Literatura académica sobre el tema "Photographie documentaire – Au théâtre – 2000-"

Le présent article se propose d’étudier les modalités de réception de la question migratoire par le théâtre grec néo-documentaire. Genre qui transpose sur scène des événements et des personnages réels, tout en intégrant dans sa dramaturgie des documents et des témoignages authentiques, il relève de ce qu’on appelle le « théâtre du réel ». Dans une tentative d’explorer comment cette forme de théâtre gère et négocie les tensions et débats qui découlent du phénomène de la migration (racisme, discriminations, notions de citoyenneté, intégration linguistique et culturelle, etc.), nous analysons deux types de spectacles documentaires, présentés en Grèce à partir de la deuxième moitié des années 2000 : a) ceux qui décrivent l’expérience migrante des Grecs et b) ceux dans lesquels la Grèce s’affiche comme terre d’accueil pour des populations migrantes. Notre réflexion porte, entre autres, sur les enjeux socio-esthétiques des approches documentaires et leur impact sur la conscience du spectateur grec.

Artivisme est un néologisme composé des mots art et activisme. Il concerne l’engagement social et politique d’artistes militants (Lemoine et Ouardi 2010) mais aussi l’art utilisé par des citoyen.ne.s comme moyen d’expression politique (Salzbrunn 2014, 2015 ; Malzacher 2014 : 14 ; Mouffe 2014). La distinction qui porte sur la formation initiale est davantage analytique qu’empirique dans la mesure où la définition d’artistes ou d’œuvres d’art en lien avec une formation institutionnelle (hautes écoles d’art) est aujourd’hui mise en question : Le succès planétaire d’artistes autodidactes engagés comme le photographe français JR montrent qu’on peut acquérir une reconnaissance en tant qu’artiste sans avoir été formé dans une école d’art. De plus, la différence entre l’engagement politique des artistes et leurs œuvres au sens propre est de plus en plus difficile à saisir (Roussel 2006 ; Dufournet et al. 2007). Sur le plan conceptuel, les recherches sur l’artivisme remettent en question la distinction entre l’art considéré comme travail et l’art pour l’art, discutée entre autres par Jacques Rancière dans « Le partage du sensible. Esthétique et politique » : « Produire unit à l’acte de fabriquer celui de mettre au jour, de définir un rapport nouveau entre le faire et le voir. L’art anticipe le travail parce qu’il en réalise le principe : la transformation de la matière sensible en présentation à soi de la communauté » (Rancière 2000 : 71). Les expressions artistiques couvrent un très large panel, allant de l’art plastique et mural, en passant par le graffiti, la bande dessinée, la musique, le flash mobs, le théâtre, à l’invention de nouvelles formes d’expression (Concept Store #3, 2010). L’artivisme actuel, notamment les performances, trouvent leurs racines dans d’autres courants artistiques expérimentaux développés dans les années 1960, notamment le théâtre de l’opprimé d’Agosto Boal, le situationnisme (Debord 1967), le fluxus (http://georgemaciunas.com/). Certains remontent encore plus loin vers le surréalisme et le dadaïsme auxquels l’Internationale situationniste (1958-1969) se réfère afin de pousser la création libre encore plus loin. Tout comme le mouvement situationniste cherchait à créer des situations (1967) pour changer la situation et déstabiliser le public (Lemoine et Ouardiri 2010), et que le théâtre de l’opprimé (Boal 1996) pratiquait le théâtre comme thérapie, l’artivisme contemporain vise à éveiller les consciences afin que les spectateurs sortent de leur « inertie supposée » et prennent position (Lemoine et Ouardi 2010 ; pour les transformations dans et de l’espace urbain voir aussi Schmitz 2015 ; Salzbrunn 2011). Ainsi, les mouvements politiques récents comme Occupy Wallstreet (Graeber 2012) ou La nuit debout (Les Temps Modernes, 2016/05, no. 691 ; Vacarme 2016/03, no. 76) ont occupé l’espace publique de façon créative, se servant de la mascarade et du détournement (de situations, notamment de l’état d’urgence et de l’interdiction de rassemblement), afin d’inciter les passants à s’exprimer et à participer (Bishop 2012). D’autres courants comme les Femen, mouvement féministe translocal, ont eu recours à des performances spectaculaires dans l’espace public ou faisant irruption au cours de rituels religieux ou politiques (Femen 2015). Si ces moyens d’action performatifs au sein du politique étaient largement employés par les courants politiques de gauche (Butler et Athanasiou 2013), l’extrême-droite les emploie également, comme le mouvement identitaire qui a protesté par des actions coup de poing contre les réfugiés dans les Alpes françaises en hiver 2018 (https://www.lemonde.fr/police-justice/article/2018/04/30/militants-identitaires-dans-les-alpes-les-autorites-denoncent-une-operation-de-communication_5292856_1653578.html). Les thèmes politiques abordés se situent néanmoins majoritairement à gauche de l’échiquier politique : mouvement zapatiste, LGBTqueer, lutte anti-capitaliste, antifasciste et pro-refugiés, (afro-/latino-) féminismes (de Lima Costa 2012), mouvement contre l’exclusion des personnes à mobilité réduite, protestation contre la gentrification et la dépossession de l’espace urbain qui s’opère en faveur des touristes et spéculateurs immobiliers et qui va à l’encontre des habitants (Youkhana 2014 ; Pisanello 2017), mouvement d’occupation d’espace, de squat et de centres sociaux auto-gérés, lutte créative en faveur de nouvelles formes de vie commune comme dans la ZAD (Zone à défendre) contre l’aéroport de Nantes etc. (Rancière 2017 : 65-73). Si ces luttes s’inscrivent dans une réflexion critique générale sur les conséquences de la glocalisation, elles se concentrent parfois sur l’amélioration de l’espace local, voire micro-local (Lindgaard 2005), par exemple en créant une convivialité (Caillé et al. 2013) ou des espaces de « guerilla gardening » (mouvement de jardinage urbain comme acte politique) au sein d’une ville. Les « commonistes » qui s’occupent de biens communs et développent les créations par soi-même (DIY – Do it yourself) à travers des FabLabs (laboratoires de fabrication) s’inscrivent également dans cette philosophie en mettant en question de façon créative le rapport entre production et consommation (Baier et al. 2013). Enfin, les mouvements actuels ont largement recours aux dernières technologies d’information et de diffusion, pendant le processus de création et pendant la circulation des œuvres, des images et des témoignages (Salzbrunn et al. 2015). Plus radicalement encore, les hacktivistes interviennent sur des sites web en les détournant et en les transformant. Dans certains endroits, l’humour occupe une place centrale au sein de ces activités artistiques, que ce soit dans le recours aux moyens de style carnavalesques (Cohen 1993), en réinventant le carnaval (Salzbrunn 2014) ou encore en cherchant à créer une ambiance politico-festive réenchantente, assurant un moment de joie et de partage heureux pour les participants. Betz (2016) a traité ce dernier aspect en analysant notamment des « Schnippeldiskos », discos organisés par le mouvement slow food jeunesse qui prennent la forme d’une séance joyeuse de coupage de légumes destinées à une soupe partagée, un moment de « protestation joyeuse », une « forme hybride de désobéissance collective ». Ces nouvelles formes d’interaction entre art, activisme et politique appellent au développement de méthodes de recherches anthropologiques inédites. Ainsi, l’ethnographie est devenue multi-sensorielle (Pink 2009), attentive au toucher, aux parfums, au goût, aux sensations des chercheur.e.s et des personnes impliquées dans l’action artivistique. L’observation participante devient plus radicale sous forme d’apprentissage (Downey et al. 2015). Enfin, les anthropologues qui travaillent sur l’artivisme ont non seulement recours à de nouvelles méthodes, mais aussi à de formes inédites de restitution de leurs recherches, visant notamment à dépasser le centrage sur le texte (Schneider et Wright 2006) en tournant des films documentaires, créant des bandes dessinées (www.erccomics.com), discutant avec les artivistes à travers blogs (www.erc-artivism.ch), ou interagissant à travers des performances comme « Rawson’s Boat », conduite par le Nigérian Jelili Akiku en mai 2018 au Musée d’Acquitaine de Bordeaux.

Cette recherche en études théâtrales se propose de faire un état des lieux des usages et présences de la photographie documentaire dans les écritures théâtrales contemporaines. A travers un corpus de six pièces, écrites entre 2010 et 2022, elle analyse les différentes traductions possibles de cet intêret inédit pour la photographie documentaire dans le champ des écritures théâtrales françaises, intérêt qui s’inscrit plus largement dans une « passion pour le réel » (S. Zizek) déjà identifiée dans le champ artistique et littéraire. Qu’il s’agisse de discours portés sur l’activité photographique, placés dans la bouche de certains personnages, de l’utilisation de la photographie comme matériau pour l’écriture, ou de l’expression d’un imaginaire photographique dans les pièces, la photographie documentaire irrigue les gestes d’écriture de nos auteurs et se dissémine, de manière matérielle ou immatérielle, dans les textes. Ce travail s’inscrit dans une perspective intermédiale et tente, en mobilisant des concepts appartenant également aux études visuelles, de cartographier ce soudain intérêt pour la photographie au théâtre : que vient-il dire, par la voix des auteurs, de notre monde submergé d’images ? Comment l’écriture dramatique permet-elle de mettre en scène les pratiques photographiques, à l’heure des nouvelles technologies de communication et de l’avènement des réseaux sociaux ? La scène peut-elle être le lieu d’un certain renouvellement de nos représentations et nous (ré)apprendre à « voir le voir », pour citer le critique d’art John Berger ?Cette étude explore ainsi les pratiques visuelles contemporaines et la manière dont celles-ci, réinterrogées par les auteurs, peuvent à la fois (se) jouer (de) la trace, être pamphlet et poème, et éventuellement donner, par les déploiements de l’image sur la scène théâtrale, voix et corps aux subalternes
This research in theater studies aims to survey the uses and presence of documentary photography in contemporary theatrical writings. Through a corpus of six plays, written between 2010 and 2022, it analyzes the various interpretations of this unprecedented interest in documentary photography within the field of French theatrical writing, an interest that is part of a broader “passion for the real” (S. Zizek) already identified in the artistic and literary fields. Whether it is characters’ dialogues about photographic activity, the use of photography as material for writing, or the expression of a photographic imagination within the plays, documentary photography permeates the writing gestures of these authors and disperses, materially or immaterially, throughout the texts. This work adopts an intermedial perspective, drawing on concepts from visual studies to map this sudden interest in photography within theater : what does it reveal, through the voices of playwrights, about our image-saturated world? How does dramatic writing stage photographic practices, in an age of new communication technologies and the rise of social networks ? Can the stage become a site for renewing our representations, teaching us to “see seeing,” as art critic John Berger put it ? This study thus explores contemporary visual practices and the ways in which these practices, re-examined by the authors, can simultaneously play with traces, serve as both pamphlet and poetry, and, through the unfolding of images on the theatrical stage, potentially give voice and presence to the « subaltern » (G.C. Spivak)

Cette thèse est la première monographie dédiée à Chauncey Hare (né en 1934), figure à la fois reconnue et marginale de la photographie documentaire américaine contemporaine. Auteur d'un corpus où se mêlent l'héritage de la Farm Security Administration, l'influence de la contre-culture, le souci de l'art et la critique du capitalisme, Hare a traversé le monde de la photographie entre les années 1960 et 1980 et connu un succès inégal. Son livre Interior America, commencé en 1968 et paru en 1978, lui vaut la reconnaissance du monde de l'art et devient un jalon du genre documentaire. Mais la portée politique de ces photographies, mise en avant par un photographe activiste, complique notamment leur réception institutionnelle. Cette thèse est basée sur l'étude des archives de Chauncey Hare, déposée en 2000 à l'université de Berkeley, ainsi que sur de longs entretiens avec lui et d'autres acteurs culturels de la baie de San Francisco. Elle s'appuie sur une définition étendue de l'oeuvre de Chauncey Hare, à la fois visuelle, textuelle et existentielle, et l'ancre dans le contexte de la Californie contre-culturelle des années 1960-70 qui l'a vu naître. À la croisée de l'histoire de l'art et de l'histoire culturelle, elle vise à en donner une vision précise et approfondie, à la fois descriptive, comparative et critique, pour déconstruire le mythe qui s'est élaboré autour du photographe et réintégrer l'oeuvre à ses différents réseaux (institutionnels, intellectuels, humains). Les quatre parties de cette étude couvrent l'intégralité de la vie de Chauncey Hare à ce jour, de 1934 à 2019
This dissertation is the first monographic study of Chauncey Hare's work and career. Born in 1934 and based in San Francisco, he is a key figure of American documentary photography. Hare's work combines the heritage of the Farm Security Administration, the influence of counter-culture, a strong artistic impetus and anti-capitalist worldview. His photographic career spans two decades, from the mid-1960 to the mid-1980s, but his success in the art world was short-lived : he achieved recognition with his book Interior America published in 1978, which eventually became a landmark for social documentary photography, but his political stance and activism complicated the institutional reception of his work. This dissertation is based on the study of Chauncey Hare's archives, stored at the Bancroft library (University of California-Berkeley) since 2000, and on a series of interviews conducted with him and other cultural players of the Bay Area. It considers Chauncey Hare's oeuvre in itsbroadest dimension, including his visual work, his texts but also his very existence as form of praxis. This large and diverse body of work is anchored in the text of 1960-70s counter-cultural California in which it was born. Art history and cultural history come together in this dissertation, whose aims are to give a first,precise, descriptive and critical overview of this body of work to deconstruct the myth surrounding the artist and to reintegrate the work in its various networks (institutional, intellectual, social). This dissertation is divided to four chronological parts, which cover Chauncey Hare's entire lifespan to date (1934-2019)