Tesis sobre el tema "Chansons – Histoire et critique"

Cette thèse étudie la vie sociale d'aujourd'hui en Union soviétique àa travers la chanson, miroir social. Elle examine les rapports complexes des créateurs et du pouvoir. C'est aussi une anthologie des principales chansons soviétiques du XXème siècle et de leur thématique. Ce travail présente les trois grandes composantes de la chanson soviétique actuelle : la chanson de variétés "chanson de masse" appelée "l'estrade"), la chanson poétique (les chansons des "bardes" comme Okoudjava, Vvissotski, Galitch et Veronika Dolina, une nouvelle venue) et le rock soviétique. Les analyses sont principalement basées sur la presse soviétique et la presse française. Beaucoup des chansons ont nécessité une recherche avant d'être traduites. La plupart d'entre elles n'ont jamais été ni publiées ni enregistrées de manière officielle sur disque ou sur cassette. Leur signification profonde réside dans l'ambigüité du non-dit. Cette recherche est un moyen de mieux comprendre ce qu'il y a d'unique dans la vie et dans l'âme du peuple soviétique
This thesis is a study of the Soviet social life of today as reflected through song for song is a social mirror. It addresses the complex relationship between creators and political powers. It is an anthology of the main songs of the XXth century and of their topics. On a deeper level, it deals with the three great components of modern-day Soviet song : variety song ("mass song" called "the estrade"), poetic songs (the songs of the "bards" : Okoudjava, Vissotski, Galitch and Veronika Dolina, a new comer) and the soviet rock. The analyzes are based mostly on the Soviet and French press. All the songs have been researched and translated. Many of which have never been published nor recorded. Much of their significance lies hidden in the unsaid. This investigation led to a better understanding of the uniqueness of the social life and the soul of the Soviet people

La chanson tunisienne est un genre musical apparu vers la fin du dix-neuvième siècle. Aujourd'hui, il domine la pratique musicale en Tunisie, au niveau de la production et au niveau de la consommation. Ce travail consiste en une approche technique puis sociologique de ce genre. L'approche technique englobe une étude du texte littéraire, du support musical et de l'interprétation. L'approche sociologique consiste en une étude "extra-musicale" sur la production puis sur la consommation de la chanson. Cette recherche a permis de définir musicalement la chanson tunisienne, puis d'en établir différentes typologies, en fonction de la forme du discours, du niveau de langue, du mouvement prosodique, de l'aspect sémantique, des rythmes, des modes, de la structure formelle, de la structure rythmico-temporelle, des orchestres, de la conception orchestrale, du type d'exécution, du rôle de la chanson dans la société, des lieux de pratique de la chanson, des modes de perception et des modes de comportement de l'auditeur. A travers ce travail, nous avons souhaité, d'une part, réaliser un document complet sur la chanson tunisienne et, d'autre part, proposer un modèle d'étude pour d'autres manifestations de la chanson dans le monde.

Cette thèse est une réflexion littéraire sur le genre oral "sova tsimihety". Le sova est avant tout un chant populaire tsimihety. Un chant traditionnel, remanié sans cesse pour répondre à l'attente d'un public en pleine évolution. Le poète oral Mpisova chante alors la vie, la nature, la société, dieu et l'univers. Mais c'est un chant destiné à créer le "merveilleux" dans ce qui est de plus simple et à démystifier ce qui parait le plus extraordinaire. Mais c'est aussi un chant destiné où la femme reste la femme objet désirée, aimée et vénérée. Ainsi donc, le sova est un chant, une poésie parvenue à son expression suprême où la parole, le chant et la danse se confondent dans une harmonie parfaite. Si le sens premier du mot sova est soleil, lumière éblouissante, extraordinaire, il désigne surtout la danse et le chant merveilleux, la poésie
This study is a literary reflexion about the oral genre "Tsimihety sova". The sova is above all a Tsimihety popular song. A traditional song, reshaped every time to reply to expectation of the public at full evolution. The oral poet Mpisova sings at the time the life, the nature, the society, god and the universe. But this is a song destined to produce the "marvellous" in everything moreover simple, and to demystify everything that appears the most extraordinary. It is also a song of love where the woman is desired, loved and venerated. So the sova is a song, a poetry reached at his supreme expression where talk and dance merge in perfect harmony. If the first sense of the word sova is sun, extraordinary light, it means also dance, marvellous song and poetry

"Gaufrey" est une chanson de geste tardive de 10746 alexandrins dont le seul manuscrit, daté de la deuxième moitié du XIVème siècle, est conservé à la Bibliothèque de l'Ecole de Médecine de Montpellier. Elle s'insère dans un ensemble de sept chansons du cycle des Barons Rebelles, " Gaufrey " suivant " Doon de Maience " et précédant " Ogier le Danois ". L'étude de la langue met en évidence la dominante picarde du manuscrit. L'étude littéraire, à partir d'une étude croisée des personnages, recherche les liens qu'établit le poète entre sa chanson et celles qui l'ont précédée. Epopée, merveilleux et romans mêlés caractérisent cette chanson de geste tardive, sans qu'on y décèle la " décadence " d'un genre. Le personnage de Gaufrey est présenté comme l'aîné des douze fils de Doon de Mayence, et le père d'Ogier ; avec le fils aîné de Garin de Monglane, Hernaut de Biaulande, il va devoir délivrer son père, Doon, et Garin capturés par les Sarrasin. Le rôle du traître est joué par un des frère auprès de Charlemagne. Mais les deux véritables héros sont d'une part un vassal de Garin, Robastre, d'autre part une jeune Sarrasine, Flordespine, dont les ruses vont animer l'action
"Gaufrey" is a 10746 alexandrines epic poem whose single manuscript, dated from the second half of the fourteenth century, is preserved at the Montpellier Ecole de Médicine Library. It is part of a group of seven poems from the Rebel Barons cycle, " Gaufrey " following " Doon de Maience " and preceeding " Ogier le Danois ". The study of the language reveals a chief characteristic of Picardy. The study of the characters searches the connections between the poem and those who preceeded it. Epic, supernatural and romance are combined in this late epic poem without any " decadence ". Gaurfey is the oldest of the twelve sons of Doon de Maience, and the father of Ogier ; with the oldet son of Garin de Monglane, Hernaut de Biaulande, he has to rescue his father, Doon, and Garin captured by the Saracens. Grifon, the traitor and Gaufrey's brother, is presented as Ganelon's father. He slanders his brother near Charlemagne. But the two genuine heroes are on the one hand Robastre, on the other hand a young saracen woman, Flordespine, whose tricks will animate the action

Notre étude se fonde sur un corpus homogène de chansons françaises composées entre c. 1400 et 1425. Le répertoire pris en considération a été établi à partir des anciens cahiers (V à VIII) du manuscrit Oxford bod. 213. Nous avons sélectionné, sur critère stylistique, 82 compositions. Celles-ci font montre de nombreuses caractéristiques, notamment structurelles, que nous soulignons dans notre étude à travers l'exemple, principalement, des chansons attribuées à Richard Loqueville et Pierre Fontaine. Ces deux compositeurs témoignent, dans leurs compositions respectives, d'une grande cohérence stylistique et d'une maîtrise remarquable de certains idiomes qui s'apparentent à des « formules récurrentes et stéréotypées ». En cela, ils peuvent être considérés comme de parfaits représentants de l'esthétique musicale communément désignée sous l'appellation du « nouveau style ». La première partie de notre étude porte principalement sur la mise en évidence et l'interprétation fonctionnelle de certaines « formules » rythmiques dont l'emploi systématique au sein des chansons étudiées impose le sentiment d'une grande homogénéité du répertoire. La seconde partie de ce travail souligne plus spécifiquement l'aspect « protéiforme » du corpus étudié et témoigne de l'interchangeabilité de ces « formules ». Nous y formulons de nombreuses hypothèses liées à la transmission du répertoire et à l'influence, souvent manifeste, des scribes dans ce processus. Nous élargissons alors nos discussions à des chansons anonymes et à d'autres compositeurs tels Briquet et Johannes Cesaris. L'ensemble des chansons étudiées est accessible en annexes sous forme de transcriptions
Our study is based on an homogeneous corpus of French songs composed between circa 1400 and 1425. The repertory taken into account appears in the earliest gatherings (V-VIII) of the famous manuscript Oxford bod. 213. On stylistic criteria, we selected 82 compositions, which share many of the characteristics, especially structural, emphasized through our analyses of songs ascribed to Richard Loqueville and Pierre Fontaine. These two composers show, in their respective work, an impressive stylistic coherence and a remarkable control of certain idioms which could be interpreted as “recurring and stereotyped formulas”. Thus, they can be regarded as perfect representatives of the musical aesthetic commonly called the “new style”. The first part of our study shows many structural characteristics and proposes a functional interpretation of certain rhythmic “formulas” which are systematically employed within the studied songs. It mainly discusses the homogeneity of the repertory. The second part of the study underlines more specifically the “inconsistent” aspect of the studied works and show that many of the rhythmic and melodic “formulas” are interchangeable. We propose many assumptions related to the transmission of the repertory and to the influence of the scribes in this process. The second part is mainly exemplified by songs ascribed to Briquet, Johannes Cesaris and by anonymous songs. All the studied songs are accessible as transcriptions in the appendices of our study

Arnold et Hugo de Lantins, deux compositeurs franco-flamands actifs dans les années 1420-1430, nous ont laissé un ensemble de 32 chansons, dont trois sont d'attribution douteuse. Comme ni les documents historiques ni les données paléographiques ne permettent d'attribuer de ces trois chansons à l'un ou à l'autre, une tentative d'attribution ne peut que reposer sur des critères stylistiques. L'analyse repose sur la reconnaissance de l'organisation des voix en un duo indépendant auquel est adjoint un contraténor secondaire, et en second lieu, sur la distinction entre le contrepoint simple et le contrepoint fleuri. Grâce aux règles énoncées par les théoriciens, il est possible de retrouver le niveau du contrepoint simple en procédant par réductions successives. Ce n'est que dans un second temps que sont abordés les éléments du contrepoint fleuri qui constituent le style proprement dit : éléments rythmiques, harmoniques et mélodiques auxquels est ajouté un développement sur l'imitation. La relation entre la structure poétique et la structure musicale s'appuie sur le modèle prosodique proposé par Graeme Boone. Ce modèle nous permet de montrer comment les articulations poétiques s'organisent par rapport aux articulations musicales, notamment dans le cadre des entrées en imitation. La relation entre la structure poétique et la structure musicale s'appuie sur le modèle prosodique proposé par Graeme Boone; Ce modèle nous permet de montrer comment les articulations poétiques s'organisent par rapport aux articulations musicales, notamment dans le cadre des entrées en imitation. Il ressort que les deux chansons "Chanter ne scay" et "Mon doulx espoir" sont stylistiquement très proches et attribuables à Hugo de Lantins, tandis que les données sont plus difficiles à interpréter pour "ung seul confort". Une extension de la méthode propose de nouvelles attributions mises en doute par les chercheurs
Arnold and Hugo de Lantins, two Franco-Flemish composers florishing between 1420 and 1430, have left us a set of thirsty-two songs, three of which are from doubtful ascription. As neither historical documents nor paleographical data can helps to credit one or the other composer with those three songs, an attempt for an ascription will only rest on stylistic criteria. The analysis firstly rests on the assertion of the organisation of the voices in an independent duet to which a secondary contratenor is added, and secondly, on the distinction between simple and florid counterpoint. On the basis of rules stated by theoreticians, it is possible to reach the level of simple counterpoint by means of successive reductions. It is only in a second phase that the elements of florid counterpoint - which make up style so to speak - are dealt with : rhythmic, harmonic and melodic elements, as well as imitation to which a chapter is devoted. The relation between the poetical and musical structures rests on Graeme Boone's prosodic pattern. This pattern allows us to show how poetical articulations are arranged in relation to musical articulations, particularly in the context of entries in imitation. What emerges is that both songs "Chanter ne scay" and "Mon doulx espoir" are very close on a stylistic level and attributable to Hugo de Lantins, whereas the data for "Ung seul confort" are more difficult to interpret. An extension of the method suggests new ascriptions for the anonymous songs of fascicule III of the Oxford manuscript, and confirms some other ascriptions once questioned by scholars

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale.
The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

Avatar d'antiques interventions chorales, le refrain de la chanson francaise est ou detache ou integre au couplet. La typologie fait appel aux criteres de variabilite (r. Fixe ou a variation) et de position (r. Detache initial; r. Integre epistrophique, epiphorique, antepiphorique). Le r. Detache, strophique compte en principe au moins seize syllabes organisees en quatre cellules receptives; ces contraintes ne concernent pas le r. Integre. Types et fonctions ont connu des fortunes changeantes au xxe s. L'etude semiologique degage des traits contrastifs (externes) opposant couplet et r. ; des traits pertinents, propres au r. (intrinseques) : motivation thematique, qui commande l'autonomie (r. Detache "populaire") ou l'integration du r. (r. "lettre); limpidite, qui reunit implicite et intelligibilite; lyrisme, vecteur des valeurs affectives. S'y ajoutent deux traits contextuels (externes) : rupture et repetition. Quatre fonctions majeures sont attribuees au r. Detache: f. Structurelle (organiser la chanson en ensemble bimodulaire), f. De cloture, f. D'adhesion (seduire), f. De perdurabilite (assurer les conditions de la survie du texte). Participant a une structure strophique unimodulaire, le r. Integre, dont la fonction majeure est poetique, assume la clausule strophique en mettant en exergue le theme de la chanson
The refrain of the french popular song, avatar of ancient choral traditions, is detached from or integral to the verse. Typology uses criteria of variability and position (the initial detached refrain, the epiversal, epiphoric or antepiphoric integrated refrain). The detached versal refrain usually contains at least sixtenn syllables, organised into four perceptual units. These constraints do not apply tothe integrated refrain. The popularity of these types and forms has varied throughout the century. Semiologic study reveals contrasting (external) traits, which oppose verse and refrain and pertinent traits, belonging to the refrain itself. Pertinent (or intrinsic) traits are: thematic motivation, which confers either the autonomy (as in the detached "folklore-type" refrain), or the integration of the refrain (as in the literary or "poetic" refrain); limpidity, which satisfies the need for simplicity and intelligibility); lyricism, vector of affective values. Two external contextual traits may be added : break and repetition. The detached refrain is said to have four principal functions: the structural function (to organize the song in a bi-modular whole); the function of clusure; the function of attraction (to attract or seduce the listener); and the function of perdurability (to ensure the continued popularity of the text). Occuring in a uni-modular versal structure, them integrated refrain; whose primary function is poetic, provides versal clausula by emphasizing the theme of the song

Cette thèse établit l'histoire du Caveau, société de chansonniers fondée à Paris en 1729, dans le quartier de la foire Saint-Germain, par Piron, Pannard, Gallet, Colle et les deux Crébillon. Cette société s'est perpétuée jusqu'au seuil de la Seconde Guerre mondiale, à travers différents avatars, entrecoupés de quelques périodes de discontinuité : Caveau de Crébillon père (1729-1739), Caveau de Crébillon fils (1762-1777), Diners du Vaudeville (1796-1801), Caveau moderne (1805-1815), Soupers de Momus (1815-1825), Réveil du Caveau (1825-1827), Les Enfants du Caveau (1834-1837), Le Caveau (1837-1915 ), Le Caveau (de l'entre-deux guerres) (1919-1939). Cette pérennité exceptionnelle du caveau s'explique par le fait que ses réunions satisfaisaient à la fois trois grandes tendances françaises : goût de la chanson, goût de la table et du vin, goût de la convivialité. Par ailleurs, le Caveau joua un rôle important dans l'histoire de la création collective : d’une part ses membres collaboraient souvent pour produire "en société" des œuvres diverses (opéras comiques, opéras, comédies, parodies vaudevilles, romans, etc. ); d'autre part tous s'efforçaient d'améliorer, par une critique sincère et constructive, les œuvres personnelles de chacun, lues en cours de rédaction. Parmi les membres les plus notoires citons : Piron, Pannard, Gallet, Colle, Crébillon, Rameau, Saurin, Boucher, Duclos, Helvetius, Marmontel, Laujon, Piis
This thesis tells the history of the Caveau, a society of poet-song writers and singers, founded in 1729, Saint-Germain des Prés, Paris; by Piron, Colle, Gallet, Pannard and the two Crébillon. This society existed with a few interruptions until the beginning of the Second World War through different periods and under diverse avatars. The exceptional longevity ty of the Caveau is explained by the fact that these reunions satisfied three French traits: the love of song, food and wine, and companionship. The Caveau also played an important role in the creation of collective literature. On one side, its members often collaborated collectively in the creation of different works (operas, parodies, comedies, vaudevilles, novels, etc. ). On the other side, each member by constructive and sincere criticisms, helped improve the works of the others in collective readings. Amongst the most notorious members Piron, Pannard, Colle, Crébillon, Helvetius Rameau, Boucher, Marmontel, Laujon, Segur, Desaugiers, Beranger, Charles Nodier, Jules Janin, Gustave Nadaud, Pierre Dupont, Xavier Privas. More than twelve thousand songs were sung at the Caveau over its two centuries of existence and their written music are conserved in the "Clé du Caveau"

Ce travail a pour objet l'étude des phénomènes de plurilinguisme dans la chanson française contemporaine. À travers son intermédialité et son oralité, la chanson met en avant les caractéristiques sonores des langues. Elle offre de nombreuses possibilités d'exploiter la diversité de ces dernières sur le plan esthétique. En même temps, cette diversité des langues renvoie elle-même à la diversité culturelle. La chanson plurilingue est entendue comme un support priviligié pour exprimer, construire ou symboliser les multiples dynamismes dans les processus identitaires inter et transculturels. Ces fonctionnements culutrels et identitaires de la chanson multilingue sont mis en avant à travers une approche thématique, notamment dans les parties analytiques. À l'aide d'exemples choisis, cette étude dresse un panorama des différentes formes, fonctions et thèmes de la chanson plurilingue contemporaine.

Du 17ème au 20ème siècle, les chansons et cantiques en langue bretonne ont été composés sur timbres, c’est-à-dire sur des airs préexistants, généralement connus du public auquel ils étaient destinés. Les formules désignant ces timbres, précédées de l’expression war don...(sur l’air de…), reprenaient le titre ou l’incipit d’un texte de référence. Le dépouillement des compositions – publiées sur feuilles volantes, recueils, livrets, périodiques ou demeurées à l’état de manuscrits – disséminées dans les bibliothèques publiques et les collections privées a permis d’établir un vaste corpus de plus de 5700 chants comportant ces formules désignatives. L’identification de celles désignées en breton a conduit à la constitution d’un catalogue contenant 873 notices regroupant une ou plusieurs versions musicales du timbre ainsi que l’ensemble des chansons et cantiques retrouvés qui s’y réfèrent. L’analyse de ces timbres, replacés dans leur contexte historique, a également permis, de comprendre selon quels critères ils ont été choisis par les auteurs. C’est donc à travers leur dimension lyrique, rarement étudiée jusqu’à présent, que ce travail souhaite contribuer à une meilleure connaissance des chants profanes et religieux en langue bretonne
From the 17th to the 20th century, songs and hymns in Breton language were often composed to “timbres”, that is to say they were set to pre-existing music already familiar to the public concerned. The formulas naming these timbres, preceded by the expression war don... (to the tune of...), were referring to the title or the incipit of a song. The perusal of compositions – published in broadsides, books, chapbooks, newspapers or in original manuscripts – scattered in public libraries and private collections helped to establish a large corpus of over 5700 songs bearing such formulas. The identification of those written in Breton has led to the constitution of a catalogue containing 873 entries with one or more musical versions of the tunes together with all the songs referring to them. The analysis of these “timbres”, set in their historical context, has likewise helped to clarify the criteria by which they were chosen by the authors. Through exploring and documenting this lyrical dimension, which has rarely been studied so far, this research aims at giving a better understanding of both secular and religious songs in the Breton language

La tradition litteraire d'ogier le danois temoigne d'une longevite exceptionnelle, et d'un corpus particulierement varie. Outre qu'elle a suscite une continuation en decasyllabes et deux remaniements ( en alexandrins puis en prose), la chevalerie osier, chanson de geste du debut du xiiie siecle a inspire plusieurs auteurs, de la fin du moyen age au debut de la renaissance adenet le roi jean d'outremeuse, francois habert), a ete adaptee dans la bibliotheque universelle des romans au xviiie siecle et fait partie du catalogue de la bibliotheque bleue jusqu'a la fin du xixe siecle. L'etude de l'oeuvre permet donc d'interroger le devenir du genre epique apres le moyen age: pourquoi lit-on des textes derives de chansons de geste, comment les ecrit-on? apres avoir determine les conditions de production et de consommation, l'horizon d'attente qu'impliquent es differentes versions, et defini le cadre generique de reference, l'etude s'attache tout d'abord a histoire de la forme epique (structure, procedes litteraires, instance narrative), facteur decisif de la transformation du genre. Dans un deuxieme temps, l'analyse de la thematique des oeuvres permet de mesurer la relative stabilite de la place accordee a la guerre et a la religion, en depit d incertitudes ideologiques croissantes, et malgre le developpement d'un merveilleux d'origine celtique qui ne doit rien a la tradition epique. La derniere partie est consacree a la representation des personnages : l'etude des figures du pouvoir montre que l'interrogation politique portant notamment sur les rapports entre le roi et le heros, son bras arme, demeure un des soucismajeurs de ces textes. Le role nouveau joue par les compagnons du heros, ainsi que l'application partielle de procedes romanesques dans l'elaboration de celui-ci revelent d'autre part les influences qui travaillent le genre, sans pourtant le denaturer completement. Au total, il apparait que c'est precisement le caractere communautaire et patriotique de la legende qui assure la survie de cellefortei'nitt6. ~wres jus(lu'au bout'le texte reste epl(lue~ meme sous une ^ parfois s^srcette pennanence qu1 cause sa perte quand le genre cesse de satisfmre

Le double dit la ressemblance de deux individus qu'il place dans un jeu de miroir. C'est autour de cette idée de miroir que le plan a été construit. En effet, le double se révèle de trois façons : il peut être parfait, imparfait, divergent. La première forme révèle une quasi-identité à travers les différents aspects du portrait physique, moral, social des jumeaux. Toutefois il est certain que la similitude réside dans ce que Dieu a fait, alors que la différence réside dans ce que les hommes ont instauré. La seconde forme est celle des jumeaux univitellins ou bien frères biologiques, demi-frères, frères de lait ou bâtards. Le double imparfait se révèle à travers un partage de l'identique et du dissemblable entre les héros. La fratrie épique ne peut être égalitaire, sinon elle risque d'être meurtrière. La bâtardise est valorisée, étant donné qu 'elle apporte du sang neuf à une société consanguine. Enfin, le double divergent ou complémentaire apparaît au sein des relations familiales, notamment filiale et avunculaire. Le neveu se dévoue à son oncle au point de sacrifier sa vie pour sauver la sienne. Un tel geste, est-il celui du martyr ou un acte suicidaire ? Cette étude a démontré que le récit épique se fonde essentiellement sur deux personnages et non sur un seul et que, dans le substrat de la plupart des chansons de geste, il existe un couple, et, à travers celui-ci, une certaine conception de l'univers héroi͏̈que. La binarité suggère la stabilité de l'univers. Elle constitue la vocation du héros et de son double qui agissent sur trois niveaux : la famille, pays et l'Orient. Le double instaure l'unité, il est là pour rétablir la justice, pour ramener l'ordre dans un monde chaotique. Le double représente la recherche de l'unité perdue
The double tells the resemblance of two individuals whom it places in a play of mirrors. It is structure around this idea of mirrors. Indeed the double appears in three ways : he can be perfect, imperfect or divergent. The first form reveals a quasi-identity through the various aspects of the physical, moral or social portrait of the twins. However, it is certain that similarities lies in what God did, whereas the differences lie in what men established. The second form is that of univitellin twins or biological brothers, half-brothers, foster brothers and bastards. The imperfect double appears through a division of the identical and the dissimilar between the heroes. The epic brotherhood cannot be equalitarian, otherwise it is likely to be fatal. Illegitimacy is valued, since it brings new blood to a consanguineous fellowship. Lastly, the divergent or complementary double appears within family relationships, in particular filial and avuncular. The nephew devotes himself to his uncle to the point of scarifying his own life to save his uncle's. Is such a gesture, that of a martyr, or a suicidal act? This study has shown that the epic narrative is primarily based on two characters rather than a single one, and that, in the substratum of the majority of the Chanson de Geste, there is a couple, and, through it, a certain concept of the heroic universe. The duality implies the stability of the universe. It constitutes the calling of the hero and his double who act on three levels : family, country and the Eastern world. The double establishes unity, he is there to restore justice, to bring back order in a chaotic world. The double represents search fo the lost unity

La notion de nouveauté est centrale lorsque l'on parle de musique monodique médiévale : nombreux sont en effet les genres, dans le corpus sacré, à être fondés non sur un renouvellement musical permanent, mais sur un réemploi d'une méthode antérieure ou contemporaine, cette adaptation étant rendue possible par un "compas" identique. Ce procédé , nommé contrafactum, n'est cependant pas limité au seul domaine liturgique, mais se retrouve également dans la monodie profane des XIIe et XIIIe siècles, de manière particulièrement visible chez les trouvères, où il fut d'ailleurs bien étudié. Le cas des troubadours est plus complexe, en raison de l'aporie des sources notées et des "contrafacta" conservées. Seuls trois nous sont parvenus, bien que les traités théoriques de l'époque affirment sans ambigui͏̈té qu'un certain nombre de genres lyriques pouvaient être fondés sur une reprise mélodique. Dans le "sirventes", notamment, l'emploi de la contrafacture aurait été particulièrement fréquente. Partant des "sirventes" copiés dans les chansonniers notés, nous en proposons donc une analyse poético-musical, mais aussi métrique, afin de vérifier la validité des assertions de ces traités.

L'édition des poèmes de Gautier d'Epinal fait l'objet de notre travail de recherche, dans le but de remplacer la vieille édition de Ugo Lindelöf et Axel Wallensköld, parue en 1901. Après un nouvel examen direct de toute la tradition manuscrite, c'est U (BNF, fr. 20050) qui a été choisi comme manuscrit de base. Parmi les plus anciens chansonniers en langue d'oïl, U est un manuscrit à la structure complexe, se constituant au moins de trois sections principales dont la première, très ancienne, n'est pas postérieure aux années 1240. Dans l'introduction, il est question de la description et de l'analyse du corpus de Gautier d'Epinal à l'intérieur de ces trois sections, ainsi que des rapports avec la tradition des autres chansonniers. Deux paragraphes sont consacrés au problème des attributions et à l'analyse des structures formelles des pièces. Les chansons éditées sont précédées des fiches descriptives donnant tous schémas métriques et musicaux, avec une introduction visant à analyser la tradition textuelle propre à chaque pièce. Les textes sont pourvus d'apparat critique négatif, distribué en deux étages. L'étage supérieur accueillit les fautes ainsi que les variantes significatives, tandis que l'étage inférieur est réservé aux variantes graphiques. Le commentaire vise à repérer les liens les plus remarquables avec la production lyrique des trouvères " classiques " et contemporains à Gautier, tout en ajoutant quelques remarques de caractère grammaticale et stylistique. Chaque pièce est accompagnée des transcriptions des mélodies. Le travail se clôt avec un petit glossaire sélectif des 15 pièces prises en compte
The goal of our research is a new edition of the poems of Gautier d'Epinal to replace the old edition Ugo Lindelöf and Axel Wallensköld, published in 1901. Following a fresh and direct study of the complete manuscript tradition, we chose U as the reference text. Among the most ancient songbooks in langue d'oïl, the structure of the U manuscript is complex, consisting of no less than three principle sections, of which the first is very old, dating no later than the 1240s. The introduction provides a description and analysis of the corpus of Gautier d'Epinal contained in the three sections, as well as situating it with the other songbooks of the tradition. Each song is preceded by a description of the metrical and musical schemas, as well as an introductory analysis of the textual tradition of each piece. The lyrics are provided with a negative critical apparatus, distributed on two levels. The upper level deals with the faults and main variations, while the lower level is dedicated to the graphical variations. The commentary aims to highlight the most notable links with the “classical" trouvères who were Gautier's contemporaries, along with some remaks of a grammatical and stylistic nature. Each piece is accompanied with a transcription of the melodies and the work is concluded with a short, selective glossary of the included 15 pieces

Le XIVe et le XVe siècle ont été particulièrement riches en recherches et en innovations musicales. Ils ont aspiré à une meilleure relation de la musique et du texte et au développement de l'expressivité. Ces conditions - liées à un nouvel intérêt pour la nature dans les arts - ont encouragé la création onomatopéique dans les pièces vocales profanes en Italie et en France. Par le rapport privilégié qu'elle impose entre les notes et les mots et par son caractère expressif, l'onomatopée a contribué à l'évolution du langage musical. La notion d'imitation apparait ici secondaire tant le choix des phonèmes relève de l'arbitraire et d'une convention respectée par tous les compositeurs. Dans les formes madrigalesques italiennes et françaises et dans la chanson au XVIe siècle, la fonction de l'onomatopée est d'abord symbolique, ludique, et correspond à la sensibilité expressive des musiciens de ce temps
The 14th and 16th centuries were particularly rich in musical research and innovation, aspiring to a closer relationship between music and lyrics, and to the development of expression. These conditions - tied to a new interest for nature in the arts - encouraged the onomatopoeic creation in Italian and French profane vocal music. By the privileged relationship it imposes between notes and words and by its expressive character, onomatopoeia contributed to the evolution of musical language. The notion of imitation appears here as being secondary, the selection of the phonemes depending mostly on an arbitrary choice and on a convention respected by all composers. In the 16th century Italian and English madrigal forms and French "chanson", onomatopoeia's function is first of all symbolic, diverting, and corresponds to the expressive sensibilities of the period's musicians

Cette thèse revient d'abord sur l'Histoire de la chanson et de la musique populaires de Bretagne. Vient ensuite une partie consacrée au Mouvement breton allant de la Révolution française aux années 1970. Ces années 1970 marquent un réveil de l'identité bretonne, notamment par la musique et le chant, qui se voient modernisés par divers artistes. Cette " vague bretonne " baisse d'intensité à la fin des années 1970, enchaînant alors sur une décennie plus axée sur le travail en profondeur et la formation d'une nouvelle génération de musiciens. Puis vient une nouvelle période musicale faste au début des années 1990. Celle-ci, fortement médiatisée, va faire connaître à un large public une musique diverse et métissée. Chacune de ces périodes est analysée. Ces recherches, enrichies de nombreux témoignages, permettent au lecteur de saisir les moments clefs de cette musique en marche et de cette chanson d'inspiration populaire, qui constituent une des forces de la culture bretonne contemporaine
First of all this thesis, deals with the History of popular Breton singing and music. Secondly, it deals with a study of the different Breton movements which were more or less active from the French Revolution to the 1970's. These very years witnessed an awakering of the Breton identity, notably through music and songs which had been modernized by several artists. This "Breton wave" almost died down in the late 1970's and was followed by a decade during which much research was achieved and a new generation of musicians was forged. Thirdly, it deals with the new musical revival of the early 1990's. By then this music was widely popularized by the media, so a larger audience discovered this new music, both diverse and also hybrid in many ways. Each one of these eras has been analyzed. This bulk of research, completed by artists statements, allows the reader to grasp the main steps that characterized this popular art, which appear to be the major strengh of contemporary Breton culture

Le travail est consacré au texte de chanson en tant que phénomène. La chanson étant un genre synthétique, les modes de coopération entre ses deux principaux univers, le texte et la musique, sont étudiés, afin de voir quels effets de sens produit leur coexistence. Cela est réalisé sur l’exemple de la chanson française des années 1950-1980 : à l’intérieur de cette période, trois auteurs (Serge Gainsbourg, Boby Lapointe, Nino Ferrer) ont été choisis, dont la similitude des styles permet de les regrouper sous la même appellation de « chanson formaliste ». Ce type de chanson affiche un intérêt particulier pour les jeux linguistiques (calembours, allitérations) et autres procédés rhétoriques ou ludiques (pastiches, parodies) et met en œuvre une intertextualité riche. Ce caractère est souvent paradoxal, car la musique, qui dicte des contraintes comparables à l’état du vers français à l’époque métrique, gomme certains de ces effets formels, et le genre chanson en général tolère mal les jeux linguistiques complexes. Le statut problématique du texte de chanson est lié au fait que, techniquement, il ne diffère guère du poème et peut être mis dans le même contexte culturel (notamment en étant publié ou récité), alors que son mode de fonctionnement n’est pas le même. L’analyse des textes de la chanson formaliste révèle que si les procédés utilisés par Gainsbourg, Lapointe et Ferrer existent aussi dans la poésie, le texte de chanson possède des caractéristiques qui lui sont propres, notamment un rapport nécessaire avec les autres éléments de la chanson (la musique, la performance), ainsi que la linéarité temporelle
The thesis studies song lyrics as a concept. As the song is a synthetic genre, the modes of interaction between its two main domains, words and music, are studied, along with the effects of their coexistence. The example used it that of the French chanson of the 1950s – 1980s. Within this period, the study focuses on three authors (Serge Gainsbourg, Boby Lapointe, Nino Ferrer), whose songs, on account of their stylistic similarities, can be considered examples of the “formalist chanson”. This type of chanson prefers linguistic play (puns, alliteration) and other rhetorical or play-oriented devices (pastiche, parody), and makes heavy use of intertextuality. This is often a paradox, as music, as it entails constraints comparable to those of metric poetry, often minimizes formal effect; indeed, the genre of chanson in general is ill-suited to complex wordplay. The song lyric is problematic because whereas it is technically identical to the poem, and can also be put in the same cultural context (in particular, by being published or read aloud), the principles of its functioning are not the same. The analysis of “formalist chanson” lyrics reveals that while the devices used by Gainsbourg, Ferrer and Lapointe can also be found in poetry, the song lyric nonetheless possesses distinguishing features: in particular its dependency on the other elements of the song (music and performance), but also its temporal linearity

Cette thèse s’intéresse particulièrement à une pratique patrimoniale : le tissage berbère. Et précisément, à la relation qui unit la poésie chantée au tissage. Son propos pose des questions d'ordre épistémologique. Faisant de sorte qu'une étude ethnographique basée sur l'enquête du terrain, alimente une réflexion poïétique et esthétique. Cette perspective favorise l'accès à la construction de la connaissance à partir de l'expérience sur un terrain spécifique, imprégné dans la culture berbère. Elle ouvre notamment la voie à la découverte des matériaux qui enrichiront l'invention d'une pratique contemporaine. Ainsi, la recherche se déploie sur quatre axes : Le premier expose la singularité du terrain et de la méthode empruntée pour y accéder et dépasser sa résistance. Le second étudie toute la genèse créatrice d'une œuvre tissée et permet de connaitre le linéament de son processus opératoires, révélant la complexité de cette pratique. Le troisième étudie la spécificité de la poésie berbère accompagnant le tissage et expose le travail et les jeux qui la produisent. Enfin, le quatrième axe où la recherche prend un tournant réflexif pour aborder la singularité de la recherche création d'une plasticienne
This thesis is particularly interested in heritage practice: Berber weaving. And specifically, the relationship that unites the poetry sung to weaving. Raises questions about its epistemological. Doing so based on an ethnographic survey of the land, feeds a reflection poetics and aesthetics. This perspective promotes access to the construction of knowledge from experience in a specific area, steeped in Berber culture. It opens the way for including the discovery of materials that will enrich the invention of a contemporary practice. Thus, the research unfolds in four areas: The first focuses on the uniqueness of the land and borrowed the method to access and overcome resistance. The second study all the creative genesis of a work-woven and can know the lineament of its business processes, revealing the complexity of the practice. The third studies the specificity of Berber poetry weaving and accompanying exhibits the work and games that produce it. In the end, the fourth axis where the research takes a reflexive turn to address the uniqueness of the creation of a visual search

Cinq analyses sur l'espace et les décors dans l'épopée (la chanson de Roland, la chanson de Guillaume, la chanson d'Aspremont) et le roman (le roman de Thebes, les Lais de Marie de France) au 12eme siècle, qui s'attachent à l'étude de l'espace représenté - les décors - et à la façon dont il l'est - la "poétique" (qui recouvre tout autant les procédés rhétoriques ou la description formulaire épique que la structure même du chant épique et du texte romanesque). Sont ainsi étudiés les décors extérieurs : la nature, la ville, les champs de bataille, et intérieurs : la cour royale, le cadre architectural, mais aussi le degré de vraisemblance avec lequel les auteurs font évoluer leurs personnages dans les paysages (expression de leurs points de vue, de leur perception spatiale) et surtout les implications esthétiques, idéologiques, intertextuelles de ces décors : le traitement de la lumière; l'expression de l'horreur et du sacre dans l'épopée; les différentes représentations de la royauté; la signification profonde de mises en scène éminemment symboliques
Here are five analyses of space and settings in epic (the chanson de Roland, the chanson de Guillaume, the chanson d'Aspremont) and novel (the roman de Thebes, the Lais of Marie de France) in 12th century; they concern the study of depicted space - settings - and the way it is really depicted - "poetic" (which at once covers rhetorical pro- cesses or epic description, based on obvious phrases, and the structure itself of epic canto and novelistic text). So, outer settings are studied : nature, town, battlefields, and inner settings : the court, architectural surroundings, and also the plausibility stage the authors use to make their characters live in landscapes (expression of their points of view, of their spatial perception) and above all aesthetic, ideological, intertextual implications of these settings : the treatment of light; the expression of horror and sacred in epic; the different representations of kingship and power; the deep significance of emmently symbolical productions

La thèse examine l'une des principales valeurs courtoises,"joven",à travers l'analyse de plus de 300 occurences du terme, relevées dans l'oeuvre des troubadours et trouvères des XIIe et XIIIe siècles. Une étude systématique, qui repose sur un certain nombre de critères établis au cours du dépouillement (genre littéraire, entourage sémantique, place par rapport à la rime,présence ou absence de déterminants, valeur accordée au mot par le poète) a permis de mettre en lumière une évolution nette dans les conditions d'emploi de "joven" et les valeurs sémantiques qui lui sont accordées au cours de cent cinquante années de poésie courtoise. Alors que chez les premiers troubadours l'emploi de ce terme est soumis à des règles très strictes et qu'il n'est jamais utilisé avec une valeur obvié, la mise en place au XIIIe siècle d'un nouveau système des valeurs consécutif à l'essor de la bourgeoisie marchande correspond à une modification du rôle que jouaient les vertus courtoises en poésie et à la perte progressive de la spécificité de "joven" et de sa valeur d'appel. "Joven", terme-clé de la littérature courtoise, s'éteint avec elle
The thesis examines one of the main courtly values, "joven", through the analyses of more than three hundred occurences of the term, as they were found in the works of the troubadours and trouvères of the twelfth and thirtheenth centuries. .

Il s'agit d'étudier globalement, en détail, d'apprécier et de faire connaître une épopée trop longtemps marginalisée, voire méprisée. La perspective d'ensemble est structurale et tient le texte pour un tissu, un système synthétique, signifiant, d'images et de représentations. La première partie veut retrouver, depuis l'époque carolingienne de la Bretagne jusqu'à celle de la composition (vers 1 196-1200), mais aussi à travers la légende épique des bretons, les éléments d'une interprétation historique et politique d'ensemble du poème et esquisser les étapes de sa genèse. Les vikings, Roland et Salomon, la métropole de dol, les Plantagenets et Philippe Auguste sont fondus dans un système cohérent qui vise à construire l'image d'un pays uni et autonome: d'anciennes structures font résurgence pour raconter le présent et rêver l'avenir. La deuxième partie examine la technique littéraire du genre : l'étude presque exhaustive des types de vers, des laisses (longues, mais très structurées), des stéréotypes de pensée et d'expression, permet d'évaluer et la conformité à la tradition épique (i. E. Lyrique) d'une œuvre soupçonnée d'inauthenticité et la souplesse singulière avec laquelle son auteur joue de cette tradition pour imposer sa poétique et son imaginaire propres, "bretonnants". La troisième partie, centrée sur la mise en œuvre narrative du thème religieux (miracles de Charles?), étudie le cadre à la fois réaliste et merveilleux du récit et surtout met au jour sa configuration actantielle: la gloire des francs y est diminuée au profit de celle d'Ysore, archevêque et chef des bretons. L'analyse spirituelle et morale (notamment celle des microtextes folkloriques et hagiographiques) révèle une idéologie marquée par le contemptus mundi et permet d'ébaucher une lecture mythique: les "perspectives" de la conclusion dessinent un programme de recherche. Aiquin, chanson très riche, plus originale que marginale, doit être réintégrée dans le corpus classique de l'épopée française.

Ce travail est un travail d'ensemble sur la littérature chevaleresque hispanique. Masse de livres considérable par le nombre de ses lecteurs et par durée de son succès. Les cinq premiers chapitres rappellent les racines médiévales de ces narrations nées à l'ombre des romans français (matière antique et bretonne) ; puis sont étudiées la présence du vers dans la prose romanesque au long de la trajectoire de la littérature chevaleresque (chap. VI à VIII) et les stratégies narratives utilisées par les romanciers pour donner à leurs fictions la couleur de la vérité historique (chap. IX à XVII). On peut conclure au conservatisme profond des romanciers mais aussi à leur capacité de renouvellement : ils usent avec liberté des thèmes et des formes, refusant de codifier par des règles le genre qu'ils cultivent : ainsi les "libros de caballerias" ouvrent la voie à un nouveau roman qui prendra son véritable sens avec l'invention cervantine. Sans eux, sans le travail de leurs auteurs, le roman moderne n'eut pas été le même et il faut déplorer le long et injuste discrédit qui s'attache au genre depuis plus de deux siècles. Une annexe sur la question de l'Amadis complète et précise l'étude de certains des aspects de la production chevaleresque évoqués dans le corps de la thèse
This is a comprehensive study of chivalric literature in Spain from its medieval beginnings up to its last specimens published around 1600. .

Cette etude rend compte de la facon dont la pop muisc apparue en grande-bretagne au debut des annees soixante a marque son epoque en revelant les preoccupations et ideaux des jeunes du babyboom et comment elle a influence a long terme les pratiques culturelles et les mentalites des britanniques en contribuant a la creation d'une culture rock actuelle. La periode etudiee couvre une douzaine d'annees comprises entre le debut du phenomene beatles (1963) et l'apparition du phenomene punk (1975). La premiere partie rappelle brievement la situation economique, sociale et demographique de la grande-bretagne au debut des annees soixante et les traditions musicales populaires en grande-bretagne et leur evolution sous l'influence du rock and roll americain a la fin des annees cinquante. La deuxiemepartie dresse l'inventaire des differents styles de chansons et musiques apparues et developpees au cours de la periode etudiee. Elle montre la diversite des gouts du public britannique, revelee par l'examen des classements des meilleures ventes de disques. Elle analyse le role des media audiovisuels dans le developpement de la pop music et de l'evolution de ses rapports avec la musique populairetraditionnelle. La troisieme partie montre les influences mutuelles entre pop music, rock, et d'autres formes d'expression culturelle, en particulier les arts graphiques. L'etude de la presse de qualite de l'epoque revele la reaction de la culture de la societe etablie face a la nouvelle culture musicale et a l'evolution des moeurs des jeunes ainsi que la facon dont la culture dominante a assimile certains aspects de la culture pop de facon durable.

Le travail est consacré au texte de chanson en tant que phénomène. La chanson étant un genre synthétique, les modes de coopération entre ses deux principaux univers, le texte et la musique, sont étudiés, afin de voir quels effets de sens produit leur coexistence. Cela est réalisé sur l’exemple de la chanson française des années 1950-1980 : à l’intérieur de cette période, trois auteurs (Serge Gainsbourg, Boby Lapointe, Nino Ferrer) ont été choisis, dont la similitude des styles permet de les regrouper sous la même appellation de « chanson formaliste ». Ce type de chanson affiche un intérêt particulier pour les jeux linguistiques (calembours, allitérations) et autres procédés rhétoriques ou ludiques (pastiches, parodies) et met en œuvre une intertextualité riche. Ce caractère est souvent paradoxal, car la musique, qui dicte des contraintes comparables à l’état du vers français à l’époque métrique, gomme certains de ces effets formels, et le genre chanson en général tolère mal les jeux linguistiques complexes. Le statut problématique du texte de chanson est lié au fait que, techniquement, il ne diffère guère du poème et peut être mis dans le même contexte culturel (notamment en étant publié ou récité), alors que son mode de fonctionnement n’est pas le même. L’analyse des textes de la chanson formaliste révèle que si les procédés utilisés par Gainsbourg, Lapointe et Ferrer existent aussi dans la poésie, le texte de chanson possède des caractéristiques qui lui sont propres, notamment un rapport nécessaire avec les autres éléments de la chanson (la musique, la performance), ainsi que la linéarité temporelle
The thesis studies song lyrics as a concept. As the song is a synthetic genre, the modes of interaction between its two main domains, words and music, are studied, along with the effects of their coexistence. The example used it that of the French chanson of the 1950s – 1980s. Within this period, the study focuses on three authors (Serge Gainsbourg, Boby Lapointe, Nino Ferrer), whose songs, on account of their stylistic similarities, can be considered examples of the “formalist chanson”. This type of chanson prefers linguistic play (puns, alliteration) and other rhetorical or play-oriented devices (pastiche, parody), and makes heavy use of intertextuality. This is often a paradox, as music, as it entails constraints comparable to those of metric poetry, often minimizes formal effect; indeed, the genre of chanson in general is ill-suited to complex wordplay. The song lyric is problematic because whereas it is technically identical to the poem, and can also be put in the same cultural context (in particular, by being published or read aloud), the principles of its functioning are not the same. The analysis of “formalist chanson” lyrics reveals that while the devices used by Gainsbourg, Ferrer and Lapointe can also be found in poetry, the song lyric nonetheless possesses distinguishing features: in particular its dependency on the other elements of the song (music and performance), but also its temporal linearity

Cette thèse explore les liens entre le country-western produit au Québec entre 1942 et 1957 et la modernité populaire. À l’aide de l’analyse musicale et de l’histoire, ce travail de recherche tente de cerner la signification culturelle du genre au moment de son émergence. L’histoire du country-western débute au Québec avec le soldat Roland Lebrun, qui amorce en 1942 sa carrière sur disque. Il sera suivi de Paul Brunelle, de Marcel Martel et de Willie Lamothe, qui enregistrent chez l’une ou l’autre des deux compagnies généralistes établies à Montréal pendant les années 1940, Compo et RCA Victor. À mesure que le genre se structure, notamment grâce à la fondation de compagnies de disques spécialisées à partir de 1958, un discours sur l’authenticité du country-western se développe chez les artistes et leurs observateurs. Fondée sur une valorisation a posteriori des conditions qui caractérisent la période d’émergence du genre, qui s’étend de 1942 à 1957, l’authenticité insiste sur la continuité et la tradition. Ce discours, présent dès le milieu des années 1960, masque les aspects les plus modernes d’un genre qui, au moment où il émerge, n’est pas explicitement porteur de valeurs traditionnelles ou conservatrices. La voix country-western constitue un premier indice de modernité. La chanson country-western québécoise des années 1940 et 1950 structure dans un cadre musical des modificateurs paralinguistiques dont les deux plus caractéristiques, d’un point de vue générique, sont la nasalisation et le second mode de phonation. Véhicules de l’expressivité vocale, ces deux modificateurs du timbre sont coordonnés avec les paroles des chansons et avec la variation de paramètres musicaux, technologiques et phonétiques. Ils contribuent à la construction d’èthos spécifiques comme la tristesse, la solitude, la plainte et l’exubérance, et conservent dans le contexte discursif constitué par les enregistrements la signification expressive qu’on leur attribue dans la parole spontanée. C’est donc la voix parlée, quotidienne et ordinaire, qui fournit à l’auditeur le code culturel lui permettant d’en interpréter la signification. En ce sens, la chanson country-western incarne une certaine modernité populaire, redevable au code de la langue vulgaire partagée par le plus grand nombre. La modernité du country-western est aussi apparente dans sa popularité, qui se réalise à la fois dans son succès comme objet de consommation et dans sa proximité avec le public qui en détermine en partie le développement. Son recours particulier à la technologie, qui contribue à la création d’effets de spatialisation mais surtout à la mise en scène de l’intimité, le rattache aussi à la modernité. Enfin, le country-western témoigne d’une américanité certaine, assumée, et s’inscrit dans le déplacement du centre de gravité culturel, de l’Europe vers les États-Unis, qui marque la modernité. L’américanité du country-western, liée à ses origines mêmes, se renouvelle à la fin des années 1950 alors que le genre intègre le rock and roll.
Cette thèse explore les liens entre le country-western produit au Québec entre 1942 et 1957 et la modernité populaire. À l’aide de l’analyse musicale et de l’histoire, ce travail de recherche tente de cerner la signification culturelle du genre au moment de son émergence. L’histoire du country-western débute au Québec avec le soldat Roland Lebrun, qui amorce en 1942 sa carrière sur disque. Il sera suivi de Paul Brunelle, de Marcel Martel et de Willie Lamothe, qui enregistrent chez l’une ou l’autre des deux compagnies généralistes établies à Montréal pendant les années 1940, Compo et RCA Victor. À mesure que le genre se structure, notamment grâce à la fondation de compagnies de disques spécialisées à partir de 1958, un discours sur l’authenticité du country-western se développe chez les artistes et leurs observateurs. Fondée sur une valorisation a posteriori des conditions qui caractérisent la période d’émergence du genre, qui s’étend de 1942 à 1957, l’authenticité insiste sur la continuité et la tradition. Ce discours, présent dès le milieu des années 1960, masque les aspects les plus modernes d’un genre qui, au moment où il émerge, n’est pas explicitement porteur de valeurs traditionnelles ou conservatrices. La voix country-western constitue un premier indice de modernité. La chanson country-western québécoise des années 1940 et 1950 structure dans un cadre musical des modificateurs paralinguistiques dont les deux plus caractéristiques, d’un point de vue générique, sont la nasalisation et le second mode de phonation. Véhicules de l’expressivité vocale, ces deux modificateurs du timbre sont coordonnés avec les paroles des chansons et avec la variation de paramètres musicaux, technologiques et phonétiques. Ils contribuent à la construction d’èthos spécifiques comme la tristesse, la solitude, la plainte et l’exubérance, et conservent dans le contexte discursif constitué par les enregistrements la signification expressive qu’on leur attribue dans la parole spontanée. C’est donc la voix parlée, quotidienne et ordinaire, qui fournit à l’auditeur le code culturel lui permettant d’en interpréter la signification. En ce sens, la chanson country-western incarne une certaine modernité populaire, redevable au code de la langue vulgaire partagée par le plus grand nombre. La modernité du country-western est aussi apparente dans sa popularité, qui se réalise à la fois dans son succès comme objet de consommation et dans sa proximité avec le public qui en détermine en partie le développement. Son recours particulier à la technologie, qui contribue à la création d’effets de spatialisation mais surtout à la mise en scène de l’intimité, le rattache aussi à la modernité. Enfin, le country-western témoigne d’une américanité certaine, assumée, et s’inscrit dans le déplacement du centre de gravité culturel, de l’Europe vers les États-Unis, qui marque la modernité. L’américanité du country-western, liée à ses origines mêmes, se renouvelle à la fin des années 1950 alors que le genre intègre le rock and roll.
This dissertation examines the relations between country-western music produced in Quebec between 1942 and 1957 and the concept of popular modernity. Drawing together musical and historical analysis, it explores the cultural significance of country-western at the beginning of the genre. The history of country-western music in Quebec began in 1942 when Roland Lebrun recorded his first songs. Paul Brunelle, Marcel Martel and Willie Lamothe soon followed with their own recordings in this style. These amateur singer-songwriters started out with the Compo Company and RCA Victor, the only two record companies who survived in Montreal during the Great Depression. With Rusticana, the first independent label to produce country-western music in 1958, the genre began its structuration and authenticity became a determinant value in country-western music. Continuity is a key concept to understand what Richard Peterson (1997) has called “fabricated authenticity”, which is indeed exemplified in the invented tradition that country-western created, from the 1960s onwards, on the basis of some of the conditions that characterized the first country-western. The discourse on authenticity, however, masks some of the more modern characteristics of the genre at the time of its birth. The country-western singing voice is one example, as artists use a variety of paralinguistic effects like nasalization and second mode of phonation (falsetto) in a way that can be seen as a stylized version of speech. Presenting the same expressive functions, these variations of timbre are coordinated with song lyrics, with musical and technological features, and with phonetic sounds to create symbolic representations of different emotions or èthos. These aesthetics based on everyday speech could be seen as a form of popular modernity: music for the people made by the people, but also for commercial success. Furthermore, country-western music used technology to create intimacy and spatialization effects. Its “américanité” was also marked and renewed when, in 1956 and 1957, country-western singers produced what can be considered some of the first rock'n'roll records in Quebec. These very modern features moderate the usual thesis about country-western’s traditionalism and conservatism.
This dissertation examines the relations between country-western music produced in Quebec between 1942 and 1957 and the concept of popular modernity. Drawing together musical and historical analysis, it explores the cultural significance of country-western at the beginning of the genre. The history of country-western music in Quebec began in 1942 when Roland Lebrun recorded his first songs. Paul Brunelle, Marcel Martel and Willie Lamothe soon followed with their own recordings in this style. These amateur singer-songwriters started out with the Compo Company and RCA Victor, the only two record companies who survived in Montreal during the Great Depression. With Rusticana, the first independent label to produce country-western music in 1958, the genre began its structuration and authenticity became a determinant value in country-western music. Continuity is a key concept to understand what Richard Peterson (1997) has called “fabricated authenticity”, which is indeed exemplified in the invented tradition that country-western created, from the 1960s onwards, on the basis of some of the conditions that characterized the first country-western. The discourse on authenticity, however, masks some of the more modern characteristics of the genre at the time of its birth. The country-western singing voice is one example, as artists use a variety of paralinguistic effects like nasalization and second mode of phonation (falsetto) in a way that can be seen as a stylized version of speech. Presenting the same expressive functions, these variations of timbre are coordinated with song lyrics, with musical and technological features, and with phonetic sounds to create symbolic representations of different emotions or èthos. These aesthetics based on everyday speech could be seen as a form of popular modernity: music for the people made by the people, but also for commercial success. Furthermore, country-western music used technology to create intimacy and spatialization effects. Its “américanité” was also marked and renewed when, in 1956 and 1957, country-western singers produced what can be considered some of the first rock'n'roll records in Quebec. These very modern features moderate the usual thesis about country-western’s traditionalism and conservatism.

La formulation de notre sujet de these "reminiscences mythiques et quete initiatique dans la geste de segou" s'inspire du constat qu'il existe une relation trinitaire et consubstantielle entre le mythe fondateur, le scheme initiatique et la chanson de geste. Nous avons donc cherche a etablir que si les mythes et l'initiation appartiennent au domaine du sacre, hermetique et esoterique, la vocation naturelle de la geste est de les vulgariser pour l'entendement du commun. Nous avons circonscrit notre domaine de recherches sur l'etude de douze episodes transcrits et traduits de la geste de segou, racontes par le griot baba cissoko, le chroniqueur daye baba diallo et l'orchestre choregraphique denomme, ensemble instrumental national du mali. Le choix des recits a ete dicte par la chronologie de l'histoire du royaume bambara de segou, notamment, l'origine et la fondation de l'etat, l'apogee des dynasties kouloubali et diara, les guerres d'annexions territoriales et le declin de la puissance de segou, consecutif a l'irredentisme peul du masina. Notre methodologie, si elle se fonde sur des travaux ethnologiques, historiques et linguistiques, a veille a s'en degager essentiellement par l'analyse et la mise en exergue du phenomene de litterarite, en l'occurrence la manifestation de l'oralite dans le recit epique. Conformement a cette optique, nous avons centre notre etude sur les themes de la parole dans son acception mythique et apologetique de verbe-createur, de la notion du divin dans la cosmogenese bambara, du pouvoir politique et de ses aspects hieratiques et hierarchiques, de l'esprit de vie convivial dans la cite, du sens de l'institution familiale en correlation avec les principes normatifs de l'education, de la morale et de la tradition. Pour ce faire, nous avons echelonne le developpement sur les etapes suivantes : en toile de fond nous avons presente un apercu historique des bambara de segou et du kaarta suivi d'une introduction au pantheon et au sanctuaire bambara, dans le dessein de prouver que les reminiscences mythiques et initiatiques de la geste prennent leur source dans les croyances spirituelles bambara. Nous sommes arrive a la conclusion qu'au travers de l'allegorie de la geste de segou, forme degradee ou degenerescente des mythes cosmogoniques et etiologiques, se lit en filigrane la theologie, la politique, l'ethique et l'esthetique du verbe
The formulation of our subject of thesis "mythical reminiscences and rite initiatory quest in segou's verse chronicle (segou's "geste") is inspired by the observation that a trinitarian and consubstantial relationship exists between the underlying myth, the initiatory schema and the epic poem (la chanson de geste). Therefore, we have tried to establish the fact that, if myths and initiation belongto the domain of the sacred, the abstruse and the esoteric, the natural vocation of the verse chronicle is to popularize them, permitting their understanding by the ordinary man. We have defined the scope of our research domain by the study of twelve episodes, that are transcribed and translated from segou's "geste", and told by the griot baba cissoko, the chronicler daye baba diallo and the choreographic orchestra named "national instrumental group of mali". The choice of those narratives was dictated by the historical chronology of segou's bambara kingdom, and notably, the origin of the state foundation, the pinnacle of kouloubali and diara dynasties, the territorial annexation wars and the decline of segou's power, resulting from macina's fulani "irredentism". Our methodology, based on ethnologic, historical and linguistic works, take care to emerge from those works, essentially by the analysis and the highlighting of literality phenomenon, and, as it happens, the expression of the orality in the epic tales. In accordance with this perspective, we have focused our study on the themes of lyrics in their mythical and apologetic meaning of creative word, of the concept of the divine in bambara's cosmogenesis, of the political power and its hieratic and hierarchical aspects, of the spirit of convivial life in the city, of the family institution in correlation with the normative principles of education, of morality and tradition. To reach this aim, we have spaced out the development on the following steps : in backdrop, we have presented an historical glimpse of segou's and kaarta's bambaras, followed by an introduction of bambara's pantheon and sanctuary, with the intention to prove that the mythical and rite initiatory reminiscences of the "geste" take their source from the bambara's spiritual beliefs. We have got the conclusion that, through the allegory of segou's "geste", a deteriorated or, at least, a degenerative form of cosmogonic and etiological myths

A la fin du XIe siècle, avec le premier troubadour connu Guillaume IX d'Aquitaine, apparaît dans le sud de la France, la fin'amor mettant en scène la dame dont il faut conquérir l'amour et l'amant chantant ses poèmes. Pour rester dans les mémoires, le troubadour devra émouvoir l'auditeur et le convaincre de la pureté de ses sentiments. La valeur d'un troubadour se reconnaît par sa subtilité à mêler le mot et le son et non par les thèmes poétiques abordés qui sont toujours les mêmes. Pour cela, il doit user et maîtriser des paramètres textuels et mélodiques mis à sa disposition afin d'élaborer un chant raffiné. L'étude préliminaire des expressions « trobar » et « faire los motz e•l so » dans la littérature médiévale des XIIe et XIIIe permettra de voir comment le troubadour évoque son art de créer des chansons. L'étude de ce savoir-faire prendra comme point de départ l'analyse d'un corpus central de l'histoire des troubadours. Dans cette période charnière, nous étudierons dix troubadours dont il ne reste qu'une à quatre chansons avec la mélodie. Cette étude suivra deux directions principales : les modes d'élaboration du discours musical et littéraire ainsi que les procédés internes utilisés pour mettre en relief ce discours. Dans un contexte de transmission orale du savoir, nous verrons comment le troubadour peut concevoir et transmettre ses chansons sans écrire et comment la mélodie n'est pas conçue d'une autre manière que le texte. La thèse développe donc une approche des conditions poétiques et des formes rhétoriques du discours inhérent à l'art de trobar susceptible d'approfondir les contours d'une conjonction subtile qui se résume dans l'expression fameuse "faire le mot et le son".

Notre thèse examine la manière dont certaines oeuvres littéraires du XIIe siècle représentent les étrangers. Les chansons de geste mettent en place une série de stéréotypes qui font que l'auditoire est rarement surpris de la représentation des étrangers, qui vient justement combler une attente. Toutefosi, au fur et à mesure que s'avance le siècle, la notion d'étranger se complique en raison d'un double mouvement d'inclusion et d'exclusion: apparaissent ainsi étrangers en voie d'intégration et indigènes en voie de marginalisation. Ceci est parallèle à l'émergence d'un genre littéraire nouveau: le roman, dont tous les personnages sont étrangers. Ils sont dans une certaine mesure types comme des étrangers épiques mais, en tant que précurseurs de la chevalerie médiévale dont se réclame l'auditoire, ils se révèlent surtout des individus particulièrment ambivalents, dont certains connaissent une réelle valorisation
Our thesis examines how some literary works of the twelfth century depict strangers. The chanson de geste set up a series of stereotypes in such a way that the audience is seldom surprised by the protrait given of the strangers, which as a matter of fact must fulfil some expectations. However, throughout the century, the idea of the stranger becomes more complicated because of a two-fold movement of inclusion and exclusion: it outlines strangers in the process of being integrated and natives in the process of being outcast. This happens at the same time as the birth of a new literary genre: the novel in which every character is a stranger. They appear to some extent as strangers of epics but, as forerunners of the medieval chivalry in which the public claims to have its roots, they turn out to be particularly ambivalent individuals, some of whom being really praised

L'étude porte sur deux axes : d'abord la typologie, puis, les fonctions des 40 chants (20 "trovas" et 20 "decimas") qui ont été transcrits pour constituer le corpus. Elle met évidence les liens étroits existant entre le texte, la musique, certaines particularités des chanteurs (la voix, les gestes, les vêtements) et le contexte culturel. La méthodologie adoptée est basée sur des fondements théoriques rencontrés dans le cadre de la musicologie, de la linguistique et de l'anthropologie. L'analyse pluridisciplinaire a été réalisée de façon cumulative, sur les éléments structurels des chants (musique et texte), l'analyse linguistique étant faite au niveau du signifiant et du signifié, dans une approche pragmatique. Pour arriver à examiner d'autres rapports texte-musique nous avons appliqué la méthode d'analyse rythmique combinatoire. Les résultats de la recherche ont montré que les "decimas" ont eu une évolution modérée tandis que les "trovas" se trouvent dans un processus de développement remarquable ayant une pluralité de genres au niveau de la musique et de la versification. Les présentations publiques des duels entre "trovadores" ont montré une très grande cohérence entre les discours verbal, musical et gestuel. Les macro et micro-fonctions des différents discours ont été détectées
The study has two sides : one which concerns the typology and one about the song's functions. 40 songs (20 "trovas" and 20 "decimas") have been written to make our corpus. It emphasizes the close links between the text, the music, some peculiartion of the singers (voice, gesture, aklothes) and the cultural environnement. The methodology adopted is built on theoretical basis from different areas, musicology, linguistic and anthropology. The pluridisciplinary analysis was built as a whole, based on the structural properties of the songs (music and text), the linguistic analysis concerns both the "signfiant" and the "signifié". To be able analysis so:me other aspects between text and music we used the methode d'alysis rytmique cominatorie. The results of the research have that the "decimas" had a slow evoluton. On the contrary, the "trovas" are in a process of large developpment with several types for the music and versification. We found a very important cohesion between, text, music and gesture. The macro and microfonctions of the different types of discourses have been pointed up

Cette thèse de musicologie historique utilise la programmation radiophonique du poste CKAC de Montréal dans l’entre-deux-guerres afin de remettre en question une homogénéité présumée de la chanson folklorisée chez les grandes figures que sont Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré et l’abbé Gadbois. L’analyse proposée se focalise sur les pratiques de la chanson métissées au folklore canadien-français dans les domaines du chant, de la danse et du conte. Cette démarche est combinée à l’identification d’émissions de radio où les artistes ont des pratiques du répertoire en commun. La thèse met ainsi en évidence deux réseaux de collaborations. Le premier réseau d’artistes, les « Lyriques », assez près de L’Heure provinciale à CKAC, favorise des voix de type classique et bénéficie d’un appui de la critique, surtout à la revue La Lyre. On y retrouve notamment Charles Marchand et ses Troubadours de Bytown, le Quatuor Alouette, le Trio lyrique de Lionel Daunais et La Bonne chanson de l’abbé Gadbois. L’esthétique de la chanson des « Lyriques » est tournée vers l’Europe dans une pratique hybride entre opérette et chanson montmartroise, dans l’esprit de Théodore Botrel et de la diseuse Yvette Guilbert. Le deuxième réseau d’artistes est celui des « Veillées », associé de près à la Living Room Furniture à CKAC, en écho aux artistes des Veillées du bon vieux temps de Conrad Gauthier sur la scène du Monument national. En plus de ce dernier, le groupe des « Veillées » rassemble notamment Ovila Légaré, Madame Bolduc, le violoneux Isidore Soucy et une série de comédiens. L’esthétique de la chanson du groupe des « Veillées » est tournée vers les Amériques dans un métissage de théâtre burlesque et d’orchestres de musique de danse instrumentale canadienne-française, jusqu’à un certain point similaires à ceux de jazz swing, de tango et de rumba. Les ensembles identifiés n’étant pas non plus parfaitement homogènes, il ressort enfin des groupes des « Lyriques » et des « Veillées » quelques artistes en marge ou à la croisée des deux esthétiques. Il s’agit d’une part des chanteurs de variétés Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier et Jean Lalonde, qui combinent l’opérette, les chansons américaines et latines. On pense d’autre part au théâtre lyrique de Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau et Gaston Saint-Jacques, qui oscille entre la chanson sur le mode lyrique léger et les sketches dramatiques. Il y a encore un nombre important de petits et grands orchestres qui accompagnent la musique de danse des hôtels, cabarets et théâtres de Montréal. L’insistance sur les pratiques hybrides de la chanson permet au final de nuancer une perception généralement unidimensionnelle des artistes de la chanson à l’époque, Charles Marchand le folkloriste ou Madame Bolduc la turluteuse, par exemple.
Cette thèse de musicologie historique utilise la programmation radiophonique du poste CKAC de Montréal dans l’entre-deux-guerres afin de remettre en question une homogénéité présumée de la chanson folklorisée chez les grandes figures que sont Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré et l’abbé Gadbois. L’analyse proposée se focalise sur les pratiques de la chanson métissées au folklore canadien-français dans les domaines du chant, de la danse et du conte. Cette démarche est combinée à l’identification d’émissions de radio où les artistes ont des pratiques du répertoire en commun. La thèse met ainsi en évidence deux réseaux de collaborations. Le premier réseau d’artistes, les « Lyriques », assez près de L’Heure provinciale à CKAC, favorise des voix de type classique et bénéficie d’un appui de la critique, surtout à la revue La Lyre. On y retrouve notamment Charles Marchand et ses Troubadours de Bytown, le Quatuor Alouette, le Trio lyrique de Lionel Daunais et La Bonne chanson de l’abbé Gadbois. L’esthétique de la chanson des « Lyriques » est tournée vers l’Europe dans une pratique hybride entre opérette et chanson montmartroise, dans l’esprit de Théodore Botrel et de la diseuse Yvette Guilbert. Le deuxième réseau d’artistes est celui des « Veillées », associé de près à la Living Room Furniture à CKAC, en écho aux artistes des Veillées du bon vieux temps de Conrad Gauthier sur la scène du Monument national. En plus de ce dernier, le groupe des « Veillées » rassemble notamment Ovila Légaré, Madame Bolduc, le violoneux Isidore Soucy et une série de comédiens. L’esthétique de la chanson du groupe des « Veillées » est tournée vers les Amériques dans un métissage de théâtre burlesque et d’orchestres de musique de danse instrumentale canadienne-française, jusqu’à un certain point similaires à ceux de jazz swing, de tango et de rumba. Les ensembles identifiés n’étant pas non plus parfaitement homogènes, il ressort enfin des groupes des « Lyriques » et des « Veillées » quelques artistes en marge ou à la croisée des deux esthétiques. Il s’agit d’une part des chanteurs de variétés Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier et Jean Lalonde, qui combinent l’opérette, les chansons américaines et latines. On pense d’autre part au théâtre lyrique de Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau et Gaston Saint-Jacques, qui oscille entre la chanson sur le mode lyrique léger et les sketches dramatiques. Il y a encore un nombre important de petits et grands orchestres qui accompagnent la musique de danse des hôtels, cabarets et théâtres de Montréal. L’insistance sur les pratiques hybrides de la chanson permet au final de nuancer une perception généralement unidimensionnelle des artistes de la chanson à l’époque, Charles Marchand le folkloriste ou Madame Bolduc la turluteuse, par exemple.
This music history thesis studies chanson radio broadcasting at CKAC station in Montreal during the interwar period. The data collected challenges an assumed homogeneity of French Canadian folk-influenced chanson legendary icons such as Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré and priest Charles-Émile Gadbois’ songbook La Bonne chanson. The analysis focuses on chanson influences that meld French Canadian folk music with the performing arts of singing, dancing, and telling tales. The research seeks to point out radio programs where chanson artists share a common repertory. This thesis thus argues that two artist networks coexist. The first network gathers Art Song performers featured on CKAC program L’Heure provinciale. It favours classically trained voices and benefits from the approval of local music critics, especially from magazine La Lyre. This network includes such featured singers as Charles Marchand and the Bytown Troubadours, Quatuor Alouette, Lionel Daunais and his Trio lyrique as well as priest Gadbois’ songbook La Bonne chanson. Chanson æsthetics among Art Song performers is primarily influenced by Europe. The practices blend opera, operetta and Montmartre chanson, in the spirit of Théodore Botrel and French diseuse Yvette Guilbert. The second network is the one of Veillées (Evenings), featured on CKAC program Living Room Furniture. The name itself echoes the fiddle musicians and actors from Conrad Gauthier’s Veillées du Bon Vieux Temps, presented at Monument National. In addition to Monsieur Gauthier, the Veillées network gathers Ovila Légaré, Madame Bolduc, fiddler Isidore Soucy and several actors. Chanson æsthetics of Veillées performers is largely defined by the Americas in a blend of local burlesque comedy and French Canadian fiddle dance music orchestras, similar to those for jazz swing, tango and rumba. Both networks aren’t homogeneous. One finds among Art Song and Veillées artists a few performers standing on the edge of the two æsthetics. A first category features pop romance singers like Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier and Jean Lalonde, combining operetta, American pop songs and Latin rhythms. A second, with Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau and Gaston Saint-Jacques, performs chansons mixing a sweet lyrical tone and drama sketches. A third category gathers all small and large orchestras that perform dance music in Montreal hotels and theaters. In the past, Charles Marchand has usually been depicted in a simple folk performer style. Madame Bolduc has herself been personified as a mere diddling performer during the Stock Market Crash. The thesis focus on cross-pollinating chanson practices enables one to move beyond a general perception that these artists are mostly one-dimensional.
This music history thesis studies chanson radio broadcasting at CKAC station in Montreal during the interwar period. The data collected challenges an assumed homogeneity of French Canadian folk-influenced chanson legendary icons such as Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré and priest Charles-Émile Gadbois’ songbook La Bonne chanson. The analysis focuses on chanson influences that meld French Canadian folk music with the performing arts of singing, dancing, and telling tales. The research seeks to point out radio programs where chanson artists share a common repertory. This thesis thus argues that two artist networks coexist. The first network gathers Art Song performers featured on CKAC program L’Heure provinciale. It favours classically trained voices and benefits from the approval of local music critics, especially from magazine La Lyre. This network includes such featured singers as Charles Marchand and the Bytown Troubadours, Quatuor Alouette, Lionel Daunais and his Trio lyrique as well as priest Gadbois’ songbook La Bonne chanson. Chanson æsthetics among Art Song performers is primarily influenced by Europe. The practices blend opera, operetta and Montmartre chanson, in the spirit of Théodore Botrel and French diseuse Yvette Guilbert. The second network is the one of Veillées (Evenings), featured on CKAC program Living Room Furniture. The name itself echoes the fiddle musicians and actors from Conrad Gauthier’s Veillées du Bon Vieux Temps, presented at Monument National. In addition to Monsieur Gauthier, the Veillées network gathers Ovila Légaré, Madame Bolduc, fiddler Isidore Soucy and several actors. Chanson æsthetics of Veillées performers is largely defined by the Americas in a blend of local burlesque comedy and French Canadian fiddle dance music orchestras, similar to those for jazz swing, tango and rumba. Both networks aren’t homogeneous. One finds among Art Song and Veillées artists a few performers standing on the edge of the two æsthetics. A first category features pop romance singers like Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier and Jean Lalonde, combining operetta, American pop songs and Latin rhythms. A second, with Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau and Gaston Saint-Jacques, performs chansons mixing a sweet lyrical tone and drama sketches. A third category gathers all small and large orchestras that perform dance music in Montreal hotels and theaters. In the past, Charles Marchand has usually been depicted in a simple folk performer style. Madame Bolduc has herself been personified as a mere diddling performer during the Stock Market Crash. The thesis focus on cross-pollinating chanson practices enables one to move beyond a general perception that these artists are mostly one-dimensional.

Parmi les courants en vogue au cours des dernieres decennies, la "nouvelle chanson" acquiert un cachet tout particulier en catalogne. Elle y fleurit comme un reflexe contre la repression politique toujours en vigueur a la suite de la guerre civile, et elle s'y inscrit dans un contexte culturel et social. Apres une ebauche historique de la chanson en catalogne, nous analysons les figures les plus representatives de la "nova canco". Les "setze jutges" sont les pionniers de ce mouvement. A travers l'analyse sommaire de leurs textes, nous decouvrons deja des messages pleins de revendications. L'analyse plus detaillee de l'oeuvre du leader raimon, d'un francesc pi de la serra anticonformiste, d'un joan manuel serrat lyrique, d'une maria del mar bonet melancolique, d'un lluis llach rebelle, et d'un ovidi montllor anticapitaliste, rend temoignage d'un engagement politique, d'une critique sociale, d'une defense de la langue et de la culture catalanes, de la prise de conscience de l'homme dans le temps, mais aussi de la decouverte de son individualite. Les textes des "cantautors" temoignent de la sorte d'une protestation individuelle qui cherche a s'amplifier dans un mouvement collectif. Les themes-cles du passe, de la terre, de la nuit, de l'esperance-themes qui traduisent un pessimisme certain propre au caractere catalan-, les messages de futur et de cheminement (symbole d'une croisade interieure, d'une connaissance de soi), qui acquierent egalement un sens particulier dans le contexte catalan, l'intention d'etre une demythification dans une societe aveugle, et les techniques de contraste et d'ironie, sont autant d'elements qui contribuent a cacheter cette poesie de typiquement catalane, a voir dans les cantautors des educateurs qui reveillent les consciences endormies et a considerer cette nova canco comme une nouvelle reaffirmation d'un peuple
Among the prevailing currents during the last few decades the 'new song' has a very special flavour in catalonia. It has grown up as a reaction to the continuing political repression in the wake of the civil war, to which it is closely related in a specific cultural and social context. After a historical outline of the song in catalonia the most representative figures of the 'nova canco' are analysed. The 'setze jutges' are the pioneers of this movement. A brief analysis of their texts already leads to the discovery of messages full of demands. A more detailed analysis of the work of the leader raimon, of the anti-conformist francesc pi de la serra, of the lyrical joan manuel serrat, of the melancholy maria del mar bonet, of the rebel lluis llach, of the anti-capitalist ovidi montllor reveals statements of political commitment, of social criticism, of defense of the catalan language and literature, of the awareness of man in time, but also of the discovery of his individuality. The texts of the 'cantautors' are evidence of individual protest widening its scope within the framework of a collective movement. The keythemes of the past, of the soil, of the night, of hope - reflecting a kind of pessimism typical of the catalan character -, the messages of the future and of development (the symbols of an interior crusade and of self-knowledge) are given a special interpretation in the catalan context. These themes, together with the intention of demystification in a blind society and with the techni- ques of contrast and irony, are all elements that contribute to the specifi- cally catalan character of this poetry. They give the cantautors the role of educators waking up sleeping consciences and justify the interpretation of this nova canco as a reaffirmation of a people

L’Histoire des Albigeois, mieux connue sous le nom de mise en prose de la Chanson de la croisade contre les Albigeois, est une œuvre dont la critique littéraire s’est très peu occupée. Le texte, dans sa Rédaction 1 (précédemment Rédaction L), cœur de ce travail, a été transmis par trois témoins qui ont été rédigés entre le XVIe et le XVIIe siècle: P (Paris, Bibliothèque Nationale de France, fr. 4975), C (Carpentras, Bibliothèque Municipale Inguimbertine, 1829) qui présente une lacune textuelle que l'on retrouve aussi dans P, et, enfin, T (Toulouse, Bibliothèque Municipale de Toulouse, ms. 608), l’unique témoin complet ; en outre, on connaît aussi une Rédaction 2, transmise par le manuscrit Me, conservé dans le château de Merville : cette rédaction a fait l’objet d’une étude par Dirk Hoekstra en 1998. La Rédaction1, à son tour, contient deux sous-rédactions : la première est la dite Rédaction 1 Longue (ms. P, C) ; la deuxième, c'est-à-dire la Rédaction 1 Brève (T), qui est un dérivé de la première. Celle-ci abrège considérablement le texte en prose, en faisant tomber particulièrement les répétitions superflues (sujets, adjectifs etc.), sans éliminer aucun des éléments nécessaires au bon déroulement du récit. La langue de l’Histoire est l’occitan écrit du XVe siècle, qui présente des influences latines et françaises. Si d’un côté la région de provenance du texte est le Languedoc oriental, plus précisément une zone comprise entre la partie Est du Toulousain, le Quercy, le Rouergue, l’Albigeois et une partie de l’Hérault, le texte présente aussi des traces externes à ce périmètre, renvoyant à la région alpine proche du Piémont, mais aussi à la péninsule ibérique. L’influence linguistique du latin, la référence dans l’incipit au Codex Iuris Civilis, la circulation de la prose dans le milieu des juristes du Parlement de Toulouse (on en trouve des indices dans les notes de possession des manuscrits), l’intention informative qui prévaut sur l’intention littéraire à travers le style adopté : il s’agit là d’une série d’indices qui nous conduit à considérer l’Histoire des Albigeois comme un livre d’histoire, écrit par son auteur anonyme pour ses contemporains à une époque désormais éloignée des faits, un livre dans lequel l’avis sur les protagonistes des événements (croisés, alliés du Midi, clergé) est impartial et ne fait exception que pour Folquet de Marseille, à l’époque évêque de Toulouse et l’ennemi juré des cathares, représenté de manière extrêmement négative
The Histoire des Albigeois (The Albigesian History), better known as the prosification of the Chanson de la croisade contres les Albigeois, is a text ignored by the literary criticism. The text, in its Version 1 (known before as Version L), which is the subject of this dissertation, was transmitted by three manuscripts between the 16th and 17th centuries. These are: P (Paris, Bibliothèque Nationale de France, fr. 4975), C (Carpentras, Bibliothèque Municipale Inguimbertine, 1829) with the same gap of the precedent codex, and T (Toulouse, Bibliothèque Municipale de Toulouse, ms. 608), the only complete manuscript. In addition, there is also the Rédaction 2, transmitted by the manuscript marked Me and preserved in the Merville’s château. This latter version was edited by Dirk Hoekstra in 1998. The Version 1, in turn, collects two sub-versions: the first one is Version 1 Long (P, C), from which the second one derives, i.e. Version 1 Short (T), that considerably shortens the text, by removing the repetitions (subjects, adjectives etc.) but preserving every element necessary for the storytelling. The Histoire‘s language is the XV century occitan, far from the Troubabours’ language of the 12th and 13th centuries and displaying some Latin and French influences. The origin of the text is to be located in the East Languedoc, especially the East Toulousain, Quercy, Rouergue, Albigeois and Hérault. In addition, the text offers others linguistics elementes, related to Eastern Alps and Spain. The Latin influence, the quote from the Codex Iuris Civilis, the intellectual context depicted by the jurists of the Toulouse’s parliament, the information purpose: these are the elements that lead us to consider the Histoire a book of history written by an anonymous author for his contemporaries. In this book, all main characters (crusaders, southern allies and clerics) are judged the same positive way, with the only exception of Folquet de Marseille, bishop of Toulouse, represented in a negative way

Cette étude est consacrée à une chanson de geste tardive, longue de 23361 alexandrins, qui clôt le petit cycle épique de Nanteuil. La première partie de l'ouvrage s'attache aux structures narratives : les liens entre cette chanson, la geste de Nanteuil et l'ensemble de la tradition épique sont précisés ; puis le poème est analysé dans ses structures spatiales, temporelles et narratives. La deuxième partie répertorie les procédés propres à l'écriture épique traditionnelle, notamment le rôle de la laisse, les motifs stéréotypés, les formules, et souligne les éléments d'évolution. Enfin, la troisième partie est centrée sur le renouvellement thématique de l'épopée tardive, à travers les figures du héros, de l'androgyne et du saint ; la veine hagiographique, la rémanence du schéma oedipien conduisent à une interprétation de l'imaginaire épique, qui unifie résurgence mythique et inspiration théologique.

Littérature profane en langue vulgaire, la chanson de geste entretient des liens privilégiés avec le sacré, aux yeux des médiévaux eux-mêmes. Littérature épique - profane - et littérature hagiographique partagent non seulement des sources communes, mais également une fonction sociale: célébrer la mémoire de la communauté pour donner sens et légitimité à son action présente
Chanson de geste is secular literature in vernacular language, however it has close links with the sacred, in the eyes of medievals themselves. Secular epic literature and hagiographic literature share not only common sources, but also a social function: the celebration of the community's memory, to give meaning and legitimacy to its present action

François-Marie Luzel (1821-1895) est le folkloriste qui a fait la collecte la plus importante en Basse-Bretagne, tant dans le domaine du conte que du théâtre populaire et de la chanson. Une grande partie de son oeuvre était restée inédite depuis un siècle et il n'existait ni biographie, ni bibliographie, ni inventaire des archives de Luzel. Ce doctorat sur travaux a d'abord pour but de présenter l'édition méthodique en 24 volumes actuellement en cours et de faire le bilan du travail effectué alors que 12 volumes ont déjà paru : exposer les buts poursuivis, la méthode adoptée, les erreurs à corriger et les travaux à envisager pour les volumes suivants. Cette édition s'appuyant sur des travaux préparatoires et complémentaires indispensables, le second but de cette thèse a été de donner une biographie, une bibliographie, un archivage et un classement informatique offrant une synthèse des connaissances acquises. Enfin le troisième but poursuivi a été de situer cette édition dans une perspective historique, de manière à rendre compte, d'une part, des raisons pour lesquelles les oeuvres de Luzel n'avaient pas pu faire l'objet d'une édition cohérente depuis un siècle et, d'autre part, de l'opposition à laquelle cette édition s'est heurtée de la part des milieux nationalistes bretons. Il semble en conclusion que l'intérêt de cette édition soit d'ouvrir sur une analyse de la rhétorique nationaliste
The @folklorist François-Marie Luzel (1821-1895) is known for having put together the largest existing collection of West Breton folktales, popular dramas and folksongs. Nonetheless, for ever a century, his work remained largely unpublished and ignored by researchers, and a biography, bibliography and catalogue of his archives had yet to be done. This thesis aims first and foremost to provide an overview of the publication project, now in progress, of a 24-volume methodical edition of Luzel's works, and -now that 12 volumes have been completed - to give a detailed account of what has been so far achieved : this includes explaining the purpose of this publication, describing its approach, pointing out omissions and planning the contents and order of publication of the remaining volumes. This edition being necessarily based on preliminary and complementary research, the second aim of this thesis is to provide a synthesis of all existing knowledge on the subject, thanks to a biography, a bibliography, a catalogue of archives and a computerized classification of Luzel's works. The third aim of this thesis is to place this edition within a historical context. Indeee, it had to be explained on one hand why, during the past century, it had been consistently impossible to prepare a methodical edition of Luzel's works, and on the other, why the Breton nationalists were opposed to this edition. In conclusion, the principal interest of this publication seems to be the opportunity it provides to study nationalist rhetoric

La sevdalinka, chanson traditionnelle bosnienne, fonctionne comme une représentation identitaire. À travers son contenu poético-littéraire et sa constitution musicale, elle raconte l’histoire d’un peuple, des points de vue historique, politique et socioculturel. Au fil du temps elle a su conserver, dans l’œil des membres de la culture au sein de laquelle elle s’exprime, l’essentiel de son rôle, soit la préservation de cette culture, malgré les développements historiques, changements politiques et modifications socioculturelles. Ce processus de préservation se reflète à travers les fondements de la musique en question étant « la dignité » et « l’équilibre ». Ces derniers se manifestent, tant au niveau poéticolittéraire que musical, respectivement par la nostalgie et la phonostylistique. L’unification de « la dignité » et de « l’équilibre » permet d’atteindre la perception axiologique, qualifiée autrement de la valorisation de la sevdalinka pour son contenu poético-littéraire et musical, sa transmission et sa réception, au point d’être qualifiée d’authentique. Le sevdah est alors atteint, un état de transcendance défini par la contemplation d’un style de vie de sérénité et d’épanouissement émotionnel, de découverte de soi par rapport à soi et aux autres.
Sevdalinka, a Bosnian traditional song, fonctions as a representation of identity. Through its poetical and literary content as well as its musical organization, it narrates the history of Bosnian people, from historical, political and sociocultural perspective. Over time, sevdalinka maintained the essential of its role, the cultural preservation, regardless of the historical developments, political changes and sociocultural modifications. The process of that preservation is reflected through the fundamentals of this music; “dignity” and “balance”. “Dignity” and “balance” are rooted at the poetical and literary levels as well as musical, through nostalgia and phonostylistics respectively. “Dignity” and “balance” are essential in order to achieve an axiological perception, defined by the valorization of the sevdalinka for its poetical and literary as well as musical content, its transmission and reception, to the point of being qualified “authentic”. That is when sevdah is achieved, state of transendance caused by a contemplation of a serene life style and emotional fulfillment, of personal discovery within oneself and within the others

Le premier cycle de la croisade engendre une écriture qui lance l’histoire de la communauté franque en Terre sainte et qui pose les fondements d’une culture par la mise en œuvre d’un système de valeurs et de croyances. Or ce sont les corps des différents personnages mêlés au pèlerinage et aux combats, objets de toutes les attentions dans la chanson de geste, qui portent ces valeurs. Il s’ensuit que les représentations très orchestrées des acteurs de la croisade relèvent d’une mise en scène élaborée. Le corps apparaît comme un analyseur efficace. Et considérer les corps des différents protagonistes, leur apparence (aspect physique, armes et vêtements), leur mode d’expression (voix, postures, gestes et actions), leurs besoins et appétits (alimentaires et sexuels), leur destinée enfin (blessures, souffrances, mort et funérailles), offre l’opportunité de rencontrer de plein fouet cette idéologie en mouvement. L’analyse du vocabulaire anatomique et de ses emplois révèle les tensions qui parcourent des œuvres où les normes imposées au corps (convenances, mesure, action efficace, ascèse, sobriété) excitent à la transgression et se heurtent à certains dérèglements parmi lesquels se trouvent des déviances (monstruosités physiques, écarts sexuels et anthropophagie) et des outrances (gesticulations, plaintes excessives et luxe). Une fois ces tensions appréhendées, il devient possible de préciser comment, œuvre après œuvre, la figuration des personnages organise une discrimination des populations en fonction de leurs attitudes par rapport aux normes. La différenciation s’avère complexe parce qu’elle subit des modulations à mesure que le cycle avance et parce qu’elle sort parfois de l’opposition binaire et manichéenne entre chevaliers croisés et Sarrasins. Le regard porté sur le corps des Tafurs, une troupe de gueux en marge de la communauté franque, modifie et nuance l’antagonisme entre groupes ethniques et religieux que la chanson de geste traite habituellement, et ce faisant, amène à reconsidérer les enjeux idéologiques et génériques de chaque œuvre. Le corps des Tafurs qui tient la gageure de sembler tout à la fois proche et différent de celui des chevaliers crée un changement majeur : il conduit à penser les identités du croisé et du Sarrasin autrement. Les chansons d’Antioche, de Jérusalem et des Chétifs proposent en somme une réflexion d’ordre anthropologique sur les notions conjointes d’identité et d’altérité. Cette réflexion prend corps dans une écriture qui maîtrise et exalte les valeurs de la croisade, une poétique de l’excès régulé, et s’appuie sur des procédés caractéristiques d’autres genres, conduisant à envisager les œuvres comme des « formes limites » de la chanson de geste parce qu’elles tendent vers l’historiographie, l’hagiographie et le roman chevaleresque, dans une « tendance holistique » propre à la chanson de geste
The first cycle of the crusade generates a writing which sets off the history of the Frankish community in the Holy Land and lays the foundations of a culture through the implementation of a system of values and beliefs. Thus these values are carried by the bodies of the diverse characters, associated to pilgrimage and battles, subject of much attention in the chanson de geste. As a consequence, the much orchestrated representations of the actors of the crusade are the result of an elaborated setting. The body appears as an efficient analyser. And considering the bodies of the various protagonists, their appearance (physical aspect, weapons and garments), their way of expression (voice, posture, gesture and action), their needs and appetites (food and sexual), at last, their destiny (wounds, suffering, death and funeral), offers the opportunity of a keen acquaintance with that ideology in movement. The analysis of the anatomical vocabulary and its use shows the tensions that reside in works where norms imposed to the body (proprieties, moderation, efficiency, asceticism, temperance) urge to transgression and collide with some dissoluteness, amongst which deviance (physical monstrousness, sexual deviation and cannibalism) and excess (gesticulation, excessive moaning and luxury). Those tensions apprehended, it becomes possible to specify how, work upon work, the representation of the characters sets a discrimination in populations on the basis of their behaviour towards norms. That differentiation turns out to be a complex one due to the modulations it sustains as the cycle moves forward and because it sometimes oversteps the binary and Manichean opposition between crusader knights and Saracens. The way the body of the Tafurs, a group of beggars living on the fringe of the Frankish community, is considered modifies and qualifies the antagonism between ethnic and religious groups usually dealt with by the chanson de geste and, thus, leads to a reconsideration of the ideological and generic stakes in each work. The body of the Tafurs, achieving the challenge of appearing as close as it seems different from that of the knights, creates a major change: it leads to think differently of the identities of crusaders and Saracens. All in all, the songs of Antioche, Jérusalem and the Chétifs offer an anthropological thought about the joint notions of identity and otherness. This thought takes shape thought a writing that masters and exalts the values of the crusade, poetics of regulated excess, and that relies on processes which are typical of other genres, leading to consider these works as “borderline forms” of the chanson de geste because they bend towards historiography, hagiography and chivalrous literature, in a “holistic trend” which is so peculiar to the chanson de geste

Cette thèse de doctorat a pour objet d'étude la chanson d'auteur italienne de 1958 à l'orée du XXI° siècle. Une période si étendue correspond à la volonté de ne pas enfermer le sujet, ni dans des bornes chronologiques étroites, ni dans une définition close de la chanson d'auteur. Cette étude s'intéresse également aux liens entre la chanson italienne et le contexte sociétal et politique. La 1° partie analyse les principaux phénomènes artistiques justifiant, à la fin des années 50, l'affirmation d'un tournant « d'auteur » dans la chanson italienne, jusque-là figée dans un mélisme hérité de l'opéra, tout en tenant compte des éléments conjoncturels et des hasards de l'Histoire. La 2° partie est vouée à l'étude de la langue, de la poétique et de l'esthétique de cette chanson. Une large part est faite à la question dialectale, démontrant que cette question ne se réduit pas au folklore. La 3° partie étudie la chanson par le prisme de l'Histoire : de façon rétrospective mais aussi comme un reflet des temps en prise directe. La 4° et dernière partie aborde notre contemporanéité et la chanson d'auteur sous des formes nouvelles : rock, nouvelle école cantautoriale, rap.Ce cheminement nous mène à toute une série de pistes de réflexions : la réécriture, l'aspect performatif, la légitimité culturelle d'un genre artistique et, à l'ère d'internet, les nouvelles formes et modalités de réception de l'art mais également la révolution que le web provoque dans la création. La chanson compte une place importante dans la société et dans la culture des XXème et XXIème siècles. Elle a donc besoin d'être envisagée plus que jamais, et peut nous aider à comprendre à quelle époque on vit
This doctoral thesis explores the Italian art song genre from 1958 until the dawn of the twenty-first century; the broad scope of investigation was chosen so that the subject would not be overly circumscribed either temporally or notionally. The thesis also examines the relationship between the Italian art song and its social and political contexts. The first part, taking into account those influences as well as the effect of the random events of History, analyses the main artistic phenomena at the end of the '50 that led to an "artistic" turning point for the Italian popular song, hitherto locked into an opera derived melismatic mode. The second part investigates the language, the poetics and the aesthetics of the art song genre addressing at length dialect, demonstrating that this question cannot be explained merely in terms of folklore. The third part develops the art song seen through the lens of History, both retrospectively and as a reflexion of the current events of the day. The fourth and last part discusses the new forms of art song that have developed within a contemporary context: rock, the new cantautoriale school and rap. The rewriting, the performance act itself are discussed; the cultural legitimacy of an artistic genre and new forms and ways of experiencing art, as well as revolutionary modes of creation with the advent of the Internet are explored. The song was granted an important place in the society and culture of the second half of the twentieth century and the beginning of the twenty-first; today, imbued with the troubles of a new period, it invites our questions and research more than ever to help us understand the age we live in

La province du Betsileo est célèbre dans toute l'île de Madagascar pour ses chants zafindraony. Création populaire qui s'opère sans contrôle clérical, ces chants chrétiens reflètent l'histoire culturelle et sociale régionale depuis un siècle. La thèse consacre d'abord cinq chapitres à l'histoire du genre zafindraony : à sa naissance (I), à son expression actuelle (II), à son inscription dans le système littéraire betsileo dont il est issu (III), à sa situation contrastée dans la société duelle d'aujourd'hui (IV et V). La seconde partie, écriture, analyse 180 chants recueillis dans leur contexte. La démarche est en partie ethnologique, en partie littéraire, la performance permettant de saisir le jeu de l'oralité. Le corpus est organisé en fonction des critères de l'oral traditionnel et de l'écrit (importé). Tandis que le courant protestant, attaché à l'écrit, refuse la narrativité au profit de la prière et de la sagesse, l'action de quelques missionnaires jésuites (H. Dubois) a libéré chez les catholiques un puissant courant de création de récits chantés (surtout bibliques) où l'oralité cherche à se reconstituer - particulièrement dans les chants de la mort et de la résurrection du grand héros Rajeso (Jésus) Le ressort commun de ces tantara (histoires) est dans la force de l'aina, le flux vital malgache, que traduisent l'émulation des groupes rivaux, l'alternance des choeurs et des voix, la thématique des récits (renversements de situations, sacrifices, combats) et les circonstances de leur exécution (joutes de chants, veillées, funérailles°. L'ensemble vise au anatra qui est le "conseil" où s'expriment en termes chrétiens les visées traditionnelles de la sagesse malgache : intégration socio-cosmique de l'individu et maintien de la cohésion sociale (fihavanana). Authentique fruit malgache de la rencontre des cultures, ces chants montrent que "chanter, au Betsileo, c'est vaincre la mort. "
The region of Betsileo is famous throughout the island of Madagascar for its Zafindraony songs. These christian songs, a creation of the people which arise without clerical control, reflect the cultural and social history of the region during the last century. The thesis dedicates, to begin with, five chapters to the history of the genre zafindraony : to its birth (I), to its performance today (II), to its place in Betsileo literature whence it has emerged (III), to its complex position within a bi-polarised society (IV and V). The second part, a literary analysis examines 180 songs gleaned from their context. The approach is in part ethnological, in part literary, the performance of the songs allowing the effect of their oral nature to be grasped. The corpus is arranged according to the citerea : oral (traditional) and written (imported). Whilst protestantism, attached to the written word, rejects narrativity in favour of prayer and wisdom, the action of a few jesuit missionaries (H. Dubois) has released amongst the catholics a powerful current of creation of song tales (above a biblical) in which the oral character seeks to reemerge, particularly in songs of the death and resurrection of the great hero Rajeso (Jesus). The common inspiration of these tantara (stories) is the strength of the aina, the malagasy life-force current that is expressed in the emulation of rival groups, the alternation of choirs and of voices, the theme of the stories (the reversal of a situation, sacrifices, fights) and the circumstances of their performance (song competitions, evening gatherings, funerals). All these together have as their end the anatra, the advice, in which the traditional objectives of malagasy wisdom : the socio-cosmic integration of the individual and the maintenance of social cohesion (fihavanana), are expressed in christian terms. An authentically malagasy fruit of the meeting of cultures, these songs show that in Betsileo "to sing is to conquer death. "

L‘étude de notre corpus porte sur les chansons d‘amour et d‘ami gallaïco-portugaises datées de la fin du XIIème jusqu‘au milieu du XIVème siècle. La problématique consiste à déterminer quelle dialectique entretiennent le troubadour et la figure féminine à travers ces deux genres lyriques dans le cadre de l‘amour et de l‘érotisme. Leur rapport amoureux repose sur une dialectique soit platonicienne, soit hégélienne, en fonction du genre lyrique, de la thématique de l‘amour et de l‘érotisme, de leur appartenance sociale, de la référence aux histoires amoureuses réelles et imaginaires de l‘époque, mais aussi de la matière, de la forme, de l‘origine et de la source d‘influence de la chanson. Le regard porté sur la femme dans la société médiévale ibérique a subi l‘influence d‘un double discours entretenu par les Penseurs de l‘Église qui a consisté, d‘une part à inférioriser la femme en la rendant responsable du péché originel, et d‘autre part à lui associer une image maternelle et mariale tout à la fois. Face à cette vision, le troubadour entend concevoir une nouvelle image féminine dans ses compositions lyriques, selon deux modèles de représentation. D‘abord, il décrit une figure féminine abstraite et inaccessible dans un espace et un temps sacrés à travers une peinture érotique de l‘amour. Cette figure s‘apparente à celle de la Dame de la cour, de la comtesse de Tripoli ou de la Vierge Marie. Mais aussi, proche de lui, il la met en scène dans des récits amoureux conformes au monde profane et à la réalité historique et sociale, en faisant une jeune femme célibataire ou mariée, appartenant soit à la noblesse, à la bourgeoisie, ou à la paysannerie
The study of our corpus is about the gallaïco-portuguese songs of love and friend dated from the late twelfth to the mid-fourteenth century. The problem is to determine what dialectic maintain the troubadour and the feminine face through the two lyric genres in the context of love and eroticism. Their loving relationship is based on a dialectic either Platonic or Hegelian, depending on the lyric genre, the theme of love and eroticism, their social class, the reference to real and imaginary loving stories of the period, but also of the material, the shape, the origin and the source of influence of the song. The glance carried towards the woman in the iberian medieval society was under the influence of a double speech maintained by the Thinkers of the Church which consisted, on one hand to minimize the importance of woman in making responsible original sin and on the other hand to associate her a maternal image and Marian quite at the same time. In front of this vision, the troubadour intends to design a new image of woman in his lyrical compositions, according to two models of representation. At first, he describes an abstract and inaccessible feminine face in a space and sacred time through an erotic paint in the love. This face is similar to that of the Lady of the court, the countess of Tripoli or the Virgin Mary. But also, near him, he depicts her in loving narratives corresponding to the profane world and to the historic and social reality, as a young woman married or single, belonging either to the nobility, the middle-class, or the peasantry

Le roman de chevalerie anonyme, actuellement connu sous le nom de Gérard de Nevers, constitue la mise en prose du Roman de la Violette de Gerbert de Montreuil (1227-1229). Produit dans les années 1450-1460 en milieu bourguignon, il nous est parvenu par deux manuscrits datant de la deuxième moitié du XVe siècle (Bruxelles, KBR 9631 et Paris, BnF fr. 24378), et par deux éditions imprimées datant de 1520 (Paris, Hémon le Fevre) et 1526 (Paris, Philippe le Noir). Le roman en vers et sa mise en prose s'insèrent dans un même canevas narratif, "le cycle de la gageure", qui regroupe plusieurs œuvres d'époques et d'inspirations diverses ayant pour objectif de glorifier la vertu de la femme. Au cours des siècles, Gérard de Nevers a connu un succès durable. Il a donné lieu à de nombreuses modernisations ou traductions et au livret de l'opéra Euryanthe de von Weber. Le travail d'édition critique de Gérard de Nevers qui prend pour base le manuscrit de Bruxelles est assorti de différents commentaires : une notice codicologique des deux manuscrits, une analyse de la filiation des témoins manuscrits et imprimés, une étude littéraire qui envisage l'entreprise de rajeunissement du roman source en vers et une analyse de la postérité du texte. Les commentaires sont complétés par une introduction linguistique qui étudie les graphies, les traits phonétiques, la morphologie, les caractéristiques syntaxiques et le style du manuscrit de Bruxelles : la langue du manuscrit de base témoigne de son lieu d' élaboration, l'atelier du "Maître de Wavrin", ce qui explique la présence de nombreux traits linguistiques picards. Un glossaire détaillé et un index des noms propres figurent en fin d'ouvrage
The anonymous tale of chivalry, currently known as Gérard de Nevers, constitutes the dérimage ("de-rhymed version") of the Roman de la Violette by Gerbert de Montreuil (1227-1229). Written in the 1450s in the Burgundian area, it became known to us through two manuscripts dating from the second half of the 15th century (Brussels, KBR 9631 and Paris, BnF fr. 24378) and through two printed editions dating from 1520 (Paris, Hémon le Fevre) and 1526 (Paris, Philippe le Noir). The verse novel and its prose version both fit into the same narrative framework, the "cycle de la gageure", which brings together works of diverse forms and inspirations that all aims to glorify the virtue of women. Gérard de Nevers has known a lasting success along the centuries ; it has often been modernized or translated, and has inspired the libretto of Euryanthe by von Weber. The critical edition of Gérard de Nevers which is based on the manuscript from Brussels is accompanied with the following commentary : a codicological note for both manuscripts, an analysis of the relation between the manuscripts and printed copies, a literary study which focuses on the attempt to rejuvenate the source novel, and an analysis of the posterity of the text. The commentary is completed by a linguistic introduction which dwells ont he written forms, the phonetic features, the morphology, the syntaxic characteristics and on the style of the Brussels manuscript : the language of the source manuscript bears indication regarding its place of elaboration, Maître de Wavrin's workshop- which explains the presence of numerous traces of the picard language. The critcal edition ands with a glossary and an index of proper nouns

L’examen de différentes formes d’expression vocales et instrumentales kurdes d'Iran et d'Irak, liées à quatre dialectes, permet de dégager un idiom commun de la musique traditionnelle kurde, avec sa grammaire modale et rythmique. Cette recherche s'appuie sur des enquêtes dans les régions kurdes d’Iran et d’Irak et sur la collecte d'une centaine d'heures d’enregistrements de mélodies vocales et instrumentales. Elle prend en compte la diversité linguistique et religieuse ainsi que la place de la musique, de la poésie, de la danse et des instruments et fait apparaître une certaine unité au-delà de la diversité des formes
The study of the various types of Iranian and Iraki Kurdish vocal and instrumental types of expression, associated to four forms of language, enables to delinate the commonalities within traditional Kurdish music, its rythms and modes. The research is based on detailed investigations performed on-site in Kurdish speaking regions of Iran and Irak as well as on more than hundred hours of recordings. Beyond the large diversity of expression resulting from linguistic and religious diversity, local specificies in the use of instruments and from the different roles played by poetry and dance in musical expression, the study eventually reveals the common roots of Kurdish music