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Tesis sobre el tema "Auteur Cinema"
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1
Murray, K. M. "Shakespeare and auteur cinema". Thesis, Queen's University Belfast, 2014. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.680231.
Texto completoResumen
This thesis offers a timely reappraisal of authorship in Shakespeare film adaptations. It analyses the films of nine auteur-directors, breaking new ground by using an interdisciplinary framework (drawn from literary, film and cultural studies) to resituate the auteur at the confluence of commerce. and cultural politics. Contesting still-normative paradigms that hold the auteur as either self-detelmining creativity or casualty of industry, I maintain that auteur Shakespeare is a plurally constituted, restlessly changing phenomenon whose every instance is constihlted by and through a unique meshing of material, social and intertextual processes. Chapter One surveys the histories of auteurist and Shakespeare on film criticism, drawing on each to argue for the necessity of an approach attentive to the auteur's roles both inside and outside cinema. Chapter Two demonstrates precisely the need for such a dual focus insofar as it assesses the persistent influence on the reception of Welles's Shakespeare films of a mythologised auteur persona. Chapter Three adopts a Bourdieu-inflected perspective on Laurence Olivier's and Kenneth Branagh's Shakespearean undertakings, uncovering in them aspirations towards legitimacy. Chapter Four conceptualises Franco Zeffirelli's work as middlebrow auteur cinema - ideologically safe and commercially orientated. Chapter Five, by contrast, suggests that Derek Jarman's films exemplify auteur Shakespeare's counter-hegemonic possibilities. Chapter Six also focuses on dissident articulations: it posits Julie Taymor's oeuvre as a feminist counter-point (though, finally, a problematic one) to auteur cinema's androcentrism. Chapter Seven uses close reading to delineate Akira Kurosawa's and Grigori Kozintsev's affiliations to art cinema. The final chapter examines Vishal Bhardwaj's adaptations in light of transnational theory, positing forms of exchange as a crucial interpretive concern. These analyses yield important evidence of Shakespeare's multidimensional significance to various filmic culhlres and subcultures. In tum, they newly illuminate the essential part that commercial and political formations have played in reauthoring past and present incarnations of auteur and Shakespeare.
2
Leonard, M. P. "Irregular auteur : the cinema of Philippe Garrel". Thesis, Queen's University Belfast, 2014. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.678827.
Texto completoResumen
d has been described by Gilles Deleuze as one of 'the greatest modern auteurs, whose work, alas, may well develop its effects only in the long term, endowing the cinema with powers that are as yet not well known.' Despite this kind of endorsement, Garrel has remained a relatively elusive figure, and his cinematic oeuvre has received limited attention amongst scholars of-and commentators on - French cinema. This thesis contends that the marginalization of Garrel's films is due to the formal and ideological irregularity of an oeuvre that embraces artisanal modes of production, shifts between the avant-garde and the mainstream, and, although connected with several schools and film groupings, is never fully affiliated with any. It contends that his work is especially relevant to any consideration of film language and political transformations within France since the events of May '68. Garrel, who took part in these events as a young man, has produced a challenging and provocative body of work, that continues to offer an important contribution debates about the relations between art and politics, cinema and engagement, even if that contribution has been neglected.
3
Basea, Erato. "Literature and the Greek auteur : film adaptations in the Greek cinema d' auteur". Thesis, University of Oxford, 2011. http://ora.ox.ac.uk/objects/uuid:cab79d67-f602-43f4-96b4-4f017b2b8efa.
Texto completoResumen
The focus of this thesis is to trace the dialogue between the Greek cinéma d' auteur and Greek literature focusing on film adaptations of Greek literature from 1964 to 2001. It is argued that film adaptations are a sensitive prism through which to examine the auteurs’ cultural politics regarding their work and, through that, understand the economy of the auteurist cultural production itself. The thesis consists of five chapters. Chapter One presents the history of the creation of the Greek cinéma d' auteur and traces its developments in relation to the concepts of national and high art. The principle argument is that Greek literature, endowed with notions of high art and national identity, played a key role in the gradual emergence, formation and consolidation of auteurism as a cinema that enunciates national identity and articulates high art values. The next four chapters examine four film adaptations each made by an acclaimed auteur. The chapters endeavour to investigate the identity politics of each director in relation to the categories of high and national art that defined the Greek cinéma d' auteur. Moreover, the chapters aim to study the politics involved in the validation or renegotiation of auteurism itself. The major contribution of the thesis is the exploration of film adaptations of Greek literature in the Greek cinéma d' auteur which has not been systematically discussed so far. Furthermore, the investigation of the two separate components that make up the subject of the thesis, namely cinema and literature, both from a theoretical perspective and within the framework of film studies, aligns the thesis with recent discussions in Modern Greek Studies and theoretical debates about authorship in films, film adaptations as well as peripheral cinemas.
4
Wood, Mary Patricia. "Francesco Rosi : an auteur? : the cinema of Francesco Rosi". Thesis, University College London (University of London), 1994. http://discovery.ucl.ac.uk/1317565/.
Texto completoResumen
Auteurist approaches developed in the 1950s studied films as a means of personal expression, valuing those directors who could bring an individual quality to their films as 'auteurs' . More recent theories of subjectivity and textuality have displaced the centrality of the director as author of meanings in the film texts, but have had difficulty in explaining the continued importance accorded to directors in interviews and writing about their films. The interaction of directorial intention, film industry, and the use of other media to communicate the director's ideas to audiences is an area of continued theoretical concern. It is the aim of this work firstly to examine how Francesco Rosi has managed to constitute himself as an 'auteur' within the institutional structures of the Italian film industry, and the constraints which these impose. Between 1958 and today Rosi has made fifteen films, the majority of which to a greater or lesser extent engage with the reality of contemporary Italy. He works within the mainstream of the Italian film industry. His work can, however, be located within that narrow band of 1- 2% of films produced each season which can be designated 'art' or 'quality' cinema, as opposed to more or less formulaic genre products. This study aims to show that the institutional structures of the Italian film - and latterly media - industries have a primary influence both on the particular narrative patterns Rosi has at his disposal, and on the particular types of films which Rosi as director is financed to make. Secondly, I examine elements of Rosi's films which mark him out as an 'auteur'. Through close textual analysis, I identify recurring visual, rhetorical and narrative choices which can be shown to signal the presence of the 'auteur', Rosi, in the film texts, and to constitute his style.
5
Wilmes, Justin A. "Projecting Social Concerns: Russian Auteur Cinema in the Putin Era". The Ohio State University, 2015. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1431037346.
Texto completo
6
Jubis, Oscar. "The Salta Trilogy of Lucrecia Martel". Scholarly Repository, 2009. http://scholarlyrepository.miami.edu/oa_theses/234.
Texto completoResumen
During the past decade, Lucrecia Martel has emerged as the most respected filmmaker from South America. This thesis is motivated by my conviction that Martel's films are worthy of serious engagement and critical scrutiny. It is also motivated by my curiosity about the seemingly inexhaustible pleasure and edification I derive from them. Martel describes her filmmaking as "cine de autor" (auteur cinema). Indeed, her films evidence a personal involvement in every aspect of filmmaking. This thesis will define and explore the characteristics and conditions of her authorship. This thesis constitutes an expression of the enduring usefulness of auteurist criticism. In this case, this critical approach is entirely appropriate and likely to yield the deepest insights into the films. The introduction to my thesis provides pertinent biographical information and the necessary socio-cultural context to set the stage for an intellectual immersion into her three features to date: The Swamp (2001), The Holy Girl (2004) and The Headless Woman (2008). I propose that these films constitute a trilogy that distills Martel's experience of growing up in the remote province of Salta and critiques the social and cultural forces at play in provincial Latin American life. However, no matter how specific the sense of place the films convey and how grounded they are in subjective experience, they illuminate universal aspects of being a person in the world and contain progressive prescriptions for living from which anyone can benefit. My research into the literature on the films of Lucrecia Martel failed to find any serious and thorough appraisal of Lucrecia Martelâ??s films as a trilogy. While my analysis benefits from familiarity with the available literature, the operative critical approach privileges my direct experience with the audiovisual material provided by the films. Each film will be subjected to a close reading illustrated with images from it. These readings focus sharply on certain sequences I deem crucial to the conveyance of characterization, meaning and ideology. These readings aim to think with the films rather than think against or about them. They explore the themes and issues that arise within the narratives of the films as well as the formal means by which they do.
7
Marcello, Fabiana de Amorim. "Criança e imagem no olhar sem corpo do cinema". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2008. http://hdl.handle.net/10183/13262.
Texto completoResumen
Le sujet central de cette thèse concerne à l’analyse de l’image de l’enfant au cinéma. Ainsi, ce travail est, lui-même, soutenu par une image conceptuelle triptyque, dans laquelle les notions d’enfant, d’image et d’auteur se remettent structuralement aux trois axes de la thèse. L’objectif de cette recherche est de développer le concept d’enfant à partir d’une perspective qui privilégie décrire dans les analyses filmiques : 1) une volonté affirmative de puissance de l’enfant, soutenue par les concepts nietzschéens d’« oubli » et de « renouveau » ; 2) l’esthétique et l’image cinématographiques pas comme des éléments d’une représentation de l’enfant, mais, avant tout, comme des effets-superficie de sa production ; 3) la question de l’auteur, pas comme une unité totalisatrice, mais comme ce qui consiste à l’organisation de personnages (personae) (STEINER, 2003) et à la composition d’une « signature » (FISCHER, 2005). L’auteur (ou le directeur-auteur), en ce sens, a moins à voir avec l’instauration de vérités et plus avec des vibrations puissantes – parce que l’enfant, à condition de persona, est considéré surtout comme pratique, comme acte de création. Méthodologiquement, le corpus de l’analyse est constitué par deux groupes des matériaux filmiques. Le premier groupe a été sélectionné par le critère de ce qu’on comprend comme « cinéma d’auteur ». Le choix par ce critère – historique dans le domaine du cinéma – a permit qu’au lieu de prendre l’auteur comme une unité donnée, il a été possible de le problématiser à partir des contributions de Michel Foucault en ce qui concerne aux catégories d’«oeuvre » et d’« auteur ». Le deuxième groupe a été dégagé d’un vaste dénombrement cinématographique et les filmes ont été sélectionnés dans la mesure où ils mettaient en jeu d’une façon plus pertinente les discussions centraux de ce travail (discussions sur le « real » et le « fictionnel », la « pureté » et l’« impureté » de l’image). Les films choisis sont : The Kid (1921), de Charles Chaplin; Zéro de Conduite (1933), de Jean Vigo; Sciuscia (1946), de Vittorio De Sica; Bonjour (1959), de Yasujiro Ozu; Les 400 Cents Coups (1959) et L’enfant Sauvage (1970) de François Truffaut; Pixote, La Loi du Plus Faible (1981), de Hector Babenco; Fanny et Alexander (1983), de Ingmar Bergman; Où est la Maison de Mon Ami? (1987), de Abbas Kiarostami; Central do Brasil (1998), de Walter Salles, La Langue des Papillons (1999), de José Luis Cuerda; Promesses (2001), Justine Shapiro e B. Z. Goldberg; Camera Kids (2004), Ross Kauffman e Zana Briski. Finalement, en partant de l’idée du cinéma comme art et d’une non différenciation entre des films pour les enfants et des films pour les adultes, on propose quelques bases sur lesquelles on peut promouvoir un rencontre entre le cinéma et l’école. On comprend que c’est un travail éthique et politique à se faire, d’autant qu’en général l’école est le seul lieu où les enfants et les jeunes peuvent accéder à ce type d’expérience.O tema central desta tese é a análise da imagem da criança no cinema. Para tanto, este trabalho está alicerçado, ele mesmo, numa imagem conceitual tríptica, na qual as noções de criança, imagem, autoria remetem, estruturalmente, a seus três eixos fundamentais. Assim, o objetivo desta pesquisa é desenvolver o conceito de criança a partir de uma perspectiva que privilegia analisar, em imagens fílmicas: 1) uma vontade afirmativa de potência da criança, aliada, nietzschianamente, aos conceitos de “esquecimento” e “novo começo”; 2) a estética e a imagem cinematográfica não como elemento de representação da criança, mas, antes, como efeito-superfície de sua exata produção; 3) a questão da autoria, partindo não do princípio da unidade totalizadora “autor”, mas como processo que consiste, também por parte deste, na organização, sobretudo, de personagens (personae) (STEINER, 2003) e a partir de uma espécie de “assinatura” (FISCHER, 2005) para seus filmes: uma autoria que teria menos a ver com instauração de verdades e mais com meras (e potentes) vibrações, justamente porque a criança, na condição de persona, é tomada, acima de tudo, como prática de criação. Para tanto, dois conjuntos de materiais constituíram-se como corpus de análise. O primeiro conjunto de materiais foi selecionado a partir daquilo que se entende por “cinema de autor”. A escolha deste critério – histórico no campo do cinema – permitiu que, ao invés de tomar o conceito de autoria como dado, ele fosse problematizado a partir das contribuições de Michel Foucault sobre as categorias de “obra” e de “autor”. O segundo conjunto de filmes foi extraído de um amplo levantamento cinematográfico acerca da relação mais ampla entre criança, cinema e autoria e foi selecionado na medida em que se tratava de filmes que punham em operação de forma mais contundente as discussões essenciais neste trabalho (quais sejam, discussões sobre “real e “ficção”, “pureza” e “impureza” da imagem). Temos assim constituído o corpus de análise desta pesquisa: O Garoto (1921), de Charles Chaplin; Zero de Conduta (1933), de Jean Vigo; Vítimas da Tormenta (1946), de Vittorio De Sica; Bom Dia (1959), de Yasujiro Ozu; Os Incompreendidos (1959) e O Garoto Selvagem (1970) de François Truffaut; Pixote, a Lei do Mais Fraco (1981), de Hector Babenco; Fanny e Alexander (1983), de Ingmar Bergman; Onde Fica a Casa do Meu Amigo? (1987), de Abbas Kiarostami; Central do Brasil (1998), de Walter Salles, A Língua das Mariposas (1999), de José Luis Cuerda; Promessas de um Novo Mundo (2001), Justine Shapiro e B. Z. Goldberg; Nascidos em Bordéis (2004), Ross Kauffman e Zana Briski. Por fim, partindo de um entendimento do cinema como arte e da não diferenciação básica entre filmes para criança e filmes para adultos, apresento, propositivamente, algumas bases sobre as quais seria possível efetivar um encontro entre cinema e escola. Entendo que se trata de um trabalho ético e político a ser realizado, tendo em vista que, muitas vezes, a própria escola vem se configurando como o único espaço onde crianças e jovens têm acesso a esse tipo de experiência.
The main subject of this thesis is the analysis of children image in the cinema. As such, this work itself is founded on a tryptich conceptual image; on which the notions of child, image and authorship are its three fundamental axes. Therefore, the objective of this research is to develop the concept of child in a perspective that analyzes, in motion picture images: 1) an will of (affirmative) power of child, associated to the Nietzsche concept of forgetfulness and new beginning; 2) the aesthetics and the cinematographic image as surface-effects of its accurate production, not as an element of child representation; 3) the way some directors create a “signature” for their films: a signature more related to mere (and powerful) vibrations rather than an attempt to establish truth; precisely because here the child is viewed as a practice of creation – as understood by Steiner (2003). Two sets of materials were used to form the corpus for analysis. The first set was selected using the criterion of authorship, more specifically, what is understood as “cinema of author”. The choice of this criterion – historical in the field of cinematography – allowed the concept of authorship to be studied based on Michel Foucault contributions on the categories of “author” and “work”, rather than seen as pure data. The second set of movies was extracted from an extensive cinematographic research about the broad relation between child, cinema and authorship. They were selected for forcefully bringing the essential discussions of this work to surface (being, discussions about “reality” and “fiction”, image “purity” and “impurity” or even about the webs of visibility and enunciability of the cinematographic image). The movies are: The Kid (1923), Charles Chaplin; Zero for Conduct (1933), Jean Vigo; Shoeshine (1946), Vittorio de Sica; Good Morning (1959), Yasujiro Ozu; The 400 Blows (1959) and The Wild Child (1970), François Truffaut; Pixote (1981) Hector Babenco; Fanny and Alexander (1983), Ingmar Bergman; Where Is the Friend’s House? (1987), Abbas Kiarostami; Central Station (1998), de Walter Salles; Butterfly (1999), de José Luis Cuerda; Promises (2001), Justine Shapiro and B. Z. Goldberg; Born into Brothels: Calcutta’s Red Light Kids (2004), Ross Kauffman and Zana Briski. Finally, starting from the understanding of cinema as an art, and the basic non-difference between a movie for children and a movie for adults; I present some basis over which it would be possible to gather cinema and school. It is my understanding that this would be an ethic and politic work considering that, in many cases, the school has been the only space where children and youngsters had access to such movie experiences.
8
Raines, Heather J. "Auteur direction, collaboration and film music: Re-imaginings in the cinema of Rodriguez and Tarantino". Thesis, University of Ottawa (Canada), 2009. http://hdl.handle.net/10393/28222.
Texto completoResumen
The theory of film music and its terms and categories have not yet been applied to or tested in more recent genres of film, and this study tests the application of the terms auteur and melomane in the films of Robert Rodriguez (Once Upon A Time In Mexico, Sin City and Planet Terror) and Quentin Tarantino (Kill Bill V. 1 and 2, Death Proof). Both directors have a distinct musical stance, and through an examination of the above-mentioned films, their influences and sonic impact are explored.
The working question of this thesis, in the abstract, is whether or to what extent the terms, concepts and directorial categories of film-music theory apply to this recent repertoire. This study explores the similarities and differences in the relationship between the music in the films of the auteur and melomane while exploring the fields of musical narrative present in contemporary film.
9
Sann, Vanna. "Authorship in transnational cinema Pedro Almodovar, Wong Kar-wai, and the Star-Auteur /". CONNECT TO ELECTRONIC THESIS, 2007. http://dspace.wrlc.org/handle/1961/4270.
Texto completo
10
Romao, Tico. "From auteur to filmmaking institution : a theory of meaning production in the Hollywood cinema". Thesis, University of East Anglia, 2000. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.327509.
Texto completo
11
Rydzewska, Joanna. "East meets West meets Auteur : transnational encounters with imagined identities in British and Polish cinema". Thesis, Swansea University, 2012. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.678569.
Texto completo
12
Mulhall, Michael. "Encounters at the End of the World: A Collection of Essays on Werner Herzog". Thesis, Boston College, 2008. http://hdl.handle.net/2345/542.
Texto completoResumen
Thesis advisor: John MichalczykWerner Herzog is one of the most important directors of today. He is also, however, woefully misunderstood. These four essays attempt to refute some commonly held views about the director, but also to reinforce others. The first essay looks at his cultural heritage. The second essay places Herzog under the microscope of the Auteur Theory of cinema. The third examines his relationship with his volatile, long-time collaborator Klaus Kinski. The final essay turns to Herzog's documentary films and asks what role they play in his oeuvre
Thesis (BA) — Boston College, 2008
Submitted to: Boston College. College of Arts and Sciences
Discipline: Fine Arts
Discipline: College Honors Program
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Tse, Wing-hin y 謝穎軒. "Deconstructing the auteur : a study of the process of value-formation in the cinema of Wong Kar-wai". Thesis, The University of Hong Kong (Pokfulam, Hong Kong), 2013. http://hdl.handle.net/10722/206664.
Texto completoResumen
From a figure of controversy to an illustrious auteur with international renown and widespread critical acclaim, Wong Kar-wai remains unique in the history of Hong Kong cinema. While his films are often box-office failures and criticised for their artistic ostentations at home, Wong enjoys a celebrity status at international film festivals and his films remain a focus in academic studies worldwide. It is this disparity in the reception and value judgment of Wong as a filmmaker that this dissertation is interested in addressing. Thus the central thesis is to explore how critical discourse and institutions confer cultural prestige to his films that positively impact upon their reception and circulation.
Existing literature on Wong’s oeuvre focuses eclectically on his artistic merits while side-stepping the material politics behind the reception and circulation of his films, and this dissertation aims to rectify this tendency by foregrounding the site of cultural production where all these cultural debates occur. If aesthetic and critical values are socially constructed, they are also predicated on a complex and changing nexus of multiple social, cultural and institutional factors. Art and their producers do not exist independently of a complex institutional framework which authorises, enables and legitimises them. Thus this dissertation is concerned with exploring how these discursive and institutional frameworks influence what is said and can be said about his films.
Chapter 1 looks into how film festival emblematisesa dynamic system where a film accrues values as it circulates among mediators in their struggle for cultural legitimacy, thus exploring issues such as taste-construction and power relations among mediators. Through adopting a Bourdieuian paradigm, this chapter explores the significance of mediators in legitimising cultural values concerning the cinema of Wong Kar-wai in hope of broadening the analysis of festival films into the socio-economic and institutional conditions of their reception and circulation.
Chapter 2 explores how the image of the auteur impacts upon the reception and circulation of the cinema of Wong Kar-wai vis-à-vis Corrigan’s idea of the commerce of auteurism which recontextualises auteurism within an industrial and commercial framework and foregrounds the branding of the auteur-star as a commercial strategy. In particular, I examine how the interviews of Wong Kar-wai can be read as a paratextual site where different mediators contribute to the cultural ‘investment’ in the construction of the celebrity sign.
Chapter 3 marks a self-reflexive turn into exploring the nature of knowledge production in the formative process of canonisation. Through adopting Greg Urban’s notion of ‘metaculture’, I examine how knowledge production can function as a metacultural sphere that influences the circulation of cultural products such as films. An examination of canon formation not only reveals the values inherent in such assessments, but also foregrounds the cultural and institutional assumptions surrounding cinema’s shifting social and cultural significance.
This dissertation therefore aims to broaden the scope of filmic analysis from textual-oriented criticism to exploring the institutional and discursive frameworks that construct cinematic values, also illuminating how these value judgements inform the continuing and evolving canonisation of films.published_or_final_version
Comparative Literature
Master
Master of Philosophy
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Cowley, Brent. ""Reality" while Dreaming in a Labyrinth: Christopher Nolan as Realist Auteur". Thesis, University of North Texas, 2017. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc1011762/.
Texto completoResumen
This thesis examines how the concept of an auteur (author of a film) has developed within contemporary Hollywood and popular culture. Building on concepts from Timothy Corrigan, this thesis adapts the ideas of the author and the commercial auteur to examine how director Christopher Nolan's name, and film work, has become branded as "realist" by the Hollywood film industry and by Nolan's consistent self-promotion. Through recurring signatures of "realism," such as, cinematic realism (immersive filmic techniques), technical realism (practical effects and actual locations), subjective realism (spectator access to a character's point of view), psychological realism (relatable motivations) and scientific realism (factual science), Nolan's work has become a recognizable and commoditized brand. Like many modern-day auteurs, Nolan himself has been used as a commodity to generate interest to his working methods and to appeal audiences to his studio films. Analyzing each of Christopher Nolan's films along with the industrial and cultural factors surrounding them, a method for understanding contemporary auteurism in Hollywood is presented. Through a consideration of extra-textual components, including promotional featurette's and journalistic interviews with Nolan, as well as his film crew, this thesis will explore how Nolan might be considered a template for a future of auteur branding.
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Aydin, Ali. "An Alternative Auteurist Approach to Sidney Lumet's Films : In Search of a Transgressive Cinema". Thesis, Stockholms universitet, Filmvetenskap, 2015. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:su:diva-128407.
Texto completo
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Janssens, Christian. "Maurice Maeterlinck, un auteur dans le cinéma des années 1910 et 1920: une approche historique, sociologique et esthétique". Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209632.
Texto completoResumen
Si l’œuvre littéraire de Maurice Maeterlinck suscite nombre de recherches, ses activités dans le domaine du cinéma sont moins connues et moins étudiées. La présente thèse, qui s’appuie sur les concepts de la sociologie de Pierre Bourdieu, entend combler une lacune en analysant la trajectoire de l’auteur dans le champ cinématographique pendant les années 1910 et 1920, c’est-à-dire la période où il manifeste le plus d’intérêt pour le cinéma. L’étude comprend trois analyses. La première concerne le point de vue de Maurice Maeterlinck, son entrée et son déplacement dans le champ cinématographique. L’auteur consacré dans son champ d’origine développe, dans le nouveau champ investi, des produits dérivés orientés vers le public élargi et diversifié. La deuxième analyse concerne les transformations du champ cinématographique et le point de vue des autres agents, en particulier celui des maisons de production et de distribution. Celles-ci insèrent les adaptations de l’auteur dans une série de produits plus ou moins standardisés, qui leur permettent de se situer dans le champ. La troisième analyse concerne quelques films et projets de films datant des années 1910 et 1920, liés aux œuvres littéraires de Maurice Maeterlinck, comme The Blue Bird (Maurice Tourneur, 1918). Aussi bien les composantes externes (par exemple, la mise en place du projet, la production ou l’exploitation) que les composantes internes (par exemple, la mise en scène ou l’éclairage) sont les indicateurs de la position de l’auteur et les indicateurs du fonctionnement du champ dans son ensemble. / The researches on the literary works of Maurice Maeterlinck are numerous but his activity in the cinema is less known and less studied. The PhD thesis is based on the concepts of the sociology of Pierre Bourdieu ;its purpose is to bring new information by analyzing the trajectory of the author in the cinematic field during the 1910s and the 1920s, when he is the most interested in the cinema. The study includes three analyses. The first one concerns Maurice Maeterlinck's point of view, his entrance and his movement in the cinematic field. The author who is recognized in his first field develops in the new invested field several products who are directed to the widened and diversified public. The second analysis concerns the transformations of the cinematic field and the point of view of the other agents, e.g. the houses of production and distribution. These houses insert the adaptations of the author into a series of more or less standardized products, which allow them to be situated in the field. The third analysis concerns some films and projects of films of the 1910s and the 1920s, adapted from the literary works of Maurice Maeterlinck (e.g. The Blue Bird, Maurice Tourneur, 1918). The external components (the organization of the project, the production or the exploitation) and the internal components (the direction or the lighting) indicate how the author is situated and how the field is organized.Doctorat en Information et communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Kupfer, Stephanie. "Female auteurs in evolution: the filmmaking of Claire Denis and Catherine Breillat". Diss., University of Iowa, 2018. https://ir.uiowa.edu/etd/6452.
Texto completoResumen
According to the latest Celluloid Ceiling Report, conducted by the Center for the Study of Women in Television and Film at San Diego State University, only 7% of all directors working on the top 250 films in the United States in 2014 were women. These bleak statistics no doubt replicate the condition of women in countless other national cinemas. It is, therefore, critical that more attention be given to the women who do manage to succeed in the male-dominated film industry. In my dissertation, I examine the work of two major French women filmmakers, Catherine Breillat and Claire Denis, who have resisted the kind of marginalization and even erasure of women’s presence which this data represents, achieving along the way distinction not just in the French, but in the global cinema context. I analyze their work primarily through the lens of auteur theory and the Cixousian notion of the feminine.
For the purpose of this work, I define an auteur as a filmmaker who has established a distinctive but evolving style as well as a set of thematic preoccupations across a significant number of films and a considerable span of time and whose films are recognizable no matter the subject they treat or the context in which they are made. At its inception, auteur theory signaled a radical break with the tradition of film adaptations and literary screenplays that either did not understand or did not care to exploit the specificity of the filmic medium. Yet, in spite of the revolutionary aspects of auteurism, it has remained somewhat regressive in its recognition of and engagement with gender problematics. The putative gender neutrality of auteurism is, in practice, an assumption of masculinity. Female film directors who achieve auteur status (a minority compared to the number of men given the same consideration) are then marked by their difference, they are not simply auteurs but female auteurs. While this designation is potentially limiting, I assert that it is, in fact, a valuable designation, since it has opened up a space for female filmmakers to rewrite dominant cultural narratives and from a feminine perspective. Claire Denis and Catherine Breillat consistently practice a feminine form of filmmaking, that is, filmmaking that opposes through form and representation, the logical, teleological narratives and adherence to patriarchal values associated with traditional filmmaking. While traditional, masculine filmmaking is designed to halt the proliferation of meaning, feminine filmmaking allows for ellipses, creates a space for the unsaid and the unknowable; it asks questions but does not answer them; it allows the reader or viewer to participate in the production of meaning. These are the kinds of films that Denis and Breillat are making and they need to be recognized for their exemplary artistic contributions as well as the space they have created for others to challenge the status quo in the film industry.
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吳晶. "杜琪峯的電影世界 : 香港電影作者個案研究 = The cinema world of Johnnie To : a case study of auteur in Hong Kong". HKBU Institutional Repository, 2008. http://repository.hkbu.edu.hk/etd_ra/906.
Texto completo
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Buckle, Luke. "Contemporary Neorealist principles in Abbas Kiarostami's filmmaking (1997-2005)". Thesis, University of Hertfordshire, 2012. http://hdl.handle.net/2299/9036.
Texto completoResumen
Iranian film has in recent decades comprised an increasingly important and influential cinema. The Iranian Islamic Revolution of 1979 paved the way for freedom of artistic and literary expression, communicating a new generation of unheard voices in Iranian society. More specifically Iranian cinema has progressed in maintaining an identity that reflects both a contemporary nation and auteuristic cinematics. Abbas Kiarostami is one of the more recent and leading film directors rewarded with critical and filmmaking acclaim out of Iran, producing contemporary snapshots of society and culture. His filmmaking methods and ideals are very much reflective of the style of post Second World War Italian Neorealism. In context and filmmaking principles Kiarostami adapts the conventions of Neorealism in exploring contemporary Iranian socio-cultural problems in a similar manner. This project aims to explore the relationship between the style and context of his filmmaking in terms of mise-en-scène, themes and socio-cultural concerns. It shows how Kiarostami creates a distinctive form of Neorealist filmmaking to get at the ‘truths’ of contemporary Iranian life in a particular way. In doing so an emergent strand of a modern-Neorealism becomes apparent.
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Castilho, Takami Marina. "De la Sonate à Kreutzer (1956) au Trio en mi bémol (1987) : la musique comme modèle idéal dans l'œuvre d'Eric Rohmer". Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080101/document.
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La musique était pour Éric Rohmer une passion et un modèle de création artistique. Dans cette perspective, elle participe intimement de sa pratique cinématographique et de sa théorisation sur les arts, ainsi que de sa reconnaissance comme artiste-intellectuel. Cette étude se consacre à l'analyse de l’œuvre du cinéaste dans le but de vérifier comment la musique peut être considérée comme son modèle idéal. Ce travail s'intéresse à la formation de la culture musicale de Rohmer en tant que facteur déterminant pour comprendre sa conception de l'art musical et, par conséquent, de la musique au cinéma. Il s'agit de confronter sa pensée (à travers ses écrits et déclarations) à sa pratique, en rendant compte de la diversité de son œuvre - du court métrage Sonate à Kreutzer (1956), sonorisé au magnétophone de la rédaction des Cahiers du cinéma, à la pièce de théâtre le Trio en mi bémol (1987)For Éric Rohmer, music was a passion and a model of artistic creation. This perspective played an intimate role in his cinematography and in his theorization of the arts, as well as in his recognition as an intellectual artist. This study is devoted to the analysis of the filmmaker's work with the goal of verifying how music can be considered as his ideal model. The work is focused on the formation of Rohmer’s musical culture as a determining factor in understanding his conception of the art of music and, as a result, of film music. It confronts his thoughts (based on his writings and declarations), his practice, and the diversity of his work - from the 1956 short film Sonate à Kreutzer (with its soundtrack captured using the Cahiers du cinema office tape recorder) to the 1987 play le Trio en mi bémol
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Caputo, Livio. "Perspectives autour de l'exercice d'un corps au cinéma". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA009.
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Le corps du spectateur est au centre d’une antinomie récurrente dans les théories de l’art, l’œuvre doit d’abord émouvoir l’esprit et, dans la relation qu’elle établit avec son observateur, le corps n’est qu’un intermédiaire qui ne doit pas être trop sollicité. Cependant, certaines œuvres semblent remettre en cause cette relation et altérer le statut du spectateur en cherchant à surprendre l’esprit pour émouvoir le corps. Définir le cinéma comme paradigme d’un dispositif d’immersion fictionnel s’inscrivant dans une chronologie en dehors de toute spécificité historique, permet alors de considérer autrement la position de face à face entre l’œuvre projetée et son spectateur en les incluant dans la structure même du dispositif. L’œuvre projetée apparaît comme variable d’un système clos, lui-même laboratoire de l’exercice de la perception humaine dont les conditions sensationnelles expérimentales rejoignent les conditions réelles dans certains cas particuliers. L’étude de trois sensations distinctes isole certains cas spécifiques et conduit à l’établissement et à l’observation des différentes altérations que subit le statut du spectateur dont le corps est également partie prenante de la réception de l’œuvre.De l’analyse du vertige, défini comme sensation complexe, émerge la filiation du paradigme exploré ainsi que la possibilité de contourner cette dichotomie cartésienne. Les larmes et leur dualité, le rire et la tristesse, redéfinies comme symbole d’un complexe de sensations, attirent l’attention sur la possibilité d’une double appréhension d’une œuvre d’art, l’une psychologique, l’autre physiologique. Enfin le dégoût, une sensation simple, pose le cas limite dans lequel l’esprit du spectateur est piégé et où seul son corps lui permet d’appréhender ce monde qui le submergeThe spectator’s body is at the centre of a recurring antinomy in the theories of Art, the work must first move the mind and, in its relation with its observer,the body which is a mere medium not to be too much appealed to.However,some works of Art seem to challenge this relation and alter the spectator’s status by trying to surprise the mind to move the body. Defining cinema as the paradigm of a fictional immersion device, inscribed in a chronology outside any historical specificity,makes it possible to consider differently the face to face position between the projected work and its spectator by including them within the structure of the same device. The projected work looks like the variable of a closed system which is itself a laboratory for the exercise of human perception whose experimental conditions come close to real-life conditions in some particular cases. The study of three distinct sensations isolates some specific cases and leads to establish and observe different alterations undergone by the spectator’s status whose body is also part and parcel of the reception of the work.From the analysis of vertigo,defined as a complex sensation , the relation of the explored paradigm rises as well as the ability to get round that cartesian dichotomy.Tears and their duality,laughter and sadness,redefined as a symbol of complex sensations draw attention to a potential double apprehension of a work of Art, both psychologically physiologically.Lastly, disgust, a simple sensation,sets a borderline case in which the spectator’s mind is trapped and where only his body enables him to grasp the world he is submerged in
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Lipinska, Katarzyna. "Le cinéma en République populaire de Pologne : le cas de l'ensemble filmique TOR (1967-1981) : analyse des discours d'auteur et idéologique". Thesis, Dijon, 2016. http://www.theses.fr/2016DIJOL029/document.
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L'objet de cette thèse est une étude de cas d'un ensemble de production cinématographique polonaise dans la période communiste des années 1970 - TOR (Kieslowski, Zanussi, Rozewicz). Cette recherche met en avant l'autonomie créatrice de l'auteur-cinéaste face aux bouleversements de la politique culturelle qui a déterminé la production cinématographique dans un pays non-démocratique, à savoir la Pologne populaire des années 1970. La filmographie de TOR est homogène et ses films communiquent un discours d’auteur sur les thématiques existentielles et morales où l’individu occupe une place centrale. Comment a-t-il été possible de produire des films mettant l’individu au centre dans un pays où régnait un discours officiel exaltant le collectif ?The main subject of this thesis is a case study of Polish cinematographic production under the communist period in the 1970's called TOR (Kieslowski, Zanussi, Rozewicz). This research points out the author-filmmaker's creative autonomy confronted to the Cultural Policy upheavals which have determined film production in a non - democratic country : Polish People's Republic in the 1970s. The TOR filmography is homogeneous and its movies transmit the author-filmmaker's point of view about the existential and moral matters while the individual occupies the central place. How was it possible to produce films focused on the individual in a country where the political class and its collective policy occupied the central place?
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Boni, Marta. "De l'intertextualité au transmédial : pratiques de réécriture autour de "Romanzo criminale"". Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030124/document.
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Tout en se présentant comme la relecture d’un fait divers de l’histoire italienne récente, Romanzo Criminale est un récit qui se déploie par le biais de différents médias : un livre, un film, une série télévisée, ainsi qu’un certain nombre de produits dérivés. On trouve également, dans les espaces en ligne Internet, des déclinaisons de ces produits générées par les utilisateurs eux-mêmes. Les pratiques de transformation ou de remix mises en œuvre par ces derniers, les hommages et autres parodies dilatent l’univers de départ en proposant des lectures alternatives au sein de communautés différentes. La présente étude explore les modalités qui s’offrent au chercheur pour une analyse de ce phénomène : si, dans un premier temps, la notion d’intertextualité peut être employée comme outil heuristique, la présence de véritables usages requiert le dépassement de la perspective narratologique et la construction d’une méthodologie de recherche adaptée au contexte contemporain. Afin de rendre compte de la multitude des pratiques existantes une enquête ethnographique dans les espaces en ligne (blogs, sites de partage de vidéos, réseaux sociaux) s’impose, assortie d’une approche critique de la notion de transmédialité. Enfin, l’une des caractéristiques les plus typiquement contemporaines du phénomène observé, celle qui consiste à faire advenir un univers fictionnel dilatable à souhait par les spectateurs, sera comparée à la mise en œuvre d’un "travail épique"Presented as a new interpretation of a momentous event in recent Italian history, Romanzo Criminale is a story spread through different types of media; it is a book, a film, a TV series, as well as a number of extra materials. Spin-offs of these products created by users can be found on the Internet as well. Users pay homage to or parody the original media by transforming or remixing its content, thus expanding the story’s universe by putting forward alternative interpretations throughout various communities both on and offline. In this study, we explore the methods available to researchers for analyzing this phenomenon. If, in the first section of the study, the notion of intertextuality can be used as a heuristic tool, in the second, the presence of actual uses requires the researcher to go beyond the narratological perspective and construct a methodology that is adapted to the contemporary context of convergence. In order to understand the multitude of existing practices, it is imperative to carry out an ethnographic investigation of online spaces (blogs, video sharing sites, social networks), and accompany it with a critical examination of the notion of transmediality. In the last section, we examine one of the most typical contemporary features of the studied phenomenon, the one which produces an everexpanding fictional universe created by spectators that will be compared to an "epic work"
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Beaudoin, Mathieu. "Le monteur-auteur". Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 2005. http://theses.uqac.ca.
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Gheller, Enrico. "La politique et les auteurs : le néoréalisme italien au prisme de la cinéphilie française (1946-1956)". Thesis, Normandie, 2021. http://www.theses.fr/2021NORMC005.
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Le cinéma italien d’après-guerre a sa place légitime dans l’Histoire sous l’étiquette du « néoréalisme ». C’est une panthéonisation encore difficile à remettre en cause aujourd’hui, qui schématise souvent l’image de ce cinéma de manière arbitraire. Une des particularités de ce courant serait sa facilité d’adaptation au-delà des Alpes : en effet, ce mouvement cinématographique a éveillé, en France, un débat très virulent qui a vu la participation de toutes les couches de l’intelligentsia. Le canon néoréaliste se consolideà partir d’une poignée de films et grâce au travail critique de quelques intellectuels engagés, ainsi que de la presse populaire. Les rédacteurs des revues spécialisées et des quotidiens ont le privilège d’une primauté de regard sur les nouveautés cinématographiques transalpines : le plus souvent en dehors des circuits de distribution traditionnels, au sein des nombreux ciné-clubs opérant dans le contexte parisien, les critiques, journalistes et écrivains découvrent un cinéma qu’ils nomment bientôt « école italienne ». Ces constats nous obligent à remettre en question plusieurs stéréotypes sur ce cinéma : tournage dans la rue, acteurs non professionnels et sujets issus de l’actualité n’empêchent pas le cinéma italien d’après-guerre de s’inscrire dans le sillon d’une production somme toute traditionnelle. Ces conclusions imposent aujourd’hui de revenir sur les débats critiques de l’immédiat après-guerre par un regard nouveau et impartial, afin d’approfondir la complexité du processus de réception du néoréalismePost-war Italian cinema has its rightful place in history under the label of "neorealism". It is a pantheonisation that is still difficult to question today, which often schematises the image of this cinema in an arbitrary manner. One of the peculiarities of this current is its ease of adaptation beyond the Alps: indeed, this film movement has sparked off a very virulent debate in France, which has seen the participation of all strata of the intelligentsia. The neo-realist canon was consolidated on the basis of a handful of films andthanks to the critical work of a few committed intellectuals, as well as the popular press. The editors of specialised magazines and daily newspapers have the privilege of a primacy of gaze on transalpine cinematic novelties: most often outside the traditional distribution channels, within the many film clubs operating in the Parisian context, critics, journalists and writers discover a cinema that they soon call the "Italian school". These observations force us to question several stereotypes about this cinema: shooting in the street, nonprofessional actors and current affairs subjects do not prevent post-war Italian cinema from following in the footsteps of what was, after all, a traditional production. These conclusions make it necessary today to return to the critical debates of the immediate post-war period with a new and impartial look, in order to deepen the complexity of the process of reception of neorealism
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Başol, Öktem. "Jean-Loup Dabadie : un auteur à part entière ?" Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010501.
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Notre thèse de doctorat intitulée " Jean-Loup Dabadie, un auteur à part entière ? " se propose en trois parties dans le but de trouver un point commun entre les différents scénarios de l'auteur. Une partie biographique, une autre concernant son fonctionnement dans le travail scénaristique et une troisième consacrée au contenu de ses scénarios et â son style, constituent les différents axes de notre travail. Notre objectif est de prouver que Dabadie peut être considéré, tel un metteur en scène, un auteur à travers ses scénarios. Nous nous rendons mieux compte de son apport, lorsque ses réalisateurs fétiches se mettent à travailler sans lui. Des dialogues propres à lui, un style télégraphique avec des mots tranchés ou avec de la gestuelle, des scènes de groupe bien orchestrées, une écriture littéraire, une recherche méticuleuse avant de passer à l'écriture, un travail commun avec son metteur en scène et bien d'autres aspects du scénariste constituent non seulement une oeuvre cohérente mais aussi une personnalité à étudier plus attentivement
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Calais, Séverine Schmulévitch Éric. "La politique d'un auteur une analyse critique des personnages renoiriens /". S. l. : Nancy 2, 2007. http://cyberdoc.univ-nancy2.fr/htdocs/docs_ouvert/doc305/2007NAN21020_1_opt.pdf.
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Hadouchi, Olivier. "Cinéma dans les luttes de libération. Genèses, initiatives pratiques et inventions formelles autour de la Tricontinentale (1966-1975)". Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030065.
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Nous étudions un corpus de films dédiés aux luttes de libération autour de la Tricontinentale de 1966 à 1975. Par l’expression "tricontinentale", nous désignons les "trois continents" du tiers-monde (l'Afrique, l'Asie et l'Amérique Latine), et surtout la Conférence de Solidarité Tricontinentale qui s’est tenue à La Havane en 1966, ainsi que l'organisation et la revue du même nom. La Tricontinentale, dont Mehdi Ben Barka avait présidé le comité préparatoire de cet événement qui devait renforcer l'unité du tiers-monde en lutte contre l'impérialisme, le colonialisme et le néo-colonialisme à l’échelle mondiale. Nous commençons par retracer la genèse du cinéma dans les luttes de libération (la guerre d’indépendance algérienne), avant de proposer un corpus de films autour de la constellation tricontinentale, en prenant en compte l’image fixe (l’affiche) et animée (le film). Ensuite, ce corpus est mis en situation autour de deux axes principaux : l’Afrique et l’Amérique latine, avec la guerre du Vietnam en toile de fond. Il concerne notamment les cinéastes suivants : Santiago Álvarez, Julio García Espinosa, Mario Handler, William Klein, Yann Le Masson, Glauber Rocha, Alberto Roldán, Ugo Ulive, René Vautier. Ce cinéma de la libération du tiers-monde s’accompagne d’une production théorique que nous étudierons, à travers des textes comme : "Pour un cinéma parallèle" (anonyme), "Esthétique de la violence" (G. Rocha), "Vers un troisième cinéma" (F. Solanas et O. Getino"), "Pour un cinéma imparfait" (J. G. Espinosa). Les caractéristiques stylistiques et formelles de ces films axés sur la libération sont analysées, avant d’interroger le passage de l’heure des brasiers à l’heure des cendres et du désarroi, en questionnant l’apport théorique et pratique des films de notre corpusWe study a corpus of films dedicated to the liberation struggles around the Tricontinental from 1966 to 1975. The expression "Tricontinental" applies to the three continents of the third world (Africa, Asia and Latin America), and mainly the Tricontinental Solidarity Conference which took place in Havana in1966, and also the organization and the publication with the same name. Mehdi Ben Barka was the Chairman of the Preparing Committee of the Tricontinental event, which had to reinforce the unity of the struggling third world against imperialism, colonialism and neo-colonialism all over the world. First, we show the genesis of cinema in the liberation struggles (the Algerian war of independence). Then we create a corpus of films around the tricontinental constellation, taking into account the posters and the animated images. This corpus is located at two main places: Africa and Latin America, at the background of Vietnam war. It includes works directed by: Santiago Álvarez, Julio García Espinosa, Mario Handler, William Klein, Yann Le Masson, Glauber Rocha, Alberto Roldán, Ugo Ulive, René Vautier. Various texts were written accompanying this cinema of third world’s liberation. We examine theories and manifestos such as: "For a Parallel Cinema (Anonymous)", "Esthetic of violence" (G. Rocha), "Towards a third cinema" (F. Solanas and O. Getino), "For an Imperfect Cinema" (J.G. Espinosa). The stylistic and the formal characteristics of these films are analyzed, in order to question the crossing from the hour of furnaces to the hour of the ashes and confusion, thinking about the theoretical and practical impact of these films
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Soles, Carter Michael. "Falling Out of the Closet: Kevin Smith, Queerness, and Independent Film". Thesis, Connect to title online (Scholars' Bank) Connect to title online (ProQuest), 2008. http://hdl.handle.net/1794/9021.
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Thesis (Ph. D.)--University of Oregon, 2008.Typescript. Includes vita and abstract. Includes bibliographical references (leaves 415-429). Also available online in Scholars' Bank; and in ProQuest, free to University of Oregon users.
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Lacunza, Mariana A. "“Digital Aesthetics and Notions of Identity in Contemporary Bolivian Filmmaking” “Estéticas digitales y nociones de identidad en el cine boliviano contemporáneo”". The Ohio State University, 2011. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1325178598.
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Rodriguez, Rene Thomas. "Auteurs at an Urban Crossroads: A Certain Tendency in New York Cinema". Scholar Commons, 2015. https://scholarcommons.usf.edu/etd/5564.
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Perhaps more than any other major American city in the 1970s, New York represented the decline of an urban existence. Job loss from factors related to deindustrialization and intense crime occupied local and national news, reflecting the increasing anxiety of America's future. New York City was positioned at the center of this frightening chaos. Films made during this period, known by film scholars and journalists as the "New Hollywood" captured the collective temperament of the people and the physical space they inhabit during its disintegration. The depiction of New York during the 1970s has been widely discussed in the writing on two key New York City directors, Woody Allen and Martin Scorsese. Scholars like Ellis Cashmore and Charles Silet have argued about Allen and Scorsese's depiction of New York respectively, however, they have not adequately offered a fully comprehensive study of their works collected together in order to uncover New York's decline. Specifically, this Thesis, examines the films made by Allen and Scorsese during the 1970s, specifically, Annie Hall, Manhattan, Mean Streets, and Taxi Driver. I explore the disparities and philosophies that both auteurs express in their depiction of the same urban space. Although the films are not documentaries, they do however; offer a faithful portrayal of a city in transition. By closely examining their works together, I offer a new perspective of New York's culturally diverse population transforming from a working class industrial landscape to one influenced by the principles of Neoliberalism.
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Broda, Jonathan. "L'auteur imaginaire, comme un palimpseste du cinéma français". Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030005.
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Comment mettre en place un enjeu théorique entre une dénomination : l'auteur, un champ d'étude : le cinéma et un concept : l'auteur de films ? C'est avec quelques pensées de Foucault que nous allons tenter d'appréhender la dialectique entre ce mot et ce champ. En 1969 il entame sa communication : Qu'est-ce qu'un auteur ? par une provocation : Qu'importe qui parle ? Il pose ensuite l'idée de la fonction d'auteur. Cette fonction d'auteur peut-elle être étudiée, à l'aide de la physique quantique, comme n'importe quelle fonction mathématique ? Pourrait-on parler de " nébuleuse auteuriale ", pour cerner les différents paramètres entrant en compte pour cerner la " fonction auteuriale " ? En étudiant certains cas d'école, et en appliquant cette méthode à l'archéologie de la " nébuleuse auteuriale " française, quelles conclusions pourrait-on mettre en place pour stigmatiser le cinéma français, l'auteur français et la position de la France, par rapport aux autres pays, face à ce concept séculaire. Cette étude pourra-t-elle nous aider à mieux définir la stratégie culturelle nationale française, qui de la politique de l'auteur jusqu'à l'exception culturelle instrumentalise l'idée de l'auteur pour en faire une idéologie ?How is it possible to establish a theoretical stake between a designation, the author a field of study, cinema and a concept the film author ? It is thanks to a few words by Foucault that we will try and apprehend the dialectics between this word and this field. In 1969 he starts his communication : What's an author ? with a provocation : Who cares who speaks ? He then states the idea of the notion of the author's function. Can this author's function be studied, resorting the quantum physics, as any other mathematical function ? Could we speak of an “authoring nebula” be as to grasp the various parameters that are to be taken into account in order to determine the “author function” ? In dwelling upon some case studies and in implementing this method to the archaeology of the “French authoring nebula”, which conclusions could we set to stigmatise French cinema, the French author and France's position compared to other countries as far as this age – old concept is concerned. Could this study help us better define the French national cultural strategy, which, from the policy of the author to the cultural exception instrumentalizes the notion of the author to turn into an ideology ?
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Brisset, Frédérique. "Cinéma d'auteur et doublage : le paradoxe Woody Allen". Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00914841.
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Le doublage, mode de TAV le plus répandu en France, est peu étudié par les chercheurs, pour diverses raisons : difficulté matérielle à saisir la parole orale, dévalorisation culturelle d'un mode né de la volonté des studios américains de toucher un public de masse, impossibilité d'assigner au film un auteur dans une production collective. Mais un cinéma d'auteur existe, en marge du système hollywoodien et donc peu représenté aux États-Unis. Woody Allen, cinéaste américain indépendant des majors, est un cas à part : il a su préserver son autonomie artistique tout en usant de réseaux internationaux de diffusion pour s'assurer une véritable reconnaissance en France, grâce aux VOST et VD de ses films. Cinéma d'auteur et doublage sont pourtant antinomiques : l'un s'adresse à un public élitiste, l'autre s'avère ontologiquement lié à une diffusion de masse. Au cœur de ce paradoxe, la mise en français des films d'Allen doit osciller entre deux pôles, l'un tourné vers la parole de l'auteur, l'autre vers la facilitation du travail du spectateur. On étudie ici comment le doublage a pu négocier en diachronie les contradictions de cette situation et quelle place l'auteur occupe encore en VD. L'approche se fonde sur les théories de la réception et les concepts d'Auteur et Spectateur Modèle qui permettent d'appréhender le fonctionnement des diverses instances en jeu dans le contrat de spectature. Basée sur un corpus de 9 comédies couvrant différents genres abordés par Allen en 30 ans, cette étude descriptive et contrastive compare les VO des films, les traductions éditées en français et les VD en utilisant les outils traductologiques de la théorie bermanienne des tendances déformantes.
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Calais, Séverine. "La politique d'un auteur : une analyse critique des personnages renoiriens". Thesis, Nancy 2, 2007. http://www.theses.fr/2007NAN21020/document.
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Dans le premier volume, nous aborderons la création du personnage sur le papier en différenciant si possible les créations originales des transpositions de personnages "littéraires". A partir des influences biographiques, il sera question du phénomène de la création et de ce qu'il doit aux répétitions et aux tournages (inscription du personnage dans son décor architectural et musical), moments de maturation et d'accouchement après la conception sur le papier. Cela nous permettra d'approcher certaines des constantes chez les personnages avant de préciser l'aspect gigogne des films du réalisateur et les cousinages qui s'établissent entre eux. Notre conviction est qu'entrer dans une oeuvre cohérente comme celle de Renoir peut se faire aussi par la description et l'analyse des personnages. Le deuxième volume de cette thèse dresse un catalogue comparatif et une typologie des personnages renoiriensIn the first volume, we will broach the creation of the character on paper while differentiating, if possible, the original creations of "literary" characters' transpositions. From the biographical influences, the creation phenomenon will be dealt with as what is due to the rehearsals and filming (inscription of the character in his architectural and musical setting), moments of maturation and delivery after the conception on paper. It will enable us to approach some of the permanent features of the characters before specifying the nesting aspect of the filmmaker's films and their interacting relationship. Our convition is that entering a coherent work such as Renoir's one can also be done by the description and the analysis of the characters. The second volume of this thesis draws up a comparative catalogue and a typology of the "renoirian" characters
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Ráez-Suárez, Paloma-Roscelí. "El cine de Wes Anderson: Aspectos de composición visual y autoría". Bachelor's thesis, Universidad de Lima, 2016. http://repositorio.ulima.edu.pe/handle/ulima/3616.
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Miembro de una promoción de realizadores independientes que surgen en el cine de los Estados Unidos en los años finales del siglo XX, Wes Anderson viene desarrollando una obra fílmica que muestra características recurrentes: un estilo de planificar basado en la centralidad y la simetría, mundos representados que se alejan del
realismo, entre otras. Este estilo encuentra su fundamento en una visión del mundo y una sensibilidad, atraída por los mundos anacrónicos y por el artificio formal. Este trabajo describe e interpreta los rasgos de estilo de Wes Anderson que se detectan en la
construcción de su universo iconográfico y los vincula con la mirada personal del realizador sobre los personajes y sus mundos, posicionándolo como uno de los cineastas de autor más relevantes en la actualidad. El acercamiento al tema se hace a partir del
examen de imágenes de tres películas de su filmografía.Trabajo de investigación
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Pourvali, Bamchade. "L'"Essai filmé" comme forme de la modernité cinématographique, 1953-1997". Thesis, Paris Est, 2014. http://www.theses.fr/2014PEST0034.
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La modernité cinématographique désigne une remise en cause de la représentation classique au moment de la Seconde Guerre mondiale qui se manifeste par un retour au documentaire. Celui-ci se traduit de deux manières : au sein du cinéma hollywoodien, comme en témoignent la fin du Dictateur de Charlie Chaplin et le début de Citizen Kane d’Orson Welles; et dans l’Europe de l’après-guerre avec le néo-réalisme italien. Dans ce contexte, la critique cinématographique définit l’essai comme une des finalités du cinéma moderne alliant ontologie et langage comme en témoignent les textes d’Alexandre Astruc, André Bazin ou Jacques Rivette. Au milieu des années 1950, le cinéma moderne propose une épure de ces formes cinématographiques avec, d’une part, Nuit et Brouillard d’Alain Resnais, film emblématique de « l’école française du court métrage » et, d’autre part, Voyage en Italie de Roberto Rossellini, affirmation d’un « néo-réalisme plus pur », selon les termes de son auteur. En 1963, deux films français sont à la fois les héritiers du cinéma classique américain et le point de départ d’une réflexion plus approfondie sur l’essai cinématographique, il s’agit de La Jetée de Chris Marker et du Mépris de Jean-Luc Godard. C’est à travers l’étude comparée du parcours de ces deux cinéastes que nous nous proposons de définir l’essai cinématographique comme une forme liée à l’histoire d’un art à un moment particulier. C’est ainsi que l’essai qui connaît ses premières grandes réussites dans les années 1960 se développera dans les années 1990 autour du centenaire du cinéma. De nouveaux enjeux associés à la modernité cinématographique se dessinent alors entre le Nord et le Sud, l’Est et l’Ouest, dans ce passage d’un siècle à l’autre du cinémaIn the field of cinematic studies, modernity refers to the attempts to challenge classical modes of representations at the time of the Second World War, which take the form of a return to the documentary. This process takes two expressions: one runs through Hollywood productions, for instance the opening scene of Chaplin’s Great Dictator and the conclusion of Orson Welles’ Citizen Kane; the other is apparent in post-war Europe with Italian neorealism. In this context, film criticism defines the essay as one of the objects of modern cinema, joining ontology to language, as described in the works of Alexandre Astruc, André Bazin or Jacques Rivette. In the middle of the 1950s, modern cinema offers striking examples of these cinematographic forms with, on the one hand Alain Resnais’ Night and Fog, a film which is typical of “the French school of short films”, and on the other hand Roberto Rossellini’s Journey to Italy, which its author has described as the expression of “a refine form of neorealism”. In 1963, two French films are at once heirs to the tradition of classic American cinema and the start of a deeper reflection on the cinematographic essay, Chris Marker’s The Jetty and Jean-Luc Godard’s Contempt. By comparing the evolution of both these directors we will attempt to define the cinematographic essay as form closely linked to a certain moment in the history of cinema. Thus the essay, after producing its first major works in the 1960s will develop during the 1990s around the time of the hundredth anniversary of cinema. New stakes arise at that time to define cinematographic modernity between North and South, East and West, as cinema enters a new century
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Morisset, Vanessa. "Peinture et cinéma dans l'oeuvre de Mimmo Rotella autour de 1960". Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2015. http://www.theses.fr/2015GREAH037/document.
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Depuis son invention, le cinéma a bouleversé la culture, au point que, de manière récurrente, des études s'interrogent sur l'influence qu'il a eue dans la pensée d'éminents intellectuels, par exemple Michel Foucault ou Erwin Panofsky. Mais qu'en est-il de l'influence du cinéma dans le travail des artistes ? Mimmo Rotella (1918-2006), peintre d'origine calalabraise installé après-guerre à Rome, spectateur assidu et passionné de cinéma, évoque un grand nombre de films dans un corpus d'œuvres réalisées autour de 1960 : des tableaux à base d'affiches de cinéma, de genres essentiellement populaires, décollées dans les rues. Ainsi, dans le contexte de l'apogée des studios de Cincecittà et d'un pic de fréquentation des salles obscures jamais égalé en Europe, l'articulation de la peinture et du cinéma prend à ce moment précis de sa pratique une tournure singulière qui exprime l'élargissement de l'art à des références inattendues. Mais, ce faisant, ses œuvres ne risqueraient-elles pas de n'être que le symptôme d'une pratique culturelle naissante, jonglant avec des références tantôt cultivées tantôt populaires, que plus tard Hal Foster nomme l'indistinction ou Richard Peterson l'omnivorité, ou incarnent-t-elles une réelle démocratisation de l'art ?Articulées autour du moment fort que constitue l'exposition monographique intitulée Cinecittà en 1962, les différentes parties de la thèse éclairent les aspects du travail de l'artiste qui introduisent le cinéma dans le champ de l'art. Deux bornes chronologiques, un voyage aux États-Unis qui le détourne de la peinture en 1952-53 et un séjour en prison en 1964 qui lui fait fuir l'Italie, l'éloigne du milieu romain et le coupe de la suite du déroulement de l'art italien, sont déterminantes pour la nature et le contenu du corpus d'œuvres étudiées.C'est tout d'abord l'arrière plan social et culturel comme contexte d'émergence du geste artistique Rotella qui est brossé. Ensuite, est opérée une caractérisation précise des films choisis à travers les affiches afin de développer la réflexion sur l'intrusion du cinéma populaire dans l'art. Puis, dans la partie centrale, l'exposition Cinecittà est étudiée depuis sa conception jusqu'à sa réception. La suite de la thèse analyse les conséquences de cette exposition dans l'œuvre de l'artiste qui se tourne vers des films plus reconnus qu'aux débuts, notamment en s'attachant de plus en plus aux figures de stars : un autre aspect de la culture populaire émanant du cinéma s'invite alors dans le milieu de l'art, le phénomène sociologique du fan. Mais étrangement, peu de référence sont faites au cinéma italien qui vit son âge d'or au même moment, ce dernier constat ouvrant une réflexion sur la cinéphilie confrontée à la conception de « l'homme ordinaire du cinéma » selon l'expression de Jean-Louis Schefer.Ponctué par des images qui apparaissent en tête de partie et de chapitre, le texte du volume 1 évoque les œuvres et les décrit, avec des renvois à un ensemble de planches en annexe dans le volume 2. Ces incursions iconographiques rappellent combien les oeuvres sont à la source de l'ensemble de la thèse.Ainsi, le corpus étudié est le point de départ d'une réflexion sur la manière dont le cinéma et la culture médiatique se sont introduit dans l'art italien des années 1950-1960, tout en débordant ce cadre : il permet de penser comment, depuis cette époque jusqu'à aujourd'hui, certaines références médiatiques constituent le socle d'une culture commune entre le public et les artistesSince its invention, cinema has transformed culture, to the point that studies have recurrently questioned the influence it has had on the thinking of prominent intellectuals, for example on Michel Foucault or Erwin Panofsky. But what of the influence of cinema in the work of artists? Mimmo Rotella (1918-2006), a painter from Calalabria who settled in post-war Rome, and an avid filmgoer with a passion for cinema, evokes a large number of films in a corpus of works produced around 1960: canvases based on movie posters, mostly of popular genres, torn off the city walls. Thus, at this precise time, in the context of the glory years of the Cincecittà studios and a peak of cinema attendance unequalled in Europe, the relationship between painting and cinema took a particular turn, reflecting a broadening of the art to unexpected references. But in embracing cinema, were Rotella's works not in danger of merely being a symptom of an emerging cultural practice, juggling sometimes cultivated and sometimes popular references, something which Hal Foster would later dub nobrow or Richard Peterson omnivorousness, or do they represent a genuine democratisation of art?Articulated around the high point of the 1962 monographic exhibition entitled Cinecittà, the various sections of the thesis illuminate aspects of the work of the artist who introduced cinema into the field of art. Two moments in time – a trip to the United States that diverted Rotella from painting in 1952-53 and a prison stay in 1964 that caused him to flee Italy, distancing him from the Roman scene and subsequently cutting him off from what was happening in Italian art – are critical to the nature and the content of the corpus of works studied.We begin by considering the social and cultural context in which Rotella's artistic act emerged. We then undertake a precise characterisation of the films he chose through the posters to analyse popular cinema's intrusion into art. Then, in the central part, the Cinecittà exhibition is studied from its conception to its reception. The thesis subsequently examines the consequences of this exhibition in the work of the artist, who begins to turn to more recognized films, for example by focusing increasingly on stars. Another aspect of popular culture stemming from cinema then enters the art world, the sociological phenomenon of the fan, although, strangely, no reference is made to Italian cinema, which in that very period was enjoying its golden age. This leads to a reflection on the love of cinema confronted with the conception of “the common man of cinema” as Jean-Louis Schefer puts it.Interspersed with images that appear at the head of the parts and chapters of the thesis, the text of volume 1 discusses the works and describes them with reference to a set of plates in the appendix in volume 2. These incursions into the iconography recall that the works are the source of the entire thesis.Thus the corpus studied is the starting point for a reflection on the way film and media culture were introduced into the Italian art of the 1950s-1960s, while extending beyond this context: it points to how, from that time to the present day, certain media references have constituted the foundation of a common culture shared by the public and artists
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Pacouret, Jérôme. "Qu'est-ce qu'un auteur de cinéma ? : copyright, droit d'auteur et division du travail (années 1900-2010)". Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018PSLEH084/document.
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Pourquoi les films de cinéma sont-ils souvent attribués à des auteurs alors même que leurs génériques énumèrent des dizaines de noms propres et de noms de métiers ? A la suite de Michel Foucault et de sa définition de la « fonction-auteur » comme forme d’appropriation des discours, cette thèse étudie la genèse et l’existence des auteurs de films au prisme des luttes de définition de leurs droits de propriété. Plutôt que de considérer les auteurs de cinéma comme ceux qui « font » les films ou comme une fiction occultant le caractère collectif de leur fabrication, elle montre que les auteurs sont les produits d’une division du travail cinématographique et des rapports de domination qui la traversent. Ce travail, inscrit dans une perspective de sociologie historique, adopte un référentiel binational centré sur la France et les Etats-Unis, où les auteurs de films ne disposent pas des mêmes droits. Il vise à objectiver les dimensions nationales, internationales et transnationales de l’appropriation des films. La période étudiée débute au moment où des personnes et des groupes ont été définis juridiquement comme des auteurs de cinéma : dès les années 1900.La première partie de ce texte est consacrée à la définition du droit de propriété des films depuis l’émergence du cinéma jusqu’à l’adoption de la loi du 11 mars 1957 et du Copyright Act de 1976. Après des décennies de débats, ces lois ont défini différemment l’identité et les droits des auteurs de films. A partir de publications juridiques, cinématographiques et parlementaires, on étudie ces lois comme les résultats d’un travail de codification structuré par des normes préexistantes et par les relations entre les acteurs qui ont participé à leur rédaction. Le développement du droit de propriété cinématographique est à la fois la cause et la conséquence de la constitution d’un espace de négociation regroupant des professionnels du droit, des hauts fonctionnaires, des professionnels de la politique et des organisations professionnelles du cinéma, dont certaines se sont constituées dans le but de défendre le statut d’auteur de leurs membres. La deuxième partie de la thèse prolonge et dépasse l’étude du droit de propriété en analysant l’appropriation des films comme une relation structurée par la division du travail cinématographique et social. Les luttes de définition de l’auteur de film qui ont débuté dans les années 1910 ont contribué à la hiérarchisation du personnel cinématographique et à la différenciation de la valeur cinématographique par rapport à d’autres formes de valeur économique et artistique. Des témoignages, autobiographies et publications cinématographiques permettent de montrer que l’attribution des films à des auteurs dépend de diverses relations de production, de diffusion et de valorisation des films, comme la répartition des tâches et du pouvoir entre le personnel, les incertitudes et inégalités qui structurent les trajectoires des prétendants au statut d’auteur et les vertus cognitives et distinctives de la fonction-auteur employée par les critiques et une fraction des spectateurs. On mobilise pour cela les travaux de Pierre Bourdieu sur les champs de production culturelle, d’Howard Becker sur les mondes de l’art et d’autres recherches sur les professions et artistiques et non-artistiques. En outre, la thèse constate que les hiérarchies professionnelles du cinéma se sont construites à l’intersection de rapports de domination communs à différents domaines d’activité. Par exemple, le genre a servi à hiérarchiser les groupes professionnels, à répartir le travail cinématographique et à exclure les femmes de certains métiers du cinéma. Le cinéma a produit d’immenses inégalités de richesse qui ont attisées les luttes de définition de l’auteur et accru le prestige de certains métiers. La troisième partie est centrée sur les cinéastes et leurs mobilisations autour du droit de propriété des films depuis les années 1960Why are motion pictures often attributed to authors – or “filmmakers” – while dozens of names and occupations appear in film credits? Following Foucault’s definition of authorship as a form of appropriation, this dissertation focuses on copyright law and authorship battles in order to explain the origins and existence of film authors. Rather than considering authors as the individuals who “make” movies or as a fiction overshadowing the collective nature of filmmaking, I show that the attribution of films to authors is the result of the division of filmmaking labor and its power relations. This research uses a sociohistorical perspective and a transnational approach centered on the United States and France, where film authors are not granted the same authorship rights. It shed lights on the national, international and transnational dimensions of the appropriation of motion pictures. This study starts when film authors first appeared in copyright law: as early as the 1900s.The first part of this dissertation focuses on the writing of motion pictures’ property rights from the birth of cinema to the passing of the French copyright law of 1957 and of the Copyright Act of 1976. After decades of battles, these laws provided different definitions of film authors and granted them with different rights. Using legal publications, congressional records and reports, as well as film journals, I study French and American laws as the results of a codification process shaped by preexisting law and by the cooperation and power relation between the actors who participated in their writing. The development of motion pictures’ property rights are the cause and consequence of the constitution of a space for negotiation between lawyers, public officials, politicians and film organizations. I explain that French and American copyright norms were structured by legal expertise, competition between lawyers, relations between film organizations and the unequal economic, legal and political power of these organizations. A study of the revisions of the Berne Convention for the protection of literary and artistic works also show the interdependency between national and international norms of film authorship and authorship.The second part of the dissertation study the appropriation of motion pictures as a social relation based on the division of filmmaking labor and social labor. Film authorship battles which started in the 1910s contributed to the creation of professional hierarchies and to the differentiation of film value from other forms of economic and artistic value. I use various writings of film professionals, along with other sources, to show that film authorship was shaped by various aspects of film production, dissemination and reception (including the power relations between film professionals, the diversity of film careers and the uses of authors’ names by film critics and audiences). To study the division of filmmaking labor, I use Pierre Bourdieu’s research on cultural fields, Howard Becker’s work on art worlds as well as scholarship on professions. The dissertation also shows that the professional hierarchies of motion picture production interrelate with various forms of domination common to other fields. This dissertation is meant to be useful for scholars interested in the history of copyright law, motion pictures, authorship, the division of (artistic) labor, professions and transnational approaches
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Correia, Donny. "Representações estéticas da metrópole no cinema de autor dos anos 1920". Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-27042015-163445/.
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O cinema é um meio de reprodução mecânica da imagem surgido no final do século XIX, na Europa, numa época em que a sociedade e a cultura experimentavam a chegada da modernidade. Sua presença corroborou para a crise da arte pictórica e seu mecanismo de apreensão da realidade foi apropriado pelos artistas das vanguardas de ruptura, em especial os dadaístas, que passaram a utilizar o filme experimental para refletirem e criticarem seu tempo. Muitos dos artistas envolvidos com as vanguardas voltaram-se para a realização de filmes que enfocavam a metrópole e suas contradições na vida e nos costumes de seus habitantes. Este trabalho pretende partir deste ponto, quando o cinema de vanguarda se torna uma ferramenta de documentação histórica e social, procurando, como objetivo, observar a presença da metrópole nos filmes autorais realizados no início do século XX, bem como a presença de seus habitantes, buscando compreender quais procedimentos estéticos e ideológicos permeiam tais obras a partir do uso inventivo da câmera, num momento em que o cinema demonstra clara diferenciação entre a mera narração de entretenimento, e a arte como crítica e reflexão. Neste trabalho serão analisados os filmes Rien que les heures (1926), de Alberto Cavalcanti; e Berlim, sinfonia da grande cidade (1928), de Walter Ruttmann, e comparados com as produções brasileiras São Paulo, a sinfonia da metrópole (1929), de Rudolf Rex Lustig e Adalberto Kemeny; e Fragmentos da vida (1929), de José Medina. A intenção é compreender suas realizações dentro da realidade social, poética e estética de seu tempo, observar a presença da figura do flâneur em contraponto com o homem-da-multidão, e estabelecer paralelos entre os filmes europeus e os brasileiros, aqui abordados.The cinema is a means of mechanical reproduction of image emerged in the late nineteenth century in Europe, a time when society and culture experienced the arrival of modernity. Its presence corroborated to the crisis of pictorial art and its mechanism of apprehending reality was appropriated by artists of the vanguards of rupture, especially the Dadaists, who started using the experimental film to reflect and criticize their time. Many of the artists involved with the avant-garde turned to the production of films that focused on the metropolis and its contradictions in the life and habits of its inhabitants. This work intends to start from this point, when the avant-garde cinema becomes a tool of social and historical documentation, and seeks to observe the presence of the metropolis in films made in the early twentieth century, as well as the presence of its inhabitants, so to understand what aesthetic and ideological procedures permeate these inventive works, at a time when film shows clear differentiation between mere narration for entertainment, and art criticism and reflection. This reseach will analyze the films Rien que les heures (1926), by Alberto Cavalcanti; and Berlin, symphony of the great city (1928), by Walter Ruttmann, and will compare them with Brazilian productions São Paulo, sinfonia da metrópole (1929), by Rudolf Rex Lustig and Adalberto Kemeny; and Fragmentos da vida (1929), by José Medina. The intention is to understand their accomplishments within the social, aesthetic and poetic reality of their time, observe the presence of the figure of the flâneur as opposed to the manof- the-crowd, and draw parallels between European and Brazilian addressed movies here.
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Jusselle, Jacques. "Qu'est-ce que représenter ? Essai d'anthropologie esthétique. Propos autour du théâtre, de la peinture et du cinéma". Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030122.
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Cette these est la premiere partie d'une recherche issue d'une reflexion sur le masque qui, a partir des fonctions de celui-ci, voudrait poser les bases d'une anthropologie esthetique. Grace au concept de theatral, il s'agira d'eclairer la representation d'etre ce qui regroupe pratiques et produits n'ayant pas de fonctions strictement utilitaires. La theorie s'instruit de deux mouvements : le premier, anthropologique, definira sept champs : l'inscription, la trace, le voile, le miroir, le subjectile, le fetiche, la parure. Le second, esthetique, regroupera ces champs specifiques selon leurs modalites plastiques : le point-ligne pour l'ecriture (inscription, trace), le plan pour l'ecran (voile, miroir, subjectile), le volume pour l'ecrin (fetiche, parure). Superposer ces deux mouvements indiquera que l'allegeance de tel comportement social (individuel ou collectif) a telle occurence plastique ou il prend forme determine des niveaux distincts de valeurs : rituelles, speculatives, ludiques. Cette these traite du premier champ de l'ecriture. Autour d'une reflexion sur differents objets : tatouages, graffiti, mais aussi textes et theatre, elle insiste sur l'importance de la territorialisation, de la perpetuation puis de l'interpretation pour la regulation d'un groupe et sur leur dependance a la fonction de distinction. Puis elle expose les perspectives d'une recherche sur l'ecran a partir d'une lecture du mythe de persee pour aboutir sur les axes nouveaux de la recherche (l'ecart, le jeu, l'apparaitre) en mesurant l'importance du paradigme theatral pour toute theorie de la representationThis thesis is the first part of a search born of a reflection about the mask. The latter functions being taken into account, this reflection would like to lay the foundations of an aesthetic anthropology. Thanks to the concept of drama, the chief point will be to throw lignt on representation, to stand for what joins practices and products that have no strictly utilitarian functions. The theory is founded on two structures : the former, an anthropological one, will define seven dields : inscription, trace, veil, mirror, support, fetish, ornament. The latter, an aesthetic one, will chassify those specific fiels according to plastic modes : the point-line for writing, the plane for the screen, the volume for the case. To superimpose those two structures wil show that the allegiance of such social behaviour to such plastic occurences from which it originates, causes separate levels of values : ritual, speculative, ludic. This thesis deals with the first field of writing. From a reflection about different matters : tatoos, graffiti, but also texts and drama, it lays stress on the importance of territorialisation, of perpetuation and then of interpretation for the regulation of a group and on their dependence on the function of distinction. Then it states the prospect of a search on the screen from a reading of perseus'myth, to lead to the new axes of the search by estimating the importance of the theatrical paradigm for every theory in regard to representation
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Goudet, Stéphane. "La circulation des corps et des idees dans l'oeuvre dejacques tati : autour de play time". Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030022.
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Jacques tati est le realisateur de six longs metrages burlesques, qui ont suffi a lui accorder une reconnaissance internationale perenne. Aucune these de doctorat ne lui avait pourtant ete entierement consacree. L'etude des archives de la famille tatischeff et de ses principaux collaborateurs -que nous avons rencontres lorsqu'ils etaient disponibles (16 entretiens) -, l'examen des rapports entretenus par tati avec les maitres du genre et l'analyse de nombreux extraits nous ont permis d'approfondir la connaissance de l'oeuvre de celui qu'on a trop souvent presente comme un genie solitaire, voire (selon l'expression de bazin) comme un cineaste << martien >>. Cette oeuvre reellement singuliere n'a cesse de dialoguer avec celles de ses contemporains (de barthes a foucault, de duhamel a perec). Quant aux collaborateurs de tati, il semble qu'ils aient tenu un role bien plus important qu'on ne le soupconnait, a commencer par jacques lagrange, pourvoyeur d'idees et inventeur de decors. La lecture des scenarii (realises ou non) et des entretiens accordes par le comique revele en outre que nombre de gags et de situations ont circule de projets en projets avant d'etre mis en scene. Nous avons donc choisi d'interroger ces recurrences thematiques et esthetiques, a travers la question centrale de la representation du corps et de l'espace, traquant similitudes et deplacements, afin de mieux cerner la specificite du style tatien. Nous nous sommes, par exemple, focalise, sur le passage de temoin de francois le facteur a monsieur hulot, sur la place qu'occupent chez tati la mort et le travailet sur les relations que les films entretiennent - singulierement play time - avec l'architecture et la peinture. Mais des lors que l'on aborde la figuration du silence ou la fonction du lointain se fait jour ce qui est peut-etre la grande problematique tatienne : la production d'un comique qui ne fonctionne que si le spectateur devient lui-meme un collaborateur privilegie du cineaste.
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Le, Pallec Marand Claudine. "Réflexivité et anti-érotisme du film sexuel en France (1972-1976) : des auteur(e)s-cinéastes face au genre porno et au mouvement féministe". Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084115.
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Sans que leurs différents (co-)auteur(e)s-réalisateurs/réalisatrices se soient concertés et sans qu’aucun parmi ces derniers ne revendique un genre de film déjà existant, La Maman et la Putain (1973, Jean Eustache), Je tu il elle (1974, Chantal Akerman), Numéro Deux (1975, Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville), La Dernière Femme (1976, Marco Ferreri), Anatomie d'un rapport (1976, Luc Moullet et Antonietta Pizzorno) et Une vraie jeune fille (1976, Catherine Breillat) sont six films tournés en langue française (langue du tournage) entre 1972 et 1976 qui possèdent des caractéristiques esthétiques communes. La valorisation de l'inspiration pornographique, une bande son sans cris et sans musique où les échanges dialogués dominent, l'intégration esthétique du mouvement féministe et le refus manifeste de l'érotisme cinématographique (et du sentiment de concupiscence sensé être produit par la représentation de la sexualité) permettent de réunir ces six films sous le terme de « film sexuel ». Cette expression reprend le néologisme proposé par Luc Moullet en 1969 pour distinguer une nouvelle représentation de la sexualité. La thèse porte sur une décennie peu étudiée du cinéma français, les années 1970, à un moment où l'explosion de la production pornographique, les propos des cinéastes sur l'engagement que constitue pour l'auteur(e)-réalisateur/réalisatrice (-acteur/actrice) la représentation de la sexualité et la poétique de chacun des six films complexifient comme rarement auparavant les catégories usuelles de la pornographie et de l’érotisme dans leurs rapports au domaine cinématographiqueDespite a total lack of concertation between their various creators and without discussion of an existing genre, La Maman et la Putain (1973, Jean Eustache), Je tu il elle (1974, Chantal Akerman), Numéro Deux (1975, Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville), La Dernière Femme (1976, Marco Ferreri), Anatomie d'un rapport (1976, Luc Moullet et Antonietta Pizzorno) et Une vraie jeune fille (1976, Catherine Breillat) are six french language films shot between 1972 and 1976 using a common set of esthetic characteristics. The valorisation of their pornographic inspirations, a dialogue laden sound track devoid of screaming and music, the esthetic integration of the feminist movement and the patent refusal of eroticism (along with the feeling of lust intended to be derived from the representation of sexuality) allow these six films to be termed « sexual films». This neologism was first used by Luc Mullet in 1969 to define a new way of representing sexuality. The thesis focuses on a much maligned decade in French cinema, the 1970’s, at a time when the explosion of pornographic production, the notions of the representation of sexuality propagated by the film makers (writers/directors/actors) and the poetry of each of the six films add a level of complexity rarely witnessed within traditional representations of sexuality (pornography and eroticism) prior to this point
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ARAGAO, AURELIO ORTH DE. "THE WAYS OF THE AUTHOR?: THE PLOT OF AUTHORSHIP BETWEEN CINEMA AND CONTEMPORARY BRAZILIAN LITERATURE". PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO, 2011. http://www.maxwell.vrac.puc-rio.br/Busca_etds.php?strSecao=resultado&nrSeq=19271@1.
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PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIROA dissertação pretende percorrer os caminhos de escritores e cineastas contemporâneos por um cenário de crescente diluição de fronteiras entre os meios artísticos e midiáticos. O atual contexto de intensa permeabilidade e mobilidade entre as linguagens audiovisual e escrita, e a continua penetração de mecanismos do mercado na interação entre os dois meios propõem severos desafios a categorias até então consolidadas para a definição dos campos da arte. Entre os conceitos colocados em questão, podemos reconhecer um processo de progressiva instabilização da noção de autoria. A partir da análise da obra de Marçal Aquino, Beto Brant e Lourenço Mutarelli, essa pesquisa irá investigar o impacto do atual contexto sobre as obras desses artistas e de que maneira cada um deles pode responder aos dilemas que a nova configuração lhes apresenta.
The thesis proposes to follow the paths of contemporary writers and filmmakers in a world of increasing dilution of the boundaries between artistic mediums and media. The current context of intense permeability and mobility between the audiovisual and written languages and continuous penetration of market mechanisms in the interaction between the two medias categories offers severe challenges to some of the consolidateds definitions of the fields of art. Among them, the notion of authorship especially passes through a process of progressive instability. From the analysis of the work of Marcal Aquino, Beto Brant and Lourenço Mutarelli, this research will investigate the impact of the current context on the works of these artists and how each may respond to the dilemmas that the new situation presents to them.
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Yildirim, Tunç. "Une période emblématique du cinéma turc : le cinéma de Yeşilçam, de sa genèse à la fin de son éphémère apogée (1948-1971)". Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010541.
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Yeşilçam, une nouvelle et riche période du cinéma turc, vit le jour à partir de la fin des années quarante. Quelques facteurs économiques, institutionnels et culturels ainsi que la conjoncture sociopolitique de l'après-Seconde Guerre mondiale servirent de base à la genèse de Yeşilçam qui nomma une période emblématique du cinéma turc. En outre, dans le vocabulaire des médiateurs, Ie terme de Yeşilçam commença à évoquer et à signifier Ie cinéma turc au sens figuré. L'objectif de notre recherche est de pouvoir analyser la situation spécifique du cinéma turc dans le contexte de la formation et de I'apogée momentanée du cinéma de Yeşilçam (1948-1971). Notre but est d'envisager le cinéma comme un fait culturel et de réaliser une approche historique globale du cinéma en tentant de répondre à la question suivante : « Qu'est-il advenu au cinéma turc en particulier, et aux films turcs en général, au cours de cette période historique précise? » Notre méthode est liée aux principes de I'histoire culturelle du cinéma qui est fondée à la fois sur le croisement des sources multiples et sur la contextualisation de I'objet culturel
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Lemos, Alessandra Maia de. "Guillermo Arriaga, um autor midiático: as fronteiras entre cinema e literatura na pós-modernidade". Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2011. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=3166.
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A pós-modernidade é marcada pela dissolução de fronteiras, sejam elas espaciais, culturais, sociais ou artísticas. No campo da arte, percebe-se uma significativa influência mútua entre cinema e literatura, na medida em que as estéticas, os estilos e os recursos são transitáveis entre essas duas artes, a ponto de alguns romances possuírem características da linguagem cinematográfica e de o cinema possuir uma narrativa bem próxima à literária. Por outro lado, a pós-modernidade também é marcada por um grande crescimento das produções fílmicas e literárias para a massa, para um público cujo interesse é o entretenimento, e não a discussão, a crítica ou a reflexão. Nesse sentido, surgem vários autores que se preocuparão em produzir sua arte de forma que atinja o maior número de pessoas, de público, o que inevitavelmente aproxima suas obras das de mercado - ou as converte em obra de mercado. O presente trabalho, portanto, visa fazer uma análise de algumas das produções artísticas do romancista, diretor e roteirista Guillermo Arriaga, cuja obra transita pelo cinema e pela literatura, porém unindo-os a partir de uma estética realista contemporânea, que produz suas obras para o público de massa, caracterizando-se, segundo a definição da prof. Vera de Figueiredo (2010) como um autor midiáticoPostmodernity is characterized by the dissolution of boundaries, whether spatial, cultural, social or artistic. In artistic field, it is perceived a significant mutual influence between cinema and literature, to the extent that the aesthetics, styles and resources are passable between these two arts, to the point of some novels have film language characteristics and cinema has a narrative very close to the literary. On the other hand, postmodernity is also characterized by a large growth of filmic and literary productions to the masse, for an audience whose interest is entertainment, not discussion, criticism or reflection. In this sense, there are several authors who will concentrate themselves on producing their art in a way that reaches a bigger amount of people and public, which inevitably brings their works closer to the market ones or converts them into a work of market. Therefore, the present study aims at analyzing some of the artistic productions of the novelist, cinema director and screenwriter Guillermo Arriaga, whose work goes through cinema and literature, but joining them from a contemporary realistic aesthetics, which makes his works for the masse public, being characterized, as defined by Professor Vera de Figueiredo (2010), as a mediatic author
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JIMENEZ, FLOREAL. "Le coureur des bois : constitution d'un imaginaire dans le cinema americain ou elaboration cinematographique de la societe americaine autour de la notion d'individualisme et de ses orignes 1930-1992". Paris, EHESS, 1998. http://www.theses.fr/1998EHESA027.
Texto completoResumen
La perspective analytique de la these implique l'histoire et l'anthropologie a partir des films, utilises en priorite pour decrire et expliquer une elaboration de l'individualisme americain, enracine dans le personnage matriciel du coureur des bois, indissociables d'un modele de societe et de sa formation. Les trois parties correspondent aux trois spheres historiques et spatiales d'evolution de l'individu, en rapport avec la formation des etats-unis depuis leurs origines. La premiere partie place le futur homme americain dans l'espace naturel originel. La decouverte est estompee par l'appropriation effective des territoires, determinee par les images et la construction dramatique. Le coureur des bois est un trait d'union entre la societe et la nature sauvage, devalorisee tant qu'elle n'est pas domestiquee. Avant de repondre a une necessite existentielle, l'aventure de l'homme des bois est d'abord liee a un projet societale ou la violence a un role catalyseur systematique. La deuxieme partie precise ce projet en decrivant sa realisation et son aboutissement. La communaute a construit son espace, montre son fonctionnement sociale et economique, determine et instaure ses valeurs morales, politiques et materielles, regulees par une religion qui n'admet aucune deviation. La famille est le noyau originel et fondamental de la communaute, a laquelle tous les autres elements doivent etre subordonnes. La derniere partie restreint le cercle d'evolution de l'individu a sa portee psychologique, spatiale et materielle immediate, tout en l'elargissant a une generalisation universelle en fonction du modele societal ou il est inclu. L'individualisme americain est factice. L'elaboration communautaire qu'il semble determiner, l'absorbe pour le soumettre a la societe. L'action heroique isolee ou la valeur sociale individuelle ne sont valables et valorisees qu'en fonction de leur utilite, et de l'appartenance volontaire de l'individu a la communaute. En revelant ces phenomenes de maniere originale et particuliere, le cinema devoile egalement l'importance de l'imaginaire dans leur fonctionnement, et ses mecanismes visibles en fonction de l'analyse, mais imperceptibles dans le conditionnement et l'influence qu'il apporte a l'individuThe analytical standpoint of the thesis implies history and anthropology from films employed in priority to describe and explain a working out of the american individualism, rooted in the character of the backwoodsman, indissociables of a society model. The three parts of this study determine the three historical and spatial areas of action and being of the individual related to the forming of the united states since its origins. The first part sets the future american man in the original natural space. The discovery is blurred by the appropriation sketched by the pictures and the cinematographic drama. The backwoodsman is the link between civilization and wilderness, according to an outline of society, before to be an existential necessity. The second part gives more precision to this plan, describing its carrying out and its result. The community built its space, shows its social and economic functioning, determines and institutes its moral, political and material values, ruled by the religion. The family is the original and basic stone of the community. Its subordinates all the other elements of the society. The last part restricts the movements range of the individual to his psychological, spatial and material reach in a way of an universal generalization of the society model, where he's in. The american individualism is artificial. It is subjected to the community. The heroic action or the particular social value are valids when they are useful for the society. Cinema reveals these phenomenons and the importance of the collective imagination in their functioning
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Todd, Antony. "Auteurism and the reception of David Lynch : reading the author in post-classical American art cinema". Thesis, University of Southampton, 2005. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.416901.
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Sousa, Daniel Marcolino Claudino de. "A diluição do autor na trilogia de Koker de Abbas Kiarostami". Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8133/tde-20082012-113651/.
Texto completoResumen
Esta dissertação tem por objetivo a análise estética da Trilogia de Koker, de Abbas Kiarostami, em especial do filme Através das Oliveiras, investigando os efeitos da tematização que o cinema faz de si próprio ao apresentar um filme dentro de outro, intencionalmente quebrando a ficção em prol de uma suposta comunicação mais direta com o espectador, o que gera neste a sensação de diferentes níveis de realidade. Essa discussão passa pelo tema da morte ou diluição da autoria a partir de autores como Derrida, Barthes e Foucault. Lança-se no encalço do Autor moderno, constituído segundo Adorno desde o Dom Quixote, de Cervantes, autor não absoluto, desinformado do destino de seus personagens e que, por isso, inclui no relato romanesco recursos (inclusive a metalinguagem) que passem a evidenciar aspectos de verossimilhança para se fazer crível ao novo leitor. Nessa discussão, emergem questões relacionadas ao fim da narrativa e da arte, a recepção do cinema iraniano, e o embaralhamento dos registros documental e ficcional. Por fim, problematiza as possibilidades de se contar uma história na contemporaneidade.This work aims to build an aesthetic analysis of Koker Trilogy, by Abbas Kiarostami, specially the film Through the Olive Trees. It investigates the effects of meta-language procedures in cinema, when a film inside another one breaks the linear sequence in order to produce a relational aesthetic communication with the spectators. This opens space for the perception of different levels of reality. This discussion is also related to the topic of the death or dissolution of the authorship, as it is understood in the works of Derrida, Foucault and Barthes. By extension, the ideas of end of narrative are also considered in the analysis. In this sense, it looks after the modern author, created, according to Adorno, since Cervantes Don Quixote: the absolute author, who does not know the destiny of his/her characters and, because of it, includes resources (even meta-linguistic) that put in evidence aspects of verisimilitude to make it believable. In this discussion, some questions related to the end of narrative and of art, the reception of Iranian cinema and the puzzlement of documental and fictitious registers appear. At end, it discusses the possibilities of telling a history in contemporaneity.
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Bernas, Steven. "Archéologie et évolution de la notion d'auteur". Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010518.
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La présente thèse aborde la notion d'auteur sous un angle particulier. Retraçant l'histoire de la notion dans la langue, je me suis efforcé d'aborder la notion d'auteur dans son sens fort : celui de l'autorité. Quelle autorité peut-on attribuer effectivement à l'auteur ? La question de l'attribution de pouvoir attachée à la notion d'auteur est purement fantasmatique et ne relève que d'une procédure inconsciente, mise à jour depuis Sigmund Freud. En retournant vers les fondements théoriques de la notion, l'histoire de l'auteurification est mise en jeu, par-delà la problématique cinématographique. Il semble bien que les différentes querelles autour de la notion d'auteur reposent sur une erreur d'interprétation ou plutôt une erreur d'attribution. L'auteur n'est pas le dépositaire d'un savoir immuable, ni le porteur d'une vérité lourde dont l'œuvre incarnerait la toute-puissance divine dans l'homme (et autres mégalomanies totalitaires). Il n'est pas non plus le copiste de la réalité, qui duplique dans la fiction un analogon du réel. Il ne sera pas non plus un néant d'auteur, un imposteur. En réalité, derrière la notion d'auteur, se profile la notion beaucoup plus complexe de sujet. L'auteur n'est pas qu'une place, une topique, mais aussi un sujet en travail. L'auteur travaille implicitement ou non la quête de soi, de la vérité du Je. Né au monde du langage pour le penser. L'auteur incarne une posture et une place dans un processus constamment mis à jour par les différents rôles et attributs dans le travail de création collective ou individuelle. L'auteur travaille en relation avec une équipe, soit dans l’édition, soit dans le cinéma, mais de toute façon, l'auteur sait qu'il intervient dans une chaine dont il est le maillon originaire, de profits faits en son nom, pour le bien de tiers, au sein d'une industrie du profit. Concrètement, il assume seul les risques, les échecs, les inachevés, une postérité tordue en tous sens. L'auteur, l'artiste, l'instaurateur du discours, sont bien plus des autorités qui font rupture dans les pratiques de l'art. Ils instaurent un nouveau rapport à l'œuvre, introduisent une nouvelle sensibilité, faute de quoi, ils n'ont ni autorité ni posture d'auteur, mais utilisent simplement un moule déjà établi par un auteur ou un instaurateur du discours bien avant lui
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Bordinhon, Eduardo Moraes 1987. "Marlon Brando - O "Jovem Rebelde" e o "Padrinho" : as figuras de um ator-autor". [s.n.], 2015. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284995.
Texto completoResumen
Orientador: Marcelo Ramos LazzarattoDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-26T18:33:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bordinhon_EduardoMoraes_M.pdf: 3845537 bytes, checksum: 82fb436c7a3c64c012d0ee44bed936d6 (MD5) Previous issue date: 2015
Resumo: Essa dissertação teve como objetivo estudar os procedimentos técnicos que envolvem o trabalho a interpretação para cinema. Para isso, tivemos como objeto de pesquisa a filmografia do ator Marlon Brando (1924 ¿ 2004), com enfoque nos filmes "Uma Rua Chamada Pecado" (Elia Kazan, 1951), "Sindicato de Ladrões" (Elia Kazan, 1954), "A Face Oculta" (Marlon Brando, 1961), "O Grande Motim" (Lewis Milestone, 1962), "O Poderoso Chefão" (Francis Ford Coppola, 1972) e "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Verificamos, ao longo desses filmes, os procedimentos de construção de cena e personagens apoiados nos escritos de Stella Adler (2002) e Constantin Stanislavski (2001) sobre o trabalho do ator, com enfoque nas ações físicas no uso da imaginação e observação. Além disso, analisamos os temas e personagens recorrentes na filmografia de Brando identificando uma padronização de seu aparecimento na tela. Tal padrão está intimamente ligado à própria personalidade do ator e chega em duas figuras essenciais: o "jovem rebelde", presente nos filmes dos anos 1950 e caracterizado por sua postura contra o sistema vigente e o "padrinho", consolidado nas obras da década de 1970, marcado por sua relação de mentor de um personagem ou grupo de personagens. Para investigarmos essa padronização, utilizamos o conceito de ator-autor proposto por Patrick McGuiligan (1975) e desenvolvido por Luc Moullet (1993) e Pedro Maciel Guimarães (2012), com o qual se analisa a filmografia de um ator em busca de aspectos formais e temáticos que o possam nomeá-lo como co-autor de um filme
Abstract: This dissertation aim was studying the technical procedures of acting in cinema. In order to do this, we took as research material the filmography of the actor Marlon Brando (1924 ¿ 2004), focusing in the films "A Streetcar Named Desire" (Elia Kazan, 1951), "On The Waterfront" (Elia Kazan, 1954), "One-Eyed Jacks" (Marlon Brando, 1961), "Moutiny on the Bouty" (Lewis Milestone, 1962), "The Godfather" (Francis Ford Coppola, 1972) and "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Through those movies, we verified the procedures of creating a scene and a character supported by the writings of Stella Adler (2002) and Constantin Stanislavski (2001) on acting, focusing on physical actions, imagination and observation. Furthermore, we analysed the recurrent themes and characters on Brando¿s filmography investigating a pattern in his appearance on screen which is linked with the personality of the actor himself. Thus, we find two essential figures, the "young rebel", in the movies of the 1950s and characterized by his position against the hegemonic system, and the "godfather", consolidated in the 1970s, characterized by his relation as a mentor of a character or a group of characters. To investigate this standardization, we used the concept of the actor-author, proposed by Patrick McGuiligan (1975) and further developed by Luc Moullet (1993) and Pedro Maciel Guimarães (2012), in which one analyses an actor¿s filmography searching thematic and formal aspects that can categorize the actor as a co-author of a film
Mestrado
Teatro, Dança e Performance
Mestre em Artes da Cena