Literatura académica sobre el tema "Bodas de sangre (Garcia Lorca, Federico)"

La figura de Federico García Lorca ha sido harto estudiada y por eso podemos afirmar, sin reparo alguno, que lo sabemos todo (o casi todo) acerca de la vida y la obra del poeta de Fuente Vaqueros. Sin embargo, conviene señalar también que la imagen que de Lorca se ha incorporado a nuestra tradición literaria no ha sido sino una construcción simbólica cuya sombra en ocasiones obnubila su propia realidad histórica. Lorca aparece casi siempre convertido en «el símbolo inequívoco del asesinato de un pueblo inocente e iner- me» (Rodríguez, 1994: 11) y las aproximaciones críticas que se han hecho sobre su obra suelen construirse sobre las cenizas de esa derrota.

The House of Bernarda Alba was the first play of Federico Garcia Lorca that was staged by a Hungarian company in 1955. Hungarian directors followed with close attention the dramas of the Andalusian playwright and two years later, in 1957, the Hungarian National Theater included on its program another play of Lorca, Blood Wedding, written in 1933. Since then, the popularity of this drama on Hungarian stages has not diminished at all, it also inspired dance and opera adaptations. Recently, in the 2013-2014 season, Magyar Színház theater has also staged this play. The aim of this paper, which has been inspired by the aforementioned premiere, is to offer an overview of the Hungarian reception of Blood Wedding, highlighting some important productions of the past six decades.

Carmen de Burgos constituye con Puñal de claveles una visión dramática y poética basada en la realidad, al igual que hará Lorca en Bodas de Sangre. Ambos autores conciben su literatura apoyándose en hechos reales. Poetizan en la narrativa y el teatro, respectivamente, basándose en un mismo suceso. Utilizan símbolos literarios que parten de la naturaleza y remarcan a su vez una problemática psicológica que envuelve a los personajes: la frustración. En el caso de Puñal de claveles, ésta llega a ser superada, pero en Bodas de Sangre queda inherente a los mismos personajes, quienes a su vez se funden con una visión de la naturaleza, con paralelismos y contrastes, que nos permite dilucidar cierta proyección e influencia de la novela corta de Carmen de Burgos en la tragedia de Lorca

La presente investigación se ocupa del ballet de Antonio Gades titulado: Crónica del suceso de bodas de sangre, una manifestación de danza-teatro que fue dirigida por Carlos Saura y Antonio Gades (a partir de un libreto de Alfredo Mañas basado en el drama de Federico García Lorca), y estrenada por la compañía Antonio Gades en el Teatro Olimpia de Roma, en 1974. Dicha obra se estudia con base en el registro fílmico de Carlos Saura. Se comparan los lenguajes lingüístico y corporal, aunque poniendo énfasis en los alcances poéticos de representación de este último, y entendiendo a la teatralidad desde una perspectiva teórica más amplia a partir de la propuesta de Jorge Dubatti. AbstractThis article examines the dance-theater piece Crónica del suceso de Bodas de sangre, by Antonio Gades, using Carlos Saura’s film as a register. A comparison of the language of the word and that of the body is attempted emphasizing the latter’s poetic representational abilities, and approaching theatricality from a wider theoretical perspective, after Jorge Dubatti’s proposal.Recibido: 22 de septiembre de 2018Aceptado: 15 de enero de 2019

La traducción de una obra de teatro va mucho más allá de la traducción del texto escrito, puesto que la dimensión extratextual de un texto dramático incluye componentes culturales y semióticos, convenciones dramáticas, aspectos de la actuación y de la escenificación. De este modo, el traductor se enfrenta a una plétora de posibilidades, y sus elecciones se ven fundamentalmente condicionadas por el propósito y las circunstancias que en principio determinan la traducción. En este artículo se examinan primeramente cuáles son las principales dificultades que encuentran los traductores de textos dramáticos. A continuación se comparan tres traducciones al inglés de Bodas de sangre de Federico García Lorca, a fin de ejemplificar los problemas puntualizados, y de precisas y evaluar las estrategias que utiliza cada uno de los traductores de acuerdo con la naturaleza de cada traducción.

Federico García Lorca (1898-1936) was one of the most influential writers of Spanish literature of the 20th century. His particular point of view, influenced by rural and urban experiences, inspired set designs with high aesthetic and compositional value. This research analyzes the original stagings of Bodas de sangre in the Teatro Beatriz (Madrid, 1933) and Yerma in the Teatro Español (Madrid, 1934). Compiling documentary material and preparing plans and technical models offer a complete view of each proposal, considering the design criteria and construction processes of those designs for which information is available today. Studying the set designers responsible for each project is also relevant. Manuel Fontanals, Santiago Ontañón, and Siegfried Burmann were leading figures in Spanish and foreign theatrical plastic art during the Second Spanish Republic and the following years. In summary, the study shows how the designs for each scenic space were created, analyzing both their compositional and technical details and the transformation process from the written space to the built one. After all, set design is a discipline belonging to ephemeral architecture, which aims to generate atmospheres and structures with a short useful life but with aesthetic, functional, and stability requirements.

El presente artículo investiga la influencia de la obra literaria de Federico García Lorca en el teatro de Jorge Díaz de los años ochenta y noventa. El autor andaluz se ha convertido en una fuente de inspiración para el dramaturgo chileno tanto en lo concerniente a su biografía como a su estética literaria. El trabajo discute la existencia de un diálogo intertextual entre varias obras de Jorge Díaz (Ópera inmóvil, Paisaje en la niebla con figuras, Federico, un niño que cumple cien años) y algunos textos lorquianos (Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores, Bodas de sangre y la poesía popular). Siguiendo los preceptos metodológicos de J. L. García Barrientos y P. Ginestier, hemos llegado a la conclusión de que los dramas analizados de Jorge Díaz están impregnados de metáforas lorquianas. Cabe destacar la presencia de la luna en Paisaje en la niebla con figuras, que condiciona la arquitectura dramática de la obra. Además, presentamos una serie de rasgos comunes en la dramaturgia de ambos autores, como la semantización de elementos espaciotemporales y su relación paradigmática con la categoría del personaje.

Um texto traduzido é, ao mesmo tempo, processo e resultado (GARCÍA YEBRA: 1982). O processo refere-se às condições e critérios que levaram à sua efetivação, bem como à pesquisa demandada em torno do tema e da obra a ser traduzida. O resultado é a concretização deste processo, materializada para o consumo. Este trabalho apresenta o resultado das traduções de Bodas de Sangue (1933), Yerma (1934) e A Casa de Bernarda Alba (1936), do dramaturgo espanhol Federico García Lorca (1898-1936), explicitando o processo de pesquisa que, em nossa opinião, em muito pode colaborar para as futuras montagens das peças. Nossa opção se sustenta na hipótese de que o tradutor – sobretudo o tradutor de teatro – deve assumir sua intervenção: não desestrangeirizar completamente a obra, deixando marcas no texto que indiquem sua procedência, a fim de que o leitor-espectador perceba que está diante de um texto traduzido.

El equipo editorial de Investigación Teatral desea compartir nuestra alegría ante el gran número de lectores que consultan actualmente la revista en su versión digital: las visitas desde diferentes partes del mundo rebasan las 1,000 mensuales. A partir de su inauguración hace ya cinco años, el portal de esta publicación ha sido consultado –hasta marzo de 2019– por más de 20,000 personas. Esto no es sino muestra del interés que tiene la investigación en artes escénicas a nivel global.Iniciamos este número 15 con un texto escrito por el antropólogo Rodrigo Parrini, en colaboración con Daniel González Marín y Alfadir Luna, quienes reflexionan sobre los objetos de archivo utilizados por la compañía Teatro Línea de Sombras para producir la puesta en escena Baños Roma. Le sigue un texto de la investigadora chilena Javiera Larraín, sobre la obra Neva, del dramaturgo y director Guillermo Calderón. Este creador pertenece a lo que Larraín identifica como la nueva generación de la escena nacional chilena, con trascendencia internacional.Por otro lado, Ximena Gómez Goyzueta, de la Universidad Autónoma de Aguascalientes, hace una reflexión sobre teatralidad y metateatro en el texto dramático del teatro español barroco. Asimismo, Nidia Vincent, de la Facultad de Letras Españolas de la Universidad Veracruzana, comparte su análisis sobre una coreografía que realizó el creador español Antonio Gades con base en Bodas de sangre, de Federico García Lorca. Vincent argumenta que el coreógrafo logró hacer una paráfrasis del texto teatral para proponer un nuevo discurso basado en lo corporal, lo espacial y lo musical. También presentamos un texto del investigador colombiano Sergio Naranjo Velásquez, quien analiza la propuesta de la biomecánica de Vsévolod Meyerhold desde la perspectiva de la antropología teatral de Eugenio Barba. De esta forma, el autor recupera para los creadores escénicos del siglo XXI nociones fundamentales sobre el entrenamiento y trabajo actoral.En la sección “Documento”, está el prólogo en monólogo de La sombra de la feria, pieza de la Comedia Francesa escrita por Alain-René Lesage y Jacques Philippe d’Orneval. Se trata de un texto de 1720 que Alexis Álvarez Jácome traduce por primera vez a lengua española para nuestra revista. El prólogo funciona como una obra cómica breve que se vale de personajes de la Comedia del Arte para ofrecer claves de la situación política, histórica y social que se vivía en el momento que fue escrita.En la sección “Testimonio” incluimos el texto de Carlos Albarrán, estudiante de la Maestría en Artes Escénicas de la Universidad Veracruzana, quien nos relata su experiencia en el taller que el Workcenter de Jerzy Grotowski y Thomas Richards ofreció en la Ciudad de México el año pasado, siendo la primera visita a México que realiza este legendario Centro de trabajo fundado por Grotowski en Pontedera, Italia. Ahora, en 2019, se conmemoran 20 años del fallecimiento de Jerzy Grotowski (1933-1999), por lo que la revista Investigación Teatral se une con este testimonio a los actos que se realizan alrededor del mundo para reconocer que el legado del maestro polaco sigue vivo.Continuamos con un grupo de cinco reseñas que abordan puestas en escena y novedades editoriales de gran interés. Cierra el volumen la semblanza-homenaje que el maestro Francisco Beverido hace del actor y promotor Arturo Meseguer, fallecido prematuramente cuando se desempeñaba como director general de Difusión Cultural de la Universidad Veracruzana. Además de haber sido protagonista importante del movimiento teatral de Xalapa desde los años 70 del siglo pasado, Meseguer realizó una incansable labor en pro de la expresión cultural y artística de estudiantes y creadores emergentes a través de los Festivales de Teatro Universitario.

In questo saggio tratteremo la visione del mondo rurale, nonché le sfumature della lingua, delle intrusioni dialettali e del linguaggio colloquiale contadino rappresentati in due opere teatrali: La Lupa del drammaturgo siciliano Giovanni Verga e Bodas de sangre del tragediografo andaluso Federico García Lorca, esaminando anche gli aspetti macro e microstrutturali dei testi.L’Italia e la Spagna sono paesi vicini a livello geografico e socio-culturale geograficamente e socio-culturalmente, legati alla storia del Mar Mediterraneo e dalla comune matrice linguistica latina. María de las Nieves Muñiz Muñiz riporta che “all’Italia e alla Spagna, parimenti arretrate e solari, anche se diversamente ‘antiche’, toccò il ruolo di serbatoio di miti, leggende e cultura popolare del Mediterraneo”.

Os motivos de honra e honor na dramaturgia de Federico García Lorca. Análise da trilogia rural, Bodas de sangre, Yerma e La casa de Bernarda Alba. Os motivos de honra e honor e suas funções no desencadeamento das tragédias. Honra e honor como traços culturais da região de Andaluzia.<br>Submitted by Marcelo Teixeira (mvteixeira@ucs.br) on 2014-05-22T16:35:21Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao Luciana C dos Santos.pdf: 504960 bytes, checksum: 7c78d65e33f25e995a6b1d656c653188 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2014-05-22T16:35:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Luciana C dos Santos.pdf: 504960 bytes, checksum: 7c78d65e33f25e995a6b1d656c653188 (MD5)<br>Los motivos de honra y honor en la dramaturgia de Federico García Lorca. Análisis de la trilogía rural, Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba. Los motivos de honra y honor y sus funciones en el desencadenamiento de las tragedias. Honra y honor como trazos culturales de la región de Andalucía.

Thesis (B.A.)--California Polytechnic State University, 2010.<br>Project advisor: Karen Munoz-Christian. Title from PDF title page; viewed on Mar. 24, 2010. Includes bibliographical references. Also available on microfiche.

Cette thèse veut être une analyse du passage du texte à l’image de Bodas de sangre et Carmen. La première partie présente le contexte sociohistorique de Carlos Saura, et propose de parcourir son oeuvre en ciblant des éléments significatifs qui seront analysés lors de l’étude plus approfondie des films choisis. L’objet de la deuxième partie est l’analyse conjointe des textessources qui souligne plus qu’une homologie structurale, un rapport étroit entre les deux auteurs, les deux oeuvres et les deux héroïnes. Cette étude du texte révèle aussi la naissance du mythe à partir de Carmen. La troisième partie concerne le transfert iconique. Pour ce faire, l’étude de la temporalité apporte un éclairage supplémentaire sur le texte et l’image. Alors, la technique cinématographique maîtrisée prouve qu’elle peut être l’alliée de la littérature et de la danse. L’importance accordée à la photographie, au réalisme, au décor et à la bande sonore, donne à voir une nouvelle lecture des textes. Dans les deux cas, le spectateur assiste à la projection d’un film qui représente la répétition ou la création d’un ballet. La mise en abyme est donc un choix de création ; la superposition des récits oblige le spectateur à jongler de l’un à l’autre, dynamisant ainsi la lecture du film<br>This thesis is a study of the passage from text to pictures in Bodas de sangre and Carmen. The first part is a presentation of the Carlos Saura sociohistorical context, followed by a survery of his work focusing on significative points which will be analysed in the deeper investigation of the chosen films. The second part aims at analysing the original texts, which highlights more than equivalent structures but also a close link between the two authors, the two novels and the two heroines. That study of the text also reveals the birth of the myth about Carmen. The third part deals with the transfer of the icon. To develop that point, the study of temporality brings the text and the picture under a different light. So, the controlled cinema technique proves that it can be on ally to literature and choregraphy. The importance given to photography, realism, scenery and sound track puts some new light on the text. In both cases, the member of the audience watches a film that represents the rehearsal on the creation of a ballet, the mise en abyme is, in fact, a choice of creation; the superposition of stories requires from the audience to juggle from one to the other, stimulating the playing of the film

L’objet de notre étude est l’analyse du discours didascalique du poète et dramaturge espagnol, Federico García Lorca. Trois pièces constituent notre champ d’investigation : Bodas de sangre, Yerma et La casa de Bernarda Alba. Les didascalies, en tant que discours émanant de la voix auctoriale, ont fait l’objet de nombreuses recherches et publications depuis l’essor de la linguistique de l’énonciation et de l’analyse du discours dramatique. Ce travail propose une poétique singulière des didascalies et démontre qu’elles forment un code sémiotique particulier, stratégique et poétique au sein du discours théâtral lorquien : loin de ne constituer qu’un péritexte fonctionnel qui se limite à accompagner et à préciser les conditions de mise en scène du discours entre personnages, elles représentent le véritable centre névralgique du théâtre poétique de Lorca. Elles participent pleinement de la construction du sens profond de l’œuvre et livrent des clés interprétatives essentielles fonctionnant à différents niveaux de lecture et de réception théâtrale. La lecture de certaines didascalies représente un véritable plaisir pour le spectalecteur. Elles peuvent être considérées dans une perspective poétique et interprétées dans la matérialité même de leur signe linguistique comme des supports textuels et phoniques. Elles demeurent dans la plupart des cas l’apanage du lecteur car, renversement paradoxal, le metteur en scène est souvent dans l’impossibilité de les représenter totalement sur scène. Ces didascalies correspondent à la première phase de ce travail et sont nommées didascalire. D’autres didascalies concernent d’une façon plus concrète et pratique les détails de la future mise en scène et possèdent une fonction performative et conative. Elles ne sont plus textuelles : le message originel se transforme en d’autres systèmes de signes. Elles font l’objet de la seconde phase de cette étude et sont appelées didascascène. Les parties liminaires (titres – sous-titres et dramatis personae par exemples), les nuances chromatiques et les indications spatio-temporelles, sont revêtues d’une valeur prophétique et d’une portée métathéâtrale : elles portent en germe tous les éléments de l’œuvre et élaborent une réflexion sur le théâtre lui-même. Lorca, dans cette partition didascalique compose une poétique du silence révélant les sentiments profonds des différents personnages de la trilogie. Les didascalies sont le souffle et la respiration du texte qui prend corps et vie devant nos yeux : leur déchiffrement permet d’accéder aux arcanes de l’œuvre<br>The aim of this study is to analyse Garcia Lorca's poetic and dramatic use of stage directions with special reference to three plays : Bodas de Sangre , Yerma and La casa de Bernada Alba .There is no denying that since the birth of enunciative linguistics and drama speech analysis, a lot of in-depth research publications have been devoted to stage directions as reverberations of the author's voice . This study will offer a poetic reading of Lorca's stage directions and aim at demonstrating that the latter contribute to creating a specific semiotic code with both a strategic and poetic intent within Lorca's dramatic speech. Far from being a mere functional peritext only meant to organise and set up the staging of discourse between the characters, Lorca's stage directions embody the nerve centre of his poetic drama. They play an active part in building up the innermost meaning of his works, and offer essential keys for interpretation at various levels of reading and theatrical reception. Reading some of these stage directions is a source of enjoyment for the viewer-reader . If we consider them as mere linguistic signs, they can indeed be interpreted in a poetical perspective as text aids through their sound effects when spoken aloud. Yet ,they are restricted to the reader's exclusive benefit as , paradoxically enough, the stage director is very often unable to stage them in their entirety , even by summoning all the senses . These stage directions, analysed in the first phase of this study, can be labelled as 'reading directions '. The other kind of stage directions consists of the more concrete and physical details that can help organise the futur staging of the play. They have an action-inducing and conative function and , as such, are not textual - the author's original message being coded into another system of signs - These 'staging directions' are the focus of the second part of this study. The preliminary parts ( titles, subtitles and dramatis personae for instance), the varied hues, space and time indications are endowed with a metadrama and prophetical value. Indeed, they carry the seeds of all the main characteristics of Lorca's works and weave thoughts about the very essence of drama. By turning his stage directions into a real musical score, Lorca composes a poetry of silence revealing the innermost feelings of the various characters present in the trilogy. The stage directions breathe life into the text , which takes on flesh and blood under our eyes. Deciphering them enables the reader to lift the veil on the mysteries of Lorca's works

In this thesis, the main male characters in three of the plays written by Federico Garc&#237;a Lorca are analysed with the aim of seeingthe role they play in the frustration of desire. After two chapters dedicated to a review of published critical studies on Lorca and tocertain theoretical considerations, Chapter Three examines desire drawing on Ubersfeld&apos;s actancial model and observes that thesemale characters can be divided into two groups: those who are desired and those who are undesired.In Chapter Four this classification is linked to an analysis of absence, prohibition and lack. Absence is here defined not asrelated to their non-appearance on stage but rather to their non-presence in the lives of the desiring female protagonists. It isobserved that a number of male characters are absent in the plays mainly due to death or a journey. As far as prohibition isconcerned, in two of the works, there is a moral code associated with concepts such as &quot;honour&quot; and &quot;decency&quot;, which blocks thefemale characters&apos; access to the males they desire. Chapter Four also shows how several characters can be considered as lacking inthe sense that they do not possess the ideal male qualities contained in the plays. This chapter reaches the conclusion that desiredmale characters are either absent or forbidden in the world of the desiring female, whereas undesired male characters are lacking inthe sense that they fail to live up to the ideal highlighted in the plays.Chapter Five analyses the female characters&apos; perception of the male figures, making use of Ren&#233; Girard&apos;s notion of&quot;transfiguration&quot;, which alludes to a process of idealisation of the object of desire. Our analysis reveals a connection betweendesire, denied access to the object of desire and transfiguration in the main subjects of desire. The phenomenon of &quot;transfiguration&quot;has several functions in the play: firstly, the creation of hyperbolical male characters; secondly, that of transmitting the intensity ofthe desire experienced and, finally, the highlighting of the lack of certain qualities in several male characters.We thus observe that, in these three plays written by Garc&#237;a Lorca, Girard&apos;s pessimistic view of desire is confirmed, since desireneeds a series of obstacles, such as absence or prohibition, to survive. However, this is not the only explanation for the frustrationof desire: other factors, like the actions of certain male characters or destiny, also play a decisive role.