Tesis sobre el tema "1925-1960"

Unique français parmi les fondateurs de la mécanique quantique, Louis de Broglie est une figuremajeure de l'histoire de la physique française du XXème siècle. Il devient grâce à son prix Nobel dephysique en 1929 le personnage central de la physique théorique française. Dans les récits usuelsportant sur la physique française du XXème siècle, la mécanique quantique est décrite comme s'étanttrès lentement diffusée en France, et il est souvent admis que peu de physiciens de ce pays l'utilisèrentavant la fin de la seconde guerre. De Broglie est souvent désigné comme le grand responsable de cetétat de fait et est dépeint comme un représentant type d'une pratique de physique théorique obsolète.De plus, son rôle institutionnel et sa responsabilité dans l'isolationnisme français sont dénoncés.Le but de ce travail est, premièrement, d'éclairer les modalités de la diffusion de la mécaniquequantique en France et le rôle de Louis de Broglie dans ce processus. Ce faisant, mon propos apporterade fortes nuances aux habituels récits portant sur cet aspect de l'histoire de la physique française duXXème siècle. Deuxièmement, je montrerai que l'essor de domaines tels que la physique des particules,la physique du solide et la physique nucléaire après la seconde guerre mondiale introduit unchangement dans les pratiques des jeunes théoriciens par rapport aux pratiques qui régnaient autour deLouis de Broglie. Je serai alors en mesure d'expliquer pourquoi l'héritage de Louis de Broglie au seinde la physique française de la seconde moitié du XXème siècle est si peu revendiqué, tout en évitant detomber dans le piège des jugements rétrospectifs et péjoratifs.

Tese de Doutoramento em Design, presentada na Faculdade de Arquitetura da Universidade de Lisboa para obtenção do grau de Doutor
Projecto desenvolvido com o apoio financeiro da Fundação para a Ciência e Tecnologia (SFRH/BD/78347/2011)
N/A

Tesis para optar al grado de Magíster en Estudios de Género y Cultura en América Latina mención Humanidades
El Trabajo Social en Chile es una profesión cuyo proceso de institucionalización ha tenido lugar en el marco de la implementación y ejecución de políticas sociales del gobierno de turno. Entonces, y considerando que con el paso de los años la profesión ha ampliado su radio de intervención en diversas áreas, en distintos ámbitos y con distintas personas, grupos y comunidades, resulta interesante preguntarse acerca de su lugar y su historia en Chile. Parte de este estudio se sitúa desde la revisión del Trabajo Social, y como éste ejerce su rol socializador y educador a partir de la figura de las mujeres. A partir de esta revisión se pretende reconstituir la importancia del aporte realizado por las visitadoras, asistentes y trabajadoras sociales en sus orígenes como protagonistas de un proceso de disciplinamiento social cuyas figuras centrales son las mujeres.

Cette these se propose d'interroger l'extreme disparite du fait poetique au vingtieme siecle, en etudiant ensemble trois oeuvres hautement singulieres, fondatrices a elles seules d'un dispositif strictement personnel : les ardoises du toit inaugurant les + poemes visuels ; de reverdy, miserable miracle les + essais mescaliniens ; de michaux, la promenade sous les arbres les + histoires de passage ; de jaccottet. De cette comparaison, on tente de degager les principes communs d'une poetique de l'innovation en poesie, partagee par des auteurs pourtant resolument individualistes. Ceux-ci se rejoignent tout d'abord dans un puissant travail de negation et de refoulement, dirige contre la sphere empirique de l'auteur d'une part, et contre la tradition poetique d'autre part. C'est l'occasion pour nous de remettre a l'ordre du jour la question du rapport de l'oeuvre poetique moderne a ses dehors supposes (contexte historique, socio-economique, biographique, litteraire, rapport a la tradition poetique et rhetorique), et de critiquer l'idee d'une parfaite cloture du texte. Mais les pratiques d'ecriture de reverdy, michaux et jaccottet convergent aussi dans la recherche plus positive d'une singularite absolue qu'il nous faut bien definir comme un hors-texte. Plusieurs chapitres, a partir de l'etude de certains traits de style, sont consacres a ce qui fait la singularite de l'ecriture de chacun des trois auteurs, analyses au terme desquelles on s'interroge sur la possibilite d'une definition unitaire de la singularite poetique. Pour finir, la these retrace la naissance et le destin des + poemes visuels ;, des + essais mescaliniens ; et des + histoires de passage ;, en donnant ainsi des perspectives sur l'oeuvre entiere de reverdy, michaux et jaccottet. A nouveau, on s'emploie ainsi a briser la cloture du texte, en le mettant en relation avec d'autres textes du meme auteur, ou avec une singularite faite pour eternellement se derober
This thesis examines the very disparity in twentieth century's french poetry, by studying comparatively three highly singular works, each founding a strictly personal form : les ardoises du toit starting reverdy's + visual poetry ;, miserable miracle starting michaux's + mescalinian essays ;, la promenade sous les arbres starting jaccottet's + stories of passage ;. From such a comparison, we can drew the common principles of innovating poetics in poetry. Yet individualistic, those three poets adopt a similar negative writing, based on repression, denying the author's real world, his biography, his historical context, and the power of poetic tradition. Those analysis lead us to contest the structuralist idea of poem's complete autonomy. But reverdy's, michaux's and jaccottet's poetics are also based on search for absolute singularity. The thesis contents a stylistic study of those three writings, in aim to define the hypothetical notion of + poetic singularity ;. This work finishes with an history of reverdy's + visual poetry ;, michaux's + mescalinian essays ;, and jaccottet's + stories of passage ;, from genesis of those forms in the work of those poets, to their giving up or reinvestment

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O estudo da reforma administrativa apresenta vários probl~ mas que têm de enfrentar: a ausência de um marco teórico geral (a sistematização do conhecimento), a de um único conceito de reforma administrativa e a de uma metodologia para analisar e explicar este processo, desde sua etapa de iniciação até seus resultados. Os estudos realizados apresentam aspectos isolados deste processo. Colocam ênfase num padrão ou modelo de reforma administrativa, a partir do qual pretendem interpretar o êxito ou o fracasso desse processo, especialmente nos pai ses sub-desenvolvidos. O proposto por Gerald Caiden como fatores que podem ser considerados como um sistema de variáveis, podem também constituir um marco teórico experimental para analisar um processo de reforma administrativa. Estas variáveis têm uma relatão causal lógica e também podem ser observadas como variáveis independentes com ponderação própria sobre o processo que analisamos. Os esforços aqui estão orientados à seleçao dos índices de cada variável, como também a relaçav o causal que existe entre as varl.a '' vel.S e sua cap~ cidade para explicar um processo de reforma administrativa. A aplicaçao deste padrao de investigaçao permitirá comprQ var a contribuição de Caiden aos aspectos já mencionados. A seleção de um período de 40 anos-de governos estáveis e sucessivos é intencional, com o objetivo metodológico de não incluir situaçoes de crise que por si mesmas, implicam em mudança.

Fin des années 1960. Une nouvelle génération de réalisateurs, qui vient majoritairement de la télévision ou des écoles de cinéma, s'impose à Hollywood. En raison de leur formation et de leurs influences, ces cinéastes transforment le style filmique. Ils usent en effet de techniques et de figures jusque là peu ou pas employées par le cinéma américain antérieur : le zoom, le split screen, la caméra portée, les discours qui se chevauchent, le ralenti, les montages ultrarapides. . . Ces procédés contribuent à modifier le point de vue, c'est-à-dire les positions successivement assignées au spectateur par le cadrage, la composition et le montage des plans, ainsi que par les mouvements d'appareil. Il en résulte un changement profond de régime spectatoriel. Ce sont ces évolutions que nous nous proposons d'étudier, pour en mettre au jour, dans une perspective de stylistique historique, la logique sous-jacente. Nous verrons notamment que se dégagent deux tendances essentielles, apparemment contradictoires en ce qu'elles conduisent à un « écartèlement » du point de vue : d’un côté, on assiste à une multiplication de plans « naturalisés », au sens où ils se rapprochent de notre perception « naturelle » ; de l'autre, on constate un essor des plans « artificialisés », qui, au contraire, s'en éloignent
End of the 1960s. A new generation of filmmakers, most of them coming from television or film schools, enters Hollywood. Because of their early career and their influences, they transform the film style. Indeed they use techniques and figures which were hitherto not at all or very seldom employed by American films: zooming, split screen, hand-held shots, overlapping dialogues, slow motion, very fast cutting… These devices contribute to a modification of the point of view, i. E. The successive positions in which the viewer is placed by framing, composition, editing and camera movements. That leads to a profound change of spectatorial regime. These are the evolutions we intend to study, in order to reveal, in a perspective of historical stylistics, their underlying logic. Among others one will see that two essential trends, seemingly contradictory, lead to a tugging of the point of view : on the one hand one can notice a multiplication of “naturalized” shots, in the sense that they mimic “natural” perception ; on the other hand, one can notice a blossoming of “artificialized” shots

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:03Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2006-12-13Bitstream added on 2014-06-13T20:38:10Z : No. of bitstreams: 1 silva_dp_me_assis.pdf: 649681 bytes, checksum: 23913eac6bab07592b9fb69e67956fb1 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Gilles Deleuze e Félix Guattari, autores do século XX, criaram a Esquizoanálise e estudaram várias áreas de conhecimento, dentre as quais, a Psicologia. A fim de propor um conceito de inconsciente, discussão que ocupa boa parte de sua obra, os teóricos discutiram alguns tópicos da Psicanálise, procurando definir seu funcionamento maquínico. A importância de nosso trabalho reside na reconstituição do inconsciente psicanalítico, aproveitando esses aspectos e apontando perspectivas de análise. Na presente dissertação, focamos-nos nos seus escritos acerca da psicanálise de Melanie Klein, a qual possui como um de seus elementos-chave para a compreensão do inconsciente a noção de objeto parcial. Fez-se necessário, então, investigar essa concepção, pois ela é vital e revolucionária e nos ajuda a compreender o inconsciente, embora Deleuze/Guattari tenham se utilizado dos objetos parciais de forma diferente da autora, procurando ressaltar seus aspectos produtivos. Assim, essa dissertação, que possui um caráter teórico-explorativo, busca entender e sistematizar o pensamento de Deleuze/Guattari no que se refere à construção do inconsciente esquizoanalítico. Para alcançar nosso objetivo, realizamos uma leitura da psicanálise kleiniana a partir da perspectiva esquizoanalítica, procurando intersecções entre esses dois campos epistemológicos. Além disso, quando necessário, complementamos a visão de Deleuze/Guattari. Sendo assim, adotamos como primeiro eixo de análise a dinâmica dos objetos parciais nas posições esquizo-paranóide e depressiva, em relação a sua função integradora ou desintegradora do ego e, como segundo eixo, a participação dos objetos parciais na expressão do corpo...
Gilles Deleuze and Félix Guattari were twentieth century authors who not only studied several knowledge areas, such as Psychology, but also founded Schizoanalysis. In order to elaborate an unconscious concept, these theoreticians discussed some topics from Psychoanalysis. This discussion concerns a great part of their works and searching for a definition of machinic unconscious. The importance of this work lies in the reconstitution of a psychoanalytic unconscious, taking advantage of those productive aspects and showing new perspectives of analysis. In this dissertation, we focused on their writings about Melanie Klein s Psychoanalysis, which possesses as one of its fundamental element the notion of part-objects. Therefore, it was necessary to investigate this statement because it is revolutionary and help us to understand the unconscious. On the other hand, Deleuze/Guattari used these objects in a different way, trying to emphasize the part-object productive aspects. In that way, this study, which has a theoretical-exploratory characteristic, had as purposes to understand and to systematize Deleuze/Guattari s thoughts in reference to the construction of Schizoanalysis unconscious. To reach this goal, we examined Klein s theory through the Schizoanalytic perspective, searching for intersections between these two epistemological fields. Moreover, we complemented Deleuze/Guattari reflections whenever it was necessary. So, as our first point of analysis we adopted the part-object dynamic in paranoid-schizoid and depressive positions in their relation to the ego integrated and desintegrated functions. As our second point, we study how the part-objects participate in the body expression... (Complete abstract, click electronic address below)

Ao longo do século XX, o Brasil passa por mutações profundas em sua estrutura social, econômica e cultural. Entre as conseqüências desse processo estão, de um lado, a formação de grandes centros urbanos e, de outro, o fenecimento de pequenas cidades do interior. Este trabalho trata de dois casos de representação da pobreza de cada um desses contextos, Vitrola dos Ausentes (1993), de Paulo Ribeiro, e Cidade de Deus (1997), de Paulo Lins, dois escritores que acompanham de perto essas transformações. O objetivo é investigar em que medida estas propostas de adequação entre forma e conteúdo, escritas em meio ao processo de redemocratização política do país e da popularização crescente da cultura de periferia das grandes cidades, correspondem a um novo momento na representação da pobreza na Literatura Brasileira.

The following study traces modern Quebecois art from the beginning of the twentieth century with specific reference to the question of the redefinition of identity. The study mainly consists of an analysis of different strategies used by certain progressive artists like Paul-Emile Borduas, Francoise Sullivan and Jean-Paul Riopelle to impose a new reality which was simultaneously contemporary, rooted and distinct in the context of a Quebec that was emerging in modernization. By using popular or marginalized artistic forms and by seizing certain ancient models belonging to the distant past---in the non-western world or precolonial America---and by using different strategies of deconstruction and transgression of normative codes defined by the dominant ideology, these artists were able to avoid current hegemonic models in order to assert new spaces for expression and representation. Taking on modern Quebecois art from an approach belonging to diverse social sciences and humanities, this study aims to renew the analytical parameters of the traditional art history. The main challenge lies in zeroing in on the ways in which the development of modern identity (meaning the affirmation of the right to be different and to self-determination, and the development of subjectivism and expressivism) influenced avant-garde artistic productions, and which strategies artists used to replace the values imposed by traditional institutions and the dominant ideology, which in turn sparked a renewal of identity. Modern identity is based upon a principle that is modeled on two foundations: on the image that the subject will have of himself, and the impression that the Other (a bordering neighbour, cultural cousin, colonial authority or political oppressor) will have of him. In fact, this "stranger" will essentially assume the role of guaranteeing the recognition of the proposed identity. The phenomena of mythical constructions of symbolical imagination and of primitivism, in this study,

Le présent mémoire de maîtrise identifie dans quelle mesure le rationalisme libéral et pragmatique de Claude Ryan pour la période allant de 1994 à 2004 constitue la pierre angulaire de l'édification de la pensée politique de Benoît Pelletier et de la volonté du gouvernement libéral de Jean Charest de dynamiser les relations interprovinciales au pays depuis 2003. Par le biais d'une herméneutique critique des textes les plus révélateurs des deux politiciens, nous tentons d'associer la pensée politique de Claude Ryan et de Benoît Pelletier à l'intérieur de catégories interprétatives plus larges du fédéralisme, ce qui nous permet d'en extraire quelques constats au sujet de leur désir commun de renouveler en profondeur le régime politique canadien, de telle sorte que le Québec puisse y faire rejaillir davantage sa spécificité identitaire. En développant certains paramètres précis pour bien décortiquer les oeuvres de Claude Ryan et de Benoît Pelletier, nous sommes à même de comparer le degré et le ton des revendications faites par les deux politiciens pour assurer l'émancipation du Québec au sein du Canada. Cette perspective analytique nous permet également de déterminer l'originalité de Benoît Pelletier par rapport à Claude Ryan, deux hommes politiques pourtant issus de la même formation politique.

L'argument consiste à montrer que l'importance numérique des réunionnais qui se mêlent aux colons européens ainsi que la polysémie du terme qui les désigne, le terme "créole" entaché de la macule servile, posent problème au colonisateur qui s'impose à Madagascar en 1895. Le sens de "né à la colonie" se répand alors dans les deux îles. Il existe un lien entre la charge symbolique attachée à ce terme et les comportements d'échec observés chez les coloniaux à Madagascar dans la période 1880-1925. La violence des représentations anciennes de Madagascar à La Réunion, comme le lien ambigu qui attire les réunionnais à l'ouest entraînent des attitudes que malgaches et métropolitains stigmatisent. Le laisser-aller, le comportement flibustier perpétué sur l'îlot de Nosy Bé, le mirage de l'or sont des invariants de cette émigration. La maîtrise de ces pulsions de violence est sciemment canalisée par l'engagement dans des corps francs durant les guerres de 1883-1885 et de 1895. La vie militaire assimilée à la France. La simple émigration civile à destination de la grande île est moins assimilatrice et moins aventurière. L'évocation des réunionnais marginalisés dans la banalité de leur vie d'allogènes s'appuie sur des chiffres précis dans les domaines quotidiens du recensement, de la santé et de l'école. Les nouveaux-venus ne sont pas tous voués à l'échec à Madagascar, certains y concentrent des richesses. Une investigation dans le domaine des biens privés donne une idée approximative de l'accumulation des biens entre des mains réunionnaises. Y aurait-il des réunionnais moins "créoles" que d'autres ? Une dernière partie montre ce qu'est la compensation de l'exil. Certes, on y reproduit des modèles de comportement : brimés chez eux, les réunionnais briment à leur tour les malgaches. Mais ils accèdent parfois aux enjeux politico-médiatiques mieux qu'ils ne le feraient dans leur île : un nouvel "espace public" réunionnais se fait jour dès 1880 à Tamatave. Il ne cesse de s'amplifier jusqu'en 1925
This thesis tries to show that the numerical importance of the "reunionnais" who mingle to colonists of European origin in Madagascar, as well as the polysemy of the term used to call them, "Creole", (to which is attached the idea of enslavement) constitute a problem for the coloniser taking over Madagascar in 1895. The acception "born in the colonies" for the term "Creole" diffuses across the two islands from then on. There exists a link between the symbolic content of this term and the tendency towards behaviours leading to the failures which can be observed among the colonists in the period 1880-1925. The very violence of the ancient representations of Madagascar as perceived from Reunion, as well as the ambiguous attraction which leads the "reunionnais" westwards develop, within the immigrants, attitudes which Madagascans and metropolitans disapprove of. Negligence, preying attitudes as on the island of Nosy Be, the craving for gold are the constants of this immigration. The control of these violent pulsions is deliberately checked by the enrolment in the "corps francs" during the wars of 1883-1885 and 1895. The military way of life contributes to assimilate them to the French ways. Civilians migrating to Madagascar are less uniformised in their outline and less adventurous than soldiers. The description of the life of marginalised "reunionnais" in their ordinary alien way of life is based on precise statistics (data from censuses, health and school statistics). The newcomers are not all bound to failure in Madagascar, some of them managing to accumulate riches in this country. An inquiry into the domain of personal belongings gives an approximate idea of the possessions owned by the "reunionnais". Were there "reunionnais" who could be considered as being less "Creole" than others? A last part of this study shows how exile might have granted a few compensations. Obviously, some behaviour patterns are replicas of the social climate in Reunion: frustrated at home, the "reunionnais" frustrated the Madagascans. But they sometimes had acces to the political and mediatic arenas which were out of reach for them in their own land: a new Reunionese "public scene" is observed as from 1880 in Tamatave, and it thrives up to 1925

Dans un siècle où l'être a pris conscience de son incomplétude et de son dénuement, où l'homme reste malgré tout aux prises avec la finitude et l'indicible, certaines voix s'élèvent dans la poésie, qui semblent tracer pour l'être une voie vers la vérité, et s'évertuent à redonner un sens au monde. Ainsi s'est-on attaché ici à analyser sous un angle à la fois stylistique, thématique et philosophique, certaines des oeuvres les plus représentatives de Reverdy, Bonnefoy, Jaccottet et Dupin qui, chacun à leur manière, en poètes-"ignorants" en quête de "présence" privilégient l'humilité d'un dire du peu, de la litote. Il y a dans cette parole scrupuleuse et dépouillée où abondent les procédures d'atténuation, les doutes et les questionnements, dans cette parole qui retourne au simple, tous les accents d'une exigeante éthique, d'un nouvel humanisme, qui dans l'humilité trouve la force de consentir enfin à l'immanence et de célébrer l'hic et nunc
At a time when man is becoming aware of his incompleteness and of his lackings, when, is spite of all, he is still confronted by finitude and the unspeakable, some poetical voices are being raising, seeming to trace apath for man towards truth, striving to endow the world with a new meaning. Thus have we endeavoured to analyse some of the most indicative works of reverdy, bonnefoy, jaccottet and dupin from thematic, stylistic and philosophical viewpoints. The four of them, in their own way, as "ignorant" poets seeking a true "presence", favour the humility of saying little, of making understatements. These bare and scrupulous writings, abounding with attenuating procedures, doubts and questionnings, these writings which revert back to simplicity contain all the tones of demanding ethics, the tones of a new form of humanism which gathers enough stength in humility to at last consent to immanence and to celebrate the "hic et nunc"

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2004Bitstream added on 2014-06-13T19:48:50Z : No. of bitstreams: 1 martini_frs_me_ia.pdf: 6530425 bytes, checksum: 488d5f2b90e42c9541ceaf8ee9505801 (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
Nos anos 1960 a 1980, alguns artistas seguiram na contramão da chamada arte de vanguarda ou da arte dos ismos, pintando principalmente casarios - seqüências de casas geminadas, freqüente no estilo arquitetônico colonial brasileiro - um assunto empregado em determinadas pinturas de paisagens urbanas. O tema foi amplamente consumido, ainda que possa ter sido considerado ultrapassado no período. Os artistas viveram de sua arte e participavam ativamente das exposições promovidas pelas principais galerias e mostras oficiais, assim como dos leilões de arte fomentados pelos mais importantes leiloeiros. Até o pesente, a pintura referente à atmosfera colonial é mencionada nos cursos de arte, prossegue comercialmente viável e é explorada nas grandes mostras. A nossa investigação partiu da proposta de valorização e do resgate do tema, observando a produção de alguns artistas paulistas, os quais constituíram o 'Grupo Tapir'. Através do cenário artístico paulista, inserimos os nomes dos mestres responsáveis pela formação do grupo. Esboçamos uma biografia dos cinco integrantes do 'Grupo Tapir' e a respectiva análise de suas obras a partir dos preceitos de iconografia de Erwin Panofsky (1892-1968), em Significado das Artes Visuais. Buscamos assim definir os valores perceptivos simbólicos, expressivos e emocionais dos casarios, como obra de arte no contexto da pintura de paisagens, relecionando os devaneios e sonhos relativos aos significado das casas, segundo as obras filosóficas de Gaston Bachelard (1884-1962).
From 1960 to 1980 some artists followed the wrong way in the called vanguard art or the art of the 'ismos', painting mainly casarios - sequence of houses, constantly old a topic used in cetain urban landscape's paintings. The theme was throughly consumed, however it can be considered outdated in the period. The artists lived their art and participated actively of the exhibitions promoted by the main galleries and official shows, as well as the auctions fomented by the most important auctioneers. Until now, the painting regarding the colonial atmosphere is reference in the art courses, it continues commercially viable and it is explored in the great displays. Our investigation began with the proposal of valorization and rescue of the theme, observing some artist's production fom São Paulo production, who constitued the Group Tapir. Through the paulista artists scenery we insert the responsible masters name for the formation of gourp.Sketched a biography about the five members of Group Tapir and athe respective analysis of their works starting from the iconography deductions of Erwin Panofsky(1892-1968), in Meaning in the Visual Arts. With this, we intend to define the perceptive, symbolic, expressive and emotional values of the casarios, as work of art in the context of the landscape's painting relating the dream and the relative dreams to the meaning of the houses, according to the philosophical works of Gaston Bachelard (1884-1962).

Notre étude s’attache à cerner les figures du sujet lyrique dans la poésie de Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924- ) et Jacques Réda (1928- ), trois écrivains majeurs de l’après-guerre dont le travail poétique a contribué à l’évolution de la poésie lyrique contemporaine. Sans pour autant négliger l’œuvre antérieure et postérieure de ces poètes, notre étude se concentrera principalement sur les ouvrages des années 1960 et 1970. A cette période, en effet, la poésie lyrique s’est trouvée prise dans une situation critique sans précédent du fait l’avènement du structuralisme et du « textualisme » proclamé par l’avant-garde. En réaction au textualisme des années 1960 et 1970, Dupin, Jaccottet et Réda poursuivent une quête opiniâtre du lyrisme. Notre étude n’a pour but ni d’élaborer des critères globaux et universels afin de définir les caractéristiques universelles de la « poésie lyrique » en tant que genre littéraire, ni d’élaborer une réflexion philosophique sur le Sujet ou l’En-soi. A travers l’analyse des figures de sujet lyrique, nous étudierons les caractéristiques de chacun de nos poètes, ainsi que les modes de la poésie lyrique au cours de cette période malaisée. La notion de « sujet lyrique » nous servira de paramètre en vue d’éclairer la singularité et l’historicité des poèmes, voire de la poétique propre à chaque écrivain. Traditionnellement, la poésie lyrique est souvent associée à l’emphase ou au sentimentalisme. La poésie de Dupin, Jaccottet et Réda s’acharnent à se dégager de l’embrasse du lyrisme traditionnel encombré d’égocentrisme. La poésie lyrique n’est plus un genre qui exprime les sentiments et la subjectivité du poète. Nos poètes sont à la recherche d’une nouvelle forme de poésie lyrique, qui convienne à leur époque. L’impersonnalité, que nous trouvons souvent dans leur poétique, s’associe à la production d’une nouvelle modalité de la subjectivité, éloignée de la métaphysique de la subjectivité. Le refus d’une certaine forme de subjectivité coexiste avec la recherche d’une parole singulière, ainsi que d’une nouvelle figure de sujet lyrique
Our study aims to examine the figures of the lyric subject in the poetry of Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924-) and Jacques Réda (1928-), three major poet of the postwar whose poetic work contributed to the evolution of contemporary lyric poetry.Without neglecting the anterior and posterior work of these poets, our study will focus mainly on the works of the 1960s and 1970s. At that time, in fact, the lyric was taken in a critical situation without precedent because of the advent of the structuralism and the “textualism” proclaimed by the avant-garde. In response to textualism of 1960s and 1970s, Dupin, Jaccottet and Réda continue an obstinate search of lyricism.Our study doesn’t aim to develop global and universal criteria to define the universal characteristics of "lyric poetry" as a literary genre, nor to develop a philosophical reflection on the subject or the En-soi. Through the analysis of the figures of lyric subject, we will study the characteristics of each of our poets, as well as patterns of lyric poetry during the difficult period. The notion of "lyric subject" will serve as a parameter in order to clarify the singularity and the historical nature of the poems, and those of the poetic peculiar to each writer.Traditionally, lyric poetry is often associated with the emphasis or sentimentality. The poetry of Dupin, Jaccottet and Reda struggle to free themselves from the traditional lyricism based on the egocentricity. Lyric poetry is no more a genre that expresses the feelings and subjectivity of the poet. Our poets are looking for a new form of lyrical poetry, which is suitable for the times. The impersonality, we often find in their poetic, is associated with the production of a new form of subjectivity, far from the metaphysics of subjectivity. The refusal of some form of subjectivity coexists with the search for a singular word and the new figure of lyric subject

Notre thèse propose une vision d’ensemble de l’oeuvre d’Hong Sang-soo, à partir du postulat qu’ilexiste une affinité particulière entre les images de cinéma et la pensée. Ce postulat s’accorde au projet d’Hong Sang-sooqui cherche par ses films à modifier les habitudes de penser et à lutter contre les illusions.Nous organisons notre parcours autour du problème de la « croyance », qui renvoie chez Gilles Deleuze à lapossibilité pour l’homme de se relier au monde après une rupture de l’unité, et nous permet d’articuler l’analyse desimages, une approche philosophique et l’existence des personnages. En étudiant la construction des récits et à l’usage decertains procédés formels comme la répétition ou des effets de dédoublement, notre travail met en évidence la façondont l’oeuvre produit l’image d’un monde discontinu et des conceptions de la mort, du temps, de l’identité, du possibleet de la réalité propres à Hong Sang-soo. Une dramaturgie souterraine émerge de nos analyses : un conflit d’ « imagesde pensée », une tension entre continuité et discontinuité qui se joue à la fois à l’intérieur des films, dans l’existence despersonnages, et entre les films et un spectateur.En construisant une lecture cohérente du cinéma d’Hong Sang-soo, nous voulons souligner sa dimension critique. Alors que la critique le réduit trop souvent au thème des relations sentimentales, nous montrons que tout ce qui se jouesur le terrain sentimental implique un enjeu mental. Nous voulons également souligner le fait que le cinéma d’HongSang-soo, à partir d’une perte des croyances traditionnelles, porte en lui une issue positive, la mise en jeu de nouvellescapacités et l’affirmation de nouvelles valeurs (la différence contre la ressemblance, l’instant contre le prolongement, lanouveauté contre la reproduction, etc.), et fait lui-même appel à une perspective évaluatrice
Our thesis proposes a comprehensive view of Hong Sang-soo’s work, from the assumption that thereis a special affinity between cinema images and thought. This assumption agrees with Hong Sang-soo’s project, whichis to modify habits of thoughts and to struggle against illusions through movies.We build our run around the problem of « belief », which refer according to Gilles Deleuze to the possibility forman to connect himself again to the world after a breaking of unity, and allows us to articulate image analysis,philosophical approach and the characters existences. By studying narrative structures and the use of some formalprocesses such as repetition or undoubling effects, we highlight the production of a discontinuous world by the imagesand conceptions of death, time, identity, possible and reality that are specific to Hong Sang-soo. An hidden plot emergesfrom our analysis : a conflict between « images of thought », a tension between continuity and discontinuity that takesplace both inside movies, within the characters existences, and between movies and a spectator.By building a coherent lecture of Hong Sang-soo’s cinema, we want to emphasize his critical implications. Whencritical reception too often confines him to the topic of sentimental relationships, we show that everything that takesplace on the sentimental field involves a mental stake. We also mean to underline that Hong Sang-soo’s cinema, fromthe loss of traditional beliefs, bears within himself a positive outcome, bringing into play new capacities and anaffirmation of new values (difference againt resemblance, instant against prolongation, novelty against reproduction,etc.), and appeals to an evaluative perspective

L’objet de cette thèse est l’anti-hégélianisme des années 1960 en France. À travers l’étude des philosophies de Louis Althusser, de Michel Foucault et de Gilles Deleuze, nous cherchons à comprendre les raisons qui ont poussé une partie des philosophes de l’époque à critiquer Hegel de manière virulente, alors même que sa philosophie avait été fortement valorisée en France des années 1930 aux années 1950. Notre analyse de la constitution de l’anti-hégélianisme de la philosophie française des années 1960 révèle en même temps les limites de ce phénomène, dans le but de dépasser l’opposition entre hégélianisme et anti-hégélianisme et de réfléchir à l’actualité, aujourd’hui, de la pensée de Hegel. Une première partie est consacrée à l’évolution de l’œuvre d’Althusser, du mémoire sur Hegel de 1947 jusqu’à Pour Marx et Lire le Capital en 1965 ; une seconde traite de la philosophie de Foucault en cherchant à comprendre pourquoi il est passé d’un mémoire sur Hegel en 1949 à une condamnation radicale de la pensée hégélienne dans les années 1950 et 1960 ; enfin, une troisième partie montre comment Deleuze, qui n’avait rien contre Hegel au départ, a progressivement durci sa pensée jusqu’à produire l’anti-hégélianisme le plus virulent dans Nietzsche et la philosophie (1962) et Différence et répétition (1968). La conclusion cherche à ressaisir ce phénomène collectif en tant qu’il constitue une véritable constellation intellectuelle, mais elle problématise également cet anti-hégélianisme
This thesis is about anti-Hegalianism of French philosophy during the 1960s. Focusing on Louis Althusser, Michel Foucault and Gilles Deleuze, its aim is to understand why a lot of philosophers, at that time, criticized Hegel even though his philosophy had been very successful in France from 1930s to 1950s. The comprehension of this phenomenon aspires also to show its limits, in order to go beyond the false opposition between anti-Hegelianism and Hegelianism and to think about the relevancy of Hegel’s philosophy today. In a first part, the text analyzes Althusser’s work from the master’s thesis on Hegel (1947) to the very anti-Hegelian books For Marx and Reading Capital (1965) ; then it studies Foucault’s thought to understand why he defended Hegel in 1949 and after became an anti-Hegelian philosopher during the 1950s and the 1960s ; finally, it searches why Deleuze evolved until developping a violent anti-Hegelianism in Nietzsche and Philosophy (1962) and in Difference and Repetition (1968). The conclusion tries to seize this collective phenomenon as an intellectual constellation, but also to problematize it

« La forme-frontalière : la quête du Nouveau Cinéma Latino-américain d’une esthétique décoloniale » porte un regard actuel sur les débats autour du cinéma et sa capacité d’agir sur le plan géopolitique. Pendant les années 1960 et 1970, les cinéastes du Nouveau Cinéma Latino-américain ont cherché à construire un « nouvel homme latino-américain » appelé à faire la révolution à travers un cinéma de décolonisation. Les six films analysés dans ce travail abordent cette esthétique décoloniale en s'appuyant sur la tradition artistique latino-américaine du syncrétisme culturel dont la pierre angulaire est une appropriation transgressive de l'héritage de la culture coloniale : le Baroque. Dans le premier chapitre nous avons voulu expliquer les racines baroques de la forme-frontalière du NCL. À travers des théories sur la spécificité de la culture latino-américaine, de la littérature et des beaux-arts nous retraçons la ligne historique d’un « esprit décolonial latino-américain » – toujours nourrie par le Baroque – depuis le XVIIème jusqu’à nous jours. En suivant la pensée des spécialistes du Baroque latino-américain, nous proposons que les formes baroques latino-américaines réapparaissent en raison de « cycles » dont le NCL serait le dernier « recyclage » de cette tradition esthétique. Ainsi, le NCL témoignerait une « transposition » du baroque latino-américain au cinéma et d’une « légitimation » de la culture latino-américaine pendant un bouleversement géopolitique. Dans le deuxième chapitre nous avons tenu à expliquer les caractéristiques de la forme-frontalière du NCL et de ses origines dues au processus de transculturation mis en place depuis la « découverte » de l’Amérique. Nous affirmons que l’esthétique du NCL est décolonial car il atteste d’un jeu de perspectives entre les frontières de la modernité, de la colonialité et de l’extra-modernité. Nous analysons le détournement décolonial du NCL à travers deux axes principales : l’esthétique baroque latino-américaine et le Néoréalisme italien. Le Baroque latino-américain, éclectique et parfois anti-colonial, se voit reflété dans l’esprit d’inclusion des formes sensibles de différentes épistémologies. Par rapport à l’influence du Néoréalisme, nous proposons l’hypothèse que ce cinema est aussi l’héritier de la tradition esthétique du Baroque italien. À partir de cette idée nous essayons de tracer deux lignes de développement parallèles et synchroniques de l’histoire du cinéma, d’un côté le « Classicisme cinématographique » et de l’autre le « Baroque cinématographique ». Le Classicisme cinématographique est l’héritier du Classicisme historique et ses fondements formels se trouvent dans le cinéma classique d’Hollywood qui est l’aboutissement d’un système de représentation cohérente. Le Baroque au cinéma, au contraire, est héritier du Baroque historique, c’est-à-dire d’une « autre » esthétique moderne, souterraine et subalterne propre à l’Europe méridionale et au monde colonial. Ainsi, le NCL propose une vision « contre-hégémonique », « subalterne » et « subversive » de l’Amérique latine qui s’oppose à l’histoire officielle du sous-continent. Cette histoire et ce cinéma officiels produits par les élites n'inclussent pas dans les cosmovisions amérindiennes et afro-américaines. Le NCL est produit principalement du point de vue de la colonialité, mais aussi de l’extra-modernité, vers la modernité, détournement du système de représentation classique, qui essaie de tourner en « dérision », ou de rendre « carnavalesque », des formes esthétiques hégémoniques. Le détournement décolonial de l’idée de l’« Amérique latine » aboutit, à travers des formes filmiques, un cinéma, et donc une œuvre artistique, qui peut développer l’imaginaire de la décolonisation
"The Border-Form: The Quest for New Latin American Cinema with Decolonial Aesthetics" takes a current look at the debates around the cinema and its ability to act on the geopolitical level. During the 1960s and 1970s, filmmakers of the New Latin American Cinema sought to build a "new Latin American man" called to make the revolution through a decolonization cinema. The six films analyzed in this work address this decolonial aesthetic based on the Latin American artistic tradition of cultural syncretism whose cornerstone is a transgressive appropriation of the legacy of colonial culture: the Baroque.In the first chapter we have explained the characteristics of the border-form of the NCL and its origins due to the process of transculturation set up since the "discovery" of America. We affirm that the aesthetics of the NCL is decolonial because it attests to a play of perspectives between the borders of the modernity, the coloniality and the extra-modernity. We analyze the détournement decolonial of the NCL through two main axes: Latin American Baroque aesthetics and Italian Neorealism. The Latin-American Baroque, eclectic and sometimes anti-colonial, is reflected in the spirit of inclusion of the sensitive forms of different epistemologies. With regard to the influence of Neorealism, we propose the hypothesis that this cinema is also the heir of the aesthetic tradition of the Italian Baroque. From this idea we try to draw two lines of parallel and synchronic development of the history of the cinema, on the one hand the "Cinematographic Classicism" and on the other hand the "Cinematographic Baroque".Film Classicism is the heir of Classicism and its formal foundations are found in the classic Hollywood cinema that is the culmination of a coherent representation system. Baroque cinema, on the contrary, is heir to the historic Baroque, that is to say, of another "other" moderne, subterranean and subaltern aesthetic peculiar to southern Europe and the colonial world. Thus, the NCL proposes a "counter-hegemonic", "subaltern" and "subversive" vision of Latin America that opposes the official history of the subcontinent. This official history and cinema produced by the elites do not include in Amerindian and Afro-American cosmovisions. The NCL is produced mainly from the point of view of coloniality, but also from extra-modernity, towards modernity, the détournement of the classical representation system, which tries to turn into "derision", or to make "carnivalesque", hegemonic aesthetic forms. The decolonial détournement of the idea of "Latin America" leads through filmic forms, a cinema, and therefore an artistic work, which can contribute to the development of the decolonization imaginary

La thèse propose d'étudier sur cinquante ans de cinéma français l'évolution du concept du premier film de la Nouvelle Vague aux années 2000 sous un angle historique, esthétique et économique, analyser le début de carrière de six cinéastes français singuliers emblématiques d'une époque et d'une génération, comprendre et s'intéresser à leurs parcours avant leur premiers film, leurs influences, les aides qu'ils ont pu obtenir, leur lien avec la critique et la présence de leur film de jeunesse dans leur œuvre à venir
This thesis proposes to study the evolution of French cinema threw the concept of ''the first movie'' from the New Wave to the beginning of 21st century on a historic, esthetic and economic point of view. This research tries to analyse the beginning of the career if six French singulars directors whitch are iconic of a period or a generation, tries to understand and be interested on their course before their first movie, their youth, their influences, the financial and humain helps they found, their connections with the French critique and the presence of their first movie in all their future work

Thèse réalisée en cotutelle avec l'Institut d'Études théâtrales de l'Université Sorbonne nouvelle - Paris 3
Désireuse de s’affranchir d’une approche essentialiste et figée de la poésie au théâtre ainsi que d’une lecture générique, cette recherche envisage selon une méthodologie intermédiale les relations entre théâtre et poésie. En analysant un corpus témoin composé de créations textuelles et scéniques, elle montre comment la présence active de la poésie travaille le théâtre, et partant, elle les précise tous deux par leurs interactions. La première partie établit une généalogie de l’intermédialité du théâtre et de la poésie, et des liens dynamiques entre théâtre et poésie. Tout au long du XXe siècle, poésie et théâtre se sont en effet affirmés comme des « hypermédias » (Kattenbelt), mettant respectivement en jeu divers médias, tandis que plusieurs dramaturges ont développé des poésies théâtrales explorant des processus intermédiaux. Sont dégagées et analysées quatre configurations spécifiques à travers les œuvres et réflexions de Mallarmé et Maeterlinck, de Stein et Artaud, de Gauvreau et Novarina et à travers la poésie transmédiale que Cocteau développe entre théâtre et cinématographe. Consacrée au tournant des XXe et XXIe siècles, la deuxième partie élabore une approche théorique du poème théâtral, qui actualise les relations entre théâtre et poésie. Le poème théâtral constitue un dispositif intermédial qui, selon un modèle élaboré par Ortel et Rykner, articule inextricablement trois niveaux : technique, pragmatique et symbolique. Plusieurs traits précisent ce dispositif : sa radicalité dynamique, sa performativité, sa valorisation de l’écriture comme processus, et sa façon de considérer l’impossible comme moteur théâtral. Des analyses d’œuvres textuelles et scéniques de Kane, Malone, Danis, Régy et Lemoine montrent ensuite comment ce dispositif intermédial est activé et ce que le poème théâtral propose au lecteur et au spectateur comme expérience esthétique. Saisir le devenir intermédial de la poésie au théâtre permet de penser un modèle interartial placé sous le signe de l’hospitalité, où les arts, égaux, dialoguent entre eux et échangent, en faisant travailler ensemble leurs hétérogénéités et leurs altérités.
In an effort to do away with an essentialist, rigid, and generic approach to poetry in dramatic works, this research looks at the relationship between poetry and drama using an intermedial methodology. By studying a sample corpus made up of textual and theatrical works, this thesis shows how the active presence of poetry is at work in theatre, thereby redefining each of the two concepts through the ways in which they interact. The first chapter traces the genealogy of intermediality within poetry and drama, and that of the dynamic connections between drama and poetry. Throughout the twentieth century, poetry and theatre have come to be seen as « hypermedia » (Kattenbelt), each of them bringing into play various types of media. Meanwhile a number of playwrights started developing dramatic poems exploring intermedial processes. This research identifies and analyses four distinct forms in the thought and works of Mallarmé and Maeterlinck, Stein and Artaud, Gauvreau and Novarina, through the transmedial poetry developed by Cocteau at the confines of drama and cinematography. With a focus on works from the turn of the twentieth to twenty-first century, the second chapter offers a theoretical approach to the dramatic poem, that seeks to bring an updated approach to interactions between drama and poetry. The dramatic poem is an intermedial apparatus that, in Ortel and Rykner's view, inextricably combines the technical, the pragmatic and the symbolic. This apparatus is characterised by its dynamic radicalism, its performativity, its focus on the value of writing as a process and the way in which it conceives of impossibility as a dramatic driving force. Analyses of textual and dramatic works by Kane, Malone, Danis, Régy and Lemoine suggest how intermedial apparatuses are triggered and the kind of aesthetic experience the dramatic poem offers to readers and viewers. Contemplating intermedial processes of poetry in theatre allows for the reframing of an interartial model in an inclusive, hospitable fashion, where all art forms are considered equal, engage in dialogue and exchange, and combine their differences towards a common object.

Much of guitarist Wes Montgomery’s study of jazz improvisation came from imitating Charlie Christian’s guitar solos. The purpose of this study is to identify and examine significant improvisational traits that Wes Montgomery developed as a direct result of his imitation and assimilation of Charlie Christian. The dissertation investigates the musical traditions in Christian’s playing that were absorbed into Montgomery’s playing and how Montgomery was able to use these traits to foster new musical traditions. The solo transcriptions are limited to Montgomery’s early recordings between 1957 and ending with his 1960 album The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery. The study also examines the relationship imitation has with creativity in jazz and how originality is influenced by the past. The dissertation examines the two guitarists’ use of five harmonic and melodic devices over dominant harmonies: scales, arpeggios, use of chromatic pitches, formulas and enclosures, and harmonic substitutions. The study focuses on how Montgomery’s melodic and harmonic treatment of dominant harmonies has been influenced by his imitation and assimilation of Christian’s improvisations. The study examines how Montgomery differentiated himself in his improvisations from Christian’s. A strong emphasis is given to the significance of these differences and how these differences are connected to Montgomery’s originality and innovation. This dissertation confirms that Montgomery’s innovation was strongly linked to his imitation of Charlie Christian. It also suggests that devotion to the imitation of past artists is needed in developing an original voice in jazz.
Biographical history and musical development of Charlie Christian -- Biographical history and musical development of Wes Montgomery -- Stylistic traits of Charlie Christian over dominant-seventh harmonies -- Stylistic traits of Wes Montgomery influenced by Charlie Christian -- Conclusion.
School of Music