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Licha-Zinck, Alexandra. "La vertu de l'héroïne tragique (1553-1653)". Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040079.
Texto completoResumen
La vertu féminine théâtrale apparaît dans le discours et dans l'action de l'héroïne : ils définissent son ethos tragique, plus qu'ils n'illustrent les catégories morales traditionnelles. Dès lors, cette vertu constitue un objet dramatique, esthétique, modelé par et pour la mimèsis tragique. Le personnage féminin, de la tragédie humaniste de Jodelle au théâtre de Corneille, pendant la Fronde, révèle sans doute l'idéologie propre à chaque période littéraire. Mais la vertu redéfinie par les théoriciens permet l'élaboration dramatique du caractère, surtout lorsque le plaisir théâtral et les contraintes d'ordre dramaturgique priment sur la volonté d'instruction morale et sur l'illustration, dans un personnage, d'un discours moral cohérent établi par la tradition. La vertu étant un objet dramatique, elle doit être donnée à voir ; ce défi – montrer la perfection morale, par définition moins scénique que les passions – implique une codification esthétique pour la représentation. Cette vertu féminine aurait alors pour fonction la représentation idéalisée, mimétique selon la définition aristotélicienne (déformante, mais efficace), de l'éthique d'une société. La notion de vertu est médiatisée par le personnage féminin, dans ses divers aspects traditionnels, souvent dichotomiques : vertu chrétienne et vertu stoïcienne, héroïque et morale, virile et féminine, active et passive, le plus souvent, mêlées. Comme les passions mêmes, elle aurait été convertie par les auteurs tragiques en matériau pour construire une œuvre dramatique, au prix, parfois, de ses valeurs philosophiques et morales. La vertu serait devenue elle-même sur scène, peut-être, une passion comme les autres, pour susciter le plaisir tragiqueIn plays, feminine virtue appears in the words and actions of the heroine : they give a definition of her tragic "ethos" more than they illustrate the traditional moral categories. Therefore, this virtue represents a dramatic and aesthetic object shaped by, and for, the tragic "mimesis". This female character, from the humanist tragedy by Jodelle to the palys bu Corneille during the insurrection of the Fronde, probably reveals an ideology belonging to each literary period. But virtue, redefined by the thoereticians, allows the dramatic creation of the character, especially when the theatrical pleasure and dramatic constraints are more important than the wish for moral instruction and the illustration of a coherent moral speech established by tradition. Being a dramatic object, virtue must be shown ; this challenge, consisting in showing moral perfection which is by definition less scenic than passions, implies an aesthetic coding for the representation. This feminine virtue would then become the idealized, mimetic -according to the definition given by Aristotles- representation of of the ethics of a society. The notion of virtue appears trough the female character in its diferent traditional aspects which are often opposed and mixed : Christian and stoïcal, heroic and moral, male and female, active and passive. As with the passions, this notion of virtue would have been turned into play material by tragic playwrights, sometimes to the detriment of the philosophical and moral virtues. Virtue itself would then become a passion like any other in stage in order to create tragic pleasure
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Maurouard, Elvire. "Le tragique haïtien entre roman et théâtre". Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA084219.
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Oumaziz, Hadj-Arab Nadia. "Le tragique dans l'œuvre de Jean-Pierre Millecam". Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040176.
Texto completoResumen
Le tragique dans l'œuvre de Jean-Pierre Millecam repose sur une vision de l'existence qui mêle à la fois liberté humaine et fatalité historique. Le drame relate est celui de l'Algérie coloniale, de ses prolongements dans la guerre, et l'après-guerre. L'écriture dévoile le processus dramatique d'une malédiction qui pèse sur une lignée. Suite à la faute ancestrale liée à la profanation de la terre algérienne, la communauté humaine est vouée au fratricide la mémoire de Lancelot (narrateur- double de l'auteur) ne parvient pas à se détacher de ce trauma. Face au désenchantement de l'histoire, l'écrivain est en quête de plénitude. Deux éléments contribuent au dépassement de la vision tragique : la création poétique et la quête spirituelle.
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Guyot, Sylvaine. "Jean Racine et le corps tragique". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030135.
Texto completoResumen
Le corps tragique chez Racine semble un objet d’étude à la fois paradoxal et évident. Évident, car le théâtre est par excellence un art du corps. Paradoxal, car les tragédies raciniennes sont réputées pour réfréner la présence du corps, tant comme enjeu que comme moyen d’expression. Cette enquête vise à combler ce silence critique, en contestant l’idée d’un classicisme désincarné, harmonieux et universel. Étudier le corps tragique, c’est en faire une histoire culturelle. Le corps est un fait social dont usages, valeurs et représentations sont déterminées par la société à laquelle il appartient. Au croisement du politique, de l’anthropologie morale et scientifique, de la civilité mondaine, des arts oratoires et des évolutions esthétiques, le corps racinien met en jeu les valeurs fondatrices de la société du XVIIe siècle. Loin d’en être le reflet, il est un lieu conflictuel qui interroge les fondations de la symbolique sociale, en dramatisant les fêlures inhérentes aux institutions. La tragédie du Grand Siècle est un révélateur fécond. Contemporaine de l’absolutisme, elle est amplement investie par le pouvoir ; d’inspiration aristotélicienne, elle exploite le rapport polémique entre dignité et faiblesse, pour provoquer d’intenses émotions ; avec l’émergence du premier champ littéraire, elle est surtout soucieuse de plaire. Racine, écrivain de ce siècle galant, explore les formes du corps les plus à même de toucher ses publics. Ce sont aussi les mutations de l’esthétique théâtrale que son analyse permet d’observer. Corps culturels, corps critiques, corps esthétiques : les corps raciniens ouvrent une voie pour interroger l’histoire du théâtre, des moeurs et des sensibilitésThe tragic body in Racinian tragedy appears to be an object of study that is both paradoxical and obvious. Obvious since theatre is par excellence an art of the body and yet paradoxical because Racinian tragedies are typically known for their de-emphasis of the body’s presence both as a point of focus and as a means of expression. This study seeks to address this neglected topic by challenging the conventional notion that classicism was fundamentally detached, harmonious and universal. To study the tragic body is to undertake a cultural history since the body is a social fact whose practices, values and representations are determined by the society of which it is a part. At the crossroads of a number of areas – politics, moral and scientific anthropology, elite civility, oratory arts and aesthetic trends – the Racinian body puts into play the fundamental values of seventeenth-century society. Far from being a simple reflection of reality, Racinian tragedy is a space of conflict that probes the very foundations of social imagery, in that it dramatizes the fissures inherent in institutions. Tragedy during the reign of Louis XIV serves as a fruitful avenue of inquiry. It is contemporaneous with absolutism and thereby amply imbued with power. Of Aristotlean inspiration, it also draws upon the polemical relationship between dignity and weakness in order to call forth intense emotions. And with the emergence of the field of literature, tragedy is above all concerned with pleasing. Dramatist in this gallant century, Racine explores the forms of the body to the extent of touching his audiences. His analysis allows one equally to observe the transformations in the theatrical aesthetic. Cultural, critical and aesthetic bodies : the physical body in Racine’s tragedies offers a point of entry to examine the history of the theater, of manners, of taste and of emotions
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Reina, Li Crapi Vincenzo. "Temps et conscience religieuse dans le théâtre tragique (1590-1640)". Amiens, 2014. http://www.theses.fr/2014AMIE0012.
Texto completoResumen
Depuis sa naissance, la tragédie a été l'un des genres littéraires qui ont influencé de la façon la plus nette les conceptions qu'une civilisation pouvait avoir du temps. D'un point de vue formel tout d'abord, en raison de la nécessité de résoudre le problème de l'adaptation du temps de l'histoire représentée avec la durée de la représentation - motif principal des débats théoriques des 16e et 17e siècles sur la dramatisation du temps, en lien avec la question du vraisemblable. A la suite notamment de la découverte de la Poétique d'Aristote'et des commentaires des Italiens sur ce texte, la réflexion théorique a pris de l'envergure, et les solutions proposées ont joué un rôle de premier plan dans les créations des chefs-d'œuvre du théâtre élisabéthain, du théâtre baroque espagnol, et du théâtre classique français. Le respect ou non de la règle de l'unité de jour a des conséquences sur la conception du temps que la pièce saura véhiculer. L'étude des motivations et des procédés suivis dans la dramatisation du temps (première partie de la thèse) s'avère ainsi indispensable dans l'interprétation de toute oeuvre théâtrale. L'analyse des oeuvres elles-mêmes, à partir de la perspective temporelle (deuxième et troisième partie de la thèse), permet ensuite d'approcher l'image de l'homme qui se dégage, au sein des mentalités étudiées, de cette dramatisation du temps, et de préciser ainsi les raisons éthiques de son action, telle qu'elle se voit représentée par la tragédie. On proposera ainsi une redéfinition du rôle joué par les pièces au sein de la civilisation chrétienne qui les a produites, en s'appuyant sur les visions du inonde et sur les conceptions religieuses de l'Histoire que ces pièces véhiculentSince its origin, Tragedy has been one of the literary genres which have most clearly influenced the ideas of time that a civilization could have. Firstly, from a formai point of view, due to the Tact that the length of the story, which is being represented, must fit the time requirements of the duration of the play – i. E. The main issue of theoretical debates of XVI and XVII centuries regarding the dramatization of time in order to make the play vraisemblable. After the discovery of Aristotle's Poetics and the Italian commentaries on this text, the theoretical discussion has become extremely relevant, and the suggested solutions have played a major role in the creation of the masterpieces of the Elizabethan theatre, the Baroque Spanish theatre and the Classical French theatre. Certainly, the respect or not of the "Unit of time" nuances the conception of time that the play will spread. Consequently, studying the reasons and the methodology of the dramatization of time is essential for the interpretation of any play (part I of the Thesis). Moreover, the analysis of plays from a temporal perspective (part II and III of the Thesis) allows to reveal the ideas of man and the ethical foundations of his actions inside the studied mentalities. Therefore, this study proposes a redefinition of the role of these plays in the context of the Christian civilization in which they were originated, by means of analysing the world views and conceptions of the History which these plays convey
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Bouhouch, Souad. "L'esthétique du tragique chez Madame de Staël". Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0155.
Texto completoResumen
Cette étude est consacrée au tragique dans les fictions d’amour staëliennes. Les héros nobles sont livrés à une lutte vaine contre le destin, en sachant qu’ils vont mourir. Leur ambivalence les empêche de vivre tout épanouissement individuel, dans une société qui vit un immense échec social, moral et politique. Le bonheur précaire vécu est suivi du silence, de l’absence et du sentiment d’une culpabilité mortelle dans un espace et un temps initialement tragiques. Le sujet tragique remet en cause ses qualités morales et intellectuelles. Lucide, démuni devant le savoir tragique, désillusionné sur l’amour et sur la vie, cet être accomplit son rôle tragique : se sacrifier et disparaître. Son renoncement donne un effet émouvant et sublime. Staël dénonce à travers le tragique les crimes de la Révolution, la tyrannie de napoléon. La souffrance humaine peut être perfectible. Le tragique staëlien donne une leçon esthétique : la vérité est dans la liberté morale et la beauté de l’âmeThis study is devoted to the tragic in love staëliennes fictions. The noble heroes engaged in a futile struggle against fate, knowing they will die. Their ambivalence prevents any living individual fulfillment in a society that lives a huge social failure, moral and political. Precarious lived happiness is followed by silence, the absence and the feeling of a deadly guilt in a space and a time initially tragic. The tragic subject undermines his moral and intellectual qualities. Lucid, powerless before the tragic knowledge, disillusioned about love and life, this being accomplished his tragic role: sacrifice and disappear. His renunciation gives a moving and sublime effect. Staël denounces the tragic through the crimes of the Revolution, the tyranny of Napoleon. Human suffering can be improved. The tragic staëlien gives an aesthetic lesson: the truth is in moral freedom and beauty of the soul
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Sort-Jacotot, Aurélia. "La lyre tragique : le discours pathétique sur la scène française, 1634-1648". Versailles-St Quentin en Yvelines, 2010. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=http://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=astms01.
Texto completoResumen
Cette thèse cherche à définir ce qu’on entend aujourd’hui par « lyrisme » quand on décrit le théâtre du XVIIe siècle, et à comprendre les fondements historiques de cette qualification. Prenant comme point d’entrée historique le discours pathétique, l’enquête en donne en premier lieu une définition selon les cadres de pensée de l’époque. À travers une analyse du lexique des passions d’abord, et un parcours des ouvrages de morale contemporains, elle montre l’importance de la notion d’intérêt et d’une conception mécanique de la sensibilité pour la compréhension des émotions provoquées par le discours. Puis une étude des cadres rhétoriques constate une évolution : au lieu de l’impression et des effets pathétiques du discours, on envisage, à cette époque, de plus en plus l’expression et la bonne imitation des passions. En deuxième lieu, une analyse de la dramaturgie souligne la place fondamentale que garde le discours pathétique dans la tragédie de cette époque, ainsi que la présence d’une dialectique constante entre ornementation et intégration. Enfin, s’appuyant sur ces deux premiers moments, la troisième partie interroge les liens entre le discours pathétique et la notion postérieure de lyrisme : s’attachant d’abord à une étude des stances, point de rencontre entre discours pathétique et vers lyriques, elle envisage ensuite plusieurs formes de généricité, selon une progression diachronique. Elle arrive à la conclusion suivante : le discours pathétique tragique aurait servi de laboratoire et de modèle pour la formation théorique du genre lyrique au XVIIIe siècle ; la lecture générique actuelle serait ainsi tributaire de pratiques rhétoriques du XVIIe siècleThis dissertation attempts to define the meaning of “lyricism” when assessing 17th century theatre today, and to understand the historical foundations of this label. Using the pathetic discourse as its historical entry point, this investigation first defines it according to the period’s frames of thought. Through an analysis of the lexicon of passions first, and then a reading of contemporary moral treatises, it shows how important the notion of interest, and the mechanical conception of sensibility, were for the understanding of the emotions stirred by discourse. A study of rhetorical frames then points to an evolution : the focus, in that time, increasingly shifts from impression and the pathetic effects of discourse, to expression and the rightful imitation of passions. Secondly, an analysis of dramaturgy highlights the crucial place kept by the pathetic discourse in contemporary tragedies, and the presence of a permanent dialectics between ornamentation and integration. Finally, in the light of these first two moments, the third part questions the connections between pathetic discourse and the later notion of lyricism : after closely studying lyrical monologue, which is the meeting point of pathetic discourse and lyrical verse, it contemplates various forms of genericity, in a diachronic progression. This conclusion is reached : the pathetic discourse of tragedy may have been the laboratory and model of the theoretical formation of the lyrical genre in the 18th century ; our modern generic approach would thus owe much to the 17th century rhetorical practices
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Dia, Makhmouth. "Comique et tragique : la dramaturgie de Wole Soyinkia à l'épreuve d'une problématique théâtrale africaine". Caen, 2009. http://www.theses.fr/2009CAEN1560.
Texto completoResumen
Cette thèse étudie le comique et le tragique dans le théâtre de Wole Soyinka. D'une part, elle analyse les représentations ainsi que les rapports dramaturgiques de ces catégories génériques dans son œuvre et, d'autre part, les place dans le contexte idéologique et sociologique africain moderne. Selon la critique, l'alliance du comique et du tragique constitue un des plus grands piliers du théâtre africain contemporain. Ce travail évalue la nature, les formes et les enjeux de cette alliance chez Soyinka. Dans la même optique, l'objectif est de déterminer le rôle du comique dans la tragédie africaine. Le dramaturge nigérian a proposé une tragédie africaine, à travers la cosmogonie, le rituel et la métaphysique yorouba. Mais comme souvent dans les propositions de tragédie africaine, il a sous–estimé le comique dans ce processus. Pourtant la complexité du comique dans son œuvre incite à une autre approche. D'une manière générale, la critique a semblé mal apprécié l'aspect comique dans la tragédie africaine. Pourtant, même si c'est un sujet insuffisamment étudié, les tragédies font rire le spectateur africain. On dit également que le rire et la célébration accompagnent la vie quotidienne en Afrique, même pendant les moments tragiques. L'œuvre de Soyinka illustre que ce comique, ce rire et cette célébration sont l'expression d'une tragédie de l'homme moderne. Le but de ce travail est aussi, à cet égard, d'identifier une tragédie africaine à travers la dramaturgie du comique. Le texte dramatique, le processus historique et esthétique et la poétique de la réception sont les axes sur lesquels repose cette expressionThis research is a study of the comic and the tragic in the theatrical work of Wole Soyinka. It analyses, on one hand, the depiction and the dramaturgical relations between the comic and the tragic in his drama and, on the other hand, relates them to the sociological and ideological context of modern Africa. The association of the tragic and the comic is one of the most important pillars of contemporary African drama, according to critics. The aim of this research is to examine the nature, the forms and the meaning of this association in Soyinka’s drama. From the same viewpoint, the aim is to determine the place of comedy in African tragedy. The Nigerian dramatist has proposed an African tragedy based on Yoruba cosmogony, rituals and metaphysics. However, as it is usually the case with propositions of African tragedy, Soyinka has underestimated the comic in the process. Yet, the complexity of this comic invites to a different approach. Broadly speaking, critics seem to have misjudged the comic aspect in African tragedy. Although it is less researched area, it is known that African audiences laugh during representations of tragedies. It is also said that laughter and festivity are part of daily life, including during its tragic moments. On this respect, the aim of this research is to identify an African tragedy through the drama of comic. Soyinka’s drama shows that this comic aspect, this laughter, and this festivity are at the expression of man’s modern tragedy. The dramatic text, the historical and aesthetic process, and the poetics of its reception are the pillars of this expression
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Bassène, Ignace. "Le Tragique dans l'oeuvre d' Eugène Ionesco". Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3002.
Texto completoResumen
Si d'aucuns pensent que la tragédie est morte, le tragique quant à lui reste une catégorie théâtrale toujours actuelle. Chez Eugène Ionesco, dramaturge de la deuxième moitié du XXe siècle, nous retrouvons le sens du tragique dans ses oeuvres même si celui-ci diffère de l'époque antique. Le tragique ionescien s'inspire sur une vision du monde fondamentalement absurde. Ainsi, à l'instar de ses contemporains comme Samuel Beckett par exemple, Eugène Ionesco propose un tragique humble (cf. Jeux de massacre : tragique = absence d'issue), un tragique politique à la mesure des bouleversements du siècle (cf. Rhinocéros, Le Roi se meurt, Macbett, etc.). A la place des héros combattants, on a chez Ionesco des fantoches qui gesticulent, des objets qui prolifèrent (cf. Les Chaises) ; un langage humain qui est mis en cause (cf. La Cantatrice chauve « tragédie du langage »). Le théâtre d'Eugène Ionesco naît plutôt de la crise de l'humanismeIf some people think that the tragedy died, the tragic as for him rest an always current theatrical category. At Eugène Ionesco, playwright of the second half of the XXth century, we find the sense (direction) of the tragic in its works even if this one differs from the antique time (period).The ionescien tragic is inspired on a vision of the world fundamentally absurd. So, following the example of his contemporaries as Samuel Beckett for example, Eugène Ionesco proposes a tragic humble (cf. Games (sets) of massacre: tragic = absence of outcome (exit)), a tragic political in the measure of the upheavals of the century (cf. Rhinoceros, King is dying, Macbett, etc.). On the place (square) of the heroes fighters, we have at Ionesco the marionettes which gesture, objects which proliferate (cf. Chairs); a human language which is questioned (implicated) (cf. The bald Opera singer "tragedy of the language"). The theater of Eugène Ionesco arises rather from the crisis of the humanism
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Filthuth, Jeremy. "L'ordre du tragique. Hölderlin et les "Remarques" sur les tragédies de Sophocle". Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2023. http://www.theses.fr/2023SORUL095.
Texto completoResumen
Dans le cadre de ce travail doctoral, il s’agit d’interroger la possibilité même d’un déroulement tragique à partir de la lecture des tragédies de Sophocle que propose Hölderlin dans ses Remarques sur Œdipe et sur Antigone. Dès lors que l’articulation mise en scène par le poète ne saurait plus s’expliquer selon les catégories du savoir, un problème s’impose. Comment comprendre une régularité dramatique qui commence, dès ses premiers instants, dans l’irrégularité de la fureur ? Comment concevoir, ensuite, une intensification théâtrale qui se poursuit sur les chemins inconnus de l’exil ? Comment prétendre à ce que le drame tragique puisse encore former une totalité qui possède sa propre économie ? Pour décrire cette triple impossibilité, notre étude distingue trois « stades » tragiques ou, mieux encore, trois genres tragiques : 1. la tragédie du savoir, 2. La tragédie excentrique, et 3. La tragédie de l’amitié. L’établissement de ces trois épisodes se fonde sur une discussion étroite du positionnement de Hölderlin par rapport aux tragédies sophocléennes : Œdipe-roi, Œdipe à Colone, et Antigone. En plus d’interroger des positions herméneutiques qui tombent dans certaines facilités interprétatives, réduisant la pensée du poète aux philosophies « absolues » de ses contemporains, notre étude permet de comprendre en quel sens une dimension proprement tragique s’ouvre, selon Hölderlin, dès lors que le règne de la divinité subit le tournant nécessaire d’un assombrissement. Par conséquent, nos recherches décrivent trois moments fondamentaux de la tragédie hölderlienne, qui s’ouvre, au final, sur la possibilité d’une conception historique du tragiqueThis doctoral work questions the very possibility of a tragic unfolding that could take the form of a dramaturgical exhibition. It’s focal point is Hölderlin’s understanding of Sophocles’ tragedies which is proposed by the poet in his Remarks on Oedipus and Antigone. Since the inner workings of Sophocles’ tragedies can no longer be explained according to the categories of knowledge, a problem arises. How can one rationally conceive a play that begins with the outcry as well as the irregularity of furious personality ? How can one understand, furthermore, the progression of a tragedy that evolves on the unknown paths of exile? How can one claim that all dramatic representations must be governed by the structural principles of unity and totality? To describe this triple impossibility, our study distinguishes three tragic "stages" or, better still, three tragic genres: 1. the tragedy of knowledge, 2. the eccentric tragedy, and 3. the tragedy of friendship. The establishment of these three episodes is based on a close discussion of Hölderlin's position in relation to the Sophoclean tragedies: Oedipus-Rex, Oedipus at Colonus, and Antigone. In addition to questioning hermeneutical positions that fall within certain interpretative facilities, reducing the poet's thought to the "absolute" philosophies of his contemporaries, our study makes it possible to understand in what sense a tragic dimension opens itself, according to Hölderlin, as soon as the reign of divinity undergoes the necessary overturn of a darkening. Therefore, our research describes three fundamental moments which ultimately lead to the possibility of a historical conception of the tragic
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Cremona, Nicolas. "« Pleines de chair et de sang » : poétique d’un « genre à succès », l’histoire tragique [1559-1644]". Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030105/document.
Texto completoResumen
Maintes fois rééditées de 1559 au dix-huitième siècle, les histoires tragiques peuvent êtres lues comme un genre à succès, bien que non théorisé par les doctes à l’époque. Reposant sur une reprise de topoï romanesques, jouant avec différents modèles de récits et plusieurs genres à la mode de l’époque [roman sentimental, histoire prodigieuse, récit historique, fait divers, discours bigarré], allant jusqu’à des phénomènes d’hybridité générique, ces textes qui reprennent le même titre et s’écrivent et se lisent en série cherchent à étonner et à horrifier les lecteurs, en racontant des cas extraordinaires et sanglants, à la limite du vraisemblable, dans une visée proclamée d’exemplarité morale et d’édification. Proposant une vision paroxystique des vices humains et de leurs dramatiques conséquences, ces nouvelles spectaculaires exhibent une référence au tragique, tout en dépassant la tragédie en vers et en s’affranchissant de ses codes. Fruit d’une interaction entre les goûts macabres du public et des auteurs polygraphes vivant de leur plume, l’histoire tragique préfigure dans une certaine mesure les récits d’horreur, proposant un modèle de récit à sensation de l’âge baroque, qui plairait plus par sa démesure que par son exemplarité affichéeOften republished from 1559 to the eighteenth century, « histoires tragiques » may be read as a fashionable genre, but not theorized at the time. These texts repeat the same topoi, playing with different narrative models and fashionable genres like romances, historical stories, prodigious stories, essays, and mixing them together. Constantly repeating the same title, all these stories telling gruesome bloody and sometimes unbelievable events, try to frighten and astonish the readers, even though they proclaim exemplarity and moralisation as purpose. Representing a paroxystic vision of crimes and passions, tragical stories obviously refer to the genre of tragedy, but they go beyond the theatrical form and become more like spectacular stories or « pictures ». The commercial success of this genre can be explained by the interaction between the reader’s bloodthristy tastes and the authors, who need to write for their living. « Histoires t! ragiques » can be considered as the ancestors of horror novels and short stories, because they invented a model of sensational story, more popular because of their excessive dimension than because of their exemplarity or moralisation
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Uomini, Steve. "Cultures historiques dans la France du XVIIe siècle /". Paris : l'Harmattan, 1998. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37031560f.
Texto completoResumen
Texte remanié de: Th. univ.--Hist.--Paris 4, 1997. Titre de soutenance : Histoire cachée : polygraphie historique et comportements intellectuels dans la France du XVIIe siècle.En appendice, choix de documents. Bibliogr. p. 602-609. Index.
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Giuliani, Pierre. "Un sang tragique : Racine, Phèdre et le sang : mise en perspective dramatique". Lyon 3, 2007. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2007_out_giuliani_p.pdf.
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Forts des qualités que l'Antiquité et la Renaissance leur ont accordées, le sang et l'imaginaire qui lui est associé jouissent d'un grand prestige au XVIIe siècle. Dans leurs domaines respectifs, la médecine, l'anthropologie culturelle, la rhétorique et les belles-lettres rendent compte de cette élection, même si de récentes découvertes infléchissent alors graduellement la teneur des appréciations axiologiques portées sur l'humeur vermeille. Or, à cette même époque, la tragédie française a connu une évolution sensible dont témoigne le théâtre de Racine. C'est ainsi que l'examen de Phèdre – œuvre qui recourt abondamment au mot sang – donne l'occasion de remettre en perspective les questions liées à la représentation dramatique de la violence et au bon usage des émotions : dans cette mesure, l'attention portée au motif du sang funeste dans Phèdre se présente aussi comme une contribution à l'intelligence du corps classique saisi par la passionImbued with the qualities that Antiquity and the Renaissance granted them, blood and the imaginary associated with it enjoy great prestige in the seventeenth century. In their respective domains, medicine, cultural anthropology, rhetoric, and belles-lettres bear witness to this status, even if recent discoveries have gradually modified the value judgments made about the ruby-red humor. In the same period of time, French tragedy was undergoing an evolution that is particularly notable in the theater of Jean Racine. Consequently, the analysis of his masterpiece Phèdre, a work that has frequent recourse to the term "blood", offers the opporhmity to rethink questions linked to the dramatic representation of violence and to the use of the passions for moral purposes : it becomes clear that studying the theme of "fatal blood" also has the advantage of being a contribution to the understanding of the classical body in the throes of passion
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Boubaker, Donia. "Ecriture fictionnelle et traitement de l'histoire dans l'oeuvre de Laurent Gaudé". Thesis, Cergy-Pontoise, 2017. http://www.theses.fr/2017CERG0888.
Texto completoResumen
Auteur de l'extrême contemporain, Laurent Gaudé est à l'origine d'une œuvre littéraire riche et hétérogène qui plonge dans l'Histoire des hommes de l'Antiquité à nos jours : personnages historiques illustres (Alexandre le Grand, Frédéric II), conflits et catastrophes humaines (Grande Guerre, guerre d'Algérie, etc.), catastrophes naturelles (séismes, ouragan Katrina) composent ainsi une mosaïque d'(H/h)istoires qui affirment l'importance de l'être et chantent sa résistance à des univers de violence aliénants. Entre tragique et épique, l'œuvre de Laurent Gaudé est, de ce fait, une mise en récit de la crise humaine. Interrogeant l'Autre, l'Ailleurs et l'Autrefois, soulignant également la "fraternité de destins" des personnages gaudéens, le traitement fictionnel de l'Histoire s'inscrit dans une création littéraire humaniste qui redonne toute sa force à la fonction empathique de la littérature. Notre travail de recherche consiste à interroger cette odyssée temporelle, ce voyage à travers le temps et l’espace, pour comprendre les procédés de la mise en fiction de l’Histoire et sa dimension humaniste dans l’œuvre de Laurent GaudéLaurent Gaudé is an author from the Contemporary Extreme period. He creates a rich and diverse literary work which delves into the history of humanity from the Antiquity to these days. It summons famous historical figures like Alexander the Great, human conflicts and disasters (The Great War, Algerian War of Independence, etc.) and natural disasters (earthquakes in Italy and Haïti, hurricane Katrina). All these events draw a mosaic of (hi-)stories that affirms the importance of human beings and sings the resistance to alienating universes of violence. Therefore, the work of the novelist is a storytelling of human crisis which allies epic with tragic. By highlighting the "broterhood of destinies" of gaudeans characters, and questioning in the same time the Other, the Elsewhere and the Old times, fictional treatment of history by Laurent Gaudé is a part of a humanist literary creation which gives to the literature's empathetic function all its power. Our research involves questioning this temporal odyssey, this journey through time and space, to understand the processes of the fictionalization of history and its humanistic dimension in the work of Laurent Gaudé
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Dion, Nicholas. "Entre les larmes et l'effroi : inflexions élégiaques et horrifiques dans le théâtre tragique, de l'âge classique aux Lumières (1677-1726)". Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27328/27328.pdf.
Texto completo
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Lengongo, Chamberlin. "La tentation lyrique : tragique et consolation dans l’œuvre romanesque d’André Malraux". Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100182.
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Le tragique semble encore être au cœur de la littérature française au XXe siècle malgré la mort de la tragédie classique évoquée par des critiques comme Georges Steiner. En effet, la mort de la tragédie ne renvoie pas pour autant à la disparition du tragique. Bien au contraire, le tragique survit et prend de nouvelles formes dont celle du roman. C’est précisément cette « nouvelle forme » que nous analysons dans cette thèse intitulée « La tentation lyrique : tragique et consolation dans l’œuvre romanesque d’André Malraux » car « le roman moderne est […] un moyen d’expression privilégiée du tragique de l’homme, non une élucidation de l’individu ». C’est dans ce sens que ses romans participent de ce que Jean-Marie Domenach appelle le retour du tragique qui, dans son retour ne se limite plus au cadre du théâtre mais le déborde pour ainsi finir par s’investir dans d’autres genres tels le roman, la poésie, la musique voire le cinéma. Cette étude porte donc sur la vision tragique de Malraux. Elle examine comment elle se forge, son évolution et son mode d’expression. Nous essayons ainsi de voir les rapports complexes qui existent, chez Malraux, entre le tragique et le lyrique. Nous tentons, en outre, de voir comment Malraux parvient à sublimer ce tragique moderne en développant une poétique de la consolationThe tragedy still seems to be in the middle of the French literature at the XXème century in spite of the death of the traditional tragedy evoked by critics like George Steiner. Indeed, the death of the tragedy does not return therefore to the disappearance of the tragedy. Quite to the contrary, the tragedy survives and takes new forms of which that of the novel. It is precisely this “new form” which we analyze in this thesis entitled “lyric temptation: tragedy and consolation in the novel of Andre Malraux” because “the modern novel is […] a means of expression privileged of the tragedy of the man, not an elucidation of the individual”. It is in this direction which its novels take part of what Jean-Marie Domenach calls the return of the tragedy which, in its return is not limited any more to the framework of the theatre but overflows it for thus ending up investing in other kinds the such novel, poetry, the music even the cinema. This study thus relates to the tragic vision of Malraux. It examines how it is forged, its evolution and its mode of expression. We thus try to see the complex relationship which exists, at Malraux, between the tragedy and the lyric one. We try, moreover, to see how Malraux manages to sublimate this modern tragedy by developing poetic consolation
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Giuffrè, Gabriele. "Le bestiaire de la violence sur la scène : métaphores animales dans le théâtre attique tragique et comique". Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H092.
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La thèse analyse les métaphores animales dans le théâtre tragique et comique. Dans la tragédie les métaphores représentent l’histoire et les meurtres cruels de femmes violentes qui ont oublié leur rôle de mères et d’épouses, ces images poétiques représentent donc idéologiquement la violence des mères de la tragédie, Clytemnestre, Medea et d’Hécube. Dans la comédie à la place de métaphores animales concernent le caractère de Cléon, ce qui signifie qu’ils assument une valeur politique claire et veulent dénoncer la démagogie. Chaque image est analysée de manière comparative et selon les rapports d’intertextualité entre la comédie et la tragédieThe thesis analyzes the animal metaphors in the tragic drama and comedy. In tragedy metaphor represent the history and the cruel murders of ciolent women who have forgotten their role as mothers and wives. These poetic images thus represent ideologically the violence of anti-mothers of the tragedy, Clytemnestra, Medea, Hecuba. In comedy instead many animal metaphors relate to the character of Cleon, meaning that they assume a clear political value and want to denounce the demagogue. Each image is analyzed in a comparative manner and according to reports of intertextuality between comedy and tragedy
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Livera, Marco. "Le thème tragique du Crispe : le Crispus du père Stefonio, ses traductions italiennes et son passage en France". Chambéry, 2004. http://www.theses.fr/2004CHAML052.
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Cette thèse étudie la tragédie Crispus du père Bernardino Stefonio (1597), sa présence et son succès dans le théâtre des jésuites, et, plus généralement, la reprise christianisée du mythe d'Hippolyte et de Phèdre dans le théâtre italien et français du XVIIe siècle. Le problème qui m'a le plus intéressé a été de voir comment une "histoire romaine" s'est superposée au mythe classique. C'est au père Stefonio que l'on doit le remplacement du triangle de dérivation classique Phèdre-Hippolyte-Thésée par le triangle tragique Fauste-Crispe-Constantin, issu de l'histoire romaine, tout en inscrivant leurs aventures dans une conception providentielle de l'histoire, aux finalités didactiques précises. Après l'analyse du Crispus, j'ai examiné de nombreux arguments ou scénarios qui dessinent le parcours dramaturgique du Crispus en Italie, avant de procéder à la descriprion , au commentaire et à la confrontation des deux traductions du Crispus en langue italienne : le Crispo tragedia, d'attribution et datation incertaine, et le Flavio Crispo Tragedia du père Cristoforo Virgili, lui aussi de datation incertaine. Ensuite j'ai esquissé brièvement comment le thème de Crispe est passé en France, où il a été repris dans deux textes du théâtre mondain, L'Innocent malheureux (1639) de François de Grenaille et La Mort de Chrispe (1645) de Tristan l'Hermitte (dans ce deuxième texte par la médiation de la Cour Sainte du père Nicolas Caussin). Le travail s'accompagne de l'édition des deux traductions italiennes du Crispus analysées.
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Catel, Thibault. "« Le sentier de l’exemple » : morale et moralisation dans la nouvelle tragique en France de 1559 à 1630". Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040195.
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L’objet de cette thèse est d’étudier la morale des histoires tragiques, du milieu du XVIe siècle au début du XVIIe siècle, à partir de la notion d’exemplarité. Cette notion nous permet de dépasser l’opposition entre l’histoire tragique conçue comme « histoire de loi » ou comme une littérature à sensation et de trouver une voie médiane entre le moralisme de l’une et immoralité de l’autre. La morale des histoires tragiques est avant tout une morale de l’exemple. Nous montrons que l’idée que l’exemplarité traverse une crise à la Renaissance doit être largement relativisée et que le mode d’énonciation de la nouvelle favorise son fonctionnement exemplaire. Nous analysons ensuite comment l’exemplarité morale permet de comprendre le positionnement générique des histoires tragiques et explique en grande partie son rapprochement avec l’histoire et la tragédie, conçues comme des genres moraux. Enfin, nous étudions la nature et les problèmes de cette exemplarité qui repose sur la force des mauvais exemples et sur des cas extraordinaires qui semblent aller à contre-courant des prescriptions morales. Les histoires tragiques tentent de mettre sur pied un nouveau type d’exemplarité qui s’appuie sur le cas singulier et non plus sur la répétition d’exemples semblablesThis thesis aims to show how exemplarity allows for a fresh analysis of the morality of tragic short stories, known as “histoires tragiques”, between the second half of the 16th century and the beginning of the 17th. The ”histoires tragiques” are neither just “histoires de loi” nor sensationalistic stories, and exemplarity helps us find a middle way between the former’s moralism and the later’s immorality. The morality of the “histoires tragiques” essentially works through examples: on this basis, we first put into perspective the crisis that exemplarity is thought to be going through during the Early modern period. We then argue that, through moral exemplarity, we can understand how the “histoires tragiques” take after the two moral “genres” of history and tragedy. Lastly, we study the limits of this exemplarity, which mainly proceeds from the seduction of bad examples and extraordinary cases that seem to be in contrast with commun moral. As the “histoires tragiques” don’t rely anymore on the repetition of similar exemples, this singularity of cases can be seen as a mean to renew exemplarity
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Safty, Essam. "Mourir dans la tragédie française, ou du théâtre de la réalité baroque à la réalité du théâtre tragique (1610-1645)". Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030053.
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Encore qu'elles vivent, a l'epoque baroque surtout, en bonne intelligence, mort et tragedie peuvent se dire libres de toute contrainte: une tragedie peut devoir son nom, non pas a la puissance du regne de la mort, mais a la nature des situations qu'elles abrite; et une mort peut, non pas dramatiser, mais dedramatiser l'actionEven though they live on good terms (and especially during the baroque age), death and tragedy are not to be depending one from another: a play could be called "tragedy", not because of the powerful reign of death, but in consideration of the very nature of the situations; and death itself could, instead of dramatizing the action, "dedramatizing" the latter
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Camacho, Lopez Sandra. "La figure de l'enfermement comme modèle tragique dans la dramaturgie contemporaine colombienne". Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030096/document.
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Avec la dramaturgie colombienne des trente dernières années, nous nous trouvons devant deux itinéraires qui semblent s’entrecroiser, ou mieux, se superposer : le réel, qui correspond au contexte socio-politique colombien et le fictionnel, qui nous permet d’entrevoir un paysage de fiction singulier se dessiner à travers certaines pièces contemporaines colombiennes. Cet entrecroisement entre le réel et le fictionnel nous amène à la figure récurrente de l’enfermement. Nous assistons à la représentation d’un monde où les prisons n’ont plus de barreaux, où l’enfermement est présent au quotidien. Sur scène les personnages sont clôturés leurs espaces physiques et métaphoriques, intérieurs ou extérieurs, qui leurs interdisent toute possibilité d’issue et de conciliation entre les forces opposées qui maintiennent leurs conflits. L’enfermement conduit donc les personnages au sentiment tragique, à la perte du monde et de soi, c'est-à-dire que le tragique perd dans ces pièces le sens transcendant de l’humain. D’où les questions initiales dont nous sommes partis : comment l’enfermement dans un espace dramatique contemporain nous permet-il de retrouver le tragique ? Et où va ce tragique, aujourd’hui, quand la tragédie n’existe plus ? Cette forme actuelle du tragique ne pourrait-elle pas être une nouvelle façon de retrouver l’essence de la tragédie et le « sens de l’humain » ? Ce sont ces interrogations qui donnent leurs lignes directrices à notre rechercheWith Colombian drama of the last thirty years, we face two routes intersect that appear, or better, overlap: the real, which corresponds to the socio-political context of Colombia and the fictional, which allows us to glimpse a singular landscape of fiction to emerge through some contemporary pieces Colombia. This interplay between reality and fiction, brings us to the recurring figure of confinement. Thus we attend the performance of a world where prisons have no bars, where the confinement is daily. On stage the characters are enclosed in their physical and metaphorical, indoor or outdoor spaces, which prohibit any possibility of completion and reconciliation between the oposite forces that maintains their conflicts. Then, confinement leads characters to a tragic feeling, the loss of the world and oneself, that is to say that the tragic lost in these pieces, meaning transcending the human. Hence the initial questions which we started: how to confinement in a dramatic contemporary space enable us to find the tragic? And where will this tragic go, when the tragedy is over? The current form of tragedy could it not be a new way to recapture the essence of the tragedy and the « sense of humanity » ? These are questions that give their guidance in our research
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Cremona, Nicolas. "" Pleines de chair et de sang " : poétique d'un " genre à succès ", l'histoire tragique [1559-1644]". Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00942655.
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Maintes fois rééditées de 1559 au dix-huitième siècle, les histoires tragiques peuvent êtres lues comme un genre à succès, bien que non théorisé par les doctes à l'époque. Reposant sur une reprise de topoï romanesques, jouant avec différents modèles de récits et plusieurs genres à la mode de l'époque [roman sentimental, histoire prodigieuse, récit historique, fait divers, discours bigarré], allant jusqu'à des phénomènes d'hybridité générique, ces textes qui reprennent le même titre et s'écrivent et se lisent en série cherchent à étonner et à horrifier les lecteurs, en racontant des cas extraordinaires et sanglants, à la limite du vraisemblable, dans une visée proclamée d'exemplarité morale et d'édification. Proposant une vision paroxystique des vices humains et de leurs dramatiques conséquences, ces nouvelles spectaculaires exhibent une référence au tragique, tout en dépassant la tragédie en vers et en s'affranchissant de ses codes. Fruit d'une interaction entre les goûts macabres du public et des auteurs polygraphes vivant de leur plume, l'histoire tragique préfigure dans une certaine mesure les récits d'horreur, proposant un modèle de récit à sensation de l'âge baroque, qui plairait plus par sa démesure que par son exemplarité affichée.
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Béhar, Pierre. ""Silesia Tragica" : épanouissement et fin de l'école dramatique silésienne dans l'oeuvre tragique de Daniel Casper von Lohenstein (1635-1683)". Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040002.
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Cimmieri, Valeria. "Femme et pouvoir dans le théâtre tragique italien des XVIe et XVIIe siècles : étude d’un corpus emblématique de rôles-titres féminins". Thesis, Toulouse 2, 2013. http://www.theses.fr/2013TOU20096.
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Aux XVIe et XVIIe siècles, en Italie, une ample production de tragédies voit le jour, parmi lesquelles de nombreuses pièces consacrées à des héroïnes éponymes. Nés de procédés complexes de réécriture (de mythes, de récits historiques, de sources religieuses et littéraires), ces personnages, qui posent sur scène la question du rapport entre la femme et le pouvoir, mobilisent le jugement des auteurs et du public sur des débats capitaux pour la société de l’époque. Par des démarches d’écriture particulières, plus ou moins explicites, le théâtre tragique se fait ainsi théâtre politique, puisqu’il élève la cité à la dignité d’un spectacle qui s’interroge sur ses mécanismes civiques et culturelsTragedy was a genre that flourished in Italy in the 16th and 17th century of which numerous examples were dedicated to the eponymous heroines. Created in the process of rewriting (réécriture) of myths, historical narratives and various religious and literary sources, those characters bring up questions concerning the relation between women and power encouraging authors and their public to take part in the debates that are crucial for the contemporary society. Through more or less explicit literary means, tragic theater becomes a political theater for it raises the city to the dignity of the spectacle that reflects on its civic and cultural mechanisms
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Montes, Melendi Maria. "Le "nouveau théâtre", le masque, le jeu et le tragique dans l'oeuvre dramatique de Virgilio Piñera". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030106.
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Ce travail examine la production théâtrale de Virgilio Piñera (1912-1979) selon les axes dramatiques et thématiques les plus importants, imbriqués dans une œuvre dont la caractéristique primordiale est de pouvoir trouver sa place dans le courant du « nouveau théâtre ». Cette assertion est confirmée par l’analyse des principales catégories dramaturgiques et de l’évolution de certaines d’entre elles vers le perfectionnement de la « forme nouvelle ». On démontre également l’existence, dans de nombreuses pièces, d’allusions obliques ou masquées à la réalité cubaine qui enrichissent le texte tout en laissant au spectateur sa liberté d’interprétation selon l’expérience qu’il a ou non du contexte. Ceci constitue un trait particulier du théâtre de Piñera. L’étude du « jeu », au sens large du terme, permet d’aborder la théâtralité, la parodie, l’intertextualité dont l’intervention répétée est propre à ce dramaturge. Ces recours que l’on trouve aussi dans le « nouveau théâtre » européen (Ionesco, Becket) montrent aussi le rattachement de l’œuvre de Piñera à ce mouvement. Finalement, en posant la question du tragique, on met en évidence que la vision du monde qu’a l’auteur cubain est liée à sa conception de la condition et de la nature humaine. Cette vision tragique prend corps dans ses pièces à travers la simple présentation de la violence inhérente au monde mais aussi lorsqu’il la fait volontairement porter par certaines catégories dramaturgiques. Porter l’interrogation sur ces différents thèmes permet de mettre en évidence des aspects non encore relevés par les analyses du théâtre de Piñera et de démontrer le renouveau du tragique que cet auteur introduit dans ses piècesThis thesis examines the theatrical production of Virgilio Piñera (1912 – 1979) via the major dramatic and theatrical ideas which overlap in his plays, in which their fundamental characteristic is to find a place in the “New Theatre” of the 1950s. This assertion is confirmed by analyzing the principal dramatic categories, and the development of several of these towards a perfection of the “new form”. In addition, we show that in many plays there is an oblique or veiled allusion to a Cuban reality which, while enriching the text, leaves the spectator free to interpret according to his experience of the context, or lack thereof. This constitutes a particular feature of the theatre of Piñera. Studying the “game”, in the larger sense of the word, enables us to approach the repeated use of theatricality, parody, and intertextuality which is unique to this playwright. These resources, which we find in the “New Theatre” in Europe (Ionesco, Beckett), show a link between the work of Piñera and this movement. Finally, in questioning the tragic element, we provide evidence that this Cuban playwright’s vision of the world is inseparable from his conception of human nature and of the human condition. By showing a violence inherent in the world, and by employing various dramatic categories, this tragic vision is supported and takes form in his plays. Questioning these various themes permits us to reveal unexplored aspects of Piñera’s theatre and to show the renewal of the tragic element by this playwright
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Aronica, Claire. "L'illusion heroïque : Rodrigue et la représentation du héros tragique dans le premier XVIIe siècle". Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSE3030/document.
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Le point de départ de ce travail réside d’une part dans la découverte d’une différence considérable de nature entre le héros du Cid et les protagonistes du théâtre contemporain ; et d’autre part sur l’intuition que l’analyse littéraire utilise presque exclusivement Rodrigue comme personnage représentatif du premier XVIIe siècle. Notre première démarche a été de chercher à confirmer ces impressions en démontrant le statut particulier de ce personnage. Nous avons étudié la réception du Cid et de son héros au fil des siècles dans cette optique, jugeant que les réactions des spectateurs, des lecteurs et des critiques construisaient progressivement notre image actuelle de Rodrigue. Nous avons cherché à voir comment depuis janvier 1637 jusqu’au début du XXIe siècle la pièce et son héros ont été accueillis. Nous avons ainsi établi la longévité du texte, ainsi que les exceptionnelles réactions d’engouement qu’il a pu rencontrer. Cela nous a permis d’établir la mythification de la pièce et de dégager sa portée universelle. Ces premières conclusions nous ont invité à rechercher les causes d’un tel succès. C’est à nouveau l’étude de la réception qui nous a permis de découvrir que cette unanimité tenait essentiellement au personnage de Rodrigue. C’est lui qui semble d’abord retenir l’intérêt des lecteurs et des spectateurs. Nous avons donc cherché dans une deuxième partie à comprendre ce qui fascinait tant en Rodrigue. Pour cette raison, nous l’avons confronté à l’idée de héros. La coïncidence saisissante que les réactions publiques révèlent entre ce personnage archétypal et le protagoniste du Cid nous a permis d’aboutir à un premier stade de compréhension : la pièce est accueillie avec enthousiasme au XVIIe siècle parce que son personnage principal actualise l’idéal humain tel que l’époque se le représente. Cependant, l’engouement des siècles suivants repose sur le même motif : c’est parce que Rodrigue incarne le héros du XVIIe siècle que le spectateur du siècle des Lumières, du Romantisme, de la Troisième République ou de l’entre-deux-guerres l’apprécie. Le protagoniste du Cid apparaît comme un héros révéré mais regretté car appartenant à une époque révolue. Au sein de l’œuvre de Corneille, il est également envisagé comme un paradigme héroïque et incarne le modèle dont tous les personnages masculins du théâtre cornélien ne seraient que la déclinaison. Il est l’élément fondateur du mythe du « héros cornélien ». Cependant, l’unanimité de réception face à Rodrigue pose question : Le Cid a-t-il réellement eu une place à part sur le théâtre du premier XVIIe siècle ? À l’ouverture de notre troisième partie, une brève étude de ce théâtre permet de révéler l’écart entre l’image de Rodrigue façonnée par la réception et la réalité dramaturgique des années 1630-1650. La tragi-comédie de Corneille n’est pas la seule pièce à connaître le succès et son héros n’est pas l’unique incarnation sur scène de l’homme tel qu’on se le représente alors. De nombreux autres dramaturges connaissent de réelles réussites. Toutefois, la réception critique les oublie. L’histoire littéraire semble ne vouloir retenir que Corneille pour la postérité. Elle impose Le Cid comme pièce modèle ; mais, se faisant, elle fausse l’appréciation que nous nous faisons du théâtre et des mentalités du XVIIe siècle. Nombre de théories critiques se sont en effet élaborées sur l’idée d’un premier XVIIe siècle glorieux à l’image de Rodrigue et d’une seconde moitié de siècle déclinante et sombre. C’est le cas de Paul Bénichou et de sa « démolition du héros ». Mais peut-on en garantir la véracité si elles reposent pour affirmer la grandeur des premières décennies du siècle sur le seul exemple de Rodrigue ? Une relecture de la littérature de cette période permet pour finir de revenir sur des conceptions altérées notamment par l’éclat du succès incomparable du Cid et d’envisager le premier XVIIe siècle sous une autre lumièreThe basis of this work lies primarily in the discovery of a huge nature difference between the hero in “Le Cid”, and the far less glorious contemporary drama protagonists. On the other hand, it is based upon the intuition that most literary analysis almost exclusively use Rodrigue as the character of the first decades of the17th century.The first step of our work was therefore to try to confirm these impressions by conveying the very special status of this character. We have studied the treatment of “Le Cid” and its hero throughout the centuries with this goal in mind, assessing that the way audiences, readers and critics reacted to the play steadily built our perception of Rodrigue. We have tried to understand how the play and its hero were welcomed from January 1637 to the outcome of the 21st century. We have thus established the longevity of the text as well as the outstanding praise reactions it met with. This enabled us to substantiate the mythification of the play and bring into light its universal scope.From these first conclusions, we then tried to find out the reasons why the success of the play has never been denied. Here again it is the study of the critic treatment that quickly showed us that the unanimous public feeling was essentially due to Rodrigue as a character. For it is he mainly who seems to captivate the audience and the readers’interest. In the second part, we therefore tried to understand why Rodrigue is so mesmerising. With this purpose in mind, we confronted our character to the very hero notion. The stiking coincidence that public reactions convey between this archetypal character and “Le Cid” protagonist brought us to a first conclusion: the play is enthusiastically welcomed in the 17th century because the main character updates the human ideal as it was viewed at the time. Yet, the passion that the play generated in later periods is based on the same principle: it is because Rodrigue embodies the 17th century hero that the public from the age of enlightenment, from the great romantic era, from the French 3rd Republic or the interwar period do feel fond of him. “Le Cid” protagonist appears both as a revered and missed hero because he belongs to days gone by, a past example of the ideal man. In Corneille’s entire works, he is also regarded as a heroic paradygm and is viewed as the Cornelian male reference from which other male characters are derived in the works of the playwright. He is the very source of “the Cornelian hero” myth.However, Rodrigue’s unanimous critic treatment brings forward another issue: does “Le Cid” really stand apart in the early 17th century drama? At the outset of our third part, a brief survey of the period drama reveals the gap between Rodrigue’s image as it was made by the critic treatment and the dramatic reality of the 1630-1650 era. Corneille’s tragicomedy is not the only successful play and its hero is not the only stage embodiment of the male figure as it was then represented. Several other playwrights were successful too. Yet, the critic treatment does not take them into account. It seems as if Corneille is the only author to be remembered in the history of literature. Thus, “Le Cid” is the play reference. But it alters our vision of the 17th century drama and mentalities.In fact, scores of critic theories were based on the idea of a glorious early 17th century (impersonated by Rodrigue) as opposed to a gloomier and declining period at the end of the century. But can one guarantee their truthfulness if they are only based on the character of Rodrigue to assert the grandeur of the early 17th century decades?To conclude, a precise and detailed reading of the period literature allows one to study many misinterpretations, particularly because of “Le Cid” unmatched success, and to consider the early 17th century with a brand new perspective
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Ocenas, Marek. "Recherche de l’effet tragique à l’époque de la Régence : naissance de la tragédie philosophique". Thesis, Lyon 2, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO20066.
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Dans le cadre général d’une interrogation sur le renouvellement de la tragédie classique française à l’époque de la Régence (1715-1723), le travail étudie plus spécifiquement la manière dont la recherche de l’effet tragique conduit à la naissance de la tragédie philosophique. Ce travail prend appui sur l’analyse des pièces représentées à la Comédie-Française au cours de cette période et accorde une attention particulière à leur réception contemporaine dans la presse périodique et dans les brochures. Il envisage d’abord les recherches de renouvellement de la tragédie à partir de deux polémiques, la Querelle des Anciens et des Modernes et la querelle sur la moralité du théâtre, en montrant comment la réflexion sur le théâtre conduit les auteurs à chercher des effets dramatiques mieux adaptés aux attentes d’un public dont la sensibilité évolue au début du XVIIIe siècle. Il établit ensuite que la production d’un plus grand effet est liée, d’une part, à l’intensification de l’effet de terreur à travers la mise en scène du personnage odieux et, d’autre part, à la recherche d’une plus grande action grâce à l’exploitation des éléments du sacré (oracles, prêtres et chœur). Il démontre enfin que, si les impiétés relevées dans un certain nombre de tragédies ne visent qu’à la production d’un plus grand effet, l’Œdipe de Voltaire peut être considéré comme la première tragédie philosophique dans la mesure où le dramaturge met en œuvre une véritable stratégie critique et où les attaques contre la religion sont clairement perçues par le public contemporain. Le travail analyse ainsi de quelle manière les mutations qui affectent le dispositif dramaturgique dans cette quête de l’effet peuvent faire de la tragédie le lieu de la diffusion des idées qui participent de l’émergence des Lumières. Le phénomène est déterminant pour les combats philosophiques à venir ainsi que pour la transformation de la société que les philosophes vont chercher à faire advenir grâce à un support accessible à un large publicWithin the quest of renewal of the French Classical Tragedy of Regency period (1715-1723); the work closely explores the way how looking for a tragic impact leads to the philosophical tragedy birth. This work is grounded on an analysis of the French Comedy dramas performed during this period, but in the process, it gives a special attention to their contemporaneous acceptance in periodicals and brochures. First of all, the work speculates about the tragedy renewal in terms of two polemics – the dispute between Olds and News, and the dispute about theatre morality, but in this process it demonstrates how the thoughts of a theatre lead authors to the searching of the better adapted dramatic impact in view of spectators’ expectation whose sensibility is under evolution in the low of 18th century. Afterwards, the work specifies how the greater impact generating is related to a rising intensity of a great fear through a baddy on the one hand and to the searching for a greater story through numinous elements (prophecy, priesthood and choir) on the other hand. Finally, the work shows the fact how far the blasphemies found in some tragedies are calculated only to make a greater impact, on the contrary the Voltaire’s Oedipus can be considered as the first philosophical tragedy with respect to the fact when a dramatist creates the real critical strategy and to the fact when the tilts at religion are distinctly perceived by contemporary spectators. Thus, the work analyses a phenomenon how the changes related to the dramaturgical “statement” under the impact seeking can change the tragedy into the instrument for dispensing ideas which are a part of the Enlightenment birth. This phenomenon is prevailing both for future philosophical fights and for society transformation whereof philosophers will strive this via a medium available to a general audience
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Darrieussecq, Marie. "Moments critiques dans l'autobiographie contemporaine : l'ironie tragique et l'autofiction chez Serge Doubrovsky, Hervé Guibert, Michel Leiris et Georges Perec". Paris 7, 1997. http://www.theses.fr/1997PA070070.
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Notre corpus (Doubrovsky, Guibert, Leiris et Perec) porte sur l'autobiographie contemporaine. Après avoir repéré le moment de crise individuelle (et souvent de catastrophe) au centre de chaque livre étudié, ainsi que les champs lexicaux de l'abîme et les structures d'emboîtement qui caractérisent le gouffre, nous avons étudié ce qui dans le texte tend à annoncer la crise, et codifie sous le nom d'ironie tragique le discours rhétorique qui l'encadre, voire les superstitions intimes, dont nous avons retracé le fonctionnement littéraire. Sans placer la problématique générique au centre de notre thèse, nous avons envisagé l'autofiction comme une nouvelle voie de l'autobiographie, tendant elle aussi à se poser comme un moment de crise. Le jeu des mots est à la fois ce qui sous-tend la pratique autofictive, et ce qui produit certains effets d'ironie tragique. L'intrusion du tragique dans la vie individuelle racontée à la première personne tend à remettre en cause les stratégies classiques de l'autobiographie, entre les deux pôles de l'indicible et du silence. Nous n'avons pas cherché à tout prix à comparer les textes, mais, pour chaque parcours individuel d'écriture, à repérer des moments mettant en cause la pratique autobiographique dans l'extrême contemporainThe books we study (Doubrovsky, Guibert, Leiris et Perec) are contemporary autobiographies. They are the stories of lives broken by individual crisis which are very often desasters. This crisis, in the center of each book, is characterized by the lexical field of the abyss, and also by interlocking structures around the gulf figur. We studied what announces the crisis in the text, and we codified, under the name of tragical irony, the rhetorics dealing with it; we also studied the literary functionning of the authors' personal superstitions. Our purpose was not to do a generic study; but we considered autofiction as a new way for contemporary autobiography, being a moment of crisis of this genre. The play on words is both what enables the autofictional writing, and what produces certain effects of the tragical irony. The irruption of the tragical in the individual life told on the first person threatens the classical strategies of autobiography, between the inexpressible and the silence of the desaster. We didn't force the texts in order to compare them, but we tried to mark out in each of them the critical moments that question autobiography at the end of this century
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Dion, Nicholas. "Entre les larmes et l’effroi. Inflexions élégiaques et horrifiques dans le théâtre tragique, de l’âge classique aux Lumières (1677-1726)". Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040099.
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Notre thèse se penche sur les tragédies créées entre la retraite professionnelle de Racine (1677) et l’amorce d’un renouvellement de la poétique tragique vers les années 1730, marquées par une interruption des carrières de Crébillon et de La Motte, la publication, notamment, des Discours de ce dernier et du Théâtre des Grecs du Père Brumoy, et le retour d’Angleterre du jeune Voltaire. Nous y interrogeons dans un premier temps la sclérose qui gagne la scène et la poétique tragiques en rapport avec les premiers essais de définition de l’élégie, qui mettent en évidence la porosité des deux genres, et un retour en force de l’esthétique de l’horreur occasionnée par la concurrence directe entre la Comédie-Française et le succès des tragédies lyriques du Palais-Royal. Nous étendons ensuite nos conclusions à l’étude des composantes poétiques et dramaturgiques des tragédies de l’époque, où nous analysons les inflexions élégiaques et horrifiques qui se dégagent des effets de structure dus à des interprétations opposées de la notion de simplicité ; dans la même perspective, nous examinons les inflexions qui gagnent la typologie des personnages et les rapports entre les intrigues amoureuse et politique. Enfin, nous abordons le rôle des motifs élégiaques et horrifiques dans la recherche de l’effet tragique, plus particulièrement en ce qui concerne les larmes et l’effroi, ainsi que la transposition sur la scène française du modèle antique des Héroïdes, où ces deux tendances sont réuniesThis thesis investigates tragedies written between Racine’s retirement (1677) and the beginnings of a renewal of the poetics of tragedy in the 1730s, a period marked by the interruption of the careers of Crébillon and La Motte, the publication of La Motte’s Discours and Père Brumoy’s Le Théâtre des Grecs as well as young Voltaire’s return from England. First, it examines the ossification of the theatre and the poetics of tragedy in connection with early attempts to define the genre of elegy that highlight the porosity of the two genres, along with a revival of the aesthetics of horror arising from direct competition between the Comédie-Française and the successful lyrical tragedies of the Palais-Royal. Conclusions are subsequently applied to a study of the poetic and dramaturgical components of the era’s tragedies, based on an analysis of the modulations of elegy and horror that emerge from structural effects created by conflicting interpretations of the concept of simplicity. The modulations that permeate the character typology and the relationships between political plots and love plots are then analyzed from the same angle. Lastly, the thesis concludes with an exploration of the role of the motifs of horror and elegy in the pursuit of tragic effect, more specifically with regard to tears and fright, and the adaptation of the ancient model of the Heroïdes for French theatre, in which these two trends are combined
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Ortoli, Philippe. "La plaie à vif : le héros tragique à travers l'analyse filmique de quelques westerns américains et italiens". Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1997AIX10003.
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Pour decouvrir comment se definit le heros tragique dans le western, il nous a semble pertinent de pratiquer une rigoureuse analyse filmique (decoupages "plan par plan", croquis explicatifs) des oeuvres dans lesquelles il s'est le plus illustre. Nous les avons effectivement envisagees comme une mythologie singuliere, ou, sous diverses defroques, apparait notre figure. Loin de toute perspective chronologique, le regroupement des films a donc ete propose par la facon dont s'y presentait l'evolution interne du heros et de sa mission. Qu'y lit-on? en premier lieu (la premiere partie: "l'homme de nulle part", exemple: l'homme des vallees perdues), il s'apparente a un cavalier solitaire aidant une communaute a lutter contre des "mechants" pour creer une societe dont il sera automatiquement rejete, car l'exclusivite de sa fonction lui interdit de se fixer et d'endosser la carapace d'un citoyen. Puis, lorsque les grands espaces se muent en villes (la deuxieme partie: "le retour du banni", exemple: le train sifflera trois fois), il devient un etre soucieux d'une stabilite sociale que viennent lui contester des agresseurs exterieurs, le forcant a constater sa singularite, au moment d'un combat que lui seul peut assumer. C'est tout naturellement qu'il se retrouve ensuite, dans un ouest embourgeoise, vagabond erratique a la recherche d'une action qui ressemble a son identite perdue (la troisieme partie: "l'appel du vide", exemple: la horde sauvage).
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Uomini, Steve. "Histoire cachée : polygraphie historique et comportements intellectuels dans la France du XVIIème siècle". Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040052.
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L'objet de cette étude est l'analyse approfondie d'un important corpus de documents historiographiques français rédigés entre 1612 et 1696. Articulé en trois étapes fondamentales, l'examen des propriétés thématiques et structurelles de la polygraphique historique au XVIIe siècle se focalise successivement sur les traditions tragiques, romanesques et anecdotiques. Une première approche vise à inscrire les stratégies professionnelles des auteurs dans une perspective prosopographique. Parallèlement, l'enquête critique consacrée aux procédures diplomatiques, aux options référentielles, aux présupposés épistémologiques et aux considérations historiologiques est envisagée dans l'optique d'une contribution à la connaissance des protocoles méthodologiques appropriés à l'historiographie narrative du grand siècle. A ces deux pôles d'investigation s'ajoute l'exploration des a priori discursifs sous-tendant l'agencement des configurations thétiques et formelles, révélatrice de paradigmes intellectuels opératoires. Conjointement, l'inventaire exhaustif des procédés topiques et le recensement complet des caractéristiques argumentaires ont pour objectif commun la reconstitution des indices comportementaux, tant récurrents qu'implicites, exclusivement perceptibles au travers du prisme des représentations collectives. Enfin, l'inspection des principales phases de la réception littéraire, allant de l'acquiescement des instances tutélaires et censoriales à l'éventuel assentiment savant en passant par l'approbation éditoriale et lectorale, autorise une réévaluation de la culture historique de l'époque à la lumière de matériaux documentaires peu exploitesThe aim of this study is a thorough analysis of a large body of French historiographical works written between 1612 and 1696. Divided into three main stages, the examination of thematic and structural characteristics of seventeenth-century narrative historiography focuses on tragic, romantic and anecdotal traditions. A series of preliminary biographical surveys is intended to collate ascertainable data pertaining to the specific professional strategies involved in historiographical-related careers. Concurrently, critical inquiry devoted to documentary procedures, referential options, epistemological presuppositions and historiological considerations is conducted as a contribution to the understanding of inherent methodological conventions substructing early modern historical narrative genre. In addition to prosopographical and diplomatological areas of investigation, an exploration of emblematic discursive presumptions underlying the deployment of formal and thetic configurations is designed to reveal operative intellectual paradigms. The exhaustive inventory of topological processes and the complete enumeration of salient locutionary features conjointly fulfill the purpose of reconstructing both implicit and recurrent behavioral indications exclusively discernible through collective representational perspectives. Finally, close inspection of the principal phases of contemporaneous literary criticism ranging from tutelary and censorial intervention to scholarly opinion, including publisher's and reader's scrutiny, accredits a reevaluation of prevalent assumptions regarding antecedent historical culture in light of hitherto unutilized source materials
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Saint, Martin Marie. "Etre sœur sur la scène tragique : Electre dans l’Athènes du Ve siècle et dans l’Europe moderne (1525-1830)". Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040182.
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Dans la réadaptation d’un mythe, l’évolution des mentalités, notamment en ce qui concerne les représentations familiales, donne lieu à de larges remaniements de l’intrigue proposée par la tradition antique. Le mythe d’Electre, peut-être parce qu’il propose un modèle déjà compliqué à assumer pour les Grecs anciens (un fils tuant sa mère), est l’objet d’une transmission difficile. La rareté des Electre au XVIIe siècle, puis les innovations auxquelles les dramaturges sont contraints pour les adapter dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, attestent ces difficultés. Le personnage d’Electre, en tant que sœur, subit des modifications en profondeur, même si elle demeure toujours fidèle à l’idéal de réunion familiale : désormais, cette réunion inclut la mère, ce qui implique un regard très différent sur le matricide. Les réactions de la jeune fille sont parfois difficiles à comprendre ; on peut néanmoins les rattacher, d’un point de vue juridique et social, à des normes auxquelles elles obéissent, même lorsqu’elles semblent les transgresser. La période durant laquelle le mythe d’Electre est le plus dynamique en Europe correspond à un nouvel intérêt pour les relations familiales. L’on peut noter, dans la tragédie, une transition entre des pièces (au XVIIe siècle) où le rôle de la sœur demeure largement indifférencié, vers des pièces (au XIXe) où la sœur est un personnage compris pour la richesse de la relation qu’il entretient avec le frère. Les intrigues consacrées à Electre mettent en avant la relation du frère et de la sœur : cette spécificité contribue à expliquer pourquoi la fable connaît un tel essor, à l’époque même du drame bourgeoisWhen adapting a myth to theatre, the plot from the original antique tradition is often largely modified to suit the audience’s mentality of the time, especially as far as the reprensentation of the family ties is concerned. Perhaps because it proposes a model which is complicated even for ancient Greeks to accept (that of a son killing his mother)The Electra myth has had a difficult transmission through the ages. The rare occurences of Electra in the XVIIth century, and the necessary innovations that playwriters had to invent to adapt the subject during the second half of the XVIIIth century confirm those difficulties. As a sister, Electra’s character is deeply modified. Even if she remains attached to an ideal of family unity, this reunion now includes the mother, which implies a totally different view of the matricide in the original text. Although the young woman’s reactions are sometimes difficult to understand, from a legal and social point of view they can be linked to the norms to which they obey, even when they seem to break them. The Electra myth is at its most dynamic time in Europe when a new interest in familial relationships is growing. In tragedy, there is a noticible transition between plays in the XVIIth century where the role of the sister is widely unspecialized, to plays in the XIXth century where the sister character is recognised for its rich relationship with the brother. Intrigues dedicated to Electra stress the relationship between the brother and sister: that specificity helps to explain why this antique fable is so popular at the very same time as the drame bourgeois
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Remy, Julien. "La représentation des genres comiques et tragiques dans les écritures surréalistes entre 1910 et 1940". Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017AZUR2036/document.
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Les écritures et représentations surréalistes offrent, à partir de 1919, des visions nouvelles de la réalité, tributaires d’un ressenti original. S’éloignant de l’académisme et de l’imitation, celles-ci explorent l’inconscient, ouvert par le champ psychanalytique freudien, afin de tenter de cerner les pensées cachées. Le résultat des expérimentations et des jeux sémantiques des surréalistes laisse ainsi entrevoir des représentations absurdes où objets et définitions ne coïncident plus. C’est à partir de cette dissociation entre l’idée de la chose et de sa représentation que naissent certaines dimensions comiques et tragiques, réelles ou irréelles. Le surréalisme transcende et transgresse alternativement les normes communément admises par la société. Grâce à cette subversion, apparaissent des images novatrices. La poésie surréaliste cherche à dévoiler une réalité intérieure créée par l’imagination et une réalité extérieure formée par la pensée consciente. Un déséquilibre surgit alors et des indices sémiotiques nous laissent découvrir la vraie nature de chaque représentation. Tantôt burlesque, tantôt sublimée, la représentation de la vie et de la mort, prend une signification encore méconnue du grand public. En entrant dans le labyrinthe de l’analyse psychanalytique, les surréalistes ont créé une voie et se sont affranchis des courants artistiques précédentsStarting 1919, the surrealistic writings and representations offer new visions of reality, dependent from an original perception. Moving away from academism and imitation, they explore the unconscious, open by a psychanalytic Freudian field in order to express hidden thoughts of their consciousness. The result of their experimentations and of their semantic games allow leeway for absurd representations where objects and their definitions do not coincide anymore. It is from this dissociation between the idea of the object and its representation that comic and tragic dimensions are born, from the real and the unreal. Surrealism transcends and transgresses alternatively the norms commonly adopted by society. It is from this subversion that new images appear. Surrealistic poetry reveals an interior reality that is created by the imagination and by an exterior reality shaped by unconscious thoughts. Thus an imbalance arises and semiotic hints allow one to discover the real nature of each representation. Sometimes burlesque sometimes sublime, the representation of life and death takes on a significance still unknown by the grand public. By entering the maze of the psychanalytic analysis, the surrealists created a pathway and emancipated themselves from previous artistic movements
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Ponchon, Pierre. "La rationalité tragique. Essai sur la constitution d'une forme de pensée d'Héraclite à Thucydide et sur sa critique platonicienne". Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2010. http://www.theses.fr/2010CLF20010.
Texto completoResumen
Le tragique et la tragédie ont souvent été considérés, à la suite de la condamnation platonicienne, comme l’expression de l’émotion et de l’irrationnel. Le concept de rationalité tragique vise à approcher le tragique comme une forme de pensée pleinement rationnelle, quoique relevant d’une autre raison que la raison philosophique. Elle englobe des conceptions « littéraires », éthiques, politiques, théologiques voire ontologiques diverses mais relevant d’un même cadre de pensée, moins englobant que la mentalité et moins rigide que la doctrine, auquel se rapportent différents penseurs. L’enquête s’oriente à travers la critique de la tragédie et du tragique par Platon pour tenter de déterminer les caractères essentiels de cette forme de pensée à partir de l’opposition de Platon. Trois principes caractéristiques se dégagent : la Guerre, le Flux, et le Multiple. Dès lors la carte des présocratiques peut être redessinée. Non seulement on identifie une nouvelle tradition, celle de la pensée tragique, dont Héraclite est un représentant majeur, mais dont on trouve des traits aussi chez Empédocle ou Protagoras, mais cette tradition ne se limite pas aux penseurs qu’on classe comme philosophes. En plus des poètes tragiques, on peut y faire figurer un écrivain comme Thucydide. L’étude détaillée de la rationalité tragique dans son œuvre nous permet à la fois d’identifier comme des produits tragiques ses grandes réalisations que constituent sa forme littéraire originale, sa conception de la nature humaine et son réalisme politique, mais aussi de vérifier sur un exemple non tributaire de Platon la pertinence des concepts qui définissent le tragique comme rationalitéTragic and tragedy has often been regarded, as a result of Plato's condemnation, as being the expression of emotion and irrationality. The concept of tragic rationality aims to approach tragic as a fully rational form of thought, although belonging to another type of reason than the philosophical one. It includes various «literary», ethical, political, theological or even ontological conceptions belonging to the same frame of thought that many thinkers relate to, less encompassing than mentality and less inflexible than doctrine.The inquiry makes its way through Plato's criticism of tragic and tragedy in order to determine this form of thought's essential characteristics, drawing from Plato's opposition. Three characteristic principles emerge : the War, the Flow, the Multiple.From then on, a new presocratic map can be drawn. Not only do we identify a new tradition, that of tragic thought, of which Heraclitus is a major representative and which is featured in Empedocles and Protagoras' works, but we discover that this tradition spreads beyond the group of thinkers classified as philosophers. Besides tragic poets, we can also include a writer like Thucydides. A detailled study of tragic rationality in his work enables us both to identify as tragic products the great achievements that are his original literary form, his conception of human nature and his political realism, and to verify the relevance of the concepts defining tragic as a form of rationality, using an example independant from Plato
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Melai, Maurizio. "Les derniers feux de la tragédie classique : étude du genre tragique en France sous la Restauration et la Monarchie de Juillet". Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040038.
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La présente étude porte sur la pratique du genre de la tragédie classique au XIXe siècle, en particulier sous la Restauration et la Monarchie de Juillet. Ce qui nous intéresse, ce sont les développements les plus tardifs du genre tragique en France, genre dont nous documentons l’évolution et le déclin progressif au cours de la première moitié du XIXe siècle, c’est-à-dire jusqu’à sa disparition des théâtres français, qui a lieu autour de 1850. En nous basant sur un corpus de quatre-vingt pièces, nous essayons de brosser un tableau complet de la tragédie et des auteurs tragiques de la Restauration et de la Monarchie de Juillet, ou plus exactement des quarante années comprises entre 1814 et 1854. Conçu comme l’étude d’un code littéraire, ce travail s’articule en deux parties : dans la première, nous définissons le code tragique post-napoléonien sur la base des constantes formelles qui le caractérisent, en montrant l’évolution que le genre connaît des points de vue stylistique, structurel et plus strictement dramaturgique ; dans une seconde partie, nous examinons les constantes thématiques de ce code, en étudiant les stratégies par lesquelles la tragédie transpose, à travers les sujets historiques fortement allusifs qu’elle traite, les grandes problématiques politico-sociales de son temps. En documentant la continuité qui existe entre cette tragédie tardive et le drame romantique, nous cherchons enfin à valoriser les pièces de notre corpus et à mettre en évidence leurs traits modernes, ce qui nous conduit à rechercher les raisons de la persistance d’un genre traditionnel comme la tragédie classique et les facteurs qui déterminent sa revitalisation au XIXe siècleThis study concerns the practice of the genre of classical tragedy in the nineteenth century, particularly during the Restoration and the July Monarchy. It focuses on the last developments of tragedy in France and documents the evolution and the progressive decline of this genre during the first half of the nineteenth century; that is until its disappearance from French theatres, which took place around 1850. By considering a corpus of eighty plays, this work aims to give a clear picture of the tragic genre and tragic authors of the Restoration and the July Monarchy, or more exactly of the forty years from 1814 to 1854. This work is conceived as the study of a literary code and is divided into two parts: in the first part, we try to define the tragic code of the post-Napoleonic era on the basis of the formal constants which characterise it, showing the evolution of the stylistic, structural and dramaturgic features of tragedy. In the second part, we look at the thematic constants of this code, studying the strategies that tragedy uses to transpose – through the historical and highly allusive subjects that it treats – the principal social and political problems of its time. Finally, by showing the continuity which exists between the declining tragic genre and the romantic drama, we try to valorise the texts in our corpus and to underline their modern features. This leads us to look for the reasons behind the persistence of a traditional genre like the classical tragedy and for the factors which revitalise it in the nineteenth century
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Leduc, Berryman Alexandre. "Le problème de l'histoire dans la Krisis de Husserl". Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2019. http://hdl.handle.net/10393/39967.
Texto completoResumen
La phénoménologie française contemporaine se caractérise par ce que nous nommons une paradoxale référence au fondateur de cette discipline, E. Husserl. Malgré la revendication de l’une de ses idées directrices, le plus fréquemment inspirée du « principe des principes », l’on juge le plus souvent qu’il faut se départir de son cadre idéaliste transcendantal et de ses réquisits, comme la théorie de la constitution et l’exigence de scientificité. Son ouvrage posthume, la Krisis, où figure sa tentative de rendre compte philosophiquement de l’histoire et de l’historicité, a été vu par de nombreux critiques, notamment P. Ricœur et J. Derrida, comme le lieu où la phénoménologie husserlienne et son idéalisme sont mis le plus clairement en échec. Ce mémoire se propose de montrer que l’interrogation idéaliste transcendantale du phénomène de l’histoire ne fait pas bon marché du principe des principes découvert par la phénoménologie, souvent revendiqué comme moyen pour rendre compte de la finitude de l’existence humaine. L’étude de trois aspects négligés de la phénoménologie proposée dans la Krisis permettra de soutenir cette thèse : (1) à côté de l’historicité positive du savoir qui présente son progrès constant à travers l’histoire, l’œuvre posthume de Husserl donne à voir ce que nous nommons une historicité tragique, marquée par les crises et la possibilité irréductible de la perte du sens au cours de sa transmission ; (2) l’idéalisme husserlien, loin d’être par principe indifférent à la question de l’histoire, permet de penser ce que les Méditations cartésiennes nomment une histoire de l’ego, et qui correspond à une histoire de la constitution de l’expérience de la conscience ; (3) enfin, le concept d’autoresponsabilité dans la philosophie husserlienne permet de montrer que cette dernière place en son cœur le constat indépassable de la finitude de la rationalité. En dernière analyse, la seule façon de soutenir un progrès constant du savoir et de surmonter l’historicité tragique réside dans « l’autoresponsabilisation » de l’ego philosophant, qui doit se rendre maître de l’exigence d’autoréflexivité qui lui est imposée par l’essence même de la rationalité philosophique.
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Ing, Phouséra. "Surlendemain de cendres : essai sur la nécessité et les limites de la représentation en art : bande dessinée, peinture et sculpture dans l’Histoire récente et tragique du Cambodge". Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H318.
Texto completoResumen
L’objet de ma thèse est de dévoiler et d’analyser mon processus de création, aussi bien dans ma pratique plastique que dans celle des arts graphiques. Si mes peintures et mes bandes dessinées semblent avoir peu en commun, elles sont non seulement enchevêtrées, comme si de leur rencontre pouvait se révéler ce qui n’est jamais tout à fait dit ni dans les unes ni dans les autres, mais elles s’épanouissent d’autant dans leur métissage, dans leur complémentarité. J’aborde la bande dessinée sous le prisme de ses fonctions mémorielles et documentaires. Ma recherche trouve son origine dans le questionnement de l’histoire contemporaine du Cambodge, et plus particulièrement de ce temps privé d’images, de cette déchirure que constitue le génocide perpétré par les Khmers rouges. Génocide effacé, dont les conséquences post-traumatiques perdurent jusqu’à aujourd’hui. Malgré le travail de la justice, et la reconnaissance partielle obtenue récemment, le déni de sa réalité et de sa signification se prolonge. Ma démarche artistique et testimoniale traverse le champ et le hors-champ du traumatisme. Il est plus que jamais urgent de lutter contre l’abrasion de ce passé. J’ai engagé toute mon œuvre dans ce travail mémoriel, du fait de la relation intime que j’entretiens avec la tragédie cambodgienne. Si ma création s’inscrit dans les pratiques artistiques contemporaines de représentation, elle constitue également une contribution au livre ouvert de l’histoire du Cambodge. Pour l’Histoire, pour le peuple cambodgien, pour les générations futures. Elle est aussi un hommage à ceux qui ne sont plus làMy thesis aims at unveiling and analysing my creating process, whether it be in my visual artistic practice or in my graphic arts practice. Although my paintings and my graphic novels seem to have little in common, not only are they intertwined, as if from their encounter could be revealed what is never completely expressed neither in the former nor in the latter, but they are thriving all the more in their mixing and complementarity. My approach to graphic novel is considered through the lens of its memory and documentary functions. My research finds its origins in the questioning as regards the modern history of Cambodia, and more specifically this time deprived from images, this wrench caused by the genocide perpetrated by the Khmer Rouge. This genocide has been erased, and its post-traumatic consequences have lingered to this day. Despite the work of justice, and the partial recognition obtained recently, the denial of its reality and meaning is persisting. My artistic and memory approach reaches within and outside the scope of trauma. It is urgent, now more than ever, to combat this erasing from the past. Through my artwork, I have entered into this memory work, given the intimate relationship I have with the Cambodian tragedy. My creation is not only part of the modern artistic representation practices, but it is also contributing to the open book of the history of Cambodia. For the sake of History, for Cambodian people, for future generations. My creation is also a homage to those who are no longer here
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Ehl, Patricia. "La réception des figures historiques dans les Tragoediae seu diversarum gentium et imperiorum magni principes de Pierre Mousson : l'exemple de la réécriture tragique de la mort de Pompée dans Pompeius Magnus (1621)". Thesis, Metz, 2009. http://www.theses.fr/2009METZ025L.
Texto completoResumen
Si notre étude des Tragoediae sev diversarum gentium et imperiorum magni principes (1621) de Pierre Mousson (Petrus Mussonius) présente la réception de quatre figures historiques de l'Antiquité lors du renversement de leur pouvoir, nous nous centrons essentiellement sur la pièce liminaire du recueil, Pompeius Magnus, réécriture tragique de la mort de Pompée, où nous analysons le processus d'élaboration mis en œuvre à partir d'un épisode essentiel de la vie de ce personnage historique, à la lumière des modèles esthétiques de l'Antiquité, des historiens grecs à l'épopée latine. Son esthétique dramatique privilégie la dimension culturelle par rapport aux intentions édifiantes : fragilité des grandeurs, opposition entre sagesse et démesure. Relevant, par son écriture dans le cadre d'un collège jésuite, d'un théâtre pédagogique spectaculaire, elle s'inscrit dans une tradition encore récente d'un théâtre moral destiné à la représentation. Notre analyse étudie comment, en empruntant sujets et forme littéraire à la culture antique, ce Père jésuite, professeur de rhétorique, a composé ce corpus dans la tradition du théâtre humaniste, alliant tragédie et histoire, dans une dimension rhétorique qui répond aux exigences de l'enseignement jésuite.Bien qu'éditées en 2000 par R. Rieks (Petrus Mussonius, Tragoediae, Peter Lang, Frankfurt am Main, 2000), ces tragédies n'ont fait l'objet d'aucune traduction, d'aucune analyse approfondie de leurs sources antiques, d'aucune étude de leurs conditions de rédaction et de représentation, ce qui motive le présent travail, étude de la réception de figures historiques et de genres littéraires antiques, sous l'influence de la rhétoriqueThis study about Tragoediae sev diversarum gentium et imperiorum magni principes (1621) from Pierre Mousson (Petrus Mussonius), presents the reception of four historical figures of Antiquity when they were falling their authority ; but we focus our attention essentially on the preliminary play of the compilation, Pompeius Magnus, which is a tragic rewriting of the death of Pompée, and we analyse the development process implemented from an essential episode of the life of this historical character, with regard to aesthetic models of antiquity, from Greek historians to the Latin epopee. His aesthetics privileges the cultural dimension compared to the edifying intentions : fragility of splendours, opposition between moderation and excessiveness. Concerning the spectacular teaching theatre because written in the Jesuit colleges, it also falls under a still recent tradition of a moral theatre intended for the representation. We study how this Jesuit Father, who taught rhetoric, took inspiration from topics and literary form to the ancient culture, and composed this corpus in the tradition of humanistic theatre, by combining tragedy with history, in rhetorical dimension which fulfils the requirements of Jesuit pedagogy. Although published by R. Rieks (Petrus Mussonius, Tragoediae, Peter Lang, Frankfurt am Main, 2000), these tragedies have never been translated, their ancient sources never thoroughly analysed, and their conditions of writing and performing never studied ; all these reasons justify this work about reception of historical figures and literary styles of Antiquity, under rhetoric influence
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Zouganeli, Anna. "Les fragments des poètes tragiques grecs du quatrième siècle avant notre ère : édition, traduction et commentaire". Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040152.
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La tragédie du quatrième siècle fut considérée depuis l’antiquité comme une phase de décadence du genre tragique. Toutefois, plusieurs spécialistes ont montré qu’il ne s’agissait pas d’un déclin : le théâtre continuait à jouer un rôle important dans la vie culturelle du monde grec. Dans cette thèse nous proposons une nouvelle édition des fragments des poètes tragiques grecs du quatrième siècle, qui furent actifs entre la fin de la guerre du Péloponnèse et la mort d’Alexandre le Grand. L’édition des textes est précédée d’une courte introduction sur chaque poète et suivie de leur apparat critique, leur traduction et des commentaires. Nous proposons également un nouvel ordre des poètes et des témoignages pour faciliter l’étude de ces textes. Nous espérons que cette thèse contribuera à une meilleure compréhension de cette production méconnue et invitera à des nouvelles recherchesAfter the death of Euripides and Sophocles, tragic poets continue to write tragedies. During the fourth century BC theatre expanded all over the Greek world. In this thesis, I propose a new edition of the tragic fragments of the fourth century BC, by poets who were active from the end of the Peloponnesian war to the death of Alexander the Great. The edition of these texts is preceded by a brief introduction on each poet and followed by a critical apparatus, their translation and commentaries. I also propose a new order of the poets and testimonies in order to facilitate the study of the texts. I hope this thesis will contribute to a better understanding of this relatively unknown production and inspire new researches
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Fuga, Béatrice. "Buona Novella, Cattiva Reputazione. Domesticating Matteo Bandello's Novelle in Early Modern England". Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2024. http://www.theses.fr/2024PA030021.
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Le répertoire des traductions anglaises d’œuvres en italien au début de la période moderne est vaste et hétérogène, notamment en raison de la circulation européenne des textes en langue vernaculaire. Publiés à peine dix ans après les Novelle (1554) de Matteo Bandello,The Palace of Pleasure (1566-1567) de William Painter et Certain Tragicall Discourses(1567) de Geoffrey Fenton peuvent être considérés comme des catalyseurs du développement de la fiction et du théâtre élisabéthains. Cependant, Fenton et Painter s'inscrivent dans un processus de traduction bien plus vaste, dont les précurseurs sont les traducteurs français, Pierre Boaistuau et François de Belleforest. Ces deux écrivains publient dès 1559 le premier tome des Histoires tragiques. La novella, elle-même à la croisée des genres, peut surtout éclairer les relations ambivalentes entre l'Italie, la France et l'Angleterre. Dans la présente thèse, j’analyse les traductions anglaises des Novelle en les mettant à la fois en rapport avec le texte source et ses traductions françaises. Ces textes montrent, à travers leurs lacunes linguistiques, omissions et ajouts, la tendance anglaise à la réappropriation des mœurs italiennes. L’objectif de ce travail est de réaffirmer la valeur littéraire de ces œuvres, en particulier celle de la monographie bandellienne de Fenton, qui demeure assez inexplorée à cause de sa prose ardue et baroque. En effet, en purifiant le contenu des Novelle, Fenton tentait d’offrir à ses lecteurs et lectrices un pharmakon contre la mauvaise conduite, tout en gardant ses distances à travers les mécanismes de traduction, de ‘domestication’ et de moralisation de la coutume italienneIssued only a decade after Matteo Bandello’s Novelle (1554), William Painter’s ThePalace of Pleasure (1566-1567) and Geoffrey Fenton’s Certain Tragicall Discourses(1567) can be seen as catalysts for the development of later Elizabethan fiction and drama.However, Fenton and Painter need to be situated more finely within a wider European translating process, as they mostly based their own endeavours upon the work of Bandello’s French translators, Pierre Boaistuau and François de Belleforest. Indeed, in1559, these two writers published a collection of Histoires tragiques, drawing on the Italian source. In the English translation of the Italian novella, the domestication of Italian culture is operated through a moralisation and a redemption of‘Italianated’ corrupted manners. The present study, which seeks to situate itself within thefield of early modern translation studies, will necessarily be comparative, taking into account the different strata leading up to the final cultural and literary output in English,with a distinct focus on Fenton’s Bandellian monography
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Zanin, Enrica. "Fins tragiques : poétique et éthique du dénouement dans la tragédie pré-moderne en Italie, en France et en Espagne". Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040234/document.
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La poétique du dénouement pré-moderne, dans les tragédies italiennes, françaises et espagnoles, est liée à un souci éthique: la fin de l'intrigue est le lieu attendu qui en dévoile le sens et qui dit sa morale. Or, le dénouement tragique répond à une double exigence: s'il conclut la tragédie, il doit aussi renverser le sort du héros. Pour achever la tragédie, le dénouement doit réaliser un équilibre moral; pour renverser l'intrigue, il doit susciter un excès pathétique. Ces deux exigences sont issues de deux modèles théoriques opposés: la logique de l'exemplarité et l'efficacité pathétique. La thèse analyse les stratégies poétiques que théoriciens et dramaturges mettent en place pour concilier ces deux modèles poétiques, au sein des trois critères qui définissent le dénouement (son orientation, ses modalités et sa structure) et des problèmes éthiques qu'ils posent (l'enchaînement de la causalité, la faute et la rétribution du héros). Les efforts pour concilier exemplarité et pathétique se soldent par un échec. En dépit de leurs différences, les trois traditions nationales dénoncent les faiblesses de la logique de l'exemplarité, qui ne permet pas de justifier, par une règle de conduite universelle, l'expérience du malheur, du désordre, de l'injustice. Le dénouement tragique incite alors le spectateur à un déchiffrement herméneutique pour trouver des raisons à la misère inexplicable du héros, que manifeste le renversement de fortuneThe poetics of early modern denouement in Italian, Spanish and French tragedies implies an ethical issue. The ending of the plot is the expected climax which reveals the meaning and the moral of the story. The aim of the tragic denouement is twofold: it concludes the play and it reverses the hero's fate. In order to conclude the tragedy, the denouement restores a moral balance; in order to reverse the plot, it gives rise to a pathetic excess. Two divergent theoretical models underlie this dual requirement: the logic of exemplarity and the poetics of pathos. I propose to examine the strategies displayed by theorists and dramatists in order to bring together these two theoretical models. I therefore consider the three main features of the denouement (its direction, mode and structure) and the ethical issues to which they give rise (the sequence of causality, the tragic flaw and its atonement). The conciliation between exemplarity and pathos proves an impossibility: Italian, Spanish and French tragedy, despite their differences, denounce the logic of exemplarity as inadequate and unfit to justify, through the expression of a theoretical rule, the experience of misfortune, injustice and chaos. The tragic denouement leads the spectator to a hermeneutic deciphering that may uncover the reasons for the hero's inexplicable misfortunes
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Dion, Laetitia. "Histoires de mariage- Une contribution à l’histoire des formes narratives à la Renaissance : le mariage dans la fiction narrative française (1515-1559)". Thesis, Lyon 2, 2012. http://www.theses.fr/2012LYO20066.
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Les études consacrées à la représentation du mariage dans les textes narratifs au XVIe siècle cherchent le plus souvent à mettre en rapport l’image du lien conjugal construite par les récits avec les débats de l’époque. Nous avons voulu combiner cette approche, relevant davantage de l’histoire des idées, à une analyse des formes littéraires en nous interrogeant sur le rôle joué par le thème du mariage dans les évolutions du genre narratif à la Renaissance.Nous menons notre enquête sur un ensemble de douze fictions narratives en prose, de composition française, écrites entre 1515 et 1559. Durant cette période, le mariage se trouve au cœur de nombreuses controverses théologico-politiques et les regards portés sur la vie conjugale se modifient. En nous appuyant sur un travail de contextualisation historique, nous croisons une approche thématique avec une réflexion sur la poétique narrative pour étudier la structuration des intrigues, la construction des personnages et les dispositifs didactiques et herméneutiques des textes. La comparaison de nos récits à d’autres œuvres – contemporaines ou antérieures, françaises ou étrangères – fait apparaître, au cours de notre période, un renouvellement de la matière narrative autour du mariage. L’accent mis sur certaines situations matrimoniales et les enjeux spécifiques qui leur sont associés à l’époque se révèlent être un ferment favorable à l’apparition de structures narratives innovantes. Le mariage joue en particulier un rôle déterminant dans l’orientation des récits brefs vers le genre de l’histoire tragique et dans l’apparition de formes romanesques originales à travers lesquelles on voit s’élaborer le genre du roman sentimentalIn most cases, studies devoted to the representation of marriage in narrative texts of the 16th century aim to link the image of the marriage bond as elaborated in the narratives to the controversies of the time. In order to show how the theme of marriage has played a part in the development of the narrative genre in the French Renaissance, we have decided to combine such an approach, which is rather based on the history of ideas, with an analysis of literary styles.We have conducted our survey on a set of twelve prose narrative fictions written in French between 1515 and 1559. Marriage was then at the heart of many theological-political controversies and married life started to be seen in a new light. Basing our work on historical contextualization, we have intertwined a thematic approach with a reflection on narrative poetics so as to study the plot structure and characterization as well as the didactic and hermeneutic systems of the texts. Comparing these narratives with other literary works – contemporary or prior, French or foreign – has enabled us to highlight a renewal of the narrative matter related to marriage themes during that period. The emphasis put on certain matrimonial situations and the related specific challenges in those days created favourable grounds for the advent of innovative narrative structures. Marriage stories have particularly contributed to orienting short stories towards the style of tragic stories and to giving birth to original novelistic forms in which the early stirrings of the style of the sentimental novel can be seen
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Pasquet, Laetitia. "Le rire de l’horreur sur la scène anglaise contemporaine : vers une nouvelle poétique de la comédie ?" Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040087.
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Paradoxal, le rire de l’horreur constitue cependant une donnée majeure de l’expérience théâtrale contemporaine. Il procède d’une mutation du comique qui en vient à exprimer la violence au lieu de l’édulcorer. Sur la scène anglaise d’après l’abolition de la censure (1968), le comique se fait miroir des angoisses de la société et l’horreur, mise en scène de façon de plus en plus naturaliste, fait rire le public tout en suscitant un profond malaise qui interroge la position du spectateur. Mais, dans un mouvement inverse et encore plus dérangeant parce qu’insidieux, l’humour se fait aussi vecteur d’effroi quand l’horreur est tue ou euphémisée, renvoyant alors au public une interrogation profondément éthique sur l’humanité de son rire. Ces mutations esthétiques s’insèrent dans une profonde déstabilisation de la nature même de la comédie et de son idéologie optimiste et humaniste : si certains sous-genres (la farce, la comedy of manners, la city comedy, la parodie) représentent volontiers des situations horribles, la comédie est structurellement défigurée quand elle incorpore une ontologie horrible, quand sa forme n’implique plus le progrès mais l’arbitraire et quand son dénouement se fait explicitement dissonant. L’horreur, défigurant de manière ludique la forme de la comédie, devient un principe poétique qui renouvelle le genre, et en particulier les archétypes comiques inoffensifs pour les rendre terribles. Car c’est à l’aune de la tragédie défaillante que se refonde la comédie et le rire s’y étouffe, lesté d’une conscience du tragique soulignée par la culpabilité inhérente à de nombreux éclats de rire, mais surtout par la dérision des valeurs tragiques et la relativisation de l’absolu dans l’humour. Dans ces conditions, le rire devient un moyen d’accéder à la puissance des émotions tragiques, et la catharsis se redéfinit, s’éloignant de la traditionnelle purification des passions pour devenir une réintensification de leur pouvoir humanisantParadoxical as it may be, laughing at horror is a major feature of the contemporary theatrical experience. It emerges from a shift in the comic mode which now expresses violence instead of muffling it. In the aftermath of the abolition of censorship in the United Kingdom (1968), this comic mode has held a mirror up to society’s fears and horror has been staged in a more and more naturalistic way, so as to make the audience laugh while unsettling them, questioning the very position of the spectators. However, in a converse and even more disturbing way, humour has become a way to appal them, subduing horror instead of underlining it and thereby deeply questioning them on the humanity of laughter. Those aesthetic shifts take part in a general process of undermining comedy’s humanistic optimistic ideology; even though some subgenres (namely farce, city comedy, comedy of manners or parody) easily stage horrible scenes, comedy is structurally defaced when it includes an ontology of horror, when its shape does not express progress but arbitrariness and when its ending is explicitly unhappy. Playing on the structure of comedy to the point of defacing it, horror becomes a poetic principle that renews the genre and especially the comic archetypes, making them dreadful instead of harmless. It is indeed tragedy’s failure that becomes the measure of this renewal of comedy, as laughter gets stifled by the tragic consciousness that tinges many laughs with guilt, caused by the way tragic values are ridiculed and tragic absoluteness belittled by humour. In those conditions, laughing turns into a means for the spectator to surreptitiously feel the power of tragic emotions; the experience redefines catharsis, no longer a purification of emotions but a new way to reach their humanising power
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Eudes-Feki, Maroua. "La justice dans les histoires tragiques de Pierre Boaistuau et François de Belleforest (1559-1582)". Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMR134.
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Au XVIe siècle, nous assistons à deux types de récits criminels : dans la presse, les faits divers, produits sous la forme de « canards », et dans la littérature, les histoires tragiques, forme narrative brève essentiellement véridique et à tonalité pathétique. Lorsque Pierre Boaistuau, appelé aussi Launay, publie Les Histoires tragiques, il sélectionne six récits parmi les Novelle de Matteo Bandello. Le travail de Boaistuau ne se limite pas à la traduction de ces textes mais également à la fondation d’un genre qu’est l’histoire tragique. François de Belleforest, son ami, en poursuit la traduction et en varie les sources ; il publie entre 1559 et 1582 sept volumes d’histoires tragiques. Notre étude porte sur la justice, un thème clé pour comprendre les textes de ces deux auteurs. En effet, leurs récits révèlent un intérêt particulier pour les différentes formes de justice (humaine, naturelle et divine), pour le procès judiciaire et ses protagonistes. Nous analysons tous ces points ainsi que le thème de la transgression à travers différents crimes, principalement les crimes de paillardise (« macquerellage », rapt, viol et adultère). Notre réflexion porte également sur le châtiment et ses fonctions ainsi que sur le comportement du condamné au moment de son exécution. Enfin, nous nous intéressons aux stratégies discursives déployées par nos auteurs notamment à la rhétorique judiciaire et à la rhétorique délibérative. Les enjeux soulevés à travers l’étude du discours rhétorique permettent d’explorer les liens entre le discours judiciaire et le discours politique et donc entre justice et politique. Somme toute, la dernière partie de notre travail permet de cerner les rapports entre rhétorique, justice et politiqueIn the sixteenth century, two types of criminal narratives predominate: short news items in the press, printed separately as canards, and brief narrative literary forms that constitute the tragic story genre, combining truth with a tone of pathos. When Pierre Boaistuau, also called Launay, publishes Les Histoires tragiques, he selects six stories from Matteo Bandello’s Novelle. Boaistuau's work is not limited to the translation of these texts but also establishes the tragic story genre. His friend François de Belleforest continues the translation and varies the sources; between 1559 and 1582 he published seven volumes of tragic stories. My thesis focuses on justice, a key theme for understanding the texts of these two authors. Indeed, their stories reveal a particular interest in the different forms of justice (human, natural and divine), in the judicial process and in its protagonists. I analyze all these points as well as the theme of transgression through an examination of various crimes, mainly crimes of debauchery ("macquerellage" –sex trafficking–, abduction, rape and adultery). I also consider the different functions of punishment as well as the behavior of the convicted person at the time of execution. Finally, I am interested in the discursive strategies deployed by these authors, including judicial rhetoric and deliberative rhetoric. The issues raised through the study of rhetoric make it possible to explore the links between judicial discourse and political discourse and therefore between justice and politics. The summative, final part of our work further elucidates the relationships between rhetoric, justice and politics
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Vassogne, François. "Virginie et l’infanticide vertueux : un renouvellement moral et politique de la tragédie ?" Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL032.pdf.
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L’histoire de la Romaine Virginie, aujourd’hui largement oubliée, a inspiré plusieurs dizaines de tragédies dans toute l’Europe entre le XVIe et le XXe siècle. Ce corpus mérite d’être étudié parce qu’il offre une excellente perspective sur un aspect encore assez négligé de l’histoire littéraire : le renouvellement du genre tragique qui a lieu au XVIIIe siècle. Il rompt en effet avec des principes essentiels de l’aristotélisme et de la tradition classique française, qui tend à s’imposer en Europe à partir de 1700, en promouvant des personnages issus du peuple au rang de héros tragiques, en mettant en scène une révolution, en remplaçant le système moral aristotélicien par un affrontement binaire entre le vice et la vertu, ou encore en proposant un dépassement optimiste du tragique individuel par le progrès historique. Cette rupture formelle manifeste cache cependant une reconduction de l’idéologie attachée à la tragédie, en particulier de la notion d’aristocratie. Les nouveaux héros tragiques, représentants de la bourgeoisie, se présentent comme une nouvelle noblesse, définie par sa valeur morale, contre la noblesse le reste du peuple. Ils affirment les valeurs libérales d’une classe qui attend de voir son ascension économique couronnée par l’accession au pouvoir politique. Au cœur du renouvellement paradoxal de la tragédie et de la célébration de la morale bourgeoise, il y a le motif original de l’infanticide vertueux, qui consacre la valeur des héros bourgeois de la manière la plus éclatante et la plus tragique possibleThe story of the Roman Virginia, now quite forgotten, inspired dozens of tragedies across Europe between the 16th and 20th centuries. This corpus deserves to be studied because it gives an excellent insight into a subject still fairly neglected in the history of literature: the renewal of the tragic genre that took place in the 18th century. It does break with essential principles of Aristotelianism and of the classic French tradition, whose domination over Europe arose about 1700, by promoting characters from the people to the rank of tragic heroes, staging a revolution, replacing the Aristotelian moral system with a binary confrontation between vice and virtue, or even proposing an optimistic overcoming of the individual experience of tragedy by historical progress. This obvious formal rupture conceals, however, a continuation of the ideology attached to the tragedy, especially of the notion of aristocracy. The new tragic heroes, representatives of the bourgeoisie, appear as a new nobility, defined by its moral value, against the nobility and the rest of the people. They affirm the liberal values of a class waiting to see its economic rise crowned by the accession to political power. At the heart of the paradoxical renewal of tragedy and the celebration of bourgeois morality, lies the original motive of virtuous infanticide, which consecrates the value of bourgeois heroes in the most brilliant and the most tragic way
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Blancher, Marc. "Le détournement post-moderne du référent social dans le roman policier : fonctions et objectifs". Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2013. http://www.theses.fr/2013CLF20024.
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Ce travail est une étude des évolutions propres au roman policier rapportées au glissement de la modernité vers la postmodernité et de leur transposition dans la représentation du social propre à cette forme romanesque. Après deux premiers points préalables respectivement consacrés au développement genres que du roman policier – avec dans cet ordre le roman policier archaïque, le romanà énigme, le roman noir et enfin le néo-polar – depuis le milieu du XIXe siècle et à une mise en perspective des concepts de modernité et de postmodernité, il s’articule autour de trois axes choisis grâce auxquels pourra être établi le lien entre dimension évolutive du roman policier et substitution progressive de la modernité à la postmodernité. Ce lien n’est toutefois pas exclusif et il souligne un rapport d’interpénétration préalable entre les différents concepts.La première partie est consacrée à la notion de décomposition qu’elle étudie à différents niveaux : le premier est le niveau diégétique avec la décomposition narrative. Le roman policier est en effet souvent lié, par l’intermédiaire d’une énigme, à un mode de narration spécifique qui est explicité dans toute son ampleur et rapporté notamment à la notion de structure et de rapport au temps chronologique. Le deuxième point est consacré à la décomposition de la langue. C’est ainsi qu’il analyse les notions de langue au niveau diégétique et les relations entre parole et pouvoir au niveau intradiégétique, ainsi que les implications du pouvoir de la langue et de la parole sur l’image du social.Le troisième et dernier point de cette première partie est consacré à la décomposition du social que renvoie sa représentation via le prisme fictionnel. Il s’arrête plus spécifiquement, dans cet ordre, sur la représentation de l’autorité, sur les définitions des rapports sociaux et enfin sur son positionnement vis-à-vis du politique.La deuxième partie est consacrée aux mythologies du roman policier, aussi bien à celles qui lui sont propres qu’aux substrats qu’il réemploie, ce pour déterminer les modalités de repositionnement de ces éléments. Le premier est l’urbain : après une analyse des hypotextes mythologiques autour de l’urbain et de son rapport à l’humain, il est fait état des réalités socio-historiques liant urbanisation et criminalité avant que ne soit étudiée la redistribution de l’espace au sein de la sphère fictionnelle,notamment autour des concepts d’affect et d’appartenance. Le second est le social, qui est étudié aussi bien au niveau de son implantation idéologique que de son positionnement narratif, ainsi que des tensions sociales qui apparaissent dans la représentation, tensions qui culminent avec l’usage de la violence à différents niveaux. Enfin, le troisième élément est l’humain, qui bénéficie d’une évolution marquée dans son traitement via les figures humaines incarnées dans les personnages de la narrationThis paper is a study of the specific way in which the detective novel has evolved within thecontext of the shift from modernity to postmodernity, and of the manner in which its evolution isreflected within the social element that is peculiar to this fictional format. The paper tackles twoinitial aspects, the first being devoted to the development of the detective novel genre since the mid-nineteenth century, including that of its sub-genres, the roman policier archaïque, the whodunit, theroman noir and finally the neo-polar, and the second seeking to put into perspective the concepts ofmodernity and postmodernity. The focus then turns to three selected themes, which enables a link to beestablished between the evolution of the detective novel and the gradual shift from modernity topostmodernity. However, the link is not exclusive, and the paper emphasises the earlier interactionbetween the different concepts.The first section is devoted to the concept of deconstruction, which is studied at different levels,the first being the diegetic level including narrative deconstruction. In fact, the detective novel isfrequently associated with a specific method of narration, based on a conundrum, the full extent ofwhich is explained with particular reference to the concept of structure and relationship withchronological time. The second point deals with the deconstruction of the language. In doing so, itanalyses the concepts of language at a diegetic level and the relationships between the word andpower at an intradiegetic level, together with the implications of the power of language and the wordon the representation of the social context. The third and final point within this first section is devotedto the deconstruction of the social context that is reflected by its representation through the prism offiction. It focuses more specifically, in the following order, on the representation of authority, thedefinitions of social relationships and its position vis-à-vis politics
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Bromilow, P. E. "Female exemplarity in Pierre Boaisuau and François de Belleforest's Histoires tragiques and Marguerite de Navarre's Heptaméron". Thesis, University of Cambridge, 2002. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.596929.
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This PhD thesis uses close textual analysis to examine the presentation of examples to women in two French Renaissance short prose narrative collections. It explores and contrasts the way that moral and illustrative examples are presented by a male- and female-authored text. Extending earlier scholarship, I argue that female exemplarity is not identical to or symmetrical to male exemplarity, but has its own models and means of propagating them. Furthermore, the sex of the author, the sex of the reader and genre are all significant factors in female exemplarity. The thesis is divided into six chapters; two of which serve as introduction to female exemplarity in each of the texts and the remaining four examine key aspects of it in both texts. Chapters One and Two discuss female exemplarity in each of the works, taking into account factors such as the dedications of the texts, the address to the female reader, the composition of the readership and issues relating to gender and genre. Chapter Three focuses on truth and history, which are essential conditions for storytelling in both of the collections. In the Histoires tragiques, these notions are clearly shown to be male-dominated concerns that consistently exclude women, which strongly contrasts to the representation of the female protagonist as false. I compare this to Marguerite de Navarre's distancing of ancient history and overt questioning of the value of truth. In the Heptaméron, truth is rarely established outright and this subverting of convention is consistent with the work's atypically in other respects. Memory is ever-present in female exemplarity, and in Chapter Four I demonstrate that Boaistuau and Belleforest represent memory as a fixed and static site, which is accessible to both (male) reader and (male) author and frequently works to contain and control the female protagonist. In the Heptaméron, on the other hand, the representation of the text as orally transmitted, the omnipresence of oubly (forgetting) and the use of images which can change and evolve liberates memory from male tradition and highlights the potential for women's contribution to it.
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Pech, Thierry. "Conter le crime : le récit criminel et les histoires tragiques de pierre boaistuau a jean-pierre camus (1559-1644)". Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100174.
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Les + histoires tragiques ; pretendent edifier le lecteur et repondre aux exigences de la contre-reforme, sans laisser d'ennoblir un recit bref longtemps tenu pour un simple divertissement. Cette affectation de severite conduit a privilegier les histoires ou la volonte coupable marginalise le role de la fortune. Mais, en se consacrant aux infractions criminelles, les nouvelles choisissent un evenement qui blesse d'abord l'autorite du prince. Car le droit seculier regarde le crime comme une perturbation de l'ordre social et cosmique de la monarchie : le sacre qu'il pollue est desormais refere a la souverainete. L'etude interroge la reception de cette norme penale en litterature, les relations entre les procedes de la fiction et les processus d'incrimination et d'affirmation de la loi penale comme reference dominante. Or, en depit d'apparences legalistes, l'histoire tragique engage avec celle-ci un dialogue critique. Meme si le droit seculier y tient la premiere place, il s'y heurte frequemment a d'autres constructions axiologiques : droit canon, coutumes, regles de l'honneur, lois non ecrites. . . Un jeu de forces ou il est difficile d'identifier une instance transcendante qui fixerait les criteres de la justice. Il s'agit d'apprehender l'histoire tragique comme une narration a contre, temps : parce qu'elle fait droit a diverses survivances de la culture feodale, mais aussi parce qu'elle eprouve les modeles de legalite en vigueur en les confrontant les uns aux autres. Elle construit un univers ou la norme seculiere peut se voir refuser le statut d'absolu, et etre reconduite a sa relativite d'instrument de pouvoir. L'etude s'attache donc a mettre l'accent sur ces discordances entre des codes normatifs coexistants et a interroger les criteres de leur hierarchie politique et sociale. Aussi le debat qui n'est plus guere possible sur la scene publique se reforme-t-il dans les livres, temoins d'une activite judiciaire civile que l'on nommera un jour l'opinion publique.
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Nancey, Quentin de Gromard Marie-Gabrielle. "Un théâtre dionysiaque. Nietzsche dans le théâtre français du XXe siècle, d'Antonin Artaud à Jean Vauthier". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA195.
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Un grand nombre de dramaturges français aussi différents qu’André Gide, Antonin Artaud,Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant et Jean Vauthier se sont emparés de la pensée de Nietzsche pour la représenter sur scène. Si des études ont été menées sur les liens entre la pensée de Nietzsche et les écrivains français, aucune n’a abordé de manière synthétique la présence de la pensée de Nietzsche dans le théâtre français du XXème siècle et notamment dans l’élaboration même du texte théâtral. Pourtant, cette pensée tragique qui part du Dionysos de La Naissance de la tragédie jusqu’à Ecce homo, ne cesse d’entretenir des liens consubstantiels avec le genre même du théâtre. La conception esthétique du dionysiaque présente des affinités avec l’art dramatique et semble prédisposée à se retrouver transposée et incarnée sur une scène de théâtre. La réflexion de Nietzsche sur la physiologie de l’art a pu entraîner un renouvellement de l’écriture des pratiques et écritures dramaturgiques traditionnelles au profit d’un théâtre vivant, incarné, usant de toutes les ressources dela scène. Paradoxalement, le théâtre métaphysique d’inspiration nietzschéenne va de pair avec une affirmation du corps et des passions. Á l’opposé d’un théâtre d’idées ou à thèse, certaines des oeuvres étudiées montrent que le théâtre métaphysique nietzschéen est avant tout un théâtre du corps, à la recherche d’une fusion entre l’art et la vie, le spectacle et le réel, au rebours de la conception mimétique aristotélicienneMany different french playwrights such as André Gide, Antonin Artaud, Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant and Jean Vauthier took up Nietzsche's thoughts to impicture it onstage. If studies were made on the links between Nietzsche's thought process and french writer, noneadress the question of Nietzsche's thought in the XXth century french theatre synthetically. None theless, this tragic thought starting in «La Naissance de la tragedie» 's Dionysos and ending with «Eccehomo» keeps maintaining consubstantial links with the theatre genre. Dionisyan esthetical conceptionshows affinities with dramatic art and seems predisposed to be transposed and embodied on stage.Nietzsche's thought on art's physiology has caused a renewal of traditionnal writing for theatre for thebenefit of a living theatre, incarnated, using all the stage's ressources. Paradoxically, this nietzschean metaphysical theatre goes with assertion of body and passions. In contrast with « theatre of ideas »,some of the studied works show that Nietzsche's metaphysical theatre is above all an embodied theatre, seeking a fusion between art and life, show and reality, against Aristote’s Poetics
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Galtier, Fabrice. "Tacite, historien et dramaturge : étude des schèmes et de la thématique tragiques dans les "Opera Maiora" de Tacite". Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20024.
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Les deux grands ouvrages historiques de Tacite, les "Histoires" et les "Annales", offrent de nombreux points communs avec la tragédie gréco-latine. Ils doivent être replacés dans le contexte de la tradition littéraire antique, qui inscrit le genre historiographique dans le domaine de la poiesis. L'histoire est donc imprégnée des traits en partie hérités de la tragédie. L'examen de la composition des récits qui constituent les "opera maioru", permet d'y déceler la présence d'épisodes dont se révèle la forme dramatique, nourrie a la fois par la structure narrative et les effets de " mise en scène ". Le recours systématique à certains schémas, la récurrence de certains motifs donnent aux personnages historiques traités par Tacite le statut de personnages tragiques, portant le masque que leur fonction au sein du récit leur attribue. C'est notamment le cas de la figure tyrannique. Fondée sur la notion de conflit tragique, l'écriture tacitéenne décrit un monde livré à la violence et au trouble, où les hommes mettent en péril l'ordre nécessaire à l'accord entre la communauté romaine et les dieux. Elle révèle l'ambiguïté d'une conscience tiraillée entre le désir de participer à l'ordre nouveau établi par le principat et l'inquiétude face à l'avenir de l' urbs