Artículos de revistas: "Masques, Roman"

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Frølich, Juliette. "L'homme kitsch ou le jeu des masques dans L'Education sentimentale de Flaubert". Romantisme 23, n.º 79 (1993): 39–52. http://dx.doi.org/10.3406/roman.1993.6187.

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2

Estellon, Vincent. "Écrire pour survivre. Les masques de survie de Roman Kacew". Revue française de psychosomatique 58, n.º 2 (2020): 41. http://dx.doi.org/10.3917/rfps.058.0041.

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3

Rannaud, Adrien. "Dire la ferveur de la sensation". Dossier 39, n.º 2 (22 de mayo de 2014): 101–13. http://dx.doi.org/10.7202/1025191ar.

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Resumen

Dans les années 1930, la critique accusait Jovette Bernier de faire l’apologie de la sensualité, notamment avec son premier roman, qui fit scandale, La chair décevante (1931). Dans la continuité de ces remarques, cet article se propose d’étudier le discours de la sensualité qui se déploie dans La chair décevante et le recueil de poésies qui suit le roman, Les masques déchirés (1932). Il semblerait que Jovette Bernier propose à la littérature canadienne-française d’alors une façon novatrice d’appréhender le personnage/sujet lyrique féminin. Ainsi, à travers les thèmes et les récurrences sémantiques qui s’y rattachent, on verra comment l’exaltation des sens subvertit les codes esthétiques et sociaux de l’époque.

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Pino, Claudia Amigo. "Danielle Constantin, Masques et Mirages. Genèse du roman chez Cortázar, Perec et Villemaire, 2008". Genesis, n.º 31 (10 de octubre de 2010): 168–70. http://dx.doi.org/10.4000/genesis.417.

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5

VOLDŘICHOVÁ BERÁNKOVÁ, Eva. "Les masques fin-de-siècle. Poétiques de la simulaton et de la dissimulation dans le roman symboliste". Écho des études romanes 13, n.º 2 (11 de diciembre de 2017): 195–203. http://dx.doi.org/10.32725/eer.2017.030.

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6

DIARRA, Modibo. "La ville dans le roman africain : lieu de libertinage, d’incarcération et du souvenir colonial". Revue plurilingue : Études des Langues, Littératures et Cultures 6, n.º 1 (29 de diciembre de 2022): 63–72. http://dx.doi.org/10.46325/ellic.v6i1.71.

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Resumen

This article is a dynamic reading of space, specifically urban space, based on two African novels: Shut Up and Die by Alain Mabanckou and The Blood of Masks by Seydou Badian. The study shows that the urban space is conducive to libertinism, but that it remains also a place of incarceration in the literal and symbolic sense. From a socio-critical study and based on spatial analysis theories, we undertake a comparative study of the two abovementioned narratives to indicate that the city in Africa and/or in Europe, even from different times, experience the same realities. Furthermore, the article demonstrates that colonization and its corollaries have influenced the behavior of men in cities whether in Africa or in Europe. Résumé : Cet article est une lecture dynamique de l’espace, spécifiquement de l’espace urbain, à partir de deux romans africains : Tais-toi et meurs d’Alain Mabanckou et Le Sang des masques de Seydou Badian. L’étude montre que l’espace urbain est un terrain favorable au libertinage, mais qu'il demeure aussi un endroit d’incarcération au sens propre et symbolique. À partir d’une étude sociocritique et à l’aide des théories d’analyse de l’espace, on entreprend une étude comparative des deux récits susmentionnés, pour montrer que la ville en Afrique et/ou en Europe, même à des époques différentes, connaissent les mêmes réalités. Par ailleurs, l’article montre que la colonisation et ses corollaires ont impacté le comportement des hommes dans les villes, que ce soit en Afrique ou en Europe.

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Bonfiglio, William. "Transformations du corps et du visage : la forme du roman graphique et l’enjeu des masques dans The Outside Circle". Voix Plurielles 19, n.º 2.1 (26 de noviembre de 2022): 374–93. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v19i2.4135.

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L’exclusion dont ont été victimes les Autochtones au Canada a eu des effets profonds faisant porter aux jeunes générations le poids des blessures de leurs parents et grands-parents. Cet article s’intéresse à la représentation que Patti LaBoucane-Benson et Kelly Mellings ont donné dans The Outside Circle (2015) de jeunes hommes en rupture avec la société et le rôle que joue pour eux un centre de guérison.

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Gorecka-Kalita, Joanna. "« Chascun qui entre est entaiez ». Le mépris dans le Tristan de Béroul". Acta Universitatis Lodziensis. Folia Litteraria Romanica, n.º 15 (30 de diciembre de 2020): 13–25. http://dx.doi.org/10.18778/1505-9065.15.02.

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L’article analyse la place du mépris dans Le Roman de Tristan de Béroul. Dès son apparition dans la littérature, l’amour de Tristan et d’Iseut est l’objet d’une double perception : image valorisée du « martyre d’amour » d’une part, et d’autre part celle, nettement moins positive, d’une passion dégradante, voire méprisable. Il est intéressant de constater que le mépris n’apparaît pas seulement dans les œuvres polémiques, mais qu’il est au contraire bien présent déjà dans le texte-source, surtout dans la version de Béroul. Une étude approfondie des termes utilisés pour qualifier la passion (y compris ceux qu’emploient les protagonistes eux-mêmes), l’analyse du jeu de masques et des épisodes qui mettent en scène les situations particulièrement humiliantes, dans lesquelles se retrouvent tous les personnages sans exception, révèle un regard ironique et narquois de l’auteur, et met en valeur une tonalité parfois brutale, voire cynique, de l’œuvre. L’analyse s’organise autour des grands épisodes du récit : le « rendez-vous épié », le déguisement de Tristan en lépreux et le « serment ambigu » d’Iseut (le passage du marais).

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Cambien, Michel. "Sous le masque de Shakespeare : Vigny "traducteur"". Romantisme 23, n.º 79 (1993): 3–13. http://dx.doi.org/10.3406/roman.1993.6184.

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Besnard, Micheline. "Le masque de la mort verte : Jean Lorrain et l'abject". Romantisme 23, n.º 79 (1993): 53–72. http://dx.doi.org/10.3406/roman.1993.6188.

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Tritsmans, Bruno. "Pouvoirs et contraintes du masque : l'acteur possédé par son rôle chez Nerval et Villiers". Romantisme 23, n.º 79 (1993): 29–38. http://dx.doi.org/10.3406/roman.1993.6186.

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Diaz, José-Luis. "« Aller droit à l'auteur sous le masque du livre ». Sainte-Beuve et le biographique". Romantisme 30, n.º 109 (2000): 45–67. http://dx.doi.org/10.3406/roman.2000.935.

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Durand, Pascal. "La leçon des choses : Robinson ou la répétition". Études françaises 35, n.º 1 (15 de marzo de 2006): 7–23. http://dx.doi.org/10.7202/036122ar.

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Résumé Roman à ce point connu qu'il n'est plus guère lu, texte tronqué parce que trop réécrit, Robinson Crusoe tire peut-être bien de tout ce que Rousseau appelait son « fatras » l'essentiel de sa signification. Actes rituels, besognes et constructions, plaintes et méditations, prières et prêchi-prêcha font de ce texte un roman de la répétition dans lequel un héros calculateur soumet les objets divers qui l'environnent à une comptabilité compulsive. La leçon des choses est trompeuse : le principe d'utilité qu'elles proclament masque assez mal qu'elles restent prises, aux yeux de Robinson, dans la logique marchande qu'elles semblent suspendre.

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Mansueto, Claudia. "L’écrivain juge Paris : Au bonheur des dames (1883) d’Emile Zola et Boumkœur (1999) de Rachid Djaïdani". Voix Plurielles 9, n.º 2 (25 de noviembre de 2012): 126–34. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v9i2.673.

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L’article propose une lecture comparée du roman d’Émile Zola Au Bonheur des Dames (1883) et de Boumkœur (1999) de Rachid Djaïdani. Interprètes des transformations vécues par la Ville Lumière, Zola et Djaïdani vivent les contrastes de Paris et montrent au lecteur la dualité d’une capitale ambigüe : monstrueuse pour Zola, cosmopolite et aveugle pour Djaïdani, la capitale française est le royaume du double, du masque.

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Pascal, Marie. "Clown et Masque : deux figures d’altérité dans le roman migrant Le pavillon des miroirs de Sergio Kokis". Études françaises 51, n.º 3 (30 de noviembre de 2015): 189–204. http://dx.doi.org/10.7202/1034137ar.

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Le pavillon des miroirs, roman autobiographique, présente un peintre écrivant sur son passé et imaginant un avenir meilleur. Au bord de la dépression, évoquant son enfance au Brésil, pays trop coloré et tumultueux, l’exilé se réfugie dans une pyramide et dans une attitude prostrée face à la nécessaire assimilation à un pays d’accueil jamais nommé. Mettant en mouvement non seulement deux attitudes opposées (envers le passé et le futur) mais aussi deux topoï (le Brésil, pays d’origine versus le Canada, pays d’accueil), les figures du clown et du masque sont développées tout au long de ce roman sur l’exil d’un artiste. En effet, Kokis file les métaphores annoncées par l’illustration-couverture et peint des figures de clowns exubérants et choquants, figures d’altérité rejetées par le monde qui les entoure. Parallèlement, les passages sur l’exil tendent à faire naître une figure plus fragile et subtile, celle du masque, discrète figure de l’Autre assimilé. Dans tous les cas, c’est l’Autre, le rejeté, le paria qui est présent et qui, dans ses différences, décrit le sentiment d’étrangeté de l’auteur. C’est par ce tourbillon de paradoxes que Kokis tente de représenter sa théorie artistique ainsi que la manière dont il perçoit la représentation de l’identité.

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Kocay, Victor. "L’axiologie d’Ingarden". Articles 22, n.º 1 (7 de agosto de 2007): 35–52. http://dx.doi.org/10.7202/027307ar.

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RÉSUMÉ Cet article met en lumière la formation des valeurs esthétiques entendues au sens de la philosophie de Roman Ingarden. L'auteur présente et commente trois notions essentielles de cette pensée : il s'agit de la concrétisation, de la valeur esthétique et du noyau de l'objet esthétique. Bien que la critique s'intéresse depuis longtemps à l'axiologie ingardénienne, la perspective de l'auteur, mettant en valeur la notion de noyau esthétique, indique clairement que la pensée d'Ingarden chevauche deux approches différentes en ce qui concerne la formation des valeurs. Lorsqu'il s'agit de la création de nouvelles valeurs, par exemple, la soi-disant objectivité de la philosophie d'Ingarden semble masquer le côté subjectif de leur formation.

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Wilhelm, Jane Elisabeth. "Le Frère littéraire: la figure de Romain Gary pour Nancy Huston". Nottingham French Studies 57, n.º 3 (diciembre de 2018): 249–61. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2018.0222.

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Il convient de rappeler dans ce recueil l'importance pour Nancy Huston de ce « frère » qu'est Romain Gary, à l'instar de Samuel Beckett. La figure complexe de Gary fait écho à sa propre pratique de l'auto-traduction, car elle nous dit être « divisée », comme lui, entre le français et l'anglais. La question de l'identité personnelle, liée au langage et au rapport à la langue maternelle, ou de l'identité collective (celle du Canada, par exemple) s'ouvre alors sur celle des masques et des identités multiples, incarnées de manière emblématique dans la figure de Gary. Le leurre de l'identité que connaissent mieux que les autres les exilés, nous dit-elle, peut dès lors aussi signifier s'inventer autre dans le fait de raconter des histoires, dans l'identité usurpée, voire même dans l'imposture et l'horizon d'une dissolution de soi. Pourquoi devient-on écrivain? Serait-ce pour incarner ces identités multiples dans des personnages romanesques?

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Collani, Tania. "Le stéréotype et le masque : le roman européen face aux états totalitaires". Neohelicon 38, n.º 2 (6 de agosto de 2011): 465–73. http://dx.doi.org/10.1007/s11059-011-0112-y.

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Süner, Ahmet. "“Be Not Afeared”". Renascence 71, n.º 3 (2019): 187–206. http://dx.doi.org/10.5840/renascence201971313.

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This paper looks at the thematic and rhetorical variations of a fundamental fear that frequently surfaces in Shakespeare’s The Tempest: the fear of illegitimate birth, which may also be understood as the fear of non-contractual sexuality. Sycorax is the prominent supernatural figure that the play deploys to depict unpredictable, indeterminate and horrible acts of creation unsanctioned by society. The paper shows how the fear of illegitimate birth not only shapes entire characters such as Sycorax and Caliban, but also infiltrates the language and figures that prevail in Prospero’s orchestrations of the marriage plot, his betrothal masque and his deployment of Greco-Roman mythologies (Hymen, Venus and Cupid). This fear is also connected with the play’s other fears and desires evoked in Gonzalo’s anarchist utopia and in the play’s preoccupations with the issue of legitimate government. The focus on the fear of illegitimate birth and non-contractual sexuality connects the different plot elements and rhetorical devices used in the play in a novel way, providing a plausible explanation for Prospero’s burst at Caliban in the masque scene and foregrounding (and hence doing justice to) the long-neglected figure of Sycorax.

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Lombardo, Patrizia. "Tendresse et pudeur chez Stendhal". Philosophiques 35, n.º 1 (25 de junio de 2008): 57–70. http://dx.doi.org/10.7202/018235ar.

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Résumé Cet article traite de l’ironie comme valeur esthétique, et donc affective, chez Stendhal. Les phénomènes affectifs varient en nature et en intensité, et une même émotion peut être colorée différemment (les adjectifs indiquent ses nuances, comme « douce nostalgie » ou « nostalgie désespérée »). L’ironie implique une gamme complexe d’aspects et de degrés : elle peut être satirique, comique, tragique, nihiliste, paradoxale, etc. Je considère d’abord les types d’ironie que Stendhal a évités. Il rejetait à la fois la satire tragique de Chateaubriand et l’ironie romantique nihiliste. Je considère ensuite la théorie stendhalienne du rire, suggérée par plusieurs de ses écrits dans lesquels il réfléchit sur diverses formes de comédie tout en développant son propre idéal tel qu’il apparaîtra dans ses romans principaux (voir Journal littéraire, Histoire de la peinture en Italie, Racine et Shakespeare, et Correspondance). Tout en se référant à Hobbes et à sa définition du rire comme sentiment de supériorité, il ne semble pas tout à fait convaincu par sa théorie et insiste sur les deux conditions indispensables de l’effet comique : la clarté et la rapidité. Ces deux éléments deviennent essentiels dans son style littéraire. Stendhal n’a pas de doute sur la supériorité affective des modernes sur les anciens : il ne revient qu’aux modernes, formés par la sensibilité chrétienne, de ressentir des émotions tendres. La tendresse doit colorer tout, et le roman doit atteindre l’idéal de l’opéra-bouffe, où le comique est « un mélange de gaieté et de tendresse », tandis que l’écrivain masque sa propre tendresse par une douce ironie envers ses personnages préférés.

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Roustang-Stoller, Eve-Alice. "L'Orateur sans visage: Essai sur l'acteur romain et son masque (review)". MLN 118, n.º 4 (2003): 1098–101. http://dx.doi.org/10.1353/mln.2003.0089.

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Franchini, Pauline. "vies sans fards : la représentation des femmes dans la littérature de jeunesse de Maryse Condé". ALTERNATIVE FRANCOPHONE 2, n.º 10 (5 de enero de 2022): 51–64. http://dx.doi.org/10.29173/af29432.

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Cet article propose une étude de la représentation des personnages féminins et de la domination de genre dans trois romans pour la jeunesse de Maryse Condé : Rêves amers (réédition de Haïti chérie), Savannah Blues et La Belle et la Bête, une version guadeloupéenne. L’analyse de personnages communs à ses romans pour la jeunesse et pour les adultes semble montrer que la littérature enfantine de Maryse Condé cherche a priori à édulcorer ou passer sous silence certaines violences sexuelles en opérant des modifications et des suppressions surprenantes. Mais cette apparente auto-censure ne doit pas masquer la très puissante relecture et la remise en question audacieuse de quelques archétypes féminins dans ses romans pour jeune public. Entre mères défaillantes et marâtres reproduisant les oppressions de race et de classe sur leurs domestiques, ces fictions bousculent les stéréotypes, en particulier autour de la maternité et de la figure de la potomitan ou la mère-courage antillaise. Maryse Condé questionne aussi l’imaginaire colonial et patriarcal attaché à la figure de la « belle mulâtresse » ou la « beauté des îles ».

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Zărnescu, Crina-Magdalena. "Sous le masque du masculin ? Approche poétique du roman Mémoires d’Hadrien de Marguerite Yourcenar". Caietele Echinox 43 (1 de diciembre de 2022): 325–40. http://dx.doi.org/10.24193/cechinox.2022.43.22.

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"Marguerite Yourcenar could have said “Hadrian, it’s me” like Flaubert whose conception of impersonal narrator she shares, but she didn’t say it! She leaves behind her Me and all the emotions, feelings, life experiences which Me represents by replacing it with and auctorial and imperial I of Hadrian. She borrows Hadrian’s voice to convey her thoughts on human condition, liberty, authenticity, and truth. Her author traits meet the emperor’s traits which manifest themselves wonderfully in this novel by their capacity to access the essential, to immerse in the historical context to unveil in an a-historical way Hadrian’s eminent, august, and human personality."

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Lohka, Eileen. "Dialogue ou « faire-semblant »?*". Articles, essais 19, n.º 1 (12 de noviembre de 2008): 81–90. http://dx.doi.org/10.7202/019334ar.

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Résumé Cet article se propose d’explorer jusqu’à quel point les personnages de Nancy Huston sont des étrangers du dehors, même lorsqu’ils évoluent dans leur propre pays. L’auteure campe des personnages marginaux, exclus sous leur apparence de caméléons : non seulement sont-ils souvent exclus de leur communauté, ils portent un masque même lorsqu’ils semblent participer pleinement à la vie sociale de leur milieu. Nous nous baserons sur l’interprétation d’Éric Landowski sur l’appartenance ainsi que celle de Pierre Ouellet sur la communauté, pour démontrer que le dialogue (de sourds) exacerbe l’impression de « faire-semblant » qui se dégage des romans de Nancy Huston.

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Mirabella, Anna. "Le masque de Judas. Généalogie d’un personnage selon l’historien médiéviste Giacomo Todeschini". Tangence, n.º 116 (31 de agosto de 2018): 39–56. http://dx.doi.org/10.7202/1051078ar.

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Judas est le traître par excellence. Protagoniste de nombreuses créations littéraires du xxe siècle, ce personnage est utilisé le plus souvent pour explorer les enjeux de la trahison, comme le montre même le dernier roman d’Amos Oz, Judas, où paradoxalement l’apôtre est innocenté. L’historien qui s’attache à l’étude d’un personnage de la mythologie chrétienne doit prendre un tout autre chemin, comme le fait Giacomo Todeschini dans Come Giuda. Ce travail explore la genèse du personnage depuis les premières exégèses patristiques jusqu’au xve siècle, où il devient le miroir identificatoire du menu peuple, catégorie à marginaliser car considérée comme dangereusement incapable de comprendre les règles des échanges matériels. Dans la culture chrétienne, Judas apparaît en effet d’abord comme l’homme qui, incapable de reconnaître la valeur infinie de Jésus, le vend pour une somme dérisoire. Cette interprétation du personnage nous est devenue étrangère, de même que la logique de l’économie charismatique qui l’a produite et représente le référent « réel » des constructions fictives successives du Judas médiéval. Si le théologien et l’artiste cherchent à imaginer « qui était Judas », nous montrons que l’historien s’interroge plutôt sur ce que, à une certaine époque, l’on a pu nommer à travers l’invention de Judas.

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Devauchelle, Bernard. "La main savante et le visage : optique et haptique chirurgicale". L'Orthodontie Française 81, n.º 4 (diciembre de 2010): 269–78. http://dx.doi.org/10.1051/orthodfr/2010031.

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Pour le chirurgien de la face, l’ambiguïté du rapport entre main et visage est évidente, car si la première fonde étymologiquement le métier chirurgical, de quel visage s’agit-il ? De celui qui, caché derrière son masque, s’applique à réparer la défiguration ou de celui qui, objet et sujet de son attention, s’efforce de retrouver figure humaine et identité au fil des interventions ? L’analogie s’impose alors, celle du peintre et son modèle, du sculpteur et de la main qu’il façonne, du pianiste et de l’œuvre qu’il interprète, de l’écrivain et du souvenir qui déclenche le roman. C’est de cet affrontement des sens, mais aussi de leur enchevêtrement dans ce qui pourrait être appelé la tactilisation de la vue et la visualisation du toucher, cette communauté nécessaire entre l’optique et l’haptique dont il sera question. Appliquée à la greffe du visage, cette inquiétante étrangeté, l’interrogation schizophrène nous plonge derechef dans un vertige abyssal dont seule l’éthique, cette esthétique du dedans évite de nous y engloutir.

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DUMONT, FRANÇOIS. "LA POÉSIE À DISTANCE". Dossier 42, n.º 2 (29 de mayo de 2017): 35–45. http://dx.doi.org/10.7202/1039914ar.

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Bien qu’André Belleau n’ait vraisemblablement jamais écrit que des poèmes de jeunesse, la poésie a joué un rôle important dans son parcours et sa pensée. Il faut d’abord noter la prégnance de la poésie dans la revue Liberté, qui a été pour Belleau, comme il le souligne lui-même, un milieu d’apprentissage déterminant. Du point de vue théorique, la poésie joue également un rôle central, cette fois comme repoussoir par rapport aux définitions de la littérature basées sur le genre poétique : marqué par la pensée de Mikhaïl Bakhtine, Belleau met en valeur le dialogisme du roman, mais il souligne aussi la part d’essai de la littérature, dimension qui serait masquée par la domination théorique de la poésie. À plusieurs égards, la poésie prend ainsi figure d’adversaire. Cependant, elle reste pour Belleau, tout au long de sa vie, une forme artistique primordiale, comme en témoignent ses traductions de poèmes de Nelly Sachs et comme on le voit dans certains articles et dans ses cahiers de lecture.

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O’Kane, Paul. "Six thousand masks for one imposter". Journal of Writing in Creative Practice 14, n.º 2 (1 de septiembre de 2021): 179–91. http://dx.doi.org/10.1386/jwcp_00021_1.

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Having recently given, and published in Third Text referee journal and Third Text Online, a series of articles on mask, class and carnival, I was recently invited to write a text to accompany an exhibition relating to masks. Mask, Masque, Masc was a group exhibition hosted online between 14 and 31 May 2020. It was curated by Marc Hulson, Alessandra Falbo and Rolina E. Blok, and hosted by Five Years and Darling Pearls & Co at Platforms Project Net 2020 (see: <uri xlink:href="http://www.fiveyears.org.uk/archive2/pages/277/Masc_Mask_Masque/277.html">http://www.fiveyears.org.uk/archive2/pages/277/Masc_Mask_Masque/277.html</uri>. Accessed 28 July 2021). This article is a transformed version of that text, edited and extended to suit this journal and the requirements and suggestions of the journal’s reviewers. <roman>It starts out with an epigraph taken from Nietzsche, followed by two quotes from Walter Benjamin that relate writing playfully to ‘magic’. It later turns towards a conclusion with two more fulsome quotes from F.W. Nietzsche, which</roman> dispute the priority of truth and claim that every word is a mask. The piece aims to encourage and support newcomers to writing, as well as non-native speakers and those from less privileged backgrounds; any and all of whom might nervously feel that their own writing is in some way illegitimate. I draw upon my experience as an arts lecturer and arts writer, as the article becomes an example of an autobiographical strain in my work that uses first-person narratives to explore ways in which writing, education (in general) and art education (in particular) might contribute to or help us negotiate class consciousness and cultural barriers. The article discusses ways in which new technologies invite and allow new voices to gain confidence in writing, and also alludes to ‘masks’, ‘imposters’ and ‘imposter syndrome’ (initially nominated as a feminist concern). It attempts to help and to advise aspiring writers by ‘dis-spelling’ myths of writing as transcendent, privileged and thereby socially divisive, and promotes the idea of writing as a material process (no less ‘magical’ for that) open to all. Interestingly, the title of this article alludes to its own word count, and thus the title had to be changed each time the article was edited and as it grew into the approximately 6,000-word essay it is now. As well as being, in this and other ways, self-reflexive and self-conscious, the writing becomes self-deconstructive towards its conclusion, tugging at a certain ‘masc’-ulinity concerning the sources and motivations for the writing and of the author that might otherwise remain masked to the author. This allows the piece to end by extending the implications of a purported écriture feminine to become an encouragement to more and different ‘others’ to find a way, and to find their way, to and through writing, meanwhile expanding on the many ways in which we might deploy a new-found freedom to write according to the model of words as masks, of writing as a masque and of the author as masked.

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Edwards, Catharine. "C. Badel, La Noblesse de L'Empire Romain: Les Masques et la Vertu. Seyssel: Champ Vallon, 2005. Pp. 498. ISBN 2-87673-415-x. €29.00." Journal of Roman Studies 98 (1 de noviembre de 2008): 199–201. http://dx.doi.org/10.1017/s0075435800001866.

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Nenopoulou, Tonia. "De la construction des formes à la représentation temporelle à travers la traduction d'un roman grec en français". Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 44, n.º 1 (1 de enero de 1998): 29–45. http://dx.doi.org/10.1075/babel.44.1.03nen.

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Abstract The Modem Greek verbal system lacks the symmetry of the French one between simple and compound tenses. It also lacks an analogue to the double morphological distribution of the French aorist. It is based rather on morphological oppositions of verbal aspect. The superficial similarities between the two systems often obscure their respective principles of organization, and the study of translation offers an excellent methodological tool to achieve the necessary degree of impartiality. The present study of the French translation by L.Farnoux of a Greek novel by R.Galanaki contributes substantially to the elucidation of problems relating to "TIME", here understood as a mediator between myth and reality, as well as between "self and "other". When examining the question of verbal tense in the context of these multiple relationships, rather than in terms of a single relation, it is shown that, whereas the organizing principle of the Modern Greek verbal system is supplied by the pragmatically based "self of the speaker, the corresponding principle of the French system is supplied by an event-based absolute "self. Résumé En grec moderne, la morphologie du système verbal ne connaît pas la symétrie qui existe entre les temps simples et les temps composés en français. Elle ne connaît non plus la double distribution de l'aoriste français. Au contraire, elle est basée sur des oppositions aspectuelles entre les thèmes du présent / aoriste. Il existe entre ces deux systèmes des analogies de surface qui masquent souvent leurs principes d'organisation respectifs. L'étude de la traduction constitue un excellent outil méthodologique pour prendre le recul nécessaire. La présente étude de la traduction française que L. Farnoux a fourni d'un roman de l'auteur grec R. Galanaki, contribue substantiellement à l'élucidation des problèmes liés à la notion de "TEMPS", qui doit être compris ici comme un médiateur entre le mythe et la réalité, ainsi qu'entre le soi-même" et "l'autre". Si l'on situe la problématique de la temporalité dans le contexte de ces relations multiples plutôt qu'au sein d'une relation unique, on constatera que là où en grec moderne le système verbal tire son principe organisateur du "soi-même" pragmatique de l'auteur, il le puise en français dans le "soi-même" absolu, basé sur l'événement.

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Legeard, Emmanuel. "Saint-Gilles, Laon, Germigny : Iconologie d'une représentation politique de la Vierge dans le "style 1200"". De Medio Aevo 15, n.º 1 (31 de enero de 2021): 231–40. http://dx.doi.org/10.5209/dmae.73298.

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Selon le concept énoncé par Carl Schmitt, le critère de démarcation du politique, c'est la discrimination entre l'ami et l'ennemi. Au Moyen Âge, Pierre le Vénérable (1092-1156) fut le premier à concevoir l'Eglise comme une entité spatiale cernée et modelée par contraste avec la personnalité de ses assaillants : Juifs, musulmans et hérétiques. Dès lors, l'Ecclesia se perçoit et s'impose comme une forteresse constamment assiégée, mais illuminée intérieurement par la Sapientia, la lumière intime du Saint-Esprit. Dans le même temps, la "vraie mutation sociale de l'an 1100" (D. Barthélémy) qui a remplacé l'ancienne religion fondée sur le culte des reliques par la religion sacramentelle "des temps nouveaux" commence à restreindre l'acceptation du mot Eglise à l'élite cléricale qui seule détient le pouvoir miraculeux d'invoquer le Saint-Esprit dans le sacrement de l'eucharistie. Par l'eucharistie, le communiant s'assimile au corps mystique du Christ et s'insère dans la vie sociale régie par l'Eglise. Le diable, qui avance masqué sous des identités variées, est repérable à sa négation permanente de l'Incarnation du Christ, qui est la raison d'être de la forteresse Eglise, et la condition de possibilité de l'eucharistie, donc de la société chrétienne. À Saint-Gilles du Gard (vers 1160-70), Notre-Dame de Laon (vers 1190-1205) et Notre-Dame de Germigny (vers 1215), on peut avancer que le thème de l'Incarnation exprimé à travers un style antiquisant destiné à remémorer l'autorité romaine («style 1200») a émergé puis resurgi comme une composition clé, mais éphémère, destinée à traduire en images l'idéologie dominante dans la transition entre le roman et le gothique.

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Baird, Caroline. "From Court to Playhouse and Back: Middleton's Appropriation of the Masque". Early Theatre 18, n.º 2 (31 de diciembre de 2015). http://dx.doi.org/10.12745/et.18.2.2517.

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Bringing a thorough study of court masques to bear on reoriented readings of The Revenger’s Tragedy, Women Beware Women, The Changeling, and the lesser known Your Five Gallants, I show that Thomas Middleton’s intimate knowledge of the Jacobean court masque enables him to exploit its conventions, iconography, and structural functions for use in the playhouse. Middleton confidently ‘deconstructs’ masque dramaturgy to create a masque episode which encapsulates the play’s overarching theme and engineers the resolution. At the same time, by subverting the very device used to represent the court to the world, he subtly critiques king and court.

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Hughes, Laura. "Entrer en romancie : Cortázar, Perec, Villemaire". Acta Mai 2008 9, n.º 5 (16 de mayo de 2008). http://dx.doi.org/10.58282/acta.4147.

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Tanase, Gabriela. "« Li vallés qui est mescine » - Ambiguïté du masque, ambiguïté de la parole dans Le roman de Silence". Voix Plurielles 3, n.º 1 (1 de abril de 2006). http://dx.doi.org/10.26522/vp.v3i1.525.

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Le Roman de Silence est par excellence un récit des ambiguïtés. Ambiguïté de l’identité, à travers les travestissements de l’héroïne, ambiguïté du langage, qu’un narrateur rusé fait osciller entre les catégories du masculin et du féminin, ambiguïté des sens, où tout message devient contradictoire. Il m’a paru ainsi intéressant de proposer un article sur l’oeuvre d’Heldris de Cornouälle, cet auteur dont l’identité nous échappe également, en pensant que le motif du changement d’identité, fortement lié à l’incertitude d’un discours confondant le sérieux et le comique, illustrera de manière inédite le thème de la diversité. La plupart des études consacrées au Roman de Silence partent en effet de l’ambiguïté sexuelle de Silence, la protagoniste du roman, pour déboucher sur le tissu intriqué d’une histoire où aucune parole n’est stable. L’originalité de mon travail tient dans la façon d’articuler l’incertitude identitaire et discursive en fonction du topos du masque, essentiel dans la littérature médiévale.

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Derrien, Stanislas. "« While humanlike, they are not actually humanful » : hybridité et normativité dans The Constant Rabbit de Jasper Fforde". Normal, anormal, anomal, n.º 5 (1 de octubre de 2022). http://dx.doi.org/10.56078/motifs.694.

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Dans son roman allégorique The Constant Rabbit (2020), Jasper Fforde postule l’apparition de lapins anthropomorphes au Royaume-Uni, sur fond de politique-fiction. Ces créatures hors normes constituent une projection équivoque de l’altérité, et recèlent donc des possibilités d’identification multiples. Cet article explore la représentation de l’humain derrière le masque de l’animal dans ce roman éminemment ludique. Le surgissement de l’anomal interroge les normes sociales et culturelles qui régissent ce monde alternatif émaillé de références métatextuelles : le lapin humanoïde, au mode de vie non-conformiste voire déviant, sert un discours dont l’intention satirique est explicitée au sein même du récit. The Constant Rabbit déconstruit ainsi, par l’absurde, les notions de normalité et de normativité à travers un procédé de défamiliarisation reposant sur la caractérisation des lapins ffordiens, citoyens de seconde zone « semblables aux humains » mais « pas tout à fait humains ». Par la mise en scène de relations « inter-espèces » conflictuelles, Fforde propose un commentaire oblique sur le réel, et notamment sur la société britannique contemporaine. Au-delà du divertissement mainstream, l’ambigüité inhérente à l’allégorie invite à la spéculation quant aux enjeux idéologiques de ce roman, dont le traitement complexe de l’hybridité suggère l’existence, chez l’auteur, d’une visée interventionniste.

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Vermillac, Michel. "Identité masquée, frontière floue. Le roman policier belge, une esthétique de la dissolution". Acta Novembre 2009 10, n.º 9 (1 de diciembre de 2009). http://dx.doi.org/10.58282/acta.5321.

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Vermillac, Michel. "Identité masquée, frontière floue. Le roman policier belge, une esthétique de la dissolution". Acta Décembre 2009 10, n.º 10 (1 de diciembre de 2009). http://dx.doi.org/10.58282/acta.5331.

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Tremblay, Isabelle. "La veillée en prison dans Amélie (1762) de Mme Riccoboni ou le pouvoir de la causerie amicale". Le Monde français du dix-huitième siècle 3, n.º 1 (19 de abril de 2018). http://dx.doi.org/10.5206/mfds-ecfw.v3i1.1694.

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Mme Riccoboni, passée maître dans la rhétorique de préface auto-dépréciative, transforme la traduction et l’anglomanie en escortes narratives de légitimation : grâce à elles, elle fait entrer dans la République des lettres un texte propre à réhabiliter la voix des femmes et leur combat pour une société plus juste. À l’ombre d’Henry Fielding et sous le masque de traductrice, Mme Riccoboni investit d’une charge critique surprenante le discours de Miss Matheus, enfermée à double tour dans la prison londonienne de Newgate. Une telle ambition confirme que l’imaginaire de la traduction peut conduire à ce que Gideon Toury appelle un « acte de planification culturelle ». La présente étude sur la portée et l’impact de la veillée en prison, qui acquiert de nouvelles proportions en s’étendant sur plus de la moitié du roman, met en lumière le contrôle et le pouvoir que s’arroge la locutrice incarcérée pour meurtre grâce à la causerie amicale, comprise comme une « conversation exclusive », pour reprendre le titre d’un ouvrage d’Elizabeth Goldsmith, mais aussi le défi que lance Mme Riccoboni à ses contemporains à une époque où le roman se conçoit comme un « livre de vie [et qu’il] est perçu comme un lieu de formation sentimentale, morale, idéologique, pratique même, en prise directe sur la réalité ».

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