Thèses : « Cinéma et littérature »

1

Menegaldo, Gilles. « Fantastique et représentation : littérature et cinéma ». Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999AIX10007.

Texte intégral

Résumé :

Le propos de ce doctorat d'etat est d'interroger le concept de fantastique dans le double champ des etudes litteraires et cinematographiques. La notion de representation est prise dans un sens large qui depasse le cadre du pictural. La question des formes de la representation se pose de maniere specifique pour les oeuvres litteraires et filmiques qui relevent du fantastique puisqu'il s'agit d'une representation de l'irrepresentable. La premiere partie de ce travail concerne l'oeuvre de h. P. Lovecraft qui se situe au croisement de differents genres et permet d'etudier les modes de la representation fantastique entre implicite et explicite, reticence et exhibition. . . .

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

2

Preto, Antonio. « Manoel de Oliveira : cinéma et littérature ». Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070089.

Texte intégral

Résumé :

Commencé du temps du muet et se poursuivant jusqu'à nos jours, le parcours créatif du réalisateur portugais Manoel de Oliveira a accompagné les plus importantes transformations de l'histoire du cinéma. Le rapport avec la littérature est une des dimensions les plus originales de cette œuvre ainsi qu'un des angles d'étude qui permet de mieux en dégager les aspects les plus originaux, sans pour autant réduire l'hétérogénéité des réalisations à un ensemble stabilisé. La multiplicité des interrogations esthétiques et épistémologiques qui guident l'approche oliveirienne des objets littéraires oblige à repenser la notion d'adaptation, à réévaluer les frontières entre théâtre et cinéma ainsi qu'entre documentaire et fiction
Started at time of mute cinema and coming until the present days, the creative course of Portuguese director Manoel de Oliveira has accompanied the most important transformations of cinema history. The relation with literature is one of the most original dimensions of this work and one of the angles of approach that permits to appreciate his most distinctive configurations, without reducing the heterogeneity of the realisations to a stabilized body of work. The multiplicity of aesthetical and epistemological interrogations that guide the approach of Oliveira to literary objects forces to rethink the notion of adaptation and to revaluate the boundaries between theatre and cinema, documentary and fiction

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

3

Jaime, Antoine. « Littérature et cinéma en Espagne (1975-1995) ». Toulouse 2, 1998. http://www.theses.fr/1998TOU20061.

Texte intégral

Résumé :

Recadrées dans leur dimension économique, commerciale et industrielle, les relations esthétiques entre littérature et cinéma sont analysées du point de vue du créateur : comment est rendue à l'écran l'expression littéraire, depuis les figures rhétoriques jusqu'aux sensations affectives et les idées. Exemples tirés de la production espagnole. Une méthode d'analyse des œuvres, applicable aux deux arts, ainsi qu'une typologie des recréations (films nés de textes préexistants) sont proposées. L'historique des recréations en Espagne entre 1975 et 1995, associé à l'analyse d'œuvres significatives, montre l'influence de la littérature sur le cinéma, dans l'évolution de ce dernier vers des techniques d'écriture plus fines. Filmographie des recréations espagnoles (cinéma et télévision) pour chacune des vingt années. Bibliographie. Index des œuvres, des auteurs et realisateurs
The aesthetic relations beetween literature and cinema are set into their economical, industrial and commercial dimensions; they are analysed from the creator's point of view: how the literary expression is conveyed on the screen, from rhetorical figures up to emotional feelings and ideas. Examples taken from the Spanish production. A method to analyse works, applicable to both arts, and a typology of recreations (films from pre-existing texts) are proposed. The review of the recreations in Spain between 1975 and 1995, combined with the analysis of signficant works shows the influence of literature on the cinema in the evolution of the latter towards subtle writing technics. Filmography of the Spanish recreations (cinema and television) for each of the twenty years. Bibliography. Index of works, authors and film-directors

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

4

Malizia, Lydie. « L'enfant dans la littérature et le cinéma fantastiques ». Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030143.

Texte intégral

Résumé :

L’enfant fantastique, un personnage difficile à cerner. De quel côté se situe-t-il, du réel ou du surnaturel ? Est-il innocent ou corrompu ? Quelle place la psychanalyse occupe-t-elle dans la création de ce personnage ambigu ? Comment expliquer que l’irruption de ce personnage dans la littérature fantastique coïncide avec la naissance du cinéma et de la psychanalyse ? C’est ce que nous proposons d’analyser, dans cette thèse, à travers six œuvres romanesques Le Tour d’écrou de Henry James, Les Coucous de Midwich de John Wyndham Rosemary’s Baby d’Ira Levin, L’Exorciste de William Peter Blatty, L’Autre de Thomas Tryon, Shining de Stephen King et leurs adaptations cinématographiques, Les Innocents de Jack Clayton, Le Village des damnés de Wolf Rilla, Rosemary’s Baby de Roman Polanski, L’Exorciste de William Friedkin, L’Autre de Robert Mulligan, Shining de Stanley Kubrick. Une poétique et une esthétique de l’enfant fantastique se construisent par une typologie inhérente à l’enfance, par une étude des procédés narratifs spécifiques au roman et au cinéma, par l’examen de l’univers représenté et enfin par une analyse des représentations métapsychologiques. L’enfant fantastique s’avère être un personnage médium, intermédiaire, un faux-semblant qui scandalise par son apparente innocence
The child of the Fantastic, an uneasily definable character. Which side is he on : natural or supernatural ? Is he innocent or corrupt? What part does psychoanalysis play in the creation of this ambiguous character? How to explain that the character’s irruption in literature of the Fantastic coincides with the birth of cinema and psychoanalysis ? That is meant to be analysed in this dissertation through six novels: The Turn of the Screw by Henry James, The Midwich Cuckoos by John Wyndham, Rosemary’s Baby by Ira Levin, TheExorcist by William Peter Blatty, The Other by Thomas Tryon, Shining by Stephen King, and their adaptation for the screan, The Innocents by Jack Clayton, Village of the Damned by Wolf Rilla, Rosemary’s Baby by Roman Polanski, TheExorcist by William Friedkin, The Other by Robert Mulligan, and Shining by Stanley Kubrick. A typology which is inherent in childhood, a study of the distinctive narrative process of novels and cinema, the analysis of the depicted world and of the metapsychological representation build a poetics and an aesthetics of the Fantastic child. He turns out to be a middle-term, intermediate character, a pretence whose apparent innocence scandalizes

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

5

Cléder, Jean. « Entre littérature et cinéma : Eric Rohmer : esthétique et ontologie de la séduction ». Rennes 2, 1995. http://www.theses.fr/1995REN20023.

Texte intégral

Résumé :

L'oeuvre cinématographique d'Eric Rohmer présente d'abord une dimension littéraire par la facture de ses dialogues, mais elle rencontre aussi la littérature par la voie de traductions, d'adaptations et de références aux textes classiques ; enfin, l'auteur a également transposé ses propres textes à l'écran. L'analyse de ses films a suivi une double perspective : tout d'abord, exploitant les récents travaux en matière de narratologie cinématographique, nous avons cherché à décrire la modification des procédures d'énonciation, de représentation au passage du texte à l'écran. Le décloisonnement des disciplines s'est ici avéré fructueux, dans la mesure ou l'étude du récit littéraire éclairé le récit cinématographique et inversement. D'autre part et chemin faisant, nous avons tenté d'approfondir notre compréhension de l'oeuvre d'Eric Rohmer envisagée pour elle-même. Souvent juges superficiels, ses films recèlent une réflexion cohérente sur le récit, la séduction, le langage, la fondation de l'être par le langage. Des rapprochements avec la littérature classique (Marivaux, Musset, Mallarmé) ont alors permis de mettre en lumière la pertinence d'une interrogation sur le pouvoir des mots. C'est sur ce terrain que les films d'Eric Rohmer interrogent notre époque - d'autant plus librement c'est sur ce terrain que les films d'Eric Rohmer interrogent notre époque - d'autant plus librement que sa production est détachée de toute contrainte commerciale. L'étude de ses derniers films fait apparaître une critique très radicale du langage, de la rhétorique. En effet, la logique de la "communication" impose un divorce paradoxal entre le monde et ses images, les mots et les choses, entre les êtres et leur propre langage, de sorte que le discours (politique; amoureux; narratif et cinématographique) se vide de sa propre substance, de sa propre crédibilité. Si elle est mise en scène avec humour, notons qu'Eric Rohmer propose aussi quelques solutions a cette prostitution de la représentation

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

6

Hermosilla, Caroline. « Esthétique et dialectique de l'Utopie au cinéma ». Thesis, Montpellier 3, 2015. http://www.theses.fr/2015MON30045.

Texte intégral

Résumé :

L'utopie est une notion omniprésente dans l'histoire et la psychologie humaine car elle inspire, quelle que soit sa forme, l'espoir en une amélioration. Sa forme initiale a été créée par l'humaniste et le philosophe Thomas More dans l'ouvrage L'Utopie ou le Traité de la meilleure forme de gouvernement écrit en 1516. L'auteur se propose, à travers la réitération d'un raisonnement ancien, d'analyser et de réformer la politique contemporaine de l'Angleterre. La particularité de cette réflexion très détaillée est d'être écrite sous l'aspect d'une fiction imaginaire. La vertu polémique ainsi que sa résonance sociale ont fait du texte un modèle philosophique, politique et littéraire atemporel.Au cinéma, L'Utopie n'apparaît pas de manière significative. Cette particularité est due à ce que le cinéma a davantage développé des utopies, très variées et très éloignées de la matrice originelle, qui ont favorisé son effacement. Mais de nombreux éléments narratifs et structurels propres au récit de Thomas More et relevés dans plusieurs films attestent de sa présence. L'œuvre n'est toutefois jamais citée par les cinéastes de façon formelle. Cette étude vise donc à évaluer concrètement la représentativité de l'œuvre dans le champ cinématographique et à appréhender la nature de la réactivation de la pensée utopique par les cinéastes aussi bien sur le plan artistique que social
Utopia is an omnipresent notion in history and human psychology as it inspires, whatever its form, hope for improvement. Its first form was created by the humanist and philosopher Thomas More's Utopia in the book Utopia or the Treaty of the best form of government written in 1516. The author proposes, through the reiteration of an old argument, analyze and reform the contemporary English's politics. The peculiarity of this very detailed reflection is to be written as an imaginary fiction. Virtue controversy and its social resonance of the text became a philosophical model, political and literary timeless.In film, Utopia does not appear significantly. This peculiarity is due to this that cinema has further developed utopias, very varied and far removed from the original matrix, which favored its deletion. But many narrative and structural elements specific to Thomas More's account in several films and readings attest to his presence. The work is however never cited by formally filmmakers. This study therefore aims to concretely assess the representativeness of the work in the film field and understand the nature of the reactivation of utopian thinking by filmmakers both artistically and socially

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

7

Vogt, Catherine. « Performativité dans l'oeuvre de Duras, entre littérature et cinéma : l'image sonore ». Paris 7, 2008. http://www.theses.fr/2008PA070093.

Texte intégral

Résumé :

Partant de la tentative d'un classement des textes de duras selon les genres littéraires, nous avons constaté l'éclectisme de l'œuvre. La confusion des catégories traditionnelles émane de thématiques récurrentes qui s'articulent comme des tentacules autour des phrases narratives. Le processus d'écriture et de réécritures dans l'œuvre se singularise par l'énonciation de textes toujours à venir. L'œuvre est sérielle. Les personnages se croisent, se perdent et se retrouvent -ou ne se retrouvent pas – d’un texte à l'autre. La temporalité se dissout dans l'irréel pour rendre présente une vérité de la littérature - noire comme l'image noire de l'homme atlantique. Le texte-film, nouvelle donnée textuelle dans la littérature du xxeme siècle, contient le texte, le film, leurs limites et leur commentaire. C'est le picaro de la littérature à tiroirs dans lequel le film apparaît comme contre-type du texte. Est-ce un film ? Dans le cinéma de duras, personnage que l'on voit à l'écran tout en la regardant regarder, dans le camion par exemple, toutes les images s'effacent les unes après les autres au rythme de la musique qui module l'espace. L'acte de langage chez Duras c'est le langage cinématographique par lequel le spectateur crée ses propres représentations. De ah! Ernesto (texte illustre pour enfants) a la pluie d'été (roman) en passant par les enfants (film), les cycles d'écriture dans l'œuvre, du déni à la forclusion, placent l'auteur et son lecteur au bord du gouffre de la fiction, au bord de dieu, que l'homme devra réinventer au lendemain des fascismes
From the attempt of classification of texts by Duras literary genres, we found the eclecticism of the work. The confusion of classes taken from traditional recurring themes articulated tentacles as around phrases narratives. The process of writing and rewrite in progress is characterized by the elaboration of texts always come. The work is serial the characters intersect/are lost and endup - or are not - a text to another. Temporality dissolves into unreality to make this one the literature of truth - black as the black image of l'homme atlantique. Text-film, new data in textual literature of the twentieth century, contains the text, film, their limits and comment picaro is the literature of the drawer in which the film is back type of text is this film? In the cinema of Duras, character on the screen is a while watching the view in le camion for example, all images disappear one after the other to the rhythm of music which modulates the spacebar. The language in the language is Duras film by which the spectator creates its own representatives, ah! Ernesto (text illustrations for children) in la pluie d'ete (roman) via les enfants (film), cycles of writing in the work of denial to the bar placenta the author and the reader board gorge fiction, at the edge of god that must reinventing the man in the aftermath of fascism

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

8

Ouakaoui, Nawel. « Le regard de l'enfant dans la littérature et le cinéma maghrébins ». Grenoble 3, 2002. http://www.theses.fr/2003GRE39003.

Texte intégral

Résumé :

L'enfance est une figure quasi incontournable de l'écriture maghrébine, écriture littéraire mais aussi cinématographique. En parcourant un large corpus constitué d'oeuvres maghrébines d'expression française, nous constatons que le personnage de l'enfant occupe souvent une place de choix et la résurgence de sa présence montre d'une certaine manière tout l'enjeu du texte maghébin. Les nombreux travaux effectués sur le thème de "l'enfant" placent ce personnage en position "d'objet regardé" ; ils approchent ainsi son univers à travers un regard d'adultes : regard, rappelons-le, "codifié" et sans contexte, empreint de préjugés. Or qui peut affirmer connaître suffisamment le monde de l'enfant, si ce n'est l'enfant lui-même? Cette constatation nous a donc amenée à réflechir sur lui, sur sa vie et sur la manière dont il évolue dans sa propre sphère et dans celle des autres, en observant les comportements de tous ceux qui l'entourent.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

9

Louguet, Patrick. « Le Film dans ses rapports aux arts, à la littérature et à la philosophie : (et son insertion dans les registres pédagogiques et culturels de la communication audiovisuelle) ». Lille 3, 1995. http://www.theses.fr/1995LIL30015.

Texte intégral

Résumé :

L'analyse filmologique est de droit comme de fait une entreprise ouverte. Le travail de classification en genre et en especes - activité intellectuelle caractérisée par Aristote - quoiqu'utile, s'avère insatisfaisant lorsqu'il porte sur ces objets contemporains que sont les oeuvres cinématographiques : chaque film est une oeuvre, c'est à dire un objet original qui impose une analyse au cas par cas. Soit en amont, du côté de son apparition, la relation qui lie un réalisateur - et son équipe - à un film. Soit en aval, du côté de sa réception, la relation qui se noue entre le film une fois constitué et son spectateur. L'enjeu de sa création comme de sa réception passe par un accueil, une disponibilité de l'invention et / ou du regard. De telles postures s'enracinent dans la tradition phénomenologique de la philosophie contemporaine. Ce n'est pas tomber dans l'anthropomorphisme que d'insister sur le rôle du réalisateur dans la création de ce qui n'est après-tout, et fort heureusement, qu'une chose humaine. Ce n 'est pas tomber dans la réduction psychologique que d'insister sur la position accueillante du spectateur : d'où la nécessité de distinguer entre subjectivité spectatorielle et subjectivité spectatoriale. Analyser, c'est appliquer de facon vivante les concepts opératoires, quitte à les adapter aux besoins de la prise en compte des singularités, tant sont riches et complexes les relations qu'un film entretient avec la littérature, les arts plastiques et musicaux et la philosophie. Il ne s'agit pas non plus d'imposer de l'extérieur des cadres conceptuels qui s'avéreraient trop rigides. Dans le champ pédagogique, celui de l'entrelacement de paroles se développant a partir du film et sans jamais le quitter, c'est l'ouverture qui s'impose. Les études cinématographiques en appellent donc à une poétique de la communication capables de cultiver le génie de l'equivoque pour reprendre le mot de Maurice Merleau-Ponty
The analysis of films is both legitimaly and effectively opened. The task of classification into types and species - int ellectual activity characterized by Aristote - though useful turns out to be unsatisfying when it deals with the contemporary objects than film works are. It is brought to the fore that it deals with a work each time, that is to say an original or unique object which requiries an individual analysis. Either upstream, concerning it appareance the relationship between the director and his team - and the film. Or downstream, considering its reception the relationship between the film once completed and the audience. The stake of its creation, as well as the stake of its reception goes through a welcome, an alertness of invention and or sight. Such positions are rooted in the phenomenological tradition of contemporary philosophy. We will not lapse int o anthropomorphism if we insist on the part played by the director in the creation of what is after all, and fortunately , nothing but a human thing. We will not lapse into psychological reduction if we insist on the receptive position of th e audience : hence the need to distinguish the "subjectivite spectatorielle" from the "subjectivite spectatoriale". Analysing means, putting into practise as follows the operating concepts : we must adapt them or alter them to the needs of the taking into account of the peculiarities; the relationship between a film and literature, plastic and musical arts and philosophy being so rich and complex. We do not want either to impose from the outside conceptuals frames which would be too rigid and univocal. Thence in the educational field the intertwining of words coming from the film and without leaving it, polysemy of communication must be the rule, according to "the genius of ambiguity" to quote Maurice Merleau-Ponty

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

10

Apap, Anabel. « La migration et le déplacement comme manifestations de la violence dans la littérature et le cinéma méditerranéens et sub-sahariens francophones (1990-2010) ». Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL045.

Texte intégral

Résumé :

La migration est l’une des questions les plus troublantes dans le monde contemporain. Elle expose la fragilité de l’être humain qui se trouve dans une situation de changement radical et de transition tumultueuse. À cause de la violence qui est impliquée dans ce processus, le sujet plonge dans une position de vulnérabilité aiguë et la représentation de cet aspect dans la littérature et le cinéma francophones est saisissante et puissante. Notre travail considère le vécu difficile du migrant et la violence qui est exercée sur ce dernier à partir de trois grands axes ; le point de départ, le voyage et le point d’arrivée. Les auteurs et les réalisateurs qui, dans leurs œuvres, traitent de la figure du migrant ou l’incluent, révèlent la réalité complexe de l’expérience de la migration qui, dans la conscience collective occidentale, est généralement tronquée, simplifiée et/ou complètement écartée. L’étude de la représentation littéraire et filmique permet d’explorer les stratégies artistiques qui sont employées pour dire et montrer l’expérience au lecteur/spectateur et d’établir un réseau de connexions qui concrétise la souffrance et le tourment que l’Autre, pris dans le piège de la migration, subit
Migration is one of the most disturbing and soul-searching issues in the contemporary world. It exposes the fragility of the human being who finds himself in a situation of radical change and turbulent transition. Owing to the violence involved in the process, the subject is plunged in a position of acute vulnerability and the representation of this aspect in francophone literature and cinema is striking and powerful. This work examines the difficult life of the migrant and the violence that is exerted on the latter from three main axes; the starting point or the point of departure, the voyage and the point of arrival. The authors and filmmakers who, in their works, deal with the figure of the migrant or include it, reveal the complex reality of the experience of migration which, in Western collective consciousness, is usually truncated, simplified and/or dismissed completely. The study of the literary and cinematic representation allows for the exploration of the artistic strategies employed to transmit the experience to the reader/spectator and for the establishment of a network of connections which concretises the suffering and the torment that the Other, caught in the snare of migration, endures

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

11

Baumann, Roland. « Georges Bataille et le cinéma ». Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100150.

Texte intégral

Résumé :

La philosophie d'aujourd'hui, perdue parmi tant d'autres discours, est en dissolution. Face à l'impossibilité de penser la totalité du monde technique, elle sombre dans le non-savoir. En voie de disparition, il ne lui reste plus qu'à démontrer les conditions de sa propre impossibilité. Malgré cette vision pessimiste de l'avenir de la philosophie, nous n'avons pas tenté dans notre travail de réduire une oeuvre aussi multiple et disparate que celle de Bataille - qui serait par-là dépourvue de toute signification philosophique - à un ensemble de faits biographiques. Le cinéma a joué un rôle décisif dans la vie et la pensée de Bataille. Il a profondément marqué son oeuvre. Nous voulons avant tout démontrer ce rôle, en particulier dans L'Expérience intérieure et les autres écrits de la Somme dite athéologique, ainsi que dans les principales Oeuvres littéraires posthumes
Nowadays, philosophy which has become lost among other discourses, is in the midst of dissolution. Confronted with the impossibility of analyzing the totality of the technical world, it is swallowed up by unawareness. While in the process of vanishing, it can only show the conditions of its own impossibility. Despite this pessimistic vision of the future of philosophy, we haven't resorted in our study, to scale down such a multiple and dissimilar work, as that of Bataille - which would be an act short of any philosophic signification - into a collection of biographical facts. Cinema plays a decisive role in the life and thoughts of Bataille. It has profoundly influenced his work. Above ail, we want to show this role, and in particular The Inner Experience and other writings of the Somme (so called Atheologic), as well as in the principal Posthumous Literary Works

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

12

Gris, Fabien. « Images et imaginaires cinématographiques dans le récit français (de la fin des années 1970 à nos jours) ». Phd thesis, Université Jean Monnet - Saint-Etienne, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00940135.

Texte intégral

Résumé :

Le cinéma est devenu, pour la génération d'écrivains français apparue à la fin des années 1970, un véritable référent culturel, au même titre que la bibliothèque ou la galerie de peintures. Cette génération est la première à s'être revendiquée comme authentiquement cinéphile, nourrie de films, d'images et de " mythologies " proprement cinématographiques. Des œuvres fort différentes manifestent ainsi, chacune à leur manière, le rôle désormais incontournable du cinéma au sein de la littérature, construisant une véritable poétique intersémiotique. Le cinéma peut intervenir thématiquement dans le récit, sous le régime de l'allusion, de la référence ou de la reprise de codes génériques ; mais il fonctionne aussi comme schème opératoire dans le système de la représentation romanesque.La littérature contemporaine envisage le cinéma, au sein d'une narrativité partagée, comme un répertoire de récits, qui enclenche ou condense ses propres mouvements narratifs ; tout récit s'inscrit alors dans du " déjà raconté " qu'il s'agit de d'investir, de détourner, voire de subvertir. Mais la référence littéraire au cinéma cristallise également de nombreuses obsessions propres au récit français actuel : la figuration et la figurabilité, la difficile saisie du réel par le texte, la saturation fictionnelle de notre environnement, le rôle du stéréotype. Elle révèle enfin la présence d'un sujet qui tente de se définir à travers les figures d'une cinémathèque intime et collective, en quête mémorielle et identitaire, marqué par un rapport spectral et mélancolique au monde. Les formes problématiques du je de la littérature actuelle se définissent donc par le biais d'une " cinéphilie littéraire. "

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

13

Ménard, Claire. « L’Insoutenable flexibilité de l’Être : réseaux et errances dans la littérature et le cinéma contemporains ». Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080151.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse étudie les représentations littéraires et filmiques des évolutions sociétales dues à l’introduction des réseaux et de la flexibilité dans nos modes de vie contemporains. Mon approche s’attache à décrire la façon dont le rhizome Deleuzien peut être conçu comme un concept qui problématise la représentation de cette évolution. En effet, le rhizome est un concept qui définit l’espace discursif comme un lieu de connections et d’interconnections, donc comme un réseau. Pour Deleuze et Guattari, cette manière d’identifier le discours participe à une critique des catégories qui organisent le savoir et permet de mettre en évidence le caractère centripète et non-linéaire des structures qui régissent la création de sens, ce qui me permet de m’attacher à la description de nouvelles formes de représentations, de communication et de signification qui trouvent leur particularité dans leur nature polymorphe et leurs mutations constantes.Cet état de chose permet d’ouvrir le potentiel de créativité des arts et des agents d’innovations économiques et sociales. Néanmoins au XXIème siècle, le capitalisme fonctionne de plus en plus comme un rhizome, c’est à dire comme une structure polymorphe et en mutation constante, ce qui oblige donc de plus en plus les individus à s’adapter en permanence pour appartenir à ce nouveau monde flexible. Cette adaptation perpétuelle crée un malaise mis en évidence par le concept d’« insupportable flexibilité de l’être » (nommé de cette façon par l’auteure de cette thèse en hommage à Milan Kundera). Cette thèse analyse la manière dont cette flexibilité forcée de la société est représentée en cinéma et en littérature dans le travail de Jean-Echenoz, Jean-Philippe Toussaint, Michel Houellebecq, Marie Redonnet et Eric Chevillard, et dans les films de Leos Carax, Laurent Cantet, Nicolas Klotz, Noémie Lvovsky, Jean-Marc Moutout et Cédric Klapisch
This dissertation studies representations – in contemporary French and Francophone literary fiction and feature films – of the developing condition associated with global markets and networking technology; a condition that the word “flexibility” aptly summarizes. My approach to this issue draws on the “rhizome” concept proposed by Gilles Deleuze and Felix Guattari – that is, on the idea of a discursive space in which everything is connected and which therefore functions like a network. As the Deleuze and Guattari critique of categorization highlighted the non-linear and non-centrifugal nature of the structures governing the creation of meaning, it can also help us study new forms of representation, communication and signification which are by essence both polymorphic and in constant mutation. This state of affairs supposedly gives more room to creativity and innovation; it can be argued, nevertheless, that in the 21st century, capitalism itself behaves more and more like a rhizome, that is to say an ever-changing and polymorphic structure, which forces human beings to constantly adapt in order to fit into this world, thereby becoming more flexible. We have only begun to take stock of this ongoing process of enforced flexibility, and of the suffering that may result from it for the ever-adapting humanity that we have become. My dissertation calls this anguish or unease courtesy of Milan Kundera – “the unbearable flexibility of being.” This research aims at studying this anguish in French Contemporary Literature and Films in works of literature by Jean Echenoz, Jean-Philippe Toussaint, Michel Houellebecq, Marie Redonnet and Eric Chevillard and in films by directors such as Leos Carax, Laurent Cantet, Nicolas Klotz, Noémie Lvovsky, Jean-Marc Moutout and Cédric Klapisch

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

14

Bonhomme, Bérénice. « Claude Simon, la passion cinéma ». Nice, 2008. http://www.theses.fr/2008NICE2016.

Texte intégral

Résumé :

La critique simonienne s’est déjà penchée sur les rapports de l’œuvre de Claude Simon à l’image, peinture ou photographie, mais le lien au cinéma n’a jamais donné lieu à une étude approfondie. Ma recherche met donc au jour les liens complexes de Claude Simon à l’image cinématographique et je fais porter mon effort d’analyse sur ce dialogue toujours renouvelé entre écriture et réalisation filmique, afin de montrer dans quelle mesure le passage d’un langage à une autre influence notablement le processus créatif chez Claude Simon. L’écrivain a commencé, on le sait, à écrire un découpage pour l’adaptation de La Route des Flandres dès 1961, mais le projet a échoué. Ce que, dès lors, je tente de mettre en évidence, c’est l’histoire d’un rendez-vous manqué dont la dynamique va pourtant enrichir toute une œuvre littéraire. J’étudie ainsi, dans un premier temps, comment l’influence du dispositif cinématographique transparaît dans bien des aspects de l’écriture simonienne : importance de la vision, cadre, lumière ou montage, qui ont tous marqué cette écriture, l’ont inspirée, modifiée, structurée ou déconstruite. Puis, un voyage, opéré dans la géographie cinématographique du spectateur-Claude Simon, met en évidence un auteur imprégné de cinéma, un véritable « enfant de cinéma ». J’ai pu déceler dans l’œuvre la trace des expériences de l’écrivain en tant que spectateur. Ainsi a-t-il été marqué par les débuts du cinéma, le burlesque, les films surréalistes, la mythologie hollywoodienne, la dynamique pornographique et le western. Enfin, l’observation des deux seules tentatives concrètes d’adaptation cinématographique par l’écrivain, le découpage de La Route des Flandres et le court-métrage inspiré de Triptyque, pleines à la fois d’enthousiasme et de déception, permettent d’éclairer les relations ambiguës qu’entretient Claude Simon avec cet art et ses choix en tant que réalisateur potentiel. . .
Critics of Claude Simon have already studied the relation of his work to the image, whether photographic or pictorial, but the links with cinema have never been seriously studied. This is why my own research intends to explore the complex links between his work and the cinematographic image, and why I focus my analysis on the endlessly recycled dialogue between writing and film production, in order to show how the transition from one medium to another influences in particular Claude Simon’s creative procedures. It is well known that the writer started to devise a film scenario for his novel La route des Flandres as early as 1961, but that this project floundered. What I hope to demonstrate is that this failed encounter did however engender and enrich the dynamics of a whole literary enterprise. I also undertake in the first instance a study of the way in which the machinery of the cinema sometimes quite transparently influences several aspects of the style of Simon’s writing : notably in terms of viewing, framing, lighting and montage, which have all left their mark on his writing, and have indeed inspired, inflected, structured or deconstructed it. I then proceed to explore the cinematographic geography of Claude Simon, seen as spectator, in order to throw new light on an author born and bathed in the cinema. I follow the author’s progress as writer and cinema viewer. I show how he was marked by encounters with cinema, from the birth of the movies, the burlesque and surrealist film, to the mythical age of Hollywood, including the Western, through to the explosion of porn. And finally, observing the writer’s two concrete proposals for film adaptation of his novels, the montage for La route des Flandres and the documentary inspired by Triptyique, both brimming with enthusiasm and disappointment, I am able to throw new light on the ambiguous relations elaborated between Claude Simon as writer and artist and Claude Simon faced with the choices of a potential film director

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

15

Pierron-Moinel, Marie-Josèphe. « La forme-balade dans le cinéma européen depuis 1945 : essai de définition ». Metz, 1992. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/1992/Pierron_Moinel.Marie_Josephe.LMZ925.pdf.

Texte intégral

Résumé :

Cette lecture transversale est conçue comme un point de convergence de différents instruments théoriques : sémiotiques, sémiologiques, narratologiques et vise à produite un "essai de définition" du concept de forme-balade énoncé par G. Deleuze dans "l'image-temps". Cette "mise à l'épreuve" d'un concept philosophique s'établit selon une perspective sémiotique aux niveaux de la substance du contenu (films de quête et d'errance); de la forme du contenu (narration -dysnarration); de la forme de l'expression (mise en scène, mise en cadre, mise en chaine), et enfin au niveau du discours (passage d'une énonciation implicite à une énonciation explicite). Dans les films relevant de la forme-balade, l'énonciation s'établit selon des procédures de disjonctions conjonctions qui se construisent selon une pluri-isotopie métaphorique, et dans des parcours ambigus, mouvants et pluriels. Ces différents de définition ouvrent quelques pistes : - la forme-balade serait constitutive de la modernité au cinéma dans le passage qu'elle effectue à un nouveau mode de pratique filmique fondé sur la dominance de la monstration sur la narration; - la narration (le fil conducteur du déplacement) se trouve déplacée au niveau de la monstration; - en tant que "super-genre" relevant d'un "cinéma de poésie", la forme-balade nécessite une approche rhétorique des figures
This transverse reading was conceived as a convergence of various theoretical instruments and as a trial put on the the philosophical concept of "wander-form" coined by G. Deleuze in this "image-temps". This definition attempt was applied from a semiotic standpoint to different levels of interpretation, from a thematic perspective (roaming vs. Quest) to a study of expression and utterance (shift from explicit utterances to implicit utterances) through an investigation into narrative devices. These definition elements delivered somme clues : - the wander-form may be a key elements of modernity in filming, as a shift to newer filming practices, which increasingly tend to resort to monstration instead of narration ; - narration (as a leading thread of movement) is changed into monstration : - as a "super-genre" originating in "poetry-filming", the wander-form requires a rhetorical approach of figures

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

16

Grandet, Hélène. « Imaginaire et initiation dans l'oeuvre d'André Delvaux, littérature et cinéma : Johan Daisne, Suzanne Lilar, Marguerite Yourcenar ». Toulouse 2, 2001. http://www.theses.fr/2001TOU20086.

Texte intégral

Résumé :

Cette étude dégage l'orientation initiatique propre à l'imaginaire d'André Delvaux dans l'ensemble de son oeuvre. A travers le travail d'adaptation de la littérature au cinéma, se dessine un projet de transformation du monde incluant le spectateur dans un pacte de lecture métaphysique. Les outils de la mytho-critique permettent de percevoir les enjeux principaux de l'initiation liés à la crise identitaire des personnages au sein de la réalité. Il en résulte une spatialité hybride, dans la mesure où la transposition de l'espace narratif et pictural repose sur le double clivage du Réel et de l'Imaginaire, du Profane et du Sacré. D'un point de vue sémiotique, cette esthétique surréaliste de l'hybridation nous confronte à l'ambivalence des images au niveau séquentiel et pose le problème de la stratégie de l'énonciation dans l'oeuvre filmique d'André Delvaux. Grâce au jeu de la manipulation énonciative, le spectateur participe à l'élaboration d'un processus symbolique cohérent qui doit déboucher sur une perception renouvelée du monde qui l'entoure. La création delvalienne propose donc une aventure onirique, marquée par la recherche d'un langage cinématographique inédit au service d'une quête fortement spirituelle
This thesis points out the elements of initiation which characterize André Delvaux'imaginary world in the whole of his work. Throughout the work of adaptation from Lierrature to Cinema, a project of world transformation arises including the spectator in an agreement of metaphysical reading. The mytho-criticism theory makes it possible to perceive the principal stakes of initiation linked to the identity crisis of the characters in the center of reality. The result is a hybrid spaciality, as the transposition of narrative and pictural space is expressed through the juxtaposition of Real and Imaginary, Profane and Sacred. From a semiotical point of view, this surrealistic esthetics confronts us wth the ambiguity of the images in each sequence as well as in the whole films, and presents the problem of the strategy of the enonciation in André Delvaux's fictional work. Thanks to the play of manipulation, the spectator participates in the elaboration of a symbolic coherent process which must lead to renewed perception of the world arround him. André Delvaux's creation suggests therefore an imaginary adventure, marked by the research of a cinematic and original language which is the expression of a highly spiritual quest

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

17

Singer, Isabelle Nathalie. « "De deux morts et de trois naissances", Robert Bresson et la littérature ». Paris 7, 2003. http://www.theses.fr/2003PA070055.

Texte intégral

Résumé :

Il y a chez Bresson un paradoxe de l'adaptation. Ce cinéaste veut faire de son art, un art autonome : le cinématographe, écriture avec des images et des sons, indépendante des autres arts. Pourtant, ses films, à de rares exceptions, sont des adaptations. Cette thèse s'intéresse au processus d'adaptation, à la transformation de la littérature en cinématographe, étape par étape : scénario, découpage, montage. Elle s'appuie principalement sur quatre films : "Les Dames du Bois de Boulogne" (1945, d'après Diderot), "Journal d'un curé de campagne" (1951) et "Mouchette" (1967) d'après Bernanos, et "L'Argent" (1983) d'après Tolstoi͏̈. L'adaptation chez Bresson n'est pas une simple mise en images de situations, de personnages et de dialogues, mais consiste à s'inspirer des procédés littéraires pour leur trouver des traductions intimes. Bresson affirme la spécificité de son art en se confrontant à la matière même de la littérature, en la recréant à chaque instant, avec ses moyens propres
The fact that nearly all the Bresson's films are adaptations is paradoxical. This film maker wants his art to be specific: the "cinematograph" is a writing with images and sounds, that is independent of the other arts. This thesis is about the process of adaptation, the transformation of literature into cinema, step by step : scenario, shooting, editing. It especially concerns four films: "Les Dames du Bois de Boulogne" (1945, adapted nom Diderot), "Journal d'un curé de campagne" (1951) and "Mouchette" (1967), adapted from Bernanos and "L'Argent" (1983, adapted from Tolstoi͏̈). The adaptation in the works of Bresson isn't a simple setting of words to images, but consists in drawing inspiration from the literary style to find its cinematographic equivalent. Bresson builds up his art in this confrontation with literature, in recreating it with his own means

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

18

Gauzi, Chloé. « Transferts culturels et vacillements identitaires dans la littérature et les arts de la postmodernité ». Thesis, Reims, 2014. http://www.theses.fr/2014REIML001.

Texte intégral

Résumé :

Longtemps utilisé avec réticence, intensément débattu par les théoriciens, le terme « postmoderne » abonde aujourd'hui, depuis les discours spécialisés jusque dans les sphères de la vie quotidienne, témoignant de la nécessité de penser une notion nouvelle, plus adéquate aux transformations qui ont affecté le monde contemporain. Quelles que soient les différentes perspectives adoptées par les théoriciens pour définir la postmodernité et débrouiller les liens qu'elle entretient avec les notions de postmodernisme, modernité et modernisme, toutes observent le même constat que, depuis la fin de la Seconde Guerre Mondiale, les sociétés occidentales sont le théâtre de profondes mutations culturelles et d'une crise généralisée de l'identité qui elle-même s'accompagne d'une véritable crise épistémologique. Dans un contexte de redéfinition de la notion de culture, dont les Cultural Studies ont mis au jour la nécessité d'étudier toutes les manifestations, qu'elles soient issues de la high culture ou de la pop culture, voire de la mass culture, les fictions contemporaines (littéraires, cinématographiques et audiovisuelles) témoignent, en même temps qu'elles les analysent, des problématiques qui agitent nos sociétés occidentales postmodernes et hypermodernes. Dans cette optique, étudier les diverses manifestations culturelles permet de discerner les différents modèles culturels (« cultural patterns ») qui fondent les identités individuelles et collectives
Long been used with reluctance, intensively discussed by theorists, the term “postmodern” is now pervasive, from specialized discourses to the very spheres of everyday life, testifying that it is necessary to think a new notion, more appropriate to the changes which have affected the contemporary world. Whatever are the different perspectives adopted by theorists to define postmodernity and to clarify its links to postmodernism, modernity and modernism, they all notice that, since the World War Two, western societies are the stage of deep cultural mutations and of a widespread identity crisis, which is itself accompanied by a genuine epistemological crisis. In a context of redefining the concept of culture, which Cultural Studies showed the necessity to study all the expressions, whether they are from high culture, pop culture, or even mass culture, contemporary fictions (literary, cinematographic, audiovisual) express, in the same time analyzing it, the issues of our western, postmodern and hypermodern, societies. According to that point, studying the various cultural manifestations helps discerning the cultural patterns that ground the individual and collective identities

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

19

Tassi, Graziano. « La capitale du « miracle économique » italien : Milan et ses représentations entre littérature et cinéma (1955-1965) ». Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100153/document.

Texte intégral

Résumé :

L’objectif de cette thèse est d’analyser comment la littérature et le cinéma ont représenté la ville de Milan au cours de la décennie 1955-1965, qui précède et suit de peu ce que la grande majorité des historiens appelle maintenant « le miracle économique » des années 1958-1963. Avec cette étude, nous avons essayé de retracer le portrait réel et imaginaire d’une ville qui, au moment du « miracle économique », semble connaître et contenir toutes les dynamiques de changement, qu’à une plus grande échelle connaît le pays tout entier. Pour ce faire, nous avons adopté une démarche interdisciplinaire qui nous a conduit à étudier les formes réelles de la ville à travers des ouvrages d’histoire, d’architecture, d’urbanisme et de sociologie pour ensuite les confronter avec leurs représentations imaginaires dans la littérature et le cinéma. Ce choix était dicté par la conviction que la complexité de la ville, en tant qu’objet d’étude, intègre divers niveaux de structuration : physique, économique, social mais également temporel et imaginaire. Cette thèse est composée de cinq parties qui vont de l’analyse de la forme urbanistique de la ville à l’examen de sa composition sociale. Au terme de notre travail nous pouvons ainsi dégager trois « images », en apparence contradictoires, qui semblent définir la ville lombarde : « la ville dynamique », « la ville du capital » et « la ville cristallisée ». Ces trois images s’expriment au travers d’une grande variété de modalités de représentation, de styles et de tons, qui semblent former une vaste mosaïque d’expressions artistiques reflétant la complexité, les relations, les contrastes et les conflits qui caractérisent la ville de Milan au moment du « miracle économique »
The aim of this dissertation is to analyse how literature and cinema have represented the city of Milan during the decade 1955-1965, which slightly precedes and follows what the majority of historians now call the “economic miracle” (1958-1963). This research attempts to retrace the real and the imaginary portrait of a city, whose experience and dynamics at the time of the “economic miracle”, appeared as a representative sample of Italy as a whole. This topic has been considered from an interdisciplinary perspective through works of history, architecture, urbanism and sociology, focusing first on the real forms of the city. These forms are then subsequently confronted with their imaginary representations through literature and cinema. This choice was dictated by the conviction that the complexity of the city, as an object of study, integrates various levels of structuration: physical, economic, social, but also temporal and imaginary. This dissertation is composed of five parts beginning with the analysis of the urban form of the city and ending with the examination of its social composition. After this investigation, three distinct, yet seemingly contradictory, images appear, which could define the Lombard city as “the dynamic city”, “the city of the capital” and “the crystalized city”. These three contradictory images are expressed through a large variety of modes of representation, styles and tones, which form a broad mosaic of artistic expressions reflecting the complexity, relations, contrasts and conflicts that characterize the city of Milan at the time of the “economic miracle”

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

20

De, Benedictis Sara. « Figures et métamorphoses de la douleur dans l’oeuvre de Pier Paolo Pasolini : littérature, théâtre et cinéma ». Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100012.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse se propose d’étudier sous le prisme de la douleur les œuvres poétiques, romanesques, cinématographiques et théâtrales de Pier Paolo Pasolini (1922-1975) dans le but de s’interroger sur ses représentations et ses métamorphoses et de tenter de donner un sens à son expression. Elle a pour objectif de montrer la fonction esthétique, symbolique et politique de la douleur : si celle-ci s’exprime à travers différentes formes et topoï auxquels l’auteur-cinéaste fait subir des torsions, la souffrance exhibée est accompagnée d’une joie – voire d’une jouissance (« ab joy ») – ou bien se transforme en rage et en révolte pour porter un regard critique sur la société issue du prétendu « miracle économique ». La production de Pasolini est étudiée selon une approche pluridisciplinaire qui s’appuie sur des ouvrages méthodologiques à caractère littéraire, philosophique, artistique et anthropologique. À travers la notion de « figure » on s’efforce de montrer comment, d’une œuvre à une autre, d’un texte en prose à une scène de film, d’un vers de poème à un monologue d’une pièce de théâtre, les « corps souffrants » et les lamentations entrent en résonance et se complètent. Dans la première partie, sont étudiées les proses narratives rédigées entre 1946 et 1950. La deuxième s’interroge sur la souffrance des subalternes, des peuples et des sujets en marge. Enfin on examine les métamorphoses que la douleur fait subir aux protagonistes des pièces de théâtre et « l’héritage » de l’œuvre de Pasolini, les modalités à partir desquelles divers cinéastes, artistes et écrivains s’inspirent de ses productions ou bien s’en détachent
This dissertation studies the works of Pier Paolo Pasolini (1922-1975) in the light of suffering with the aim of exploring its representations and transformations and of giving a meaning to its expression. The goal it is to show the esthetical, symbolic and political functions of pain: if it is expressed trough different forms and topoï – which are distorted by the author – in the narrative works, it is either accompanied by ostentatious joy (“ab joy”) or it is turned into rage and fury in order to offer a critical view of society at the time of the so-called “economic miracle”. This dissertation investigates Pasolini’s production through an interdisciplinary approach, relaying on works of literature, philosophy, art, history and anthropology. Through the concept of « figure » I mean to show how suffering bodies, lamentations and tears resonate from a poem to a movie, from a play to a novel. This dissertation is made up of three parts: it begins with the analysis of the narrative proses written between 1946 and 1950, then it focuses on the suffering of the wretched, the underclass, the outcasts, and finally it explores the way pain transforms the characters of the plays. The last chapter explores how contemporary filmmakers, novelists and street artists deal with Pasolini’s legacy

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

21

Héricault-Mullaly, Laurence. « Julio Cortázar et Manuel Antin : littérature et cinéma argentins des années 60 : la problématique de l'adaptation ». Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2005PA040107.

Texte intégral

Résumé :

Ce travail propose une analyse de trois longs métrages réalisés par Antin entre 1961 et 1964, adaptés de quatre récits fantastiques de Cortázar. L’analyse se fonde sur un recoupement des diverses méthodologies portant sur l’étude de l’adaptation d’une oeuvre littéraire au cinéma. Après une étude du contexte culturel de production de ces films et une approche de la spécificité de l’écriture cortazarienne, la thèse définit le pacte entre écrivain et réalisateur pour chacune des trois réalisations filmiques ainsi que le contexte de leur réception critique et publique. Cette étude permettra d’identifier les tensions éthiques et esthétiques qui marquent le passage d’un langage littéraire à un langage cinématographique. L’analyse se concentrera sur la progressive matérialisation de deux systèmes de pensées ayant en commun la fascination pour l’indicible. Julio Cortázar and Manuel Antin : Argentinian Literature and Cinema in the 1960's, the Problem of Adaptation
This work proposes an analysis of three feature films directed by Manuel Antin between 1961 and 1964, adapted from four of Julio Cortázar’s fantastic short stories. The analysis is based on the regrouping of various methodologies dealing with the study of the adaptation of a literary work to cinema. After a study of the cultural context of the production of these films and the approach to the specificity of Cortazarian writing, the thesis defines both the pact between the writer and director for each of the three films as well as the context in which the films were welcomed by the critics and the public. This study will allow us to identify the ethical and aesthetic tensions underlining the passage from a form of literary expression to a cinematographic expression. The analysis will concentrate on the progressive materialisation of two systems of thought that share a fascination for the ineffable

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

22

Delieuvin, Anaïs. « Les mythes américains au cinéma et en littérature : une dynamique artistique et anthropologique pour le Québec ? » Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040004.

Texte intégral

Résumé :

Les mythes américains génèrent des symboles et des stéréotypes fréquents dans l’imaginaire collectif. Leur usage dans la littérature québécoise exclut toute idéologie, privilégiant l’acte fondateur d’une nouvelle mythologie. Les mythes québécois se sont d’abord distingués de ceux de l’Amérique. Ils ont porté un regard critique sur la globalisation que peut susciter le territoire américain. En élaborant leur littérature nationale, les auteurs québécois de la Révolution tranquille ont formulé d’autres pistes interprétatives autour des mythes américains. L’américanité offre des perspectives anthropologiques fluides à l’adaptation du mythe au cinéma et en littérature. Le mythe tel que le définit Roland Barthes permet une interprétation contemporaine de chaque mythe québécois présenté dans cette étude. Le corpus est donc composé d’œuvres québécoises et étatsuniennes, de films de Denys Arcand et Clint Eastwood, de romans et textes argumentatifs de notre auteur tranquille référent, Jacques Godbout mais aussi de Jacques Poulin, Philippe Aubert de Gaspé, Antonine Maillet, Anne Hébert, Jack Kerouac
American myths generate recurring symbols and stereotypes in the collective imagination. In Quebec literature, the use of these myths ignores ideology, favouring the founding act of a new mythology. Quebec myths firstly distinguished themselves from American myths, carrying with them a critical perspective on the globalising process driven by the American territory. In developing their national literature, Quebec authors from the Quiet Revolution shaped new interpretations of American myths. Americanness offers changing anthropological perspectives for the adaptation of myths into film and literature. The myth as Roland Barthes defines it, enables a contemporary interpretation of each Quebec myth you can find in this study. Thus, the corpus in my dissertation is made up of Quebec and American works, movies directed by Denys Arcand and Clint Eastwood and novels or argumentative essays by the quiet author who is the subject of this dissertation, Jacques Godbout as well as Jacques Poulin, Philippe Aubert de Gaspé, Antonine Maillet, Anne Hébert and Jack Kerouac

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

23

Zeitz, Anne. « (Contre-)observations : les relations d'observation et de surveillance dans l'art contemporain, la littérature et le cinéma ». Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080051.

Texte intégral

Résumé :

Jamais les enjeux de la surveillance dans la société n’ont été autant mis en avant dans les discours politiques et la presse internationale que depuis les divulgations d’Edward Snowden sur les programmes de surveillance américains, durant l’été 2013. Plus d’une dizaine d’années auparavant, l’exposition CTRL [SPACE] au ZKM de Karlsruhe avait montré comment, depuis longtemps, les mécanismes de la surveillance, des médias de masse et la convergence de leurs fonctionnements se reflétaient dans l’art contemporain. Peter Weibel pointait dès les années 60, dans ses installations et ses écrits, les comportements contradictoires qui se développent dans une société de surveillance. De la société de surveillance à la société de contrôle, la société spectaculaire, puis post-Spectaculaire, jusqu’à l’actuelle société de sousveillance, c’est-À-Dire de la cybersurveillance et de la dataveillance, l’influence de ces mécanismes a toujours fait controverse. Alors qu’une approche artistique s’attache avant tout à la manipulation, voire à l’effacement de l’individu et de sa réalité, une autre approche se concentre sur les possibilités de créativité et d’inventivité qui se présentent à l’individu au sein d’une société caractérisée par la surveillance et les médias de masse. La présente recherche se situe dans la tension qui émerge entre ces deux positions. Le point de départ est le terme observer, qui renvoie à la fois à un acte perceptuel et à un acte d’adaptation. En même temps, tout acte d’observation s’insère nécessairement dans une « relation » d’observation. Et il faut envisager la réversibilité potentielle de la relation. En effet, l’art contemporain révèle des tactiques de contre-Surveillance et de contre-Observation, cette dernière étant révélatrice de la façon dont nous vivons les changements socio-Politiques – notamment depuis le 11 septembre 2001. Une théorie et une pratique de la (contre-)observation sont nécessaires afin d’analyser l’esthétique qui apparaît ainsi
He matter of surveillance has never been as present in political discourse and the international press as much as since the divulgence of the American surveillance programs by Edward Snowden in the summer of 2013. Nonetheless, more then 10 years earlier, the exhibition CTRL [SPACE] at the ZKM in Karlsruhe had widely shown how the mechanisms of surveillance and mass media and the convergence of their functioning had, for a long time, been reflected in contemporary art. Since the 1960s, Peter Weibel had already pointed to the contradictory modes of behaviour that develop in a society of surveillance in his installations and writings. From the society of surveillance to the society of control, the spectacular society, and then post-Spectacular society, to the current society of “sousveillance”, that is of cyber-Surveillance and dataveillance, the influence of these mechanisms has always been discussed with controversy. While one artistic approach focuses mainly on the manipulation, or even disappearance of the individual and their reality, another approach concentrates on the possibilities of creativity and inventiveness that present themselves to the individual in a society characterized by surveillance and mass media.The present doctoral thesis situates itself in the tension that emerges between these two positions. The point of departure is the term to observe that signifies a perceptual act as well as an act of adaptation. At the same time, every act of observation necessarily takes part in an observational “relationship”. Therefore, the potential reversibility of the relationship has to be taken into account. Effectively, contemporary art reveals tactics of counter-Surveillance and counter-Observation. The latter give insight into the way we deal with socio-Political changes – especially since the 11th of September 2001. A theory and a practice of (counter-)observation are necessary to analyze the aesthetics that have appeared in this regard

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

24

Zeitz, Anne. « (Contre-)observations : les relations d'observation et de surveillance dans l'art contemporain, la littérature et le cinéma ». Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080051.

Texte intégral

Résumé :

Jamais les enjeux de la surveillance dans la société n’ont été autant mis en avant dans les discours politiques et la presse internationale que depuis les divulgations d’Edward Snowden sur les programmes de surveillance américains, durant l’été 2013. Plus d’une dizaine d’années auparavant, l’exposition CTRL [SPACE] au ZKM de Karlsruhe avait montré comment, depuis longtemps, les mécanismes de la surveillance, des médias de masse et la convergence de leurs fonctionnements se reflétaient dans l’art contemporain. Peter Weibel pointait dès les années 60, dans ses installations et ses écrits, les comportements contradictoires qui se développent dans une société de surveillance. De la société de surveillance à la société de contrôle, la société spectaculaire, puis post-Spectaculaire, jusqu’à l’actuelle société de sousveillance, c’est-À-Dire de la cybersurveillance et de la dataveillance, l’influence de ces mécanismes a toujours fait controverse. Alors qu’une approche artistique s’attache avant tout à la manipulation, voire à l’effacement de l’individu et de sa réalité, une autre approche se concentre sur les possibilités de créativité et d’inventivité qui se présentent à l’individu au sein d’une société caractérisée par la surveillance et les médias de masse. La présente recherche se situe dans la tension qui émerge entre ces deux positions. Le point de départ est le terme observer, qui renvoie à la fois à un acte perceptuel et à un acte d’adaptation. En même temps, tout acte d’observation s’insère nécessairement dans une « relation » d’observation. Et il faut envisager la réversibilité potentielle de la relation. En effet, l’art contemporain révèle des tactiques de contre-Surveillance et de contre-Observation, cette dernière étant révélatrice de la façon dont nous vivons les changements socio-Politiques – notamment depuis le 11 septembre 2001. Une théorie et une pratique de la (contre-)observation sont nécessaires afin d’analyser l’esthétique qui apparaît ainsi
He matter of surveillance has never been as present in political discourse and the international press as much as since the divulgence of the American surveillance programs by Edward Snowden in the summer of 2013. Nonetheless, more then 10 years earlier, the exhibition CTRL [SPACE] at the ZKM in Karlsruhe had widely shown how the mechanisms of surveillance and mass media and the convergence of their functioning had, for a long time, been reflected in contemporary art. Since the 1960s, Peter Weibel had already pointed to the contradictory modes of behaviour that develop in a society of surveillance in his installations and writings. From the society of surveillance to the society of control, the spectacular society, and then post-Spectacular society, to the current society of “sousveillance”, that is of cyber-Surveillance and dataveillance, the influence of these mechanisms has always been discussed with controversy. While one artistic approach focuses mainly on the manipulation, or even disappearance of the individual and their reality, another approach concentrates on the possibilities of creativity and inventiveness that present themselves to the individual in a society characterized by surveillance and mass media.The present doctoral thesis situates itself in the tension that emerges between these two positions. The point of departure is the term to observe that signifies a perceptual act as well as an act of adaptation. At the same time, every act of observation necessarily takes part in an observational “relationship”. Therefore, the potential reversibility of the relationship has to be taken into account. Effectively, contemporary art reveals tactics of counter-Surveillance and counter-Observation. The latter give insight into the way we deal with socio-Political changes – especially since the 11th of September 2001. A theory and a practice of (counter-)observation are necessary to analyze the aesthetics that have appeared in this regard

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

25

Martin, Lydia. « Les adaptations à l'écran des romans de Jane Austen : esthétique et idéologie ». Aix-Marseille1, 2006. http://www.theses.fr/2006AIX19002.

Texte intégral

Résumé :

Dès les années 1940, les romans de Jane Austen (1775-1817) font l'objet à l'écran d'adaptations variées qui dépendent d'un grand nombre de données, parmi lesquelles le contexte culturel et idéologique, l'évolution de la pensée socio-politique, le goût du public, et l'argent investi dans la production. Ces films et téléfilms d'origines diverses sont classés en plusieurs catégories : films en costumes, comédies romantiques, héritage films ou transpositions proximisantes, et présentent une image particulière de l'angleterre qui ne correspond pas nécessairement au monde créé par Jane austen. Le film constitue un mode priviliégié de réception de la littérature d'hier et d'aujourd'hui, dont il partage une fonction narrative réinvestie par le truchement de l'adaptationn qui lui insuffle une nouvelle vie, et entretient une nouvelle vie, et entretient un lien à la fois avec sa source et avec les tendances artistiques en vogue à l'époque où la diégèse est censée se dérouler, et avec les oeuvres qui lui sont contemporaines
Since the 1940s, the novels of Jane austen (1775-1817) have been adapted on screen in various ways, according to a variety of paradigms, such as the cultural and ideoligical context, the evolution of social and political thought, thr taste of the audience, and the money einvested in the production. These films and TV series from different origins are generally classified within several categories : the costume drama, the romantic comedy, the heritage film ot the update, each presenting an image of england which does not necessarily correspons to the worl created by Jane Austen. The film is a priviliged mode of reception for past and present litteratue, with which it shares a narrative function renewed by the adaptation. It is in close relation with its literary source, with the artistic trends of the time in which the story is set, and with contempory works

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

26

Toumson, Yolande-Salomé. « Hermeneutique littéraire du cinéma de Euzhan Palcy ». Thesis, Antilles, 2017. http://www.theses.fr/2017ANTI0173/document.

Texte intégral

Résumé :

Le cinéma est un art qui repose sur des moyens techniques de capture et de reproduction du mouvement et du son. Il s’impose après la littérature, la peinture et la photographie par sa virtuosité nouvelle à créer des artifices à l’image du monde. Une fois défait de l’objectif mimétique, il conquiert sa légitimité artistique par l’écart discursif esthétique ou critique. Il ne reproduit plus seulement les images en mouvement de la nature, des hommes et des sociétés, il les met en scène et les met en tension. Le discours universitaire a investigué et continue d’interroger les traces du monde qu’il propose, la spécificité de ses images, ses techniques et sa grammaire, la conception de l’art et de l’artiste qu’il offre. En histoire du cinéma, la littérature consacrée aux cinématographies nationales et aux monographies de réalisateurs est importante tandis que la sémiologie, l’analyse de films et la philosophie du cinéma ont construit les concepts opératoires nécessaires à la considération transversale des œuvres par-delà les frontières nationales et génériques. Les travaux de recherche consacrés à la réalisatrice martiniquaise Euzhan Palcy s’inscrivent dans cette tradition. En effet, l’analyse a à cœur de rendre compte de son travail et de la placer dans l’histoire du cinéma et de l’art
Cinema is an art based on technical devices to capture and reproduce motion and sound. It surpasses literature, painting and photography by its virtuosity in creating new reality-like images of the world. Once rid of its mimetic purpose, cinema conquered its artistic legitimacy by making full use of its technical specificities to develop discursive, aesthetic and/or critical perspectives. It no longer simply displays moving images of nature, people and society, it stages them and builds narrative tension. The academic discourse has investigated and continues to examine the traces of the world it offers, the specificity of its images, techniques and grammar, the conception of art and the understanding of the artist it suggests. In film history, the literature on national cinematography and monographs about directors is important while semiotics, film analysis and the philosophy of cinema gave rise to the operational concepts needed to consider works across national liens and genres.The research devoted to Martinican director Euzhan Palcy fits into this tradition. The analysis aims to account for her body of works and places her in the history of cinema and the arts

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

27

Afellous, Amine. « Etude comparative transdisciplinaire de la figure du cosaque, dans la littérature et le cinéma ». Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100066.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse fut l’occasion d’aborder la question du mythe cosaque au cinéma. Pour éclairer notre réflexion nous avons étudié l’histoire mouvementée des cosaques, ponctuée de rébellions et de soulèvements indépendantistes. Découlant de cette histoire, nous avons ensuite observé la dimension littéraire du mythe cosaque et son évolution à partir du XVIIème siècle jusqu’à l’époque romantique. Ainsi cette approche historique et littéraire nous permet d’établir les sources les sources de ce mythe au cinéma ainsi que sa lente évolution à travers le XXème siècle à travers l’analyse d’adaptations de romans russes traitant des cosaques. Nous avons donc mené notre étude à partir des adaptations de La Fille du capitaine de Pouchkine, Tarass Boulba de Nicolas Gogol, Les Cosaques de Léon Tolstoï, Le Don paisible et les Terres défrichées de Mikhail Cholokhov, ainsi que Le Torrent de Fer d’Alexandre Serafimovitch
This thesis gives me the opportunity to approach the topic of the Cossack myth as presented in films. In order to guide my thoughts, I first study the turbulent Cossacks history, often interspersed with rebellions and separatist uprisings. As a result of this history, I then look at the literary dimension of the Cossack myth and its evolution from the XVIIth century to the romantic era. Thus, this historical and literary approach allow me to establish the sources of this myth in cinema and its slow evolution throughout the XXth century by analysing adaptations of Russian novels about the Cossacks. Therefore, I carry out the study based of the adaptations of The Captain's Daughter of Pouchkine, Tarass Boulda of Nicolas Gogol, The Cossacks of Leon Tolstoï, The quiet Don and The Virgin Soil Upturned of Mikhail Cholokhov, and The Iron Flood of Alenxander Serafimovitch

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

28

Lee, Sangbin. « Ecrire l'univers concentrationnaire : la littérature et les camps ». Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080881.

Texte intégral

Résumé :

Cette these se propose de voir si une "litteratrue concentrationnaire" est possible. Elle le fait en trois temps : apres une tentative de definition, nous nous demanderons, a partir de l'etude desparallelismes et dissemblances textuels et ex tra-textuels, comment partager l'horreur, enfin le dernier chapitre sera consacre a l'analyse d'auteurs representatifs d'une telle litterature : alors que le premier chapitre pose des questions globales comme "qu'est-ce que la litterature concentrationnaire ?" et "quels sont les ouvrages des camps de concentration ?", cinq conceptions concernant les interpr etations historiques et litteraires des camps sont presentees dans le deuxieme chapitre. Le troisieme chapitre met en evidence les traits particuliers de chaque ecrivain : il est divise en quatre parties qui portent sur l'analyse des oeuv res des ecrivains qui ont vecu les camps (antelme, chalamov, levi, rousset et wiesel), des ecrits romanesques de gary et de merle qui n'ont pas vecu les camps, de l'archipel du goulag de soljenitsyne, et du film shoah de lanzmann. A travers ce travail, nous nous efforcerons de reconcilier la singularite des qestions posees par les camps et l'universal ite des reponses, en s'interrogeant sur les fonctions de la "litterature concentrationnaire"
This thesis aims at probing the possibility of a literature on concentration camps. The first part copes with general questions such as the characteristics of a literature on concentration camps and gives a presentation of works pertaining to this category. The second chapter examines five conceptions illustrating the commun points and the diverge nces of the various historical and literary interpretations of concentration camps. The last chapter shows the specific features of each author through a study of their textes. This chapter is further divided in four subparts distinguishing the analysis of works by direct witness like antelme, chalamov, levi, rousset and wiesel, that of novels by gary and merle who have not personally experienced concentration camps, the study of solzhenitsyn's the gulag archipelago, and that of claude lanzmann's film, shoah. Throughout this inquiry we will try, by studing the fonctions which a literature on concentration camps can have, inscribe the singularity of the questions aroused bu the existence of concentration camps in the universality of the answers provided

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

29

Baldé, Cissé Mariama. « Le dictateur d'Afrique noire dans la littérature et le cinéma francophones : une analyse des représentations ». Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA082818.

Texte intégral

Résumé :

Entre Borom Sarret, le film d’Ousmane Sembène sorti en 1963, et Allah n’est pas obligé, le roman d’Ahmadou Kourouma publié en 2000, se dressent quantité de portraits littéraires et cinématographiques du dictateur d’Afrique noire. Ces portraits révèlent un personnage à plusieurs facettes et un spectacle tragique. Le despote africain est dépeint comme un être hybride. Entre la tradition et la modernité, l’Afrique et l’Occident, l’humain et l’animal, il joue de ses traits paradoxaux pour jouir du pouvoir absolu du roi africain et du colonisateur. Ce pouvoir lui permet de transformer l’État en miroir de ses desiderata et de faire de la scène politique une scène de théâtre. Affublé d’un masque de dieu, il joue et fait jouer un drame baroque. Les figurations de l’autocrate africain révèlent une double tragédie. Elles lèvent le voile sur la tragédie d’un peuple qu’un dictateur narcissique et mégalomane sacrifie aux flammes de son ambition. Elles jettent la lumière sur la tragédie de ce dictateur qui, après s’être réfugié dans l’éternité de son théâtre de glaces, se voit délogé par un temps qui le ramène dans la réalité de sa condition humaine. Ce spectacle dévoile le monde absurde que crée le régime despotique et le personnage à la fois pathétique et comique qu’est l’autocrate du continent noir. Les représentations du dictateur africain se dressent, dans la littérature et le cinéma francophones, telles des stèles cathartiques. En même temps qu’elles reflètent l’histoire cauchemardesque des dictatures africaines, elles génèrent un rire qui déroute les larmes nées du tragique et elles laissent entrevoir la possibilité d’une Afrique débarrassée de l’hydre du pouvoir absolu
Between Borom Sarret, a film by Sembene Ousmane released in 1963, and Allah Is not Obliged, a novel by Ahmadou Kourouma published in 2000, one can see portrayed, through francophone literature and films, a good number of black African dictators. Those portraits reveal a multifaceted character in a tragic atmosphere. The African tyrant is portrayed as a hybrid character. Torn between tradition and modernity, between Africa and the Western World, the human and the animal, he uses those paradoxical features to build up an absolute power borrowed from the African king and the colonial master. This power enables him to transform the state in the image of his desires and the political space into a drama stage. Wearing a god-like mask, he acts and has others act in a senseless play. The representations of the African autocratic character show a twofold tragic situation. They make us see how a narcissist and megalomaniac dictator tramples down his people to satisfy his own ambition. They also throw light on the tragic nature of the dictator himself who, finding refuge in a seemingly eternal illusionary playhouse, sees himself drawn forth to a reality that reminds him of his true human condition. This sight uncovers the absurdity of a world created by this despotic regime and the pathetic as well as comical character symbolizing the tyrant of the black continent. The African dictator’s representations appear, in francophone literature and cinema, as cathartic signposts. While they express the nightmarish trajectory of African dictatorships, they generate a laughter that overrides tears coming from this sense of tragic and contribute somehow to the birth of an Africa ridden of the absolute power hydra

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

30

Fauvel, Philippe. « Les films pédagogiques d'Éric Rohmer : un cinéma in vitro : le cas exemplaire de la littérature ». Electronic Thesis or Diss., Amiens, 2018. http://www.theses.fr/2018AMIE0051.

Texte intégral

Résumé :

De 1963 à 1970, Éric Rohmer conçoit et réalise pour la Radio-Télévision scolaire un ensemble de vingt-huit films pédagogiques. Ces programmes sont un laboratoire pour son écriture cinématographique où infusent ses motifs et thématiques. Avec pour figures tutélaires ses anciens maîtres en philosophie et en cinéma, Alain et Rossellini, Rohmer élabore sa pédagogie : il croit en la capacité du cinéma et à celle de la télévision pour questionner littérature, écriture, image, parole, création, dans un souci didactique certes, mais faisant aussi écho à ses aspirations. Il s'agit ici de confronter ses idées théoriques ou esthétiques à des problématiques qui l'animent, en particulier l'approche des différents arts. Cette thèse s'attarde exclusivement sur les émissions consacrées à la littérature, très révélatrices de l'intérêt que Rohmer porte au texte et aux grands auteurs : Pascal, Cervantès, Chrétien de Troyes, La Bruyère, Mallarmé, Michelet, Poe, Hugo... Investissant un support de l'immédiat, le cinéaste redonne vie à une forme classique, lui offre l'accès à une nouvelle contemporanéité. Pour chaque film, il cherche l'expression audiovisuelle adaptée à l'auteur. Les films pédagogiques se diffusent bien au-delà de leurs frontières étroites, contaminant l'œuvre de fiction. Un des enjeux du présent travail consiste donc à expérimenter l'analyse conjointe des films de télévision et de cinéma, ainsi que les textes de Rohmer, en les considérant comme une œuvre unique qui, au-delà de la comparaison ou de l'influence, fait émerger une pensée commune
From 1963 to 1970, Eric Rohmer elaborates and directs a collection of twenty-eight educational films for the Radio-Television Scolaire. For Rohmer, this programme is also a laboratory that allows him to experiment cinematographic writing where his motifs and themes can infuse. With his former masters in philosophy or cinema as tutelary figures, Alain and Rossellini, he builds up his own pedagogy : Rohmer believes in the cinema and television's abilities to question literature, writing, image, speech and creation, for didactic reasons certainly, but they also echo his own aspirations. The objective here is to confront his theoretical or esthetical ideas to the themes that he is interested in, particularly the approach towards arts.This thesis focuses exclusively on the films dedicated to literature, that greatly show Rohmer's interest in the texts and the great writers : Pascal, Cervantès, Chrétien de Troyes, La Bruyère, Mallarmé, Michelet, Poe, Hugo... Investing in a support for immediacy, the film director revives a classical form, allowing it to reach posterity. For every film, he seeks the audiovisual expression that corresponds to the author. His educational films go beyond their own narrow limits, to contaminate his works of fiction. One of the stakes of this thesis consists therefore in offering a joint analysis of his feature films and TV movies, as well as Rohmer's texts, by considering them as a unique œuvre that, beyond comparison or influence, reveals a common thought

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

31

Provoyeur, Jean-Louis. « Le cinéma de Robert Bresson : du récit au sublime ». Paris 7, 2001. http://www.theses.fr/2001PA070081.

Texte intégral

Résumé :

Presque tous les films de Robert Bresson sont tirés de récits écrits mais rien n'est plus spécifiquement cinématographique que le cinéma de Bresson. En nous interrogeant sur les rapports entre l'écrit et le film et sur la spécificité du cinéma par rapport à la littérature, il est apparu que le cinéma de Bresson est marqué par la fréquence toujours plus grande d'images privées de contenus narratifs, des images que nous avons appelées " dénarrativisées" : Bresson fait un récit avec des images qu'il veut le moins narratives possible, contraignant ainsi le spectateur à reconstituer mentalement ou verbalement le récit. L'image est donc séparée du récit. Le récit (le sens) est son dehors. Bresson entend ainsi échapper à un type de cinéma qu'il refuse : le "théâtre photographié". Une telle pratique du cinéma est renforcée par l'interdiction faite aux acteurs de jouer : c'est la caractéristique principale du "modèle" dont Bresson expose longuement les principes dans ses "Notes sur le cinématographe". Le principe de dénarrativisation a deux effets : le premier est de produire un effet de réel (et non, comme Bresson le soutient, de mettre le spectateur face au réel). L'effet de réel est en effet toujours le résultat d'une suspension du récit. Le second effet est de produire un effet de sublime : le sublime selon Kant est précisément ce qui échappe à la représentation. Le sens de l'image, comme le récit, n'est pas dans l'image. L'image dénarrativisée prend ainsi une dimension métaphysique à l'intérieur d'un récit qui se veut toujours réaliste. Quant au sublime chez Bresson, il concerne toujours la mort qui, elle, n'est jamais représentée. La dénarrativisation est donc le procédé formel qui, dans les films de Bresson, donne à la mort sa dimension de mystère sacré et sublime
Nearly all the films Robert Bresson ever made are adaptations of written stories but nothing is more specifically cinematographic than Bresson's cinema. If one wonders about the relationship between written works and films and about cinema's specificity in relation to literature, one soon realizes that Bresson's cinema is characterized by the more and more frequent inclusion of frames devoid of narrative content. We call these frames "denarrativized" frames. Bresson tells a story with frames he wants as denarrativised as possible, forcing the viewer to reconstruct mentally (or verbally) the story. The frame is therefore separated from the story. The story (the meaning) is its exterior. By doing this, Bresson means to escape the type of cinema he rejects: the "photographed theatre". Such a cinema practice is reinforced by the fact that the actors are not allowed to act: this is the main characteristic of Bresson's "modèle" the principles of which he explained at length in his "Notes sur le cinématographe". The principle of denarrativation has two effects: first it produces an effect of the real (and not, as Bresson would have it, to put the viewer front of the real). The effect of the real is always the result of a breaking off on the story. The second effect is to produce an effect of the sublime. The sublime is, according to Kant, precisely what evades representation. .

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

32

Gohari, Nahid. « De la littérature au cinéma, transformation d'une écriture : le nouveau roman français et iranien et le cas de Bahman Farmânâra ». Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0225/document.

Texte intégral

Résumé :

Dès son apparition, l’écriture romanesque a subi de nombreux changements aussi bien au niveau de la forme que du fond, mais l’écriture romanesque s’est trouvée face à une nouvelle dimension au vingtième siècle du fait du progrès des sciences et des technologies qui ont apporté notamment le cinéma. L’influence des techniques cinématographiques sur l’écriture et la collaboration des Nouveaux Romanciers – nous pensons notamment à Alain Robbe-Grillet et Marguerite Duras, Houshang Golshiri ou encore à des cinéastes français et iraniens comme Alain Resnais et Bahman Farmânâra – ont mené à la naissance d’une écriture transmodale et à celle de textes hybrides qui représentent des caractéristiques des récits à la fois littéraires et cinématographiques. Ainsi, nous pourrions confirmer la théorie avançant que le cinéma est l’écriture de demain, adaptée aux besoins de l’homme moderne entré dans l’Ère de soupçon. Ainsi, cette écriture partant du point de vue du personnage et rendant de ce fait toute structure spatio-temporelle brouillée – en particulier dans l’œuvre de Farmânâra – permet un rapprochement structural entre les scénarios et le Nouveau Roman, permettant alors de peindre une nouvelle image de l’homme égaré dans une société problématique, celle de notre époque
Since its birth, novel writing has gone through many changes, not only in its shape but also in its content. In the twentieth century, novel writing and especially cinema evolved impressively due to the technological and scientific progress. The influence of cinematographic techniques on the writing and the collaboration with the New Novelists - such as Alain Robbe-Grillet and Marguerite Duras, Houshang Golshiri, and French and Iranian filmmakers such as Alain Resnais and Bahman Farmânâra - led to the creation of a trans modal writing and to the appearance of hybrid texts that both include characteristics of literary and cinematographic narratives. We must accept the theory that cinema is the writing of tomorrow and that the modern man is facing the Era of suspicion. Nevertheless, this kind of writing illustrates a structural similarity particularly between the work of Farmânâra and the New Roman scenarios, especially from the point of view of the character. As a result, we have a scrambled structure in the space and in the time dimension. This context allows us to create a new image of a man who is lost in the modern problematic society
رمان از آغاز پیدایش همواره شاهد تغییراتی در فرم و محتوا بوده است .با این حال به کمک گسترش علوم متفاوت و تکنیک های سینمایی، این این تغییرات در قرن بیستم ابعاد تازه ای به خود گرفته است تاثیر تکنیک ھای سینمایی بر روی نوشتارو مشارکت رمان نو نویسندگانی چون آلن رب گریه و مارگاریت دوراس در فرانسه و ھوشنگ گلشیری در ایران با سینماگرانی چون آلن رنه فرانسوی و بھمن فرمان آرای ایرانی، منجربه تولد نوعی نوشتار چند وجھی و متون مختلط گردید که معرف خصوصیات ھردو ژانرسینمایی و ادبی می باشد. . بدین ترتیب این تئوری که سینما نوشتار فرداست مطرح میگردد. نوشتاری که خود را با نیازھای انسان مدرن که در عصر شک وارد شده است، تطبیق داده است. بررسی این نوشتار از نقطه نظر پرسوناژ، ساختار زمان و مکان و ... د ر آثار بهمن فرمان آرا و مقایسه ی آن با برترین رمان های نو، رب گریه ، بوتور، دوراس و ھمچنین برخی از کتاب ھای گلشیری که بعضا توسط شخص فرمان آرا اقتباس گردیده اند، علاوه بر نشان دادن نزدیکی سناریوھای وی با رمان نو ، مبین تصویر دیگری است ازاین انسان سرگشته درجامعه پر از دشواری عصر حاضر

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

33

Bertrand, Solène. « Les adaptations cinématographiques des œuvres médiévales : de la lettre à l'image, de l'écrit à l'écran ». Rouen, 2004. http://www.theses.fr/2004ROUEL488.

Texte intégral

Résumé :

Ce travail est une unvitation à réflechir sur les transformations engendrées par le glissement de l'écrit à l'écran. Toute adaptation est une réécriture de la matière littéraire. Cette reprise suppose des modifications formelles ( le passage du papier au celluloïd), mais également une transformation des récits. Il s'agit de s'interroger sur ces différentes translations : comment l'écriture littéraire devient-elle écriture cinématographique ? Les films autour desquels s'articule cette reflexion sont des adaptations d'œuvres médiévales : L'Eternel Retour de Jean Delannoy, Lancelot du Lac de Robert Bresson, Monthy Python Holy Grail, Perceval le Gallois d'Eric Rohmer. On assiste certes à une reprise des œuvres, mais également à une reprise de l'époque car Moyen Age et XXème siècle entretiennent des rapports étroits : statut de l'image, de l'auteur. Loin de rompre avec le Moyen Age, ces adaptations inscrivent alors les textes et l'époque dans une continuité historique, dans la modernité
This work is a thought about the changes created by the movement between books and screen. Each adaptation is a rewriting of literature. It concerns the structural transformations and the evolution of the texts. What becomes the literary style ? Film adaptations change the art of writing. The movies i have chosen are adapations of medieval works : L'Eternel Retour from Jean Delannoy, Lancelot du Lac from Robert Bresson, Monthy Python Holy Grail, Perceval Le Gallois from Eric Rohmer. Each director goes back to the texts and to Middle Ages and XXth century are quite similar : same status for the images, for the author. These adaptations try to demonstrate that this periods are not so far away : it's good to think about it

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

34

Ponze, Adrian. « La crise argentine de 2001 et ses conséquences : un regard à travers la littérature et le cinéma argentin des années 2000 ». Thesis, Paris Est, 2017. http://www.theses.fr/2017PESC0080/document.

Texte intégral

Résumé :

Ce travail est le résultat d'une recherche pluridisciplinaire basée sur l'hypothèse suivante : il existe une certaine porosité entre récits fictionnels et productions scientifiques en sciences sociales. A partir d‘un cadre théorique et méthodologique qui comprend la sociologie de la culture et la théorie littéraire et cinématographique, nous avons fait l‘analyse critique d'un corpus de textes de fiction relevant de la NNA (Nouvelle Narration Argentine) et de films relevant du NCA (Nouveau Cinéma Argentin), c‘est-à-dire des deux principaux courants artistiques auxquels une nouvelle génération d'auteurs, émergée en Argentine au début du XXIe siècle, a donné forme.Le corpus, d‘une quinzaine de romans et d‘autant de films, a été constitué selon un critère qui caractérise les œuvres choisies : la description de la crise en général et la présence spécifique d‘exclus économiques, en particulier les migrants (le départ d‘Argentins et l‘arrivée d‘étrangers), les villas miseria et leurs habitants, ainsi que la présence de membres de la diversité sexuelle.Nos recherches se sont orientées, d‘une part, vers les transformations observées dans les champs littéraire et cinématographique, notamment vers les changements touchant aux modes de production et de distribution des œuvres, et, d‘autre part, vers la manière dont sont représentés, dans les médias et les œuvres artistiques, les secteurs de la société traditionnellement exclus.L'observation de ces changements et modes de représentation à travers des récits fictionnels permet de confirmer l‘hypothèse de départ, dans la mesure où certains romans et films ont une valeur documentaire pour la recherche en sciences sociales, notamment dans des disciplines telles que l'histoire ou la sociologie
This work is the result of multidisciplinary research in which, using the theoretical and methodological framework of literary and film theory, and the sociology of culture, we have demonstrated that the boundaries between fiction and social science writing are porous. A corpus of fifteen fictional texts identified with the New Argentina Narrative (NAN) movement, and fifteen films made by the New Argentine Cinema (NAC) was analysed. New Argentina Narrative and NAC represent the production of a new generation of Argentine writers and filmmakers between 2000 and 2010. These works included the following topics: migrations from Argentina and immigration, poverty (the villas miseria inhabitants), and gender and sexual diversity in Argentina. The objectives of this study are to evaluate the transformations of Argentine society and how these were represented by a new generation of Argentine writers and filmmakers. Additionally, we have studied the influence of the socio-economic context on artistic expression. Thus, we have analysed not only the aesthetic dimension, but also the modes of production and distribution of Argentina literature and cinema, encompassing the processes of creation, editing and distribution. The observation of these processes through novels and films has allowed us to conclude that some literary and film fiction may have a documentary or testimonial value for research in social science disciplines such as history and sociology

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

35

Fauvel, Philippe. « Les films pédagogiques d'Éric Rohmer : un cinéma in vitro : le cas exemplaire de la littérature ». Thesis, Amiens, 2018. http://www.theses.fr/2018AMIE0051.

Texte intégral

Résumé :

De 1963 à 1970, Éric Rohmer conçoit et réalise pour la Radio-Télévision scolaire un ensemble de vingt-huit films pédagogiques. Ces programmes sont un laboratoire pour son écriture cinématographique où infusent ses motifs et thématiques. Avec pour figures tutélaires ses anciens maîtres en philosophie et en cinéma, Alain et Rossellini, Rohmer élabore sa pédagogie : il croit en la capacité du cinéma et à celle de la télévision pour questionner littérature, écriture, image, parole, création, dans un souci didactique certes, mais faisant aussi écho à ses aspirations. Il s'agit ici de confronter ses idées théoriques ou esthétiques à des problématiques qui l'animent, en particulier l'approche des différents arts. Cette thèse s'attarde exclusivement sur les émissions consacrées à la littérature, très révélatrices de l'intérêt que Rohmer porte au texte et aux grands auteurs : Pascal, Cervantès, Chrétien de Troyes, La Bruyère, Mallarmé, Michelet, Poe, Hugo... Investissant un support de l'immédiat, le cinéaste redonne vie à une forme classique, lui offre l'accès à une nouvelle contemporanéité. Pour chaque film, il cherche l'expression audiovisuelle adaptée à l'auteur. Les films pédagogiques se diffusent bien au-delà de leurs frontières étroites, contaminant l'œuvre de fiction. Un des enjeux du présent travail consiste donc à expérimenter l'analyse conjointe des films de télévision et de cinéma, ainsi que les textes de Rohmer, en les considérant comme une œuvre unique qui, au-delà de la comparaison ou de l'influence, fait émerger une pensée commune
From 1963 to 1970, Eric Rohmer elaborates and directs a collection of twenty-eight educational films for the Radio-Television Scolaire. For Rohmer, this programme is also a laboratory that allows him to experiment cinematographic writing where his motifs and themes can infuse. With his former masters in philosophy or cinema as tutelary figures, Alain and Rossellini, he builds up his own pedagogy : Rohmer believes in the cinema and television's abilities to question literature, writing, image, speech and creation, for didactic reasons certainly, but they also echo his own aspirations. The objective here is to confront his theoretical or esthetical ideas to the themes that he is interested in, particularly the approach towards arts.This thesis focuses exclusively on the films dedicated to literature, that greatly show Rohmer's interest in the texts and the great writers : Pascal, Cervantès, Chrétien de Troyes, La Bruyère, Mallarmé, Michelet, Poe, Hugo... Investing in a support for immediacy, the film director revives a classical form, allowing it to reach posterity. For every film, he seeks the audiovisual expression that corresponds to the author. His educational films go beyond their own narrow limits, to contaminate his works of fiction. One of the stakes of this thesis consists therefore in offering a joint analysis of his feature films and TV movies, as well as Rohmer's texts, by considering them as a unique œuvre that, beyond comparison or influence, reveals a common thought

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

36

Moussaoui, Nedjma. « Max Ophuls et l’œuvre de Goethe : matériau génétique et substrat esthétique ». Thesis, Lyon 2, 2010. http://www.theses.fr/2010LYO20106.

Texte intégral

Résumé :

Max Ophuls reste un cinéaste méconnu. Plusieurs de ses films (Liebelei, Lettre d’une inconnue, La Ronde) l’ont associé à la Vienne fin de siècle et à la littérature autrichienne, faisant oublier sa relation avec l’Allemagne, son pays natal, et avec Goethe. Cette thèse propose une nouvelle approche auctoriale fondée sur l’étude de sa relation avec l’écrivain. Il s’agit d’examiner la façon dont le matériau goethéen travaille les œuvres inspirées de Goethe et nourrit les conceptions esthétiques du cinéaste. La première partie s’attache à Goethe en tant que source d’inspiration créatrice. Elle repose essentiellement sur l’analyse du Roman de Werther, film français de 1938, et de la Nouvelle, pièce radiophonique allemande de 1954. Cette nouvelle lecture d’œuvres considérées comme mineures montre l’évolution de la relation à Goethe et met en évidence le rapport d’Ophuls à la culture allemande et à l’Allemagne dans le contexte mouvementé du XXème siècle. La seconde partie établit sur un plan plus théorique les liens entre la conception de l’art d’Ophuls et l’esthétique goethéenne. L’analyse des Réflexions sur le cinéma (pièce radiophonique allemande de 1956) montre l’importance de Goethe comme référent théorique. L’examen d’écrits de natures diverses d’Ophuls met au jour une poétique implicite du cinéma, fondée sur l’esthétique organique goethéenne
Max Ophuls remains a neglected film maker. Several movies he directed (such as Liebelei, Lettre d'une inconnue, La Ronde) have linked his name with fin de siècle Vienna and Austrian literature, overshadowing his relationship with Goethe and with Germany, his native country. Our thesis proposes a new approach to Ophuls, based on a study of his relationship with the German writer : we examine the way in which the Goethean sources both operate in the works directly inspired by Goethe and influence the aesthetic tenets of the director. The first part of our work deals with Goethe as a source of inspiration. It is mostly based on the analysis of the 1938 movie Le Roman de Werther, and of the 1954 radio drama Novelle. This new approach to works considered of lesser importance reveals the development of Ophuls's relationship with Goethe and highlights his connection with Germany and German culture in the turbulent context of twentieth century. The second part, on a more theoretical level, traces the paths linking Ophuls's conception of art and Goethean aesthetics. Our analysis of Thoughts on Film (Gedanken über den Film), a 1956 radio drama, highlights the importance of Goethe as a theoretical frame of reference: other texts of different nature allow us to describe an implicit poetics of cinema, based on Goethean organic aesthetics

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

37

Cherqui, Marie-Claude. « Raymond Queneau, écrivain de cinéma ». Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030005.

Texte intégral

Résumé :

Raymond Queneau, né en 1903, grandit et vit au rythme du cinématographe, à peine plus âgé que lui. Toute sa vie il rendra compte dans ses écrits intimes, journaux et lettres, de sa vie de spectateur assidu au Havre, puis à Paris. Il peuplera sa langue, sa poésie et ses romans, de l’univers foisonnant des salles de cinéma, des stars de l’écran et de ses œuvres mythiques. Il fera apparaître un monde rêvé et pensé, fait de ses ombres et de sa lumière. Nourri de cinéma, il sera aussi nourri par lui. Parallèlement à son travail de poète en littérature, il pratiquera tout au long de sa vie, et sans jamais se défaire de son humour légendaire, le travail, parfois ingrat, d’écrivain de cinéma, art dans lequel il occupera plusieurs postes : critique cinématographique, juré de festivals, auteur de commentaires de films, scénariste, dialoguiste, auteur de chansons… A l’occasion, il deviendra même réalisateur ou acteur. Rendre compte de manière chronologique puis analytique de l’ensemble de ses travaux, appréhender le traitement de l’art cinématographique dans son œuvre littéraire, c’est ce que se propose cet ouvrage : partir à la recherche de Raymond Queneau, écrivain du vingtième siècle et « homo-cinématographicus »
Raymond Queneau, who was born in 1903, grew up and lived at the pace of cinematograph that was hardly older than him. Througout his life, in his journals and letters, he reported his life as a regular movie-watcher. He filled his writings, his poetry and his novels with the blossoming universe of movie theatres, movie stars and masterpeices. In his work appears a dreamed and thougt out world, made of his shadows and his lights. Fed with cinema, he also fed it. Aside from his work as a poet in literature, he also, all along his life and without losing his legendary sense of humour, worked as a cinema writer. In this sometimes ungrateful job, he occupied many different positions : film critic, juryman in festival, writer of comments on movies, script writer, dialogue writer, songwriter, etc... He even occasionally became a filmmaker or an actor. To report chronologically of the totality of his work, to approach the treatment of the cinematographic art in his literary work, is what we suggest in this study : looking for Raymond Queneau writer of the twentieth century and “homo-cinematographicus”

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

38

Kane, Momar Désiré. « Marginalité et errance dans la représentation de l'espace culturel africain au cinéma et dans la littérature africaine d'expression française, de Jean Rouch à Idrissa Ouédraogo ». Toulouse 2, 2002. http://www.theses.fr/2002TOU20036.

Texte intégral

Résumé :

Littérature et cinéma africains émergent dans un contexte historique et politique marqué par la mise en question de l'impérialisme occidental. Les Africains ont dû élaborer un discours susceptible de sortir le continent noir de la marge de l'Histoire où l'avait confiné la colonisation. Placée à la périphérie de l'Occident, considérée comme espace anomique, l'Afrique fut vistime d'une explooiutataion économique justifiée à priori par la relégation de l'homme noir au plus bas degré de l'échelle des civilastaions humaines, la négation de toute possibilités, pour lui, de produire un discours rationnel, pertinent - et surtout, susceptible d'être entendu et pris en compte. La volonté de s'affirmer face à l'Occident se traduit par l'adoption d'un discours exaltant les valeurs d'une civilisation nègre hypothétique, qui ne rend compte ni de la complexité du réel, ni a fortiori de celle de l'oeuvre d'art. Le propos de ce travail consiste d'abord à montrer que la sublimation de la marginalité et de l'errance, à travers l'engagement pou une cause (nègre ou prolétarienne), répond à des nécessités d'ordre historique. Ensuite, qu'elle ne comble pas entièrement la soif d'absolu et la passion du "réel" dont témoignent le cinéma-vérité de Jean Rouch, les films d'Idrissa Ouédraogo, le cinéma convulsif de Djibril Diop Mambéty, ainsi que maintes oeuvres récentes de la littérature africaine d'expression française. Le caractère chaotique de ces dernières suscite en effet, des interrogations angoissées de la part de criqtiques habitués à un discours manichéen ou "bon enfant". Précisément, l'étude de la topographie de la marginalité et de l'errance dans le corpus d'oeuvres sélectionnées permet de repérer le glissement métaphorique qui opère le passage du sociologique et du politique, au poétique. Placé sous le signe du chaos, l'espace de la marginalité et de l'errance désigne, en dernière analyse, l'espace poétique, littéraire ou cinématographique, à la fois asile, exil et étrangeté radicale
African literature end cinema came out of a historical context whose main characteristics were questionning of Western imperialism. The Africans had to set up a thinking which might fight back the legacy of colonization and pull the black continent out of the margins of hstory. Considered as an anomic zone driven off to the confines of the Western world, Africa fell victim to an economical exploitation which was justifiedby the debasing of the black man down to the lowest degree of the human civilization scale, and by the denial of any possibility for him of a thinking that could be rational, relevant, and most of all liable to be taken into account. The will to stand up against the Western world actually showed through the establishing of a thought that glorified the values of a hypothetical negro civilisation, which does not actually account for a complex reality, and even less for the complexity of the works of art. Our study is an attempt at showing that the sublimation of marginality and wandering through committing to a cause (be it negro or proletarian) is the sheer consequence of historical data. Also, it will point that such sublimation cannot entirely quench the eagerness for the Absolute and the passion for "reality" which are the core of Jean Rouch's "cinéma-vérité", Idrissa Ouédraogo's movies, or Djibril Diop Mambéty's "compulsive cinema", or much of the late French-speakinf African literature, all of which have met the anguished embarrassment of the critics who were used to dealing with a manichean or naive discourse. Therefore, analyzing the topography of marginality and wandering in our set of texts is a good way of pointing the metaphorical displacement which has allowed the shifting from sociological and political statement to "poetry". The field of marinality and wandering, because it is now marked by chaos, ultimately corresponds to the poetical sphere - literary or cinematographic - which is at once sheltering, exile, and radical estrangement

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

39

Limoges, Jean-Marc. « Entre la croyance et le trouble : essai sur la mise en abyme et la réflexivité dans la littérature jusqu'au cinéma ». Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25113/25113.pdf.

Texte intégral

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

40

Carpentier, Marie-Hélène. « Jean-Patrick Manchette (1964-1981) : la littérature impossible : écrits pour le cinéma et le roman noir ». Paris 7, 2004. http://www.theses.fr/2004PA070079.

Texte intégral

Résumé :

J. -P. Manchette postule que les romanciers américains pionniers de la "Série noire" ont fondé un style qui "colle" au cinéma et à la politique. Dans la décennie 1970, il décrit des actions sensationnelles en laissant volontiers ambiguës les intentions de ses personnages. Il inspire certes C. Chabrol, J. Deray, Y. Boisset, J. Bral et A. Delon. Cependant, ces cinéastes ne prennent guère en compte sa dénonciation de la crise sociale après 1968. Dans sa critique de la politique gauchiste, Manchette refuse militantisme et terrorisme. Quoiqu'il postule que la littérature perd son propos si elle n'est pas engagée, ses personnages masculins sont des individus névrosés de culture importée d'Amérique. L'écrivain annonce donc le mouvement féministe, pour pallier à cette écriture de la désillusion. Ce faisant, il réinvente le roman noir, et souligne la caractère "impossible", c'est à dire têtu de la littérature, qui se régénère sans cesse de la tentative des auteurs pour la dépasser
J. -P. Manchette postulated that the pioneering American writers of the "Série noire" focused on social criticism, and created a style that speaks to cinema. In the 1970's, he describes sensational actions that deliberately leave his caracter's intentions ambiguous. He inspired C. Chabrol, J. Deray, Y. Boisset, J. Bral and A. Delon. What these directors overlook in his work, however, is his denunciation of the social crisis facing France after 1968. In his critique of leftist politics, Manchette refuses militancy and terrorism. Although he claims that literature loses its purpose when stripped of political engagement, his male characters look like neurotic individuals affected by imported American culture. By announcing the feminist movement, he palliates a writing of disillusionment, and in fact reinvents the roman noir. Manchette reveals, then, the "impossible" or unyielding nature of literature, wich constantly regenerates itself through the very attempt by authors to go beyond it

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

41

Soumastre, Justine-Noémie. « Les variations textuelles d'une oeuvre littéraire : réécriture filmique et principe d'un dialogie entre les arts ». Bordeaux 3, 2006. http://www.theses.fr/2006BOR30066.

Texte intégral

Résumé :

Le principe d'un dialogue entre les arts n'est pas à prendre comme un système d'influences ni dans un sens d'une "correspondances des arts" mais comme une interaction qui passe par la réécriture, à la fois pratique et poétique. Le sens du texte naît de sa lecture : les films du corpus "The postman Always Rings Twice" sont lectures du roman de James Cain. Le fim devient lieu d'une signifiance. La lecture doit faire un travail du même ordre que celui de l'écriture : construire. Dans "Pandora and the Flying Dutchman", la réécriture opère entre collage et recyclage, entre citation textuelle et picturale, voire même musicale. Cependant, la réécriture est auussi affaire de mémoire : réactiver ses souvenirs de lectures, se placer dans un réseau architextuel, poétique. "Le réseau donne son identité à l'oeuvre" : le texte contient le souvenir des autres textes. Les résurgences de mythes invitent à une poétique de la réécriture autant "verticale" qu'"horizontale", associant anamnèse et modernité. La modernité vient d'une écriture qui fonctionne par "anachronisme", liant un mythe grec à une légende judéo-chrétienne : l'imaginaire repose sur des images qui se croisent, sur des liens, ou encore des matrices. Avec "Pandora", nous saisissons la réécriture comme résultat d'un travail qui va dans le sens d'un abandon de l'homogénéité de l'art, comme passage à la ménippée
The principe of a dialogue between the arts should not be taken as a system of influences or in the sense of "correspondence of the arts", but as an interaction which occurs via through re-writing, at once practical or poetic. The meaning of a text comes through its reading : the film versions of "The Postman Always Rings Twice" are readings of the James Cain novel. The film becomes the site of signification. Reading must perform the same work as writing : that is, to build. In Pandora and the Flying Dutchman, re-writing operates between collage and recycling, between textual, pictorial or even musical quotation. However, re-writing is also a matter of memory : reactivating one's memories of reading, placing onerself in a architectural, poetic network. "The network gives its identity to the work" : text contains the memory of the other texts. The resurgence of myths invites you to a re-writing that is a "vertical" as it is "horizontal", combining anamnesis and modernity. Modernity comes from a writing which functions by anachronism, binding together a Greek myth and a Judeo-Christian legend : the imaginary is thus based on interwoven images, links, or matrices. With "Pandora", we grasp re-writing as the result of a work which is similar to renouncing the homogeneity of art, in a transition towards a menippean structure

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

42

Selçuk, Asli. « Le visage secret : approche d'un film et son insertion dans le contexte cinématographique turc actuel ». Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010642.

Texte intégral

Résumé :

Le cinéma, récente invention à l'époque, a été un des arts, qui ont eu un endorme impact sur les masses dans une Turquie sujette à d'importantes transformations après la proclamation de la république (1923). Apres les films tournes souvent dans un esprit populaire, des noms importants ont marqués les jalons du cinéma sur la voie de s'affirmer en tant qu'art. Parmi, les cinéastes qui, au fil des années, ont muri leurs travaux dans cette optique, se distingue notamment de nos jours, Omer Kavur. Dans ce doctorat, on se propose, d'une part, d'analyser la place d'Omer Kavur dans le cinéma turc et les relations de son cinéma mondial et, d'autre part, de cerner son positionnement dans l'histoire du cinéma turc. Cette thèse est le résultat d'une coopération en tant que assistant réalisateur, d'une connaissance profonde de l'évolution de la quête d'originalité de Kavur et d'un témoignage à la fois concret et abstrait de ce processus. Les raisons de la recherche d'originalité dans un cinéma, qui connait une grave crise économique, et de la rupture du public avec son cinéma, ont été exposées avec des données à l'appui. L'effort d’Omer Kavur, réalisateur d'un cinéma, dont les débouchés sont quasi nuls à l'étranger, comme c'est le cas des cinémas de plusieurs pays, de faire des films artistiques, s'avère être encore plus significatif de nos jours. La volonté d'atteindre les indices du contenu mystique du film "le visage secret", thème central de film, qui s'exprime dans la thèse, porte en soi simultanément celle de chercher et de déterminer la place du cinéma turc actuel dans le monde
In the aftermath of the foundation of the republic of Turkey (1923), cinema, a new discovery, was one of the art forms that influenced the masses most. Following the early films made with popular approaches, several important names came to the fore in the making of cinema as art. Among contemporary directors who have developed their work through the years with this scope, omer Kavur is immediately noticed. This Ph. D dissertation analyzes the significance of Kavur in this country's cinema, and attempts to define the connection of this cinema to the global context and its specific place in the history of turkish cinema. The experience of having worked with Kavur as assistant director, having intimately witnessed the process of his search for originality, and participated in this process both physically and mentally, has been shaped into this dissertation. The search for identity in turkish cinema and the distancing of the viewer from his own cinema within a contracting economy and weakened box-office, are explained with data. It becomes all the more important today that, despite the disappearance of export markets, as for many other countries cinemas, Kavur attempts to make art films. The effort to reach the inner roots of the mystical content of "secret face", which forms the main theme, aims at the same time to search for and determine the place of turkish cinema in the contemporary world

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

43

Vatanpour, Sina. « L'argent, signe et symbole du rêve américain et de l'identité nationale, raciale et sexuelle, vu à travers la littérature et le cinéma ». Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081592.

Texte intégral

Résumé :

Cette these presente une analyse des fonctions multiples de l'image de l'argent dans les textes litteraires americain et dans les films produits entre 1933 et 1995. Trois textes litteraires font l'objet de cette etude : the great gatsby de f. S. Fitzerald, go down moses de w. Faulkner et an american dream de n. Mailer. L'ethique protestante en amerique, inspire les individus au salut spirituel. Cela est atteint par le succes materiel et le gain d'argent comme etant le signe de grace. Dans ce contexte, l'argent devient le substitut de l'identite individuelle, nationale et raciale, un signe d'elevation spirituelle et initiatique dans l'imaginaire americain. Celui qui defie ce concept ou tente de redefinir sa valeur transgresse les conventions sociales. En consequense, l'argent devient le lieude confrontation, un champs de bataille des idees et du pouvoir, bref, un lieu de transgression des symboles sociales, politiques et economiques. Au cours de cette etude, deux systemes economiques dinstincts emergent : le systeme des blancs, fonde sur la rationalite, la propriete et le gain d'argent, contre un autre ordre economique, lui irrationnel, lie aux significations primitives, magiques etsurnaturelles de l'argent. La speculation se place au coeur de cette economie alternative, une sorte de marche noir qui englobe tout argent gagne illegalement. L'etude demontre que les memes codes et schemas qui emergent des textes litteraires se retrouvent dans le cinema americain, qui reflete les changements historiques ponctuels et renvoie simultanement aux aspects mythiques constants en rapport avec l'argent, tel que le reve americain d'argent et de pouvoir.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

44

Maillart, Olivier. « Les fables du fascisme : fictions et représentations du fascisme dans la littérature et le cinéma italiens (1959-1989) ». Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100137.

Texte intégral

Résumé :

Cette analyse de romans et de films italiens (et parfois allemands et français), apparus pour l’essentiel entre les années soixante et les années quatre-vingt, propose une nouvelle histoire du fascisme, non à travers le regard de l’historien, mais à travers celui des artistes qui ont représenté cette époque par les moyens de la fiction. En postulant une intelligence herméneutique propre à la fable (qui peut user, à la différence du discours scientifique, de l’imagination et du personnage), on a cherché à dévoiler un certain nombre d’aspects négligés de l’expérience du fascisme sous le Ventennio, expérience sensible qui appelle des moyens spécifiques : démesure épique, hantise d’un passé coupable, usages variés du thème de la décadence, monstruosité et sacrifice, dannunzianisme et pirandellisme vécus comme autant de possibilités existentielles, et non plus seulement artistiques. Cette thèse cumule donc plusieurs ambitions, puisqu’elle s’appuie sur une approche renouvelée des œuvres de fiction (et singulièrement des films de Luchino Visconti, Pier Paolo Pasolini et Bernardo Bertolucci, tout comme des romans de Curzio Malaparte, Giorgio Bassani et Elsa Morante), approche qui doit autant à Umberto Eco et Jacques Rancière qu’à René Girard et Milan Kundera, afin d’atteindre une compréhension inédite du fascisme et de l’histoire italienne
This thesis analyses Italian novels and films (and also a few German and French works) from the ‘60s to the ‘80s to offer a new history of fascism: it is new because it is not based on the historians’ point of view, but on the artists’ one, using the means of fiction to represent this period. Believing that fable has a hermeneutic intelligence of its own (because unlike the scientific discourse, fable can use imagination and characters), we have tried to unveil some overlooked aspects of life during the Ventennio: epic excess, a haunting and guilty past, variation on the theme of the decadence, monstrousness and sacrifice, dannunzianism and pirandellism (lived as existential possibilities, not just artistic ones). This thesis therefore combines several ambitions: it originates in a new approach of fictional works (especially films by Luchino Visconti, Pier Paolo Pasolini and Bernardo Bertolucci, and novels by Curzio Malaparte, Giorgio Bassani and Elsa Morante), which owes to Umberto Eco as well as to Jacques Rancière, René Girard or Milan Kundera. But it also aims at a new comprehension of fascism and Italian history

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

45

Knudson, Ericka. « De l’amour, des femmes et de la Nouvelle Vague : reconfigurations culturelles et création d’une modernité filmique française ». Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100024.

Texte intégral

Résumé :

Notre recherche vise l’idée et la pratique d’une modernité filmique française intimiste, de nature autobiographique, inscrite dans une tradition culturelle où la littérature est essentielle comme voie créatrice spécifique. Nous nous sommes proposé d’évaluer le travail de libération ou de tension par rapport aux codes de représentation amoureux qui se joue dans certains films représentatifs de la Nouvelle Vague et y ouvre une voie originale de la modernité. Toute une pensée philosophique et cinéphilique s’est axée en France sur la question du moderne : Gilles Deleuze, Alain Bergala, Jean-Louis Leutrat, Jacques Aumont. Nous avons eu également besoin des apports de T. Jefferson Kline et des travaux de Giorgio De Vincenti, sur un cinéma qui travaille la littérature comme matériau. Nous avons ainsi eu recours à des approches parfois opposées, mais que nous présentons ici comme complémentaires. Nous avons à cœur notamment de conjuguer la visée de l’approche anglo-saxonne et des cultural studies (l’analyse des représentations des femmes et des relations homme/femme) avec la visée esthétique afin de dégager une particularité française de la modernité de la Nouvelle Vague – qui va peut-être contre le mythe d’un cinéma brut, quasi-documentaire, et de l’improvisation (proche du néoréalisme italien) – une particularité française donc par un attachement aux codes (ou par leur dépassement), aux motifs et topoï amoureux, à une rhétorique venant d’une tradition littéraire qui fait partie du patrimoine culturel français et par une tendance plus profonde encore chez ces cinéastes à filmer l’intime, à filmer les femmes, à filmer leur vie, filtrée et révélée par des « écrans » littéraires
This research is centered on the idea and practice of a French intimist, cinematic modernity, of an autobiographical nature, inscribed in a cultural tradition where literature is essential in the path to creativity. This work proposes to evaluate the liberation or tension regarding the codes of representation of love at work in certain films, representative of the New Wave, that open an original path to modernity. In France, an entire philosophical and cinephilic movement is founded on the question of modernity: Gilles Deleuze, Alain Bergala, Jean-Louis Leutrat, Jacques Aumont. This study also takes into account the findings of T. Jefferson Kline and the work of Giorgio De Vincenti concerning film that treats literature as a material. Therefore, approaches sometimes considered opposite are presented here as complimentary, seeking to conjugate the aim of Anglo-Saxon and cultural studies (the analysis of the representation of women and the relationships between men and women) with the aesthetic in order to reveal a French characteristic in the modernity of the New Wave – that perhaps goes against the myth of a quasi-documentary « cinéma brut » of improvisation (close to Italian neorealism) – thus a French distinction by their attachment to (or the surpassing of) codes, motifs and topoï of love, to a rhetoric coming from a literary tradition belonging to the French cultural heritage, and by a more profound tendency of these directors to film the intimate, to film women and to film their lives, filtered and revealed by literary « screens »

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

46

Roche, David. « L' imagination malsaine et ses ambiguïtés : étude d'une esthétique contemporaine dans le cinéma et la littérature de l'Amérique du Nord ». Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10062.

Texte intégral

Résumé :

L'emploi commun de l'adjectif "malsain" pour juger d'oeuvres d'art nous a conduit à nous interroger sur la pertinence de cette métaphore, la manière dont ce jugement est établi, les raisons qui poussent le sujet à consommer des fictions au contenu scabreux et la possiblité de distinguer l'art du symptôme. Relation de transmission donnant lieu à une esthétique dans laquelle la métaphore à partie liée avec la métonymie, mais aussi valeur subjective prononcée par un sujet ou une loi, le malsain, de par son caractère discursif, est "effectivement" une métonymie et relève d'une forme d'inquiétante étrangeté. Or, c'est en instaurant un dialogue ambigu entre le diégétique et l'esthétique que les oeuvres de notre corpus thématisent et conditionnent leurs propres réceptions, mettant en place une fonction heuristique qui fait de ces oeuvres de véritables laboratoires du jugement moral pour le lecteur/spectateur, mais aussi des fictions ludiques l'incitant à mieux lire, soit à se méfier des signes.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

47

Villatte, Raphaël. « Enquêtes policières et enquêtes politiques : en France et aux Etats-Unis : en littérature et au cinéma de 1970 à 1995 ». Limoges, 2007. http://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/a7968ac4-f26b-4b9d-966a-980c751ba69e/blobholder:0/2007LIMO2014.pdf.

Texte intégral

Résumé :

Le genre policier, volontiers qualifié de protéiforme, a donné naissance à de nombreux sous-genres, selon de nombreux processus. La variabilité semble infinie, tant le phénomène se renouvelle au fil du temps. A la fin des anées 1960, l'une des branches les plus engagées du genre reprend vigueur et se distingue du reste de la production. Le quart de siècle qui suit montre des répétions, des évolutions et l'apparition de traits poétiques récurrents et constitutifs de ce qu'il faut alors appeler un sous-genre : "le polar politique". Ce sous-genre a la particularité de se manifester tant en littérature qu'au cinéma, et de poursuivre une évolution presque commune. Il convient donc d'appréhender le phénomène de manière globale, et de tenter de comprendre les visions politiques qui le sous-tendent. Loin d'un policier divertissant, le sous-genre interpelle le lecteur, le prend à témoin, le met face à des visions parfois à peine distanciées de la réalité contemporaine. Il s'agit de tracer la cartographie d'un sous-ensemble artistique, en étudiant les différentes stratégies narratives qui mettent en oeuvre une authentique visée argumentative.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

48

Jacoponi, Tiziana. « Cristina Comencini : cinécritures - Femmes ». Thesis, Paris 10, 2010. http://www.theses.fr/2010PA100103/document.

Texte intégral

Résumé :

De prime abord, toute l’œuvre de Cristina Comencini semble simple, légère et quasi populaire. Pourtant, elle l’une des rares auteures, dans l’Italie contemporaine à être en même temps écrivaine, scénariste, metteur en scène, dramaturge. Ces multiples facettes de sa production l’ont menée à créer une cinécriture féminine au carrefour du roman et du film, une véritable stratégie qui utilise la texture même de la langue (syntaxe et grammaire) pour rendre le message plus accessible. Cette étude prend en considération la période 1994-2007, pendant laquelle l’auteur elle se fait l’interprète des femmes au nom d'une nouvelle subjectivité et commence sa relecture de l'histoire, en particulier des années ‘70. La maîtrise des structures génériques et des moyens techniques lui permet d’innover au niveau du contenu d’abord pour proposer à partir de 2001 un nouveau « format » féminin et populaire où les sentiments privés sont le prétexte pour exprimer des sentiments politiques
At first sight, Cristina Comencini’s works may seem simple, light, almost popular. Yet, she one of the rare authors, in contemporary Italy, who is at the same time a writer, a scenarist, a film director and a playright. These multiple aspects of her work led her to create a women’s « cinécriture » which stands at the crossroad between novel and film. It is a real conscious strategy which uses the texture of the language (grammar and syntax) to render the message more accessible to anyone. This thesis takes into consideration the period going from 1994 to 2007, during which the author became the spokeswoman of the feminin cause in the name a new subjectivity and she started to reinterpretate history, in particular the period of the Seventies, so crucial for her generation. Her mastery of the different kinds of genre structures and of technical skills allowed her to renew the literary landscape, first of all in terms of subject treated. From 2001, she has been able to propose a innovatory feminin and popular « format » whereby the private feelings are the pretext to express political analysis

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

49

Debs, Sylvie. « La projection d'une identité nationale : Littérature et cinéma au Brésil : 1902-1998 : le cas du Nordeste ». Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20048.

Texte intégral

Résumé :

Le Brésil, ex pays colonisé par le Portugal, a construit son indépendance culturelle en étroite relation avec son indépendance politique. Utilisant la langue du colonisateur et ayant été formée a Coimbra ou à Paris, l'élite intellectuelle a longtemps reproduit les modes de pensée et les courants littéraires européens au détriment de l'expression de sa propre identité. La fuite du roi du Portugal Joao Vi devant les années napoléoniennes a paradoxalement provoqué une première rupture grâce à l'autorisation d'imprimer accordée au Brésil. Le romantisme d'abord, le régionalisme ensuite ont contribué à l'élaboration de la conscience d'une nouvelle nation. La figure de l'indien, puis celle du noir et du métis, enfin l'apparition de personnages-types, tels le cangaceiro, le beato, le coronel, le retirante, le contador de estorias ont successivement incarné la bresilianite au XIXème siècle. La littérature et le cinéma, créateurs de mythes, ont contribué à l'ancrage progressif de l'univers nordestin commue élément fondateur et constitutif de la nation dans l'imaginaire collectif brésilien au XXème siècle. L'analyse des conditions de production fait apparaître les signes d'une dépendance et d'un sous-développement culturel. L'étude des modes d'approches du sertao révèle la distinction entre deux ancrages du regard en fonction de l'origine des auteurs : exogène et endogène. A l'extériorité du regard, correspond une approche scientifique (os sertoes), anthropologique (0 turista aprendiz), politique {os fuzis), folklorique {0 cangaceiro) ou sociale {central do brasii}. L'intériorité, quant à elle, induit une approche poétique {grande sertao: veredas), ontologique {0 quinze, vidas secas), mystique {0 sertao das memorias), historique {corisco e dada) ou révolutionnaire {deus e o diabo na terra do sol, 0 dragao da maldade contra o santo guerreiro). Cinq étapes fondamentales marquent l'évolution de la représentation identitaire du sertao au niveau national : la découverte, la dénonciation de l'état de pauvreté, la mythification, la révolte, le désir de restauration. L'évolution de l'image de l'identité nationale en littérature et au cinéma traduit les différentes crises traversées par le Brésil : guerre civile de Canudos, révolution de 1930, années Kubitschek, coup d'état de 1964, crise économique et sociale de 1998.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

50

Niang, Hadja. « Littérature et cinéma africains dans le champ de création de Sembene Ousmane : la source des adaptations ». Thesis, Paris Est, 2009. http://www.theses.fr/2009PEST0007.

Texte intégral

Résumé :

Guelwaar, à l’opposé des autres œuvres de Sembène Ousmane – dont les films sont tirés de nouvelles et de romans- a suivi le sens inverse du schéma classique de l’adaptation en ce qu’il est un film devenu roman. Une telle particularité fait que notre travail suit deux parcours : de l’écrit à l’écran et de l’écran à l’écrit. La fonction narrative de Sembène qui représente dans l’écriture l’art du conte africain constitue le point commun entre un bon nombre de travaux sur l’œuvre littéraire et filmique de Sembène Ousmane. A partant du narratif pris en charge par le « griot-conteur », notre étude tient à montrer que le langage de l’œuvre de Sembène n’est pas seulement narratif, il est aussi « monstratif » et surtout visuel, lequel langage occupe une part importante dans la lecture du livre et du film de Sembène Ousmane
Guelwaar, contrary to other works of Sembène Ousmane - Films of which are pulled by news and by novels, followed the inverse sense of the classic plan of the adaptation in the fact that it is a film become novel. Such a peculiarity makes that our work follows two courses: of the paper in the screen and the screen to the paper.The narrative function of Sembène which represents in the writing the art of the African tale constitutes the common point enter a good many of works on the literary and cinematic work of Sembène Ousmane. In leaving of narrative taken care by the "griot-storyteller", our study is anxious to show that the language of the work of Sembène is not only narrative,He is also " monstratif " and especially visual, who language occupies an important part in the reading of the book and the film of Sembène Ousmane

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

Thèses sur le sujet « Cinéma et littérature »

Créez une référence correcte selon les styles APA, MLA, Chicago, Harvard et plusieurs autres