychanalytique, moral et éthique. Un chapitre est dédié à l’étude du phénomène dans l’oeuvre de chaque auteur. Bataille remet en question la hiérarchie entre les notions en définissant un nouvel humanisme « noir » – ou « hyperhumanisme » – grâce à un terrorisme notionnel et littéraire pensant la communication comme un sacrifice. Genet se fait le chantre de l’abject en empruntant les moyens du sublime et en retournant chaque notion en son contraire, au point de ne plus pouvoir les distinguer. Beckett met en place une poétique de la Vanité, déclinée sur les modes classique et postmoderne, permettant de rendre compte de l’inhérente proximité et complémentarité des notions grandissant à travers les siècles. À défaut de proposer une solution au problème posé par Lyotard, ce travail montre la nécessité de prendre en considération le lien unissant le sublime à l’abject lors de toute tentative de renouvellement artistique
This thesis examines the destabilization of the hierarchical relationship between the abject and the sublime in the works [i.e. plays, prose narratives and essays] of Georges Bataille, Jean Genet and Samuel Beckett. Its starting point is Jean-François Lyotard’s observation that the question of the sublime is raised each time there is a crisis within representation [in the age of poetics, of aesthetics, or in the present day] in order to set up a confrontation between art and that which exceeds art, permitting art to renew itself. Subsequently, it is argued that whenever the notion of the sublime appears it moves in proximity to – and sometimes merges with – its opposite : the abject. This is the case in the works of Bataille, Genet and Beckett, in which a doxa that understands the world and organizes values in terms of purely antithetical paradigms is deconstructed. This redefinition of the relationship between the sublime and the abject is analysed on a poetic, stylistic, aesthetic, empirical, psychoanalytic, moral and ethical level in the work of each author. Bataille can be said to interrogate the hierarchical separation of the two notions in defining a new « black » humanism – or « hyperhumanism » – through the use of a notional and literary terrorism which conceives of communication as sacrifice. Genet makes himself the eulogist of the abject in using sublime means and by changing each notion into its opposite, to the point that it is impossible to distinguish between the two. Beckett introduces a poetics of the Vanitas, understood in both its classical and its postmodern aspects, revealing the developing proximity and complementarity of the two notions. Rather than provide definite answers to the questions Lyotard poses, this thesis demonstrates the need to consider the links and affinities between the sublime and the abject in all attempts at artistic renewal

Au coeur de la culture et de l'histoire européennes depuis plus de deux mille ans, le Rhin faitl'objet d'une abondante littérature. La fascination qu'il exerce s'accompagne généralementd'une focalisation sur certains secteurs de son cours dont la Suisse semble exclue, alors que lefleuve prend sa source dans ce pays et qu'il le traverse ou le longe sur environ 250 kilomètres.La Suisse étant, surtout depuis le milieu du XVIIIe siècle, une destination de voyage trèsprisée, l'objectif de notre recherche a été de savoir si l'intérêt apparemment limité pour leRhin helvétique valait également dans le domaine de la littérature de voyage. Basé surl'analyse de guides, d'ouvrages descriptifs et iconographiques et de récits de voyage, leprésent travail a pour objet de mettre en lumière les représentations du fleuve depuis sessources jusqu'à Bâle telles qu'elles ont été véhiculées par la littérature viatique européenne duXVe au XIXe siècle. Notre corpus ne se limitant pas à la sphère germanophone, nous abordonsl'image du Rhin suisse sous un angle comparatiste et proposons un panorama européen desreprésentations en question. Par ailleurs, notre enquête s'inscrit dans l'évolution de laperception du paysage, tant dans ses manifestations naturelles que culturelles, et s'efforce defaire ressortir l'influence de notions comme le sublime et le pittoresque sur les écrits que nosauteurs ont consacrés au tronçon helvétique du fleuve.

À parcourir les descriptions spatio-temporelles du monde qui précèdent la « géographie » d’Ératosthène, on constate qu’évoquer le Pont-Euxin en tant que concept géographique est un anachronisme : les lieux, les peuples et les actions mythiques, littéraires et historiques situées, par les Modernes, dans la région de la mer Noire sont associées par les Grecs archaïques et classiques soit à un Au-delà, soit au Nord de l’œkoumène méditerranéen soit à d’autres Hellades non-égéennes soit, enfin, à un arc scythe dont nous écrivons ici l’histoire. Nous commençons par des Prolégomènes théoriques qui proposent, entre autres, une nouvelle taxinomie des perceptions spatiales antiques, par les vues hodologique, topologique et œkouménologique de l’espace supra-humain, ainsi qu’une définition de la géographie antique par ses caractéristiques d’hétérogénéité, de transgénéricité, de conservatisme et de déterminisme. En nous appuyant sur cette base terminologique et sur des connaissances de linguistique, de tradition littéraire antique et parfois médiévale, d’histoire, d’iconographie et d’archéologie pontique, nous analysons l’épopée d’Homère, d’Hésiode et d’Eumèle de Corinthe, les ïambes d’Hipponax, les fragments d’Aristéas de Proconnèse et d’Hécatée de Milet, les odes de Pindare, les tragédies d’Eschyle, de Sophocle et d’Euripide, les Histoires d’Hérodote et des autres logographes méconnus, le De aere d’Hippocrate, l’Anabase de Xénophon, le Périple – manuel d’hellénisme – du Pseudo-Scylax et, enfin, les réflexions pontiques d’Ératosthène. Nous aboutissons à une histoire des perceptions et des représentations de la mer Noire et, plus largement, de l’espace œkouménique grec
Reading the Greek geographical and historical descriptions written before the time of Eratosthenes, one notices that, for all these authors, the Euxine Pontus was not yet a geographical concept : places, peoples and actions, mythical, literary and historical, located in this region from a modern perspective, were situated by the Greeks of the Archaic and Classical times either in the “Beyond”, or in the North of the œkouménè, or in some other non-Aegaean Hellas, or in a “Scythian arc”. The history of this geographical (as well as ethnographic and historical) figure constitutes the main focus of the present research. I begin with some theoretical prolegomena, in which I suggest, amongst other things, a new taxonomy of ancient spatial perceptions, including “hodological”, “topological”, and “oekoumenological” points of view, as well as a definition of ancient geography based upon notions of heterogeneity, transgenericity, conservatism, and determinism. With this terminological foundation established, and employing a combination of evidence (linguistic, ancient and occasionally mediaeval literature, history, iconography, and Pontic archaeology), in the five chapters that follow, I analyse the Pontic references to be found in the Homeric epics, in Hesiod, Eumelus of Corinth, Hipponax, Aristeas of Proconnesus, Hecataeus of Miletus, Pindar, Aeschylus, Sophocles, Euripides, Herodotus’s Histories, Hippocrates’ De aere, Xenophon’s Anabasis, Pseudo-Scylax’s Periplus, and the fragments of Eratosthenes. The dissertation therefore leads to a history of the perceptions and representations of the Black Sea region and, more broadly, of the Greek œkoumene in Archaic and Classical times

S’inscrivant dans un courant majeur de la recherche historique et de la réflexion épistémologique actuelles sur l’étude des phénomènes de construction identitaire dans l’Antiquité, notre recherche s’intéresse plus particulièrement aux processus de construction de discours d’appartenance identitaire dans la littérature judéenne et chrétienne aux Ier et IIe siècles. Il apparaît vain de vouloir circonscrire une définition unique et unilatérale de ces identités durant cette période, car une telle définition s’avérerait plus utopique que réaliste en raison de la pluralité des mouvements qui composent le « judaïsme » et le « christianisme » anciens et des auteurs qui ont tenté, par leurs discours, de définir et de présenter ces identités. Établir une liste de critères pour délimiter ces identités et, par conséquent, pour distinguer ceux qui peuvent ou non se réclamer d’être Judéens ou chrétiens, nous semble inadéquat pour la réalité antique. Par conséquent, la perspective adoptée dans cette recherche est de réfléchir à la manière dont il convient d’aborder les identités anciennes et les processus de construction identitaire dans l’Antiquité à la fois comme objet d’étude et comme approche disciplinaire. Notre recherche consiste en une étude socio-historique des identités judéennes et chrétiennes des Ier et IIe siècles tout en proposant une réflexion méthodologique, épistémologique, terminologique et historiographique des questions et phénomènes identitaires anciens qui sont abordés dans une perspective « – emic » et « – etic » et à partir de divers postes d’observation prenant en considération des points de vue internes (insiders) et externes (outsiders) à ces identités
As part of a major trend of historical research and of current epistemological discussion on the study of the identity building process phenomena in Antiquity, our research focuses specifically on the building process of identity belonging discourses in the Judean and Christian literature of the First and Second centuries. Restricting the Judean and Christian identities of this period to a unique and unilateral definition would be erroneous, since such a definition would be more utopian than realistic because of the plurality of communities that take part in ancient Judaism and ancient Christianity, and because of the plurality of authors that tried to define and elaborate theses identities in their discourses. Establishing a list of criteria to define these identities and, in turn, to distinguish those who may or may not declare themselves Judeans or Christians, seems inadequate for Ancient times. Therefore, the perspective of this research is rather to rethink how the problem of ancient identities as well as the problem of building process of identity in Antiquity should be addressed, by approaching it at the same time as an object study and a disciplinary approach. Our research is therefore a socio-historical study of Judean and Christian identities of the First and Second centuries as well as a discussion on methodological, epistemological, terminological and historiographical approaches of problems relating to ancient identities phenomena; theses are discussed through “– emic” and “– etic” from diverse elements that take into consideration internal point of view (insiders) and external point of view (outsiders) to these identities

Les figures du pauvre sont variées dans la littérature latine tardive. Divers mots le désignent, qualifiant ainsi différents degrés de pauvreté : les egentes sont les indigents les plus misérables, les inopes les faibles, les pauperes des plébéiens dont certains historiens ont récemment dit qu'ils formaient une "classe moyenne". Mais cette taxinomie ne suffit pas, les mots étant parfois employés les uns pour les autres, parfois totalement dévoyés par rapport à leur sens commun. Pour comprendre cette complexité, il a fallu restituer le contexte dans lequel était employé le vocabulaire de la pauvreté. Ce sont les auteurs chrétiens qui bâtissent du pauvre l'image la plus complexe, qui n'est dailleurs pas forcément la plus cohérente. .
The figures of the poor are varied in late Latin literature. Different words are used to designate the poor, thus qualifying different degrees of poverty : the egentes are the most destitute, the inopes are the weak, the pauperes are members of the plebs who according to recent statements by historians, formed a "middle class". But this taxinomy is not sufficient, words being sometimes used interchangeably, sometimes totally out of accordance with their usual meanings. To understand this complexity, it was necessary to restore the context in which the vocabulary of poverty was used. Christian authors build the most complex image of the poor, which is not necessarily the most consistant

Chez mauriac le desir de se confesser s'exprime dans ses romans sous la forme d'une auto-analyse sur la raison pour laquelle il ne peut pas ecrire son autobiographie, l'auto-analyse porte sur la raison obscure qui echappe au romancier. Mais la fiction conduit l'ecrivain a se confesser sous la forme deguisee, en suivant le mouvement de l'inconscient qui s'organise autour de trois thematiques : l'image du corps, la symbolique des noms et la symbolique de l'argent. Ces trois thematiques constituent le langage de l'inconscient par lequel les deux fantasmes suivent la sublimation : la naissance virginale et la mere phallique. Ces deux fantasmes s'opposent l'un a l'autre dans un antagonisme profond auquel l'oeuvre romanesque de mauriac doit sa forme poetique
In mauriac's novels, the desire to confess appears through the autoanalysis form concerning the reason of his incapacity to write his auto-bio-graphy. The auto-analysis concerns the obscure reason which the novelist can not apprehend. But the fiction leads the author to confess under a disquised form, following the movement of the unconscious around three themes : the image of the body, symbolics of names and symbolics of money. These three themes compose the language of the unconscious through which the two fantasies - the virginal birth and the phallic mother - can reach their sublimation. These two fantasies are confronting each other in a psychic antagonism, the connotation of which is expressed in a poetical form in mauriac's novels

Josèphe cherche à expliquer qui sont les Juifs à travers son œuvre. Il présente donc les individus qui ont marqué l'histoire juive. Les personnages historiques deviennent ses porte-paroles. Le récit des deux œuvres historiques est ainsi structuré afin de célébrer les grands personnages de l'histoire juive. Certains d'entre eux ont toutes les caractéristiques du héros grec. Ils en ont les vertus cardinales. Cette chaîne de justes à travers l'histoire est ininterrompue d'Abraham à Izatès, dernier héros des Antiquités, peint comme un héros biblique. A l'opposé se dressent les scélérats animés de vices communs. Le premier groupe n'est pas réservé aux Juifs et le second aux non-Juifs car la vertu et le vice sont universels. Les caractéristiques du bon prince sont les mêmes chez tous les peuples. Un monarque pai͏̈en peut ainsi avoir comme conseiller un Juif. Il n'y a plus d'identité intrinsèquement juive. La spécificité juive réside seulement dans la relation à Dieu et le respect de la Loi.

La science-fiction a, depuis ses origines, abordé les questions spirituelles telles que la mort, la transcendance, le sens de la vie et de la condition humaine. Au lieu de se définir comme une littérature d'idées fondée sur la science, elle est bien davantage une littérature d'images qui se fonde sur une " problématisation " de notre monde. Elle construit des configurations fictionnelles qui suscitent, chez le lecteur, un étonnement fondamental, le sense of wonder. Dès lors, elle envisage des problèmes essentiels, qu'ils soient biologiques, politiques, ou spirituels. Ouvrant à un espace-temps potentiellement infini, elle peut mettre en scène des quêtes à l'échelle du cosmos, ouvrir sur l'éternité et le temps du mythe, réinterpréter les grandes traditions religieuses pour les problématiser, ou dessiner un espace du sublime dans la confrontation avec le mystère. Il s'agit de définir la science-fiction comme un genre littéraire problématologique, qui s'appuie sur des récits et des images. Ce travail examine le traitement des questions spirituelles dans la science-fiction française, anglaise et américaine, depuis le XIXe siècle. Il se réfère à une dizaine de romans et trois films. En s'appuyant sur ce corpus spécifique de romans et de films, il s'attache à établir des cadres théoriques et à identifier des œuvres qui constituent des jalons dans l'histoire de la science-fiction et qui illustrent cette perspective problématologique.

Le genre épistolaire présente entre le IVe et VIe siècle apr. J.-C. un nombre significatif d'actes d'offrir qui ont rarement été examinés de manière systématique en histoire de l'Antiquité tardive. Les cadeaux interpersonnels ne sont pas seulement des objets qui passent de main en main, mais des actes de communication, dont l'analyse différenciée est en mesure d'apporter des précisions sur les interactions entre le donateur et le destinataire, les choix médiatiques et la volonté de transmettre des messages à l'aide d'objets. En appliquant les outils des sciences de la communication à une source littéraire particulière, cette thèse présente une approche alternative de la question du don dans l'Antiquité tardive
Letters from the 4th to the 6th century A.C. show a significant number of gift-giving situations. These have never been systematically analyzed in late antique history. Interpersonal gifts might be interpretated as acts of communication, not only as objects passed over from hand to hand. In order to determine the interaction between the giver and the addressee, their choices of media and the desire of tansmitting messages throught objects, a differenciated analysis is important. With the help of well-established tools from communication studies, the work at hand presents an alternative method for approching gift-giving in Late Antiquity

L'Égypte est l'objet d'une idéalisation dépendant parfois de "lieux communs" plus anciens que la période tardive (IIIe-VIIe s. ) - du point de vue de la géographie tardive, l'Égypte est décrite comme un pays de confins, héllénise mais en contact avec le haut Nil - la description du pays d'Égypte est conditionnée par des passages obligés, comme l'évocation du cours et de la crue du Nil et des "bêtes emblematiques" qui y vivent. La civilisation égyptienne est idéalisée sous deux formes : pharaonique et alexandrine. L'Égypte ancienne est imaginée comme l'initiatrice d'une sagesse originelle qui s'est transmise à l'Occident par l'intermédiaire d'Alexandrie, "sommet de toute l'Hellade". Cette sagesse doit être mise en rapport avec la religion solaire qui unifie le paganisme antique tardif. L'iconographie de l'Égypte en Occident délivre un message comparable. Aux scènes nilotiques classiques s'ajoutent des scènes paradisiaques, parfois reprises dans le répertoire chrétien. En revanche, l'historiographie de l'Égypte tardive révèle une image négative : l'Égypte est un peuple versatile et violent. Du point de vue religieux, les cultes isiaques sont l'objet d'une polémique entre païens et chrétiens. A l'Égypte de dieux innombrables, les chrétiens opposent l'Égypte convertie au monachisme. Mais les récits monastiques ne sont pas exempts de mythèmes hérités des croyances de l'Égypte ancienne
In late antiquity, Egypt is the matter of an idealization that depends sometimes of commmonplaces older that this period (3-7 ct. A. D. ). On the point of view of late Roman geography, Rgypt is described as a border-country, hellenized but also in contact with the Nile-countries of black Africa. The description of Egypt is conditionned by such commonplaces as the description of the river Nile, of its overflowing and the (sometimes emblematic) animals that live by the river. Egyptian civilization is idealized under two aspects, the pharaonic one and the alexandrinic. Ancient Egypt is imagined as the author of an original wisdom that has come to greece and latin west through alexandria, "the summit of all hellas". This wisdom must be linked with solar religion of the 3rd ct. , that that unifies late antique paganism. The iconography of Egypt in west deliveries a comparable message. To the classical nilotic scenes must be added idyllic scenes, that are sometimes reused in Christian repertories. On the contrary, the historiography of late Egypt shows a negative image : Egyptian people are unsteady and violent. On the religious point of view, the isiac cults are the matter of a controversy between pagans and christians. To Egypt defined by its innumerable gods, the christians oppone an egypt converted to monachism. But the latin monastic tells are very oft influenced by mythic structures inherited from old Egyptian beleafs

L'introduction discute le sens des mots hesychia, apragmosyne et schole, et analyse la bibliographie. La première partie montre la naissance, sur le fond d'une éthique de l'activité unanimement acceptée, d'un idéal d'hesychia individuelle et civique dans les cités grecques archaïques; elle comprend en particulier une traduction et un commentaire de la huitième pythique de Pindare. La seconde partie, consacrée principalement à la littérature de la démocratie athénienne, établit que la thématique du citoyen tranquille contraint à l'activité politique, qui tient à la nature même de la démocratie athénienne, n'est pas seulement un lieu commun des discours judiciaires, mais joue un rôle important dans le théâtre (surtout chez Aristophane et Euripide) et dans l'histoire (surtout chez Thucydide). Une interprétation nouvelle du théâtre d’Euripide est en particulier proposée, selon laquelle, loin d'aller vers la Vita contemplativa, il s'oriente vers la mise en scène de l'engagement des sages tranquilles pour le salut de la cité. La troisième partie montre comment, prolongeant à la fois l'idéal archaïque et les débats athéniens, Xénophon, Platon, Isocrate et Aristote étudient chacun à sa façon la conciliation entre les nécessités de l'action (en particulier de l'action politique) et de la tranquillité, en élaborant une idéologie de la schole comme temps dégagé pour l'action du chef et du philosophe. Cela contraste avec la réutilisation chez Démosthène de la thématique démocratique. Les nouveaux idéaux de tranquillité que proposent Épicure et les premiers sceptiques sont enfin brièvement étudiés. La conclusion oppose aux développements ultérieurs du thème de la vita contemplativa la ligne de force de la thèse : les idéaux d'hesychia, d'apragmosyne et même de schole sont principalement des idéaux civiques, indissociables de la question du salut de la cité
The introduction discusses the meanings of hesychia, apragmosyne and schole. The first part shows the growth of an ideal of individual and collective tranquility in archaic Greece, with special reference to the traditional praise of activity and to Pindar’s eighth pythian (translated with historical and literary commentary). The second part studies the democratic topos of the quiet citizen who is involved in politics and litigation and shows that it plays a great part in the literature of the classical period, leading to the demand for a new kind of quiet politics (Aristophanes, Euripides, Thucydides). This accounts for the growth of the schole-ideologies which the third part studies in the philosophers of the fourth century (Xenophon, Plato, Isocrates, Aristotle). Schole is no longer a paradise for idleness, but leisure time for the pursuit of higher activities, politics and philosophy, in contrast to both Demosthenes revival of the democratic topoi and the new epicurean and sceptic ideals. The conclusion emphasizes that, when praising hesychia and schole, the archaic and classical literature of ancient Greece is mainly concerned with political aims, namely the safety of the polis

Issu d'une génération formée à la rhétorique, Péguy s'est révolté contre ce cadre d'écriture formel, tout en restant fidèle à l'esprit des humanités. Son attitude présente un grand intérêt : contemporaine des réformes de l'enseignement, elle contribue à définir la définition moderne d'un style singulier, certes inspirée du classique, mais en s'opposant aux méthodes nouvelles des positivistes. Il s'agit en même temps de répudier la rhétorique politique. Péguy refuse l'orgueil des démonstrations toutes faites. Mais l'inquiétude et la recherche ne le dispensent pas d'une puissante éloquence. Marqué par l'enseignement du goût pour la simplicité, Péguy convertit la convenance rhétorique en justesse éthique et esthétique. Son retour paradoxal aux sources littéraires permet une représentation audacieuse de la réalité. L'enjeu de son style est de dévoiler l'ordre secret du réel. En effet, il s'agit pour Péguy de rendre son relief et ses formes à un monde où il ne trouve plus que platitude et abstraction. L'ancien aptum exprime alors la grandeur cachée de tout élément du monde, s'il est investi dans le drame des retrouvailles avec l'origine et la voix divine. Péguy participe au renouvellement de la littérature spirituelle et du style sublime au début du XXe siècle, par sa familiarité avec le sacré. Son style se fait dès lors figure, véritablement incarnée, et non pas écriture autonome, ni lettre pétrifiante
Belonging to a generation that had learnt rhetorics, Péguy revolted himself against such formal writing pattern, while remaining faithful to the spirit of ancient humanities. His reaction is mostly interesting, in so far as it takes place among the modern definitions of a style of one's own, even if inspired by the classical taste, but in opposition to the manner of the positivists. Péguy also rejected the eloquence of politicians. He refused the self-assurance of ready-made demonstrations. But his anxiety and perpetual research didn't imply a lack of eloquence. Influenced by the everlasting notion of simplicity, he converted the rhetorical convenance into an ethic as well as esthetic accuracy. Péguy's paradoxical way back to the sources of literature leads to an inventive representation of reality. Then, the style tends to reveal the secret order of reality. Indeed he intends to render its forms and dimensions to a world in which he feels surrounded by platitude and abstraction. The ancient criterium of aptum is induced to convey the hidden greatness of each piece of reality that becomes involved into the dramatic search for the origin and the godly voice. Hence he takes part in the revival of spiritual literature and of the sublime at the beginning of XXth century, in being familiar with the divine. Péguy's style become a figure, really incarned, far from the lethal power of the letter and of an enclosing autonomy

Les héros des grandes tragédies de Shakespeare s'égarent et grâce à cette dérive orchestrée par le dramaturge parviennent à transcender leur nature pour accéder à un savoir précieux. Ils quittent la pénombre ambiante et s'élèvent vers une connaissance lumineuse qui leur permet de reconsidérer la signification de l'expérience humaine. Hamlet s'enlise dans les sables mouvants de la conscience, Lear est terrassé par la folie et Macbeth se lance corps et âme dans le mal. Ces trois personnes fascinent du fait de la grandeur dont ils sont investis au terme de leur parcours et du mystère qui dramatique : Shakespeare ne présente pas des hommes mais des "êtres de mots" et tout ce qui leur arrive n'est que l'image d'une destinée. Le théâtre obéit à des lois qui lui sont propres et l'analyse du langage, de même que le rapport au spectateur sont au cœur de la démarche que le critique doit adopter. Le public assiste à la désintégration de personnages soudain grandis par la reconnaissance (anagnoris en grec) de la petitesse des hommes mais qui s'avèrent incapables de tirer parti de ce savoir chèrement acquis. Les spectateurs, inclus dans la représentation par un jeu de miroirs vertigineux, sont les seuls bénéficiaires de l'expérience représentée. Shakespeare s'est efforcé de débarrasser ses contemporains du carcan de l'espérance afin de privilégier une approche plus vraie et plus enrichissante de leur parcours
The heroes of the great tragedies of Shakespeare lose their way and manage, thanks to this drift organized by the playwright, to transcend their nature and attain to a precious knowledge. They leave the darkness of their world and rise to a bright light which enables them to take a new look at the meaning of human experience. Hamlet sinks into the quicksands of his consciousness, Lear is overcome by madness and Macbeth commits himself body and soul to evil. These three characters fascinate owing to the greatness they are endowed with at the end of their course and to the mystery they are shrouded in. Their fates are approached in terms of dramatic writing technique: Shakespeare does not introduce us to men but to 'word creatures' and all that happens to them is nothing but the image of a destiny. The theatre obeys its own rules and the analysis of the words; along with the relation to the spectators are the be-all and end-all of the method the critic must use. The audience attends the disintegration of characters that suddenly grow in stature as they realize how meaningless man's life is. This recognition (anagnorisis in Greek) proves pointless in that the dramatis personae are unable to take advantage of that painful revelation. The public, included in the performance thanks to breathtaking mirroring effects, are the only people who can actually draw

Loin d'être un corollaire immédiat et passif de l'écriture, la lecture constitue un objet d'étude autonome et fournit même sur le monde romain un point de vue irremplaçable, puisqu'elle permet de dépasser l'opposition traditionnelle entre civilisations orales et civilisations à écriture, et d'analyser la façon dont la parole et l'écrit conjuguent leurs effets. Malgré l'existence de la lecture silencieuse, manifestement réservée à certains usages "marqués", l'opalisation persiste en occident jusqu'a une date tardive. Pourquoi la voix n'abdique-t-elle pas ? L'étude des différentes formes de lecture à haute voix montre que l'opalisation n'a pas pour unique fonction de donner sens à l'écrit, pour le communiquer, mais qu'elle est un élément indispensable à l'efficacité même de l'écrit. La lecture oralisée n'est pas une simple mise en voix. Elle peut avoir pour effet de fabriquer du texte (recitatio). "Parole sans voix", la lecture de l'épitaphe instaure une fiction, exprimant la nécessité pour le lecteur de combler le vide laisse par le scripteur. La procédure de double oralisation (praeire verbis) enfin, caractérisant certains types de rituels, répond au double désir de produire une énonciation entièrement publique et de concilier une aspiration de continuité et d'adaptation
Far from being a direct and passive consequence of writing, reading forms an independent subject of study and even offers on the roman world a precious standpoint, as it enables us to go beyond the bounds of the traditional opposition between orality and literacy and to analyze the way speech and writing combine their effects. Despite the existence of silent reading, reading aloud is still in use in occidental culture till the 8th century. Why the voice did not abdicate? By studying the different forms of loud reading, we found that vocalization is not only intended to give sense and to communicate, but that it contributes to make writing efficient. Reading aloud is not a simple oral deciphering. It may be used to produce some text (recitatio). As "silent speech", funerary inscriptions institute a fiction, revealing the necessity for the reader to fill the gap that is left by the writer. Lastly, the "double vocalization" process (praeire verbis) characterizing a few types of rituals, answers the double necessity of producing an entirely public statement and of reconciling a paradoxal aspiration of continuity and change

La folie des filles du roi mythique Proetos, relatée par plusieurs sources grecques et romaines, propose quelques questions d’intérêt anthropologique à propos du rôle de la jeune fille pubère dans la société grecque. On retrace ici les étapes essentielles du mythe - offense des Proetides à Hera et Dionysos ; châtiment divin par la folie et aussi, d’après quelques sources, par une forme de lasciveté, dermatose et alopécie; guérison des princesses et leurs noces avec le devin - guérisseur Melampous et son frère Bias - en faisant une comparaison avec d'autres personnages féminins de la tradition classique (Minyades, Lemniennes, Pandarides, Erigoné) et en remarquant surtout les analogies entre les littératures mythique et médicale. Les Proetides, donc, devenues folles juste au moment où elles seraient prêtes à se marier, deviennent le paradigme mythique de la crise de croissance des jeunes vierges pendant leur phase de passage du status de fille à celui de femme et mère
The myth concerning the madness of king Proitos' daughters, reported by many Greek and Latin sources, raises several issues of anthropological interest about the role of the pubescent girl in the ancient Greek world. In my thesis I cover all the most important phases of this myth - the Proetides ' affront to Hera and Dionysos; their divine punishment in the form of madness and, as some sources say, of a kind of wantonness, dermatosis and alopecia; their recovery and marriage to the soothsayer-healer Melampous and his brother Bias - comparing it with other accounts concerning female characters of classical tradition (Minyas’ daughters, Lemniads, Pandareides, Erigone) and stressing the analogies between mythical and medical literature. To sum up, the Proitides, who become mad exactly when they are supposed to be ready for marriage, represent in Greek culture the mythical paradigm of young Virgin's growth crisis during her transition from the status of daughter to that of wife and mother

Les mythes grecs « font signe sans signifier, montrant, dérobant, toujours limpides disant le mystère transparent, le mystère de la transparence1 ». Maurice Blanchot dans cette remarque met en valeur le mystère inhérent à tout mythe. Il en va ainsi pour le mythe de Narcisse qui a connu un succès considérable à l’époque médiévale mais dont il n’est pas aisé de fixer un sens stable. C’est de la version du célèbre poète de l’époque augustéenne, Ovide, que les auteurs médiévaux ont hérité. La richesse de la légende, conférée par les nombreux ajouts d’Ovide, leur a permis de déployer à leur tour de nombreux sens nouveaux.Narcisse est avant tout perçu comme figure amoureuse. Narcisse est l’amant malheureux qui souffre d’une passion si forte qu’il finit par en mourir. L’objet de l’amour de Narcisse est bien souvent tu et oublié dans les reprises médiévales. Peu importe finalement qu’il ait aimé une ombre, l’accent est mis sur l’intensité de son amour et surtout sur ses funestes conséquences. La passion entraîne Narcisse sur le chemin de la mort : mort de l’esprit sous le coup de la folie et mort physique. Narcisse a été un objet de choix pour la poésie de la fin’amor. Troubadours et trouvères ont réélaboré la figure de Narcisse en parfait représentant du fin amant entre les XIIe et XIIIe siècles. Par ailleurs, la figure de Narcisse entretient des liens étroits avec les représentations du mélancolique, issues des théories psychophysiologiques sur l’amour de la philosophie et de la médecine.Le mythe a également inspiré des lectures morales. En effet, tout un pan des reprises du mythe – le pan chrétien – dévoile Narcisse sous les traits d’un pécheur entaché de défauts. L’orgueil dont il fait preuve est dans la conception chrétienne laracine de tous les maux ; ce vice engendre la vanité et l’arrogance. De la fin du XIIe au XIVe siècles, les clercs font de Narcisse l’incarnation parfaite de tous ces défauts. Selon la perspective adoptée la condamnation change légèrement mais l’idée reste lamême : Narcisse est imbu de sa propre personne et en tire une satisfaction trop haute.Enfin l’eau de la source, l’un des motifs essentiels du mythe de Narcisse, a été le point de convergence de plusieurs traditions qui ont fini par s’entremêler dans les œuvres médiévales : le motif biblique de l’eau d’un côté, de l’autre les conceptions néoplatoniciennes sur le reflet et le mythe antique de Narcisse. Un réseau d’images similaires irrigue ces traditions, constitué de l’eau claire, du reflet et de la fontaine. Le "fons" antique s’est peu à peu métamorphosé en fontaine médiévale jusqu’à devenir véritable miroir. Le motif du miroir s’autonomise peu à peu par rapport à la surface des eaux. La dimension fantasmatique de l’amour de Narcisse pour son reflet s’amplifie nettement. Se voir soi-même dans un miroir constitue une expérience étrange où l’individu touche au secret de son être. Incapable de l’atteindre réellement, il voit son intimité se dérober à lui, ce qui provoque son désenchantement. Le miroir, véritable porte d’entrée sur le rêve, est un motif idéal pour figurer tous les possibles de l’acte d’écriture. C’est pourquoi certaines reprises médiévales offrent l’utopie d’un amour partagé tandis que d’autres préfèrent peindreles travers de l’être humain. Le miroir enfin se fait métaphore de l’écriture ellemême. La présence de Narcisse se réalise sous des formes plus ou moins implicites dans ces œuvres dont la portée réflexive est actualisée par le motif du miroir
Greek myths « font signe sans signifier, montrant, dérobant, toujours limpides disant le mystère transparent, le mystère de la transparence2 ». With these words, Maurice Blanchot insists on the very mystery of all myth. It is also the case for the myth of the Narcissus that has known a considerable success in the medieval time but for which it is difficult to … a stable meaning. It is the famous Augustinian poet Ovidius myth that the medieval authors inherited. They added new meanings to the already rich legend, following the footsteps of Ovidius.Narcissus is foremost a figure in love. Narcissus is the unfortunate lover who suffers such a strong passion he dies from it. What he is in love with can be ignored in the medieval versions. Even if he loved a shadow, it is the intensity of his love and the funest consequences the texts insist on. Passion drives Narcissus on the road to death : spiritual death because of Madness et physical death. Narcissus was a prime subject for fin’amor poetry. Troubadours and trouveres made of Narcissus the perfect example of the fin amant between the XIIth and XIIIth centuries. Moreover Narcissus is the deeply linked to the representation of the melancholic that came from the psycho-physiological philosophical and medical theories of love.Moral Reading were also inspired by the myth. Indeed, Narcissus becomes a sinner full of flaws Under the Christian vision of the myth. Pride is the origin of all the flaws: vanity and arrogance are direct consequences. Narcissus becomes the perfect incarnation of these sins. Depending of the point of view the condemnation may vary but the idea is still the same: Narcissus is self-important and is too pleased with himself. Finally the water from the source, one of the most important aspect of the Narcissus mythology, became the meeting point of several traditions which interlaced in the medieval work: biblical water on one side and neoplatonician conceptions of reflection and ancient myth of Narcissus. The ancient fons transforms itself into a medieval fountain and a true mirror. The mirror becomes more and more independent from the surface of water. The phantasmatical dimension of the Narcissus love for his reflection is developed

L'étude traite de l'évolution de la prière, particulièrement romaine et telle que les sources littéraires en rendent compte, depuis sa formulation traditionnelle jusqu'à la pratique de l'oraison isiaque à caractère mystique. La première partie analyse la prière romaine traditionnelle du point de vue de sa structure et expose d'abord l'importance des aspects morphologiques et sémantiques de l'invocation, puis le rôle et la formulation de la demande et de l'argumentation précatoires, avant que ne soient abordées la prière à préoccupation morale et la prière personnelle à Rome. La deuxième partie analyse la prière isiaque dans le domaine latin, en s'appuyant particulièrement sur le livre XI des Métamorphoses d'Apulée. Les observations portées sur les deux prières et le discours d'Isis issus de cette œuvre sont appuyées par des extraits poétiques d'Ovide, de Tibulle et de Claudien. Le but principal des remarques formulées est de distinguer éventuellement entre la prière à caractère exotique adressée à Isis et la prière de l'initié. La troisième partie propose de rapprocher les textes étudiés de sources grecques et de documents épigraphiques latins. Les prières présentes dans Les Ephésiaques de Xénophon d'Ephèse et les hymnes arétalogiques montrent des thèmes et des procédés d'éloge proches de la structure et des moyens d'expression de la prière romaine, plus spécifiquement de la prière mystique. Les inscriptions épigraphiques latines soulignent l'appropriation des éléments propres au culte isiaque par les dédicants, qu'ils soient initiés ou non. La conclusion de l'étude propose une interprétation de la prière mystique des Métamorphoses comme arétalogie implicite. De plus, on peut penser que le fidèle romain ne méconnaît pas, à côté des formulations traditionnelles, le lien personnel avec les dieux qu'il prie et peut s'acheminer jusqu'à la prière mystique en adaptant sa démarche et en adoptant de nouveaux modes de pensée et d'expression rituelle
The study deals with the evolution of the Roman prayer, as literary sources allow us to perceive it, since its traditional expression to the isiac and mystic orison. The first part analyses the Roman traditional prayer as regards its structure and expounds first how important the morphological and semantic elements of the invocation stand, then the function and formulation of the precatory request and argument. The prayer dealing with moral matter and the personal prayer in Rome are finally treated. The second part analyses the isiac prayer in the Latin field, emphasing the book XI of Apuleius' Metamorphoses. Poetic extracts from Ovid's, Tibullus' and Claudian's back up the comments relating to the two prayers and Isis' speech which come from the Metamorphoses. The formulated remarks mainly aim at the possibility of distinguishing the exotic pattern prayer which addresses Isis from the initiate's prayer. The third part puts forward parallels between the former studied sources and Greek sources as well as Latin epigraphic texts. Prayers coming from the Ephesiacs of Xenophon of Ephesus and aretalogies lay out themes and eulogistical means which are close to the structure and the ways of expression of the Roman prayer, and more specifically of the mystic prayer. Latin epigraphic inscriptions show how dedicatees, whether they are intiates or not, appropriated caracteristic elements of the isiac cult. The conclusion of the study deals with an interpretation of the mystic prayer from the Metamorphoses as an implicit aretalogy. In conclusion, it seems that the Roman devotee does know, apart from traditional expression, a personal relationship with the gods he prays. He can therefore move towards mystic prayer and adapt the reasoning to new ways of thinking and to a new ritual expression

Le genre romanesque est un genre littéraire qui fit son apparition dans les premiers siècles de notre ère, probablement dans l'une des régions les plus florissantes de l'empire romain, l'Asie mineure, à la faveur notamment de la renaissance des lettres grecques baptisée du nom de seconde sophistique. Or le roman grec a ceci de particulier qu'il raconte toujours la même histoire : celle d'un jeune homme et d'une jeune fille qui s'aiment mais sont separés par de terribles coups du sort qui, au cours d'un long voyage maritime, les mènent aux confins du monde grec ; transformés par cette mise à l'épreuve, ils font un retour triomphal dans la cité de leurs pères. Cette éducation de la jeunesse prend, selon une ancienne tradition grecque, la forme d'un rite de passage et s'appuie sur une différenciation marquée des ages et des sexes. Nous nous efforcerons de montrer que cette structure narrative caractéristique du roman grec doit être interprétée à la lumiere de ce que nous savons de la communauté qui produisit cette nouvelle forme litteraire, à savoir les élites urbaines des provinces héllénisées. Elle nous semble en effet pouvoir être expliquée en termes d'identité politique, son étude constituant un apport supplémentaire à l'élaboration d'une histoire culturelle des cités grecques de l'Empire.

L’étude de l’œuvre de l’auteur fantastique américain H.P. Lovecraft a souvent été mise de côté dans les études littéraires, où on qualifiait son style d’excessif et maladroit. Celui-ci a alimenté beaucoup de débats sur l’appartenance de Lovecraft au genre fantastique en général, duquel on l’excluait, prétextant qu’il rompait la traditionnelle hésitation typiquement fantastique. Dans ce mémoire, nous souhaitons nous interroger sur le rôle que peut jouer l’écriture particulière de Lovecraft dans la construction d’un univers narratif cohérent, malgré la crise du signe à laquelle font face ses personnages. Nous observerons comment l’écriture de Lovecraft, grâce à son recours à l’ekphrasis, parvient à susciter le sublime, d’abord chez ses narrateurs, mais également transcender le récit pour atteindre le lecteur. Nous montrerons comment le sublime vécu par ses personnages parvient, grâce à une esthétique de la présence du surnaturel, à faire douter le lecteur sur sa propre réalité.

Au début du XXe siècle, la scène européenne est marquée par une recherche de nouvelles formes d’expression théâtrale, qui coïncide avec un refus du matérialisme. Le Sublime comme conscience de la dignité humaine, tel qu’il fut défini par Schiller, prend de l’importance : rempart face au changement perpétuel qui caractérise la condition humaine, le Sublime devient solidaire d’une conscience de l’Histoire et confère à l’homme une part infime d’éternité. Les efforts de W. B. Yeats pour fonder une communauté irlandaise à l’Abbey Theatre, de Max Reinhardt et de Hugo v. Hofmannsthal pour donner naissance au Festival de Salzbourg, mais aussi le projet de Romain Rolland d’un « Théâtre du Peuple », ou encore le théâtre de Richard Beer-Hofmann qui vise à réunir les individus par la mémoire d’un passé commun, manifestent la mission attribuée au théâtre. Les quatre auteurs donnent une réponse aux forces destructrices de leur temps en créant un théâtre de la dignité humaine où l’héroïsme sublime subit une métamorphose grâce à une nouvelle valeur : la compassion. L’imagination qui la rend possible devient essentielle à la dramaturgie du Sublime. Étudié en tant que principe philosophique et dramaturgique, le Sublime révèle alors sa filiation avec l’opéra et le mélodrame. Leurs interférences, déjà présentes chez Schiller, témoignent de la volonté d’élever les spectateurs au-dessus du quotidien grâce à une dramaturgie visionnaire fondée sur l’aspiration à une réalité supérieur
European drama at the beginning of the 20th century was in search of new forms of artistic expression. In this context which coincides with the rejection of materialism, the Sublime as consciousness of human dignity gained in importance. A bulwark against the perpetual and inevitable succession of human life, the Sublime as defined by Schiller more than a century earlier attained equality with the awareness of History, lending to humankind an element of eternity. The efforts of W.B. Yeats to restore a sense of Irish community at the Abbey Theatre, those of Max Reinhardt and Hugo von Hofmannsthal who created the Salzburg Festival, but also Romain Rolland’s project of a « People’s Theatre » as well as Richard Beer-Hofmann’s plays which integrated the memory of the past, all reveal the reconciliatory function newly conferred on drama. These four authors found an answer to the destructive forces of their time by creating a drama of human dignity in which sublime heroism shifts through compassion. Its source, imagination, plays an essential role in the dramaturgy of the Sublime. The examination of the Sublime as a philosophical and dramatic principle elucidates its relationship to both opera and melodrama. The overlapping of genres can already be noticed in Schiller’s plays and proves the intention of raising the audience above the daily round, thanks to a visionary dramaturgy, based on the longing for a higher reality

Cette thèse porte sur le discours en Égypte ancienne et les différentes formes de valorisation et de codification dont il est l'objet, en tant qu'activité sociale aussi bien qu'en tant que forme et thème littéraires. La problématique posée concerne donc la manière dont les égyptiens anciens se sont représenté le discours et ses pratiques, son importance, ses fonctions et sa valeur esthétique. La méthode suivie est fondée sur une approche pragmatique ou les textes de l'ancien au nouvel empire évoquant la dimension du discours (autobiographies, enseignements, inscriptions royales, textes littéraires ou religieux) sont mis en relation avec leur contexte sociologique et historique. Il est possible alors de dégager pour chaque période la place accordée à l'éloquence : on constate ainsi pour les périodes de pouvoir monarchique unifie l'existence d'une éloquence de cour, qui est l'instrument de distinction par excellence. La première période intermédiaire, période de repli local des provinces, offre au contraire l'image d'un développement sans précèdent d'une éloquence politique au sein d'assemblées où est engagé l'avenir du groupe social. Le discours littéraire fait aussi l'objet d'une étude dans la mesure où il construit une réflexion sur le rôle du discours. Au moyen empire, des œuvres comme l'oasien ou les lamentations de khakheperreseneb posent des interrogations profondes sur l'incommunicabilité sociale ou la perte de référence d'un discours officiel qui n'a de justice que les apparences. Au nouvel empire, la littérature ayant acquis une autonomie plus grande au sein de la sphère du discours, projette l'image d'une rhétorique toute puissante qui se joue du vrai et du faux. L'étude débouche enfin sur une tentative d'appréciation de la rhétorique égyptienne dans sa spécificité et notamment à travers les liens qu'elle entretient avec le discours magique
This thesis deals with the discourse in ancient Egypt and the various shapes of valorization which matter is the discourse itself as a social activity as well as a literary shape and topic. The question, thus, relates to the way in which the ancient Egyptians have been picturing to themselves the discourse and its applications, its importance, its functions and its aesthetic value. The method adopted is built upon a pragmatic approach in which the texts from the ancient kingdom to the new kingdom that mention the dimension of the discourse (autobiographies, teachings, royal inscriptions, literary or religious texts) are related to their sociological and historical context. It is then possible to draw out, for each period, the place given to eloquence: thus, in the times of united monarchic power, the existence of court eloquence is stated, which is the means of distinction above all. On the contrary, during the first intermediate period, with the local withdrawal of the provinces, an unprecedented spreading out of political eloquence appears in assemblies where the community's future is committed. The literary discourse forms also the subject of a study in so far as it builds a reflection on the part taken by the discourse. During the middle kingdom, productions such as "the eloquent peasant" or "the lamentations of khakheperreseneb" are questioning deeply the lack of social communication or the loss of reference in an official discourse which fairness is fallacious. During the new kingdom, the literature, which had become more autonomous in the sphere of the discourse, appears as an all-powerful rhetoric that trifles with the truth and the false. The study eventually opens on an endeavor to evaluate the Egyptian rhetoric in itself, especially through what links the latter to the magic discourse