Tesis sobre el tema "Poésie – Histoire – 13e siècle"
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Lubello, Sergio. "Pour une nouvelle édition des poètes siculo-toscans : recueil de 41 textes poètiques du XIIIe siècle". Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2003. http://www.theses.fr/2003STR20037.
Resumen
Les poètes "Siculo-toscans", imitateurs des siciliens de la cour de Frédéric II, ne forment pas une école au sens moderne du mot: la désignation de Siculo-toscans indique un domaine presque géographique mais surtout une distinction chronologique par rapport aux poètes siciliens tout-court. Dans la plupart de cas, il s'agit d'un ensemble d'expérimentations qui suivent d'abord les canons des siciliens et qui constituent un moment crucial pour la formation de la langue littéraire italienne. La publication des Clpio (Concordanze della lingua italiana delle origini 1992) pousse à réfléchir sur les critères d'édition et sur la nécessité de commenter des textes qui, de nos jours encore, restent inexpliqués (édition Panvini 1962-64). Pour combler cette lacune, nous nous étions proposés de faire l'édition commentée d'un choix significatif des Siculo-toscans, pour la plus part florentins (20 sonnets, 1 sonnet double, 19 chansons; l'ordre des textes est fidèle à la dernière édition). Lorsque nous n'avons pas de certitudes historiques, il est certain que seulement une étude minutieuse nous donne des éclaircissements sur le niveau des relations poétiques. Puisque les outils de travail modernes (glossaires, concordances automatiques, CD-Rom) le permettent, nous avons analysé et approfondi tous les aspect formels: langue, système métrique, structures rhétoriques, style. On observe, dans la lyrique prestilnoviste, la formation d'un vocabulaire spécifique, dont un trait de caractère permanent est la richesse des synonymes, des antonymes, des termes équivoques; en revanche, on en constate la faiblesse 'quantitative'. Mis à part certains glossaires, il n'y a pas eu de dépouillement systématique de ce lexique: c'est pourquoi dans notre commentaire, nous prenons en considération même le TLIO (Tesoro della lingua italiana delle Origini), pour les attestations des sources littéraires et non-littéraires de l'ancien italienThe Siculo-Tuscan poets, imitators of the Sicilian poets who lived at the court of Frederic II, do not constitute a school in the modern sense of the word : the definition of Siculo-Tuscan has not only a geographic connotation, but, first of all, it indicates a chronological distinction from the Sicilian poets tout-court. In most cases we have to do with an amount of experiments which mainly follow the canons of the Sicilians and represent a crucial moment for the formation of Italian literary language. The publication of the Clpio (Concordanze della lingua italiana delle origini 1992) invites to reflect upon editorial criteria and upon the necessity of commenting on texts which remain unexplained up to now (Panvini edition 1962-64). In order to fill this gap, we proposed ourselves to make a commented edition of a significant choice of the Siculo-Tuscan, especially Florentine poets (20 sonnets, 1 double sonnet, 19 canzoni ; the order of the texts respects the last edition). .
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Robin, Anne. "La poésie rusticale du XIIIe au XVe siècle". Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1997PA030101.
Resumen
Dans la problématique générale de la poésie rusticale, la principale question qui se pose est celle de la langue. Celle-ci ne vise presque jamais a représenter le monde de la campagne - bien que des aspects de la réalité, souvent pris dans une visée satirique qui a pour cible le paysan et parfois le pouvoir, émergent des textes - mais vise a un effet comique. Cette langue peut en outre être mise au service de la parodie des topoi de la littérature élevée, en particulier de la poésie lyrique. En ce cas la poésie rusticale peut être comprise comme une variante du genre giocosoWhen studying rusticale poetry, the principal problem faced is that of language. The latter almost never aims at representing the peasant's world but it designed to create a comical effect, although some aspects of reality, often satirically targeted at the peasant and sometimes the political power, emerge from the texts : moreover this language can be used to parody the topoi of elevated litterature, particularly lyrical poetry. In this case, rusticale poetry can be considered as a variation of the giocoso genre
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Zamuner, Candiani Ilaria. "Pour une histoire du rondeau (XIIIe-XIVe s. ). Étude du genre, répertoire des auteurs et des textes, et bref panorama de la réception". Poitiers, 2011. http://www.theses.fr/2011POIT5033.
Resumen
Le rondeau est une des « formes fixes » de la poésie et de la musique françaises entre le XIIIe et le XVe siècle qui n ‘a pas eu une grande fortune en dehors des pays de langue d ‘oïl. Sous le profil structural, le rondeau tourne autour d ‘un refrain, constitué par deux ou plusieurs vers, « qui en est le cellule de base, soit comme élément intégré, soit comme élément générateur » (Bec). Bien qu ‘il puisse être considéré comme l ‘un des genres lyriques le plus pratiqué par les poètes français, le rondeau, surtout celui du XIIIe siècle, n ‘a pas joui d ‘attentions particulières de la part des spécialistes et plusieurs études (même récentes) se sont arrêtées sur les questions de caractère exclusivement musical, ou sur le problème relatif à la réalisation des refrains à l ‘intérieur et à la fin des rondeaux. On a donc abordé l ‘examen des textes du XIIIe et XIVe siècles, en choisissant comme point de départ les exemples les plus anciens attestés dans le domaine français, c ‘est-à-dire les rondeaux enchâssés dans le Guillaume de Dole de Jean Renart, et comme point d ‘arrivée (et surtout de comparaison) les rondeaux composés vraisemblablement vers 1340 et transcrits dans le manuscrit idiographe Paris, BnF, fr. 1586 (= MachC) de Guillaume de Machaut, auteur qui marque une étape importante dans le processus évolutif du genre jusqu ‘à ce moment. Dans la deuxième part de la thèse, on a analysé deux moments de l ‘histoire du rondeau entre le XIIIe et les premières années du XVe siècle : l ‘expérience occitane des baladas anonymes et celle de Christine de Pizan. L ‘intention n ‘est pas celle de mettre en valeur deux expériences en particulier, mais plutôt d'offrir, à travers deux exemples significatifs, des idées pour de nouvelles réflexions surtout sous le profil méthodologiqueUnder the structural profile, the rondeau revolves around a refrain, consisting of two or more lines «qui en est le cellule de base, soit comme élément intégré, soit comme élément générateur» (Bec). Although it may be considered one of the most lyrical genres practiced by the French poets, the rondeau, especially that of the thirteenth century, has not enjoyed special attention from experts and several studies (even recent) stopped on purely musical matters, or on the problems concerning the realization refrains in and at the end of rondeaux. It was therefore up consideration of the texts of the thirteenth and fourteenth centuries, choosing as its starting point the earliest examples attested in French, that is to say the rondeaux embedded in the Guillaume de Dole by Jean Renart, and as end point (especially for comparison) the rondeaux compounded probably around 1340 and transcribed in the idiographic manuscript Paris, BnF, fr. 1586 (= MachC) by Guillaume de Machaut, author which marks an important step in the process of the gender until now. In the second part of the thesis, we analyzed two moments in the history of the rondeau between the thirteenth and early fifteenth century: the Occitan experience of anonymous baladas and that one of Christine de Pizan. The intention is not to highlight two experiences in particular, but rather to offer, through two significant examples, ideas for new thinking especially under the methodological point of view
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Macé, Stéphane. "La pastorale dans la poésie française de l'âge baroque". Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040194.
Resumen
La poésie pastorale baroque s'affiche comme l'héritière consciente d'une longue tradition littéraire : Virgile et Théocrite, bien sûr, mais aussi les bucoliques mineurs de l'antiquité, les poètes élégiaques latins, puis les grands modèles de la renaissance néolatine. Ces exemples théoriques ou littéraires, enrichis encore par les apports en langue vulgaire des italiens, des espagnols ou de l'école de Ronsard, subissent avec le premier XVIIe siècle une mutation sans précèdent : la frénésie des formes qui s'empare de la poésie bucolique appelait une étude du statut générique de la pastorale. Mais l'analyse des différentes postures énonciatives, de l'approche descriptive ou de la pratique des genres mêlés engage également une réflexion sur la vision du monde baroque : comment expliquer sinon le succès de la poésie pastorale ? Les émules d'honore d'Urfé tentent d'y découvrir le remède à une crise des valeurs aristocratiques, les libertins s'en emparent pour conquérir un espace de liberté, et les poètes dévots de la contre-réforme irriguent le monde bucolique d'une spiritualité nouvelle. Qu'ils cherchent un refuge dans l'imaginaire ou approfondissent leurs blessures au contact d'une Arcadie endeuillée, les pastoralistes baroques investissent la bucolique de leur sensibilité propre, sensibilité dont les habitudes stylistiques sont aussi le plus sur révélateur.
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Viana, Antonio Fernando Paiva. "La poésie romantique brésilienne et les modèles français". Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030210.
Resumen
Cette these presente les modeles romantiques francais dans la poesie romantique bresilienne. Les poetes revisites ont ete choisis selon les criteres suivis par manuel bandeira dans son " antologia dos poetas brasileiros da fase romantica". Nous voyons ainsi : goncalves de magalhaes, goncalves dias, alvares de azevedo, junqueira freire, casimiro de abreu, fagondes varela et castro alves. La premiere partie evoque les echos du romantisme francais dans la poesie bresilienne, l'importance de la revolution francaise au bresil, la presence des mythes historiques et litteraires. La deuxieme partie se consacre a une approche des premieres voix romantiques au bresil : le romantisme "officiel, l'"indianisme", l'egotisme", le "nationalisme", le "saudosismo", la periode de transition et le dynamisme social, inspire de victor hugo. Dans la troisieme, nous faisons le pont entre le romantisme et le "modernismo" et la poesie "romantico-moderne" de manuel bandeiraThis thesis presents the french romantic models in the brasilian romantic poetry. The poets studied have been chosen following the criteria of manuel bandeira in his "antologia dos poetas brasileiros da fase romantica". Goncalves de magalhaes, goncalves dias, alvares de azevedo, junqueira freire, casimiro de abreu, fagondes valera and castro alves are studied. The fisrt part sutdies the influence of the french romantism on brasilian poetry, the importance of the french revolution in brasil and the presence of the historical and litterary myths. The second part is dedicated to the first romantic mouvements in brasil : the "official", the "indianism", the "egotism", the "nationalism", and the "saudosismo" periods, the transition period and the social dynamism, inspered by victor hugo. In the third part a link is established between romantism, modernism, and the "modernromantic" poetry of manuel bandeira
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Segas, Lise. "Le cycle des pirates dans la poésie épique hispano-américaine (1585-1615)". Bordeaux 3, 2011. http://www.theses.fr/2011BOR30032.
Resumen
Cette thèse étudie la figure du pirate en Amérique dans la poésie épique composée en Amérique et en Espagne au tournant du XVIIème siècle. Elle s’interroge principalement sur le choix du genre littéraire de l’épopée savante italianisante de la Renaissance, dont l’apogée se situe à la même époque, pour conter les attaques répétées des pirates-corsaires dans plusieurs régions hispano-américaines. Afin de comprendre les raisons du succès épique de ce personnage historique subversif encouragé par des puissances européennes qui en font l’instrument de la contestation de la domination espagnole en Amérique, il convient d’examiner la fortune littéraire de la figure du pirate et de questionner le genre épique. Face au déclin de l’empire espagnol, la montée en puissance d’Etats protestants provoque diverses réactions en fonction de la rive d’où on écrit. En effet, si Lope de Vega entonne un chant patriotique dans « La Dragontea » depuis la Péninsule, la version des poètes témoins des attaques de corsaires et de pirates menées contre les côtes américaines (Juan de Castellanos, Silvestre de Balboa, Juan de Miramontes, Mateo Rosas de Oquendo) prend ses distances par rapport à l’Espagne : abandonnés par une métropole lointaine, ils se retrouvent face à un ennemi étranger agressif qui conteste la légitimité de la prise de possession du Nouveau Monde par l’Espagne et au contact duquel la crise sociale et politique que la société coloniale traverse alors est exacerbée. Leurs réactions critiques, ironiques ou encore parodiques vis-à-vis du pouvoir central et des autorités coloniales s’expriment à travers la poésie épique, révélant à la fois la portée poétique et politique de ces œuvresThis thesis analyses the American pirate character in epic poems composed in Spanish America and Spain at the turn of the 17th century. It reflects upon the choice of the Italianate literary epic poetry genre, whose apogee is situated in the Renaissance, to narrate the stories of the privateers and pirates’attacks against Spanish-American cities. In order to understand the success in epic poetry of this subversive historical character who challenged the Spanish domination in America, I started by investigating the pirate character’s literary fortune and by questioning the epic genre. With the decline of the Spanish empire, the Protestant States’ increase in power produced different reactions in Spanish America and in the Iberian Peninsula. Indeed, while Lope de Vega wrote a patriotic epic poem, “La Dragontea”, the Spanish American versions of the facts distanced themselves from Spain (Juan de Castellanos, Silvestre de Balboa, Juan de Miramontes, Mateo Rosas de Oquendo’s epic poems) : abandoned by the crown, these Spanish American poets had to face up to an aggressive enemy and a stranger who questioned the legitimacy of the Spanish rule in the New World and through whose contact the political and social crisis that the colonial society was suffering got intensified. Their critical ironic or parodic reactions towards central power and colonial authorities were expressed through epic poetry, which reveals at the same time the poetic and politic import of these epic poems
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Husain, Suzan. "Le drame historique chez les poètes anglais et français à l'époque romantique et post-romantique : : modèles narratifs et structures imaginaires". Tours, 2001. http://www.theses.fr/2001TOUR2033.
Resumen
Cette thèse étudie les drames historiques au 19 e siècle. Les pièces analysées sont : "Marino Faliero" de Lord Byron, the " Cenci" de Shelley, "Christine" d'Alexandre Dumas, le "Roi s'amuse" de Victor Hugo, "Becket" de Tennyson, "Theodora" de Victorien Sardou et les "Jacobites" de François Coppee. La première partie contient des analyses de la façon dont les auteurs ont choisi des documents historiques pour composer leurs drames : pourquoi changent-ils d'autres ? La deuxième partie montre comment ces écrivains construisent leurs pièces ; tout ce qui concerne la structure intérieure et extérieure, au même temps, c'est une comparaison entre la forme de ces drames et celle des tragédies classiques françaises. La troisième partie examine les nouvelles conceptions dans les pièces sélectionnées, comme la politique et l'individualisme dans la socièté.
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Mantero, Anne. "La muse théologienne : poésie et théologie en France de 1629 à 1680". Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040012.
Resumen
Cette étude, qui retient dans le champ de la poésie religieuse française du 17e s. , les poèmes d'inspiration doctrinale (1629-1680), pose la question du rapport entre poésie et langue conceptuelle. La théologie est en effet entendue ici au sens étroit de science du dogme. L'examen des textes montre qu'elle constitue tantôt une suite de vérités à enseigner, tantôt un savoir supposé commun au poète et au lecteur, inscrit dans les vers par le moyen de l'allusion. Dans une 1ere partie sont envisagées les œuvres didactiques, dans leur cohérence et dans leurs limites. Dans une 2e partie, on a cherché à montrer comment la doctrine, une fois écartée la visée d'enseignement, avait pu susciter des poétiques relativement originales. La considération du rôle réservé aux termes doctrinaux permet de préciser le lien d'altérité qui unit poème et théologie. Les métaphores et la syntaxe - de la phrase comme du discours - font saisir l'action de la problématique doctrinale sur la formation d'une problématique poétiqueThis study turns its attention to the poems of doctrinal inspiration in the field of the French religious poetry of the 17th century, raising the question of the relationship between poetry and conceptual language. Here indeed theology is understood in the narrowest sense of the scientific dogma. Close analysis of the texts demonstrates it varies between a set of truths to be taught and the learning shared by both the poet and the reader, present in the verse expressed through allusion. First, the didactic works are considered for their coherence and their limits. Next, the point is to show how doctrinal considerations have aroused poetics seeming relatively original, once the teaching objective has been set aside. The attention paid to the function reserved to doctrinal terms allows to define the otherness that relates poem and theology. The metaphors and structure - of the sentence as well as the discourse - point out how theological problematics act upon the problematics of poetry
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Ababou, Farid. "La poésie orale marocaine : 1-Qaṣīdat al-Malḥūn al-ṯāmī-al-Mdaǧrī (m. 1273/1856) : son époque, sa vie et son oeuvre". Aix-Marseille 1, 1994. http://www.theses.fr/1995AIX10029.
Resumen
Poesie orale, le malhun remplit deux fonctions : la distraction, et en meme temps l'instruction. Avec les transformations sociales du maroc, cette poesie risque aujourd'hui, de disparaitre. Notre etude vise la sauvegarde d'une partie de ce patrimoine marocain et maghrebin, a travers la collecte et l'edition du corpus de l'un des poetes celebres : thami l-madagri (mort en 1856). Le travail se compose de deux tomes ; dont le premier est divise en trois parties : la premiere contient un apercu sur l'histoire du malhun, ainsi qu'une approche de la langue de celui-ci, de sa metrique, de sa structure, des rimes et des themes. La deuxieme partie, est consacree a un rappel historique de l'epoque ou vecut le poete (fin 18e - milieu 19e siecle). Ainsi qu'une reconstitution de la biographie de ce dernier. La troisieme et derniere partie contient une traduction partielle, et un glossaire. Le second tome est consacre au corpus, il compte 88 poemes tous inedits (sauf 11 textes) ; en caracteres arabes et en transcriptions.
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Jeney, Zoltán. "Les racines reniées des poétiques de la Renaissance". Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030126.
Resumen
La présente thèse analyse la poésie d'une période critique de la littérature française. La poésie de la Renaissance est marquée par l'avènement d'un groupe de poètes, la Pléiade, qui ont lancé une révolution littéraire dans la perspective d'une réforme au niveau de la langue, des formes et des images. Le programme de la Pléiade rejette l'idée de l'imitation des prédécesseurs français, qui sont considérés comme dépassés et barbares, et se tourne vers la poésie de l'Antiquité et de la Renaissance italienne. Cet ouvrage essaye de dévoiler les racines reniées des poétiques de la Renaissance, c'est-à-dire leurs sources médiévales. Les différents niveaux des textes poétiques (les formes poétiques, les mots, les figures) sont tour à tour examinés afin de révéler les indices de la continuité entre les deux époques. La thèse décrit un côté méconnu de l'inspiration des poètes de la Renaissance françaiseThe thesis intends to analyse the poetry of a critical period of the French literature. The appearing of a group of poets, the Pléiade, marks the Renaissance poetry. They had launched a literary revolution with the idea to reform poetic language, forms and images. Pléiade's program rejects medieval French poets' imitation, because Ronsard and his friends look upon them as barbarians, and prefer follow in the footsteps of ancient Latins and Greeks or imitate the Italian Renaissance. The thesis tries to discover the repudiated roots of Renaissance poetics, that is to say their medieval sources. The different levels of poetical texts (poetic forms, words, figures) will be examined one by one in order to point out the signs of continuity between the two periods. The thesis describes an unknown side of the French Renaissance poets' inspiration
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Lombart, Nicolas. "Réinventer un "genre" : l'Hymne dans la poésie française de la Renaissance". Montpellier 3, 2004. http://www.theses.fr/2004MON30072.
Resumen
L'hymne, spécialement consacré à la louange divine dans la poésie païenne antique ou chrétienne ecclésiastique, constitue avec l'ode ou le cantique l'un des grands genres lyriques de l'éloge dans la poésie française du XVIe siècle. Mais par son abondance et son hétérogénéité, le corpus hymnique présente deux difficultés : l'hymne français peut adopter toutes les formes possibles (strophiques ou non, longues ou courtes. . . ) et célébrer une grande diversité d'objets, religieux (divinité olympienne, occasion liturgique, notion chrétienne. . . ) ou non (lieu, abstraction profane, événement. . . ). Si le définition historique de l'hymne ne pose aucun problème -"les hymnes sont des louanges chantées de dieu" affirme sainr Augustin, une définition reprise par les humanistes à propos des hymnes grecs -, c'est bien l'extension problématique du champ de la louange divine qu'il faut interroger à propos du corpus français. Loin de définir une "essence" du genre, la thèse propose l'étude pragmatique d'un large corpus de pièces françaises dans le but d'élargir une typologie de l'hymnographie française renaissante, considérée comme l'acclimatation originale d'un double héritage poétique, païen et chrétien. Trois parties étudient cette 'réinvention" de l'hymne : sa lente émergence entre 1500 et 1549 dans ses formes traditionnelles ecclésiastiques ; sa réappropriation par la Brigade entre 1550 et 1556 (depuis ses espèces pagano-antiques jusqu'aux hymnes "naturels" ronsardiens) ; ses multiples récupérations militantes (politiques et religieuses) entre les années 1560 et la fin du règne de Henri IVThe hymn, specially devoted to singing the praises of Gods in ancient pagan poetry or in ecclesiastical Christian poetry, is with the ode or the canticle one of the great lyric genres of eulogy in the XVIth century French poetry. But because of its abundance and heterogeneousness, the hymnary corpus presents two difficulties : the French hymn can take any possible shape (stanzaic or not, long or short. . . ), and it can sing the praises of a great diversity of subjects, either religious ones (Olympian deities, liturgical occasions, Christian notions. . . )or not (places, individuals, profane abstractions, events. . . ). There is no problem in giving the historical definition of the hymn : "It is a song with praise of God" wrote Saint Augustine whose definition has been taken up by the classical scholars about Greek hymns. However, when dealing with the French corpus, the problematic extension of the field covered by the praise of gods needs questioning. Far from defining an essence of the genre, the thesis proposes a pragmatical study of a large corpus of French pieces so as to set up a typology of the French hymn of the Renaissance which is regarded as the original acclimatization of both a pagan and Christian poetic inheritance. Three parts are devoted to the re-invention of the hymn : its slow emergence between 1500 and 1549 in its traditional ecclesiastical form ; its taken-up by the Brigade between 1550 and 1556 (from the ancient pagan species to the natural ronsardian hymns) ; its multiple militant takovers (both political and religious) between the 1560's and the end of the reign of Henry IV
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Catellani-Dufrêne, Nathalie. "La poésie de circonstances de George Buchanan (1506-1582) : les épigrammes, édition, traduction commentaire". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040014.
Resumen
George Buchanan (1506-1582), humaniste protestant de nationalité écossaise, enseigna le latin en France, et évolua à la cour et dans les milieux lettrés, puis, de retour en Ecosse, il devint le précepteur de Marie Stuart et de Jacques VI. Célèbre pour ses tragédies sacrées et sa Paraphrase des Psaumes, il s'illustra également dans la composition de pièces de circonstances parmi lesquelles le Epigrammes, parues en 1584. Ce recueil dessine en filigrane les débats sur l'imitation des Anciens au XVIe siècle et sur l'esthétique de l'écriture épigrammatique. Composant de brillantes épigrammes à pointe, caractérisées par leur brièveté et leur efficacité expressive, le poète humaniste, double de l'orateur antique, contribue, par sa poésie essentiellement épidictique, à l'élaboration de sa cité. Nous proposons ici une édition des Epigrammes annotée et accompagnée d'une traduction française, ainsi qu'un commentaire centré sur l'utilisation des modèles dans la création littéraire, les caractéristiques stylistiques de l'épigramme à pointe et la fonction sociale et politique de la poésie de circonstancesGeorge Buchanan, Scottish protestant and humanist, taught latin in France and lived at court and among intellectual circles, then, back in Scotland, he became Mary Stuart and James VI's preceptor. Famous of his Paraphrasis of the Psaulms, he also excelled in the writing of event poems, among which the Epigrams, published in 1584. This collection also reflects the debates about imitation in the XVI century and on the aesthetic of epigrammatic writing. The humanist poet, double of the antique orator, writer of brilliant pointed epigrams characterized by their brevity and expressive efficiency, contributes, through his essentially epidictic poetry, to the elaboration of the city. We are here proposing a publication of the Epigrams, annotated, with a translation in French together with a commentary around the use of models in literary creation, the stylistic characteristics of the pointed epigram and the political and social function of the event poetry
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Hubert, Thibaut d'. "Histoire culturelle et poétique de la traduction : Ālāol et la tradition littéraire Bengali au XVIIe siècle à Mrauk-U, capitale du Royaume d'Arakan". Paris, EPHE, 2010. http://www.theses.fr/2010EPHEA002.
Resumen
Royaume côtier situé entre le Bangladesh et la Birmanie actuels, l’Arakan connut un âge d’or aux XVIe et XVIIe s. Cette période vit la formation d’une tradition littéraire bengali parmi les sujets musulmans du royaume, dans les campagnes autour du port de Chittagong et à Mrauk-U, la capitale. Cette étude analyse l’œuvre du principal représentant de cette tradition : Ālāol (fl. 1651-1671). Originaire d’un petit royaume du centre du Bengale, il arriva comme esclave à la capitale et intégra les groupes de services royaux. Il bénéficia de la protection de dignitaires musulmans de la cour du roi bouddhiste. Sous leur égide, il composa six textes, tous des traductions en bengali de l’hindoustani et du persan. La première partie de la thèse est une présentation du poète-traducteur et de son milieu. Nous analysons son discours sur la parole poétique en le replaçant dans le contexte des assemblées de Mrauk-U au XVIIe s. Parmi les sujets abordés, nous mettons l’accent sur le rôle du multilinguisme littéraire dans l’économie de ces cours secondaires. Nous fournissons également une description de la poétique de l’auteur dans ses aspects synchroniques et diachroniques. La seconde partie comprend des études de cas illustrant le processus de la traduction tel que le concevait Ālāol. La traduction y est présentée comme partie intégrante de la poétique de l’auteur et de sa conception de la tradition littéraire. Les textes et les traductions de la totalité des prologues de ses œuvres sont donnés en appendice. Cette étude contribue à la connaissance de l’histoire culturelle du royaume d’Arakan et ouvre de nouvelles perspectives pour les recherches sur la littérature bengali prémoderneThe kingdom of Arakan, located at the frontier of modern Bangladesh and Myanmar, experienced a golden age during the 16th and 17th c. AD. This period witnessed the formation of a Bengali literary tradition among the Muslim subjects of the kingdom, in the rural area around the port of Chittagong and the capital Mrauk-U. This study analyzes the works of the main representative of this tradition: Ālāol (fl. 1651-1671). Originally from a small kingdom in central Bengal, he arrived as a slave and joined the royal service groups. He gained the protection of Muslim dignitaries of the Buddhist king’s court. Under their patronage, he composed six poetic works, all translations into Bengali from the Hindustani and Persian. The first part of the dissertation deals with the poet-translator and his milieu. I explore his discourse about poetical speech within the context of the literary assemblies in Mrauk-U in 17th c. The central topic of this part is the role of literary multilingualism in the economy of these secondary courts. I also provide an introduction to the poetics of the author in its synchronic and diachronic dimensions. The second part includes case studies illustrating the process of translation as conceived by Ālāol. Translation is considered as a part of the author’s poetics and his conception of the literary tradition. I give the integral texts and translations of the prologues to his works in the appendices. This study contributes to our knowledge of the cultural history of Arakan and opens new research perspectives in the field of premodern Bengali literature
Le multilinguisme littéraire d'Ālāol, un poète bengali dans la cour royale d'Arakan au 17e siècle, impliquant la connaissance de 4 langues : l'hindoustani, le persan, le sanskrit et le bengali
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Bouka, Hilaire. "La poésie de P. B. Shelley : étude d'un engagement philosophique". Paris 10, 1989. http://www.theses.fr/1989PA100018.
Resumen
Cette thèse porte sur les vues philosophiques du poète P B. Shelley. Nous y montrons que le romantisme anglais ne fut pas refus d'apprendre à vivre comme l'ont prétendu bien des critiques. Le phénomène dura aussi longtemps qu'en Europe, le désir de changer la société demeura un désir concret. Shelley, comme les autres poètes romantiques anglais, s'obstinait à percevoir et comprendre ce que les autres écrivains de son temps s'acharnaient a oublier : l'existence et la cohérence de l'oppression. A partir de ce constat, il a tenté de modeler ensemble perception et désir, se refusant à définir l'idéal autrement que comme ce qui doit être réalisé. L'idéalisme romantique chez Shelley est le contraire absolu du désir de ne pas voir ou de fuir dans l'idéalIn this doctoral thesis on Shelley's philosophical mindedness i have attempted to expound the political ideology to which he adhered, and to show how, and more important why, he came to adopt it. Shelley devoted most of his short life to social issues. At this point the choice is between despair, and a retreat to less spectacular but ultimately more effective methods of change. It is in this perspective that i have viewed Shelley's gradualism and reformism showing that his reformist means were always directed to revolutionary ends. His politics were practical rather than theoretical
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Baradié, Mouna. "Pibrac et le genre du quatrain moralisateur au XVIe siècle". Grenoble 3, 1999. http://www.theses.fr/1999GRE39016.
Resumen
Des auteurs moraux de la fin du xvie siecle et du debut du siecle suivant ont voulu instruire la jeunesse par la diffusion des conseils instructifs et pedagogiques. Ils ont traite des sujets differents qui touchent presque tous les cotes de la vie de l'homme. Le lieu commun a ces sujets se trouve dans le choix des auteurs du genre de quatrain en tant que forme poetique commode a transmettre leurslecons. Il s'agit dans cette these d'etudier les recueils de trente auteurs parmi lesquels guy du faur de pibrac est le plus connu. Pendant de longues annees, ses quatrains etaient consideres comme un manuel d'enseignement indispensable a la formation de la jeunesse.
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Séris, Emilie. "Les étoiles de Némésis : la rhétorique de la mémoire dans la poésie d'Ange Politien (1454-1494)". Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040214.
Resumen
Ange Politien, poète humaniste florentin (1454-1494), avait appris des orateurs antiques la théorie de l'art de la mémoire. Sa poésie présente la topique caractéristique des arts de mémoire (calendrier, liste de vertus, catalogue d'hommes illustres. . . ). La mémoire a chez Politien trois fonctions distinctes : politique, éthique et poétique. D'une part le poète grave dans la mémoire collective des images du pouvoir des princes, d'autre part il révèle des processus de réminiscence nécessaires à la quête du bonheur individuel, enfin il enseigne des connaissances poétiques, contribuant à la construction d'une mémoire proprement littéraire. Politien fixe dans la mémoire les souvenirs des hommes aussi bien que des idées ou des mots. On s'est donc efforcé de recenser, pour chacune des trois fonctions de la mémoire définies, les lieux et les images de mémoire employés par le poète afin de fixer ces différents objets. La comparaison avec des œuvres plastiques de la même période confirme l'efficacité mnémonique de certaines images de Politien. L'analyse des procédés rhétoriques et poétiques de disposition des lieux et de formation des images révèle l'influence, chez Politien, de l'art mnémonique cicéronien, mais aussi l'évolution de l'auteur, à la suite de Quintilien, vers une conception de la mémoire créatrice et vers un art de l'improvisation.
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Visse, Bernard. "Nicolas Joseph Florent Gilbert (1750-1780) : l'oeuvre satirique : édition critique avec les jugements du XXVIIIe siècle". Nancy 2, 1986. http://www.theses.fr/1986NAN21006.
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Jalabert, Romain. "Les vers latins en France au XIXème siècle". Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040111.
Resumen
Les vers latins ne furent pas un pensum pour tous les collégiens du XIXe siècle. Ils eurent un rôle récréatif dans l’enseignement des humanités, au sein duquel ils favorisaient l’étude des poètes de langue française, parfois contemporains, par le biais de traductions. Ils furent une introduction aux belles-lettres pour quelques-uns, dont Sainte-Beuve, Musset, Baudelaire, Bourget et Rimbaud. Des périodiques et des recueils de poésie néo-latine, qui n’étaient pas tous scolaires, poursuivaient une tradition humaniste privilégiant l’épigramme et les jeux versifiés. Ces publications reflétaient également l’évolution des formes poétiques : essoufflement de l’épopée et de la fable, fortune de l’ode civique et des genres didactiques et descriptifs, recherche d’une synthèse entre esthétique des belles-lettres et philosophie sensualiste, succès du romantisme lamartinien. Dans cette tradition, le poème de Baudelaire « Franciscae meae laudes », dont la fortune se confondit avec celle du latin décadent dans la littérature française, constituait un cas à part. Durant la deuxième moitié du XIXe siècle, la période 1750-1830 fut considérée comme l’âge d’or des humanités. Elle fut l’apogée de l’institution Sainte-Barbe et du concours général et correspondit à une génération d’élèves et de professeurs arrivés aux responsabilités à la fin du XVIIIe siècle et revenus au pouvoir après la Révolution. La poésie de cette période eut une inspiration commune, en latin ou en françaisLatin verses were not an extra duty for all students in the nineteenth century. They had a recreational role in teaching humanities, as they favoured the study of French poets, sometimes the contemporary ones, through translations. They were in deed an introduction to the belles-lettres for some students like Sainte-Beuve, Musset, Baudelaire, Rimbaud and Bourget. Periodicals and neo-Latin publications, which were not all bound to school, followed a humanist tradition favouring epigrams and versified games. These publications also reflected the evolution of poetic forms : the slowing of epic and fable, the health of civic ode and didactic and descriptive poems, search for a synthesis between aesthetics of belles-lettres and philosophy sensualist, fame of Lamartine’s romanticism. In this tradition, Baudelaire's poem "Franciscae meae laudes", whose success was bound to that of the decadent Latin in French literature, was a special case. During the second half of the nineteenth century, the 1750-1830’s period was considered as the golden age of the humanities. It was the apogee of the Sainte-Barbe’s institution and the concours général and corresponded to a generation of students and teachers who arrived to political responsibilities in the late eighteenth century and returned to power after the Revolution. The poetry of this period had a common inspiration, in Latin or in French
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Foulon, Brigitte. "Voir et décrire le paysage dans la poésie andalouse du XIe siècle : étude linguistique et esthétique du recueil d'Ibn Khafâja". Paris, INALCO, 2005. http://www.theses.fr/2005INAL0003.
Resumen
La civilisation arabo-islamique est-elle une civilisation paysagère ? Pour répondre à cette question, nous nous sommes penchée sur la poésie descriptive andalouse dédiée aux jardins et aux espaces naturels, et en particulier sur l'œuvre d'Ibn Khafâja (XIe siècle). Pour y rechercher les représentations paysagères, nous avons privilégié l'analyse paradigmatique. Une attention particulière a été accordée au lexique sélectionné, ainsi qu'aux images redondantes, qui permettent de déceler la nature de l'imaginaire en œuvre chez les poètes andalous en matière de paysage. Cet imaginaire s'est élaboré en puisant à plusieurs sources, et en enchevêtrant trois strates principales: la strate de l'imaginaire poétique arabe, qui véhicule depuis l'Antéislam des représentations du monde sensible, axées autour de valeurs axiologiques; celle de l'imaginaire religieux, en particulier coranique, et enfin celle du milieu andalou. A ce titre, l'étude des éléments végétaux et du statut de la Terre est apparue comme très révélatrice. Une seconde partie s'attache à démontrer la dimension pluri sensorielle de ces paysages poétiques. En effet, si la primauté est en général accordée à la vue, les paysages décrits sont aussi " sonorisés ", et ne manquent pas d'accorder une place importante aux notations olfactives. Enfin, nous avons établi que ces paysages pouvaient être définis comme déréalisés et idéalisés, ne visant en aucun cas une reproduction réaliste du monde, mais constituant plutôt une variante du modèle du paysage idéal en vigueur dans la culture arabo-islamique, se rapprochant en ce sens des paysages, tant poétiques que picturaux, élaborés par la culture médiévale occidentaleThis analysis studies how the poet, within the Arabic culture, and especially the culture of al-Andalus, works out a poetical landscape and how he selects and interweaves vocabulary and imagery to nurture the imaginary underlying these representations. This imaginary has three main strata : the poet's Arabic imaginary, the religious imaginary (i. E. The Islamic one), and the cultural environment of al-Andalus, as it is shown for instance by the description of plants, trees or ground. The poet does not only use sight but also the senses of hearing and smell to develop his perceptions. The landscape revealed by this poetry is not a realistic landscape, but an ideal one that responds to a rigid cultural model
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Dion, Nicholas. "Sur quelques inflexions élégiaques de la tragédie classique française, 1680-1704". Thesis, Université Laval, 2005. http://www.theses.ulaval.ca/2005/22805/22805.pdf.
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Thomas, Virginie. "Les représentations de la femme dans les transpositions des légendes arthuriennes au XIXe siècle et au début du XXe siècle". Grenoble 3, 2009. http://www.theses.fr/2009GRE39045.
Resumen
Au XIXe et au début du XXe siècle, la littérature et la peinture britanniques servirent de cadre à la résurgence des légendes arthuriennes. Nombre de peintres raphaélites, mais aussi d'auteurs célèbres (tels Scott, Wordsworth, Tennyson, Arnold, Morris, Swinburne, Hardy, Eliot, pour ne citer que quelques uns) furent inspirés par le monde de Camelot et plus particulièrement, par les femmes qui peuplent la cour du roi Arthur. Notre étude diachronique vise à souligner l'évolution de la représentation de ces femmes : elles entrent progressivement sur le devant de la scène lors de la période romantique avant de disparaître à nouveau lors de la période moderniste cédant la place au topos du Graal, symbole de la quête existentialiste menée par les artistes d'alors. L'époque victorienne constitue la période la plus florissante pour la représentation de la femme. Néamoins, cette dernière s'inscrit dans un contexte historique bien particulier marqué par une vision dichotomique de la femme : l'ange de la maison y affronte la prostituée. La représentation de la femme devient alors un écran contre ou pour le désir. Les légendes arthuriennes sont utilisées afin de mettre en garde contre le potentiel destructeur de la sensualité féminine ou bien, au contraire, offrent un espace pour la satisfaction du désir masculin de l'auteur et du lecteur/spectateur par le biais d'une sublimation artistique. Dès lors, derrière le visage de la femme arthurienne se dessinent les fantasmes sexuels et artistiques des auteurs victoriens et des peintres préraphaélites étouffés par les modèles idéels de leur sociétéIn the 19th century and at the beginning of the 20th, an arthurian revival took place in british litterature and painting. Many preraphaelite painters, but also several famous writers (like Scott, Wordsworth, Tennyson, Arnold, Morris, Swinburne, Hardy, Eliot, just to name a few of them) were deeply inspired by the world of Camelot and, more particulary, by the women who live at Arthur's court. Our diachronic study aims at underlining the evolution of the reprentation of those women : they progressively came into the limelight during the romantic period before disappearing once more during the modernist period to give way to the grail theme, the symbol of the existentialist quest led by the artists of the time. The victorian period was the most flourishing for the representation of woman. Nevertheless, it should not be dealt with separately from the historical context of those transpositions, that is to say the victorian society which was characterized by its dualist vision of feminity : the angel in the house confronted the fallen woman. The representation of woman became a screen for or against desire. The arthurian legends were used to warn against the destructive potential of feminine sensuality ; or, on the opposite, they offered room for the possible satisfaction of the male sexual drives of the author or of the reader/spectator through an artistic sublimation. As a consequence, behind the face of the arthurian woman, the sexual and artistic fantasies of the victorian writers and preraphaelite painters - stifled by the social standards of their time - can be discerned
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Kern-Boquel, Anne. "Le Mythe de Napoléon dans la poésie française (1815-1848)". Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040022.
Resumen
Entre 1815 et 1848, la figure napoléonienne s’impose comme l’une des sources d’inspiration majeures de la poésie française : les plus grands auteurs mais aussi les chansonniers populaires et les poètes d’occasion se confrontent à l’évocation de celui qui apparaît alors comme l’archétype du héros. Ce travail se propose d’explorer le corpus de la poésie napoléonienne en prenant pour guide la notion de mythe littéraire : de quelles façons, sous quelles formes et avec quels enjeux le mythe littéraire de Napoléon émerge-t-il de cette poésie ?On se propose ici trois objectifs : rendre compte de la naissance d’un mythe littéraire dans l’histoire ; aller au-delà d’une étude parcellaire pour exposer sa structure d’ensemble ; étudier les sens que prend le mythe littéraire en les comprenant dans le contexte plus large du Romantisme. Un travail de dénombrement de la poésie napoléonienne sert de point de départ à une analyse qui tente de marier les approches chronologique, thématique et esthétique du mythe. Quatre parties illustrent chacune un segment chronologique du corpus, alternant entre présentations d’ensemble et développements consacrés à des œuvres précises : passage de la représentation d’un héros épique à celle d’un héros mythique (1815-1821), premier essor du mythe sous la forme d’une aurore libérale (1821-1830), apothéose du mythe (1830-1840), reflux et in fine changement de statut de ce mythe (1840-1848). La cinquième partie propose une étude en synchronie qui synthétise les matériaux précédemment rassemblés : on y explore les thèmes constitutifs et les structures du mythe ainsi que ses liens avec le RomantismeBetween 1815 and 1848, Napoleon became established as one of the major sources of inspiration in French poetry. Writers of all kinds – from the greatest poets of the age to lyricists of popular songs and part-time versifiers – took on the challenge of evoking a figure that came to be presented as the archetypal hero. This study aims to explore the corpus of Napoleonic poetry within the framework of the notion of literary myth : how, in what forms and with what consequences did the literary myth of Napoleon emerge in this poetry ?The following three objectives are thus proposed: to account for the historical birth of a literary myth ; to go beyond a fragmented analysis in order to identify an overarching structure ; to identify and situate the meanings of the literary myth in the broader context of Romanticism.A cataloguing of Napoleonic poetry serves as a starting point for an analysis that aims to marry chronological, thematic and aesthetic approaches to the myth. Each of the first four parts examines a chronological segment of the corpus, alternating between general presentations and more specific studies focusing on particular works : the transition from the representation of an epic hero to the representation of a mythical hero (1815-1821), the first blossoming of the myth, occurring together with a liberal rereading of Napoleon’s actions (1821-1830), the apogee of the myth (1830-1848), the decline and eventual redefining of the myth (1840-1848). The fifth part proposes a synthesis of the material that has been thus far assembled in order to explore the constitutive themes and the structures of the myth as well as its links to Romanticism
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Cazé, Antoine. "Passages du divin dans l'oeuvre d'Emily Dickinson". Paris 7, 1992. http://www.theses.fr/1992PA070022.
Resumen
On tente de définir chez Emily Dickinson la nature du rapport entre la religion et la poésie, le religieux et le poétique. L'œuvre de Dickinson s'approprie de façon évidente des thèmes religieux et, à travers leur mise en forme poétique, propose une réflexion sur le langage, son origine et son pouvoir symbolique et herméneutique, qui recoupe les préoccupations théologiques et métaphysiques de son temps, l'accent est mis sur le double aspect de ce rapport poésie religion : par son travail critique de la langue dans ses poèmes, Dickinson est amenée à remettre en question la valeur de modèle symbolique que véhiculent les codes du religieux (coupure). Elle retrace de la sorte un nouvel espace - littéraire - où peut s'épanouir la présence d'un divin qui serait affranchi de ses anciennes contraintes rhétoriques et théoriques (suture). On est alors conduit à définir l'enjeu esthétique de la poésie de Dickinson, qui est celui du sublime. Cette ultime trace d'un divin qui se retire permet à la poésie de travailler, par un jeu très élaboré de la métaphore, la limite entre image et concept, ainsi de montrer la ruine de la représentationWe attempted to define the nature of the relation there is in emily dickinson's works between religion and poetry. Dickinson's poems obviously deal with religious themes. Through the poetic reshaping of such themes, dickinson moves towards theorizing language-related issues - where does language come from? What is the precise nature of its symbolic and hermeneutic powers? Such questions are examined in the light of the theological and metaphysical preoccupations of Dickinson's time. We stressed the double side of the poetry religion relation. In her critical way of handling language in her poems, dickinson was led to call into question the role of religious codes as providing a valid symbolic model. She thus redefined a renewed - literary - space that could offer room for the presence of the divine - a sense of the divine which would be freed from its former rhetorical and theoretical prison. We were led to reconsider the aesthetic import of Dickinson's poetry, which we identified as "the sublime". The sense of the sublime, as the ultimate mark left by a vanishing divinity, shows the shifting limit. .
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Crepiat, Caroline. "Le sujet lyrique dans la poésie du Chat Noir (1882-1897)". Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20008.
Resumen
La fin du XIXe siècle voit éclore un grand nombre de « petites » revues littéraires et artistiques, liées aux avant-gardes et à la bohème. Parmi elles, Le Chat Noir (1882-1897), créée par Rodolphe Salis et Émile Goudeau pour assurer la promotion du désormais célèbre cabaret éponyme. On y publie des contes, des histoires drôles et sans paroles, mais aussi de la poésie. Le présent travail entend étudier de plus près ces poèmes, à la lumière de la crise qui agite alors la production littéraire. Il s’agit plus précisément d’analyser le traitement qui est fait de la notion de sujet lyrique, « principe structurel » (Käte Hamburger) du lyrisme. Dire " je" semble en effet perdre tout sens aux yeux de ces poètes, non seulement du fait du poids de la tradition qu’il est de bon ton de subvertir au nom de l’esprit fumiste dont ils se réclament, mais encore du régime collectif au sein duquel ils s’expriment. Toutefois, les multiples provocations à son encontre permettent aussi à ces artistes de disséquer et de questionner cette notion, et même de se la réapproprier, tant collectivement qu’individuellement. Une réflexion croisée, à la fois poétique, esthétique et sociopoétique, nous amènera à définir les logiques, enjeux et stratégies d’un tel positionnementThe end of the 19th Century is a key period for the « little » literary and artistic journals, produced by avant-garde and bohemian groups. One of them, Le Chat Noir (1882-1897), created by Rodolphe Salis and Émile Goudeau to promote the famous and eponymous cabaret. Tales, humoristic texts, illustrations or poetry appear in its columns. The present thesis aims for a closer study of these poems, in the light of the crisis which troubles the literary production. It is more precisely to analyse how the notion of the lyric subject, which is considered as the « structural principle » (Käte Hamburger) of lyricism, is treated. Indeed, saying « I » seems to lose sense for these poets, not only because of a tradition that is to subvert for the « fumiste » spirit’s sake which they claim, but also because of the collective context in which they find a space of expression. However, those provocations against the lyrical « I » is also for these artists a way to question and dissect it, and even to reappropriate it, for the collective as much as the individual distinction. A mixed reflexion, based on poetic, esthetic and « sociopoétique » analysis, will lead us to define the logics, stakes and strategies of such a position
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Estanove, Laurence. "La poésie de Thomas Hardy : une dynamique de la désillusion". Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20059.
Resumen
On oublie souvent que Thomas Hardy est aussi, et même avant tout, poète. Si son œuvre poétique s’efface aux yeux du public devant la grandeur et la popularité de ses romans, elle n'en demeure pas moins essentielle à la compréhension de son écriture et de l'ensemble de son œuvre. La noirceur ironique de sa prose teinte ainsi également sa poésie, et en constitue même une force structurante : au sein du Wessex semi fictif qui sert de cadre tant aux romans qu'aux poèmes, dans le passage du rêve à une réalité qui ne peut que décevoir, se construit en effet une véritable dynamique de la désillusion, entre espoir et échec. C'est dans ce paradoxe apparent d'un désenchantement porteur, violent éveil de la conscience qui blesse et instruit dans le même temps, que s'exprime l'attachement de Hardy à son époque, et à la peinture de ce « malaise de la modernité » qu'induit notamment l'avènement de la science au détriment de la foi. Sa poésie de la désillusion se fait donc le reflet direct des bouleversements majeurs, idéologiques et socioculturels, qui marquent en Europe le passage du dix-neuvième au vingtième siècle, transition qui s'imprime jusque dans la matière de son langage poétique, entre tradition et modernitéBecause of the grandeur and popularity of his novels, Thomas Hardy's poetry is often disregarded; yet paying due attention to his verse is also central, if not fundamental, to the understanding of the workings of his multifaceted writing. The dark irony which is so characteristic of his prose also colours his poetry, and even gives it strength and cohesion: in the semi-fictional land of Wessex that shapes both novels and poems, the fatally disappointing shift from dreams to reality actually builds up the dynamics of disillusionment, between hope and failure. In that seemingly paradoxical idea of an active form of disenchantment, of a violent awakening of consciousness both painful and enlightening, Hardy shows his commitment to the concerns of his time, depicting as he does the “ache of modernism” that the rise of science and decline of faith created. His poetry of disillusionment thus offers an immediate illustration of the major ideological and socio-cultural turmoil which accompanied in Europe the transition from the nineteenth to the twentieth century – a transition shaping the very texture of his poetic language, between tradition and modernity
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Fogels, Audrey. "Emily Dickinson : un regard comique à l'affût de son siècle". Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040256.
Resumen
Depuis plus de cent ans, la critique perçoit l'œuvre de Dickinson comme atemporelle et tragique. Des choix éditoriaux parfois arbitraires, la puissance des "horizons d'attente" et la nature du genre poétique lui-même servent à expliquer cette vision partielle et partiale du poète et de son œuvre. Au rebours de cette vision canonique, nous tenterons de mettre en lumière et l'ancrage de Dickinson dans son siècle et le caractère profondément comique de ses écrits. De fait, ces deux aspects sont étroitement liés, le comique n'existant que par rapport à une norme. Il s'agira donc pour nous de montrer que la subversion formelle à l'œuvre chez Dickinson, intimement liée aux principes du comique et aboutissant à la remise en question du rapport canonique qui lie l'auteur tout-puissant au lecteur, se double de subversions thématiques multiples - tradition romantique, mort, économie, religion, paradis, mariage, etc - qui s'inscrivent non seulement dans une certaine tradition humoristique américaine, mais aussi dans les mouvements de reformes, et notamment le mouvement féministe, qui secouent l'Amérique au dix-neuvième siècleFor over a hundred years, because of arbitrary editorial choices, the overwhelming power of what Jauss has called the "horizons d'attente" and the dignified standing of poetry itself, Dickinson has been canonized as a poet who expresses the profoundly tragic. Over and against this canonical vision, i will try to show how, on the contrary, the nature of Dickinson’s poetry is not only fundamentally perverse and comic, but also deeply anchored in its time - these two aspects being in fact intimately linked since the stuff of humor is indissociable from specific times and places. Hence, notwithstanding her reclusive lifestyle, Dickinson actually mocked many facets of nineteenth century America. The Victorian representation of death and paradise, the values of work and progress so central to the time, the civil war, thanksgiving, the Pilgrim Fathers, the conventional nineteenth century hierarchy between poet and reader represent only some of the typical aspects of the contemporary culture Dickinson’s poems and letters ridiculed. Finally, if Dickinson’s destabilizing wit was in the spirit of a specifically American comic tradition, I will show how it also embodied the revolutionary fervor, feminist above all, that characterized America during the nineteenth century
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Ginestet, Gaëlle. "L'écriture mythologique dans les sonnets amoureux élisabéthains". Montpellier 3, 2005. http://www.theses.fr/2005MON30055.
Resumen
Les recueils de sonnets amoureux élisabéthains, peu étudiés en France, forment pourtant un corpus large et riche. Les références et allusions mythologiques, majoritairement tirées des œuvres d'Ovide, y sont légion. Cette thèse s'attache à analyser la manière dont la mythologie classique s'intègre dans les recueils. En premier lieu, cette dernière s'y inscrit par référence ou par allusion. En raison de la brièveté de la forme du sonnet, le mythe ne peut y apparaître dans son ensemble. Les poètes élisabéthains doivent donc sélectionner des thèmes ou des motifs conformes à la rhétorique amoureuse. Cette sélection impose un certain nombre de modulations sur la trame originelle des mythes : effacement, modification, adjonction, fusion. En deuxième lieu, la mythologie s'inscrit dans la structure du recueil, dont elle informe les thématiques et les relations entre les personnages. Premièrement, les amours mythologiques représentent l'impossible idéal amoureux. Deuxièmement, cet idéal étant difficile à atteindre, l'état amoureux engendre des oppositions et des renversements incessants, notamment entre plaisir et douleur, qui peuvent toutefois conduire à l'harmonie, symbolisée par l'union de Mars et Vénus. Troisièmement, les oppositions nous mènent à considérer l'amour sur le mode de la transivité : les métamorphoses du Poète et de la Dame. Enfin, l'amour engendre l'art. La beauté idéale de l'être aimé et les états d'âme de son Amant sont transmués en œuvre poétique, qui immortalise leurs deux nomsThe Elizabethan sonnet sequences, which are little studied in France, nevertheless form a vast and rich corpus. The numerous mythological references and allusions are mostly drawn from Ovid's works. This dissertation seeks to analyse the manner in which classical mythology is integrated in the sequences. In the first place, mythology is inscribed in them by reference or allusion. Owing to the shortness of the sonnet form, the myth cannot appear integrally in a poem. Hence, Elizabethan poets must select the themes or motifs they deem to be in keeping with the rhetoric of love. This selection prescribes a certain number of modulations on the original narrative : obliteration, alteration, adjunction, fusion. In the second place, mythology inscribes itself in the structure of the sequence, and fashions the thematics and the relations between the characters. Firstly, mythological loves represent the impossible love ideal. Secondly, as this ideal is difficult to attain, being in love initiates endless oppositions and reversals, which can however lead to a harmony symbolised by the union of Mars and Venus. Thirdly, oppositions conduct us to consider love on the transitory mode : the Poet's and the Lady's metamorphoses. Finally, love breeds art. The ideal beauty of the loved one and the Lover's moods are transmuted into a poetic work, immortalising both their names
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Vialleton, Jean-Yves. "Poésie dramatique et prose du monde : étude des formes et des règles de comportement dans la tragédie en France, des premières tragédies de Corneille et Rotrou aux dernières tragédies de Quinault et Boyer (1634-1697)". Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040200.
Resumen
Les textes critiques écrits sur les tragédies au XVIIe siècle, en particulier les textes de circonstance, recourent aux notions de « civilité » et d' « honnêteté ». Pourquoi ne pas alors confronter les pièces au discours des traités de savoir-vivre ? L'étude porte sur un ensemble de tragédies et de tragi-comédies (prises en particulier dans les œuvres de Rotrou, La Calprenède, Corneille, Racine, Quinault et Boyer) et tente d'utiliser cette confrontation pour éclairer la représentation des « mœurs » des personnages : usage du temps et du lieu, des attitudes et des postures, des vêtements et des suivants, usage des termes d'adresse et des actes de langage. Elle essaie de dégager la tension qui est au cœur de l'écriture tragique, tension entre la « bienséance », conçue sur le modèle prosaïque de la « science du monde », et la recherche de ce qui est le caractère propre de la tragédie. La mise en évidence de cette tension permet de rendre compte en termes strictement esthétiques de phénomènes traditionnellement attribues au reflet dans la littérature de la « civilisation des mœurs » et montre aussi que l'écriture tragique a à voir avec les questions que le XVIIe siècle se pose sur le statut de la parole poétique et sur l'usage même de la littérature.
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Fourcade, Guillaume. "L'écriture et ses miroirs dans les poèmes et les sermons de John Donne (1572-1631)". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040105.
Resumen
Cette étude propose une approche transversale des poèmes et Sermons de John Donne (1572-1631), et explore selon deux axes la réflexivité de ces textes littéraires et du geste d'écriture qui les produit. En premier lieu, la notion de réflexivité mimétique est utilisée pour décrire l'aptitude de l'écrit poétique et homilétique à renvoyer et dupliquer par sa forme l'objet de son discours. En second lieu, lorsque les textes énoncent en miroir les caractéristiques de leur poétique, l'acte de création qui les engendre se réfléchit également en eux : leur réflexivité, que l'on appellera programmatique, peut alors être conçue comme l'exposé auto-référentiel d'un art poétique. Les jeux de miroirs qui caractérisent l'écriture, à la fois comme texte et comme geste, sont analysés dans un parcours en quatre étapes, allant de l'ontologique au phénoménologique : mort-absence, ruptures-continuités-proliférations, mémoire, marge et pli. Cette étude cherche à cerner les multiples complexités et instabilités du sens qu'induisent les effets spéculaires des textes. A cette fin, elle recourt en particulier à des concepts empruntés à la théorie de la déconstructionThis cross-study of John Donne's (1572-1631) poems and Sermons explores along two lines the reflexive nature characterizing these literary texts and the act of writing that produces them. First, the concept of mimetic reflexivity describes the process through which the form of these poetic and homiletic writings mirrors and duplicates their objects of discourse. Secondly, when the texts are to themselves their own mirrors and self-reflexively bring out their own poetics, the creative act that engenders them appears in turn self-defined. Both are endowed with what will be called programmatic reflexivity, namely the self-referential description of their poetic principles. The specular quality of writing, both as text and as act, is analysed in an ontological-to-phenomenological sequence in four steps: death-absence, fragmentation-continuity-proliferation, memory, margins and folds. In an attempt to trace the many intricacies and instabilities of meaning produced by the mirror effects of the texts, this study resorts in particular to concepts borrowed from deconstruction theory
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Gauthier, Marie-Véronique. "Les sociétés chantantes au XIXème siècle : chanson et sociabilité". Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010619.
Resumen
Étude des grandes sociétés chantantes (le caveau, la lice chansonnière), lieux de sociabilité masculine au XIXeme siècle: les rituels conviviaux sont organisés autour de l'épicurisme (rire, boire, manger). Les rapports tendus avec le café-concert et le souci de moralisation de la chanson coexistent avec une obsession du discours sexuel (grivoiserie). L'étude de l'écriture des chansons, produites au sein du groupe mais individuellement révèle la constance d'un style néoclassique ou néoromantiques, sans invention, trace logorrhéenne d'un intense besoin de tracer des versA study of the great singing societies (le caveau, la lice chansonniere), 19th century facilities for males "meetings: convivial rituals revolue around epicurianism (laughing, drinking, eating). Tense relationships with "café-concert" and the need to moralize song are to be found together with an obsession to talk about sex (saucy stories). The study of the writing of songs produced within a group, but by individuals, shows the enduring nature of a neo - classical or neo - romantic style, totally lacking in inventiveness logorrhoean remnant of an intense need to write verses
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Courouau, Jean-François. "Edition critique de "La Margalide Gascoue" et de "Meslanges" (1604) de Bertrand Larade". Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30050.
Resumen
Cette edition comprend une presentation generale consacree a la biographie de l'auteur (1581-ca. L637) et au contexte litteraire a toulouse et dans l'espace ouest-occitan au debut du xviie siecle. Une premiere bibliographie regroupe ensuite les ouvrages cites dans l'edition des deux textes. La margalide gascoue est un recueil de type petrarquiste qui comprend quatre-vingtquatorze sonnets et treize pieces longues. Une introduction presente l'interet litteraire de cette uvre originale. Les meslanges sont composes de trente-sept sonnets, dedies a des proches et a des amis de l'auteur, et quatorze pieces longues d'inspiration petrarquiste ou pastorale. Ils sont euxaussi precedes d'une introduction. Chacune des deux uvres est suivie d'un glossaire general et d'un index des noms. Une seconde bibliographie regroupe l'ensemble des documents utilises pour cette etude. En annexe figurent une carte permettant de situer les lieux et un repertoire des ouvrages parus a toulouse sous le regne de henri iv et le debut du regne de louis xiii (1589 -1622)This edition contains a general presentation devoted to the author's biography and to the literary background in toulouse as well as in the west-occitan area in the early 17th century. A first bibliography gathers the works quoted in the edition of the two texts. La margalide is a collection in the petrarchan type consisting of 94 sonnets and 13 long poems. An introduction shows the literary interest of the original work. Meslanges consist of 37 sonnets dedicated to some of the author's near relations or friends and of 15 long poems of petrarchan or pastoral inspiration. They are preceded by an introduction too. Each of the two works is followed by a general glossary as well as an index of the proper names. A second bibliography gathers all the documents consulted for this survey. An appendix provides a map which help to locate the places and an index of the works published in toulouse under the reign of henry iv and the early reign of louis xiii (1589 -1622)
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Rajchenbach, Élise. ""Mais devant tous est le Lyon marchant" : Construction littéraire d'un milieu éditorial et livres de poésie française à Lyon (1536-1551)". Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030072.
Resumen
De 1536 à 1551, on assiste à Lyon à un vaste mouvement de promotion du livre de poésie, que soutient la construction d’un groupe uni et dynamique. Cette entreprise se déploie, dans les officines des imprimeurs-libraires et dans l’espace du livre, sur fond d’élaboration d’une langue française de qualité, propre aux bonnes lettres. Étienne Dolet, François Juste, puis Jean de Tournes et Guillaume Rouillé mènent ainsi une politique éditoriale concertée qui confère à la langue française et au livre de poésie ses lettres de noblesse. Lyon acquiert dans ces années une identité éditoriale spécifique, qui se détache sur le paysage poétique du Royaume. L’étude des concurrences et des pillages réciproques entre Lyon et Paris met en évidence l’existence de deux identités poétiques distinctes : Lyon marque une modernité dans l’édition et la diffusion de nouveaux genres que ne comprend pas encore Paris. Quand les imprimeurs lyonnais puisent dans les productions parisiennes, c’est en se les appropriant pour les intégrer dans un catalogue et réaffirmer l’existence d’un groupe lyonnais porteur d’une identité culturelle et poétique. Cette identité, doublée d’une qualité éditoriale remarquable, fonde la prééminence de l’imprimerie lyonnaise dans le Sud de la France, comme le montre l’exemple toulousain. Tout cela contribue à l’élaboration d’un champ poétique fondé sur une cohérence affichée mais menacée par des forces centripètes qui remettent en question l’unité de la poésie lyonnaise. S’il y a « poésie lyonnaise », c’est en ce que le livre de poésie soutient les ambitions politiques de la cité, dans une période de conflit avec Charles Quint puis de changement de règneFrom the late 1530s to the early 1550s, the city of Lyons sees a considerable enterprise of promotion of poetry books, supported by a group of printers and booksellers. From the printer’s and bookseller’s workshops to the space of the book, this undertaking is built upon the reinvention of French as a refined language fit for conveying literature and poetry. Étienne Dolet, François Juste, Jean de Tournes and Guillaume Rouillé pursue a concerted editorial policy to obtain recognition for poetry books and the French language. During this period, Lyons builds a unique editorial identity, which sets the city apart from the rest of the kingdom. Even when the printers of Lyons help themselves to books edited in Paris, they do so by integrating the publications to consistent catalogues and using these to support their claim of a cultural and poetic identity specific to Lyons. This identity, along with a high editorial quality, sets up the pre- eminence of Lyons in Southern France, as can be witnessed for instance in Toulouse. All of these factors contribute to the setting up of a poetic field, but this pretense of consistency and unity is frail. If such a thing as “Lyons poetry” truly exists, this is only true insofar as poetry book holds the city’s political ambitions, in the context first of the war against Charles the Fifth and later of the change of reign
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Thiria-Meulemans, Aurélie. "Reflets et résonances : poétique et métapoétique des mythes d’Écho et de Narcisse dans la poésie de William Wordsworth". Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040191.
Resumen
Cette étude a pour but de montrer l’importance sous-jacente du double mythe, principalement dans sa version ovidienne, dans les poèmes de Wordsworth. A un niveau littéral, les deux figures sont évoquées par les nombreuses scènes d’auto-contemplation ou d’échos. A un niveau plus figuré, Wordsworth revendique une poésie qui répète la Nature, comme un écho. Connu pour la crise poétique à laquelle il eut à faire face à la fin de sa Great Decade, le poète s’admire dans ses vers à travers des doubles, caractérisés, comme lui, par une perte fondamentale. Enfin, Wordsworth tente de transformer son lecteur en double de lui-même et en écho de sa voix, de lui apprendre à lire ses vers, à lafaçon d’un catéchisteThe point of this thesis is to show the importance of this double myth – mainly in its Ovidian version – in the poems of William Wordsworth. The two figures are implicitly present in the many scenes of self-contemplation and of echoes. Wordsworth also wishes his verse to repeat Nature’s voice, like an echo. He is equally famous for the poetic crisis that affected him after his Great Decade, and he admires himself in his verse through a series of doubles, many of which are characterized by a loss which reads as an allegory of his own. Eventually, Wordsworth aims at turning the reader into a reflection of himself and an echo of his voice
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Sambras, Gilles. "Le jardin et le monde imaginaire et idéologie dans la poésie d'Andrew Marvell (1621-1678)". Reims, 2001. http://www.theses.fr/2001REIML003.
Resumen
Cette étude se propose de recenser et d'étudier les éléments qui semblent être au coeur de l'imaginaire poétique d'Andrew Marvell ( le jardin, l'espace et le temps, la divinité, la femme, la chute, la sexualité, le travail, la mort, le conflit de l'âme et du corps, le problème de la pureté et de l'innocence, la relation de la pensée à l'objet pensé, etc. ). Cet examen nous permet de mettre à jour une structure fondamentale de l'imaginaire marvellien qui préside à la selection, la valorisation et l'organisation des images. Cette structure repose sur une hésitation permanente entre la nostalgie régressive et le volontarisme historique, la fuite devant l'histoire et l'engagement dans celle-ci. La dialectique narcissique est paradigmatique de ce double mouvement. Le second grand volet de l'étude vise à mettre en évidence les implications idéologiques de cette structure imaginaire. Idéologie et imaginaire sont présentés comme étroitement liés ; l'idéologie correspondant à l'actualisation historique des représentations imaginaires : l'imaginaire historique. Aussi, la double orientation de l'imaginaire marvellien détermine-t-elle un double discours idéologique : la monarchie est associée à un Age d'Or à la fois merveilleux et coupable, alors que l'activisme puritain, en particulier à travers l'image de Cromwell, s'incarne dans les images de la modernité capitaliste et de l'enthousiasme millénariste, suivant un parcours douloureux mais nécessaire. L'écriture poétique devient ainsi pour Marvell l'étape nécessaire d'une maturation idéologique qui ne saurait aboutir que par la résolution d'un profond conflit imaginaire, conflit qui constitue le ressort secret de la création poétique.
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Combot, Paolig. "Jean Conan (1765-1834) : un écrivant ou un écrivain breton ?" Rennes 2, 1997. http://www.theses.fr/1997REN20037.
Resumen
Jusqu'à présent, il n'a pas été possible de cerner l'existence, la personnalité, les méthodes d'écriture et de création d'un auteur bretonnant du passé. C'est pourtant ce que nous essayons de faire pour l'un d'eux, Jean Conan, en nous fondant sur l'ensemble des écrits conservés. La question est de savoir si ce brave homme de tisserand (Le Braz) est un simple copiste (Dottin), un écrivant de seconde zone, malgré les 29000 vers qui nous sont parvenus, ou si ses écrits ne recèlent pas des qualités littéraires, une originalité d'inspiration et de création. Certes, Conan s'inscrit dans un contexte : d'autres hommes du peuple ont écrit leurs campagnes ; de nombreux clercs anonymes ont élaboré des tragédies bretonnes. Conan continue cette tradition théâtrale, par la langue, le choix de ses sujets, par la présence de certains personnages, par son mode d'écriture, a la fois poétique et théâtrale. Mais jamais Conan ne se comporte en copiste servile ; ses deux tragédies sont recomposées : il réécrit Louis Eunius, sa version de Geneviève de Brabant est une synthèse d'un récit français et de la pièce bretonne savante ; sa Bue a Sant ar voan et sa Jerusalem delivred sont des tentatives de dramatisation. Quant aux Avanturio, elles constituent un véritable travail de fiction, Conan s'y met en scène, après avoir mis en scène quantité d'autres personnages ; il en est à la fois l'auteur, le narrateur et le héros, posant pour la postérité avec solennité et complaisance. Conan laisse une oeuvre originale, aux sujets divers mais d'une écriture commune ; sans doute les maladresses sont-elles nombreuses, et la francisation du lexique excessive. Mais cette oeuvre révèle un homme qui tantôt nourrit ses écrits de sa vie, tantôt se nourrit de ses personnages, sans doute plus vrais que son entourage. Conan constitue un cas unique, une incongruité : un homme du peuple qui écrit en breton ! Puisse-t-il trouver en chacun de nous le cher lecteur qu'il attendait et qu'il mérite, car Jean Conan est un créateur, un authentique écrivain populaire bretonUp to now, it is not been possible to grasp the existence, personality, writing and creative methods of a Breton author from the past centuries. However, this is what we are aiming at for one of them, Jean Conan, relying on the writings that have been kept. The point is to know whether this goodman weaver (Le Braz) is nothing but a copyist (Dottin), a second rate 'man-who-writes', in spite of a total 29000 lines that are still with us, or whether his writings reveal literary qualities, an actual originality in inspiration and creation. As a matter of fact, Conan is part of a context: other men of humble origins wrote about their campaigns ; numerous anonymous clerks elaborated Breton tragedies. Conan continues this tradition of drama, by his language, the topics he chooses, the existence of some characters, and by the way he writes, both poetical and dramatic. Yet, Conan never behaves as a servile copyist ; his two tragedies were recomposed: he writes a Louis Eunius of his own, his version of Genevieve de Brabant is a synthesis of the french record and the scholarly Breton play ; his Bue a sant ar voan and his Jerusalem delivred will be attempts at dramatisation. As for Avanturio, they were an authentic work of fiction, he is altogether the author, narrator an hero, posing for posterity with solemnity and self satisfaction. So, conan's heritage is an original work, of various subjects but of a common style ; his akwardness may be recurrent, and the French-like vocabulary is excessive ; but his works reveal a man who feeds his writings from his own experiences and feeds himself from his heroes, more realistic than his surroundings. Conan is unique, an exception, an incongruity: a man of humble origine who writes in Breton language! May he find in each of us the dear reader he expected ; Jean Conan stands as a true creator, an authentic popular writer
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Magnien-Simonin, Catherine y Jucquel Rougeart. "Jucquel Rougeart : œuvres complètes(1578) : édition critique". Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040247.
Resumen
Jucquel Rougeart nait à Audierne, en Basse-Bretagne, en 1558. En 1574, il se rend à Paris, pour y poursuivre ses études au collège de Lisieux. A quelques mois d'intervalle, il publie au cours de l'année 1578 son Curiosolitorum de haereticis triumphus et ses Divers poèmes latins et français. La poésie de cet écolier donne à lire un catholicisme traditionnel, héritier militant des idées de la Saint-Barthélemy, ainsi qu'un sentiment aigu d'appartenance à la nation de Bretagne; elle témoigne aussi de la formation des collégiens d'alors et révèle les ambitions poétiques d'un jeune homme à l'affut de l'actualité et des modes littéraires de son temps. Nous publions les œuvres complètes de Rougeart (avec variantes pour le Triumphus, introduction générale, notices, traduction des poèmes latins, glossaire) à partir des trois exemplaires connus du Triumphus et de l'Unicum des divers poèmes que nous avons retrouvé. Ce sont quelque deux mille vers cinq cents vers français et quatre cents vers latins qui viennent s'ajouter au corpus de la littérature provinciale de la renaissance françaiseJucquel Rougeart was born in Audierne, Brittany, in 1558. He travelled to Paris in 1574, in order to study at Lisieux college. Within few months he published his both works, Curiosolitorum de haereticis triumphus and Divers poèmes latins et français, in 1578. This student's poetry shows us a traditional Catholicism, in direct line with the ideas of Saint-Barthelemy, and an acute feeling for the native country, Brittany. These works give also a good testimony on the scholarship of that time. Finally, Rougeart's poems point out a young man attempting to poetry, concerned with literary news and up-to-date tastes. We edit Rougeart's complete works (with variants for the Triumphus, general introduction, particular presentations, translations of latin poems, glossary) based on all the issues (3) known of Triumphus and on the only issue of the divers poemes, which have been considered as lost until our discovery. With Rougeart's works, 2500 French lines and 400 Latin lines about are added to French provincial poetical thesaurus of XVIth century
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Bisconti, Donatella. "Luca Pulci et sa place dans la culture du XVe siècle italien". Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030125.
Resumen
L'oeuvre de Luca Pulci (1431-1470), frère aîné du plus célèbre Luigi, bien qu'appréciée par ses contemporains, a fait l'objet de critiques sévères au XXe siècle. L'auteur se propose de replacer cette oeuvre dans le contexte culturel du XVe siècle, en montrant ses liens d'une part avec les nouveautés littéraires qui se profilent autour des années soixante : la bucolique en langue vulgaire, notamment, dont les trois frères Pulci, surtout Luca et Bernardo se font les promoteurs, et d'autre part la diffusion des textes grecs et latins, qui ne sont plus le domaine exclusif des humanistes au sens strict du terme. Luca montre, en effet, une connaissance large et pontuelle d'une ample série de sources anciennes, ainsi que de la tradition littéraire florentine, qu'il exploite dans toutes ses oeuvres (Driadeo, Pístole, Ciriffo calvaneo) avec une grande liberté. .Luca Pulci (1431-1470), the elder of the more famous Luigi, left us some literary works which, although appreciated by his contemporaries, have been severly criticised in the 20th century. In my thesis I intend to replace these works in the 15th century cultural context, by showing their links between them and the literary innovations which began to be outlined around the 1560's : on the one hand, the bucolic written in the vernacular, promoted by all three Pulci brothers, particulary by Luca and Bernardo, and, on the other hand, the diffusion, beyond the stricly humanistic movement, of texts in latin and Greek tongue. Luca shows, in fact, not only a large and specific knowledge of a lot of classical sources, but also of the Florentine literary tradition : he exploits them inall his works (Driadeo, Pistole, Ciriffo) with great liberty. . .
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Lambert, Vincent Charles. "Des poèmes à l'âge de l'irréalité : solitude et empaysagement au Canada français (1860-1930)". Doctoral thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/24674.
Resumen
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2013-2014.Période négligée de l’histoire littéraire, les années 1860 à 1930 ont apparu aux critiques de la modernité comme un âge de l’irréalité dont le patriotisme de Louis Fréchette et la mélancolie d’Émile Nelligan témoignaient de deux manières opposées, irréconciliables, sinon dans un même exil, une même absence à soi et à la vie immédiate. Cette thèse revient d’abord sur l’émergence et l’évolution de ce rapport des modernes au passé littéraire canadien-français, puis retrace une lignée considérable de poètes qui furent indifférents au patriotisme sans pour autant tomber dans l’isolement pathétique. Dans un premier temps, il faut relativiser la prépondérance de la poésie patriotique : Louis Fréchette et Nérée Beauchemin ont aussi écrit de la poésie lyrique et descriptive. La plupart des poètes de la fin du XIXe siècle pouvaient, d’un poème à l’autre au sein d’un même recueil, passer de la célébration des héros de la Nouvelle-France à l’observation directe du peintre. Cette dernière tendance prévaut dans les œuvres d’Alfred Garneau et d’Eudore Évanturel, qui ont en commun de faire passer le monde du statut de support idéologique à un lieu de présence imprescriptible, ouvert. Après une analyse de leurs poèmes dans la production littéraire de la seconde moitié du XIXe siècle, la thèse s’attarde dans les trois chapitres suivants aux parcours individuels de trois poètes majeurs du siècle suivant en les situant dans l’évolution de la littérature canadienne-française : Albert Lozeau, Jean-Aubert Loranger et Alfred DesRochers. Chacun à leur manière, ces poètes opèrent une objectivation du monde tout en interrogeant la nature de leur relation avec lui. Avec eux, sans doute à cause de la primauté accordée par le symbolisme à l’imagination créatrice, la réalité sensible est intériorisée, engagée dans un dialogue ou présentée directement comme une manifestation de conscience. Au final, il est possible de reconstituer une tradition poétique marquée principalement par une solitude retirée et une attention soutenue à la vie présente, tradition qui trouve son aboutissement dans l’œuvre de Saint-Denys Garneau.
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Owji, Pour Negarehossadat. "Aspects de la poésie de cour dans la Perse du XIIe siècle et la France du XVIIe siècle : le cas de ‘Onsori et Manûčehri, Chapelain et Boileau". Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL178.
Resumen
Depuis l’Antiquité gréco-romaine les artistes, en particulier, les poètes et les écrivains, avaient une place stratégique dans la cour. L’une des fonctions de la poésie a été de servir la politique. Ce que nous essaierons d’analyser dans cette recherche est, l’usage historique et politique de la littérature, autrement dit, le service que la littérature, en particulier la poésie, a rendu au pouvoir politique à travers la poésie panégyrique et l’éloge du roi, considérée l’incarnation du pouvoir. Le panégyrique joue un rôle central dans la sacralisation du pouvoir, car le poète dans son rapport d’échange symbolique et économique du mécénat, a pour fonction de célébrer le monarque et son pouvoir dans ses représentations officielles. Cette recherche traite de la poésie de cour persane, qui a atteint son sommet à la cour du roi ghaznévide, Mahmûd (r. 998-1030) au XIe siècle et de la poésie de cour française, qui a connu sa floraison à la cour de Louis XIV (r. 1643-1715) durant le XVIIe siècle. L’analyse comparative du mécénat persan et du mécénat français révèle la place de la poésie à la cour de Mahmûd de Gazne et celle de Louis XIV. La poésie de cour des deux pays lointains durant deux époques différentes donne naissance à un phénomène semblable, qui, malgré les dissemblances, forme le sommet du panégyrique dans chacune des deux littératures. L’objectif de cette étude est de montrer l’effet du renforcement politique sur la poésie de cour dans les deux pays. Pour la clarté de ce sujet, nous avons choisi deux poètes de chaque cour ; ‘Onsori et Manûčehri, les deux fameux poètes de la cour de Mahmûd de Gazne, et Boileau Despréaux et Nicolas Chapelain, à la cour de Louis XIVSince Greco-Roman Antiquity artists, especially, poets and writers had a strategic place in the court. One of the functions of poetry during history is to serve politics and the state. What we will try to analyze in this research is the historical and political use of literature, in other words, the service that literature, especially poetry, has given to political power through panegyric poetry and praise of the king's person, considered as the incarnation of power. The panegyric plays a central role in the socialization of power, because the poet in his report symbolic and economic exchange of patronage has the function of celebrating the monarch and his power in his official representations. This research deals with the Persian court poetry, which reached its peak at the court of the king Ghaznavid, Mahmûd (r. 998-1030) in the eleventh century and French court poetry, which saw its flowering at the court of Louis XIV (r. 1643-1715) during the 17th century. The comparative analysis of Persian patronage and French patronage reveals the place of poetry in the court of Mahmud de Gazne and that of Louis XIV. The court poetry of two distant countries during two different centuries gives rise to a similar result, which, in spite of dissimilarities, forms the summit of the panegyric in each of the two literatures. The purpose of this study is to show the effect of political reinforcement on court poetry in both countries. For the sake of clarity, we have chosen two poets from each court; ‘Onsori and Manûčehri, the two famous court poets of Mahmûd de Gazne, as well as Boileau Despréaux and Nicolas Chapelain in the court of Louis XIV
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Bouttet, Stéphan. "Les poésies de Tristan L'Hermite : étude historique". Rennes 2, 1987. http://www.theses.fr/1987REN20010.
Resumen
Signifiant la profonde inquiétude d'un moi blessé, obsédé par la précarité de toute chose et l'idée d'une disgrâce insurmontable, profondément mélancolique et nostalgique, l'oeuvre poétique de Tristan, enfin reconnue à sa juste valeur, s'organise autour des grands thèmes lyriques, la nature, l'amour, la foi, la célébration du héros, sans négliger l'interrogation morale. Cette étude, qui préfère à la considération « sub specie aeternitatis » de ses caractéristiques leur confrontation dialectique aux déterminations sociopolitiques, idéologiques, culturelles, à partir desquelles ou contre lesquelles elle s'est construite, pose que la condition humaine est vécue comme contradiction entre la réalité et un désir multiforme. Les poèmes, rassemblés en fonction de leurs dates de composition, sont analysés comme la mise en oeuvre d'une série de métaphores dominantes, renouvelant un héritage à la fois très lourd et largement menacé, et permettant la constitution d'une personnalité. Jusque 1630 environ, le monologue, tourne à la fois vers la régression et les figures du surmoi, évoque principalement la nature tout en exprimant une forte tendance paranoïaque, et privilégie l'alternance harmonieuse du rempli et de l'hyperbole du moi. Dans un second temps, la métaphore de l'amour favorise l'émergence tardive d'un dialogue entre l'âme souffrante et la figure abstraite de l'aimée. La rhétorique de la persuasion, quand domine le théâtre, encouragé par une politique héroïque et plus apte à exprimer des conflits exacerbés, s'affadit en des développements artificieux, ou même à une écriture plus antithétique et plus grave. Vers le milieu des années 1630, quand triomphent les profiteurs et la frivolité mondaine, le lyrisme religieux, teinte de néo-stoïcisme, prend en charge des orientations devenues infructueuses. Après 1642-1643, Tristan préfère à l'effusion l'expression conformiste de l'assentiment d'une communauté. Syntaxe mesurée et vocabulaire sentencieux indiquent qu'il a composé avec son temps, et annoncent un classicisme impersonnel. S'achève ainsi une longue interrogation des rapports mouvants du moi et du monde, qui n'a cessé de dire la pulsion, l'apparition, et exprime, non ambiguïté, la tranquille soumission du sageTristan's poetry evolves round great lyrical themes, not to mention its moral implications. This study, which makes more of its being dialectically collated with socio-political, ideological, cultural determinations out of which and against which it proceeds, to sub specie aeternitatis considerations, establishes human condition as a clash between reality and a multifarious yearning. The poems, put together here according to the time they were written, have been subjected to an analysis that evinces how a series of prevailing metaphors have been brought forth renewing a heritage at one weighty and on the brink of ruin, and which makes the growth of a new personality quite possible. Up to the 1630's the monologue turned towards both regression and the shapes of his super-ego, mainly brings forth nature and is this the expression of a strong bias for paranoia. Later on, the metaphor of love will help towards the emergence of a dialogue between his suffering soul and the abstract figure of his beloved one. The rhetoric of persuasion, when drama prevails, sustained by the hero extolling policy and more suitable for the expression of exacerbated clashes, turns into sham tepid developments or, rather leads to make an antithetic and deep thought writings. Towards the middle of the 1630's, when roguery and worliness prevailed, religions lyrism altogether with neostoicism become responsible for orientations unable to bear fruit. After 1643, Tristan, turned into a conformer, will prefer the way how a community expresses its assent to effusion. His well trimmed syntax and sententious vocabulary clearly indicate that he has come to terms with his time, which heralds impersonal classicism. Though all this, a long-lived interrogation about the unsteady connection between his self and the world come to and end while it never stopped uttering the emotion, the epiphany, and doing so, expresses, not entirely without double meaning, the peaceful submission of the philosopher
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Lerouge, Nadège. "Le Poème à l'épreuve de la lettre dans l'oeuvre d'Emily Dickinson (1830-1886) : une étude des correspondances". Orléans, 2006. http://www.theses.fr/2006ORLE1081.
Resumen
Cette étude explore les liens complexes qui se tissent entre poèmes et lettres dans l'oeuvre d'Emily Dickinson. A partir d'un corpus qui regroupe l'ensemble de la correspondance et une partie du corpus proprement poétique, elle travaille sur les points communs qui se font jour de l'un à l'autre et qui soulèvent la question du genre. La "lettre-poème" est au coeur de cette recherche : elle est symbolique de l'hybridation que l'auteur opère afin de transgresser les frontières traditionnelles. Dès lors, cette étude envisage la correspondance comme un lieu qui se prête à l'expérimentation formelle. Elle montre comment l'auteur a fait de l'épistolaire un espace de revendication et de subversion qui transcende la conception traditionnelle de cette forme d'écriture comme sincère et pragmatique. Comment Dickinson s'empare-t-elle de l'espace épistolaire pour en faire un lieu de collaboration ou de concurrence littéraire ? Quel est le rôle de la correspondance au regard de la publication ? Quels sont les critères qui fondent sa valeur poétique ? Parallèlement, cette étude revient sur les questions de politiques éditoriales et analyse l'importance du motif épistolaire au sein du corpus proprement poétique. Elle se pose la question des modifications que les poèmes subissent sous l'influence de la pratique épistolaire. Ainsi, la correspondance devient un "laboratoire d'écriture" qui fournit une perspective d'étude essentielle et qui permet de remettre en cause la séparation qui a été soulignée entre les deux corpus par le passéThis dissertation examines the complex links that Emily Dickinson establishes between poems and letters in her work. Focusing on all the letters and some poems from the fascicles, it investigates the similarities between the two corpuses and it raises the question of genre. "Letter-poems" are crucial in this perspective : they embody the hybridity realized by the author in order to subvert the traditionnal boundaries. Therefore, this study compares the correspondence to a ground where the writer can experiment with form. It shows how Dickinson managed to transform her epistolary work into an ideal place for protesting and subverting which transcends the traditional idea of letter-writing as sincere and purely pragmatic. How does she manage to turn it into a place for literary collaboration or competition ? What is the role of her correspondence with regard to publication ? What makes it poetic ? In parallel, this study reexamines the question of editing and it analyzes the recurrence of the epistolary pattern within the poems. It explores the modifications that the poems undergo under the influence of the epistolary practice. Thus, this correspondence besomes a "poetry workshop", an expression which provides a crucial perspective to study Dickinson's work and which calls into question the separation which has been emphasized between both corpuses in the past
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Rebai, Makki. "Le nocturne dans la poésie de Baudelaire". Clermont-Ferrand 2, 2007. http://www.theses.fr/2007CLF20009.
Resumen
Le Nocturne dans la poésie de Baudelaire est, phénoménologiquement, une notion qui se manifeste d'abord sur le plan lexical et sémantique, naît de la conjonction intime des deux dimensions temporelle et spatiale et apparaît , in fine, comme un climat de sa poésie, en vers comme en prose. La notion implique une mise en scène, assurée par un personnel, composé de différents protagonistes, dont les fonctions font signe vers des significations d'ordre existentiel et métaphysique ou poétique et esthétique. L'étude des valeurs de signification de la notion débouche sur une irréductible ambivalence : si le Nocturne apparaît souvent comme le signe de la mélancolie du mal et de la mort, il montre aussi un visage autre rendu possible par l'appropriation active de la spatialité nocturne et par l'instauration d'un climat d'érotisme qui lutte contre le climat de mort initial. Cette ambivalence est traduite par une poétique polymorphe, révélant quatre aspects principaux : "la tentation du Noir absolu" se marque par une écriture déceptive de la négativité, une allégorie tyrannique et "fragmentatrice" et un climat propice au surgissement de l'insolite ; la "fécondité du gouffre" révèle un infléchissement de cette orientation, qui rend envisageable l'apparition rédemptrice de la lumière. L'écriture du "clair-obscur" scelle le règne d'une euphémisation des couleurs et de la référencialité spatio-temporelle et d'une pensée analogique tendant à la restauration de l'unité perdue. Un dernier aspect tente d'opposer à la négativité superlative l'idéal insaisissable et fascinant du "soleil noir". Enfin, cette poétique fait signe vers une esthétique à double entente, selon que le Beau est appliqué à la nature ou à l'art. D'une part, le Noctrune, par un certain nombre de traits intrinsèques (l'irrégularité, l'ambivalence, la réversibilité) recoupe la vision baudelairienne de la Beauté idéale ; de l'autre, confronté aux univers d'autres créateurs (Young, Novalis, Hugo, Nerval), il apparaît comme un choix éminemment polémique, poétique et esthétique
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Mayer, Sophie. "Formes du mouvement dans la poésie d’Emily Dickinson – déplacements, réécritures, conversions". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA112/document.
Resumen
L’objectif de cette thèse est de montrer que le mouvement constitue le principe fondateur de la démarche intellectuelle et poétique d’Emily Dickinson (1830-1886). Mis au service d’une pensée qui ne cessa de se remettre en question et de combattre les certitudes et les schémas (culturels, religieux…) établis, le mouvement se révèle être une arme de déstabilisation et de déconstruction critique visant à discréditer tous les systèmes de pensée et de croyances jugés autoritaires et « dogmatiques », au sens fort où l’entendaient les sceptiques anciens, avec lesquels Dickinson présente d’évidentes affinités. Mais le mouvement apparaît également comme un principe vital et un agent de construction dans les poèmes : il permet d’élaborer, par voie de réécritures subversives et de détournements subtils, une approche du monde, de la connaissance et de la foi, qui vise aussi bien à légitimer la puissance de la pensée et de l’expérience individuelles qu’à rendre compte de ce que l’incertitude, l’instabilité et le changement sont l’essence même de la pensée et de la vie. Située au croisement de la poétique, de l’épistémologie et de l’approche dite « culturelle », cette thèse se propose d’examiner les formes du mouvement présentes dans l’œuvre de Dickinson en les mettant en regard d’une scène nationale elle-même mouvementée, placée sous le signe de la rupture, de la crise et du doute, mais également portée par un élan de libération et de renouveau qui vit l’émergence de nouvelles forces (politiques, économiques, sociales, culturelles) qui entendaient valoriser et défendre la liberté et l’épanouissement individuelsThe aim of this thesis is to demonstrate that the fundamental poetic and intellectual principle in the work of Emily Dickinson (1830-1886) is movement. In the service of an intellect that constantly questioned and challenged the established religious and cultural frameworks, movement firstly reveals itself to be a weapon of destabilisation and critical deconstruction : indeed, it aims to discredit and overturn systems of thought and beliefs deemed authoritarian and dogmatic, the latter in the strong sense as understood by the ancient sceptics, with whom Dickinson had obvious affinities. Movement however also appears as a vital principle and a constructive agent within her work : through subversive rewritings and subtle deviations, it enables the elaboration of an approach to the world, knowledge and faith, which seeks as much to legitimise the power of individual experience and reflection, as to acknowledge that uncertainty, instability and change are the very essence of thought and of life. At the intersection of poetics, epistemology and cultural studies, this thesis thus examines the forms of movement present in Dickinson’s work, by considering them alongside a turbulent national context, itself characterized by rupture, crisis and doubt, but equally impelled by a momentum towards liberation and renewal, which saw the emergence of new forces (political, economic, social, cultural) valorising and defending the freedom and flourishing of the individual
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Deschaumes, Bernadette. "La quête identitaire du sujet lyrique dans les trois premiers recueils de Pedro Salinas ("Presagios", "Seguro azar" et "Fabula y signo")". Clermont-Ferrand 2, 2002. http://www.theses.fr/2002CLF20017.
Resumen
"Ce travail de recherche montre le fonctionnement d'une écriture transculturelle. Les phénomènes inscrits dans le sillage de la tradition médiévale sont essentiellement ceux du triptyque comme référence picturale adaptée à l'agencement et à l'organisation des trois recueils, de l'exploitation détournée des motifs bibliques, et de la subversion du niveau allégorique dans une forme métrique qui revisite librement le "romance". Les effets de miroirs du Siècle d'Or sont abordés avec l'étude sur les trois sonnets de PR et leur effet spéculaire dans des textes saturés d'intertextualité classique. La spécularité bipolaire des sonnets est envisagée sur le plan de la poétique de l'espace et du temps ainsi que des stratégies de création de la présence dans un univers à connotation mystique. Pour terminer il s'agit de l'entrée en modernité de l'écriture de PR, SA, et FS dans une énonciation entre fragmentation et unification. Celle-ci met en évidence l'omniprésence du "yo", son effacement et son dédoublement, des points de vues mobiles et changeants dans un monde unifié par l'établissement d'un réseau de correspondances, ainsi que les contours et le brouillage de la réalité, la profusion du réel et son élimination re-créatrice dans l'affirmation du pouvoir démiurgique du sujet réel"
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Brottier, Beatrice. ""Je n'estime pas moins tes lettres que ses armes" : la poésie d'éloge du premier xviie siècle dans les recueils collectifs de toussaint du bray". Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01068365.
Resumen
La poésie d'éloge est particulièrement fréquente au début du XVIIe siècle et se publie sous diverses formes. Or le lieu n'est pas indifférent quant à la lecture des pièces, notamment lorsqu'il s'agit de recueils collectifs. Ces recueils sont nombreux au début du siècle, mais ceux édités par Toussaint Du Bray ont une organisation particulière, les pièces étant regroupées par auteur avec un paratexte important. Ce mode de diffusion contribue à désancrer les textes du contexte de leur écriture pour les réinscrire dans un cadre poétique. L'équilibre des trois grandes fonctions (sociale, politique et poétique) de la poésie d'éloge en est modifié. La relation mécénique n'apparaît plus que dans les mises en scène qui en sont faites. La fonction politique s'infléchit en une réécriture des événements politiques et en la fixation d'un récit, la fonction idéologique perdurant dans la célébration des dédicataires et par la démarcation implicite entre ce qui est loué ou non. Surtout, la publication en recueil redonne la primauté au caractère poétique des pièces ; elle permet aussi de lire ce qui restait plus discret lorsque les poèmes étaient dispersés : parce que le poète doit justifier sa parole laudative, parce que la valeur de l'éloge ne dépend pas seulement de celui qui est loué mais aussi de la qualité du chant, les pièces font entendre un discours identitaire et métapoétique qui s'interroge sur le rôle du poète, la force de sa parole et son statut social, en ces années où les écrivains recherchent une plus grande autonomie. Dans les recueils collectifs, la poésie d'éloge valorise tout autant le poète que le grand.
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Dion, Nicholas. "Entre les larmes et l'effroi : inflexions élégiaques et horrifiques dans le théâtre tragique, de l'âge classique aux Lumières (1677-1726)". Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27328/27328.pdf.
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Toro, Murillo Alejandra Maria. "Le parcours sinueux de l’érotisme dans la poésie colombienne depuis l’œuvre de José Asunción Silva jusqu’à la poésie du groupe Mito". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA020/document.
Resumen
Cette étude est une recherche sur les relations complexes entre la poésie et l’érotisme au sein de la poésie colombienne, et elle suit un itinéraire qui va de la poésie de José Asunción Silva, à la fin du XIXe siècle, à celle du groupe Mito, dans les années 50. Cet exercice d’investigation et d’analyse démontre qu’on peut observer une tradition de l’érotisme dans la poésie colombienne, au sein de laquelle l’érotisme comme sujet sensible a pénétré la poésie de plusieurs groupes –modernistes, piedracielistes et Mito– et de quelques-uns des auteurs les plus importants, parmi lesquels: Silva, Porfirio Barba Jacob, Luis Carlos López et León de GreiffThis study examines the complex relationships between poetry and eroticism that have emerged in the Colombian poetry throughout a historical journey that goes from José Asunción Silva’s poetry (late nineteenth century) to the poetry of the group Mito, during the decade of 50s in the twentieth century. This research and analytical work shows that a tradition of the erotic in the Colombian poetry can be observed, in which eroticism, as a sensitive subject, has permeated the poetics of various groups –modernists, Piedracielistas, and Mito– as well as some of the most important Colombian authors such as Silva, Porfirio Barba Jacob, Luis Carlos López, and León de Greiff
Este estudio se pregunta por las complejas relaciones entre poesía y erotismo que se han dado en la poesía colombiana, en un recorrido histórico que va desde la poesía de José Asunción Silva, finales del siglo XIX, hasta la poesía del grupo Mito en la década del 50 del siglo XX. Este ejercicio investigativo y analítico demuestra que se puede observar una tradición de lo erótico en la poesía colombiana en la que el erotismo, como asunto sensible, ha permeado la poética de varios grupos –modernistas, piedracielistas y Mito– y de algunos de los más importantes autores, entre los cuales: Silva, Porfirio Barba Jacob, Luis Carlos López y León de Greiff
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Lionetto, Adeline. "La lyre et le masque : la poésie des fêtes du manièrisme à l'âge baroque (1549-1583)". Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040067.
Resumen
Vestiges de magnificences réputées diaprées, les vers produits à l'occasion des fêtes de cour de la seconde moitié du XVIe siècle ont longtemps été considérés comme des objets littéraires dépourvus de tout intérêt. Et pourtant la génération de la Pléiade, bien plus connue aujourd’hui pour ses recueils poétiques devenus classiques, a aussi été à l’origine d’une poésie impromptue qui a donné au poète un rôle fondamental de maître des plaisirs de la cour. Non content de rester à son pupitre ou dans sa « librairie », le poète devait prendre en charge la mise en scène de ses compositions, jouer parfois le rôle de l’un des personnages et travailler en collaboration avec d’autres artistes, d’une manière non plus solitaire mais tout à fait collégiale. Sa poésie non seulement agrémente la fête mais la colore, la suscite et la structure : des vers chantés aux vers gravés dans les décors ou encore sur des petits billets tombant en cascade sur le monarque au moment de son arrivée, la poésie est omniprésente dans la fête dont elle se fait, à divers niveaux, la « légende. Contribuant à dramatiser et à sacraliser l'histoire de France, cette poésie se développe en outre sur l'esthétique des merveilles qui caractérise les fêtes de cette époque. Enfin les genres poétiques qui y apparaissent (mascarades, momeries, cartels, etc.) s'influencent alors les uns les autres et se développent au carrefour de multiples pratiques poétiquesThe poems written for court festivals in the second half of the Sixteenth century have long been considered unworthy of the attention of scholars of French literature. However, these colourful traces of famously splendid court festivities involved many of the poets of the generation of the “Pléiade”, remembered today mostly for its classic collections of poetry. Nonetheless, these poets also participated in the practice of composing impromptu poetical pieces, which effectively made them the masters of court entertainment. These poets did not restrict their activities to their study or their “librarie”, but designed the sets and organised the saging of their masques – sometimes even playing some of the parts – and collaborating with other artists. The part played by the poet in these festivals is far from being solitary: it is essentially collaborative. His verses are not a mere ornament of the festivities, but are their very life, giving them shape and colour. Poetry plays a part in all aspects of the festivals at court: it is sung, but also inscribed on elements of the décor and showered down on the monarch when he arrives. In this sense, poetry is the “légende” of the celebrations, serving as a caption and as a way creating a legendary, sacred and dramatic representation of power. This poetry also participates in the aesthetic of the maraviglia characteristic of manneristic and baroque festivals. The poetic genres that they involve (masques, mummeries, cartels etc.) mutually influenced each other and developed as hybrid forms which were grew out of the intertwining of many different poetic traditions
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Caetano, Marie-Laurentine. ""Moy qui suis, ô Dieu, ton humble chanteresse" : anthologie de la poésie spirituelle et féminine du XVIe siècle en français". Thesis, Lyon 2, 2012. http://www.theses.fr/2012LYO20028.
Resumen
Cette anthologie rassemble des poèmes spirituels et féminins du XVIe siècle pour proposer un parcours neuf dans la poésie de la Renaissance en sélectionnant des textes de femmes, en contrepoint aux textes d’hommes généralement mis en avant par l’histoire littéraire, et en choisissant la veine spirituelle qui se démarque de la veine amoureuse et pétrarquiste souvent mieux connue. Nous avons sélectionné des œuvres catholiques et des œuvres réformées, afin de donner la plus large vision possible de la vie spirituelle française du XVIe siècle. Notre anthologie s’accompagne d’une étude du corpus pour justifier nos choix et pour élucider les critères d’écriture au féminin, la notion de spiritualité et les pratiques des formes poétiques, tout en proposant un état de la recherche, prenant en compte les avancées les plus significatives en matière d’éditions de textes de femmesThis anthology gathers spiritual poems written by women from the sixteenth century, suggesting a new way of discovering the poetry from the Renaissance ; indeed, we have chosen texts written by women in preference to texts written by men which have usually been strongly emphasized throughout literary history, and also by choosing the spiritual inspiration which is different from the much better-known romantic Petrarchan inspiration. We have made a selection among Catholic works as well as reformed works, in order to show what the sixteenth century French spiritual life really was. We have added a study of the corpus to our anthology in order to justify our choice and to clear up the different important points in women's way of writing, this idea of spirituality and the use of the different forms of poetry, while mentioning research results at the same time, taking into account the most significant progress which has been made concerning the publishing of women's works
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Dorio, Pauline. "« La plume en l'absence » : le devenir familier de l'épître en vers dans les recueils imprimés de poésie (1527-1555)". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA036/document.
Resumen
Cette thèse se propose d’étudier comment, entre 1527 et 1555, l’affermissement de l’épître en vers à l’intérieur du champ poétique s’est produit par une diminution paradoxale de son statut, depuis le prestige de l’héroïde ovidienne jusqu’à la forme modeste et familière dépréciée par Du Bellay dans la Deffence et Illustration de la langue Françoise (1549). Lieux de construction d’une figure auctoriale affirmée, les recueils d’auteur ont constitué le medium privilégié de cette « personnalisation » du genre épistolaire. Dans une première partie, une analyse diachronique révèle qu’aux balbutiements imprimés de l’épître personnelle (1527-1532) succède une période d’hégémonie éditoriale du modèle familier (1532-1549), avant que la diffusion imprimée de l’épître ne soit corrélée à la défense d’une poétique « marotique » (1549-1555). La deuxième partie examine les représentations de l’épître personnelle à l’intérieur du corpus : celle-ci s’affirme en exhibant sa modestie, que ce soit par la revendication d’un intertexte récent, par l’élaboration d’un decorum soulignant la marginalité du poète ou par la mise en œuvre d’une poétique du sermo. La troisième partie articule les approches matérielle et poétique pour monter comment la dispositio des sections épistolaires donne à voir le surgissement d’une familiarité débordant les principes de composition chronologiques et hiérarchiques, en même temps qu’elle exprime la singularité de cette nouvelle poétique épistolaireThis dissertation offers to uncover how, between 1527 and 1555, the establishment of the French verse epistle as a poetic genre paradoxically happened through a diminishing of its status, from the prestigious Ovidian héroïde to the “low” familiar type criticized by Du Bellay in his Deffence et Illustration de la langue Françoise (1549). It argues that the marotique-type printed collections, which are built around the assertion of a strong auctorial figure, played a great part in this transformation, as they proved to be a designated supporting medium for the “personalization” of the epistle. The first part of this thesis analyzes from a diachronic perspective the interplay between the poetic establishment of the genre and its anthologization: this led to the singling out of a first period in which poets explored the genre through the debuting medium of the recueil d’auteur (1527-1532), a second period that consecrated the printed familiar epistle (1532-1549) and a third period during which epistles’ authors redefined the genre in order to challenge Du Bellay (1549-1555). The next part investigates the way printed epistolary collections reflect a specific image of the genre, which asserts itself by highlighting its own modest status, whether this means hiding its Horatian background, emphasizing the humble social status of the poet or elaborating a decorum that revolves around marginality. Finally, a third part analyzes the dispositio of several emblematic epistolary collections, arguing that the order through which the epistles were displayed was orientating the readers’ reception of the genre as well as expressing the singularity of the epistolary poetics elaborated by our authors