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Tesis sobre el tema "Sophie Calle"
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1
Ranglin, Eva. "Sophie Calle i den andres spår : Tre tidiga verk". Thesis, Uppsala universitet, Konstvetenskapliga institutionen, 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:uu:diva-334380.
Texto completoResumen
Uppsatsen behandlar tre tidiga verk av Sophie Calle; Suite vénitienne, 1980, L'hôtel (Hotellet), 1981 och La Filature (Skuggningen), 1981. Utgångspunkten för uppsatsen är frågan om identitet och Sophie Calles tillvägagångssätt i sina verk. De tre verken beskrivs i sin helhet. Utifrån beskrivningen och litteraturstudier diskuteras olika infallsvinklar på verken. Frågan om identitet prövas med en teoretisk utgångspunkt i psykoanalysen, i huvudsak Jacques Lacans teorier om spegelstadiet. Sophie Calles tillvägagångssätt ses i samband med Roland Barthes teorier om text och läsare. Lek, olika förklädnader och slumpen är viktiga inslag i Calles verk. Slumpen var också viktig för surrealisterna och Calles verk har vissa drag gemensamt med dem. Sophie Calles verk sätts också i samband med konceptkonsten, både vad det gäller utförande, dokumentation av verken och sättet att använda sig av text och fotografi. Calle skiljer sig från konceptkonstnärerna genom att hon är mer personlig och intim i sina verk. Sophie Calles verk är mångfacetterade och kan infogas i flera olika sammanhang.
2
Morén, Sol. "Detaljer : i Sophie Calles konstnärskap". Thesis, Umeå universitet, Institutionen för kultur- och medievetenskaper, 2009. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:umu:diva-39273.
Texto completoResumen
Details - in Sophie Calle artwork, is an investigation where the staritng point is Suite vénitienne, one of the french artist, storyteller and photographer Sophie Calle's early projects, dated back to 1979.
3
Kittner, Alma-Elisa. "Visuelle Autobiographien : Sammeln als Selbstentwurf bei Hannah Höch, Sophie Calle und Annette Messager /". Bielefeld : Transcript-Verl, 2009. http://deposit.d-nb.de/cgi-bin/dokserv?id=3039751&prov=M&dok%5Fvar=1&dok%5Fext=htm.
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4
Rentsch, Stefanie. "Hybrides Erzählen Text-Bild-Kombinationen bei Jean Le Gac und Sophie Calle". Paderborn München Fink, 2008. http://d-nb.info/993984967/04.
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5
Nachtergael, Magali. "Esthétique des mythologies individuelles : le dispositif photographique de Nadja à Sophie Calle". Phd thesis, Université Paris-Diderot - Paris VII, 2008. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00640863.
Texto completoResumen
L'invention de la photographie a permis à l'individu moderne de documenter visuellement et de façon autonome son histoire personnelle. Les avant-gardes au vingtième siècle (surréalistes, situationnistes, artistes conceptuels) ont alors élevé au rang d'art ces traces indicielles des événements de la vie ordinaire ou de processus esthétiques à l'œuvre. Les productions artistiques et littéraires se sont alors recentrées sur l'expérience subjective de l'auteur au quotidien et Nadja d'André Breton marque l'avènement du récit autobiographique moderne illustré de photographies, à la manière d'un reportage sur soi-même. Cette conception du récit fragmentaire et hétérogène rejoint alors la notion de " mythologie " énoncée par Roland Barthes. Le dispositif photographique dans le texte, une des formes narratives privilégiées des médias, impose cette esthétique du récit à partir duquel le sujet moderne configure une apparence d'identité. Barthes dans les années soixante-dix pratique à son tour cette forme de récit-photo, en même temps que des artistes français comme Christian Boltanski dont les pratiques photo-textuelles ont été assimilées à des " mythologies individuelles ". Dans les années quatre-vingts, le principe est baptisé " photobiographie " alors que l'artiste Sophie Calle débute son activité artistique exclusivement consacrée à la production d'un récit de soi en images. Inspiré des cultural studies, ce travail étudie donc chronologiquement l'émergence de l'autobiographie illustrée de photographies, non pas en tant que genre mais plutôt en tant que pratique généralisée, en art et en littérature à travers la notion de " mythologie individuelle " comme esthétique de soi.
6
Kittner, Alma-Elisa. "Visuelle Autobiographien Sammeln als Selbstentwurf bei Hannah Höch, Sophie Calle und Annette Messager". Bielefeld Transcript, 2005. http://d-nb.info/986753807/04.
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Demelo, Sarah. "Autobiography and self-portraiture in the works of Christian Boltanski and Sophie Calle". Thesis, University of Essex, 2011. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.537927.
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8
Prieto, Aguaza Alberto. "Imagen fotográfica y textualidad. La obra de Wright Morris, Duane Michals y Sophie Calle". Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2009. http://hdl.handle.net/10803/7442.
Texto completoResumen
Aparentment la funció de la imatge és la d'il·lustrar l'acció que es desenvolupa al text i la funció del text és explicar allò que visualitzem a la fotografia. Més enllà d'aquesta complementarietat, les relacions s'amplien a la imatge fotogràfica, davant les imatges sintètiques, pel seu estatus com a index. El diàleg entre ambdós mitjans expressius genera una alteració mútua, d'una banda a les coordenades espai-temps i d'una altra a la noció de referencialitat; és a dir, ni una fotografia és únicament un document real ni un text, és una ficció. S'observen aquestes relacions a les obres de Wright Morris, Duane Michals y Sophie Calle a través d'un element visual i conceptual característic de cada un d'ells -finestra, mirall i ombra- que relaciona la forma de conèixer el món i conèixer el jo.Aparentemente la función de la imagen es la de ilustrar la acción que se desarrolla en el texto, mientras que éste debe explicar lo que vemos en aquella. Más allá de esta complementariedad, las relaciones se amplían en el caso de la imagen fotográfica, frente a las imágenes sintéticas, debido a su especial estatus como index. El diálogo entre ambos medios expresivos genera una alteración mutua, tanto de las coordenadas espacio-temporales como de la noción de referencialidad: ni una fotografía es sólo un documento real ni un texto literario una ficción. Se observan estas relaciones en la obra de Wright Morris, Duane Michals y Sophie Calle mediante un elemento visual y conceptual característico de cada uno de ellos -ventana, espejo y sombra- que relaciona la manera de conocer el mundo y de conocerse uno mismo.
At first sight, the role of the image is to illustrate the action taking place within a text, whereas this one has to explain what we see in the image. Beyond this collaboration, we find deeper relationships when talking about photographic image, in opposition to synthetic images, due to its special status as index. Dialogue between photography and a so-called literary text creates a mutual alteration, related not only to time and space but also to the question of referentiality: neither a photograph is only a real document nor a text is a fiction. We observe these changes in the works of Wright Morris, Duane Michals and Sophie Calle by means of three visual and conceptual elements -window, mirror and shadow- which connect the way to know the world and ourselves.
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Thorn, Sophie Alexandra. "“The Abuse of Power and Indiscretion": Identity, Mourning and Control in the Work of Sophie Calle". Thesis, University of Canterbury. School of Humanities, 2010. http://hdl.handle.net/10092/4831.
Texto completoResumen
At the 52nd Venice Biennale in 2007, French artist, Sophie Calle presented for public consumption a
starkly simple yet elegant work entitled Pas Pu Saisir La Mort. The work was not only a comprehensive
investigation of the Biennale theme for that year of capturing a fleeting moment in life but was also an
ethically challenging and confrontational piece. Calle chose to display a video loop from the final moments
of her mother Monique Sindler's life. As the title in a childlike manner informs the viewer, the subject of the
work is Calle's inability to physically comprehend this moment. She, to add in the poignantly missing
referent to the English translation of the title, “couldn't capture death”. Calle prompts the audience not only
to watch but to actively look for the universally ungraspable moment of Monique's passing.
Pas Pu Saisir La Mort is unique piece which both characterises Calle's work while also marking a
departure from her normal style of working. It raises challenging issues of the ethical responsibilities of the
contemporary art Biennale and of a more moral nature for the audience by placing them in the intimate role
of voyeur. At the centre of aesthetic theory and within contemporary art writing the idea of a connection to
universal concepts or notions of an underlying humanity within art is referenced, debated and negated. I
believe in Pas Pu Saisir La Mort Calle engages with this discussion through foregrounding the idea of the
contemporary sublime and re-evaluates art's connection to modernist universals as illuminated though the
recent work of Thierry De Duve in particular his concept of 'nous voici' or work with speaks to the 'we' of
humanity.
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Souza, Valdete Nunes Silva. "Um olhar sobre o vazio: imagem e escrita em Douleur Exquise e L'Absence, de Sophie Calle". Universidade Federal de Minas Gerais, 2007. http://hdl.handle.net/1843/ECAP-74QKGK.
Texto completoResumen
Esta dissertação tem como objetivo geral realizar um estudo sobre a obra de Sophie Calle, a partir das relações entre a escrita e a imagem no livro Douleur exquise (2003) e na trilogia L'Absence (2000). Tendo como eixo a temática da ausência e da memória, buscamos determinar o diálogo entre a fotografia e a narrativa no corpus selecionado, comparando os efeitos do real e do ficcional, verificando o processo de elaboração do texto e da imagem na composição de seus livros. No que se refere à fotografia, a análise se baseia nas pesquisas de Roland Barthes (1984) e de Philippe Dubois (1993). Para cotejar os limites da ficção e da realidade em Douleur exquise são utilizadas as noções de autobiografia, proposta por Philippe Lejeune (1975), e de autoficção, termo difundido por Serge Dubrovsky (1977). As descrições das obras de arte em L'Absence são examinadas à Luz das teorias de Philippe Hamon (1991) e de Liliane Louvel (1977).
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Monteiro, Marlène. "Exposed intimacy : a comparative study of self-representation in selected works by Sophie Calle, Vincent Dieutre, and Mariana Otero". Thesis, Birkbeck (University of London), 2015. http://bbktheses.da.ulcc.ac.uk/155/.
Texto completoResumen
This thesis provides a comparative textual, aesthetic, and thematic analysis of self-representation in a selection of films and installations produced in France by three film-makers whose backgrounds and approach to the subject varies: the installation artist, Sophie Calle, the experimental film-maker, Vincent Dieutre, and the documentary film-maker, Marianne Otero. It examines ways in which their films and installations are characterised by certain recurring themes and aesthetic strategies despite their apparent differences. The first chapter contrasts the traditions of literary and pictorial selfrepresentation (autobiography, diary, self-portrait, and essay) with the blurring of such distinct categories in cinema and the visual arts. In the following chapters, a comparative analysis between the three artists points to a recurring representation of a questioning, split, and scattered Self. As a result, a sense of constant in-between-ness emerges, and the protagonists’ systematic spatial dislocations are not merely geographic and physical but also temporal and mental. The aesthetic constructions aptly reflect their interrogation about their place in the world in that the cinematic balance between motion and stillness aptly underscores the fundamental paradox of simultaneous permanence and change, which characterises identity. The abstraction associated with figurations of loss and absence contrasts with a sense of nowness, which is reinforced by the prominence of the body on screen, which harks back to more concrete issues and calls for a reflection on theories of affect, the Figural, sensation. Most importantly, the bodies’ physicality draws attention to the plasticity of the medium, and the fact that the body on screen is also that of the artist is especially effective. Self-representation is a mise en abyme par excellence and cannot be envisaged outside the film-makers’ aesthetic reflection upon their practice for their modes of self-representation rely heavily on the specificity of the medium used. Finally, it draws on recurrent patterns, which simultaneously reflect the rituals of self-representation and the cinematic process: passage, repetition, and transformation, through figures of intermediality, re-enactment, or intertextuality. Yet, equally important are figurations of the place and limits of the Self in relation to the outer space of the Other; hence the significance of margins, thresholds, liminality, in which the question of gender is also central.
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Dumas-Côté, Clémence. "L’écrit comme présence? Cinq photos à te montrer (récits poétiques), suivi de Qui est là? La présence chez Sophie Calle (essai)". Mémoire, Université de Sherbrooke, 2017. http://hdl.handle.net/11143/10475.
Texto completoResumen
Ce mémoire se décline en trois parties. La première en est une de création où se succèdent cinq nouvelles mettant en scène des personnages en quête de leur propre présence. Dans chacune des courtes histoires présentées, la photographie prend une place centrale quant à l’incarnation de cette recherche. Suit une partie théorique portant sur la présence dans trois œuvres photo-textuelles de Sophie Calle. À leur lecture, une impression de présence émane. De quoi s’agit-il, exactement? Comment cela fonctionne-t-il? Et à quel point cette matière est-elle malléable? Cette analyse tente de répondre à ces questions en s’intéressant aux rapports entre texte et photographie dans À suivre, Gotham Handbook et Des histoires vraies, et ce, à la lumière des écrits de Roland Barthes, de Georges Didi-Huberman et de Johnnie Gratton. Puis, une réflexion sur l’écriture s’ouvre sur l’idée de l’expérience comme manière d’embrasser la présence. Je propose une poétique du corps de l’écrivain qui cherche des états de présence au monde en fréquentant des magasins de vêtements de seconde main. J’ouvre ainsi mon atelier en présentant un micro-cycle de création comportant des procédés d’épuisement des sens et menant ultimement à une expression de la sensibilité à l’expérience, si cruciale dans mon processus personnel.
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Lindblad, Marie. "Things I keep around me". Thesis, Konstfack, Inredningsarkitektur & Möbeldesign, 2014. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:konstfack:diva-4703.
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Okubo, Miki. "Exposition de soi à l'époque mobile-liquide". Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080055.
Texto completoResumen
La réalisation de l’expression artistique n’a jamais été si « facile » qu’aujourd’hui, et les enjeux de la création n’ont jamais été si « banals ». Il existe divers moyens pour satisfaire nos désirs expressifs, tels des moyens traditionnels et contemporains. Malgré cette facilité, nous avons peu de possibilité pour devenir un artiste célèbre. Nous sommes aujourd’hui bien conscients de cette situation difficile jusqu’à ce que nous soyons même parfois désespérés vis-à-vis de ce nouvel environnement médiatisé.Cependant, selon les recherches archéologiques, cette situation n’est pas nouvelle ni particulière. L’art est depuis toujours un moyen possible pour surmonter des problèmes personnels. En cherchant une expérience partageable avec les autres, nous bénéficions de l’utilité de l’art pour sublimer la difficulté de la vie.Le monde caractérisé par sa nature « mobile » et « liquide », donne naissance à l’art contemporain qui met souvent en lumière la question de l’intimité. Sa signification est en fait liée à l’universalité, qui semble pourtant s’éloigner de la notion d’égoïsme et d’individualité.Cette thèse a pour but de considérer l’exposition de soi « plurielle » pratiquée à l’époque « mobile » et « liquide », afin de comprendre la véritable signification de l’acte expressif. À travers l’observation des réalisations artistiques telles la photographie, la mode, la littérature et d’autres créations, je fonde une étude sur l’esthétique de l’exposition de soi non seulement par les artistes mais aussi par les amateurs, pour interpréter son utilité des points de vue sémiologique, phénoménologique, archéologique, anthropologique et esthétiqueArtistic expression has have never been easier to carry out than today. Engaging in creation has even become a mundane, commonplace undertaking. We have a vast array of mediums available to us to satisfy our desire for self-representation, including traditional and modern medias and advanced technologies. Despite this ease of access to platforms for self-expression, creators have no chance of becoming a celebrated artist. Facing this truth during our everyday interactions online and with modern media leads us to feel rather disheartened with today's media environment. However, from historical point of view, today's context of creative work and exposition is neither new nor unique. Art has always been one possible way to process or overcome personal problems. In our search for shared experiences with others, art is useful in easing life's difficulties.Today’s world, characterized by its "fluid" and “mobile” nature, is giving birth to a contemporary art that often highlights the question of intimacy. Its significance is universal, while being distant from notions of egoism and individualism.This thesis aims to consider “plural” self-representations practiced in our “fluid” and “mobile” world, in order to better understand the importance of expressive acts. Through the careful study of artistic activities such as photography, fashion, literature and other domains, I present a study on self-representation and exposition, found in both professional and amateur creative activities, to interpret how self-representation and exposition is useful and even essential, from semiological, phenomenological, archeological, anthropological and aesthetic points of view
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Okubo, Miki. "Exposition de soi à l'époque mobile-liquide". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080055.
Texto completoResumen
La réalisation de l’expression artistique n’a jamais été si « facile » qu’aujourd’hui, et les enjeux de la création n’ont jamais été si « banals ». Il existe divers moyens pour satisfaire nos désirs expressifs, tels des moyens traditionnels et contemporains. Malgré cette facilité, nous avons peu de possibilité pour devenir un artiste célèbre. Nous sommes aujourd’hui bien conscients de cette situation difficile jusqu’à ce que nous soyons même parfois désespérés vis-à-vis de ce nouvel environnement médiatisé.Cependant, selon les recherches archéologiques, cette situation n’est pas nouvelle ni particulière. L’art est depuis toujours un moyen possible pour surmonter des problèmes personnels. En cherchant une expérience partageable avec les autres, nous bénéficions de l’utilité de l’art pour sublimer la difficulté de la vie.Le monde caractérisé par sa nature « mobile » et « liquide », donne naissance à l’art contemporain qui met souvent en lumière la question de l’intimité. Sa signification est en fait liée à l’universalité, qui semble pourtant s’éloigner de la notion d’égoïsme et d’individualité.Cette thèse a pour but de considérer l’exposition de soi « plurielle » pratiquée à l’époque « mobile » et « liquide », afin de comprendre la véritable signification de l’acte expressif. À travers l’observation des réalisations artistiques telles la photographie, la mode, la littérature et d’autres créations, je fonde une étude sur l’esthétique de l’exposition de soi non seulement par les artistes mais aussi par les amateurs, pour interpréter son utilité des points de vue sémiologique, phénoménologique, archéologique, anthropologique et esthétiqueArtistic expression has have never been easier to carry out than today. Engaging in creation has even become a mundane, commonplace undertaking. We have a vast array of mediums available to us to satisfy our desire for self-representation, including traditional and modern medias and advanced technologies. Despite this ease of access to platforms for self-expression, creators have no chance of becoming a celebrated artist. Facing this truth during our everyday interactions online and with modern media leads us to feel rather disheartened with today's media environment. However, from historical point of view, today's context of creative work and exposition is neither new nor unique. Art has always been one possible way to process or overcome personal problems. In our search for shared experiences with others, art is useful in easing life's difficulties.Today’s world, characterized by its "fluid" and “mobile” nature, is giving birth to a contemporary art that often highlights the question of intimacy. Its significance is universal, while being distant from notions of egoism and individualism.This thesis aims to consider “plural” self-representations practiced in our “fluid” and “mobile” world, in order to better understand the importance of expressive acts. Through the careful study of artistic activities such as photography, fashion, literature and other domains, I present a study on self-representation and exposition, found in both professional and amateur creative activities, to interpret how self-representation and exposition is useful and even essential, from semiological, phenomenological, archeological, anthropological and aesthetic points of view
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Gouvrit, Montaño Florence. "Empathy and Human-Machine Interaction". The Ohio State University, 2011. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1313442553.
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Lutton, Alison Mary. "Authorship and the production of literary value, 1982-2012 : Bret Easton Ellis, Paul Auster, J.T. LeRoy, and Tucker Max". Thesis, University of Oxford, 2014. http://ora.ox.ac.uk/objects/uuid:3aa64675-73a2-42a8-be24-cb75f034e9de.
Texto completoResumen
Definitions of celebrity authorship and material textuality at the turn of the twenty-first century have predominantly emphasised the implicitly negative aspects of contemporary developments in the literary marketplace. Particularly prominent are arguments that the practice of authorship has become subject to homogenisation by the matrix of celebrity in which successful writers are now expected to function; and, further, that the changing nature of texts themselves and the ways in which they are marketed is eroding the implicitly superior position traditionally held by literature in the cultural marketplace. This thesis views such readings as pessimistic, and offers an alternative, seeking to formulate a new critical approach to literary value in the contemporary sphere which would appreciate notions of celebrity, populism, and digital mediation as integral and productive aspects of how literary value is formed today. Through in-depth focus on the cases of a number of unconventional contemporary American authors whose work demonstrates differing, innovative approaches to the process of authorship, this thesis exposes the ways in which contemporary, atypically ‘literary’ instances of writing can and do work within and develop beyond traditional conceptualisations of authorship and literary value. Bret Easton Ellis and Jay McInerney, largely critically considered prototypical ‘celebrity’ authors, are in the first chapter reconsidered as writers whose understanding of their position within the literary marketplace affords them a self-conscious, critical perspective on the notion of celebrity in their work and public personae. The productively self-conscious author-figure is reconsidered in the second chapter, which reads the individual and joint works of author Paul Auster and visual artist Sophie Calle as foregrounding the process of creative collaboration as uniquely illuminating and transformative within the contemporary literary sphere. The notion of dual authorship is revisited and reconceptualised in the third chapter, which considers JT LeRoy and the practice of hoax authorship, outlining how this process forces the reformulation of literary value, particularly in a contemporary setting in which authors are accountable for their work in newer, more visible ways. The final chapter expands these previously-introduced themes to consider bloggers-turned-authors, particularly Tucker Max and Julie Powell, and the impact of the merging of old and new textualities on both the orientation of the figure of the writer and the way in which value is attached to his texts by readers. Ultimately, the unconventional nature of these examples is shown to belie the universality of the representations of value they enact, contributing to a full and salient account of how literary value is determined at the beginning of the twenty-first century.
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Zanotto, Damiano. "Analysis and development of cable-driven robotic devices". Doctoral thesis, Università degli studi di Padova, 2011. http://hdl.handle.net/11577/3427530.
Texto completoResumen
The design of a mechanical system is often the result of an optimization process, aimed to obtain the best performances inside a given task space under fixed constraints.
Due to the unilateral actuation, cable-based devices possess specific features that make some of the tools commonly used in robotics completely unsuitable, thus requiring the definition of specific tools for analysis and design rules.
Even though several examples of geometrical, kinematic and dynamic performance indices have been introduced as analysis tools in the last years, only few authors proposed rigorous design methodologies. Traditional approaches seek to find the optimal set of design parameters by maximizing the robot capabilities inside a given reference workspace. However, since most of the properties of cable-based devices depend on both robot geometry (i.e., number and disposition of cable attachment points) and cable configuration (i.e., directions of cables in the end-effector reference frame), the capabilities of a given robot are extremely variable throughout the workspace. Thus, the structure of traditional devices often appears cumbersome if compared to the useful workspace they have been designed for.
The aim of this work is first to present a set of local, configuration dependent performance indices that properly characterize cable-based devices. Then, a new methodology is described to obtain effective, well-tailored designs. The formulated design paradigm takes advantage of the introduction of moving pulley-blocks, leading to the definition of a new class of cable devices defined as adaptive cable-based devices.
In the first half of this thesis, the new methodology is described in detail, and a numerical validation is performed by solving simple case-studies. In order to empirically validate the proposed methodology, the first prototype of Adaptive cable-based device has been designed and developed. The second half of this thesis deals with layout definition, mechanical design and control system design of the Sophia-3 prototype. Finally, results from the first experimental tests on the new device are reported.La progettazione di un sistema meccanico è spesso il risultato di un processo di ottimizzazione, il cui scopo è quello di massimizzare le performance all'interno di un dato workspace rispettando una serie di vincoli. A causa dell'attuazione unilaterale, i dispositivi cable-driven possiedono caratteristiche specifiche, cosicch è gli strumenti di analisi tradizionalmente impiegati in robotica risultano inadeguati o poco efficaci. Di qui la necessità di definire indici di analisi e metodologie di progettazione specifici. Sebbene siano stati sviluppati nel corso degli anni svariati indici di performance (geometrici, cinematici e dinamici), solo pochi autori hanno finora proposto metodi di progettazione rigorosi. Negli approcci tradizionali, lo scopo è quello di determinare il set di parametri di progetto che massimizza le performance del dispositivo all'interno di una data regione dello spazio di lavoro. Tuttavia, poichè molte delle proprietà dei dispositivi cable-based dipendono sia dalla geometria del manipolatore (numero di cavi, disposizione delle pulegge alla base, ecc..) sia dalla disposizione dei cavi (cioè dalla direzioni assunte dai cavi rispetto all'end-effector), le performance di un manipolatore risultano estremamente variabili all'interno dello spazio di lavoro. Di conseguenza, l'ingombro complessivo di un robot cable-driven risulta spesso decisamente maggiore rispetto allo spazio di lavoro per il quale è stato progettato. Lo scopo di questo lavoro consiste dapprima nel presentare un set di indici di performance locali, in grado di caratterizzare le proprietà principali di un dispositivo. Successivamente, viene presentata una nuova metodologia di progettazione basata su questi indici, che permette di ottenere soluzioni progettuali più efficaci, cioè sviluppate su misura in base alle specifiche. La metodologia proposta si basa sull'introduzione di passacavi mobili, ed ha condotto alla definizione di una nuova classe di dispositivi cable-based denominati adattativi. Al fine di validare numericamente la procedura, nella prima parte di questa tesi vengono presentati alcuni semplici esempi di progettazione. Allo scopo di dare una validazione empirica alla metodologia introdotta, è stato inoltre progettato e sviluppato il prototipo Sophia-3, primo esempio di sistema a cavi adattativo. Nella seconda parte di questa tesi viene presentato il prototipo, descrivendone il layout, la progettazione meccanica e l'architettura del controllo. Vengono inoltre presentati i primi risultati sperimentali dei test effettuati sul nuovo prototipo.
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Nieto, Sánchez Varinia. "¿De qué hablamos cuando todavía hablamos de amor?: teorías, representaciones y narrativas sobre el amor en la modernidad tardía". Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2013. http://hdl.handle.net/10803/127191.
Texto completoResumen
Esta tesis se pregunta sobre las figuras, ideas y conceptos que envuelven y articulan los discursos sobre el “amor”, sobre los sentimientos, ideales y relaciones “de amor” en las sociedades occidentales en la “modernidad tardía”. El amor es pensado aquí como signo de un proceso cultural asociado a una crisis de valores morales y religiosos, al descentramiento del sujeto y en el contexto de las transformaciones sociales e ideológicas que han modificado paulatinamente los modos de vida de Occidente a lo largo del siglo veinte, y en particular desde los años sesenta. En primer lugar, la noción de “amor” es estudiada desde los argumentos que han desarrollado psicoanalistas, sociólogos, historiadores y filósofos descubriendo así la complejidad de un tema que adquiere diversos matices desde estas diferentes visiones. El enfoque sobre el amor privilegiado en esta tesis consiste en rescatarlo no sólo como un objeto de conocimiento, sino también como una experiencia que exhibe una lógica irreductible a la teoría. Por ello la segunda parte se centra en la interpretación de la vivencia amorosa en dos artistas: Nan Goldin y Sophie Calle. Con ello esa búsqueda de una moralidad y una historicidad se plasma en narrativas e imaginarios concretos y a la vez abiertos a la infinitud de lo singular.This thesis questions the figures, ideas and concepts, which surround and create the discourses on the love, emotions, ideals and relationships of love in western societies of the “late modernity”. Love here is considered as a sign of a cultural process associated with moral and religious values crisis. The whole process is seen in the context of social and ideological transformations, which have gradually modified ways of life in the western world throughout the 20th century, especially since the sixties. In the first place the notion of love is explored from the point of view of psychoanalysts, sociologists, historians and philosophers discovering the complexity of the theme. The focus on the privileged love in this thesis consists of rediscovering it not only as an object of knowledge but also as an experience which can’t be reduced to theoretical concepts. Therefore the second part is focused on the interpretation of love experience in the work of two artists: Nan Goldin y Sophie Calle.
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Latry, Magalie. "Confrontations artistiques et féministes aux hiérarchies du genre". Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30013/document.
Texto completoResumen
Polysémie du genre : il définit le sexe social comme les genres artistiques. Une même logique de classement hiérarchique y serait-elle à l’œuvre ? Les conditions d'exercice des femmes artistes, dont un stéréotype veut qu'elles se cantonnent aux genres dits mineurs, permettent de le penser. Corollaire de cette question logique, celle de la concomitance historique : les genres artistiques sont-ils mis en question aux mêmes moments que ce que l'historiographie féministe nomme les « trois vagues » ? Sept œuvres particulières nous aideront à penser les confrontations aux hiérarchies du genre à l'âge classique et aux moments des trois vagues féministes : Nature morte aux abricots, de Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, de Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, de Camille Claudel, 1893, Autoportrait de Claude Cahun, 1928, Tir de Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, de Gina Pane, 1973, Le Régime chromatique, de Sophie Calle, 1997. En dépit de progrès – notion qui est questionnée plutôt que considérée comme acquise – certains traits attribués aux femmes artistes perdurent. Un regard transversal voit émerger les thèmes d'une hiérarchie toujours à l’œuvre. Ils sont de l'ordre du stigmate : elles sont toujours un peu folles, cuisinières, coquettes, médiocres, sorcières, définies et gouvernées par leur sexe. Le genre, tant qu'il n'est pas interrogé en tant que tel, semble être la garantie de la permanence de ces stigmates. Resterait donc à le contourner : par les textes, le corps (corps représentés, corps des images, corps des artistes), et par le cœur même de la pratique plastique, le rapport de l'artiste à la matière : la plasticitéThe French word genre has several meanings, including an artistic genre, but also gender – the social traits associated with one sex. Does it follow that the same hierarchy-based systems are at work in both fields of art genre and social gender? Anyone is allowed to conclude so, who considers the practising conditions of women artists, whom a stereotype accuses of restraining their work to so-called minor genres. As a consequence, the issue of historical simultaneity arises: were artistic genres questioned at the same periods as what feminist historiography calls “the three waves”? This thesis focuses on seven specific art pieces so as to examine how gender-related hierarchy systems were confronted in classicism and during each period concerned by the three feminist waves: Nature morte aux abricots, by Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, by Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, by Camille Claudel, 1893, Autoportrait by Claude Cahun, 1928, Tir by Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, by Gina Pane, 1973, and Le régime chromatique, by Sophie Calle, 1997. Despite a number of improvements – a notion which is questioned rather than acknowledged – certain features are persistently attributed to women artists. A crosswise look at their work reveals that the patterns of hierarchy are still operating. These features are a matter of stigma: woman artists are inevitably unhinged creatures, cooks, coquettes, mediocre artists or even witches, and always defined and driven by sex. Gender, as long as it isn’t questioned as such, seems to be serving as a guarantee for the permanence of those stigmas. One could try to get around the gender issue, using texts, bodies (represented bodies, bodies of images, bodies of the artists), and the very core of plastic practice, the relationship between the artist and the material: plasticity
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Morissette, Jessica. "Feu, suivi de Sophie Calle : soi en négatif". Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11129.
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Feu est un recueil photo-textuel autofictionnel dans lequel j’ai revisité des souvenirs amoureux suite à un incendie qui a tout rasé. À travers de brefs épisodes, j’ai tâché de transmettre les différentes émotions éprouvées pendant le deuil et de mettre en avant mon obsession pour le feu et mon ancien compagnon. Le ressassement égocentrique de souvenirs amène à un profond mal-être, puis se résorbe un peu lorsque vient une ouverture aux autres, mais demeure inachevé. Les photographies servent à illustrer le texte, à donner une autre dimension à l’autobiographie. Elles participent aussi à l’exposition de la solitude.
En plus de certains intertitres qui font un clin d’œil à l’œuvre de Sophie Calle, je me suis inspirée de certains de ses traits caractéristiques. Sophie Calle: Soi en négatif est un essai portant sur la performance de soi. Il y est question de pacte autobiographique, d’intertextualité, d’altérité, de deuil et d’absence. Je tente d’esquisser comment elle s’y prend pour s’exposer. Non seulement elle exploite les aspects négatifs de sa vie et de celle des autres, mais elle se révèle par des intermédiaires, que ce soit d’autres personnes ou des documents. Ses mots et ses photos développent en quelque sorte la vie contenue dans ses archives personnelles. Lorsqu’elle s’expose, l’art dépasse la littérature, le cinéma, l’entrevue et la photographie pour devenir une performance de soi, en négatif.Feu is an autofictional photo-text collection in which I revisited memories from a past relationship after a fire destroyed everything. Among a serie of short episodes, I tried to transmit the different emotions felt while mourning and to show my obsession for both the fire and my ex companion. I kept turning over souvenirs in a self-centered way until it lead to a deep emotional uneasiness. It started resorbing the moment an opening to others was made, but never ended. Pictures are used to illustrate the words as well as to participate in the exposure of loneliness. In addition to a few sub-headings relating my project to Sophie Calle’s work, I tempted to recuperate some of her characteristic traits. Sophie Calle: Soi en négatif is an essay about the self-performance. It involves an autobiographic contract between the performer and the public, a network of intertextuality and in this case, specific concepts like otherness, mourning and absence. I tried to show how she managed to expose herself by the negative. Not only does she take advantage of the most painful negative moments of her life and the ones of others, but she also reveals herself only through documents or others. In a way, her words and her photos develop her life contained into her personal archives. When she exposes herself, art blows way beyond literature, cinema, interviews and photography to because a self-performance, in negative.
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Thibault, Kathleen. "Doubles-jeux de Sophie Calle : le livre comme espace ludique". Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/7274.
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Lacroix, Marie-Claude. "À suivre... de Sophie Calle : construction autobiographique d'une artiste singulière". Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/16148.
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Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de certains documents visuels et audio-visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.
To respect the reproduction rights and copyrights, the electronic version of this thesis was stripped of images and audiovisuals. The integral version has been left with Documents Management and Archives Service at the University of Montreal.Selon la sociologue Nathalie Heinich, l'éclatement actuel des pratiques artistiques a profondément modifié les stratégies de singularisation qui constituent, depuis Van Gogh, un impératif incontournable pour l'artiste moderne. Un des changements concerne la personne de l'artiste, qui se prend fréquemment lui-même pour sujet de ses oeuvres. Beaucoup de pratiques contemporaines, notamment celles qui adoptent le mode de la performance, reposent en effet sur des mises en scène de soi et servent de prétextes au déploiement de mythologies personnelles. Sophie Calle appartient à cette tendance puisque sa production opère un brouillage systématique entre sa vie et son art, entre la vérité et l'invention. Son oeuvre se développe sous l'égide des doubles jeux: chassés-croisés de moyens de diffusion (expositions/livres d'artiste), de médiums (performances/documents visuels), de voix auctorielles entremêlées (Calle/Auster). Prenant appui sur À suivre..., une publication qui reprend, en les complexifiant, des performances antérieures basées sur des opérations de filature (Suite vénitienne et La filature), le présent mémoire s'inspire des écrits de Philippe Lejeune et de Vincent Colonna pour débusquer la pulsion autofictionnelle à l'oeuvre dans ce type de projet à prétention autobiographique. Les ruses intertextuelles, incluant les discordances entre l'écrit et l'image photographique, servent à illustrer le propos. En s'inspirant des considérations de Maxence Alcalde sur l'artiste opportuniste, qui constitue selon cet auteur un des modèles du créateur contemporain, le mémoire examine la distance qui s'est instaurée entre cette figure et celle du Grand Singulier incarnée à l'origine du modernisme par Vincent Van Gogh.
Nathalie Heinich examines how the current diversity of artistic practices deeply modified the way artists singularise and assert themselves on the contemporary art scene. Going back to Van Gogh, the figure of the artist itself has taken precedence over the work, notably in the literature created by critics and biographers, despite the fact that the works themselves may very well be self-referential. A number of contemporary practices, notably those emanating from performance art, rely on a theatricalisation of the self, a mythologisation even. Among them, Sophie Calle constantly blurs the distinction between art and personal life, between fiction and reality. Her work entails various double games such as media and medium crossovers (exhibition/artist book; performance/visual documentation), recycling, publicity stunts and blurrings of authorship. This thesis examines À suivre…, a book by the artist that refers to previous performances (followed by exhibitions) on her favorite theme of tracking (Suite vénitienne and La filature). Philippe Lejeune and Vincent Colonna’s arguments are summoned to highlight the fictional impulse that inhabits works with an autobiographical pretension – writing strategies and play between illustrations (photographs) and text in Calle’s production demonstrate that. In light of Maxence Alcalde’s theorisation of the opportunistic artist, a figure he considers to be emblematic of the contemporary art scenes and markets, a great distance is revealed with Heinich’s Grand Singulier, a paradigmatic figure of the modernist artist.
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Bouchard, Pascale. "Le visible et l'invisible chez Sophie Calle : variations autour du seuil". Mémoire, 2012. http://www.archipel.uqam.ca/4497/1/M12335.pdf.
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Sémiologue, critique et écrivain, Roland Barthes fut l'instigateur d'une nouvelle forme de critique qui s'appuie sur une logique propre au texte. Avec Le Plaisir du texte en 1973, Fragments d'un discours amoureux en 1977 et La chambre claire en 1979 entre autres, Barthes transforme les liens entre le romanesque et la théorie. Dans La chambre claire, le penseur tente de comprendre comment une simple image peut créer et nourrir des sentiments. Ces sentiments, que Georges Didi-Huberman attribue il ce qu'il nomme la scission du regard, troublent la vision du spectateur jusqu'à le questionner et à l'interroger sur sa propre mort. Le seuil investi entre le visible et l'invisible par exemple, ou plutôt le constant franchissement de ce seuil, constitue la brèche d'où le regard se scinde et inquiète. Nous nous servirons des fondements théoriques de cette approche afin de voir comment L'hôtel, Les dormeurs, Suite vénitienne et La filature de Sophie Calle parviennent à mettre en scène l'oscillation, la confrontation et le mélange entre ce qui est visible et ce qui est invisible, produisant un effet captivant et questionnant. Deux figures qui cristallisent ce vacillement seront étudiées afin de cerner deux variations relevant de la dynamique visible/invisible, à savoir la présence et l'absence, et l'apparition et la disparition. La première figure, l'empreinte, possède la capacité de montrer à la fois la présence et l'absence des individus de passage dans les chambres de L'hôtel et des Dormeurs. La deuxième figure, la trace, permet de comprendre les deux actants des jeux d'espionnage, à l'œuvre dans Suite vénitienne et dans La filature, comme des êtres qui apparaissent et disparaissent tout à la fois. Cette étude tente ainsi de comprendre comment la scission du regard opère à travers les phototextes calliens et cherche à montrer comment chacun de nous peut être happé devant une image dialectique.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : visible, invisible, scission du regard, seuil, empreinte, trace
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Wroblewski, Ania. "La vie des autres. Sophie Calle et Annie Ernaux, artistes hors-la-loi". Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/10549.
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Cette thèse porte sur les transgressions discursives, esthétiques et sociales de la frontière entre la vie privée et la vie publique effectuées par les créatrices françaises contemporaines Sophie Calle et Annie Ernaux. Dans une perspective féministe qui s’appuie sur les théories du quotidien, la thèse pose les questions suivantes : quelles libertés peut se permettre la femme-artiste ou l’écrivaine aujourd’hui ? Où, comment, et par qui se dessinent les limites éthiques de la création ? À la lumière des représentations souvent stéréotypées de la femme criminelle, le premier chapitre dégage de la réception des œuvres de Calle et d’Ernaux les « crimes » – entre autres, d’obscénité, d’impudeur et d’indécence – dont elles ont été accusées par la critique. Les trois chapitres suivants ciblent les diverses manières subversives et innovatrices dont Calle et Ernaux déjouent les perceptions acceptées de la féminité pour s’assurer la liberté totale en création : elles se construisent en flâneuses maniant la photographie ou l’écriture photographique comme une arme, en amoureuses blessées qui se vengent de leurs amants, et en théoriciennes manipulant les modalités de leur propre inscription dans les canons littéraires et artistiques. Cette thèse analyse au fil des chapitres les échos des œuvres de Calle et d’Ernaux au plan social, insistant sur le rapport fécond qui existe entre l’œuvre d’art et son cadre, interrogeant l’ethos de l’artiste et celui de l’art. Sophie Calle et Annie Ernaux répondent avec force à la nécessité de se positionner autrement face à l’art en tant que femme, notamment, en proposant l’art et l’écriture comme hors la loi. La conclusion étudie dans cette optique le phénomène récent de la « judiciarisation » de l’art. En examinant certains procès intentés depuis 2010 à des artistes, des écrivaines, des commissaires d’exposition et des maisons d’édition françaises, cette thèse questionne finalement les risques et les violences de la représentation tels qu’ils sont désignés par la loi.This dissertation analyzes how contemporary French artist Sophie Calle and contemporary French writer Annie Ernaux transgress the discursive, aesthetic, and social boundaries between public and private life. Taking a feminist perspective and drawing on theories of everyday life, this dissertation asks: what liberties are the female artist and writer permitted today? Where, how and by whom are the ethical limits of creative practice established? In light of often stereotypical literary and artistic representations of the female criminal, the first chapter examines the accusations of obscenity, shamelessness and indecency levelled against Calle and Ernaux by their critics. The following three chapters identify the diverse, innovative and subversive ways in which Calle and Ernaux question accepted perceptions of femininity in order to seize creative freedom: they assume the distinct and tactical positions of flâneuses, heart-broken women avenging their ex-lovers, and theorists manipulating the reception of their own works. Together, these four chapters trace the artwork’s resonance in the public sphere, insist on the fruitful relationship that exists between a work of art and its frame, and consider the ethos of the artist as well as that of art. Sophie Calle’s and Annie Ernaux’s practices suggest that in order to achieve creative autonomy, art and writing must function outside of the constraints of moral, ethical, social and even civil laws. By examining instances in which artists, writers, curators and publishing houses have been subject to lawsuits in France since 2010, the conclusion of this dissertation studies a recent increase in the litigation of art and outlines some of the limits of representation as defined by the law.
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JHUANG, Yi-Syuan y 莊憶萱. "The Dual Muse of the Imagination: Sophie Calle''s True Stories". Thesis, 2012. http://ndltd.ncl.edu.tw/handle/39655342920321366574.
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碩士國立中央大學
藝術學研究所
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From 1978 Sophie Calle created the series of Les Autobiographies which was published in a small-format book, entitled Des histories vraies (True Stories) by Actes Sud in 1994. The book comprised of 26 short stories. At the same time Des histories vraies were displayed in two separate panels on the wall in Sollertis Gallery in Toulouse. Through the passage of time, it has been re-edited, and has evolved to different designs for the special exhibitions or on the occasions of receiving awards. My thesis focuses on the publication of Des histories vraies and addresses the following questions: what is its context? Could it be the work of art by itself? Deriving from notebooks, Les Autobiographies and Des histories vraies always present one image facing one text on double-sided pages (recto-verso) independently, and the stories are not arranged in the chronological order. As a result, the double-sided pages become the typical characteristic of the work, but this book form does not resemble illustrated books. The image and the text cannot be separated from each other, so my thesis aims to analyze and interpret the context and meanings of this photo-text work. In the first chapter, I explore the nature of contemporary artist’s books. From the 1960s to the 1970s, Conceptual and Fluxus artists searched for a proper method to document the process of the Happenings and the performance work. At the same time, photography demanded to be considered as art too, and this led to the development of art in the form of document. Some artists started to choose the book as a carrier of works, and adopted the form of popular publications and the ready-made of industrial reproductions at affordable prices to reach different readers. In the second chapter, I apply narratology to analyze the reception of the photo-text which implicates popular magazines or the television news (tele-reality). Especially through the first-person narration, the text helps to bring about a witness’s subjective experience, self-representation, and memory. The first-person narration compromises “truth” and “stories” which could contradict each other. However there is always a gap in the time during the post production of the photos and the use of self-mocking words make readers confused and underline the unstable relation in the photo-text. As Des histories vraies was re-edited and added stories, the author’s journey of life was unfolded. In the last chapter I discuss the evolution of the work as a site-specific exhibition in the Sigmund Freud Museum, Appointment with Freud. This project presented double visions and polyphonic narrations through the integration of different people’s life stories. In conclusion, Des histories vraies sets an example of the dual nature in photo-text which characterizes Calle’s works and opens the reader’s double visions: one image facing one text in double-sided pages may induce the reader’s personal thinking which reverses the visual convention. Words question the reality constituted by the indexicality in photographs. Due to the duality in Des histories vraies I interpret the photo-text narration as the disposition of camera lucida which the artist sees both the scene and drawing surface simultaneously and which the artist needs comparing its dual imaging between the real and the representation of the object. In other words, Des histories vraies in the double-sided pages can provide us the dual muse which realizes the imagination of the photo-text stories.
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"Imagen fotogr¨¢fica y textualidad. La obra Wright Morris, Duane Michals y Sophie Calle". Universitat Pompeu Fabra, 2009. http://www.tesisenxarxa.net/TDX-0213109-123124/.
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Gourde, Marie-Claude. "Simulacres d'une mémoire de soi : archive, deuil et identité chez Sophie Calle et Catherine Mavrikakis". Mémoire, 2009. http://www.archipel.uqam.ca/2509/1/M11086.pdf.
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Selon son étude des diverses expériences du temps et sa réfléxion sur le concept de lieu de mémoire de Pierre Nora, François Hartog présente notre époque comme marquée par un présent perpétuel et multiple qu'il nomme « présentisme ». À partir de cette définition, il est possible de suivre les effets de cette appréhension du temps dans la logique du témoignage et des écrits de soi, plus particulièrement l'autofiction comme espace d'expérimentation d'une mémoire qui se construit à partir des possibilités du simulacre. Les oeuvres Douleur Exquise et Des histoires vraies + dix de Sophie Calle et Deuils cannibales et mélancoliques de Catherine Mavrikakis sont le point d'ancrage de cette étude qui prend comme base analytique la fascination contemporaine pour une identité élective fondée sur une mémoire faite de réel et de fictif. Avec l'utilisation de l'archive, document ayant valeur de témoignage historique, Sophie Calle met en scène une mémoire qui pluralise les traces de sa défaillance pour inscrire en creux l'absent. Ainsi, c'est à partir de la construction archivistique qu'il est possible d'aborder le récit comme stratégie de l'oubli autant que pratique de la remémoration. De ce point de vue, l'oeuvre entière est engagée dans un dialogue temporel irréductible à l'événement passé. Aussi à la recherche des traces de l'oubli et de la perte, Mavrikakis énonce, contrairement à Calle, une parole plus subjective marquée par la répétition du deuil et la réécriture de ces morts. Alors que la mémoire mobilise cette parole, la prosopopée agit comme la seule voix possible qui crée une sépulture de la perte. L'écriture se trouve alors travaillée par un présent cannibalisé et saturé des deuils à faire; l'oeuvre s'écrit enfin pour qu'enfin une crypte puisse s'élever. Cette étude tente ainsi d'établir une équation entre
l'inquiétude mémorielle contemporaine marquée par une nouvelle conception du temps et l'attrait pour les écrits de soi qui agissent comme le lieu d'une mémoire individuelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mémoire, Présentisme, Autofiction, Deuil, Identité.
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Guilmaine, Anne-Marie. "L’empreinte d’une expérience performative en littérature : le cas de Sophie Calle et de Miranda July". Thèse, 2015. http://hdl.handle.net/1866/16117.
Texto completoResumen
Le présent mémoire propose de croiser les démarches de deux auteures et artistes contemporaines, Sophie Calle et Miranda July, dont les quatre œuvres à l’étude – Douleur exquise (2003), Aveugles (2011), Rachel, Monique (2012) de Calle et Il vous choisit (2013) de July – se fondent sur des expériences en amont de l’écriture qui mobilisent le corps même des auteures, les engagent dans une action concrète et, bien souvent, dans des interactions avec autrui. Cet art de la contrainte, cet art action qui devient le sédiment de leurs écrits s’inscrit dans la filiation hypothétique des théories du philosophe pragmatique John Dewey et de celles de l’artiste Allan Kaprow – l’un des premiers à réfléchir l’art de la performance. L’écriture intermédiale qu’elles pratiquent – ce jeu de relations entre différents médias au sein même de l’œuvre – permet à la fois de réactiver la valeur performative de l’expérience qui a impulsé la création littéraire et d’embrayer une expérience de lecture qui devient elle-même performative. Exemplaires d’une esthétique relationnelle, polyphoniques dans les voix qui s’expriment, les quatre ouvrages du corpus donnent à sentir le bruissement d’une communauté. Il s’agit d’une littérature interdisciplinaire et intersubjective, mais surtout performative dans son questionnement incessant sur le pouvoir de l’art pour transformer la vie.This master’s thesis proposes to establish a dialogue between the practices of two contemporary writers and artists, Sophie Calle and Miranda July. The four studied pieces of work – Calle’s Douleur exquise (2003), Aveugles (2011) and Rachel, Monique (2012) and July’s Il vous choisit (2013) – are based on concrete experiences occurring beforehand, prior to the act of writing itself. Those experiences mobilize the body of the writers engaging them in a real action and often in interactions with other people. This form of action art becomes the foundations of their writing and could be linked to the theories of pragmatic philosopher John Dewey and artist Allan Kaprow – one of the first to develop a reflexion on performance art. The intermedial writing that Calle and July practice as a game of relations between different medias in the same work allows both artists to revive the performative value of the experience. It impulses the writing and initiates a reading experience which itself becomes performative. Exemplary of a relational aesthetic, polyphonic in the voices that are expressed, the studied body of work reveals glimpses of community to feel and experiment. It is a literature that is interdisciplinary and intersubjective but primarily performative in its constant questioning of art’s capacity to transform life.
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Gallant, Line. "Sophie Calle à l'épreuve du temps et de l'autre : lecture phénoménologique des Dormeurs, Double blind et Douleur exquise". Mémoire, 2012. http://www.archipel.uqam.ca/4903/1/M12497.pdf.
Texto completoResumen
Orientée vers « l'art en action », la démarche de Sophie Calle se caractérise notamment par des interventions perpétrées dans l'espace du temps présent et investit des questions relatives à une temporalité sous tension. Les projets Les Dormeurs, Double Blind et Douleur exquise, qui sont les points d'ancrage de cette étude, investissent tous un segment temporel donné dans lequel, par ailleurs, autrui est convié à participer, et qui sont les conditions par lesquelles l'artiste en arrive à transiger une part de son identité personnelle et artistique. Ainsi, c'est par des sorties « hors des sentiers connus de soi » que Sophie Calle se met littéralement à l'épreuve du temps et de l'autre. À partir de la Phénoménologie de la perception de Merleau Ponty où le temps, compris comme une « forme a priori de sensibilité », constituée d'un « réseau d'intentionnalités », il est possible de déceler chez Calle un rapport inquiet à la nature fuyante et hachurée du temps. Aussi, c'est depuis la conception narrative de l'identité développée par Ricœur, qui offre une saisie dynamique des enjeux identitaires, que la question de la médiation de l'expérience vécue est abordée, nous permettant ainsi de décrire le rapport ambivalent de Sophie Calle à l'altérité.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : temporalité, intentionnalité, autobiographie, identité narrative, altérité
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Camacho, Sandra Gonçalves 1986. "Imagem de arquivo : entre a ficção e a realidade". Master's thesis, 2010. http://hdl.handle.net/10451/3369.
Texto completoResumen
Tese de mestrado, Arte e multimédia - audiovisuais, Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas Artes, 2011This theoretical and practical dissertation is based on Archive Footage. I will then explore not only this concept but also I will analyse its documental and fictional functions. The starting point for this work was an advertisement of the singer Max in which my mother participated. Thus being the video that forms the practical side of the dissertation, O Dia em que Max desceu a rua, tries, in the beginning, to reconstruct the events that took place that day continuing later to register the several stories that create a family History through the use of Archive Footage. In the theoretical side I will analyse the concepts of Archive Footage, Archive, Collection, Documentary Film, Fictional Film and Editing. There will be a study of the Documentary Film, the Fictional Film and their application of Archive Footageand the use of Editing in their construction. There will be also an investigation on the differences and similarities between Documentary Film and Fictional Film. Taking this into consideration, there will be an analysis of some of the works of the artists Péter Forgács, Sophie Calle, Michael Sucsy, Morgan Dews and Daniel Blaufuks that used Archive Footage and/or explored the relationship between fiction and reality. Finally there will be a study on the practical side of the dissertation – O Dia em que Max desceu a rua – relating it to the previous concepts
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Fexa, Leduc Isabelle. "L'art contemporain à l'ère des glissements du privé vers le public : pour une relecture de la vie privée". Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11584.
Texto completoResumen
Ce mémoire de maîtrise porte principalement sur les œuvres des artistes Sophie Calle, Sylvie Cotton, Donigan Cumming, Martin Dufrasne et Marc-Antoine K. Phaneuf. L’objectif de cette recherche est d’observer les différents allers-retours qu’ils effectuent dans leur pratique entre la sphère privée et la sphère publique et qui problématisent notre rapport à l’intimité.
Dans le premier chapitre, je déterminerai ce qui caractérise respectivement l’espace public et l’espace privé, pour ensuite cibler les lieux et les figures de l’intime. Dans le deuxième chapitre, seront étudiés les gestes et les méthodes d’appropriation de la sphère privée par les artistes à l’aide de la pratique de la collection, la pratique ethnographique ainsi que la pratique de la surveillance. L’impact de ces pratiques sur l’investissement de l’artiste dans la durée est relevé, ainsi que leur inscription dans un art dit contextuel. Enfin, je terminerai par une réflexion sur ma propre pratique, en considérant ce qui l’apparente et la distingue des artistes étudiés dans celui-ci.This Master’s thesis deals with the works of artists Sophie Calle, Sylvie Cotton, Donigan Cumming, Martin Dufrasne, and Marc-Antoine K. Phaneuf. The objective of this research is to observe the back and forth explored by the artists in their practices between the private and the public sphere and how these problematize our relationship with intimacy. In the first chapter, I will determine the elements that respectively characterize the public and the private space, and then find the places and forms that define intimacy. In the second chapter, I will examine the private sphere's appropriation gestures and methods employed by the artists through a study of collecting, ethnographic, and surveillance practices. I will underline the impact of such practices on the artists' investment in time and their implication in contextual art. Finally, I will deliberate on my very own practices, considering how they differentiate or resemble the practices of the artists studied in this memoir.
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McGarry, Llewellyn Ane. "Beyond the Immeasurable". Phd thesis, 2018. http://hdl.handle.net/1885/149566.
Texto completoResumen
My thesis, Beyond the Immeasurable, is a biographical exploration
of my collective: my ex-husband and three children. My method is
based in collecting. The outcomes of my research are works of art
developed from material sourced, classified, and collected in my
domestic environment.
Over the four years of research, I collected specimens, personal
matter, empirical data, and found objects. It ranged from
evidence of the body (hair, teeth, food scraps, and saliva),
soundscapes from within the home (audio recordings of the
collective during interactions), documented performances, and
statistical/empirical data of interactions (dates, times,
durations). My practice engaged with a number of themes and
theories including collecting practices, interpersonal
contamination, domestic space, feminist art and craft, and
identity as well as contextualising my research amongst artists
such as Sophie Calle, Annette Messager, and Louise Bourgeois. In
the end, it became the evidence of our lives and experiences. As
the project progressed, the research evolved to focus on defining
who I was, my role within the collective, and, despite the
collective’s demise, ultimately, the project was about love.
The research outcomes encompass a collection of sculptural,
photographic, performance and video pieces.
I found, in response to my aims, my practice-led research had
become a narrative which gave me a sense of self, place, and
belonging. These collections and the proceeding works resulted in
a demonstration of a metaphorical fusion of identities,
establishment of relationships within the collective,
consolidation of different personas and facets of my life, and
the development and redefinition my visual arts practice. The
most surprising discovery, was the redefining of my role as a
mother and the acceptance of this expressed through feminine
craft with materials I collected from my own domestic space, my
home.