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Artículos de revistas sobre el tema "Películas animadas"
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Montero Plata, Laura y Ana María Pérez-Guerrero. "Sincronías y sinergias animadas: La visión de la industria de la animación de Pixar y Ghibli". Con A de animación, n.º 5 (18 de mayo de 2015): 26. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2015.3538.
Texto completoResumen
<p>Pixar y Ghibli, dos de los estudios más internacionalmente de la industria de la animación, han mantenido una estrecha relación a lo largo de sus más de veinticinco años, que va más allá de los claros homenajes que el estudio estadounidense ha hecho a las películas de Hayao Miyazaki. Organización de exposiciones, doblajes de películas, apoyo en la distribución, documentales o clases magistrales, tanto desde Pixar a Ghibli como en el caso contrario, ponen en evidencia la relación tan prolífica y polifacética que han entablado los dos estudios de animación a lo largo de los años. Para exponer y detallar esta estrecha colaboración comercial, artística y personal, hemos invitado a las investigadoras Laura Montero Plata y Ana María Pérez Guerrero —autoras respectivamente de El mundo invisible de Hayao Miyazaki (2012) y Pixar, las claves del éxito (2013)—, a desgranar la correspondencia entre estos dos gigantes de la animación.</p>
2
Navarro Álvarez, Adriana. "Financiación pública autonómica del cortometraje animado en España (2008-2019)". Con A de animación, n.º 13 (27 de septiembre de 2021): 112. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2021.15929.
Texto completoResumen
En este artículo se analiza el panorama general de las subvenciones públicas otorgadas al cortometraje animado en España por los Gobiernos de las Comunidades Autónomas (CC AA) entre 2008-2019. Tras una breve aproximación historicista de la implementación de estos incentivos destinados al formato breve cinematográfico en las CC AA que las han hecho efectivas, así como a la evolución legislativa dedicada al fomento de este formato, se realizará un análisis cuantitativo de estas subvenciones en clave regional destinadas a estos filmes. El principal objetivo de este estudio es cartografiar la situación y evolución económica de la producción de películas animadas de corta duración en España en esa década. Los resultados muestran la relación entre el fomento de políticas culturales en dicho período en favor de la incentivación del cortometraje animado regional con el nivel de producción de estos filmes en diferentes puntos del país.
3
Montoya Rubio, Alba. "El modelo de cuento de hadas de las producciones animadas de Walt Disney: la importancia de la música en su construcción y su influencia en películas producidas por otros estudios". Con A de animación, n.º 8 (1 de marzo de 2018): 178. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2018.9656.
Texto completoResumen
<p>Cuando nos referimos a los clásicos Disney es muy común asociarlos con los cuentos de hadas y la presencia de canciones. Sin embargo, no todas las producciones de Disney son adaptaciones de cuentos, pero el estudio de animación toma elementos de este tipo de relatos y los traslada a muchas de sus películas. De esta manera, y con la ayuda de las canciones, Disney crea un modelo propio de cuentos de hadas. Además, en su historia, la compañía Disney ha incorporado convenciones propias, como dar más importancia a las tramas románticas o la inclusión del tema del sueño americano. La cuestión que se plantea este artículo es dilucidar hasta qué punto dichas convenciones son influyentes, tanto en el campo de la animación, como en la adaptación de cuentos de hadas en películas de acción real.</p>
4
Navarro Álvarez, Adriana. "Financiación pública del ICAA en el cortometraje animado en España (2008-2019)". Con A de animación, n.º 12 (10 de marzo de 2021): 52. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2021.15085.
Texto completoResumen
<p>En este artículo se analiza el panorama general de las subvenciones públicas nacionales otorgadas en España entre 2008- 2019 por el ICAA al cortometraje animado. Tras un breve repaso historiográfico de la implementación de las ayudas a proyecto y a cortometraje realizado, así como a la evolución legislativa dedicada al fomento de este formato, se llevará a cabo un análisis cuantitativo de ambas subvenciones destinadas al filme animado en breve formato en clave nacional. Se pretende así ofrecer un estudio de la situación y evolución económica de la producción de películas animadas de corta duración en España en este período. Los resultados muestran la estrecha vinculación existente entre el fomento de la política cultural en dicho período con el nivel de producción de estos filmes, desempeñando así un destacado papel en la consolidación del sector gracias a la dinamización de estas obras cinematográficas promovido por este organismo público.</p>
5
Martínez, Alejandra y Aldo Merlino. "Normas de género en el discurso cinematográfico infantil: el eterno retorno del “final feliz”". Cuestiones de género: de la igualdad y la diferencia, n.º 7 (20 de junio de 2012): 79. http://dx.doi.org/10.18002/cg.v0i7.904.
Texto completoResumen
<p>En este escrito presentamos los principales resultados de un trabajo de investigación que tuvo como uno de sus objetivos centrales analizar cómo aparecen representadas las <em>normas de género</em> en películas animadas dirigidas al público infantil. Trabajamos con tres populares largometrajes que representan contextos históricos diferentes entre 1950 y 2001; La Cenicienta (1950), La Bella y la Bestia (1991) y Shrek (2001). Creemos que es fundamental incorporar la mirada de género en el abordaje de contenidos mediáticos ampliamente difundidos en las sociedades contemporáneas. Enfatizamos la necesidad de analizar productos mediáticos dirigidos al público infantil, por su enorme potencial de inculcar regulaciones sociales desde los primeros años de la vida.</p>
6
González, Rebeca Cristina López. "The Art of “Including Art” in Animation: DreamWorks’ Intertextual Games for All". Journal of Literary Education, n.º 1 (8 de diciembre de 2018): 107. http://dx.doi.org/10.7203/jle.1.12209.
Texto completoResumen
Art forms become interrelated when intertextual phenomena occur. The choice of previous art forms to create humour may seem to be a playful game, but it is the result of many kinds of inserted messages. Fourteen animated feature films by DreamWorks have been analysed and classified in depth (by using Sebeok’s (1986) intertextual categories, which were also described by Hatim & Mason (1990)), in order to demonstrate how animation is an art that encompasses other artistic productions. Firstly, art and animation will be defined in order to, secondly, use the corpus to exemplify the intertextual connections from other art forms. Lastly, the final quantitative and qualitative results will substantiate the conclusion that these productions by DreamWorks are an example of artistic cinematographic intertextuality.
Key words: animation, intertextuality, art forms, Children’s Literature..
Resumen
Las formas artísticas se interrelacionan cuando se pone en práctica el fenómeno intertextual. El uso de formas artísticas previas para crear humor puede parecer un juego pero es el resultado de la inserción de varios tipos de mensajes en un texto/discurso. Se analizan y clasifican en profundidad catorce películas de animación creadas por DreamWorks (se emplea para ello las categorías intertextuales propuestas por Sebeok (1986) descritas, a su vez, por Hatim & Mason (1990)), con el propósito de demostrar cómo la animación es un arte que engloba a otras producciones artísticas. En primer lugar, se definen los conceptos de arte y animación para, acto seguido, mostrar mediante el corpus cuáles son las conexiones intertextuales que provienen de otras formas artísticas. Los resultados cuantitativos y cualitativos permiten concluir que las producciones animadas de DreamWorks son un ejemplo de intertextualidad cinematográfica artística.
Palabras clave: arte, álbumes, museos, galerías, contexto.
Resum
Les formes artístiques s’interrelacionen quan es posa en pràctica el fenomen intertextual. L’ús de formes artístiques prèvies per crear humor pot semblar un joc però és el resultat de la inserció de diversos tipus de missatges en un text/discurs. S’analitzen i classifiquen en profunditat catorze pel·lícules d’animació creades per DreamWorks (s’hi empra per a això les categories intertextuals proposades per Sebeok (1986) descrites, d’altra banda, per Hatim & Mason (1990)), amb el propòsit de demostrar com l’animació és un art que engloba d’altres produccions artístiques. En primer lloc, es defineixen els conceptes d’art i animació per a, tot seguit, mostrar mitjançant el corpus quines són les connexions intertextuals que provenen d’altres formes artístiques. Els resultats quantitatius i qualitatius permeten concloure que les produccions animades de DreamWork són un exemple d’intertextualitat cinematogràfica artística.
Paraules clau: animació, intertextualitat, formes artístiques, literatura infantil i juvenil.
7
Cabrera Balbuena, Iria y Alejandro Ocaña Salinas. "La ilustración animada como espectáculo. Películas de dibujos relámpago". Con A de animación, n.º 10 (23 de marzo de 2020): 24. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2020.13272.
Texto completoResumen
<p>A finales del s. XIX se desarrollan las artes del espectáculo, cobrando fuerza las agrupadas dentro del teatro de variedades. La caricatura, de creciente popularidad y alcance gracias a la expansión de la prensa y los magazines, encuentra un lugar también como espectáculo en vivo, de la mano de los dibujos relámpago. Por otro lado, dentro del cine, el descubrimiento de la técnica de animación del paso de manivela permite a los cineastas crear trucos en la gran pantalla. La conjunción del uso de este recurso y los espectáculos de dibujos relámpago dan lugar a una serie de películas denominadas de dibujos relámpago, que sentarán las bases para la creación de los futuros dibujos animados. En el presente artículo se analizan este tipo de películas en relación con la ilustración y su conexión con los espectáculos de entretenimiento en el cambio de siglo.</p>
8
González-Monaj, Raúl. "El estudio de dibujos animados CIFESA y las películas de Rigalt-Reyes". Con A de animación, n.º 7 (1 de marzo de 2017): 188. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7306.
Texto completoResumen
<p>La edad de oro de la animación española (1939-1955) —en la que se realizaron cerca de un centenar de cortometrajes y cinco largometrajes— siempre ha resultado interesante por el difícil contexto de posguerra en el que se desarrolló. Pero aún resulta más sugestiva si nos centramos en sus inicios, muchas de las veces autodidactas, y nos alejamos del epicentro animado que era Barcelona. Esta es la historia de los primeros animadores valencianos de los que hay constancia, el prácticamente desconocido equipo formado por Carlos Rigalt y José Mª Reyes.<br />Pero además, en el presente artículo al heroísmo pionero se le suma lo enigmático. Pues del trabajo de la misteriosa pareja, auspiciado por el Estudio de Dibujos Animados CIFESA en la que sería su efímera incursión en la producción propia animada de la major española por definición, no queda ni rastro. Obras, autores e infraestructura que no trascendieron y a los que el tiempo sepultó bajo un manto de olvido, pero que quizá merezcan un recuerdo por su condición de adelantados en una técnica, en un país y en un tiempo difíciles.<br />Reparar su memoria es el objeto de este trabajo que se inicia en Valencia, y que tras pasar por Madrid y Barcelona terminará sorprendentemente en Guatemala, tras los pasos de un artista multidisciplinar y de talento que fue elemento principal de la historia a la vez que cómplice de su olvido.</p>
9
Andrés López, Rafa y Ajo P. Valls. "Conociendo a Silly Walks Studio". Con A de animación, n.º 5 (18 de mayo de 2015): 48. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2015.3549.
Texto completoResumen
<p>Silly Walks Studio es un equipo de reciente creación formado por cuatro jóvenes artistas especializados en desarrollo visual y animación 2D. Este colectivo se creó en 2013 después de que sus miembros concluyesen sus estudios gracias a una Startup UPV, un programa de apoyo a jóvenes, de la cual estos cuatro egresados en Bellas Artes han sido los primeros beneficiarios en toda la Universitat Politècnica de València. Por su carácter multidisciplinar podemos encontrar en la trayectoria de Silly Walks trabajos de Motion Graphics, espots publicitarios, arte para videojuegos e incluso participaciones en películas. Hasta la fecha han compaginado el desarrollo de proyectos propios con trabajos comerciales de cierta envergadura, como la secuencia de animación para la película Pixel Theory (2013) o la imagen gráfica y audiovisual para la 5ª Edición del Máster en Animación de la UPV (2013-15). Asimismo, en el último año han trabajado como diseñadores visuales y como animadores para el sector de los videojuegos, uniendo fuerzas con el estudio Brave Zebra. En las siguientes líneas podremos conocer de primera mano a este colectivo y hacer un repaso por su corta pero intensa carrera en el mundo audiovisual animado.</p>
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Torrecillas, Mario. "Guerrilla animation. Pequeños dibujos animados". Con A de animación, n.º 6 (16 de mayo de 2016): 16. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2016.4785.
Texto completoResumen
<p>El pasado mes de octubre se estrenó en España El rey de la Habana, la última película de Agustí Villaronga. Sus créditos iniciales fueron creados por PDA (Pequeños Dibujos Animados) aunque el colectivo se dedica principalmente a hacer talleres con niños de todo el mundo, su director Mario Torrecillas alterna esta labor de su estudio con otro tipo de creaciones profesionales. A través de este texto, el propio Mario nos desvela cómo fue el proceso de diseñar y animar estos títulos de crédito.</p>
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Alcón Tancara, Sofía. "El consumo de películas Disney desde una mirada animalista". Estudios Artísticos 7, n.º 11 (2 de julio de 2021): 57–72. http://dx.doi.org/10.14483/25009311.17555.
Texto completoResumen
La cultura visual del cine de animación Disney se presenta como un contenido multimedia de gran alcance que perdura en el tiempo. Por ello, hay un interés creciente de estudiar los mensajes que dichos filmes difunden en la actualidad, atendiendo al pensamiento y posicionamiento social del s. XX. Concretamente se emplea una mirada animalista y defensora de la liberación animal, realizando una crítica a dichos largometrajes y reinterpretándolos para ser utilizados como recurso pedagógico en las aulas de educación para los primeros años. Para ello, resulta significativo rescatar el trabajo artístico de Baptiste Drausin, quien –entre una variedad de especialistas– recurre a animales de las películas Disney para compartir la repercusión que les supone la acción humana sobre el medio en el que habitan.
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Gómez, Leticia y Azucena Castro. "Shrieks from the Margins of the Human: Framing the Environmental Crisis in Two Contemporary Latin American Movies // Gritos desde los márgenes de lo humano: Enmarcando la crisis medioambiental en dos películas latinoamericanas contemporáneas". Ecozon@: European Journal of Literature, Culture and Environment 10, n.º 1 (27 de abril de 2019): 177–95. http://dx.doi.org/10.37536/ecozona.2019.10.1.2657.
Texto completoResumen
The contemporary fictional films Nosilatiaj. La belleza [Beauty] (dir. Daniela Seggiaro, 2012) and Los decentes [A Decent Woman] (dir. Lukas Valenta Rinner, 2016) explore the complex intra-action between the human and the non-human worlds, in this case the animal world and the natural landscape, in the context of environmental crisis. In both movies, images of natural landscapes are accompanied by depictions of class inequalities and the environmental crisis. As fiction, the films present an environmental perspective through a symbolic framing of nature. This highlights the marginal place assigned to the non-human world by progress and development. In Beauty, nature is threatened by deforestation of the dry forest landscape called the Bush or the Gran Chaco. Throughout the film, the landscape is always present in the background, either fragmented or just suggested in the memories and subjectivity of the protagonist, Yolanda, a girl of the Wichí people. A Decent Woman adopts the trope of idyllic nature through a nudist community set in a natural jungle-like area adjacent to a gated community for wealthy residents. Belén, the protagonist, a maid working in the gated area, begins participating in the nudists’ rituals. Employing posthuman and new materialist theories, the article analyzes scenes from both movies that foreground the interactions between the human and the more-than-human world in the light of the threats to the natural ecosystem. We discuss the framing of the environmental crisis through the intervention of animals and the animalization of characters, which exemplify the haunting presence of a receding but resistant nature. While nature vanishes from the screen—it is either cut out for agriculture or for ornamental parks in private neighborhoods—the viewers are placed in an active position that prompts ethical thinking concerning the environment. Resumen Las películas de ficción contemporáneas Nosilatiaj. La belleza [Beauty] (2012) de Daniela Seggiaro y Los decentes [A Decent Woman] (2016) de Lukas Valenta Rinner exploran las complejas intra-acciones entre el mundo humano y el mundo más que humano, en este caso el mundo animal y el paisaje natural, en el contexto de la crisis ambiental. Como películas de ficción, la perspectiva ambiental se presenta a través de tomas fílmicas donde la naturaleza adquiere significados simbólicos, destacando así el lugar marginal asignado al mundo no-humano por el progreso y el desarrollo. En Nosilatiaj. La belleza la naturaleza está amenazada por la deforestación y es evocada en la narrativa por el paisaje del Monte chaqueño argentino. A lo largo de la película, el paisaje siempre está latente, enrevesado con los recuerdos y la subjetividad de la protagonista, Yolanda, una niña del pueblo Wichí. Los decentes adopta el tropo de la naturaleza idílica a través de la presencia de una comunidad nudista en un área verde similar a la jungla adyacente a una comunidad cerrada para residentes de clase alta. Belén, la protagonista, una empleada doméstica que trabaja en el barrio cerrado, comienza a participar en los rituales de la comunidad nudista en ese entorno natural. Empleando teorías sobre el materialismo posthumano y el neomaterialismo, el objetivo de este artículo es analizar escenas en ambas películas que ponen de relieve las interacciones entre las formas de vida humana y más que humana, explorando cómo este tema se retrata a la luz de la amenaza a respectivos ecosistemas. Discutimos los encuadres de la crisis ambiental a través de la intervención de animales y de la animalización de los personajes en las películas, que prefigura la inquietante presencia de una naturaleza que retrocede, pero resiste. Al desvanecerse la naturaleza de la pantalla‒es podada para la agricultura o para parques ornamentales en barrios privados‒analizamos cómo el espectador va ganando una posición más activa que exige un gesto ético hacia la crisis medioambiental.
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Lorenzo Hernández, María. "César Díaz Meléndez: commissioned animator de día, animador independiente de noche". Con A de animación, n.º 7 (1 de marzo de 2017): 60. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7295.
Texto completoResumen
César Díaz Meléndez (Madrid, 1975) es uno de los animadores españoles más multidisciplinares y valorados a nivel internacional. Animador desde 1994, y después de haber colaborado en decenas de producciones de dibujos animados para televisión y cine —incluyendo Las tres mellizas (Robert Balser, Baltasar Roca, 1995) y El Cid: la leyenda (José Pozo, 2003)—, comenzó a compaginar sus cortometrajes personales —como Documentales animados (2002), No corras tanto (2008) o el más reciente y celebérrimo Zepo (2014), con exquisita animación sobre arena— con su participación en trabajos de stop-motion, como el corto ganador de un Goya El viaje de Said (Coke Rioboo, 2007), el largometraje O Apóstolo (Fernando Cortizo, 2012) y toda una miríada de películas de proyección mundial, como Frankenweenie (Tim Burton, 2012), ParaNorman (Chris Butler, Sam Fell, 2012), Anomalisa (Duke Johnson, Charlie Kaufmann, 2015) y La vida de calabacín (Ma vie de Courgette, Claude Barras, 2016). En la actualidad está trabajando en Londres, en el rodaje del nuevo y misterioso filme de animación de Wes Anderson: Island of Dogs, prevista para 2018.
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Lombo Montañés, Alberto, Tania Catalán Gabarre, Silvia Palacios Algueró y Jara Parrilla-Bel. "El Paleolítico en los dibujos animados: el universo de ficción prehistórica". El Futuro del Pasado 5 (13 de octubre de 2014): 31–50. http://dx.doi.org/10.14516/fdp.2014.005.001.001.
Texto completoResumen
El presente artículo es una indagación en el universo de ficción que en torno al paleolítico se ha transmitido a través de los dibujos animados. Se integran los dibujos animados de prehistoria dentro de las investigaciones presentes sobre cine histórico o prehistórico y se lleva a cabo una clasificación previa de los mismos. Por último, se analizan las películas de dibujos (la saga Ice Age y Los Croods) más relevantes para el periodo paleolítico. Todo ello nos permite reflexionar acerca del papel de la prehistoria en el mundo de las imágenes cinematográficas y concluir que la relación entre ciencia y cine es más compleja de lo que parece. En conclusión se puede decir que el cine ha inventado su propia Edad de Piedra poblada de dinosaurios y Hombres de las cavernas no sin tener en cuenta a veces las investigaciones científicas.
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Ferri Gandia, Manuel. "Alma en suplicio. La Medusa animada de Ray Harryhausen". Con A de animación, n.º 3 (18 de febrero de 2013): 122. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2013.1429.
Texto completoResumen
Este artículo realiza una especial contribución alas publicaciones cada vez más numerosas sobre elanimador Ray Harryhausen, centrándose en su tareade creador de personajes, y concretamente en el dela Gorgona Medusa que aparece en el largometrajeFuria de titanes (Clash of the Titans, Desmond Davis,1981). En primer lugar, el artículo describirá el mitode Medusa, así como su representación en el arteclásico y otras posteriores en el medio audiovisual,previas al estreno de la citada película. Seguidamente,el artículo girará en torno al autor y su relación conel personaje, profundizando diversos aspectos del desarrollocreativo. La parte final pretende ser una guíasobre el personaje visto por otros artistas en diversosmedios audiovisuales, especialmente el videojuego,haciendo hincapié en aquellos trabajos que muestraninfluencias del diseño de Ray Harryhausen.
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Santamaría Alonso, Julio. "Fundido en negro". Neuróptica, n.º 2 (17 de mayo de 2021): 157–76. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_neuroptica/neuroptica.202025424.
Texto completoResumen
Resumen: La serie Blacksad, del guionista Juan Díaz Canales y el dibujante Juanjo Guarnido, ha cosechado un gran éxito internacional desde su aparición a finales del año 2000. La apuesta de los autores, ganadora a la postre, fue crear una historieta protagonizada por animales en un universo realista noir de los EE. UU. de los años 50 del pasado siglo. Si bien Blacksad nació de la admiración por las grandes novelas y películas de serie negra, la vinculación de los álbumes del gato detective con el cine va más allá, sin embargo, de esta relación directa. En sus páginas es posible encontrar alusiones y homenajes a películas de diferentes géneros que han ayudado a conformar el decorado, los personajes e incluso las tramas de las aventuras del protagonista a lo largo de los cinco volúmenes publicados hasta el momento.
Abstract: The Blacksad series, by scriptwriter Juan Díaz Canales and illustrator Juanjo Guarnido, has enjoyed great international success since its creation in late 2000. The authors took a chance – and eventually succeeded – on creating a comic novel starring animals set against a realist, noir, 1950s America background. Blacksad was born out of the authors’ admiration for great noir novels and films, but the link between the cat detective albums and the cinema goes well beyond this point. Throughout the albums’pages we find hints and tributes to many genre films in aspects such as the general background, the personae, and even the plots of the main character’s adventures, which span five volumes so far.
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Martín Sanz, Álvaro. "Posmemoria y trauma animado de la imagen perdida. Los planteamientos narrativo y estético de Funan de Denis Do". Con A de animación, n.º 12 (10 de marzo de 2021): 74. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2021.15087.
Texto completoResumen
<p>Funan (2018) es el título de la obra debut del realizador francés, de origen camboyano, Denis Do. El film, ganador del Cristal a Mejor Película en el Festival de Annecy, narra la historia de Chou y de su familia, forzados a evacuar la ciudad de Phnom Penh con el auge de los jemeres rojos. Así, la película se desarrolla como una obra artística establecida por la generación de la posmemoria en torno a unos hechos traumáticos que no se han vivido directamente pero que se ficcionalizan a través de la animación. El presente artículo tiene por objetivo explorar los planteamientos narrativo y estético de la obra en relación a tres claros referentes de la misma basados en el genocidio camboyano: la novela gráfica L'année du lièvre (2011) de Tian, el film La imagen perdida (L’image manquante, 2013) de Rithy Panh y, por último, el universo artístico del pintor Vann Nath.</p>
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Navarro Álvarez, Adriana. "DECORADO (una vida en escena), de Alberto Vázquez". Con A de animación, n.º 7 (1 de marzo de 2017): 10. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7276.
Texto completoResumen
<p>Que Alberto Vázquez es un autor que dibuja y que cuenta historias es algo que a estas alturas (de la película) ofrece pocas dudas. A través de Decorado nos muestra su gusto por diferentes tipos de dibujos animados y el humor de diferentes cineastas (lo de las grafías recargadas y el uso de grabados muy del gusto de Terry Gilliam y animales del pelo de Robert Crumb es una pista a seguir).<br />En cuanto se levanta el telón, con aparente sencillez y de un modo tan inquietante como efectivo, nos presenta una oferta que no podremos rechazar, transportándonos a un territorio que nos conecta/desconecta de la realidad cotidiana analógica y nos sumerge en la realidad mediatizada. Decorado ha recibido el merecido aplauso y acogida de una interminable lista de festivales, como Cannes, Annecy, y Toronto, entre muchos otros.<br />Decorado, once minutos de disfrute que se renueva con cada nuevo visionado.</p>
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Martí López, Emilio. "Makun (Don’t Cry): recreating vetoed realities through the animated documentary and animated journalism". Con A de animación, n.º 11 (10 de septiembre de 2020): 16. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2020.13978.
Texto completoResumen
<p><em>MAKUN (NO LLORES) - Dibujos en un C.I.E. </em>es un documental animado de 30 minutos que se adentra en una realidad muy opaca: los centros de internamiento de extranjeros (CIEs), cárceles para personas inocentes en los que normalmente no están permitidas las cámaras de vídeo. Habiendo conseguido un material documental único —los dibujos dejados en las paredes del CIE de Fuerteventura por miles de presos— sobre un tema que nos interesaba, decidimos dar vida al mismo por medio de la animación, confiando en conseguir algo más que la mera ilustración de los testimonios orales recogidos para la película. En el presente artículo, el director de la película, Emilio Martí, resume de manera personal la experiencia de abordar la preparación y rodaje de <em>MAKUN</em>, así como algunos aspectos de su distribución.</p>
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Aguilar, Santiago, Felipe Cabrerizo, Ana Marquesán y Cristina Lorente. "Animación republicana: entre la transmedialidad y la radicalización ideológica". Con A de animación, n.º 12 (10 de marzo de 2021): 12. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2021.15083.
Texto completoResumen
<p>La reciente recuperación del que pasa por ser el cortometraje español de dibujos animados más antiguo conservado, Francisca, la mujer fatal (K-Hito, 1933), gracias a la labor de la Filmoteca de Zaragoza en colaboración con la Filmoteca Española, nos sirve de excusa para indagar en el primer intento serio de industria animada en España. Nos referimos a la efímera Sociedad Española de Dibujos Animados (SEDA), que fue creada en Madrid a instanciasde Joaquín Xauradó y secundada por un ramillete de dibujantes provenientes de revistas satíricas o periódicos de marcado corte político y del entorno de “la otra generación del 27”, como fueron K-Hito, Antonio Got, Fco. López Rubio, Antonio Bellóno Manuel Alonso Moyano, entre otros. En sus escasos dos años de vida alumbraron una breve filmografía compuesta por Un drama en la costa (Joaquín Xauradó, 1933), El rata primero (K-Hito, 1933), Francisca, la mujer fatal (K-Hito, 1933) y Serenata (Fco. López Rubio, 1934), y que solo por pionera cuenta con el máximo interés.</p><p>En el presente trabajo conoceremos, pues, a sus principales artífices, cuyo paso por la animación quedó eclipsado por su propia trayectoria, anterior y posterior a la SEDA, así como sus películas, perdidas debido a lo exiguo de su distribución y tiraje —cuando lo hubo—, así como a los avatares propios de la conservación de los materiales. Este estudio que se detendrá en las condiciones que propiciaron el intento de negocio, el tenso contexto social y político en el que se desarrolló y su pronto final debido a la muerte de su músculo principal, Joaquín Xauradó, en los prolegómenos de la Guerra Civil.</p>
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Mochizuki, Miki, Feng Chui Wu, Cláudio Saddy Rodrigues Coy, Maria de Lourdes Setsuko Ayrizono, Juvenal Ricardo Navarro Góes y João José Fagundes. "Efeito de aderências dirigidas em anastomoses cólicas isquêmicas em ratos". Acta Cirurgica Brasileira 20, n.º 3 (junio de 2005): 247–52. http://dx.doi.org/10.1590/s0102-86502005000300010.
Texto completoResumen
OBJETIVO: Avaliar o efeito das aderências dirigidas sobre a resistência mecânica de anastomoses realizadas em cólon isquêmico através da aplicação dos testes Resistência à Pressão de Explosão e Resistência à Força de Tração. MÉTODOS: Quarenta ratos foram distribuídos igualmente em dois grupos. O Grupo 1 era constituído de vinte animais em que as anastomoses cólicas isquêmicas foram recobertas por uma película de polivinilcloreto (P.V.C.) para impedir a formação de aderências sobre as linhas de sutura e o Grupo 2 era constituído por 20 animais em que as anastomoses cólicas isquêmicas foram recobertas pela gordura epididimal, de forma a constituir uma aderência dirigida sobre a linha de sutura, sendo ainda recobertas por uma película de P.V.C. para impedir a formação de outras aderências. RESULTADOS: A média da Pressão de Ruptura à Distensão por Líquidos da anastomose foi de 10 mmHg no grupo sem aderência e de 55,2 mmHg no grupo com aderência (p < 0,05). A média da Força de Ruptura à Tração das anastomoses foi de 142,5 gf no grupo sem aderências e de 262 gf no grupo com aderência (p < 0,05). CONCLUSÃO: As aderências mostraram ser benéficas, elevando a resistência intrínseca das anastomoses tanto na Resistência à Distensão por Líquido quanto na Resistência à Força de Tração.
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Cañas Pelayo, Marcos Rafael. "HARLEY QUINN: DE SIDEKICK A HEROÍNA ANÁRQUICA". RAUDEM. Revista de Estudios de las Mujeres 6 (31 de diciembre de 2019): 42. http://dx.doi.org/10.25115/raudem.v6i0.2714.
Texto completoResumen
La evolución del personaje de Harley Quinn es una de las más interesantes en el cómic norteamericano. Creada por Paul Dini y Bruce Timm para una serie animada sobre Batman, Harley pasaría pronto de ayudante de un villano como el Joker a convertirse en una de las figuras más reconocibles del universo DC, presente en muchos medios (televisión, videojuegos, cine...). Su personalidad se ha ido enriqueciendo a través de sus distintas versiones. Con un punto de partida que la situaba como víctima de una relación tóxica, actualmente representa una heroína de popularidad en auge con su próxima película anunciada para 2020.
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Dos Santos, Rodrigo Faustini. "Materia Obscura (2009): metamorfose alquímica e a transmigração analógico-digital". Rebeca - Revista Brasileira de Estudos de Cinema e Audiovisual 8, n.º 1 (8 de noviembre de 2019): 35–59. http://dx.doi.org/10.22475/rebeca.v8n1.549.
Texto completoResumen
Propõe-se analisar a performance audiovisual Materia Obscura (2009-), de Jürgen Reble e Thomas Köner, considerando sua visualidade híbrida entre a tecnologia digital e a matéria analógica como formulação do pós-cinemático. A obra surge como transcodificação de um filme anterior, Instabile Materie (1995), composto por quimigramas em película 16mm, escaneados e trazidos para a performance, no qual um software de processamento ao vivo permite que a passagem fotograma a fotograma seja trabalhada “elasticamente” através de frame blendings e pixel motion, resultando num filme em fluxo contínuo de morphs animados. Na obra, uma dinâmica de ruído e informação, grão e pixel, é posta enquanto especulação acerca do surgimento de organizações da matéria, friccionando o pós-cinema da performance digital ao vivo com a ruinosa matriz fotoquímica do cinema em película, constituindo uma “mistura impura” que põe em questão passado, presente e futuro das imagens em movimento. Através da discussão de Kim Jihoon e Giuliana Bruno acerca da introdução do hibridismo nas experimentações do pós-cinema, junto da análise do morph enquanto elemento chave da materialidade (e mitologia) do audiovisual digital, avaliaremos como, na minúcia das passagens entre as imagens, Mateira Obscura coloca em movimento problemáticas da representação emergentes na passagem analógico-digital da tecnologia cinematográfica.
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Schoenau, Luciana Silveira Flores, Ney Luís Pippi y João Eduardo Valau Schossler. "AVALIAÇÃO CLÍNICA PRELIMINAR DO FECHAMENTO COMPARATIVO DE INCISÕES CORNEANAS COM SUTURA E BIOFILL (PELÍCULA CELULÓSICA)". Ciência Rural 23, n.º 2 (agosto de 1993): 173–77. http://dx.doi.org/10.1590/s0103-84781993000200010.
Texto completoResumen
A membrana celulósica Biofill vem sendo utilizada como substituto temporário da pele em cirurgias estéticas e reparadoras, sendo recentemente testada em oftalmologia. Com a finalidade de obter-se uma alternativa para suturas em cirurgias que exijam a abertura da câmara anterior através da córnea, foi feito um estudo comparativo entre o fechamento de incisões corneanas com sutura e com Biofill. Foram utilizados 5 animais da espécie canina, sem raça definida, de peso e idade variáveis, nos quais foram realizadas incisões corneanas completas. Em um olho a incisão foi fechada com película celulósica, e no outro com sutura contínua simples. A avaliação dos resultados foi feita através de exames clínicos diários e da oftalmoscopia. Os resultados obtidos com a utilização do Biofill no fechamento de incisões corneanas, mostraram-se favoráveis quando comparados com a síntese por sutura.
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Rojas-Sierra, Sergio Daniel. "La narrativa cinematográfica de Makoto Shinkai: desarrollo de una hipótesis de trabajo". Jangwa Pana 17, n.º 1 (29 de diciembre de 2017): 73. http://dx.doi.org/10.21676/16574923.2298.
Texto completoResumen
Makoto Shinkai, como director de cine, ha logrado un reconocimiento internacional durante los últimos años, principalmente por su último largometraje animado Kimi no na wa (Tu nombre, 2016). Su universo narrativo abarca diversos géneros y productos, tales como novelas, películas y manga. El presente artículo de reflexión se enfoca en las narrativas de su universo cinematográfico, para desarrollar una hipótesis a partir de la premisa en la que el género es una variación, el contacto es siempre la historia y la conexión es la forma estética (de acuerdo con los conceptos de Bajtín). Se usa esta hipótesis para analizar el mediometraje Kotonoha No Niwa (El jardín de las palabras, 2013). Así, esta hipótesis se proyecta como una forma de comprensión de sus obras.
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Digón-Regueiro, Patricia. "The outdated Disney world: A proposal of critical analysis to work on at school". Comunicar 13, n.º 26 (1 de marzo de 2006): 163–69. http://dx.doi.org/10.3916/c26-2006-25.
Texto completoResumen
The image of innocence and the defence of moral values that Disney company sells make any attempt of a critical analysis of products such as Disney cartoon movies quite difficult. However, Disney culture fills up our lives aiming not only at entertaining but also educating us in some clearly conservative values. In this paper, stereotypes and values transmitted by these media products are reviewed and a specific proposal of analysis to work on at schools is presented. La imagen de inocencia y defensa de la moral que nos vende la megacompañía Disney dificulta un análisis crítico de productos como las películas Disney de dibujos animados. Sin embargo, la cultura Disney impregna nuestras vidas buscando no sólo entretener sino también educar en determinados valores claramente conservadores. En este artículo se revisan los estereotipos y valores que se transmiten en estos productos mediáticos y se presenta una propuesta de análisis concreta para trabajar en la escuela.
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Navarro Álvarez, Adriana. "La profesionalización del cortometraje de animación en España. Situación actual". Con A de animación, n.º 9 (14 de marzo de 2019): 158. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2019.11341.
Texto completoResumen
<p>Este artículo muestra el panorama de la profesionalización del cortometraje de animación español en la presente década. Pese a los cambios acontecidos en este periodo, como el aumento de la producción anual, la multiplicación de ventanas de difusión y exhibición y el florecimiento de centros de formación en animación, estas películas cortas continúan ocupando un lugar anómalo en el sector cinematográfico. Considerado como afición y obra de aprendizaje separada del conjunto de la industria, este fenómeno se encuentra actualmente en proceso de revisión profunda. A partir de entrevistas y encuestas realizadas a expertos del sector, se puede vislumbrar el nuevo rumbo del cortometraje animado en nuestro país. Esta investigación ilustra las dificultades y contradicciones a las que se enfrentan estos filmes, como la deficitaria regulación por parte de la Administración, la falta de dimensión comercial y la legitimación de esta producción dentro del aparato cinematográfico.</p>
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Junguitu Dronda, Maitane. "Reflexiones sobre el género musical en el largometraje vasco de animación". AusArt 9, n.º 1 (30 de junio de 2021): 245–59. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.22665.
Texto completoResumen
Desde que The Walt Disney decide llevar a cabo su primer largometraje de animación tiene muy clara la importancia de la música en sus producciones. El hecho de que otras compañías imiten esas características lleva a considerar el género cinematográfico del «musical animado» como una entidad propia. En el presente artículo presentamos el concepto del musical de animación y luego realizamos una introducción a ejemplos de largometrajes producidos en el Estado español. Después, y basándonos en las teorías de Alba Montoya Rubio (2017), presentamos un análisis global del uso de la música en los largometrajes vascos. Luego realizamos un estudio de las películas Karramarro Uhartea (Josean Muñoz & Txabi Basterretxea, 2000), La Leyenda del Unicornio (Maite Ruiz de Austri, 2001) y Barriola, San Adriango Azeria (Juanba Berasategi, 2008). Finalmente exponemos conclusiones relativas a la presencia del género musical en el largometraje de animación vasco.
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Lorenzo Hernández, María. "Un "rigger" español en Disney: Iker J. De los Mozos". Con A de animación, n.º 3 (18 de febrero de 2013): 48. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2013.1421.
Texto completoResumen
Iker De los Mozos es un animador especializadoen la construcción y articulación de personajes3D, que en la actualidad trabaja en Walt DisneyAnimation Studios. Ha trabajado en Londres paracompañías como Nexus Productions y The Mill,donde ejerció como “rigger” en varios anunciospara cine y televisión. Anteriormente trabajó comosupervisor de “rigging” en Kandor Graphics parala película Justin y la espada del valor (Manuel Sicilia,2013) y cosechó dos Goyas con La dama y lamuerte (Javier Recio, 2010) y El lince perdido (ManuelSicilia, Raúl García, 2009). Su primer proyectocomo “rigger” profesional fue Planet 51 (2010), deIlion Animation Studios, también galardonada coneste premio. Iker De los Mozos es, además, profesordel módulo de SetUp y Rigging en el Máster de Animaciónde la UPV.
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Benvegnu, Damiano. "Ti-Koyo and His Shark. Human-Animal Brotherhood from Clement Richer to Italo Calvino and Folco Quilici //Ti-Koyo and His Shark.Hermandad humano-animal desde Clement Richer a Italo Calvino y Folco Quilici". Ecozon@: European Journal of Literature, Culture and Environment 7, n.º 1 (15 de junio de 2016): 59–75. http://dx.doi.org/10.37536/ecozona.2016.7.1.979.
Texto completoResumen
Ti-Koyo e il suo pescecane [Ti-Coyo and His Shark] is a 1962 film by Italian film director and screenwriter Folco Quilici. Based on a novel by the Martinican writer Clement Richer entitled Ti-Coyo et son requin (Ti-Coyo and his [White] Shark, 1941) but adapted for cinema by Italo Calvino (who wrote an actual short story on the subject, “Fratello pescecane” [Brother Shark]), Quilici’s film features the fraternal relationship between a boy and his beloved pet shark. This article investigates both the making of Ti-Koyo e il suo pescecane and the significance of the human-animal relationship it presents. It thus first explores Richer’s novel in order to reveal how Calvino’s and Quilici’s versions have altered the original narrative as well as its postcolonial and post-pastoral meaning. It then examines how these transformations have affected the portrayal of the friendship between the human protagonist and the shark. The aim of this article is twofold. On the one hand, it argues that these three different versions of same story offer a perfect example of how contrasting representations of a similar environment might deeply affect both the cultural and the material relationships between human and non-human animals. On the other hand, it underlines how all of them also present a representation of an uncanny human-animal friendship capable of reminding us that we can actually love nature and its creatures for what they are. Resumen Ti-Koyo e il suo pescecane [Ti-Coyo y su tiburón] es una película de 1962 del director de cine y guionista italiano Folco Quilici. Basada en una novela del escritor martiniqués Clement Richer originalmente titulada Ti-Coyo et son requin (Ti-Coyo y su [Blanco] Tiburón, 1941) y adaptada para el cine por Italo Calvino (quien también escribió un cuento sobre el tema, "Fratello pescecane" [“Hermano tiburón”]), la película de Quilici cuenta la relación fraternal entre un niño y su amado tiburón. En este artículo se analiza tanto la realización cinematográfica de Ti-Koyo e il suo pescecane como la importancia de la relación humano-animal que presenta. El artículo comienza examinando la novela de Richer con el fin de revelar cómo las versiones de Quilici y Calvino han cambiado tanto la narrativa original, como su significado poscolonial y post-pastoral. Después, se examina cómo estos cambios han afectado a la imagen de la amistad entre el protagonista humano y el tiburón. El objetivo de este artículo es doble. Por un lado, mostrar que estas tres versiones diferentes del mismo cuento ofrecen un ejemplo perfecto de cómo representaciones contrastantes de un ambiente similar pueden afectar profundamente a las relaciones culturales y materiales entre los animales no-humanos y los animales humanos. Por otra parte, subrayar cómo todas las versiones presentan también una representación de una inquietante amistad entre humanos y animales capaz de recordarnos que en realidad podemos amar a la naturaleza y a sus criaturas por lo que son.
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Mazzitelli, Chiara y Fuensanta Garrido Domené. "Las variedades del español a través del doblaje cinematográfico". Anuario de Letras. Lingüística y Filología 7, n.º 2 (30 de julio de 2019): 63. http://dx.doi.org/10.19130/iifl.adel.7.2.2019.1549.
Texto completoResumen
El propósito de este trabajo es establecer las diferencias significativas que distinguen y caracterizan las variedades del español, analizando la riqueza y las dificultades que representan a partir del cotejo en la TAV (traducción audiovisual) y doblaje español (europeo y americano) de la película de dibujos animados Hotel Transylvania 2, en la que se dan diferencias diatópicas entre determiandos personajes. Este rasgo ha permitido establecer diferencias internas, en cada versión, y externas, entre las dos versiones, la europea y, en este caso, la mexicana. Por ello, se explicarán las dificultades que presenta la labor de traducción e interpretación de las variedades de la lengua española en Europa y en Hispanoamérica, las diferencias en sus respectivos usos sintácticos, morfológicos, semánticos y léxicos, un excelente material para llevar a cabo cotejos y estudios comparativos desde el prisma de la Sociolingüística.
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Athens, Allison K. "Saviors, "Sealfies," and Seals: Strategies for Self-Representation in Contemporary Inuit Films // Salvadores, "sealfies" y focas: Estrategias de autorepresentación en películas inuit contemporáneas". Ecozon@: European Journal of Literature, Culture and Environment 5, n.º 2 (28 de agosto de 2014): 41–56. http://dx.doi.org/10.37536/ecozona.2014.5.2.612.
Texto completoResumen
The legibility of the inter-relationships between human and seal is what is at stake when Inuit present themselves within administrative discourses at international assemblies in defense of their ontology and the right to hunt seals. In the language of administration and in the narrative practices of international animal rights, seals can only appear in a predetermined categorical framework for what constitutes human ethical responsibility to nature. The seal in animal rights discourse is one type of object that needs saving in the form of protective measures to keep her safe from the rapacious greed of capitalism. However, in Indigenous cultural practices, the seal is another relative, a relation whose presence makes all certainties about hierarchies, use-value, moral exemptions, and human exceptionalism impossible. Using the trending social media phenomenon of the “sealfie” and three contemporary northern Indigenous films, this essay argues that the Inuit use of these media formats showcases their cultural and economic dependence on seal hunting and restructures debates around authority, self-representation, and one-sided environmental protection activities. Resumen El entendimiento de las interrelaciones entre ser humano y foca está en juego cuando los Inuit usan el lenguaje institucional en foros internacionales para defender su realidad y el derecho a cazar focas. En el lenguaje administrativo y en las prácticas discursivas de los derechos internacionales de los animales, las focas únicamente pueden aparecer como un marco categórico predeterminado de lo que constituye la responsabilidad ética del ser humano con la naturaleza. La foca en el lenguaje de los derechos de los animales es un objeto que necesita salvarse mediante medidas protectoras que las salvaguarden de la avaricia agresiva del capitalismo. Sin embargo, en las prácticas culturales indígenas la foca es percibida como un familiar, un pariente cuya presencia hace imposible nuestra certitud sobre jerarquías, el valor de uso, la impunidad moral, y la excepcionalidad humana. Usando la moda de las redes sociales en auge, el “sealfie” y tres películas contemporáneas indígenas del Norte, este ensayo argumenta que los usos inuit de estos formatos mediáticos ponen de manifiesto su dependencia cultural y económica en la caza de focas, y reestructura debates en cuanto a la autoridad, la autorepresentación, y las actividades de protección medioambiental monodireccionales.
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Monleón, Vicente. "“El malo de la película” Estudio de las principales figuras malvadas en la colección cinematográfica clásicos Disney". eari. educación artística. revista de investigación, n.º 9 (2 de diciembre de 2018): 131. http://dx.doi.org/10.7203/eari.9.12212.
Texto completoResumen
Resumen: La Cultura Visual es un potente elemento transmisor de ideas, valores y prejuicios que van ahondando en las personas, en muchas ocasiones de manera inconsciente. Un ejemplo de ello son los filmes que la población infantil consume y que son un componente definitorio de la construcción de su identidad y personalidad, sobre todo en el tramo de la Educación Infantil, 3-5 años. Por ello, en este estudio mediante una metodología mixta de investigación se propone analizar las principales figuras malvadas de la colección de películas clásicos Disney (1937-2016). Esta colección tiene un alcance masivo a nivel mundial, pero sobre todo en los países occidentales de América del Norte y Europa. Los resultados establecen cuáles son los rasgos que recrea esta productora a través de sus dibujos animados malévolos. Seleccionando a este grupo como objeto de análisis por la carencia de investigación al respecto. En la discusión, se revisa la construcción de roles y se analizan críticamente las intenciones ocultas tras los mismos para contribuir a una educación más consciente de los estereotipos que influyen en el alumnado.
Palabras clave: Cultura Visual; Disney; infancia; maldad
Abstract: The Visual Culture is a powerful transmitter element of ideas, values, prejudices, etc., that goes unabashedly in people, often unconsciously. For example, the films that children consume are a defining component of the construction of their identity and personality, in the period of 3-5 years old. Therefore, in this mixed study, it is proposed to analyze the main evil figures of the classic Disney film collection (1937-2016). This collection has a massive reach worldwide, but especially in the western countries of North America and Europe. The results establish what are the features recreated by this production company through its malicious cartoons. Selecting this group as an object of analysis due to the lack of research in this regard. In the discussion, from a critical perspective, the construction of roles is reviewed and the hidden intentions behind them are analyzed critically to contribute to a more conscious education of the stereotypes that influence the students.
Keywords: Visual Culture; Disney; critique; malice
http://dx.doi.org/10.7203/eari.9.12212
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Busto Algarín, Antonio Jesús. "La experiencia de animadores españoles creando anime en Japón. Entrevista con Abel Góngora". Con A de animación, n.º 9 (14 de marzo de 2019): 58. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2019.11332.
Texto completoResumen
<p>Abel Góngora (Barcelona, 1983) estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València y se especializó en animación. Ha trabajado para prestigiosos estudios de animación de todo el mundo: su primer año laboral lo desarrolla en Irlanda, en Cartoon Saloon; durante cinco años en Francia trabaja para el famoso estudio de coproducción franco-japonesa Ankama, concretamente para la serie Wakfu (2008-); desde entonces, los últimos cinco años hasta la actualidad ha continuado su carrera como supervisor de animación y animador Flash en Science Saru, el estudio del famoso director japonés Masaaki Yuasa, participando en las famosas series anime como Shin Chan (Yoshito Usui, 1992-) y Devilman: Crybaby (Masaaki Yuasa, 2018-), aunque también películas anime como Lu over the Wall (Masaaki Yuasa, 2017) y Night Is Short, Walk on Girl (Masaaki Yuasa, 2017); además de proyectos de Cartoon Network como OK K.O.! Let’s Be Heroes (Ian Jones-Quartey, 2017-), diversos episodios de Hora de Aventuras (Adventure Time, Pendleton Ward, 2010-2018) e incluso otro tipo de encargos para anuncios publicitarios de Disney Channel. En esta entrevista Abel Góngora nos cuenta su apasionante experiencia profesional.</p>
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Martínez Pérez, Natalia y Nerea Cuenca Orellana. "Igualdad de género y animación infantil en España: Myriam Ballesteros." Revista Internacional de Comunicación y Desarrollo (RICD) 3, n.º 12 (19 de julio de 2020): 106–17. http://dx.doi.org/10.15304/ricd.3.12.6754.
Texto completoResumen
Los medios de comunicación transmiten valores, normas de comportamiento y modelos de actuación que se convierten en referentes para la sociedad, especialmente para la infancia, cuando su discurso es aceptado. Es por ello importante reparar en el tratamiento que los contenidos infantiles otorgan a cuestiones como el género. Las series de animación infantil realizadas en España comienzan a emitirse en la televisión nacional a partir de los años ochenta y cuarenta años después, las series españolas se han consolidado como un soporte para la producción de dibujo animado que también vende a otros países. Al mismo tiempo, la presencia de mujeres en todos los departamentos involucrados en la producción de películas, cortos y series de animación ha crecido también, una circunstancia muy alejada a la de hace cinco décadas, cuando su trabajo se reducía a “hacer el color”. A partir de la trayectoria de la directora y showrunner Myriam Ballesteros, el presente texto examina la situación de las mujeres creadoras en la animación española y ofrece un análisis de los valores que vehicula una de sus series de mayor éxito: Lola y Virginia (Disney Channel: 2006-2009).
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Sarzynski, Sarah. "Before the “Ecologically Noble Savage”: Gendered Representations of Amazonia in the Global Media in the 1970s". Latin American Perspectives 48, n.º 2 (marzo de 2021): 47–62. http://dx.doi.org/10.1177/0094582x20988694.
Texto completoResumen
An analysis of media representations of the Amazon and indigenous peoples reveals how media producers and filmmakers foregrounded discourses naturalizing gendered and racialized differences that distinguished the Amazon from the West in the 1970s, a decade during which the Brazilian military dictatorship promoted development projects in Amazonia. These representations often sexualized indigenous peoples and the Amazon itself, portraying them as primitive, cannibal savages, animals or part of nature, or victims of exploitation. The “Othering” of the Amazon and Amazonians was further elaborated through a discourse of binary oppositions that portrayed Western white men as explorers and exploiters who dominated the screen, scripts, studies, and development projects even if they were doomed to fail. By relying on a symbolic system of difference, global media coverage and films about Amazonia in the 1970s were complicit in legitimizing authoritarian decrees promoting large-scale development that depicted indigenous peoples and the environment as obstacles. Un análisis de las representaciones mediáticas de la Amazonía y sus pueblos indígenas revela cómo, en la década de 1970, productores y cineastas mediáticos resaltaron discursos que naturalizaron las diferencias de género y racializadas con las que se distinguían a la Amazonía del Occidente en una época durante la cual la dictadura militar brasileña promovió proyectos de desarrollo en la región. Dichas representaciones a menudo sexualizaban a los pueblos indígenas y a la Amazonía misma, retratándolos como primitivos, caníbales salvajes, animales o elementos naturales, o víctimas de explotación. La “otredad” de la Amazonía y los amazónicos se elaboró a través de un discurso de oposiciones binarias que retrataba a los hombres blancos occidentales como exploradores y explotadores que dominaban la pantalla, los guiones, los estudios y los proyectos de desarrollo, incluso si estos estaban condenados al fracaso. Al confiar en un sistema simbólico de diferencia basado en oposiciones binarias y estereotipos, la cobertura mediática global y las películas sobre la Amazonía en la década de 1970 fungieron como cómplices en la legitimación de los tipos de proyectos y políticas llevados a cabo en la región.
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Porta-Navarro, Amparo y Lucía Herrera. "Music and its significance in children favourite audiovisuals". Comunicar 25, n.º 52 (1 de julio de 2017): 83–92. http://dx.doi.org/10.3916/c52-2017-08.
Texto completoResumen
Audiovisual media are part of children´s daily life. They build and/or replace a part of the reality that is sometimes preceded. This paper is interested in one of the elements of the audiovisual binomial, the soundtrack, in order to analyse its meaning and sense from the children’s point of view. The objectives are: to determine if the audiovisual media clips to which children are exposed (sound, image and all) are perceived differently; to establish the possible differences in the assessment they make when comparing the sound and image presentation modalities. Fourteen audiovisual media (movies, series, cartoons and documentaries) were identified by 115 children (10-12 years old) as preferred. Audiovisuals were edited in three modalities (sound, image, and all) and grouped into different series of three clips, which were watched in group sessions by 547 Spanish and Argentinian children (mean age: 11 years old). An Assessment Questionnaire of audiovisual clips was designed and implemented. Results showed differences in the meaning of the soundtrack in three of the five categories of the questionnaire. The significant predominance of the sound in series, documentaries and, especially, movies is highlighted. Contextual space-time elements, affective implications, feelings, and empathy as well as assessment of the experience are all perceived by means of the sound (the music). Los audiovisuales forman parte de la vida cotidiana de la infancia, construyendo con ellos una parte de la realidad que muchas veces se anticipa y otras sustituye. Este artículo se interesa por una de las partes del binomio audiovisual, la banda sonora, con la finalidad de conocer su significado y sentido desde la propia interpretación infantil. Sus objetivos son determinar si los niños perciben de modo diferente los clips audiovisuales a los que son expuestos (sonido, imagen y todo); establecer las posibles diferencias en la valoración que realizan comparando las modalidades de presentación sonido e imagen. Se identificaron 14 audiovisuales preferidos (películas, series, dibujos animados y reportajes) por parte de 115 niños de 10 a 12 años. Fueron editados en tres modalidades (solo sonido, solo imagen y todo) y agrupados en series de tres clips, que fueron visionados en sesiones grupales por 547 niños, españoles y argentinos, con una edad media de 11 años. Se diseñó y utilizó un cuestionario de valoración de clips audiovisuales. Los resultados mostraron diferencias sobre el significado de la banda sonora en tres de las cinco categorías del cuestionario, destacando el predominio significativo del sonido en series, reportajes y, de manera destacada, en películas. Se perciben por el sonido (la música) elementos contextuales espacio-tiempo, la implicación afectiva, sentimientos y empatía así como la valoración de la experiencia.
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Amatriain, Lucía. "Anticipo cinematográfico: América: Lo actual del trauma". Ética y Cine Journal 9, n.º 1 (12 de marzo de 2019): 73. http://dx.doi.org/10.31056/2250.5415.v9.n1.23896.
Texto completoResumen
<p>Telupaï es un niño de diez años que vive en un pueblo en la cordillera de Los Andes y que anhela convertirse en chamán. Para ello emprende junto a su amiga Naïra un viaje por tierras inexploradas de riesgos acechantes. Van en busca de un tótem perdido que es de gran valor ceremonial para su pueblo. La Pachamama es ese tótem que los protege y que ha sido confiscado por los incas. Esta búsqueda lleva a los protagonistas hacia Cuzco, la capital del imperio, asediada por los conquistadores, de manera que allí se yuxtaponen la conquista de los incas y la de los españoles.</p><p>Para saber más deberemos esperar a junio, cuando se estrene Pachamama, el film de animación del director argentino Juan Antin. La película se presentó en París en diciembre de 2018 y está nominada por los Premios César del cine francés como mejor film animado. Netflix ha adquirido los derechos de su distribución por lo que se auspicia una audiencia global.</p>
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Calderaro, Monica y Marta Senesi. "Disney: crime in fairy tales*". Rivista di Psicopatologia Forense, Medicina Legale, Criminologia 22, n.º 1-2-3 (27 de diciembre de 2017): 27–30. http://dx.doi.org/10.4081/psyco.2017.10.
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The screen is colored by a celestial sky and begins to outline a castle under whose white gold stands the "Walt Disney Pictures", a semi-crown crown all and the doors of the fantasy are ready to open to the spectators. This is the classic presentation of a Disney Movie that at least once in a lifetime will happen to each of us to attend and accompany the childhood of millions of children. But what is waiting behind that castle? Charming spells and sparks of magic? Absolutely. Princesses to save and charming princes to dream? Absolutely yes. Speaking animals and an Never Land? All this and much more. But if we looked at that castle from a different perspective, and if we shifted our attention from the precious robe of the protagonist, to what deeply motivates her choices and the dynamics surrounding her, we could notice dark shadows, concealed by glittering jewels and unnatural sunsets, so brilliant to blind. The work will focus on those heaviest nuances, analyzing and deepening scenes and themes of Disney Movies where it will be possible to find criminological and psychopathological aspects, thus trying to connect two worlds so distant that for a moment they will intersect as well as in a palette of a painter you can mix white and black. ---------- Lo schermo si colora di un celeste cielo, e comincia a delinearsi un castello sotto la cui bianca aurea si staglia la sigla “Walt Disney Pictures”, un semiarco corona il tutto e le porte della fantasia sono pronte a schiudersi per gli spettatori. Questa è la classica presentazione di un Film Disney a cui almeno una volta nella vita sarà capitato a ciascuno di noi di assistere, e che accompagna l’infanzia di milioni di bambini. Ma cosa ci aspetta dietro quel castello? Affascinanti incantesimi e scintille di magia? Senz’altro. Principesse da salvare e principi azzurri da sognare? Assolutamente sì. Animali parlanti e un’isola che non c’è? Tutto questo e molto di più. Se guardassimo, però, quel castello da una prospettiva diversa, e se spostassimo l’attenzione dal vestito prezioso della protagonista, a ciò che motiva in profondità le sue scelte e alle dinamiche che la circondano, potremmo notare delle sfumature oscure, celate da sfavillanti gioielli ed innaturali tramonti, tanto brillanti da accecarci. È proprio su quelle sfumature più tetre che si concentrerà il lavoro, analizzando e approfondendo scene e temi dei Film Disney in cui sarà possibile riscontrare aspetti criminologici e psicopatologici, cercando così di connettere due mondi tanto distanti che per un attimo si intersecheranno, cosi come in una tavolozza di un pittore è possibile mescolare il bianco e il nero. ---------- La pantalla es de color azul claro del cielo, y comienza a tomar forma un castillo bajo cuyo blanco de oro se coloca la abreviatura "de Walt Disney Pictures", un semi-arco rodea el todo y las puertas de la imaginación están listos para salir del cascarón para los espectadores. Esta es la presentación clásica de una Película de Disney que al menos una vez en la vida nos ha sucedido a cada uno de nosotros para asistir, y que acompaña a millones de niños. Pero, ¿qué está esperando detrás de ese castillo? Encantadores hechizos y chispas de magia? Absolutamente. ¿Princesas para salvar y príncipes azules para soñar? Absolutamente sí ¿Animales que hablan y una isla que no está allí? Todo esto y mucho más. Si observamos, sin embargo, que el castillo desde una perspectiva diferente, y si a mitad de camino a través de la atención por parte del precioso vestido el personaje principal, lo que motiva profundamente en sus elecciones y la dinámica que lo rodean, se puede notar las sombras oscuras, ocultas por las joyas espumoso y puestas de sol antinaturales, tan brillantes para cegar. Es precisamente en los tonos más sombríos que se centrarán los trabajos, analizando y profundizando escenas y películas temas de Disney, donde se pueden encontrar aspectos criminológicos y psicopatológicas, tratando así de conectar dos mundos tan lejos que un momento se cruzará, así como en una paleta de un pintor puede mezclar blanco y negro.
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Feng, Chung Wu, Maria de Lourdes Setsuko Ayrizono, João José Fagundes, Cláudio Sadi Rodrigues Coy, Juvenal Ricardo Navarro Góes y Luis Sérgio Leonardi. "Estudos biomecânicos da ação de aderências sobre anastomose cólica: trabalho experimental em ratos". Acta Cirurgica Brasileira 18, n.º 3 (junio de 2003): 216–23. http://dx.doi.org/10.1590/s0102-86502003000300009.
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OBJETIVO: Avaliar a ação de aderências sobre anastomose em cólon descendente de ratos por meio de análises biomecânicas. MÉTODOS: Noventa ratos foram distribuídos igualmente em três grupos. O Grupo 1 submeteu-se ao teste Pressão de Ruptura à Distensão por Líquido, enquanto que os Grupos 2 e 3, aos testes Força de Ruptura à Tração e Tensão Resultante Final de Ruptura à Tração, respectivamente. Cada grupo foi subdividido em 3 subgrupos contendo 10 animais. Um subgrupo foi analisado com as aderências deixadas intactas ao redor da anastomose; em outro, as aderências foram removidas, enquanto no último não se permitiu a fixação de aderências nas anastomoses por meio de proteção com película de polivinilcloreto (P.V.C.). RESULTADOS: A eutanásia ocorreu no quinto dia pós-operatório e os subgrupos com as aderências intactas nas anastomoses apresentaram maior resistência à ruptura em relação aos subgrupos com aderências removidas. Os subgrupos com ausência de aderências nas anastomoses apresentaram menor resistência à ruptura (Grupo1-p=0,0001, Grupo 2-p=0,0003 e Grupo3-p=0,0001). CONCLUSÃO: Aderências constituem influências benéficas sobre a anastomose, aumentando a sua resistência mecânica na fase inicial do reparo tecidual.
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Ponce de León, Allison Andrea, Raúl Antonio Espinoza Chocña y Jérome Mangelinckx. "Las preferencias en torno al doblaje y la subtitulación de géneros de cine entre estudiantes universitarios de Lima Metropolitana". Hikma 18, n.º 1 (1 de abril de 2019): 181–209. http://dx.doi.org/10.21071/hikma.v18i1.11206.
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: El doblaje y la subtitulación son las dos modalidades de traducción audiovisual (TAV) más practicadas en la actualidad que permiten al público tener acceso a películas extranjeras en su lengua materna. Y el Perú no es excepción a la regla. A pesar de esta realidad, los estudios en el campo del doblaje y la subtitulación orientados a las preferencias del público por una u otra modalidad son escasos en América latina y, en particular, en Perú. Para subsanar este vacío, el presente estudio cuantitativo busca dar a conocer cuáles son las preferencias de los estudiantes universitarios en torno al doblaje y a la subtitulación de géneros de cine, así como los factores que influyen en la elección de alguna de estas modalidades. Se empleó una metodología cuantitativa por medio de un muestreo de tipo intencional incluyó la aplicación de 200 encuestas a estudiantes de dos universidades (una privada y una pública) de Lima, Perú, y su posterior análisis. Los resultados mostraron que hay mayor preferencia por la subtitulación y que los géneros que van mejor con esta modalidad son el drama, el romance y la ciencia ficción. Por otro lado, el género animado es el más adecuado para ser doblado según los encuestados. Asimismo, a partir de las diversas opiniones en torno a la TAV, se puede inferir que existe cierto desconocimiento por parte de los encuestados en cuanto a los procesos y la naturaleza de este tipo de traducción.
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Sarzi-Ribeiro, Regilene Aparecida y João Victor Kurohiji Bonani. "EXPERIMENTAÇÕES ARTÍSTICAS NA ANIMAÇÃO OCIDENTAL: BEGONE DULL CARE". Arteriais - Revista do Programa de Pós-Gradução em Artes 5, n.º 8 (6 de julio de 2020): 72. http://dx.doi.org/10.18542/arteriais.v5i8.8918.
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ResumoO presente artigo tem como tema a animação experimental e suas características, campo repleto de inovações técnicas e artísticas que é mantido à margem dos estudos sobre o cinema animado. Portanto, tem como objetivos definir certas características de uma animação experimental e identificar e descrever traços e características do que se considera uma animação experimental no curta animado “Begone Dull Care” (1949) de Norman McLaren (1914-1987) e Evelyn Lambart (1914-1999) através de uma pesquisa teórica, bibliográfica e descritiva do tipo qualitativa, de natureza básica/pura a partir da coleta de dados e análise documental que compreende a identificação, verificação e apreciação de documentos (bibliográficos e obras audiovisuais) com determinados fins, como análise de conteúdo por meio da descrição do filme de animação “Begone Dull Care” (1949). Diferente da animação comercial que tem como objetivo comercial agradar o público sem a preocupação da satisfação artística ou pessoal dos animadores dos estúdios, e buscar soluções formais que facilitem a produção em larga escala dos filmes animados, a animação experimental vai se distinguir por experimentações técnicas e estéticas que desafiam os limites da linguagem e ampliam seu potencial expressivo. Com caráter de vanguarda, voltada à criação artística e à experimentação, a animação experimental terá desenvolvimento na Europa do início do séc. XX. Artistas como McLaren e Oskar Fischinger exploraram técnicas que ampliam o potencial plástico das animações. O termo incorporou diversas nomenclaturas ao longo dos anos como animação independente ou de autor. “Begone Dull Care” é produto desse espírito que desafia o tradicional através de experimentações. Nele, McLaren utiliza o método de animação direto sobre a película e sincroniza cores e formas gráficas animadas pelo som de jazz. McLaren e Lambart adotam formas simplificadas e abstratas para maior liberdade de criação e, durante tal processo empírico, incorporam imprevistos, acidentes e materiais não convencionais como potencializadores da expressividade através de suas experimentações com a materialidade do filme.AbstractThe present article has as its theme the experimental animation and its characteristics, a field full of technical and artistic innovations that is kept aside from the studies on animated cinema. Therefore, it aims to define certain characteristics of an experimental animation and to identify and describe traits and characteristics of what is considered an experimental animation in the animated short film Begone Dull Care in Norman McLaren’s (1914-1987) and Evelyn Lambart (1914). Bibliographical and audio-visual works with a specific purpose, such as the identification, verification and evaluation of documents (bibliographical and audiovisual works), of a basic / pure nature, based on data collection and documentary analysis, as content analysis through the description of the animated film “Begone Dull Care” (1949). Unlike commercial animation that aims to please the public without the concern of the artistic or personal satisfaction of studio animators, and seek formal solutions that facilitate the large-scale production of animated films, the experimental animation will be distinguished by technical experimentation and aesthetics that challenge the limits of language and amplify its expressive potential. With avant-garde character, focused on artistic creation and experimentation, the experimental animation will be developed in Europe at the beginning of the century. XX. Artists like McLaren and Oskar Fischinger explored techniques that amplify the plastic potential of animations. The term has incorporated several nomenclatures over the years as independent or author animation. “Begone Dull Care” is a product of this spirit that challenges the traditional through experimentation. In it, McLaren uses the direct animation method on the film and synchronizes colors and graphic shapes animated by the sound of jazz. McLaren and Lambart adopt simplified and abstract forms for greater freedom of creation and, during such an empirical process, incorporate contingencies, accidents and unconventional materials as enhancers of expressiveness through their experimentation with the materiality of the film.
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Cañas Pelayo, Marcos Rafael. "La historia jamás contada de Blancanieves". Análisis 52, n.º 97 (Jl-Di) (1 de julio de 2020): 359–81. http://dx.doi.org/10.15332/21459169/5630.
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Blancanieves ha sido un icono cultural desde que los hermanos Grimm escribieron su historia en 1812, basándose en el cuento popular de la hermosa princesa. A pesar de la gran variedad de versiones cinematográficas, desde el clásico animado de Disney hasta la reciente reinvención del cuento de hadas por Universal Pictures, nunca antes hasta la llegada del proyecto del director español Pablo Berger se le había adaptado con un sentido de metáfora ecléctica más allá de los siglos y nacionalidades. Blancanieves (2012) emerge como un melodrama situado en el sur de España durante la década de los veinte del siglo pasado, con una heroína inusual convertida en torera, para la gran pantalla con los Enanitos. El propósito de nuestro artículo es analizar tanto la película como sus personajes con el fin de discernir las circunstancias culturales, sociales y folclóricas que actúan en ella para configurar una Blancanieves independiente, aunque todavía con conexiones con sus versiones predecesoras. En términos metodológicos, el propósito fue estudiar las muchas referencias manejadas en el trabajo de Pablo Berger desde distintos prismas: no solo desde el análisis fílmico ¾por ejemplo, las estructuras narrativas evidencian una deuda con el cine mudo alemán y francés¾, sino también por medio de diversos textos históricos y literarios.
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Quiroz Torres, Jenniffer y Rosa Ana Melgar Hermoza. "Manejo de conducta no convencional en niños: Hipnosis, musicoterapia, distracción audiovisual y aromaterapia: Revisión sistemática." Revista Estomatológica Herediana 22, n.º 2 (18 de junio de 2014): 129. http://dx.doi.org/10.20453/reh.v22i2.137.
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Objetivos: Conocer técnicas de apoyo no convencionales para el manejo de conducta en niños. Esta revisión se realizó mediante revistas indexadas de los últimos 10 años. A pesar que las técnicas tradicionales utilizadas en odontopediatría pueden ser satisfactorias, en la actualidad existe controversia sobre el uso de algunas de ellas. El rechazo por parte de los padres, así como las diversas implicaciones éticas y legales han llevado a que se revalúen muchas actitudes y técnicas, especialmente aquellas de tipo aversivo, lo cual ha conducido a intensificar la investigación en este campo con el fin de buscar nuevas alternativas. La musicoterapia es un tipo de sugestión en la que el niño es animado a la fantasía, evocando sentimientos placenteros para el paciente llevándolo a un estado de relajación. Con la aromaterapia se crea un ambiente cálido para el paciente, volviéndolo menos predispuestos a sentir dolor, disminuye su ansiedad y está más complacido con el servicio. En la distracción audiovisual (técnica que dio mejores resultados) la concentración de los niños, auditiva y visual, queda atrapada en la película que estén viendo desconectándose parcialmente del ambiente odontológico. Se concluye, que son necesarias nuevas técnicas en el manejo de conducta del paciente pediátrico que deben estar acordes a los avances tecnológicos de nuestra era y que promuevan la salud.
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Pomar Tojo, Carmen, Guillermo Calviño Santos y Andrea Irimia Nores. "“EL RESULTADO DEL PROYECTO QVO: METAMORFOSIS 5”". International Journal of Developmental and Educational Psychology. Revista INFAD de Psicología. 5, n.º 1 (21 de diciembre de 2016): 493. http://dx.doi.org/10.17060/ijodaep.2014.n1.v5.711.
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Abstract.“THE RESULT OF QVO PROJECT: METAMORPHOSIS 5”If you look at each of the arts and try to see them as large containers of disciplines, we find that cinema is the most porous of all. The film has a tremendous ability to filter and take - bind - hundreds and thousands of disciplines not only inherent in the result, the film, but in all the stages involved in the creation process. To cite some examples that are found only in the most superficial layer of all film production : script writing, deco-architecture, costume design, storyboard drawing, acting work, capturing sound, camera operation, still photography, graphic design posters, video editing, audio mastering and sound, com ¬ position soundtrack etc. Over and above this surface layer film no limits, for example, a master armory, insect specialist, animal trainer, technician in augmented reality and motion capture, and 3D designer, special effects technician, historian, technical animator pyrotechnics, and even industrial engineer aerospace engineer. That is why in the QVO, Enrichment program for children gifted project we decided to work with cinema, from cinema and to make cinema.Key Words: Enrichment, High Capacity, Film, Screenplay, Building, Decorations, Performance.Resumen.Si nos fijamos en cada una de las artes y tratamos de verlas como grandes contenedores de disciplinas, comprobaremos que el cine es la más porosa de todas ellas. El cine posee una enorme capacidad para filtrar y asumir –aglutinar- cientos y miles de disciplinas no sólo inherentes al resultado, la película, sino en todas aquellas etapas que intervienen en el proceso de creación. Por citar algunos de los ejemplos que se encuentran solo en la capa más superficial de toda producción cinematográfica: Escritura de guión, arquitectura de deco rados, diseño de vestuario, dibujo de storyboard, trabajo actoral, captación de sonido directo, operación de cámara, fotografía fija, diseño gráfico de cartelería, edición de vídeo, masterización y sonorización de audio, com posición de banda sonora etc. Profundizando más allá de dicha capa superficial el cine no encuentra límites, por ejemplo, maestro en armería, especialista en insectos, adiestrador de animales, técnico en realidad aumentada y motion capture, diseñador y animador 3D, técnico de efectos especiales, historiador, técnico en pirotécnica, ingeniero industrial e incluso ingeniero espacial. Es por ello que en el proyecto QVO, programa de Enriquecimiento para niños y niñas de altas capacidades, nos hemos decidido a trabajar con el cine, desde el cine y para hacer cine.Palabras Clave: Enriquecimiento, Altas Capacidades, Cine, Guión, Arquitectura, Decorados, Actuación.
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Baliscei, João Paulo, Geiva Carolina Calsa y Vinícius Stein. "Tiana, a primeira princesa negra da Disney: olhares analíticos construídos juntos à cultura visual". Visualidades 15, n.º 2 (19 de diciembre de 2017): 137. http://dx.doi.org/10.5216/vis.v15i2.44123.
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Este trabalho discute os estereótipos raciais reproduzidos pela Disney, que tem como público-alvo o infantil e grande repercussão entre as crianças brasileiras. Para isso, realizamos uma pesquisa bibliográfica a partir dos Estudos Culturais e da Cultura Visual. Discutimos sobre cenas selecionadas do desenho animado A Princesa e o Sapo (2009). Concluímos que, embora haja um avanço na abordagem das relações inter-raciais com a criação de protagonistas negros/as, o filme analisado ainda valoriza estereótipos, uma vez que alguns aspectos contribuem para a marginalização e abjeção de personagens negros/as. AbstractThis paper discusses the racial stereotypes reproduced by Disney productions, whose target audience is the children and has great repercussion among Brazilian children. For this, we carried out a bibliographical research based on Cultural Studies and Visual Culture. We discussed selected scenes from the cartoon The Princess and the Frog (2009). We conclude that, although there is a progress in the approach of interracial relations with the creation of black protagonists, the analyzed film still values stereotypes, since in some aspects they contribute to the marginalization and abjection of black characters. ResumenEste trabajo discute los estereotipos raciales reproducidos por las producciones de Disney, direccionadas a una audiencia de niños y, que tiene una gran repercusión entre los niños brasileños. Para esto, desarrollamos una investigación bibliográfica basada en Estudios Culturales y Cultura Visual. Discutimos algunas escenas seleccionadas del dibujo La princesa y el sapo (2009). Concluimos que, a pesar de los avances en el tratamiento de las relaciones interraciales con la creación de protagonistas negros/as, la película analizada todavía valora los estereotipos, ya que en algunos aspectos contribuyen para la marginación y el rechazo de los/as personajes negros/as.
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Quiroz-Velasco, María Teresa. "Television: Seen, Heard and Read by Peruvian Adolescents". Comunicar 18, n.º 36 (1 de marzo de 2011): 35–41. http://dx.doi.org/10.3916/c36-2011-02-03.
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This paper analyzes the current relationship between Peruvian teenagers and television. The information accessed from various sources concluded that adolescents are consuming television extensively, especially the poorer within the country. Teens appreciate the cable television as a source of learning, and its variety and ability to relate it with the world. The interest in cartoons, movies and series –fiction genre in general– affirms the value of this media in society as well as the possibility to make them more familiar with their environment. Information about what happens beyond their localities is a source of reference in their perception of the country. Beyond the cultural conflict from which is generally assessed from the effects that television may have on the rural world, television has a positive sign for the visual deterritorialization, which dissolves the natural relationship between culture and territory. In rural areas, parents and teenagers evaluate television positively because it offers more than just the school itself. In the midst of academic and professional criticism on television, adolescents do not distinguish between traditional media and new media, they are all integrated into their daily lives.El presente trabajo analiza la relación actual de los adolescentes peruanos con la pantalla televisiva. La información consultada en diversas fuentes concluye que los adolescentes siguen consumiendo ampliamente la televisión, especialmente los más pobres de ciudades del interior del Perú. Los adolescentes valoran la televisión por cable como una fuente de aprendizaje, así como por su variedad y por la posibilidad de relacionarlos con el mundo. El interés por los dibujos animados y las series y películas y, en general, por la ficción televisiva, reafirma el sentido que tiene la televisión en familiarizarlos con la sociedad y su entorno. La información de lo que acontece más allá de sus localidades es fuente de referencia en su percepción del país y es compartida en familia. Más allá del conflicto cultural, desde el cual generalmente se ha evaluado los efectos de la televisión en el medio rural, ésta tiene para los adolescentes y sus padres un signo positivo porque favorece la desterritorialización visual al disolver la relación natural entre cultura y territorio geográfico. En el medio rural los padres y los jóvenes valoran a la televisión porque les ofrece más que la propia escuela. En medio de la crítica académica y profesional a la televisión, los adolescentes no distinguen entre medios tradicionales y nuevos medios porque todos ellos están integrados a su vida cotidiana.
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Feuerstein, Thomas. "Prometheus Delivered // Prometeo liberado". Ecozon@: European Journal of Literature, Culture and Environment 9, n.º 2 (24 de octubre de 2018): 195–99. http://dx.doi.org/10.37536/ecozona.2018.9.2.2396.
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Stone is turned into meat. This spectacular project entitled “Prometheus delivered” is an installation that Thomas Feuerstein stages as a fascinating laboratory of bubbling bioreactors, mysterious fluids, pumps and endless tubes which wind around a classicist marble sculpture of Prometheus and meander through the entire exhibition. It is the first major solo exhibition of the Austrian artist in Munich. At the center of the installation is a sculpture, a replica of the Prometheus statue by Nicolas-Sébastien Adam (1762), and features its gradual decomposition. The miraculous protagonists of this process of metabolism are stone-eating (chemolithoautotrophic) bacteria. They convert the marble into plaster and, in a further complex transformation, they themselves become the food of human liver cells. The cycle of destruction and re-creation inherent in the Prometheus myth is replicated in a biochemical process. Zeus chained Prometheus to a rock in the Caucasus as punishment for bringing fire to people and thus technology. An eagle rips his liver out of his body – but every night it grows back again. The final result of Thomas Feuerstein's “Prometheus delivered” is – by analogy to the myth – a bioreactor in which human hepatocytes grow and finally form a new three- dimensional liver sculpture. As in antiquity, the liver becomes the organ and a medium that looks into the future because Feuerstein’s installation gives us a glimpse into a time to come in which human beings no longer subsist on animals and plants, but possibly on their own body cells. The exhibition presents this narrative using drawings and objects, sets them to music that also incorporates a radio play, and performs them by means of biochemical processes. In addition to focusing on sound scientific facts, the show is also a science fiction story and a splatter movie on the brink of horror. Resumen La Piedra se convierte en carne. Este espectacular proyecto titulado “Prometeo liberado” es una obra que Thomas Feuerstein plantea como un laboratorio fascinante de biorreactores burbujeantes, fluidos misteriosos, surtidores y tubos sin fin que envuelven una escultura clásica de mármol de Prometeo y que serpentean por toda la exposición. Es la primera gran exposición en solitario del artista austríaco en Múnich. En el centro de la obra hay una escultura, una réplica de la estatua de Prometeo de Nicolas-Sébastien Adam (1762), y presenta su descomposición gradual. Los protagonistas milagrosos de este proceso son bacterias comedoras de piedra (quimiolitoautotróficas). Convierten el mármol en escayola y, en una transformación más compleja, ellas mismas se convierten en el alimento de células del hígado humano. El ciclo de destrucción y re-creación inherente al mito de Prometeo se replica en un proceso bioquímico. Zeus encadenó a Prometeo a una roca en el Cáucaso como castigo por llevar el fuego al hombre, y así, la tecnología. Un águila le arranca el hígado del cuerpo—pero cada noche vuelve a crecer. El resultado final del “Prometeo Liberado” de Thomas Feuerstein es—análogo al mito—un biorreactor en el que los hepatocitos humanos crecen y finalmente forman una nueva escultura tridimensional del hígado. Como en la antigüedad, el hígado se convierte en el órgano y en un medio que mira hacia el futuro porque la obra de Feuerstein nos permite ojear un tiempo venidero en el que los seres humanos ya no viven de animales y plantas, sino posiblemente de sus propias células. La exposición presenta esta narrativa usando dibujos y objetos, usa música que también incorpora una obra radiofónica, y los pone en funcionamiento mediante procesos bioquímicos. Además de centrarse en hechos científicos sobre el sonido, el espectáculo también es una historia de ciencia ficción y una película con salpicaduras al borde del terror.
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"Héctor Ayuso". Mosaic, n.º 4 (18 de marzo de 2002). http://dx.doi.org/10.7238/m.n4.0212.
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OFFF 2001 fue un festival de cortometrajes realizados en formato Flash o Director que pretendía ofrecer un espacio donde reunir películas animadas de carácter no comercial procedentes de todas partes del mundo. Impulsado por cuatro jóvenes consiguió captar la atención de los popes del diseño interactivo y de la prensa. Hillman Curtis , Joshua Davis , Josh Ulm, David Carson , James Widegren o Bradley Grosh, visitaron Barcelona como miembros del jurado. Y a las tres semanas de anunciar el festival llegaba una película de Tim Burton a concurso. ¿Cómo nació la idea? ¿Qué pretendían con el festival? o ¿Cómo consiguieron llevarlo a cabo?, son algunas de las preguntas a las que responde Héctor Ayuso, Director de OFFF.
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Míguez López, María. "Canción do Sur, ou como Disney transformou ao tío Remus no tío Tom". Boletín Galego de Literatura, n.º 47 (23 de diciembre de 2015). http://dx.doi.org/10.15304/bgl.47.2388.
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Na nómina de películas de Disney hai unha que chama especialmente a atención: Canción do Sur, que a compañía ten prohibida por racista. Esta adaptou os libros de Joel Chandler Harris nos que un escravo, o tío Remus, lle conta ao fillo da súa ama unhas fábulas animadas. O protagonista destas é Brer Rabbit, mito entre a poboación negra, a cal tiraba ensinanzas deste coello avezado que por medio do enxeño vence aos seus inimigos. Porén, na adaptación ao cinema, Remus, que nos libros goza dunha posición privilexiada na plantación e incluso ostenta certa autoridade, é un home dócil e sumiso, que só busca a felicidade dos seus patróns, e as fábulas dos animais aparecen despoxadas desa lectura subversiva.