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Articles de revues sur le sujet « Accessibilité des œuvres d'art »

Auteur : Grafiati
Publié le 10 mai 2025

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1

Chateau, Dominique. « Toutes les œuvres exposées ne sont pas des œuvres d'art, toutes les œuvres d'art ne sont pas exposées ». Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 3, no 1 (1998) : 111–20. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.1998.1148.

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2

Devillers, Jean-François. « L'essentialisme au pays des œuvres d'art ». Le Philosophoire 53, no 1 (2020) : 189. http://dx.doi.org/10.3917/phoir.053.0189.

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3

Gorine, Ivan. « La restauration des œuvres d'art en URSS ». Museum International (Edition Francaise) 20, no 2 (24 avril 2009) : 116–23. http://dx.doi.org/10.1111/j.1755-5825.1967.tb01733.x.

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4

MAMADI, Robert. « La consécration politique des oeuvres littéraires : quels impacts sur l'éducation ? » Non Plus 7, no 14 (20 décembre 2018) : 254–75. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-3976.v7i14p254-275.

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Résumé :
La littérature tchadienne est l’une des plus riches en Afrique. La consécration politique de ses œuvres est d’une importance capitale au CNC. Nous avons étudié le processus d’insertion des œuvres au programme pour voir si cela permet de bien consommer la production locale. Résultats : Une seule personne manage les commissions spécialisées d’insertion des œuvres au programme ; les critères de sélection des œuvres liés à la disponibilité des ouvrages, à leur possession par les membres de la commission de sélection et à leur accessibilité en termes de coût posent problèmes ; la consécration politique ne concerne que des œuvres en réalité bien reçues, or ici le fonds et la forme sont discutables ; aussi, sur 115 textes au programme des cycles moyen et secondaire, 23 seulement sont tchadiens parmi lesquels 6 sont visibles mais pas toujours enseignés dans beaucoup d’établissements. La qualité de l’enseignement prend le coup. Une résolution de ces problèmes s’impose au CNC.
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5

Clouteau, Ivan. « Activation des œuvres d'art contemporain et prescriptions auctoriales ». Culture & ; Musées 3, no 1 (2004) : 23–44. http://dx.doi.org/10.3406/pumus.2004.1186.

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6

Dupouy, J. M. « Les rayons X et l'étude des œuvres d'art ». Le Journal de Physique IV 06, no C4 (juillet 1996) : C4–791—C4–808. http://dx.doi.org/10.1051/jp4:1996477.

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7

Cannon-Brookes, Peter. « Le transport des œuvres d'art : diversifier les strategies ». Museum International (Edition Francaise) 47, no 2 (24 avril 2009) : 55–59. http://dx.doi.org/10.1111/j.1755-5825.1995.tb00675.x.

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8

Haskell, Francis. « Michelet et l'utilisation des arts Plastiques comme sources historiques ». Annales. Histoire, Sciences Sociales 48, no 6 (décembre 1993) : 1403–20. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1993.279222.

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Résumé :
L'importance de Michelet dans l' élargissement des sources mises à la disposition des historiens est reconnue depuis longtemps par ceux qui lui ont succédé au xxe siècle, et dans cette perspective, on a évoqué parfois brièvement certaines de ses considérations spécifiques sur les arts. Mais à ma connaissance, il n'existe pas de commentaire critique qui prenne en compte la totalité de ses diverses manières d'aborder les œuvres d'art. A vrai dire, un tel projet n'est devenu possible que grâce à la publication très récente de l'intégralité du Journal de Michelet. C'est parce que certaines des innovations les plus audacieuses proposées à la méthodologie historique par le plus audacieux des historiens ont encore aujourd'hui une portée directe sur la pratique et la recherche communes, qu'il peut être utile d'indiquer quelquesunes des voies d'une telle enquête et de souligner que celle-ci n'aura de validité que si elle est fondée, dans les limites du possible, sur une étude scrupuleuse des œuvres d'art examinées par Michelet.
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9

Méndez, Lourdes. « Du Guernica au Gure Aitaren Etxea Et à la Paloma de la Paz. Oeuvres d'art, artistes et enjeux politiques au Pays Basque espagnol ». Article hors thème 19, no 3 (10 septembre 2003) : 199–217. http://dx.doi.org/10.7202/015375ar.

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Résumé :
Résumé Du Guernica au Gure Aitaren Etxea et à la Paloma de la Paz Œuvres d'an, artistes et enjeux politiques au Pays Basque espagnol Depuis 1987, mener le Pays Basque espagnol vers la paix est un objectif que proclament les nationalistes basques « traditionnels » et « radicaux » sans qu'ils s'entendent sur les moyens à mettre en œuvre pour y parvenir. L'absence d'un accord entre eux transparaît lors de confrontations politiques pendant lesquelles des œuvres d'art soigneusement choisies leur serviront de bannière symbolique. Ces choix rendent compte de la complexité des interactions entre l'art et la vie sociale et laissent entrevoir comment les acteurs sociaux qui créent des événements culturellement significatifs réexaminent l'ordre culturel et produisent des interprétations divergentes d'une même œuvre d'art. En partant des concepts de « champ de production» et d' « espace esthético-rituel », nous essaierons de saisir les objectifs que poursuivent les nationalistes « traditionnels» et « radicaux » au cours des événements qui marquent le Pays Basque entre 1987 et 1995, et pendant lesquels ils se confrontent symboliquement à travers le Guemica, le Gure Aiteren Etxea et la Paloma de la Paz.
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10

Loyer, Emmanuelle. « Œuvres d'art et archives, enjeux de guerre et d'après-guerre ». Revue d’histoire moderne et contemporaine 54-3, no 3 (2007) : 179. http://dx.doi.org/10.3917/rhmc.543.0179.

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La Genière, Juliette de. « Du gymnase à Marathon : réflexions sur quelques œuvres d'art grecques ». Comptes-rendus des séances de l année - Académie des inscriptions et belles-lettres 147, no 4 (2003) : 1587–97. http://dx.doi.org/10.3406/crai.2003.22671.

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Clergeau, Marie-Françoise. « Le Census des œuvres d'art antiques connues à la Renaissance ». Le médiéviste et l'ordinateur 26, no 1 (1992) : 29–31. http://dx.doi.org/10.3406/medio.1992.1379.

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Yves Millet. « Suseok & ; Ready-made* Vers une ontologie transitionnelle des œuvres d'art ». Etudes de la Culture Francaise et de Arts en France 26, no ll (novembre 2008) : 669–86. http://dx.doi.org/10.21651/cfaf.2008.26..669.

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Régimbeau, Gérard. « Classifier les œuvres d'art : catégories de savoirs et classement de valeurs ». Hermès 66, no 2 (2013) : 58. http://dx.doi.org/10.4267/2042/51553.

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Beck-Saiello, Émilie. « La "guerre de la soie" entre Lyon et Naples ». Studiolo 8, no 1 (2010) : 195–212. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2010.1299.

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Résumé :
En 1737-1742, profitant des difficultés des industries lyonnaises de soieries, le gouvernement napolitain crée une fabrique concurrente, en débauchant des ouvriers français. L'ambassadeur de France en avertit son ministre et entreprend de saboter l'entreprise nouvelle avant qu'elle n'ait pu se développer. Il convainc aussi le directeur technique et les ouvriers les plus qualifiés de repartir en France, tandis qu'à Lyon, les autorités usent de la contrainte pour bloquer toute émigration. Ces manœuvres provoquent un incident diplomatique. Au terme de celui-ci, la France réussit à sauvegarder son savoir-faire mais ne peut empêcher totalement la concurrence des soieries napolitaines. Ce conflit illustre la guerre commerciale que se livrent au XVIIIe siècle les grandes nations européennes pour le contrôle des industries d'art. Il révèle en outre l'importance de l'espionnage et de la copie dans la diffusion des œuvres d'art et des modèles culturels.
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Gheerardyn, Claire. « La Fin de Paris, ou La Révolte des statues de Marcel Sauvage : enquête sur un nouveau modèle pour le roman d'art ». Nottingham French Studies 51, no 3 (décembre 2012) : 272–85. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2012.0027.

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Résumé :
La Fin de Paris (1932), roman d'anticipation de Marcel Sauvage illustré de photomontages signés Constantinesco, raconte la guerre opposant aux hommes les statues de Paris. Cet article étudie comment Sauvage rompt résolument avec le modèle traditionnel du roman d'art légué par le dix-neuvième siècle, et comment il cannibalise les textes des surréalistes afin de dépasser ces derniers sur leur propre terrain. D'une part, Sauvage évacue la figure de l'artiste, il ne s'intéresse en rien aux affres de la création, il se refuse à l'exercice de l'ekphrasis; d'autre part, il imite la formule iconographique trouvée par Breton avec Nadja et s'inspire avec humour de petits genres dévalués (journalisme, livres illustrés pour enfants, romans pornographiques). Ce faisant, Sauvage pose au centre de la fiction les œuvres elles-mêmes et leur rencontre avec leurs spectateurs. C'est désormais le rapport intense et violent à l’œuvre qui constitue la trame du roman d'art.
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Wansart, Noémie. « L'entourage de la comtesse de Verrue : une circulation originale des œuvres d'art ». Cahiers Saint Simon 37, no 1 (2009) : 3–16. http://dx.doi.org/10.3406/simon.2009.1458.

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Prache, Anne. « Le thème de la lumière au xiie siècle dans les œuvres d'art ». Le Roman d'Alexandre, no 6 (1 avril 2022) : 131–35. http://dx.doi.org/10.54563/bdba.1252.

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Starbuck Little, Eliza. « Hegel on Architecture, Poetry, and the Sociality of Perception ». Revue internationale de philosophie 309, no 3 (7 octobre 2024) : 119–34. http://dx.doi.org/10.3917/rip.309.0119.

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Résumé :
Comment une expérience subjective peut-elle prétendre à une validité universelle ? Cette question, posée par Kant dans sa Critique de la faculté de juger , est aussi au cœur du projet esthétique de Hegel tel que je le conçois. Cet article entend corroborer cette proposition en analysant la manière dont les œuvres d’art transmettent des connaissances selon Hegel. Je soutiens que l’une des choses que les œuvres d'art peuvent montrer selon Hegel sont les états mentaux subjectifs apparemment privés qui accompagnent notre expérience des objets mondains. Ainsi, l’art a la capacité de faire des structures de l’esprit que nous comprenons habituellement comme étant internes à la subjectivité et, comme telles, seulement accessibles à l’activité de réflexion, des objets accessibles extérieures et susceptibles d’être perçus. De mon point de vue, cette thèse est étroitement liée au caractère social de la théorie de l’esprit de Hegel. En rendant visibles les états mentaux subjectifs, les œuvres d’art ont selon Hegel la capacité d’exercer une influence sur la manière dont les spectateurs percevront le monde après avoir rencontré de telles œuvres. Ainsi, les œuvres d’art sont également des lieux décisifs pour comprendre comment des esprits rationnels construisent leur monde perceptuel ensemble. Je développe d’abord cette interprétation de manière abstraite, puis l’applique aux domaines spécifiques de la poésie et de l’architecture, avant de discuter la question de la poétique de l’architecture dans le travail de l’autrice contemporaine Renee Gladman.
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Zarader, Jean-Pierre. « La sculpture africaine dans les ecrits sur l'art d'André Malraux ». Alea : Estudos Neolatinos 13, no 2 (décembre 2011) : 301–7. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-106x2011000200008.

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Résumé :
Qu'advient-il du sacré dans notre monde profane? Partant de la scène mythique dans laquelle Picasso, au musée du Trocadéro, ressent le caractère magique des masques, Malraux s'interroge sur la relation agonistique qui existe entre formes et forces. Contre la vulgate qui tend à voir dans l'esthétique une relève du sacré - ce qui conduirait à une clôture dans l'immanence -, peut-être doit-on tout à la fois refuser l'illusion d'une empathie et affirmer le caractère inachevable de la métamorphose des fétiches en œuvres d'art - inachèvement que Malraux désigne par les termes d'empreinte ou d'aura.
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Lavagne, Henri. « La tolérance de l’Église et de l’État à l’égard des œuvres d’art du paganisme dans l’Antiquité tardive ». Études littéraires 32, no 1-2 (12 avril 2005) : 45–54. http://dx.doi.org/10.7202/501255ar.

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Résumé :
L'Église chrétienne et l'État dans l'antiquité tardive n'ont pas fait œuvre de destruction systématique des temples païens et de leurs objets d'art. Au contraire, des décrets officiels témoignent de la volonté de l'État de conserver ce patrimoine artistique. La position des autorités chrétiennes est plus complexe : certaines communautés ont fait preuve de fanatisme destructeur mais ont été désavouées par les grands esprits de leur époque, comme saint Augustin. Cette tolérance s'explique par la paideia commune dans laquelle chrétiens et païens avaient été éduqués.
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Quemin, Alain. « L'art plus fort que la science ? L'affrontement entre expertise stylistique et expertise scientifique dans une querelle sur l'authenticité d'une œuvre d'art : l'affaire Sésostris III ». Sociedade e Estado 20, no 2 (août 2005) : 403–24. http://dx.doi.org/10.1590/s0102-69922005000200007.

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Résumé :
L'une des dimensions de l'expertise artistique consiste à se prononcer sur l'authenticité des œuvres et, pour cela, les experts disposent de différentes méthodes et ressources. Si, traditionnellement, l'essentiel des arguments relevait du registre stylistique, de la manière de procéder qui permettait d'attribuer telle ou telle œuvre à un artiste, de nouvelles méthodes scientifiques (tests chimiques, de thermoluminescence…) fondées sur l'étude des propriétés physiques des œuvres, ont, depuis, connu un développement considérable. Le présent texte se propose d'analyser un cas exemplaire de controverse liée à l'authenticité d'une œuvre, une statue du pharaon égyptien Sésostris III, qui a vu s'affronter arguments stylistiques et arguments scientifiques (entendus ici au sens de sciences "dures") et d'étudier comment des arguments opposés ont été reçus par des tierces parties comme la Justice, parfois amenée in fine à trancher les cas les plus épineux.
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Beck, Bernard. « L'exportation des œuvres d'art : le retable flamand de la Grace Cathedral (San Francisco, États-Unis) ». Cahier des Annales de Normandie 35, no 1 (2009) : 493–502. http://dx.doi.org/10.3406/annor.2009.2558.

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Panagopoulos, Spyros P. « Des aristocrates byzantines et serbes comme donatrices et bienfaitrices aux monastères du Mont Athos au Moyen Âge ». De Medio Aevo 10, no 2 (16 juillet 2021) : 307–18. http://dx.doi.org/10.5209/dmae.77324.

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Les dons faits par les femmes aux monastères de la Sainte Montagne constituent un aspect important de l'histoire médiévale de cette communauté monastique. À commencer par la Sainte Vierge Marie, qui, selon la tradition, a visité le mont Athos, consacrant la péninsule par sa présence, les femmes, notamment avec leurs commandes d'objets de culture visuelle, ont continué à contribuer à la sacralisation de ce lieu. Les traditions, les documents et les artefacts témoignent que de nombreuses femmes, soit avec leur famille, soit indépendamment, ont doté les monastères de la Sainte Montagne. Les dons féminins mentionnés dans les chartes et aussi les cadeaux conservés aujourd'hui dans les trésors des monastères du mont Athos sont des preuves importantes du culte et des œuvres d'art affichant des normes élevées de fabrication de leur temps qui ont laissé une marque importante sur l'histoire de la culture visuelle.
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Bozard, Laurent. « L’école de Marcinelle dans un Carrousel. Dupuis et l’album jeunesse (1966-1971) ». Ondina - Ondine, no 9 (29 décembre 2023) : 46–68. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_ondina/ond.202396226.

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Résumé :
Entre 1966 et 1971, l’éditeur belge Dupuis publie une collection d’albums jeunesse qui s’appuie en majeure partie sur des scénaristes et dessinateurs maison, pour la plupart représentants de « l’école de Marcinelle ». Si ces grands noms du 9e art résonnent encore aujourd’hui dans l’esprit des bédéphiles, les albums du Carrousel ne peuvent pas être véritablement qualifiés de « classiques ». Dans cette contribution, il s’agit de cerner les caractéristiques de cette collection sous différents angles : son origine, ses liens avec le 9e art et la bande dessinée, les composantes de la collection (adaptation, création, traduction, transmédia, premières lectures). Ensuite, nous aborderons la matérialité de ces albums en analysant leur adaptation au format iconotextuel de l’album jeunesse, leurs rapport avec les contes, les jeux avec l’illustration propres à l’album, le rôle du texte, les liens avec la télévision. Enfin, le dernier temps de l’étude portera sur la question du classicisme de ces œuvres : accessibilité, conservation, bibliophilie, édition, publics et réceptions. Mots clés: collection du Carrousel, Dupuis, crossmédia/transmédia, 9e art, école de Marcinelle.
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Delaplace, Andréa. « Le Musée de l'histoire de l'immigration à Paris : une collection et un musée en devenir ». Anais do Museu Paulista : História e Cultura Material 23, no 2 (décembre 2015) : 239–64. http://dx.doi.org/10.1590/1982-02672015v23n0209.

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RÉSUMÉ: Avec la mondialisation et l'émergence de nouvelles politiques d'immigration dans la Communauté Européenne, la question des migrations est centrale dans le monde politique d'aujourd'hui. C'est dans ce contexte historique de pays d'immigration ou d'émigration que se met en place et s'organise l'étude des musées d'immigration qui appartiennent à la catégorie des musées d'histoire et de société. En France, la Cité nationale de l'Histoire de l'Immigration, qui a ouvert ses portes en octobre 2007, depuis 2013 Musée de l'histoire de l'immigration (MHI), se distingue, dans ce contexte mondial, par l'originalité de son projet et les discussions qu'il suscite dans divers domaines (aussi bien dans le milieu académique que dans les réseaux d'associations qui s'occupent des immigrés en France). Le musée présente au public une approche historique et culturelle de l'immigration ainsi que des œuvres d'art contemporain sur ce sujet. Dans cet article, on s'interrogera sur comment ce musée constitue une tentative de reconnaître le patrimoine de l'immigration comme un patrimoine national.
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Vasilyeva, Zinaida. « Où sont les restes du communisme ? Recyclage de la mémoire soviétique dans les expositions et les œuvres d'art ». A contrario 19, no 1 (2013) : 53. http://dx.doi.org/10.3917/aco.131.0053.

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Chevalier, Jean-Louis. « Virginia Woolf et l'aristocratie ». Recherches anglaises et nord-américaines 18, no 1 (1985) : 67–89. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.1985.1853.

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Virginia Woolf voit dans l’aristocratie un spectacle, un reflet et un miroir, le croisement d’identités insolites où elle discerne ses propres différences d’intellectuelle et d’artiste. Beaux et bêtes, splendides et loufoques, racés et fin de race, les aristocrates sont des grotesques et des êtres fascinants dont le charme est irrésistible. Us sont sa spécialité, son faible avéré, sa cible de prédilection. Le jeu de massacre ainsi pratiqué sert à dégager des valeurs. En puisant dans l'intarissable héritage de la distinction et de la séduction aristocratiques, on doit se garder du legs conjoint de la vulgarité et de l’ineptie. Vérité et valeur relèvent de l'artiste, qui sait faire la lecture des aristocrates comme de vivantes œuvres d'art et les utiliser comme des silhouettes plutôt que des personnages, des repoussoirs plutôt que des modèles. Souvent étudiée par ailleurs, la remarquable exception que présentent Victoria Sackville West et Orlando est seulement mentionnée, et il n’y a que peu d’illustrations tirées de l’œuvre romanesque et critique de Virginia Woolf, dans une analyse qui se fonde essentiellement sur le témoignage abondant fourni par les Lettres complètes et par les volumes déjà parus du Journal.
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Roberts, Allen F., et Mary Nooter Roberts. « L'aura d'Amadou Bamba. Photographie et fabulation dans le Sénégal urbain ». Anthropologie et Sociétés 22, no 1 (10 septembre 2003) : 15–40. http://dx.doi.org/10.7202/015520ar.

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Résumé RÉSUMÉ L'aura d'Amadou Bamba. Photographie et fabulation dans le Sénégal urbain Depuis 1988, le Sénégal urbain a vu proliférer les arts populaires. Un sujet se détache en nombre et en importance : Amadou Bamba (1853-1927), saint soufi du Sénégal autour de qui a été créée la Voie mouride. Toutes les images de Bamba renvoient à une seule photographie prise vers 1913, photographie dont les particularités offrent une suite sans fin d'occasions de reconnaître des significations cachées et des messages, à partir de l'épisté-mologie soufie. Les auteurs présentent une ethnographie du Sénégal et un exposé des théories de la représentation, depuis la notion de surréalisme implicite à la photographie de Susan Sontag, jusqu'au sens de la catachrèse génératrice de nouvelles règles et significations de Jacques Derrida, qui permettent de remettre en question et d'élargir la notion proposée par Walter Benjamin de « l'aura » des œuvres d'art, pour y inclure une compréhension de l'impact des images de Bamba. La prolifération récente des fresques représentant Bamba contribue à la déconstruction de la « mémoire monolithique » du régime colonial et immédiatement postcolonial et à la fabulation d'un collage mnémonique tout à fait nouveau. Mots clés : Roberts, Nooter Roberts, représentation, photographie, aura, mouridisme, islam, Sénégal
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Lavallée, Marie-Hélène. « Le rôle de la restauration dans la connaissance des œuvres d'art : l'exemple du Retable de Saint-Georges du Musée des Beaux-Arts de Lille ». Revue du Nord 74, no 297 (1992) : 477–81. http://dx.doi.org/10.3406/rnord.1992.4752.

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Belzeaux, P. « Le Sentir. Vers une ontologie des œuvres d'art. À propos de... « Le psychopathologique et le Sentir. Nietzsche et les micro-incarnations » d'A. Fernandez-Zoïla »,. L'Évolution Psychiatrique 69, no 1 (mars 2004) : 151–60. http://dx.doi.org/10.1016/s0014-3855(03)00174-9.

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Guichard, Charlotte. « Roberta Panzanelli, Monica Pretit-Hamard (éd.), La circulation des œuvres d'art, 1789-1848, Paris/Rennes, INHA/Presses Universitaires de Rennes, 2007, 362p., ISBN 978-2-7535-0345-8. » Revue d’histoire moderne et contemporaine 57-2, no 2 (2010) : 213. http://dx.doi.org/10.3917/rhmc.572.0213.

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ΚΩΝΣΤΑΝΤΟΥΔΑΚΗ-ΚΙΤΡΟΜΗΛΙΔΟΥ, Μαρία. « Conducere apothecam, in qua exercere artem nostram : Το εργαστήριο ενός βυζαντινού και ενός βενετού ζωγράφου στην Κρήτη ». BYZANTINA SYMMEIKTA 14 (26 septembre 2008) : 291. http://dx.doi.org/10.12681/byzsym.882.

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<p>Marie Constantoudaki-Kitromilides</p><p><em>Conducere apothecam, in qua exercere artem nostram</em>. L'atelier d'un peintre byzantin et d'un peintre vénitien à Candie</p><p>Il y a plus de trente ans, le père Mario Cattapan publia une première série de documents, provenant des Archives d'État de Venise et concernant des peintres ayant exercé en Crète de 1300 à 1500. Ce travail constitua un tournant important pour l'étude de la peinture dans l'île sous domination vénitienne. Depuis, des témoignages nouveaux ont éclairé l'activité d'artistes connus de la même époque; d'autres ont révélé les noms et l'activité d'artistes inconnus jusqu'à maintenant.</p><p>La recherche du père Cattapan, ainsi que des documents étudiés par nous-même, ont apporté de données nouvelles sur l'activité du peintre Nicolaos Philanthropenos, habitant de Candie et probablement descendant d'une famille originaire de Constantinople. De ce dossier, nous publions et commentons ici une pièce rare.</p><p>Il s'agit d'un contrat, rédigé dans la ville de Candie et daté du 23 novembre 1400, qui concerne la collaboration, sous forme de coopération professionelle (<em>societas</em>), entre Nicolaos Philantrhopenos et le peintre vénitien Nicolaus (Nicolò) Storlado. Les deux artistes décident de louer ensemble une boutique pour exercer leur métier pendant une période de trois ans.</p><p>L'analyse du document et son commentaire nous permettent de mieux comprendre l'activité du peintre Nicolaos Philanthropenos dans l'île de Crète mais aussi à Constantinople et à Venise. En effet, la production artistique de Philanthropenos s'étendait depuis les icônes byzatntines aux retables (<em>pale d'altare</em>) de type occidental et aux mosaïques de Saint Marc de Venise. D'autre part, notre document éclaire les chemins de contact entre les peintres crétois et l'art vénitien. Le fonctionnement d'un atelier commun, tenu par deux peintres de formation et expérience culturelle différentes peut être interpété dans le cadre particulier, historique et social, de l'époque. Dans la société vénéto-crétoise, de population mixte, orthodoxe et catholique, des commanditaires variés demandaient souvent non seulement des icônes byzantines mais aussi des tableaux d'un style mixte, voire d'un style plutôt italien. Ces tendances artistiques, qui puisent des éléments aussi bien dans la tradition de la peinture des Paléologues que dans la peinture gothique tardive, sont éloquemment illustrées dans les œuvres d'art produites en Crète, qui nous sont parvenues.</p><p> </p>
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« Œuvres d'art des terres arctiques ». Museum International (Edition Francaise) 46, no 2 (24 avril 2009) : 18–20. http://dx.doi.org/10.1111/j.1755-5825.1994.tb00597.x.

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Cruz, Mar. « A Sometimes Mercurial Process : New Protocols for the Preservation of Singapore's Time-Based Media Art Collection ». CeROArt 13 (2024). http://dx.doi.org/10.4000/12ldg.

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Résumé :
La conservation des œuvres d'art basées sur le temps (TimeBased Media TBM) s'inscrit dans le monde des bits, des octets, des sommes de contrôle et de l'obsolescence, des termes bien différents de la conservation du papier, des peintures ou des sculptures. Les processus qui sous-tendent la conservation des œuvres d'art TBM reflètent la même nature ésotérique. Cette étude de cas vise à montrer les avantages et les défis liés à la création d'un flux de travail spécifique au TBM en mettant en évidence son efficacité dans la prévention d'un problème de conservation potentiellement important dans The Mercurial Inscription, une œuvre d'art d'installation TBM avec des logiciels et des éléments interactifs.
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Pouivet, Roger. « La quasi-nature des œuvres d'art ». SATS 2, no 2 (janvier 2001). http://dx.doi.org/10.1515/sats.2001.144.

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Llamas-Pacheco, Rosario. « Theoretical issues in the conservation of contemporary art ». CeROArt 13 (2024). http://dx.doi.org/10.4000/12ld9.

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Dans le cas de l'art contemporain, bon nombre des valeurs incluses dans les œuvres d'art, sont liées à l'apparence initiale et à l'utilisation consciente et spécifique d'un type de matière donné. La transformation a un impact sur l'intention artistique et sur le discours plastique, et puisqu'il est impossible d'empêcher le changement. Une réflexion approdondie sur le concept de ruine prématurée est nécessaire. Grâce à l'artiste, il est possible de documenter la production actuelle par rapport à la mutation et à la transformation inévitable de la matière, en déterminant quand la dégradation affectera la quiddité des œuvres d'art.
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Proulx, Christelle, et Suzanne Paquet. « Devenir-destination et photographies (en ligne) de quelques œuvres d'art ». Sens public, 2021, 1. http://dx.doi.org/10.7202/1089650ar.

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Bertinetto, Alessandro. « Moral concerns about artistic activity ». Phantasia, 2015. https://doi.org/10.25518/0774-7136.355.

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Résumé :
Une grande partie du débat contemporain sur l’art et la morale porte sur les conséquences comportementales de l’expérience des œuvres d’art, sur la dépendance ou l’indépendance entre la valeur esthétique et la valeur morale des œuvres d’art, et se demande si des défauts ou des mérites éthiques des œuvres d'art devraient également être considérés comme des défauts ou des mérites esthétiques (et vice versa). Ici, je vais me concentrer sur un autre sujet, bien qu’il soit lié au premier. Je vais examiner si les artistes ont des devoirs envers l’art lui-même, comme Luigi Pareyson l’a affirmé dans son Estetica. Teoria della formatività (1954). En d'autres termes, je vais poser la question de savoir si la poursuite de la réussite artistique nécessite, entraîne ou peut causer une sorte de position morale envers l’activité artistique. Je suggère que la notion d’authenticité comprise non seulement comme une obligation ou un devoir, mais plutôt comme une vertu, peut être utile à cet égard.
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Salinas, Juan Gerardo Ugalde. « The Word become Flesh. Wild orality and “palliative” conservation for the Mexican performative arts ». CeROArt 13 (2024). http://dx.doi.org/10.4000/12lde.

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Résumé :
Depuis le début du vingtième siècle, le contexte politique et social du Mexique a influencé un ensemble d'œuvres d'art performatif riches en connotations activistes, pleines d'humour noir et de références à la violence et à l'injustice environnantes. Comment nous, conservateurs, nous trouvons-nous impliqués dans ces dynamiques qui impliquent la créativité et la sensibilité face au hasard de la mémoire collective ? Ce texte revisite quelques considérations sur le traitement et la conservation de ces œuvres très spécifiques, décantées dans les mouvements d'autonomie artistique latino-américains, et qui, dans un consensus entre spécialistes et artistes, peuvent trouver dans l'oralité et la disparition « assistée » une chance d'assurer leur pérennité.
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Brotons, Valérie. « Conserver l'éphémère : les collections patrimoniales d'art lyrique de la Ville d'Aix-en-Provence ». Déméter, no 6 | Été (1 septembre 2021). http://dx.doi.org/10.54563/demeter.432.

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Résumé :
La plupart des scènes lyriques majeures dans le monde conservent des objets scéniques et des archives issus de leurs productions. Représentatifs de l'histoire de l'institution, ces objets ne sont dès lors plus considérés comme un stock mais comme un patrimoine par plusieurs de ces Opéras, qui ont choisi de le valoriser à travers des musées et des bibliothèques. Toutefois, à l'exception de ces grandes maisons, rares sont les théâtres, et plus encore les communes, susceptibles de prendre en charge la masse d'objets scéniques issus de leurs lieux de spectacles. Tel est pourtant le cas de la Ville d'Aix‑en‑Provence, qui a hérité dans les années 2000 d’un vaste ensemble provenant principalement du Festival International d'Art Lyrique, et constitué de divers fonds – décors, costumes, maquettes... – regroupés sous l'étiquette de « collections patrimoniales d'art lyrique ». Remarquable par son exhaustivité, sa diversité, et ses qualités esthétiques, ce corpus comporte des œuvres d'artistes et scénographes majeurs du xxe siècle (Masson, Derain, Gontcharova, Clavé, Malclès, Ganeau, Lalique...) et couvre la plus grande partie de l'histoire de la manifestation, allant pour l'essentiel de 1949 à la fin des années 90. Après un bref historique du Festival d'Aix et de ses évolutions, l'article retrace les moyens par lesquels ces objets de scène sont parvenus jusqu'à nous et l'histoire mouvementée de la constitution des collections d'art lyrique aixoises, à travers le difficile processus qui mène du stockage à la conservation.
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Alves Gomes, Lilian. « A museum of ex-votos in Brazil : exposing the miracle ». Les Cahiers de Muséologie, 2023, p. 77–98. http://dx.doi.org/10.25518/2406-7202.1474.

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Résumé :
À travers l'analyse d'une exposition d'ex-voto, l'article explore les problématiques de la sélection des œuvres et des modalités de mise en scène des « miracles ». Dans ce but, l'interlocution avec un collectionneur d'art ainsi que les expériences et impressions suscitées par certains dispositifs de présentation de l'exposition Casa dos Milagres - Santos e Ex-votos na Coleção de Antônio Marques, organisé dans dans la ville de Natal, l'état de Rio Grande do Norte, au Brésil, sont thématisés suivant une perspective ethnographique. Les principaux débats développés explorent les caractéristiques des espaces où les ex-voto sont exposés en contexte dévotionnel; les inflexions de la vie rituelle des ex-voto; le potentiel de l’exposition d’activer les pouvoirs des objets et, enfin, sur l' exposition comme un rituel.
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Goutain, Pauline. « Le caillou, mythologie matérielle de l'Art Brut ». Déméter, no 8 | Été (15 septembre 2022). http://dx.doi.org/10.54563/demeter.845.

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Résumé :
Jean Dubuffet, en inventant le concept d'art brut et en initiant une aventure collective au sortir de la Seconde Guerre mondiale, prétend remettre en question non seulement les codes esthétiques mais aussi idéologiques de son temps. En prenant pour appui des œuvres réalisées dans les circuits non officiels de l'art, le discours sur l'art brut véhicule un imaginaire « anti-moderne » où la nature, le peu, le non élaboré, la trouvaille occupent une large part. Chacune de ces notions constitue autant de mythes qui se surajoutent à la matérialité des œuvres pour contrer la notion d’« arts culturels » inventée par Dubuffet. Le caillou est une de ces mythologies matérielles. Trouvé au sol, ne requérant aucune transformation, seulement celle de l'imagination, il n'est pas coûteux à la différence du marbre. Les œuvres en caillou s'opposent aux sculptures académiques. Leur collecte relève d’un modèle agraire – celui de la « récolte » – et non du savoir-faire développé en atelier. Leur caractère informe se prête aux plaisirs de l'imagination. Offert par la nature, il est le symbole d'une beauté simple, naturelle, qui nous invite à être attentif à ce qui est à nos pieds, au moment présent. À partir d'exemples concrets tirés de la Collection de l'Art Brut, rassemblés entre 1945 et 1970 – les silex de Juva, en particulier –, cet article montre que le caillou est transformé par les compagnons de l'Art Brut en objet porteur de valeurs « anti-culturelles », voire d'une idéologie qui replace la nature au centre de la vie et de l'art.
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Lembré, Stéphane. « Noémie Etienne et Léonie Hénaut (dir.), L'histoire à l'atelier. Restaurer les œuvres d'art (XVIIIe-XXIe siècles) ». Lectures, 18 septembre 2012. http://dx.doi.org/10.4000/lectures.9211.

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« Étude sur les œuvres d’art contemporain dans le texte houellebecquien La carte et le territoire ». Societe d'Etudes Franco-Coreennes 105 (31 août 2024) : 91–114. http://dx.doi.org/10.18812/refc.2024.105.91.

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Résumé :
Dans cet article, nous réfléchissons au sens de l'œuvre d'art moderne qui est décrite dans le roman La carte et le territoire de Michel Houellebecq. Notre objectif n’est pas de critiquer des œuvres d’art, imaginées dans un monde virtuel. Nous voulons simplement examiner comment l’«œuvre» et l’«œuvre dans l’œuvre» interagissent. Le thème constant de Houellebecq, qui a été abordé dans des études précédentes, à savoir « la réalité misérable des gens d’aujourd’hui sur laquelle le système capitaliste empiète dans tous les domaines de la vie », est raconté dans ce roman à travers l'exploration de la photographie d’un artiste. Selon la théorie de Barthes et de Flusser, la création d’art du personnage de Jed peut se résumer à la découverte de «l’appareil» et à une expérimentation de la possibilité de résistance à «l’appareil». Selon Flusser, «l’appareil» est un concept clé qui caractérise la société post-industrielle et fait référence à un moyen de produire de l’information. Le premier « appareil » de la société post-industrielle est la photographie.
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Schinzel, Hiltrud. « Ways of Aesthetically Integrating Conservation Theory in an Era of Neoliberal Illusions and Post-Colonial Migration ». CeROArt 13 (2024). http://dx.doi.org/10.4000/12ld7.

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Résumé :
Cet essai examine la question fondamentale de la conservation-restauration : pour qui et pourquoi conservons-nous l'art ? Les motivations derrière la conservation du patrimoine culturel évoluent au fil du temps, influencées par les contextes socioculturels plus que par les théories établies. Le concept de "care" (soin) est exploré comme une approche potentielle pour recentrer la conservation sur les bénéficiaires culturels et leurs besoins changeants, tout en tenant compte des dimensions matérielles et idéelles des œuvres.L'article retrace l'impact historique de l'industrialisation au XIXe siècle, qui a démocratisé l'accès à l'art et transformé les pratiques de conservation, mais a aussi entraîné une marchandisation accrue. Cette commercialisation a modifié la relation entre l'art, ses créateurs et son public, dévalorisant les biens culturels en les réduisant à des objets de marché.Les collectionneurs modernes, souvent détachés de l'engagement profond autrefois requis, ont transféré la responsabilité de la conservation aux institutions publiques, affaiblissant ainsi la responsabilité collective pour la préservation du patrimoine. En réponse à cette évolution, l'auteur plaide en faveur d’une réévaluation des pratiques de conservation, en insistant sur l'importance de rétablir un lien éthique et esthétique avec les œuvres d'art. Cela permettrait de garantir la transmission des œuvres non seulement comme des objets de valeur marchande, mais comme un patrimoine vivant, chargé de significations culturelles et sociales, dans un contexte de plus en plus dominé par les logiques de marché.
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Juste, Carlijn. « The Digital Divide in the Institutional Art World : Exhibiting and Collecting New Media Art in Hauts-de-France ». Déméter, no 6 | Été (1 septembre 2021). http://dx.doi.org/10.54563/demeter.442.

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Résumé :
Alors qu'il y a plusieurs années, les nouvelles technologies numériques n'étaient utilisées que par un groupe d'artistes pionniers, elles sont devenues accessibles et omniprésentes dans la pratique artistique d'aujourd'hui. Néanmoins, il existe un fossé persistant entre nos institutions traditionnellement en charge de leur exposition, la collection et la préservation de l'art. Certains ont acquis de l'expérience avec l'exposition d'art des nouveaux médias, en adaptant des modèles de conservation existants ou en en créant de nouveaux moyens de monstration, tandis que pour d'autres, le contact avec des œuvres axées sur la technologie semble toujours être un défi. Basé sur des recherches de terrain menées dans les Hauts‑de‑France, cet article explore cette fracture numérique dans le monde de l'art institutionnel. Quelles sont les stratégies curatoriales d'une institution spécialisée comme Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains, comment sont‑elles organisées et que peuvent en tirer les autres institutions ? Quelles sont les raisons de cette division persistante à l'heure où les technologies numériques sont omniprésentes ?
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Moser, Walter. « La culture en transit : locomotion, médiamotion, artmotion ». Gragoatá 9, no 17 (19 décembre 2005). http://dx.doi.org/10.22409/gragoata.2004n17a33317.

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Résumé :
Comment analyser la grande mobilité et instabilité de la culture contemporaine? Ce texte présente une activité de recherche, à l'état de projet, qui propose d'apporter des réponses à cette question. Afin de donner un accès analytique aux dynamiques culturelles dans lesquelles nous vivons, il est proposé de distinguer trois types de mouvements: la loco-motion (le deplacement physique des êtres humains), la média-motion (l'experience d'un monde en mouvement que nous procurent les médias) et l'art-motion (l'experience esthétique en mouvement que nous procurent certaines œuvres d'art, surtout des installations). Dans un premier temps, il s'agit de conceptualiser et d'examiner ces mouvements séparément, quitte à, ensuite, en etudier les convergences dans des situations réelles.---------------------------------------------------------------------------------Cultura em trânsito: locomoção, mídiamoção, artemoçãoComo analisar a grande mobilidade e instabilidade da cultura contemporânea? Este texto apresenta, em estado de projeto, uma pesquisa que visa a apresentar respostas a essa questão. A fim de garantir acesso analítico ao dinamismo cultural em que vivemos, propõe-se a distinção de três tipos de movimento: a loco-moção (o deslocamento físico dos seres humanos), a mídia-moção (a experiência de um mundo em movimento proporcionada pela mídia) e a arte-moção (a experiência estética em movimento proporcionada por certas obras de arte, sobretudo as instalações). Primeiramente, trata-se de conceitualizar e de examinar esses movimentos em separado, para, em seguida, estudar suas convergências em situações concretas.
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