Tesis sobre el tema "French tragedy"

This thesis examines five French tragedies dealing with the same legendary character, Dido, throughout a century: Etienne Jodelle's Didon se sacrifiant (cI558), Alexandre Hardy's Didon se sacrifiaht (1624), Georges de Scudéry's Didon (1637), François de Boisrobert's La Vraye Didon (1643) and Antoine Jacob Montfleury's L'Ambigii comique (1673). The interest of this study lies in the fact that, if Dido is a recurrent character, yet she is one of a very rare breed of female characters on the French stage: ruling queens. The tragedies and, in particular, the character of Dido are examined in relation to the evolution of literary trends and the historical and socio-political context in which they were produced. The playwrights and their works are first looked at specifically with an aim to put them in context: the authors are considered in relation to literary and socio-political history, while each play is put in context within the complete works of the author. Dido is a ruling queen, which is rare on stage and a reflection of the rarity of women ruling over Early Modem France, it is therefore important to consider the contemporary institutions, practices and discourses on women, with specific references to the moralist controversy. The analysis of women in power over the time period covered by this study, including Catherine de Medici, Maria de Medici and Anne of Austria, provides the reader with the essential background and issues relating to the representation of female power on stage. To complete the contextualisation of the five tragedies, a detailed analysis of the other rare instances of ruling queens in French tragedy helps establish patterns of representation for women in power, such as the key use of men, the 'people' and queens themselves as crucial threats to the integrity of the realm. The analysis of Dido tragedies focuses on two axis: first a linguistic approach to the definition of gender and power deals with gendered rhetoric, the gender specific approach to furor, that is to say the loss of power, and the expression of guilt and innocence. The second axis of the analysis focuses on material representations of power on stage: firstly, the references to and/or use of symbolic objects such as crowns, thrones, sceptres, swords or jewels help identify the characters which are truly powerful. Finally, the analysis of the references to and/or use names and titles on stage to identify the protagonists is also used to reveal the actual power dynamic created by the playwrights. The conclusion looks at the mixed success of the plays in Early Modem France and their absence from literary canons in modem France while keeping in mind the issues on gender and power.

Includes facsim of 1572 imprint of first title; and of 1573 imprint of second title.
Also submitted by the editor as part of application for candidature for the degree of Doctor of Letters, University of Adelaide, School of Humanities, Discipline of European Studies and Linguistics, 2006.
Includes bibliographical references (p. 169-174) and index.
lxxix, [183] p.:
Title page, contents and abstract only. The complete thesis in print form is available from the University Library.

L’héroïne de tragédie joue-t-elle le même rôle aristotélicien que le héros?Cette thèse examine six pièces, les Andromaque, Iphigénie en Aulide et Hippolyte d’Euripide et les Andromaque, Iphigénie et Phèdre et Hippolyte de Racine. Les trois héroïnes, examinées dans les trois premiers chapitres, ont des limites de représentation tragique spécifiques, les rendant moins présentes à l’action héroïque que les héros-type. Mais leur présence, même contrainte, ouvre la question de la condition féminine, que les Grecs ont été les premiers à conceptualiser, et que le XVIIème siècle en France a également mise en avant, du moins pour les femmes éduquées.Ensuite sont étudiés quelques exemples plus ponctuels de représentation d’héroïnes tragiques.Au cinquième chapitre est considéré l’impact de la présence et des absences des héroïnes sur la tragédie en tant que forme culturelle récurrente (tenant compte des éléments du modèle aristotélicien de la tragédie, muthos, hamartia, hubris, anagnorisis, katharsis, et l’interaction des héroïnes avec ces valeurs), contribuant à l’évolution des mentalités. En conclusion, la transmission culturelle de l’héroïne (mythe, épopée, culte, tragédie antique et classique, récurrences contemporaines) peut se conceptualiser en employant une récente théorie syntaxique et cognitive, la théorie X-barre. La théorie de la structure et de la contrestructure est articulée, qui suggère un modèle cognitif, rendant compte de l’évolution sociale des rapports entre hommes et femmes, qui sortirait des oppositions binaires. Les stratégies contrestructurales que les héroïnes de tragédie mettent en œuvre, dans ces pièces, marquent une évolution cognitive de la condition humaine. Les « études héroïniques » sont une voie de nouvelles recherches et un apport potentiel au futur des études littéraires
Does the tragic heroine play the same Aristotelian role as the hero? Six plays are examined: Euripides’ Andromache, Iphigeneia in Aulis and Hippolytos, and Racine’s Andromaque, Iphigénie and Phèdre et Hippolyte.The three pairs of heroines, considered in turn, have specific limits to their capacity for direct heroic action, compared to typical heroes. At the same time, their presence and actions, even constrained, open the question of women’s condition – which the Greeks were the first to conceptualise, and which the French XVIIth c. also foregrounded, at least for educated women. The fourth chapter looks at some further examples of heroines, illustrating aspects of their representation in tragedy.Fifthly is considered the impact, of the presence and absence of the tragic heroine, on tragedy as a form of cultural inscription which has contributed to the evolution of the imaginaire. Different aspects of the Aristotelian model of tragedy such as muthos, hamartia, hubris, anagnorisis, catharsis are explored in terms of how the tragic heroine represents these functions.The conclusions reflect on the cultural transmission of the heroine from myth to epic, cult, the tragedy of antiquity and of French classicism, to contemporary forms). A recent linguistics theory, the X-bar theory is mentioned as a possible cognitive model to conceptualise this continuity in discontinuity, through societies which have so differently validated the female, but may all have been affected by the performative heroine. The author’s own theory of structure and counterstructure is a possible model for observing the evolution of men-women relations, beyond polarising or binary-oppositional cognitive frames. Finally, “heroine studies” are a possible fruitful research area for literature and cultural studies

Associée d'habitude avec la tragédie comme genre littéraire et théâtral, la catégorie du tragique est en réalité une catégorieembrassant tous les genres d'arts. Elle est aussi l'objet de différentes sciences : philosophiques, littéraires, théâtrales.Premièrement, notre réflexion portera sur le tragique en tant que vision du monde, en tant que catégorie en mêmetemps, comme le montre bien Lucien Goldmann, d'ordre théorique, affectif et impensable sans ses rapports avec le systèmede valeurs. Deuxièmement, nous étudierons le conflit tragique étant à la base de cette vision comme un conflit insolubleentre l'homme et le monde, l'être et l'existence. Au cours de notre examen de la vision tragique, nous montrerons sa parentéavec la vision existentialiste telle qu'elle est présentée chez Albert Camus.Notre étude abordera les différents aspects du tragique, en particulier sa nature, l'opposition de la vision tragique àla vision rationaliste, les conditions de l'apparition du tragique, ses rapports avec le Mythe et avec les catégories pessimismeoptimisme,la question de la sortie éventuelle du tragique, etc.Nous examinerons le tragique sous le jour des concepts théoriques des auteurs de notre corpus critique, dans lesformes qu'il prend dans la tragédie grecque, la tragédie de Racine, dans le roman de Dostoïevski et dans l'oeuvre de Camus
The category of tragedy is usually linked with tragedy as a literary and theatrical type. In reality, it is a category embracingall types of arts. Besides, it is the object of different sciences: philosophical, literary, theatrical.Firstly, our reflexion will be focused on tragedy as vision of the world, as category at the same time, as illustratedby Lucien Goldmann, of theoretical, emotional order. Tragedy is unthinkable without its relation to the value system.Secondly, we will study tragic conflict at the root of this vision as insolvable conflict between the man and the world, thebeing and existence. During our review of the tragic vision, we will show his kinship with the existentialist vision aspresented in Albert Camus's work.Our study will address various aspects of the tragedy in particular: its nature, the opposition of the tragic vision tothe rationalist vision, the conditions for the appearance of the tragic, its relationship with the Myth and optimism-pessimismcategories, the question of the eventual disposition of the tragic etc.We will examine tragedy under the light of theoretical concepts of the authors of our critical corpus, in forms whichit takes in Greek tragedy, tragedy of Racine, in novel of Dostoïevski and in the Camus's work

Orientador: Joaquim Brasil Fontes Júnior
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação
Made available in DSpace on 2018-08-27T00:19:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_VeraLuciaCrepaldi_D.pdf: 3050663 bytes, checksum: 5eeca30f8afc509d23ebc5bd6a19be1b (MD5) Previous issue date: 2015
Resumo: Este estudo tem como objetivo ler uma tragédia do teatro clássico grego escrita por Eurípides, Ifigênia em Áulis, com base em um tema mítico, e analisá-la sob o olhar dos helenistas, estabelecendo, a partir daí, um diálogo com a mesma temática em tragédias do período clássico e do teatro contemporâneo de autores franceses, através das obras Iphigénie e Iphigénie ou le Péché des Dieux, de Jean Racine e de Michel Azama, respectivamente. Apoia-se esta pesquisa em conceitos da filosofia moderna e pós-moderna para explicar o movimento do mito nessas diversas etapas da temporalidade que fazem parte do processo evolutivo do teatro, desde a Grécia Antiga até a época atual, sem perder de vista o período clássico. No caminho que se percorreu, procurou-se destacar a questão do conceito de sacrifício nesse mito que impulsionou as peças teatrais que são a base do corpus deste trabalho. Verificou-se que todas as obras levantam a ideia do sacrifício simbolizada através da Guerra de Troia e revisitada no momento em que esses autores comparavam valores políticos, sociais e religiosos moldados de acordo com a noção do poder vigente, em suas próprias épocas. Conclui-se, assim, que os três autores fazem uso da tragédia para denunciar o sacrifício e que Ifigênia continua viva no mundo atual. Desde a peça euripideana, a ação está subordinada à palavra, refletindo as tensões entre o poder e o sacrifício do ato
Abstract: This study has as its aim to read a tragedy of the classical Greek theatre written by Euripides, Iphigenia in Aulis, based on a mythical theme, and analyse it from the perspective of the Hellenists and from this, set up a dialogue with the same theme in tragedies of the classical era and contemporary theatre of French writers through the works Iphigénie and Iphigénie ou le Péché des Dieux, of Jean Racine and Michel Azama, respectively. This research is underpinned by modern and post-modern philosophical concepts in order to explain the movement of the myth in those distinct stages of temporality that are part of the evolutionary process of the theatre, from Ancient Greece to modern times, bearing in mind the classical period. In undertaking this trajectory, special focus was given to the question of the concept of sacrifice present in this myth, which inspired the theatrical plays that are the basis of this study. It was confirmed that all the works raise the idea of sacrifice, symbolized by the Trojan War and revisited when these authors compared political, social and religious values molded according to the notion of power present in their respective times. It is concluded that the three authors make use of tragedy to denounce the sacrifice and that Iphigenia is still alive in the contemporary world. Moreover, since the Euripidean play, action is subordinated to the word, reflecting the tension between power and the act of sacrifice
Doutorado
Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte
Doutora em Educação

Dans le cadre général d’une interrogation sur le renouvellement de la tragédie classique française à l’époque de la Régence (1715-1723), le travail étudie plus spécifiquement la manière dont la recherche de l’effet tragique conduit à la naissance de la tragédie philosophique. Ce travail prend appui sur l’analyse des pièces représentées à la Comédie-Française au cours de cette période et accorde une attention particulière à leur réception contemporaine dans la presse périodique et dans les brochures. Il envisage d’abord les recherches de renouvellement de la tragédie à partir de deux polémiques, la Querelle des Anciens et des Modernes et la querelle sur la moralité du théâtre, en montrant comment la réflexion sur le théâtre conduit les auteurs à chercher des effets dramatiques mieux adaptés aux attentes d’un public dont la sensibilité évolue au début du XVIIIe siècle. Il établit ensuite que la production d’un plus grand effet est liée, d’une part, à l’intensification de l’effet de terreur à travers la mise en scène du personnage odieux et, d’autre part, à la recherche d’une plus grande action grâce à l’exploitation des éléments du sacré (oracles, prêtres et chœur). Il démontre enfin que, si les impiétés relevées dans un certain nombre de tragédies ne visent qu’à la production d’un plus grand effet, l’Œdipe de Voltaire peut être considéré comme la première tragédie philosophique dans la mesure où le dramaturge met en œuvre une véritable stratégie critique et où les attaques contre la religion sont clairement perçues par le public contemporain. Le travail analyse ainsi de quelle manière les mutations qui affectent le dispositif dramaturgique dans cette quête de l’effet peuvent faire de la tragédie le lieu de la diffusion des idées qui participent de l’émergence des Lumières. Le phénomène est déterminant pour les combats philosophiques à venir ainsi que pour la transformation de la société que les philosophes vont chercher à faire advenir grâce à un support accessible à un large public
Within the quest of renewal of the French Classical Tragedy of Regency period (1715-1723); the work closely explores the way how looking for a tragic impact leads to the philosophical tragedy birth. This work is grounded on an analysis of the French Comedy dramas performed during this period, but in the process, it gives a special attention to their contemporaneous acceptance in periodicals and brochures. First of all, the work speculates about the tragedy renewal in terms of two polemics – the dispute between Olds and News, and the dispute about theatre morality, but in this process it demonstrates how the thoughts of a theatre lead authors to the searching of the better adapted dramatic impact in view of spectators’ expectation whose sensibility is under evolution in the low of 18th century. Afterwards, the work specifies how the greater impact generating is related to a rising intensity of a great fear through a baddy on the one hand and to the searching for a greater story through numinous elements (prophecy, priesthood and choir) on the other hand. Finally, the work shows the fact how far the blasphemies found in some tragedies are calculated only to make a greater impact, on the contrary the Voltaire’s Oedipus can be considered as the first philosophical tragedy with respect to the fact when a dramatist creates the real critical strategy and to the fact when the tilts at religion are distinctly perceived by contemporary spectators. Thus, the work analyses a phenomenon how the changes related to the dramaturgical “statement” under the impact seeking can change the tragedy into the instrument for dispensing ideas which are a part of the Enlightenment birth. This phenomenon is prevailing both for future philosophical fights and for society transformation whereof philosophers will strive this via a medium available to a general audience

À partir du geste de Jodelle, qui fait de sa Cléopâtre une furieuse en 1553, la tragédie des XVIe et XVIIe siècles n’a eu de cesse de reprendre le motif de la fureur qui engage tout l’ethos des personnages dans un risque de destruction intime, de dérèglement intérieur, d’emportement passionnel. Cette thèse se propose de questionner l’intérêt que les dramaturges tragiques ont trouvé à la fureur pour la conserver malgré toutes les évolutions et les transformations du genre, de la Cléopâtre captive jusqu’en 1653, date de l’échec de Pertharite. La fureur, au cœur de l’écriture tragique plutôt que de sa théorie, nous permet d’envisager une forme d’unité de ces cent ans de tragédies dans la pratique même du genre. Le travail constant du motif furieux par les auteurs éclaire ainsi la manière dont ils envisagent la représentation des passions exacerbées de la Renaissance jusqu’à la tragédie galante. Nous explorerons d’abord le cœur de l’élaboration complexe du motif, hérité de l’Antiquité mais recréé par l’écriture dramatique. Nous pourrons montrer, ensuite, que la fureur permet de relire notre large corpus pour faire émerger de nouvelles influences dramatiques et comprendre comment chacun des auteurs intègre le motif à son écriture spécifique – ou, au contraire, le refuse. Dès lors, il sera possible d’analyser les enjeux théoriques de la fureur tragique dont le contenu « vide » permet d’engager librement des questionnements esthétiques, éthiques et politiques. Enfin, c’est à la représentation problématique de la fureur que nous nous attacherons : la dimension spectaculaire du motif, dès ses origines, impose d’interroger ses modes d’expression. Comment les auteurs, puis les comédiens, parviennent-ils à faire entendre et faire voir au public la déraison incontrôlable grâce à l’écriture poétique et scénique ?
After Jodelle’s 1533 initial play, in which he made his Cleopatra a furious character, the Tragedy genre throughout the 16e and 17e centuries never stopped questioning the motif of Fury, a force which profoundly undermined the characters’ ethos, jeopardized as they were by the threat of personal destruction, innermost disorders, and outbursts of passion. My thesis endeavour to elucidate the reasons why Tragedy’s playwrights probed so enduringly into Fury, which persisted as a motif, irrespective of all the metamorphoses of the genre, from Jodelle’s ‘Cléopâtre captive’ until the fiasco of ‘Pertharite’ in 1653. Although Fury appeared peripheral to the theory of Tragedy, it was central to its writing. Thus, from the standpoint of the material, it provides a form of unity in over a century of varied production. Subsequently, the perpetual reworking of the motif of Rage by these authors sheds light on the manner in which they envisioned the representation of extreme passions, from the Renaissance to the tragédie galante. First of all, the complex elaboration of the motif is investigated, exploring how Antiquity’s legacy was being reinvented by dramatic writing. Then, through the prism of Fury, the large corpus of plays under scrutiny is given fresh insight, revealing new dramatic influences and how the motif was espoused by the authors and interwoven with their personal style – or rejected. After that, owing to the fact that Fury was devoid of any clear theoretical and moral contents, it is detailed how it became a field where authors could engage freely in aesthetical, ethical and political discussions. Eventually, the problematic rendition of Fury on stage is investigated: from the outset, the spectacular quality of the motif begs the question of its various modes of representation. By means of poetic and scenic writing, how did the authors and then the comedians appeal to the audience and bring this uncontrollable madness to life?

La présente étude porte sur la pratique du genre de la tragédie classique au XIXe siècle, en particulier sous la Restauration et la Monarchie de Juillet. Ce qui nous intéresse, ce sont les développements les plus tardifs du genre tragique en France, genre dont nous documentons l’évolution et le déclin progressif au cours de la première moitié du XIXe siècle, c’est-à-dire jusqu’à sa disparition des théâtres français, qui a lieu autour de 1850. En nous basant sur un corpus de quatre-vingt pièces, nous essayons de brosser un tableau complet de la tragédie et des auteurs tragiques de la Restauration et de la Monarchie de Juillet, ou plus exactement des quarante années comprises entre 1814 et 1854. Conçu comme l’étude d’un code littéraire, ce travail s’articule en deux parties : dans la première, nous définissons le code tragique post-napoléonien sur la base des constantes formelles qui le caractérisent, en montrant l’évolution que le genre connaît des points de vue stylistique, structurel et plus strictement dramaturgique ; dans une seconde partie, nous examinons les constantes thématiques de ce code, en étudiant les stratégies par lesquelles la tragédie transpose, à travers les sujets historiques fortement allusifs qu’elle traite, les grandes problématiques politico-sociales de son temps. En documentant la continuité qui existe entre cette tragédie tardive et le drame romantique, nous cherchons enfin à valoriser les pièces de notre corpus et à mettre en évidence leurs traits modernes, ce qui nous conduit à rechercher les raisons de la persistance d’un genre traditionnel comme la tragédie classique et les facteurs qui déterminent sa revitalisation au XIXe siècle
This study concerns the practice of the genre of classical tragedy in the nineteenth century, particularly during the Restoration and the July Monarchy. It focuses on the last developments of tragedy in France and documents the evolution and the progressive decline of this genre during the first half of the nineteenth century; that is until its disappearance from French theatres, which took place around 1850. By considering a corpus of eighty plays, this work aims to give a clear picture of the tragic genre and tragic authors of the Restoration and the July Monarchy, or more exactly of the forty years from 1814 to 1854. This work is conceived as the study of a literary code and is divided into two parts: in the first part, we try to define the tragic code of the post-Napoleonic era on the basis of the formal constants which characterise it, showing the evolution of the stylistic, structural and dramaturgic features of tragedy. In the second part, we look at the thematic constants of this code, studying the strategies that tragedy uses to transpose – through the historical and highly allusive subjects that it treats – the principal social and political problems of its time. Finally, by showing the continuity which exists between the declining tragic genre and the romantic drama, we try to valorise the texts in our corpus and to underline their modern features. This leads us to look for the reasons behind the persistence of a traditional genre like the classical tragedy and for the factors which revitalise it in the nineteenth century

Entre 1561 et 1681 plusieurs tragédies et tragi-comédies françaises empruntent leur sujet à un épisode de l’histoire récente de l’Empire ottoman. Si Solyman ou la mort de Mustapha (1639) de Jean Mairet, Ibrahim ou l’illustre bassa (1641-42) de Georges de Scudéry et Bajazet (1672) de Jean Racine sont probablement les œuvres les plus emblématiques de cette tendance, elles ne sont pas les seules. D’autres auteurs issus de milieux littéraires divers et appartenant à des époques différentes ont également souscrit à cette tradition. L’objet de notre thèse est d’explorer le ou les corpus « orientalistes » de la tragédie française, d’en déterminer les origines tout ainsi que, si elles existent, les conséquences — en particulier dans la constitution des intrigues. Les réponses à ces questions doivent nous permettre de définir l’identité de ces tragédies à sujet ottoman
Between 1561 and 1681 several French tragedies and tragicomedies borrowed their subjects from a recent episode in the history of the Ottoman Empire. Although Solyman ou la mort de Mustapha (1639) by Jean Mairet, Ibrahim ou l’illustre bassa (1641-42) by Georges de Scudéry, and Bajazet by Jean Racine are probably the most emblematic works of this trend, they are not alone. Other authors from different literary circles and belonging to different periods also belonged to the same tradition. The purpose of this dissertation is to explore the corpus of French tragedies with Oriental subjects and to determine their origins and consequences, particularly regarding the construction of plots. The answers to these questions should allow the definition of an identity for these tragedies with Ottoman subjects

La thèse, composée de quatre volumes, propose l’ensemble de l’œuvre du dramaturge, à savoir les quinze pièces – dont sept sont inédites –, selon ses différentes caractéristiques : théâtre idéaliste (collaboration artistique), renouvellement de la tragédie antique (scènes de plein air), drames historiques (volonté d’accéder aux théâtres nationaux), adaptations dramatiques (traduction et translation). Les pièces, retranscrites, annotées (variantes et notes), sont accompagnées d’études (introduction et notice). L’introduction générale permet de présenter et de saisir le théâtre de l’écrivain, ses expériences scéniques ainsi que ses considérations sur l’art dramatique. L’édition critique a pour but de donner à lire l’œuvre injustement négligée, en rappelant le rôle important de ce théâtre dans l’histoire des idées et dans l’évolution artistique et littéraire de la fin du XIXe siècle jusqu’au début du XXe siècle
This is to prepare the scientific edition of the complete theatre work of Joséphin Péladan. The thesis in four volumes offers all of the work of the playwright, namely fifteen plays – seven of which are unpublished – according to its different characteristics: idealistic theater (artistic collaboration), renewal of ancient tragedy (outdoor scenes), historical dramas (willingness to access the national theaters), dramatic adaptations (translation and transposition). The plays, transcribed and annotated (variants and notes), are accompanied by some analysis (introductions and detailed descriptions). The general introduction presents the playwright and allows to understand his complete work, his stage experience and his reflections on the art of drama. The critical edition of the theatrical works of Joséphin Péladan aims to render accessible his plays unjustly neglected in spite of his profound influence on the theatre creation during the late 19th century and the early 20th century

Le point de départ de ce travail réside d’une part dans la découverte d’une différence considérable de nature entre le héros du Cid et les protagonistes du théâtre contemporain ; et d’autre part sur l’intuition que l’analyse littéraire utilise presque exclusivement Rodrigue comme personnage représentatif du premier XVIIe siècle. Notre première démarche a été de chercher à confirmer ces impressions en démontrant le statut particulier de ce personnage. Nous avons étudié la réception du Cid et de son héros au fil des siècles dans cette optique, jugeant que les réactions des spectateurs, des lecteurs et des critiques construisaient progressivement notre image actuelle de Rodrigue. Nous avons cherché à voir comment depuis janvier 1637 jusqu’au début du XXIe siècle la pièce et son héros ont été accueillis. Nous avons ainsi établi la longévité du texte, ainsi que les exceptionnelles réactions d’engouement qu’il a pu rencontrer. Cela nous a permis d’établir la mythification de la pièce et de dégager sa portée universelle. Ces premières conclusions nous ont invité à rechercher les causes d’un tel succès. C’est à nouveau l’étude de la réception qui nous a permis de découvrir que cette unanimité tenait essentiellement au personnage de Rodrigue. C’est lui qui semble d’abord retenir l’intérêt des lecteurs et des spectateurs. Nous avons donc cherché dans une deuxième partie à comprendre ce qui fascinait tant en Rodrigue. Pour cette raison, nous l’avons confronté à l’idée de héros. La coïncidence saisissante que les réactions publiques révèlent entre ce personnage archétypal et le protagoniste du Cid nous a permis d’aboutir à un premier stade de compréhension : la pièce est accueillie avec enthousiasme au XVIIe siècle parce que son personnage principal actualise l’idéal humain tel que l’époque se le représente. Cependant, l’engouement des siècles suivants repose sur le même motif : c’est parce que Rodrigue incarne le héros du XVIIe siècle que le spectateur du siècle des Lumières, du Romantisme, de la Troisième République ou de l’entre-deux-guerres l’apprécie. Le protagoniste du Cid apparaît comme un héros révéré mais regretté car appartenant à une époque révolue. Au sein de l’œuvre de Corneille, il est également envisagé comme un paradigme héroïque et incarne le modèle dont tous les personnages masculins du théâtre cornélien ne seraient que la déclinaison. Il est l’élément fondateur du mythe du « héros cornélien ». Cependant, l’unanimité de réception face à Rodrigue pose question : Le Cid a-t-il réellement eu une place à part sur le théâtre du premier XVIIe siècle ? À l’ouverture de notre troisième partie, une brève étude de ce théâtre permet de révéler l’écart entre l’image de Rodrigue façonnée par la réception et la réalité dramaturgique des années 1630-1650. La tragi-comédie de Corneille n’est pas la seule pièce à connaître le succès et son héros n’est pas l’unique incarnation sur scène de l’homme tel qu’on se le représente alors. De nombreux autres dramaturges connaissent de réelles réussites. Toutefois, la réception critique les oublie. L’histoire littéraire semble ne vouloir retenir que Corneille pour la postérité. Elle impose Le Cid comme pièce modèle ; mais, se faisant, elle fausse l’appréciation que nous nous faisons du théâtre et des mentalités du XVIIe siècle. Nombre de théories critiques se sont en effet élaborées sur l’idée d’un premier XVIIe siècle glorieux à l’image de Rodrigue et d’une seconde moitié de siècle déclinante et sombre. C’est le cas de Paul Bénichou et de sa « démolition du héros ». Mais peut-on en garantir la véracité si elles reposent pour affirmer la grandeur des premières décennies du siècle sur le seul exemple de Rodrigue ? Une relecture de la littérature de cette période permet pour finir de revenir sur des conceptions altérées notamment par l’éclat du succès incomparable du Cid et d’envisager le premier XVIIe siècle sous une autre lumière
The basis of this work lies primarily in the discovery of a huge nature difference between the hero in “Le Cid”, and the far less glorious contemporary drama protagonists. On the other hand, it is based upon the intuition that most literary analysis almost exclusively use Rodrigue as the character of the first decades of the17th century.The first step of our work was therefore to try to confirm these impressions by conveying the very special status of this character. We have studied the treatment of “Le Cid” and its hero throughout the centuries with this goal in mind, assessing that the way audiences, readers and critics reacted to the play steadily built our perception of Rodrigue. We have tried to understand how the play and its hero were welcomed from January 1637 to the outcome of the 21st century. We have thus established the longevity of the text as well as the outstanding praise reactions it met with. This enabled us to substantiate the mythification of the play and bring into light its universal scope.From these first conclusions, we then tried to find out the reasons why the success of the play has never been denied. Here again it is the study of the critic treatment that quickly showed us that the unanimous public feeling was essentially due to Rodrigue as a character. For it is he mainly who seems to captivate the audience and the readers’interest. In the second part, we therefore tried to understand why Rodrigue is so mesmerising. With this purpose in mind, we confronted our character to the very hero notion. The stiking coincidence that public reactions convey between this archetypal character and “Le Cid” protagonist brought us to a first conclusion: the play is enthusiastically welcomed in the 17th century because the main character updates the human ideal as it was viewed at the time. Yet, the passion that the play generated in later periods is based on the same principle: it is because Rodrigue embodies the 17th century hero that the public from the age of enlightenment, from the great romantic era, from the French 3rd Republic or the interwar period do feel fond of him. “Le Cid” protagonist appears both as a revered and missed hero because he belongs to days gone by, a past example of the ideal man. In Corneille’s entire works, he is also regarded as a heroic paradygm and is viewed as the Cornelian male reference from which other male characters are derived in the works of the playwright. He is the very source of “the Cornelian hero” myth.However, Rodrigue’s unanimous critic treatment brings forward another issue: does “Le Cid” really stand apart in the early 17th century drama? At the outset of our third part, a brief survey of the period drama reveals the gap between Rodrigue’s image as it was made by the critic treatment and the dramatic reality of the 1630-1650 era. Corneille’s tragicomedy is not the only successful play and its hero is not the only stage embodiment of the male figure as it was then represented. Several other playwrights were successful too. Yet, the critic treatment does not take them into account. It seems as if Corneille is the only author to be remembered in the history of literature. Thus, “Le Cid” is the play reference. But it alters our vision of the 17th century drama and mentalities.In fact, scores of critic theories were based on the idea of a glorious early 17th century (impersonated by Rodrigue) as opposed to a gloomier and declining period at the end of the century. But can one guarantee their truthfulness if they are only based on the character of Rodrigue to assert the grandeur of the early 17th century decades?To conclude, a precise and detailed reading of the period literature allows one to study many misinterpretations, particularly because of “Le Cid” unmatched success, and to consider the early 17th century with a brand new perspective

Thesis (Ph.D.)--Indiana University, Dept. of Theatre and Drama, 2006.
"Title from dissertation home page (viewed July 9, 2007)." Source: Dissertation Abstracts International, Volume: 67-08, Section: A, page: 2820. Adviser: Roger W. Herzel.

La Révolution a longtemps donné l’image d’un trou noir au milieu de l’histoire littéraire, jugement que la recherche s’attache à reconsidérer depuis quelques décennies. L’étude de la carrière de Marie-Joseph Chénier (1764-1811), poète tragique renommé en son temps et frère cadet d’André Chénier, permet de mieux comprendre les continuités et les ruptures qui l’ont traversée. Entré dans le monde des lettres durant les dernières années de l’Ancien Régime, Chénier se fait soudain connaître à l’automne 1789 avec une pièce créée après un long affrontement contre la censure, Charles IX, qui met la liberté artistique, et singulièrement celle du théâtre, au centre des événements politiques. La scène semble devoir garantir à l’écrivain une influence sans précédent. Chénier tente ainsi au fil de ses tragédies suivantes d’accompagner l’évolution de la Révolution, non sans distance critique, tout en s’engageant dans la vie publique, d’abord chez les Jacobins, puis à la Convention. Il deviendra une figure importante des institutions culturelles, notamment grâce aux hymnes qu’il compose pour la quasi-totalité des fêtes révolutionnaires entre 1790 et 1795. Marqué personnellement par la Terreur, Chénier met sa vocation dramatique entre parenthèses après le 9 Thermidor. Il délaisse alors les lettres pour s’investir de manière prioritaire dans la reconstruction culturelle et politique de la République post-montagnarde. La réputation du poète, objet de haines politiques tenaces, en souffrira durablement. Son parcours est ainsi représentatif des transformations qui touchent le statut et l’action d’un homme de lettres sous la Révolution, tout comme des obstacles d’un nouveau genre auxquels il se heurte
For a long time, the French Revolution has been seen as a black hole in the universe of literary history, a vision that scholars have yet been reconsidering in the past decades. The study of the literary career of Marie-Joseph Chénier (1764-1811), a tragic poet reputed in his time and the younger brother of André Chénier, offers the possibility for a better understanding of the many ruptures and continuities that the period underwent. Marie-Joseph Chénier enters the literary world at the very end of the Ancien Régime and unexpectedly makes himself a name in the fall of 1789 with a theatre play that he succeeds in putting on stage despite censorship: Charles IX, a tragedy in which he places artistic freedom and more specifically that of theatre at the heart of political events. The stage seems due to secure the author an unprecedented influence. Chénier attempts in this context to accompany in his later tragedies the evolution of the Revolution albeit not without some critical distance and together with an involvement in public life, first among the Jacobins then within the Convention. He thus becomes an important figure of the cultural institutions of his time notably through the anthems that he composes for nearly all the revolutionary festivals between 1790 and 1795. The events during the Terror have a lasting personal impact on Chénier who then decides to mark a pause in his theatrical vocation after 9 Thermidor. He abandons the literary world and focuses on the cultural and political reconstruction of the new Republic that follows the fall of the Montagnards. Chénier is subjected to tenacious political hatred that will lastingly affect his reputation as a poet. To that respect his life and career are representative of the transformations that inform the status and work of a man of letters under the Revolution. They also illustrate the new kinds of obstacles met by authors in that period

La production dramatique de Jean-François-Louis-Népomucène Lemercier s’inscrit justement dans ce moment de transition entre ce que l’on a appelé Néoclassicisme et le Romantisme. Né en 1771 et mort en 1840, cet homme de lettres et académicien a assisté aux bouleversements qui ont caractérisé l’histoire de France du tournant des Lumières jusqu’à la Révolution de Juillet et même après. L’étendue de sa vie et surtout de son activité de dramaturge dépassent donc amplement ce « long dix-huitième siècle » que l’histoire littéraire tend à prolonger jusqu’en 1820. Ce travail s’intéresse donc à la production d’un dramaturge qui, dans son ambigüité intrinsèque, s’avère à plusieurs égards révélatrice d’une ambigüité caractérisant de manière plus générale l’ensemble de cette période de transition. Auteur de celle que l’on retient souvent comme la dernière tragédie classique – c’est le cas de son Agamemnon de 1797 – Lemercier est également considéré, déjà à partir du dix-neuvième siècle et notamment par Schlegel, comme l’un des premiers auteurs proprement romantiques, son Pinto de 1800 étant justement une protoforme de drame romantique. Ce travail se compose de deux grandes parties, la première consistant en une étude monographique sur l’ensemble de la production dramatique de Lemercier, la deuxième en une édition critique des œuvres majeures du dramaturge, son Agamemnon, qui représente un de plus grands succès tragiques de la période directoriale dont les reprises continuent jusqu’en 1826, et Pinto, une « comédie historique » qui fut en revanche un succès de scandale lors de sa création à la Comédie-Française et qui encourût par la suite la désapprobation de cinq régimes politiques
The dramatic productions of Jean-François-Louis Népomucène Lemercier (1771-1840) reveal a transition between Neoclassicism, Preromanticism and Romanticism. This writer and academician witnessed the political and social upheavals that characterized France from the twilight of the Enlightenment until the July Revolution and thereafter. The span of his life and works amply exceeds the "long Eighteenth Century" that literary historians have extended to 1820 (Claude Pichois). This dissertation includes two main parts: a monographic study of Lemercier’s dramatic production and a critical edition of the playwright’s major works, Agamemnon (1797), one of the most successful tragedies during the “Directoire” and to 1826; and Pinto, a “historical comedy” composed between 1798 and 1800, and which was seen as a “romantic” triumph in 1834. Lemercier has often been regarded as the author of one of the last classical tragedies (Agamemnon i.e.); nevertheless, in spite of being, at times, one of Romanticism’s fiercest detractors, he emerges in Nineteenth century criticism – and above all in Schlegel’s writings – as one of the most influential pioneers of romantic drama. The intrinsic ambiguity of Lemercier’s dramatic production reveals the uncertainties of this transitional age. This ambiguity thus demands a holistic approach: the context of Lemercier’s literary works will be analyzed from an esthetic, historical and political point of view, emphasizing their intricate relationships with literary and political authorities and censorship issues throughout the period
La produzione drammatica di Jean-François-Louis Népomucène Lemercier si inserisce in quel momento di transizione tra Neoclassicismo, Preromanticismo e Romanticismo che caratterizza gli ultimi anni del Diciottesimo e il primo trentennio del Diciannovesimo secolo. Nato nel 1771 e morto nel 1840, questo scrittore e accademico ha assistito agli sconvolgimenti che hanno caratterizzato la storia della Francia dal tournant des Lumières fino alla Rivoluzione di Luglio e anche oltre. La sua vita e la sua attività poetica oltrepassano ampiamente il “lungo Settecento” che la storia letteraria tende ad estendere sino al 1820 già a partire dalla periodizzazione proposta da Claude Pichois. Questo lavoro si concentra sulla produzione di un autore che, nella sua intrinseca ambiguità, è sotto molti aspetti indicativa di un’indeterminatezza che caratterizza più in generale questo periodo di transizione estetico-letteraria. Spesso considerato, in primis da Madame de Stael, come l’autore dell’ultima tragedia classica - è il caso di Agamemnon del 1797 - Lemercier è stato visto, già a partire dal XIX secolo e in particolare da Schlegel, come uno dei primi autori di drammi romantici, di cui Pinto, ou la journée d’une conspiration (1800) rappresenterebbe una protoforma. Il presente lavoro, che si focalizza sul macrotesto teatrale di Lemercier senza tuttavia negligere altri aspetti della sua variegata opera, consta essenzialmente di due sezioni, una dedicata allo studio del macrotesto teatrale dell’autore, con un’attenzione particolare al contesto-storico letterario e alla ricezione; l’altra all’edizione di due opere, Agamemnon e Pinto, che rappresentano per molti aspetti due degli esempi più significativi della sua produzione drammatica. Il rapporto conflittuale di Lemercier con l’autorità politica e con la nascente “scuola” romantica saranno inoltre oggetto di questa riflessione

L’écriture dramatique contemporaine est souvent tournée vers le mythe grec tragique comme source d’inspiration. Or, le concept de tragique est loin d’être évident, tantôt compris dans un sens existentiel, étroitement lié à la pensée philosophique allemande du XIXe siècle qui lui adonné naissance, tantôt dans un sens esthétique, produit de son rapport étroit au genre dramatique de la tragédie. La présente étude interroge la question du tragique dans des écritures dramatiques contemporaines d’origine différente : plus précisément, nous abordons douze oeuvres dramatiques, françaises et grecques, qui couvrent la seconde moitié du XXe siècle au sens large, et que caractérise l’usage du mythe tragique ou des motifs tragiques. Notre approche est structurée sur deux axes : d’une part est examinée la notion de personnage, élément principal de l’oeuvre dramatique, dans son devenir tragique. Ainsi, dans les deux phases de ce que nous appelons le« mouvement tragique », le personnage passe de l’identité à l’altérité de soi, pour se choisir ensuite en tant qu’être fini, ou autrement, en tant qu’être « inscrit dans la mort », pour arriver finalement à la transcendance de sa propre finitude. D’autre part est examinée la notion de personne tragique, à savoir la conception de l’homme « réel », telle qu’elle est configurée par le lecteur/spectateur à partir du personnage tragique. Le sens de la personne tragique consiste en le passage de celle-ci du monde quotidien à un « nouveau réel », où dominent le devenir et l’ouverture à l’Autre. Dans ce cadre, la catharsis qu’éprouve le spectateur est identifiée à la « joie tragique »
Contemporary playwriting turns often towards the tragic Greek myth as source of inspiration.However, the concept of “the tragic” is far from being evident, sometimes understood in anexistential meaning, tightly attached to the German philosophical thought who has given it birth,sometimes in an esthetic meaning, as a result of its close relation to the genre of tragedy. Thepresent study examines the concept of tragic in contemporary plays of different origin: moreprecisely, we study twelve plays, French and Greek, that cover the second half of the twentiethcentury in the broadest sense, characterized by the use of the tragic myth or of tragic motifs. Ourapproach is based on two axes: on one hand we examine the notion of character, a fundamentalelement of a dramatic work, in his becoming tragic. In this way and according to the two phasesof what we call “the tragic movement”, the character, after passing from the identity to the alterityof self, he then “chooses” himself as a finite being, or, in other words, as a being “inscribed indeath”; finally, he arrives at the point of transcendence of his own finitude. On the other hand, weexamine the notion of the tragic person, namely the conception of the “real” human, as it isformulated on the basis of the tragic hero, by the reader/spectator. The meaning of the tragicperson lies in a passage from the ordinary world to a “new reality”, where the becoming of thehuman being and the openness to the Other dominates. In this context, the spectator experiencesthe catharsis that can be identified with the “tragic joy”

À partir d’un corpus composé d’une quarantaine de tragédies parues en Normandie entre 1566 et 1640, mettant presque toutes en scène des actes de cruauté exercés par des représentants d’altérités exacerbées, ce mémoire de doctorat étudie les particularités scénographiques qui transparaissent dans ces textes, en mettant en évidence la similitude des éléments décrits dans les didascalies internes et dans les rares indications scéniques des œuvres avec les pratiques de l’Hôtel de Bourgogne telles qu’elles sont définies par le Mémoire de Mahelot. Après un rappel des formes et des événements dramatiques joués dans la province, la thèse poursuit par une étude des pratiques éditoriales rouennaises. Une fois établie l’historiographie des guerres de religion et des règnes d’Henri IV et Louis XIII, la thèse observe la manière dont le théâtre normand est contaminé par la production parisienne en voie de normalisation classique, puis disparaît progressivement, ainsi que les scénographies signifiantes qui le caractérisent ou comment leur sens est dévoyé pour célébrer une unité politique, pour laisser place au palais à volonté des drames parisiens
Based on a corpus composed of about forty tragedies published between 1566 and 1640 in Normandy, most of which staging acts of cruelty carried out by strongly antagonistic protagonists, this doctorate thesis studies the specific stage designs shown out through those texts. Thus throwing into prominence the existing similarities between the components described in the internal stage directions, the few stage indications of the works, and the practices at the hotel de Bourgogne such as defined in the Mémoire de Mahelot. After recalling the shapes and the dramatic events performed in the province, the thesis goes on studying the editorial practices in Rouen. Historiography of wars of religion and Henri IVth and Louis XIIIth reigns once established, it observes how the Norman theatre is being corrupted by the Parisian production on its move to classical normalization, and then gradually vanishes as well as the meaningful stage designs, demonstrating then how their meaning is being perverted in order to celebrate a political unity, to make way for “palais à volonté” in the Parisian dramas

Ce travail de recherche propose une analyse de la réception de Nietzsche en France de 1877 à 1960, à partir de la première traduction du philosophe allemand jusqu’à la mort d’un de ses interprètes les plus originales, Albert Camus (1913-1960). La période étudiée est celle qui prépare l’avènement de la « Nietzsche Renaissance » des années 1960 et qui contribuera à focaliser l’attention sur le Nietzsche anti-dialectique. Sur le plan méthodologique l’analyse s’appuiera sur les approches de l’histoire des idées, de la philosophie de la culture et de l’histoire de la philosophie, en s’arrêtant sur ce qui nous est apparu comme les lignes dominantes de l’interprétation française de Nietzsche. L’articulation de la matière est structurée en trois principales sections historico-culturelles. La première enquête sur les rapports de Nietzsche avec la modernité française ( Descartes, Pascal, Montaigne) dans le but de prouver l’influence de la deuxième sur le premier et comment, une telle proximité ait été à la base de son accueil chaleureux. La deuxième retrace les principales étapes de la réception de Nietzsche de 1877 à 1960. La troisième s’arrête sur la lecture de Camus et de ses éléments originaux. Deux appendices : une traduction en italien d’un texte juvénil de Camus, l’Essai sur la musique, témoignage de ses lectures Nietzschéennes précoces, et une liste chronologique des traductions du penseur allemand de 1877 à 1960
The present work aims to investigate the reception of Nietzsche in France from 1877 to 1960 starting from the first translation of the german philosopher until the death of one of his most original interpreters, Albert Camus (1913-1960). The considered period is the one that prepares the advent of the "Nietzsche Renaissance" of the 1960s and that will contribute to focus attention on the anti-dialectic Nietzsche. Concerning the methodological level, the analysis will be based on the approaches of the history of ideas, of the philosophy of culture and of the history of philosophy, focusing on what appeared to be the dominating guidelines of french interpretation of Nietzsche. The structure of the subject is outlined in three main historical and cultural sections. The first one investigates Nietzsche's relations with french modernity (Descartes, Pascal, Montaigne) in order to show the great influence that the latter had on the first and how this proximity was the basis of his fruitful reception. The second section traces the main stages of Nietzsche's reception from 1877 to 1960. The third one focuses on the reading of Camus and its elements of originality. Two appendices close the work: an italian translation of a juvenile text by Camus, the Essai sur la musique (testimony of his early Nietzschean readings), and a chronological list of the german thinker's translations from 1877 to 1960

Cette étude a pour objectif de démontrer le changement paradigmatique qui s’est opéré dans l’approche du phénomène tragique et du genre de la tragédie à l’époque contemporaine. La tragédie, telle qu’elle est pratiquée par les Grecs durant le Ve siècle avant J.-C., se construit autour du concept de dikè, c’est-à-dire de justice. Toutefois, au XXe siècle, la pensée tragique se porte sur la question de la liberté humaine. Cette transformation quant à l’appréhension philosophique et dramatique du phéno-mène résulte des événements socio-politiques qui secouent le monde occidental, et plus particulière-ment européen, durant cette période. Notre étude repose ainsi sur la comparaison de plusieurs tragédie grecques — Les Perses, L’Orestie, et Prométhée enchaîné d’Eschyle ; Antigone et Philoctète de So-phocle ; Médée et Les Troyennes d’Euripide — avec des transpositions contemporaines, qui ont été créées en France et en Irlande en réponse à des événements socio-politiques menaçant la liberté des individus, ou du moins d’une partie d’entre eux. De ce fait, notre corpus se compose de trois pièces mises en scène durant ou après l’Occupation : Les Mouches de Sartre (1943), Antigone d’Anouilh (1944), et Caligula (1945) de Camus ; d’une pièce écrite lors de la période de la décolonisation dans les années 1960 : Les Troyennes de Sartre (1965) ; de trois pièces créées pendant la période des Troubles (1968-1998) : The Riot Act (1984) et Seize the Fire (1989) de Paulin, et The Cure at Troy de Heaney (1990) ; et de trois pièces composées durant le débat portant sur les droits des femmes dans les années 1980 en République d’Irlande : Antigone (1986), Medea (1989), et The Trojan Women (1993) de Kennelly
This research intends to underline the paradigmatic change that has occurred reguarding the approach to the tragic phenomenon and the genre of tragedy in the contemporary period. Tragedy, such as dramatized by the Greeks in the 5th century B.-C., was built on the concept of dikè, meaning justice. However, in the twentieth century, the idea of tragic is apprehended through the perspective of human freedom. This transformation of the philosophical and dramatic approaches to the tragic phenomemon arises from the social and political events occuring in the Western world, and more specifically in Eu-rope, during that period. Thus, our research relies on the comparison of several Greek tragedies — Aeschylus’s The Persians, The Oresteia, and Prometheus Bound; Sophocles’s Antigone and Philocte-tes; Euripides’s Medea and The Trojan Women — with some contemporary transpositions that have been produced in France and in Ireland to adress events threatening individual freedom of, at least, a part of the population living in France or in Ireland. Therefore, our research considers three plays creat-ed during or shortly after the Nazi Occupation of France: Sartre’s The Flies (1943), Anouilh’s Antigone (1944), Camus’s Caligula (1945); one play performed during the decolonial period of 1960: Sartre’s The Trojan Women (1965); three plays produced during the period of the Troubles (1968-1998): Paulin’s The Riot Act (1984) and Seize the Fire (1989), and Heaney’s The Cure at Troy (1990) ; and three plays performed to deal with the issue of women’s rights in the Republic of Ireland: Kennelly’s Antigone (1986), Medea (1989), and The Trojan Women (1993)

Although it is frequently suggested that the idea of celebrity, as opposed to fame, is a construct of twentieth-century popular culture, many of the originating mechanisms and characteristics of modern celebrity have their roots in the more distant past. In France, the Industrial Revolution and the resulting mechanization of the media in the early to mid-nineteenth century fostered the processes of publicity. The invention of photography, the explosion in circulation of newspapers, and the emergence of cultural criticism gave rise to a new sense of both the importance and the relatability of people in the public eye. Elisa Rachel Félix (1821-1858), known professionally as “Rachel,” was the undisputed star of the French state theater, the Comédie-Française, from 1838 until shortly before her death. She was in many ways the first exemplar of the tropes of celebrity in French popular culture. Not only was she greatly admired for her talent in performance, especially in the classical tragic repertoire of the Golden Age of French playwriting, but she was also a pioneer in what Tom Mole has called “the hermeneutic of intimacy,” the perception on the part of the public that the accessibility of images of the performer creates a sense of connection and sympathy between artist and audience. This dissertation will explore the varieties of media through which Rachel’s career and life were publicized and the competing currents of her celebrity identity: the extent to which the star was understood as an exceptional woman versus her identification with her public. Depictions of Rachel in traditional arts, such as sculpture and painting, competed with her portrayal in such modern media as photographs, newspaper columns and caricatures, either enhancing her closeness to her fans or emphasizing her fundamental difference. The image of celebrity which Rachel helped to create endured after her premature death and contributed mightily to a foundational shift in the emphasis of media culture in France. Coinciding as it did with the heyday of Romanticism and the rise of realism in the arts, the cult of celebrity contributed strongly to the death of the tragic genre.
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A research report submitted to the Faculty of Humanities, University of the Witwatersrand, Johannesburg, In partial fulfilment of the requirements of the degree of Master of Arts in Translation, August 2017
The purpose of this study is to present a descriptive and comparative analysis of the play of Aimé Césaire, La tragédie du roi Christophe and its translation by Breslin and Ney, with a particular focus on the rich translators’ notes that accompany the English version. The analysis explains the intended function of the translation and the stylistic stance adopted by the translators in rendering Césaire’s heteroglossic style. Postcolonial literature and the uniqueness of its translation, as well as the expansion of the Caribbean literature and the Négritude literature in terms of translation are approached in the study. Gérard Genette’s (1997) model is used to examine the paratextual elements, while Vinay and Darbelnet’s (1995) model serves to analyse the translation of the play from French into English.
XL2018

This dissertation explores the intersection between three different literary genres – historiography, tragedy, and epic poetry – in the neoclassical period, taking as its central problem the way said genres set out to represent strange and even unintelligible moments in the past. It is based on a case study of four canonical works that, contrary to what is expected of neoclassical literature, represent historical figures seen by audiences of the time as too disturbing or too farcical to be intellectually or artistically “useful”: the violent Roman hero Horace (the protagonist of Corneille’s eponymous tragedy), the Swedish king Charles XII (who anchors Voltaire’s first historical biography) and finally Joan of Arc (who appears in Voltaire’s comical epic La Pucelle d’Orléans, and in Schiller’s tragedy Die Jungfrau von Orléans). In exploring these texts, I set out to show that, while neoclassical poetics deeply emphasized the importance of representing the past in a plausible and dignified manner (be it in histories or in poetry), authors of the time were also aware that the past could be the domain of the uncanny and the fabulous, and that representing the implausible required different kinds of textual experimentation and different ways of playing with genre norms.

Title supplied by cataloguer from accompanying Statement of submission.
Includes bibliographical references (p. 451-467) and index.
Has accompanying Statement of submission letter and application for candidature which includes a list of other publications by the author and details of works proposed for the submission.
2 v. :
Title page, contents and abstract only. The complete thesis in print form is available from the University Library.
Published texts submitted for doctorate are in French.
Thesis (D.Litt.)--University of Adelaide, School of Humanities, Discipline of European Studies and Linguistics, 2006

Ce mémoire porte sur la représentation de la fureur dans la tragédie en musique "Roland" de Philippe Quinault et Jean-Baptiste Lully, créée en 1685. Il cherche à préciser, dans une perspective historique et rhétorique, les moyens littéraires, musicaux et scéniques par lesquels sont rendus les excès du personnage furieux sur la scène classique du second XVIIe siècle. Le premier chapitre vise à rassembler les figures mythiques de la fureur dans une perspective d’ordre historique, des origines antiques aux diverses reprises dramatiques du répertoire français, en passant par la célèbre épopée de l’Orlando furioso, rappelant ainsi les bases de la topique de la fureur. Il s’intéresse également au développement d’une esthétique de la fureur propre au genre dramatique, ainsi qu’à son rapport au sublime, idéal d’expression classique. Guidé par la question de la représentation et de ses effets sur le spectateur, le second chapitre propose une analyse rhétorique de la scène de fureur dans Roland. L’étude de cette scène en fonction des différentes parties de la rhétorique – inventio, dispositio, elocutio et actio – démontre qu’une dynamique de contraste et d’alternance entre force et douceur se situe au cœur de la rhétorique du dérèglement qui conduit les représentations de la fureur.
This dissertation addresses the representation of fury in Jean-Baptiste Lully and Philippe Quinault’s 1685 opera, Roland. It seeks to define the rhetorical means through which fury is conveyed on the classical stage of the second half of the XVIIth century, whether they be found in the music, text or staging. The first chapter considers the mythological figures of fury in a historical perspective, from ancient origins to the famous Orlando furioso and its numerous reinterpretations in the French dramatic repertoire, therefore gathering the basis of the topic of fury. This section also addresses the development of the aesthetics of fury, and its relation to the sublime ideal of classical expression. Guided by the idea of performance and of its effects on the audience, the second chapter studies Roland’s wrath in a rhetorical perspective. Following the traditional rhetorical divisions – inventio, dispositio, elocutio and actio –, the study of this scene shows that dynamics of contrast and balance between strength and softness lie at the core of the rhetoric of disturbance which conducts the representation of fury.

214 Abstract Conceptualization of Mores in Seventeenth-Century French Tragedy This thesis is devoted to the study of interpretations of how tragic characters should be portrayed ("mores", "ethos", "mœurs") in French seventeenth-century theories on Tragedy. The theoretical writings of Jean Chapelain, La Mesnardière, Pierre Corneille, d'Aubignac, René Le Bossu, Rapin, Saint-Évremond, Jean Racine and André Dacier are examined in detail. Their findings are compared with the Latin and Italian commentaries on how the Aristotelian notion "character" ("éthé", "éthos") ought to be perceived and understood and what its impact is on dramatic action. The main focus is paid to the detailed analysis of very divergent and often incompatible interpretations of the four Aristotelian conditions outlined briefly in Chapter XV of Poetics and on how the French theorists and dramatists responded to Aristotle's requirements. The first condition requires dramatic character to be "good of its kind" ("chrestos", "ethos" "chreston", "ethe chresta"). The detailed study of contemporary criticism draws us to a conclusion that there are schematically two approaches on how the French theorists conceptualized this very elusive criterion. Whereas Chapelain in his Préface à l'Adone explicitely rejects the moral meaning of "chrestos" and thus...