Littérature scientifique sur le sujet « Art chrétien – Italie – Parme (Italie) »

Les peintures murales du baptistère de Parme se développent sur les 515 m2 de la coupole, en quatre registres consacrés à Abraham et à Jean-Baptiste et présentant le christ et la vierge, les prophètes et les apôtres ; elles recouvrent 220 m2 dans les zones inférieures du monument avec des personnages varies : les évangélistes et les docteurs de l'Eglise, des ermites, des anges et des monstres, un saint François devant un séraphin et un tétramorphe. L'examen des sources narratives (chroniques et statuts), l'interprétation des étapes du processus de construction de la coupole, et les caractères spécifiques de l'iconographie de saint François aboutissent à proposer une datation avancée des peintures entre les années 1245 et 1250. L'analyse iconographique des images, groupées autour de quatre-vingts scènes (imagines des prophètes et des apôtres, cycles du baptiste et d’Abraham, portraits, allégories. . . ), fait ressortir la conformité globale des thèmes parmesans à un corpus byzantin déjà incorporé dans l'art de la péninsule italienne, et qui autorise certaines combinaisons formelles avec des choix représentatifs résolument occidentaux. La définition du programme s'appuie sur les commentaires exégétiques de la vision d'Ezéchiel du « char de Yahvé »&gt; à partir des homélies de Grégoire le grand. A l'organisation circulaire et alternée des registres de la coupole s'applique à la lettre la formule « rota in medio rotae », illustration concrète du rapport typologique entre ancien et nouveau testament. Cette lecture de la tradition est reliée aux indices multiples de la présence d'un milieu franciscain et à la figure clé de François, assimilé par sa vision du tétramorphe à un nouvel Ezéchiel<br>The XIIIth century's wall-paintings of the baptistery of Parma comprise 515 sqm. On the cupola, depicted on four registers (dedicated to Abraham, John the Baptist, Christ and the virgin among prophets and apostles), and 220 sqm. In the lower area of the building, decorated with various figures : evangelists, doctors of the church, hermits, angels, monsters and st Francis in front of both a seraph and a tetramorph. The reexamination of the narrative sources (chronicles and statutes), as well as the interpretation of the constructive stages of the cupola, and the analysis of the particular iconographical features of s. Francis suggest an early dating for the wall-paintings, around the years 1245-1250. Through the iconographical analysis of all the decoration gathering circa eighty scenes (galleries of prophets and apostles, stories of Abraham and the Baptist, portraits and various allegories), it is made clear that the parmigian themes are part of an Italian corpus connected with the byzantine features and both depend on representative options which are firmly occidental. The iconographical program rests on the exegetical comments on Ezekiel’s vision of Yahweh’s charriot, based on pope Gregory the great's homilies. The circular and alternated organization of the four registers on the cupola embodies the “ rota in medio rotae” formula, explained as a concrete image of typological links between old and new testament. This interpretation based on tradition is linked with numerous signs of a Franciscan environment and with the key figure of Francis, who in Parma, through his vision of the tetramorph, appears like a new Ezekiel

Par "peintres de Parme" nous entendons principalement Le corrège et Le parmesan. Ces deux artistes ont occupé une place importante dans la critique d'art française des 17es et 18es siècles. Notre thèse se propose donc de répondre a la question suivante: comment regardait-on Le corrège et Le parmesan dans la France de l'ancien régime? Cette interrogation nous a conduite en premier lieu à étudier les sources iconographiques, c'est-a-dire les collections de tableaux et de dessins attribués aux peintres de Parme en France, et l'existence de copies et de gravures d'après leur oeuvre. Dans un second temps, nous avons essayé de rassembler les principaux écrits français relatifs à ces peintres, précédés de leurs sources italiennes. Notre conclusion porte sur l'influence stylistique des peintres de parme dans l'art français du 16e au 18e siècle. De cette analyse de la critique française se dégage une image du corrège et du parmesan, légèrement différente de notre approche actuelle<br>The expression of "painters of Parma" we mean Correggio and Parmigianino. These two artists have held an important position in the french art criticism in the 17th and 18th century. In this work we intend to answer the following question: how were Correggio and Parmigianino considered in France before 1789? This interrogation brought us first to study the iconographic origins, that is to say the painting- and drawing-collections, the copies and prints from the pictures by the painters of Parma. Then we tried to collect the main french writings about both painters. We end by a study of the stylistic influence of the painters of Parma on french art from 16th to 18th century. From the investigation of the french criticism comes out an image of Correggio and Parmigianino which differs slightly from our actual vision

Au milieu du XIVème siecle apparaissent les premiers cycles iconographiques de la vie de Saint Antoine ermite, le père Égyptien des moines. Ce phénomène, qui correspond à l'apogée du culte du Saint en occident grâce notamment au prosélytisme des chanoines de l'ordre de Saint Antoine, connait un développement important jusqu'au XVIème siècle, particulièrement dans le sud-est de la France et dans l'Italie septentrionale et centrale. En témoigne un corpus d'une quarantaine de cycles d'origines variées : manuscrits destinés à l'élite religieuse, retables de patriciens ou de riches confréries, fresques de chapelles rurales ou de communautés réformées. Les raisons de cette émergence et de ce déclin, aussi impromptus l'une que l'autre, révèlent la coïncidence de l'intérêt populaire pour un Saint thaumaturge et justicier et de celui des ordres, essentiellements des mendiants, pour ce modèle de sainteté érémitique des débuts du christianisme. L'occidentalisation progressive de l'ermite passe ainsi par deux procédés presque antagonistes : d'une part la substitution a son austerité d'ascète solitaire d'un paternalisme bienveillant quoi qu'intransigeant, d'autre part l'accentuation de son identité de précurseur ayant ouvert la voie du désert. Pour ce faire, l'iconographie, étayée par l'invention de légendaires apocryphes, propose un vecteur de diffusion privilégié à l'attention des commanditaires. Outre les antonins, qui développent de tels programmes iconographiques surtout dans le premier quart du XVème siècle, les augustins et les franciscains reformes vont se faire les principaux initiateurs du phenomene, trouvant avec la personnalite d'Antoine, dans leur quête d'un exemple antérieur à leurs fondateurs eux-mêmes, une caution pour justifier l'orientation de leurs choix spirituels et de leurs modes de vie. En ce sens, le redécouverte du Saint servit plus de support a une reforme interne des courants ascétiques de la fin du Moyen-Age qu'au renouveau même de leurs doctrines. C'est aussi en quoi ce phénomène iconographique particulier semble emblématique d'un processus d'appropriation plus général, conduisant à faire des Saints les plus éloignés dans le temps et l'espace, des figures initiatiques et exemplaires, rajeunies par une relecture totale de leur existence.

Centrée sur un tableau de Paolo Véronèse (1528-1588) -la Bethsabée conservée au musée des Beaux-Arts de Lyon-, la thèse a pour ambition de mettre en pratique une histoire de l'art qui envisage l'œuvre à travers ses multiples enjeux. D'un point de vue méthodologique, l'identification de son sujet complexe qui condense deux thèmes (Bethsabée au bain et Suzanne et les vieillards), n'est possible qu'au prix d'une réélaboration des outils traditionnels, telle que l'a entreprise Daniel Arasse avec l' "iconographie analytique". L'exégèse biblique, les traditions iconographiques, les spécificités de la peinture vénitienne, les pratiques sociales révèlent un ensemble de points communs à ces deux thèmes qui permettent d'expliciter leur rapprochement au sein d'une même image. Des recherches aux Archives de Venise ont permis d'éclairer les circonstances historiques de la commande, grâce à l'identification des deux blasons représentés dans le tableau<br>Focused on one painting by Paolo Veronese (1528-1588), the Bathsheba bathing (Lyon, musée des Beaux Arts), this thesis' ambition is to question a pillar of art history whose stakes are multiple. Whereas the methodological angle envisions the complex topic of the painting as a condensation (i. E Bathsheba bathing and Susanna and the Eiders), this scope is only acceptable while elaborating the reconstruction of traditional analysis once quoted by Daniel Arasse in his "analytical iconography". The addition of biblical commentary, iconography and in depth study of venetian painting, as well as social practice make these two themes converge and the thesis validates their "fusion" into the same image. A local study of the archives of the state of Venice has been undertaken and the result throws light on the origin of the commission through clearing the identity of the commissioners thanks to their blazon, a stamp which is the sign of the alliance of two families Badoer and Soranzo

Agents essentiels de la spiritualité de la fin de l’époque médiévale, les Ordres mendiants étaient intimement liés à leurs couvents. Ces bâtiments, en effet, répondaient aux activités cultuelles, communautaires et intellectuelles propres aux religieux tout comme aux nécessités de l’encadrement des fidèles. Implantés de manière réfléchie, les frères surent s’intégrer et s’adapter de manière dynamique à la vie de la cité qu’envisage la présente enquête. À partir d’une réflexion menée sur les œuvres peintes et sculptées dans les édifices conventuels siennois, cette étude aborde donc les différentes finalités de cette production artistique ainsi que son impact dans le milieu urbain en question. Pour ce faire, trois parties se succèdent : la première s’attache à dresser un inventaire le plus exhaustif possible des œuvres qui se déployaient dans les complexes du XIIIème siècle au milieu du XVIème siècle. La seconde revient sur les enjeux et les conséquences de cet essor artistique dans le cadre même des couvents, mais aussi dans l’ensemble de la ville. Enfin, la troisième étend le propos à quelques grands décors d’Italie centrale et met tout particulièrement en relief l’originalité de cette production mendiante aux derniers siècles du Moyen Âge<br>Essential agents of spirituality at the end of medieval times, the Mendicant Orders were closely linked with their convents. These buildings, in fact, were created with regard to the cultal needs, and intellectual activities of the brothers themselves, as well as with regard to the gathering of the faithful. So, established in a very structured way, the brothers made sure to integrate and adapt themselves in a dynamic manner to the life of the city with wich the present investigation is dealing. Starting from a reflection directed towards the painted and sculpted works in Sienese convent buildings, this study tackles the different purposes of this artistic production, along with its impact on the urban setting in question. In order to accomplish this, three points are successively focused on: the first aims to provide the most exhaustive inventory possible of the works that blossomed from the 13th Century until the middle of the 16th Century. The second deals with the intentions and consequences of this artistic development in the city. Finally, the third extends the topic to some other great contexts of Central Italy and particularly focuses on the originality of this Mendicant production in the last centuries of the Middle Ages

La thèse établit l’histoire comparative des différents Sacri Monti italiens dans un but précis : étudier la transformation d’ « architectures » qui étaient des copies de lieux vides de Terre Sainte en vastes cycles chronologiques animés de nombreuses peintures et statues. Les nécessités religieuses de ces sites définissent un rapport original entre les arts qui donne la première place aux statues : on l’appellera « paragone chrétien ». La statuaire y est exceptionnellement didactique et propre à susciter les émotions. Didactique : les Sacri Monti mettent progressivement en place une statuaire narrative. Propre à susciter les émotions : ces terres cuites polychromes à grandeur sont « vivantes » au point d’incarner les scènes. À la fois familiers et exotiques, variés et récurrents, les très nombreux personnages des chapelles composent souvent des types singulièrement outrés. Leur beauté et surtout leur laideur cruelle et difforme, doit être utile : s’appuyant sur une lecture physiognomonique des scènes, le pèlerinage (guidé) aux Sacri Monti constitue une catharsis chrétienne<br>This dissertation examines the history of the Italian Sacri Monti from a comparative perspective. The main objective is to understand how “architectures” that were copies of void monuments from the Holy Land were transformed into large chronological cycles animated through the use of numerous paintings and statues. The religious motivations of these sites define a specific relationship between the different art forms, one that emphasizes sculpture and which can be characterized as a “Christian paragone”. Statuary is particularly didactic and emotional. It is didactic in the sense that the Sacri Monti serve to stage a narrative statuary It is also emotional since the life-sized and polychrome terracotta sculptures are so “alive” that they seem to be performing the scenes. The many characters in the chapels are both familiar and exotic, diverse and repetitive. They constitute types that often look strangely outraged. Their beauty but also their cruel and deformed ugliness serve a didactic purpose: grounded on a physiognomic reading of the scenes, the (guided) pilgrimage to the Sacri Monti mediates a Christian catharsis

Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270<br>The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270

L’abbé et avocat Agostino Mariotti (1724-1806) était bien connu dans la Rome du XVIIIe siècle. Comme la plupart des ecclésiastiques de son temps, il s’agissait d’abord d’un érudit : avocat de la Congrégation Sacrée des Rites, homme de lettres, fin connaisseur des langues latine et grecque, bibliophile, numismate, membre de l’Académie de l’Arcadie, mais aussi expert d’antiquités et grand collectionneur. En l’espace de plusieurs années il avait constitué une importante collection dont le noyau principal était formé par le musée Sacré. Avec celle-ci, particulièrement riche de peintures de toutes époques, Mariotti avait pour ambition de raconter aussi bien l’histoire de l’Église que la « Perfezione del disegno » en utilisant comme pivot l’œuvre de Michel-Ange.Ce travail de thèse vise d’abord à reconstruire la figure de l’avocat Mariotti et de sa collection, et de les mettre en perspective avec le contexte culturel de la ville de Rome au XVIIIe siècle. Les nouvelles sources retrouvées ont donc permis d’analyser la grande richesse de la collection, en complétant les informations disponibles sur cette figure aux multiples facettes, tombée presque entièrement dans l’oubli après sa mort, malgré les nombreuses œuvres de son recueil ayant rejoint les collections papales et se trouvant encore aujourd’hui conservées et exposées aux musées du Vatican.La première partie de la thèse reconstruit donc la biographie d’Agostino Mariotti, avec une attention particulière pour sa production littéraire et à ses relations avec les érudits italiens et étrangers de son temps. Son réseau est donc constitué principalement par des personnes avec lesquelles il partage ses lieux préférés de sociabilité, à savoir des religieux, des membres de l’Académie d’Arcadie, des artistes de l’Académie de Saint-Luc, ou encore des jésuites malgré le rôle joué par Agostino dans la suppression de l’Ordre.La deuxième partie se focalise sur la reconstruction de l’ensemble de la collection de Mariotti, partagée entre un musée Sacré, un musée Profane et un musée d’histoire naturelle. Les vastes sources documentaires retrouvées sont présentées et analysées afin de redonner au lecteur une image inédite et relativement exhaustive de cette riche et variée collection et ce, au-delà des seules peintures d’artistes « primitifs » pour lesquelles Agostino était connu jusqu’à nos jours.La dernière partie suit la dispersion des œuvres après la dissolution de la collection à la mort de son créateur. Une attention particulière est donnée à celles qui ont été vendues au Vatican en 1820, transaction pour laquelle nous disposons d’un grand nombre de sources documentaires et qui ont permis de connaître les estimations données lors de la vente. Une recherche complémentaire a aussi été menée pour identifier d’autres œuvres actuellement conservées aux Musées du Vatican.Grâce à notre travail, nous disposons maintenant d’une image bien plus accomplie de cet avocat consistorial et de sa collection qui était considérée à son époque comme « une des curiosités de Rome »<br>Abbot and lawyer Agostino Mariotti (1724-1806) was well known in 18th century Rome. Like most of the ecclesiastics of his time, he was first of all a scholar: lawyer of the Sacred Congregation of Rites, man of letters, expert of Latin and Greek languages, bibliophile, numismatist, member of the Academy of Arcadia and also specialist in antiques and great collector. Over the course of several years he had built up an important collection, the main core of which was the Sacred Museum. With his collection, particularly rich in paintings from all periods, Mariotti's project was to tell both the history of the Church and the “Perfezione del disegno”, using Michelangelo as a pivot.The aim of this thesis is to reconstruct the figure of the lawyer Mariotti and his collection, putting everything in perspective with the cultural context of the city of Rome in the 18th century. The new sources found have therefore made it possible to analyse the great richness of the collection, by supplementing the information available about this multifaceted figure, almost entirely forgotten after his death, despite many works of art from his collection has been acquired by the Pope and are still preserved and exhibited today in the Vatican Museums.The first part of the thesis therefore reconstructs the biography of Agostino Mariotti, with a particular attention to his literary production and his relationships with the Italian and foreign scholars of his time. His network is thus made up mainly of people with whom he shares his favourite places of sociability, namely religious, arcades, artists from the Academy of Saint Luke, or even Jesuits despite the role played by Agostino in the suppression of the Order.The second part focusses on the reconstruction of the entire collection of Mariotti, shared between a Sacred Museum, a Profane Museum and a Museum of Natural History. The vast documentary sources found are presented and analysed in order to give the reader a new and more complete picture of this rich and varied collection, beyond the only paintings of "primitive" artists for which Agostino was known until today.The last part follows the dispersion of the works of art after the dissolution of the collection on the death of its creator. Particular attention is given to those that were sold to the Vatican in 1820, a transaction for which we have a large number of documentary sources and which have also enabled us to know the estimates given during the sale. Further research was also carried out to identify other works currently kept in the Vatican Museums.Thanks to our work, we now have a much more accomplished image of this consistorial lawyer and his collection which in his time was considered "one of the curiosities of Rome"

La thèse est consacrée à l’œuvre de portraitiste de Parmigianino au cours des deux périodes parmesanes de sa carrière, depuis sa naissance en 1503 jusqu’à son départ pour Rome en 1524, puis de 1531 à 1540, date de son décès. L’objet de la recherche est d’élucider les significations propres à chacune des effigies du corpus et d’analyser les processus plastiques et sémantiques par lesquels le peintre a élaboré les discours figuratifs que constituent ses portraits, dans le contexte de leur commande, production et réception. A cette fin, on a opté pour une approche pluridisciplinaire. La thèse débute par une étude de l’histoire artistique de Parme de 1500 à 1540 et une analyse des pratiques du portrait dans cette ville, au regard de ses nombreuses relations avec d’autres centres culturels et artistiques (Milan, Venise, Bologne, Florence et Rome). L’histoire sociale et politique de Parme pendant la première moitié du Cinquecento est un autre sujet de la recherche. Son objet est l’articulation des transformations institutionnelles au sein de la comune, les conquêtes par plusieurs pouvoirs étrangers entre 1499 et 1520 jusqu’à la création du duché de Parme et Piacenza par Paul III en 1545 avec le marché et les pratiques du portrait. Après cette étude du contexte, chacun des portraits de Parmigianino est examiné de façon approfondie, à travers une approche trans-disciplinaire qui associe histoire de l’art, histoire culturelle (littérature, du livre et de l’édition, emblématique, traditions de la rhétorique, débats linguistiques), histoire sociale et politique<br>The dissertation deals with Parmigianino’s activity as a portraitist during the two periods of time he spent in his native Parma, between 1503 and 1524 and then between 1531 and 1540. Its aim is to analyze the painter’s male portraits in particular, that is to to clarify their specific significances and, at the same time, to elucidate the visual and semantic processes through which Parmigianino elaborated the figurative discourses that his portraits convey, in the artistic, cultural, social and political context of their creation. To reach this goal, several methodological approaches are used. The disseration begins with a close study of the artistic history of Parma between 1500 and 1540 and an analysis of the traditions related to portraiture in the city, with regard to its many cultural and political relations to other regions and states (Milan, Venice, Bologna, Florence and Rome). The political history of Parma during the first half of the Cinquencento is an other field of research. Its purpose is to articulate the many institutionnal transformations of the comune, the conquest of Parma by several foreign powers between 1499 and 1520, until the creation of the Duchy of Parma and Piacenza by Pope Paul III, with the market and practices of portraiture. After this close examination of the context, Parmigianino’s portraits are analyzed through a trans-disciplinary approach that deals with art history, cultural history (literature, history of the book, emblems, traditions of rethoric, linguistic debates), social and political history)

Jean-Baptiste Bodoni (1740-1813) est l’un des imprimeurs les plus célèbres du monde occidental et, pour l’Italie, le dernier représentant de la « Typographie d’Ancien Régime » en même temps que le premier des « modernes ». Il a en effet été le dernier capable de dessiner, graver et fondre lui-même ses caractères, tout en exerçant conjointement l’imprimerie et la librairie. Après lui, l’industrialisation du livre commence : les activités qu'il réunissait dans son entreprise, selon la tradition remontant à la naissance de l’imprimerie, se scindèrent sans retour, tandis que la production imprimée s’adressait désormais à la fois à des marchés plus vastes et à des publics différents et plus larges. Les tirages de masse s'accompagnèrent d'une baisse de la qualité et d'une plus grande banalité du style. Grâce à Angelo Pezzana, directeur de la Bibliothèque de Parme au XIXème siècle, les outils utilisés par Bodoni pour fabriquer les caractères, mais aussi ses archives et une collection complète des volumes produits par son atelier, ont été conservés jusqu’à nos jours. Il est donc possible de reconstruire la vie de Bodoni, en insistant notamment sur ses rapports avec les cours d’Europe et avec le marché de la bibliophilie, sur les conditions et les pratiques de travail dans la fonderie de caractères et dans l’imprimerie, et sur la genèse des ouvrages les plus célèbres. La fortune qui a été la sienne remonte aux décennies qui suivent sa disparition et se prolonge jusqu’à aujourd’hui, où les caractères Bodoni sont utilisés dans les graphismes publicitaires et dans les revues, ainsi que pour les marques de mode. Ils sont, toujours, des symboles de l’élégance, de la simplicité, et en même temps du luxe et de l’italianité<br>Giambattista Bodoni (1740-1813) is one of the most famous printers of the western world and, for Italy, the last representative of the "Ancien Régime Typography" at the same time as the first "modern". It has indeed been able to make his own characters while exercising together printing and book trade. After him, the industrialization of the book begins: the activities he met in his company, according to tradition dating back to the birth of printing, divided without return, while print production is now addressed to both larger markets and different and wider audiences. Mass prints were accompanied by a decline in quality and of greater banality of style. With Angelo Pezzana, director of the Library of Parma in the nineteenth century, the tools used by Bodoni for making type, but also its archives and a complete collection of volumes produced by his typography, have been preserved until today. It is therefore possible to reconstruct Bodoni of life, with particular emphasis on its relations with the courts of Europe and the market for bibliophile, on the conditions and labor practices in the foundry of characters and in printing, and the genesis of the most famous works. His fortune follow his death and continues until today, where Bodoni characters are used in graphics and for publications and magazines, as well as for fashion brands. They are always, symbols of elegance, simplicity, and at the same time of the luxury and of the Italian style