Thèses : « Couleur (art) – 14e siècle »

1

Airiau, Mecthilde. « Les mots et les usages de la couleur chez les peintres du Trecento florentin ». Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2025. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2025SORUL017.pdf.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse s'attache à montrer les usages et les fonctions de la couleur dans la peinture sur panneau de bois florentine au Trecento. Il s'agit du premier travail sur la question qui, pour dépasser la seule analyse des teintes, s'appuie sur une méthode pluridisciplinaire convoquant la lexicographie, les études matérielles et les analyses visuelles. Afin de déterminer la place de la couleur dans la société florentine, la première partie donne lieu à une vaste enquête sur le vocabulaire de la couleur dans les langues italiennes du Trecento, qui permet de constater l'importance du rouge pour la société florentine, d'une part, et la neutralité des termes de couleur indépendamment de tout contexte d'autre part. La deuxième partie est l'occasion d'une synthèse sur l'étude des sources de l'histoire matérielle de la couleur et d'un panorama des matériaux employés et de leur mise en œuvre. Elle met en évidence la complexité inhérente à la technique de la tempera et la systématicité de mise en œuvre des pigments qui en résultent, ce qui n'exclut pas pour autant une certaine adaptabilité de la technique aux désirs des peintres. Enfin, la troisième partie examine le fonctionnement et les fonctions de la couleur dans les images, tant d'un point de vue iconographique que pictural. L'étude met ainsi au jour les systèmes qui gouvernent les choix des peintres en matière de couleur en montrant que, si on peut révéler certaines préférences individuelles, le déploiement des couleurs dans les peintures sur panneau de bois répond à des logiques iconographique, rhétoriques et fonctionnelles, elles-mêmes découlant du contexte intellectuel, religieux et artistique dans lequel elles s'inscrivent
This thesis investigates the uses and functions of colour in Florentine panel painting of the Trecento. As the first study on this topic, it moves beyond a mere analysis of hues, using a multidisciplinary approach that incorporates lexicography, material studies, and visual analysis. To determine the role of colour within Florentine society, the first section undertakes a comprehensive examination of colour vocabulary in 14th-century Italian languages, revealing both the significance of red within Florentine culture and the neutrality of colour terms regardless of context. The second section provides a synthesis of previous studies on the material history of colour and an overview of the materials and their application techniques. It highlights the inherent complexity of tempera techniques and the systematic use of pigments, while also allowing for some adaptability to artists' preferences. Finally, the third section examines the functions of colour within images, from both iconographic and pictorial perspectives. This study brings to light the systems underpinning painter colour choices, showing that, while certain individual preferences may be identified, the use of colour in panel paintings follows iconographic, rhetorical, and functional rationales reflecting the intellectual, religious, and artistic context of the period

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

2

Lecerf, Guy. « Le coloris dans l'art des jardins : théories en France et en Angleterre, 1820-1930 ». Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010644.

Texte intégral

Résumé :

Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

3

Maršálek, Marie-Anne. « La réinvention du Moyen âge sur les scènes lyriques parisiennes entre 1810 et 1830 : genèse, contours et circulation vers l’Italie et l’Allemagne d’un imaginaire français ». Thesis, Rennes 2, 2016. http://www.theses.fr/2016REN20034/document.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse, inscrite dans le cadre méthodologique de l’histoire des représentations, vise à identifier les caractéristiques littéraires, visuelles et musicales de l’imaginaire médiévaliste inventé par le genre de l’opéra-comique français entre 1810 et 1830. Ces années correspondent à une tranche de vie privilégiée de l’imaginaire, celle de son épanouissement et de sa parfaite lisibilité. L’imaginaire se révèle aujourd’hui sur le mode de reflets d’une sensibilité désormais évaporée. Ses contours, conditionnés par l’impératif de la couleur locale, sont précisés au moyen d’une pluricité de méthodes : la prise en compte des conventions de l’opéra-comique, le recoupement d‘oeuvres – livrets, scénographie, partitions –, l’étude de la presse et du regard parodique qui lui est porté a posteriori. L’ensemble des informations collectées mène aux motifs médiévalistes d’opéra-comique, parmi lesquels une bande-son médiévaliste.Le défi méthodologique de cette thèse tient à sa démarche pluridisciplinaire, qui associe étroitement l’opéra-comique à son contexte. L’idée selon laquelle la musique ne prend son sens et sa couleur que dans un cadre imaginaire sous-tend cette approche. Parmi les autres pans médiévalistes de la culture d’époque, les romans de Charles Prévost d’Arlincourt constituent le socle de comparaison le plus précieux.C’est sur fond d’altérité que les contours du médiévalisme se dégagent le mieux, notamment par sa mise en regard avec ce qu’il devient en Italie et en Allemagne, dans le cadre d’adaptations. Si certaines intrigues françaises médiévalistes sont reprises à l’étranger, des motifs pourtant essentiels à la couleur locale en France restent intraduisibles et interdisent d’évoquer un style médiévaliste européen de l’art lyrique. En revanche, à l’heure où chaque pays se cherche une identité, certaines références européennes se retrouvent bel et bien d’une scène à l’autre
This thesis is rooted in the methodological framework of the history of representations. It aims to identify the literary, visual and musical features of the medievalist imaginary invented in the French opéra-comique between 1810 and 1830. The imaginary now only appears through the reflections of an evaporated sensitivity and through discontinuous hintsthat need to be reassembled.Thus the characteristics of this imaginary conditioned by the couleur locale emerge from the combination of several methods: the comparison of several opéras-comiques – taking into account their booklets, set designs and scores –, the study of the Parisian press and investigation of parodic manifestations of the medievalism in the years that followed.The methodological challenge consists in a multidisciplinary approach, which tightly binds the opéra-comique with its context. The idea that music only acquires its meaning and color in an imaginary framework underpins this approach. Among the other French medievalist aspects considered, Charles Prévost Arlincourt’s novel provide the most valuableway to clarify the lyrical imaginary.The comparison with adaptations and translations of French medievalist plots in Italy and in Germany is one of the best way to identify the characteristics of the imaginary. Thus this study does not identify a European style but rather reveals some untranslatable components in the wake of French medievalist intrigues. However, at the time when each country is seeking roots and identity, some European references emerge in the context of the lyrical medievalism

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

4

Rowley, Neville. « Pittura di luce. La manière claire dans la peinture du Quattrocento ». Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040197/document.

Texte intégral

Résumé :

La présente thèse a pour point de départ une exposition florentine organisée en 1990 et intitulée « Pittura di luce ». Ses organisateurs entendaient désigner ainsi un courant de la peinture florentine du milieu du XVe siècle fondé sur la lumière et la couleur claire. Comme l’avait bien compris l’exposition, cette « peinture de lumière » est d’abord identifiable dans la « manière colorée » portée par Fra Angelico et Domenico Veneziano, mais elle doit aussi être élargie à une manière plus « blanche », qui va de Masaccio aux premières œuvres d’Andrea del Verrocchio, au début des années 1470. Les implications techniques et symboliques d’un tel style méritent également d’être étudiées car elles renforcent le sens et la cohérence d’un mouvement publiquement soutenu par les Médicis et dont l’ambition majeure fut de « faire surgir » les peintures religieuses de la pénombre des églises (I). L’étude du développement géographique vaste mais discontinu de la pittura di luce approfondit les hypothèses proposées dans le cas florentin : tout autant qu’une façon moderne et proprement « renaissante » de peindre, la « manière claire » est aussi fondée sur une lumière théologique, associée en partie à la religiosité franciscaine. Piero della Francesca est assurément le grand protagoniste de ce double rayonnement, dans les cours et dans les campagnes (II). C’est également Piero qui sera au cœur de la redécouverte d’une peinture que les XIXe et XXe siècles ont réappris à voir grâce aux historiens de l’art et aux artistes, mais également en raison du changement des conditions de vision des œuvres d’art. En ce sens, la pittura di luce constitue un chapitre important de l’histoire du regard, que l’on propose de rapprocher d’autres redécouvertes picturales elles aussi fondées sur la notion d’apparition (III)
This thesis starts from an 1990 Florentine exhibition called “Pittura di luce” which intended to identify a trend in the mid-15th-century Florentine painting. This “painting of light” is not only, as was said at the time, a “coloured style” led by Fra Angelico and Domenico Veneziano, but it should be extended to a more “white manner”, from Masaccio to the first works of Andrea del Verrocchio, in the early 1470s. The technical and symbolical meanings of this style are to be studied as they reinforce the sense and the coherence of a trend publicly sustained by the Medici. The major aim of the “pittura di luce” is to make “emerge” religious paintings from the darkness of the churches (I). The study of the vast but also discontinuous geographical development of this “bright style” amplifies the hypotheses of the Florentine case: as much as a modern way of painting, it has very often a more archaic connotation of divine light. Piero della Francesca is surely the major figure of this ambivalent development (II). He is also one of the most significant examples of the way in which the “pittura di luce” was forgotten, and then rediscovered during the 19th and 20th centuries, thanks to art historians and artists, but also to the changes of the conditions of vision of the works of art. In this sense, the “pittura di luce” is an important chapter of the history of look, that we propose to compare with other rediscoveries of similar “paintings of apparition” (III)

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

5

Samet, Tehrani Mehrdad. « La philosophie de la couleur persane : du XVe siècle à nos jours ». Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010543.

Texte intégral

Résumé :

A l'aube de la civilisation persane, la valorisation du Soleil accompagne celle de la lumière et de la vision. Dans le culte de Mehr (Mithra )l'ascension visionnaire mystique, est accompagnée de photismes colorés. Cette traduction" visuelle" des degrés ascensionnels se retrouve aussi dans la vision mystique de Najm Kobra et Semnani. Cette recherche met l'accent sur l'influence du manichéisme sur la formation et l'évolution de la miniature persane, en même temps que l'inspiration manichéenne de Sohrawardî (le concept de l'intermonde). Le cadre du XV· siècle nous procure les éléments esthétiques qui nous permettent d'établir des liens entre le concept polychrome persan, basé sur l'opposition des contraires (complémentaires) et les théories modernes de la couleur: les gris colorés obtenus par la juxtaposition des couleurs opposées.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

6

Vulliez, Charles. « Des écoles de l'Orléanais à l'université d'Orléans (10e début 14e siècle) ». Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100021.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse se veut une histoire de l'enseignement au sens large du terme (contenus et méthodes pédagogiques, institutions, personnels concernes), dans un cadre chronologique relativement long (quatre siècles) et un espace géographique restreint, l'orléanais (cadre retenu : l'ancien diocèse d'Orléans). Une première partie s'attache, à travers l'étude des productions intellectuelles et des illustrations humaines, à reconstituer l'enseignement des écoles héritées de la renaissance carolingienne, celles monastiques de Fleury (Saint-Benoit-sur-Loire) et Micy-saint-Mesmin (10e- iie s. ) Et celles urbaines d'Orléans, accessoirement Meung-sur-Loire (iie-13e s. ). La deuxième partie, après un tour d'horizon des productions de l'espace ligérien en matière d'arcs dictaminis (art de la rédaction des lettres), s'efforce de dégager la vision de la société, et en particulier du monde des écoles, qui était celle des maitres de cette discipline aux 12e et 13e siècles. La troisième partie, axée sur l'institutionnel, retrace l'évolution qui conduit des écoles, au sens concret du terme des 12e et 13e siècles a l'institution nalisation universitaire, sanctionnée par les bulles du pape clément 5 du 27 janvier 1306, reconnue dans les faits, après une longue crise, en 1320. Un large appendice biographique, consacre aux personnels du studion juridi que du 13e s. , fait suite à cette troisième partie, qu'il replace dans sa dimension humaine
This thesis intends to be a history of teaching in the wider acceptance of the term (contents and pedagogical methods, institutions and staffs concerned) within a relatively broad chronological framework (four centuries) but in a restricted geographical space (the old diocese of Orléans). The first part deals through a study of the intellectual products with human examples, to reconstruct the teaching of the schools inherited from the Carolingian renaissance, the monastic schools of fleury (st-benoit-sur-loire) and micysaint-mesmin (10th-11th centuries) and the urban schools of Orléans, and eventually meung-sur-loire (11th-13th centuries). The second part, after a survey of the products of the Loire’s called in the field of ars dictaminis (art of writing letters), tries to picture the vision of the society, especially of the world of the schools, which was that of the masters of this discipline in the 12th and 13th centuries. The third part, centered upon the institutions, describes the evolution which leads from the schools, (in the precise sense), of the 12th and 13th centuries, to the institutionalization of the university, confirmed by pope clement 5's bulls of the 27th of January 1306 and its final acceptance after a protected crisis in 1320. A large biographical appendix, devoted to the alumi of the legal stadium

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

7

Ribeyrol, Charlotte. « L'Hellénisme des premiers esthètes anglais : poésie, prose critique, peinture ». Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030122.

Texte intégral

Résumé :

L’hellénisme naît dans le sillage romantique de l’œuvre de J. Winckelmann qui propose une vision épurée de l’Antiquité grecque que les premiers Esthètes, de Swinburne à Pater, se réapproprient dans les années 1860-1880 pour mieux la détourner au profit d’une esthétique du trouble qui fait toute sa place aux parts d’ombre de la Grèce, à l’androgynie et à la couleur, en lien avec les nouvelles fouilles archéologiques et les découvertes anthropologiques de l’époque. Les Esthètes, qu’ils soient peintres ou poètes, relisent les mythes antiques sous l’angle chthonien et non plus olympien afin de faire affleurer une Grèce plus primitive et sauvage, refoulée par le modèle winckelmannien ainsi que par les Victoriens eux-mêmes dont « l’hellénomanie » dorienne semble difficilement compatible avec l’altérité radicale qui sous-tend les aspirations helléniques des Esthètes. Notre réflexion explore autant les formes de subversion des normes classiques que les modalités de réinvention d’un modèle hellénique autre, support d’une nouvelle mythopoïétique célébrant les origines non médiatisées de l’art grec à travers des figures et des mythes de la création où se côtoient Sapho et Apelle, Pygmalion et Dédale, dans le cadre d’une quête fantasmée de l’origine du culte de la forme belle, au fondement à la fois du miracle grec et de l’Esthétisme
Hellenism emerged in the wake of Winckelmann’s pre-Romantic works describing the purity of Ancient Greece. The first Aesthetes, from Swinburne to Pater, subverted this model in favour of a dissident aesthetic revealing a more ambiguous and colourful Greece in keeping with contemporary archeological and anthropological discoveries. The poets and painters of the Aesthetic movement re-read Greek myths in a new light – the Chthonian gods supplanting the Olympians – in order to highlight a more primitive Greece rejected by Winckelmann and the Victorians whose “hellenomania” could not be reconciled with the possibility of the vision of another Greece. This thesis focuses both on the subversion of classical norms and on how the Aesthetes reinvented a new hellenic model returning to the unmediated origins of Greek art. They revisited the myths and figures of creation : Sappho, Apelles, Pygmalion and Daedalus, in a imaginary quest for the origins of the cult of beauty, which is at the very heart of the Greek miracle and of Aestheticism

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

8

Zhai, Yi. « Échanges artistiques entre l'Iran et la Chine (13e-14e siècle) : textiles et céramiques ». Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3080/document.

Texte intégral

Résumé :

Le présent travail porte sur les échanges artistiques entre l’Iran et la Chine observés sur le textile et la céramique du 13e au 14e siècle. Les discussions dans cette étude s’appuient sur une analyse des caractéristiques de transferts connus : par exemple, existence de transfert technique, relation entre deux véhicules (textile et céramique) des échanges artistiques et propre intention des Mongols. Trois parties composent ce travail, d’après les différents corpus. Les deux premières se consacrent séparément aux corpus de textiles concernant le textile à fil d’or et celui de céramiques. La première partie comporte un catalogue des spécimens textiles et d’analyser les changements artistiques. Dans la deuxième partie, l’examen scientifique permet d’évaluer l’échange technique potentiel. Dans la dernière partie, deux groupes de motifs (motifs représentant l’autorité et motifs de scène de chasse) sont comparés sur les spécimens textiles et céramiques. Le transfert de ces motifs concrets dévoile des relations culturelles essentielles entre des peuples non-sédentaires (les Khitan, les Jurchen et les Mongols) au nord de l’Asie. En conclusion, les différences entre les échanges artistiques représentés sur le textile et ceux sur la céramique montrent une une contradiction avec l’idée que le textile soit un médiateur de la céramique ilkhanide pour le transfert artistique. Ces différences sont fondamentalement liées avec les charactéristiques de la nature et les qualités sociales de chaque matérial. Dernièrement, l’intention des dominants mongols, comportant des successions culturelles de peuples non-sédentaires, est représentée par les échanges artistiques à l’époque
This paper presents studies on the artistic exchanges between Iran and China observed on textiles and ceramics from the 13th to 14th century. It presents detailed analysis of three important characteristics of the artistic transfers : namely the existence of potential technique transfer, the relation between the two materials (textile and ceramic) during the artistic exchange, and the intention of the Mongols, based on existing corpus The first part of paper is devoted to textile corpus, particularly the textile with golden thread, featuring a catalog of textile samples. The second part presents in depth discussions of the ceramic corpus and questions the potential technical exchange of pottery , followed by comparisons based on actual data. The third part presents comparisons of the patterns observed in both textiles and ceramics specimens, suggesting that the transfer of the concrete motifs reveals the essential cultural relations between the non-sedentary peoples (the Khitan, the Jurchen, the Mongols) of northern Asia. The conclusions of the studies are threefold. First, the technical transfer can be only confirmed in the textile domain. Second, the differences of the artistic exchanges between the textile and the ceramic are closely related to the natural characteristics and the social value of each material, which challenges the previous idea that the textile would be considered as the mediator for the Il-khan ceramic during the artistic transfer. The last but not the least, the cultural relationship between the non-sedentary peoples is clearly represented by the artistic exchanges under the domination of the Mongols

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

9

Mutter-Kuhn, Marie-Antoinette. « La sculpture religieuse monumentale aux XIIIe et XIVe siècles dans le diocèse de Metz ». Nancy 2, 1987. http://www.theses.fr/1987NAN21001.

Texte intégral

Résumé :

L'étude de la sculpture monumentale des XVIIIe et XIVe siècles dans le diocèse de Metz s'applique aux églises de Arry, Cheminot, Farschviller, Forbach, Gorze, Hesse, Hombourghaut, Lindre-Haute, Lemoncourt, Marsal, Metz (cathédrale, Saint-Martin, Sainte-Ségolène, Saint-Vincent), Munster, Reding, Saint-Jean-de-Bassel, Sarrebourg, Sarreguemines, Vicsur-Seille. Elle fait apparaitre l'acceptation dès la première moitié du treizième siècle de la nouvelle vision plastique dans l'élaboration du décor, le grand nombre et la variété des éléments de sculpture, ainsi que la multiplicité des influences venues de chantiers gothiques français. La variété décelée dans le décor concerne à la fois les thèmes iconographiques retenus, les choix formels des supports de ces thèmes et la localisation des éléments de sculpture. Au travers de l'iconographie s'exprime la propension des sculpteurs au récit et à l'anecdote. Ainsi les tympans de la cathédrale comme ceux des petites églises paroissiales, les frises et les culots soulignant ou ponctuant l'architecture des édifices, témoignent du gout pour l'histoire racontée. Mais, les sculpteurs traduisent aussi sur les corbeilles des chapiteaux et sur les clefs de voute le décor floral savant et naturaliste spécifique du treizième siècle. La diversité formelle des supports ainsi que la localisation de la sculpture ne manquent pas non plus d'originalité : on peut noter la présence de statues-colonnes marquant les angles d'un transept, des consoles à éléments multiples, des fausses gargouilles, symbole des évangélistes sur le chevet, des pinacles décorés d'une adoration des rois-mages. L'influence des chantiers français se remarque dans les petites églises paroissiales, comme dans les abbatiales et dans la cathédrale. Néanmoins, tout se passe comme si chaque atelier local interprétait les traits venus d'ailleurs, tout en respectant les traditions locales. En somme, la réalité d'un espace artistique couvrant l'ancien diocèse et l'actuel département de la Moselle peut être affirmée

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

10

Bortoli, Catherine. « Les icônes hagiographiques russes de la seconde moitié du XIIème au début du XVème siècle ». Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010602.

Texte intégral

Résumé :

Le but de cette thèse est de présenter et d'étudier l'iconographie des plus anciennes icones russes hagiographiques - c'est à dire les icones ou figure un saint entouré par les scènes de sa vie. Après une introduction qui expose l'état des recherches à leur sujet, ces icones (au nombre de 23) sont rapidement présentées dans un catalogue. La deuxième partie réunit les principales données matérielles connues sur ces icones : leur format, leur provenance géographique et leur emplacement dans l'église. Les chapitres suivants sont proprement iconographiques. Le chapitre III analyse les représentations qui figurent dans la partie centrale de l'icône (appelée Srednik) on l'on voit un saint (Nicolas, Élie, Michel, Georges, Boris et Gleb). Le chapitre IV est consacré à l'étude iconographique de chacune des scènes (ou klejmo) qui entoure cette partie centrale et dépeint un épisode de la vie du saint (naissance, miracles, mort). Dans la dernière partie de cette étude, les icones hagiographiques sont comparées aux textes liturgiques vieux-russes. Alors que ces icones ont déjà été étudiées par rapport aux textes hagiographiques des vies de saints, elles n'ont jamais été comparés au contenu des offices célèbres à l'Église
The aim of this thesis is the iconographical presentation and study of the most ancient russian hagiographical icons - i. E. Icons where the saint shown in the center is surrounded by scenes of his life. After the introduction which exposes the advancement of the research, icons (23 icons) are briefly presented in a catalogue. The second part gathers the main material data known about them (size, geographical origin and place in church). The next two chapters are entirely devoted to iconography. Chapter iii analyses representations which are in the center of the icons (called srednik) : representations of saints Nicholas, Elia, Michael, George, Boris and Gleb. Chapter IV sutdies the iconography of each scene (called Klejmo) which surrounds the central part of the icon representating episodes of the saint's life (birth, miracles, death). The last part of this study is the comparison between hagiographical icons and the liturgical old-russian texts. Although hagiographical icons had already been compared with hagiographical texts (lives of saints), they had never actually been compared with liturgical texts of the services celebrated in the church

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

11

Laclau, Adeline. « Les manuscrits enluminés dans le sultanat mamlūk au XIVe siècle ». Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0200.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse porte sur les manuscrits enluminés réalisés dans le sultanat mamlūk au XIVe siècle. Ces ouvrages, produits en nombre, représentent aujourd'hui une masse critique non négligeable afin d’étudier les divers mécanismes de la production manuscrite en Egypte et Syrie à la fin du Moyen Age. Grâce aux sources historiques et à une analyse du livre en tant qu’objet et œuvre d’art, cette étude propose de retracer le processus de fabrication et le contexte de production de ces manuscrits. La méthode de travail adoptée s’articule autour de trois axes principaux : d’abord, l’observation attentive du support via l’usage et l’évolution des formats de papiers employés, celle de la mise en page et des écritures, puis l’analyse des enluminures essentiellement fondée sur des considérations relatives à leur construction géométrique. En unissant plusieurs disciplines comme la codicologie, la paléographie et l’histoire de l’art, cette étude met alors en lumière l’identité des différents acteurs et leur rôle au sein de cette production artistique, mais aussi l’introduction et l’évolution de certains modes opératoires dans le processus de fabrication ou dans l’exercice du mécénat
This thesis focuses on the illuminated manuscripts produced in the Mamlūk sultanate during the 14th century. These works, produced in large numbers, now represent a significant critical mass in order to study the various mechanisms of manuscript production in Egypt and Syria at the end of the Middle Ages. Using historical sources and an analysis of the book as an object and work of art, this study proposes to trace the manufacturing process and production context of these manuscripts. The working method adopted is based on three main axes: first, careful observation of the medium through the use and evolution of the paper formats used, the layout and writing, and then the analysis of illuminations, essentially based on considerations relating to their geometric construction. By combining several disciplines such as codicology, palaeography and art history, this study highlights the identity of the various actors and their role within this artistic production, but also the introduction and evolution of certain operating modes in the manufacturing process or in the exercise of patronage

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

12

Serodes-Mirabel, Françoise. « Modernité et synthèse des arts. Le mot, le son et la couleur : autour de Kandinsky ». Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081045.

Texte intégral

Résumé :

Entre 1905 et 1914, en allemagne et en autriche, les peintres, les musiciens et les poetes explorent et experimentent dans le domaine de la couleur. La couleur se revele comme un chainon decisif dans la formation de l'art moderne et de l'oeuvre d'art totale. Sur scene kokoschka (avec "meurtrier, espoir des femmes", schoenberg (avec " la main heureuse") et kandinsky dans ses operas de couleur ("sonorite jaune", "sonorite verte", "noir et blanc" "violet"), font retrouver a la couleur son energie, sa force creatrice, en la liberant de toute fonction utilitaire, narrative, en la considerant comme un etre vivant, autonome. Capable de traduire l'interiorite la couleur depasse le pouvoir des mots, elle metamorphose, reunit, reconcilie, transcende, eleve et kandinsky fonde l'interaction des differents moyens artistiques sur la sonorite, la vibration. Synthese ouverte, sans point d'equilibre, en metamorphose continuelle, elle ouvre de nouveaux espaces et kandinsky procede a la reduction aux elements de base puis apres simplification a la complexification. Il fait jouer la polarite, les extremes. En poesie, kandinsky procede a la transposition des techniques picturales afin de liberer la sonorite des mots ou il a recours a la repetition qui fait perdre au mot sa signification
Between 1905 and 1914, both german and austrian artists experimented in the field of color. Color came to be the decisive link in the development of modern art and of the complete work of art. Thus on the stage kokoschka with "morder, hoffnung der frauen", schoenberg with "die gluckliche hand" and kandinsky with his "color" operas, "der gelbe klang" "der grune klang" "schwarz und weib" "violett", found a new energy and creativity in color, liberating it from a mere utilitarian role and considering it as an autonomous living thing. Color was stronger than words in its ability to translate inner feelings and the senses. It could metamorphose, reunite, reconcile and transcend and kandinsky founded the interaction of these different artistic means through sound and vibration. It was a new synthesis in continual flux opening up a new space and kandinsky proceded first to simplify the basic elements, then became more complex by putting into play their polarity, their extremes. In poetry kandinsky transposes pictural techniques in order to liberate sound through repetition, reducing the word to its proper sonority

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

13

Ronetti, Alessandra. « "Chromomentalisme" : psychologies de la couleur et cultures visuelles en France au passage du siècle (1870-1914) ». Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H090.

Texte intégral

Résumé :

Alors que l'influence des théories optiques de la couleur sur le développement des techniques picturales aux XIXe et XXe siècles a fait l'objet d'études nombreuses, le champ, tout aussi déterminant, de la psychologie de la couleur demande à être exploré plus en avant. Notre recherche porte sur les liens historiques et épistémologiques entre les approches psycho-physiologiques de la couleur - empruntées aux discours de la psychologie expérimentale, de la psychiatrie et des sciences psychiques - et les cultures visuelles, au tournant du XXe siècle. Ce travail explore le pouvoir de conditionnement mental de la couleur, ou «chromomentalisme» : comment la couleur influence l'esprit et plus largement le corps de l'individu en affectant sa capacité de concentration, sa santé ou son humeur. La thèse présente trois grands axes qui correspondent à des déclinaisons différentes des psychologies de la couleur : la couleur-attention, la couleur-énergie et la couleur-émotion. La première partie analyse les dispositifs d'emprise attentionnelle utilisés à la fois en laboratoire et sur scène, la dialectique entre attention et distraction dans les expériences urbaines, et l'essor des psychotechniques de la couleur. La deuxième partie explore les pratiques d'emprise énergétique (le mythe du corps sans fatigue, la neurasthénie) et l'interprétation bio-esthétique de la couleur qui émerge à fois du débat occultiste et expérimental. La troisième partie porte sur le pouvoir de gestion des affects, en mobilisant le débat sur l'empathie et l'éducation des sens, l'esthétique populaire des couleurs, les modes de relation entre harmonies chromatiques et sociales
Whilst the influence of color optical theories on the development of pictorial techniques in the Nineteenth and Twentieth centuries has been the subject of numerous studies, the field of color psychology needs to be explored further. Our research focuses on the historical and epistemological links between psycho-physiological approaches to color - derived from the discourse of experimental psychology, psychiatry and psychic sciences - and visual cultures at the turn of the Twentieth century. This dissertation explores the power of color as mental conditioning, or «chromomentalism» : how color influences the mind and more broadly the body of the individual by affecting its ability to concentrate, health or mood. The thesis presents three major axes that correspond to multiples aspects of color psychology : color-attention, color-energy and color-emotion. The first part analyzes the attention-grabbing devices used both in the laboratory and on stage, the dialectic between attention and distraction in urban experiences, and the rise of psychotechnics of color (art, cinema, advertising:). The second part explores the oractices of energetic control (the utopian goal of the "body without fatigue", neurasthenia, psychotechnics of energy) and the bio-aesthetic interpretation of color that emerges from occultism and experimental sciences. The third part focuses on the power of color to affect emotion, by questioning the debate on empathy and the education of the senses, the popular aesthetics of colors, the link between chromatic and social harmonies

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

14

Brécoulaki, Hariclia. « La peinture funéraire de Macédoine : emplois et fonctions de la couleur (IVe-IIe siècle avant J.-C.) ». Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010673.

Texte intégral

Résumé :

La thèse se compose de trois volumes, Ia et Ib, complétés par un volume d'annexes (vol. II), où figurent les données issues des analyses techniques effectuées sur les échantillons étudiés pour chacun des monuments pris en considération (MLP, MEB-EDS, XRD, XRF, mFTIR, GC-MS, HPLC). Le catalogue rassemble dans les treize premiers chapitres l'ensemble des peintures funéraires de Macédoine, classées topographiquement et qualitativement: Vergina-Aigai, Lefkadia-Mieza, Pydna, Dion, Aghios Athanassios, la région de Thessalonique, Derveni-Leté, Nea Michaniona-Aineia, Potidée, Amphipolis, Tragilos et Drama. Ces chapitres monographiques qui présentent une analyse systématique de l'ensemble de la documentation disponible sont suivis de deux chapitres de synthèse sur les matériaux et les techniques de la peinture ancienne, aboutissant à une reconstitution des pratiques des peintres antiques, confrontées aux informations que nous recueillons dans les sources textuelles greco-romaines

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

15

Nadal, Emilie. « Le miroir d'un archevêque : étude autour du pontifical de Pierre de la Jugie (Narbonne, Trésor de la cathédrale, ms. 2) ». Electronic Thesis or Diss., Toulouse 2, 2013. http://www.theses.fr/2013TOU20114.

Texte intégral

Résumé :

En 1350, Pierre de la Jugie, neveu du pape Clément VI, est depuis trois ans sur le siège de Narbonne, à la tête d’un des archevêchés les plus riches du royaume de France, lorsqu’il décide de faire réaliser un pontifical à la hauteur de ses ambitions. Orné de 24 médaillons pour le calendrier, d’une pleine page, et de 61 lettres historiées encore en place (une vingtaine a été découpé), l’ouvrage est un témoignage exceptionnel, bien documenté, qui permet de comprendre les modalités de la commande des manuscrits liturgiques enluminés au XIVe siècle, et qu’il est possible de replacer dans un contexte politique, religieux et artistique bien déterminé. Le livre n’est qu’en partie fidèle au modèle de pontifical établi par Guillaume Durand. Outre un calendrier et des feuillets de comput, il contient aussi plusieurs textes additionnels, expressément ajoutés par Pierre de la Jugie pour certains d’entre eux, et accompagné d’une iconographie qui leur est propre. L’étude des textes, du calendrier au pontifical, et de l’iconographie choisie pour les illustrer, permet de mettre en valeur la forte implication du commanditaire dans la mise en place de ce livre. Les peintures qui ornent ces pages sont l’œuvre de quatre artistes qui, en dépit de leurs formations différentes (Catalogne, Sud de la France, Italie) ont collaboré et se sont mutuellement influencés. Le recensement des productions de chacun des enlumineurs permet enfin de mettre en valeur l’existence de réseaux d’échanges entre les artistes et les commanditaires ecclésiastiques appartenant à un même clan de prélats limousins
In 1350 , Pierre de la Jugie, archbishop of Narbonne and nephew of Pope Clement VI, decides to make a Pontifical that lives up to his ambitions. Decorated with 24 medallions for the calendar, a full page and 61 historiated letters, the book is an exceptional testimony, well documented, which helps to understand the ways liturgical illuminated manuscripts were ordered during the fourteenth century, and it can be replaced in a well-defined political, religious and artistic context. In addition to a calendar, and computus, this pontifical of Guillaume Durand also contains several additional texts, specifically added by Pierre de la Jugie for some of them, and accompanied by an iconography of their own. The study of the text and iconography highlights the strong involvement of the ecclesiastical patron in the creation of this book. The paintings that adorn these pages are the work of four artists who, despite their different backgrounds (Catalonia, southern France, Italy) have collaborated and influenced each other. The census of production of each of illuminators can finally highlight the existence of exchanges between artists and church patrons belonging to the same clan prelates Limousin networks

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

16

Leclercq, Catherine. « Alexander Calder : mobile, couleur et forme ». Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1991. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/212989.

Texte intégral

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

17

Petrick, Vicki-Marie. « Le corps de Marie Madeleine dans la peinture italienne du XIIIe siècle à Titien ». Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0087.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270
The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

18

Nadal, Emilie. « Le miroir d'un archevêque : étude autour du pontifical de Pierre de la Jugie (Narbonne, Trésor de la cathédrale, ms. 2) ». Thesis, Toulouse 2, 2013. http://www.theses.fr/2013TOU20114.

Texte intégral

Résumé :

En 1350, Pierre de la Jugie, neveu du pape Clément VI, est depuis trois ans sur le siège de Narbonne, à la tête d’un des archevêchés les plus riches du royaume de France, lorsqu’il décide de faire réaliser un pontifical à la hauteur de ses ambitions. Orné de 24 médaillons pour le calendrier, d’une pleine page, et de 61 lettres historiées encore en place (une vingtaine a été découpé), l’ouvrage est un témoignage exceptionnel, bien documenté, qui permet de comprendre les modalités de la commande des manuscrits liturgiques enluminés au XIVe siècle, et qu’il est possible de replacer dans un contexte politique, religieux et artistique bien déterminé. Le livre n’est qu’en partie fidèle au modèle de pontifical établi par Guillaume Durand. Outre un calendrier et des feuillets de comput, il contient aussi plusieurs textes additionnels, expressément ajoutés par Pierre de la Jugie pour certains d’entre eux, et accompagné d’une iconographie qui leur est propre. L’étude des textes, du calendrier au pontifical, et de l’iconographie choisie pour les illustrer, permet de mettre en valeur la forte implication du commanditaire dans la mise en place de ce livre. Les peintures qui ornent ces pages sont l’œuvre de quatre artistes qui, en dépit de leurs formations différentes (Catalogne, Sud de la France, Italie) ont collaboré et se sont mutuellement influencés. Le recensement des productions de chacun des enlumineurs permet enfin de mettre en valeur l’existence de réseaux d’échanges entre les artistes et les commanditaires ecclésiastiques appartenant à un même clan de prélats limousins
In 1350 , Pierre de la Jugie, archbishop of Narbonne and nephew of Pope Clement VI, decides to make a Pontifical that lives up to his ambitions. Decorated with 24 medallions for the calendar, a full page and 61 historiated letters, the book is an exceptional testimony, well documented, which helps to understand the ways liturgical illuminated manuscripts were ordered during the fourteenth century, and it can be replaced in a well-defined political, religious and artistic context. In addition to a calendar, and computus, this pontifical of Guillaume Durand also contains several additional texts, specifically added by Pierre de la Jugie for some of them, and accompanied by an iconography of their own. The study of the text and iconography highlights the strong involvement of the ecclesiastical patron in the creation of this book. The paintings that adorn these pages are the work of four artists who, despite their different backgrounds (Catalonia, southern France, Italy) have collaborated and influenced each other. The census of production of each of illuminators can finally highlight the existence of exchanges between artists and church patrons belonging to the same clan prelates Limousin networks

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

19

Dairou, Jean-Marc. « "Ultrasensible" et/ou de l'ergonomie expérimentale en arts plastiques ». Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010594.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse à la fois oeuvre(s), corpus, projet(s), évaluation(s) et épistémologie(s), å divisée en 9 registres thématiques (fonctionnels) qui travaillent conjointement comme autant de problématiques-(raisons) et/ou logiques, aux constructions régulatrices et inhibitrices près, (sur le mode et/ou) , exemplifient et situent co-(si)-gnitivement le phénomène artistique personnel, à son optimum comme à son plat d'« u/trasensibilité », dans son utilité (sa pratique), son environnement expérimental (et modèle), et ses multiples (de)-(re)-(en)-(trans)(sur)-(inter)-(hyper)-codes; justifie le bien fondé de mon activité artistique (actuelle), sa dépendance au cadre universitaire et plus généralement aux champs historiques et esthétiques en termes de démarche, connaissance, contenus, qualité, développement, prospective, stylistique (isme), impact et exigences sociales; sur la base des concepts: d'o. A. , åo. A. -d. (dispositif(s) de l'oeuvre d'art) (Ì/É)= O. A. (OEuvre d'Art ~ monographie); de modèle et de-(pour la) simulation, le projet expose; de comportement spécifique, l'Op. (-o) (artiste)(o)(o. A. ) (l'opérateur(rice)); de performance, d'interprétation(s), (par niveaux et par phases expérimentales: Ph. 1 faire , Ph. 2 faits et données, Ph. 3 interdisciplinarité scientifique); de planification(s); de décision(s); d'acte(s); d'action(s); d'activité(s); d'image(s}; d'image(s); d'objet(s); de sujet(s); de signe(s); de concept(s); de gestalt(s); de corps; de communication(s); de discours; de langage(s); d'adaptation et d'automatisme(s); de Sujet<>~<>Objet; d'énaction et d'affordances; de programme(s); de taxonomie(s); d'architecture(s) et de bases de données. La question de savoir comment faire une «science de l'art» hyper-réaliste, tout en restant (artiste) dans le champ artistique, en marque la direction, en sciences humaines; en naissent: performatique comparatiste, morphogenèse, ergo-poïé-poétique, et pragma-sémio-sémantique; assujetties à une oeuvre et art cognitif; et à des langages référentiels de la réalité: physique, physiologique, psychologique, et sociale, formalises pour l'Intelligence Artificielle.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

20

Atanasova, Vera. « Art et pouvoir en Bulgarie médiévale : deuxième empire bulgare (1185-1396) ». Thesis, Université de Lorraine, 2021. https://docnum.univ-lorraine.fr/ulprive/DDOC_T_2021_0326_ATANASOVA.pdf.

Texte intégral

Résumé :

La recherche présente traite un problème de l’histoire bulgare médiévale qui n’a jamais fait l’objet d’une étude détaillée. Il s’agit de l’utilisation de l’art par le tsar bulgare pour sa politique, notamment les représentations, tant visuelles que textuelles, du souverain. L’objectif de la recherche est de retracer l’évolution de l’image-modèle du souverain bulgare, présenté dans les différents supports artistiques. Plus encore, le but est d’en identifier des éléments proprement bulgares qui pourraient indiquer si une identité ethnique existait à cette époque. Ainsi, le travail est construit en quatre grandes parties.Chapitre I. Le Contexte historique et l’idéologie politique du Deuxième Empire bulgare (1185-1396) est divisé en deux sous-parties. La première retrace les grands traits de l’histoire du Deuxième Empire bulgare. Un accent est posé sur les progrès politiques et socio-culturels qui s’opèrent dans la société et qui jouent un rôle important dans la politique de l’Etat : la restauration de l’Etat, la reconnaissance officielle de son statut et de celui de son chef, l’indépendance de l’Eglise bulgare, la politique des mariages matrimoniaux, etc. Le but est de retracer l’évolution de l’idée politique afin de comprendre le contexte de la production artistique issue de la commande du souverain. Quatre grandes périodes sont à noter dans l’histoire bulgare qui délimitent les changements s’opérant dans la société : la période du rétablissement de l’Etat (1185 - 1241), la période d’affaiblissement (1241 - 1300), la période d’apogée (1300 - 1371) et la période du déclin (1371 - 1396). La production artistique en dépendait largement puisque les changements politiques déterminaient son évolution
The present research deals with a problem of medieval Bulgarian history that has never been studied in detail. It is about the use of art by the Bulgarian Tsar for his politics, including representations, both visual and textual, of the sovereign. The objective of the research is to trace the evolution of the model image of the Bulgarian sovereign, presented in the various artistic media. Even more, the aim is to identify distinctly Bulgarian elements which could indicate whether an ethnic identity existed at that time. Thus, the work is constructed in four main parts. Chapter I. The Historical Background and Political Ideology of the Second Bulgarian Empire (1185-1396) is divided into two sub-sections. The first traces the main features of the history of the Second Bulgarian Empire. Emphasis is placed on the political and socio-cultural progress taking place in society and which play an important role in State policy: the restoration of the State, the official recognition of its status and that of its leader, the independence of the Bulgarian Church, the policy of matrimonial marriages, etc. The aim is to trace the evolution of the political idea in order to understand the context of the artistic production resulting from the order of the sovereign. Four major periods are to be noted in Bulgarian history which delimit the changes taking place in society: the period of the reestablishment of the state (1185 - 1241), the period of weakening (1241 - 1300), the period of heyday (1300 - 1371) and the period of decline (1371 - 1396). Artistic production depended largely on it since political changes determined its development

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

21

Levet, Marie-Anne. « Syncrétisme, synergies, synesthésies, mimêsis littéraire et picturale en France à l'articulation des XVIIIe et XIXe siècles ». Clermont-Ferrand 2, 2002. http://www.theses.fr/2002CLF20020.

Texte intégral

Résumé :

Ce travail est basé sur un rapprochement des oeuvres de M. De Stae͏̈l, B. Constant, Chateaubriand et Senancour, avec la peinture fin du XVIIIe- début XIXe. La représentation de la nature, de l'Histoire et de l'Homme constituent les trois grandes parties. La première est divisée en cinq : les couleurs, les sons, les parfums, le mouvement et la symbiose de ces différents éléments dans le paysage romantique. Quant aux seconde et troisième, elles sont toutes deux divisées en trois sous-parties : la Révolution, l'Empire et la Restauration dans le premier cas, l'Individu, la nature comme miroir de l'Homme et enfin, l'idée de rédemption à travers la religion dans le second. Une étude linguistique des textes permet de voir comment ces quatre auteurs parviennent, à travers les figures linguistiques comme stylistiques, à faire ressortir leurs sentiments. L'importance accordée au visuel dans le texte ressort à travers l'écriture en majuscule ou en italique de certains termes qui donnent une valeur picturale au texte. Le phonème prend aussi valeur significative. Un point commun avec l'emploi des formes et des couleurs dans la peinture permet de montrer d'une part les points communs de ces deux arts, d'autre part, comment le Romantisme a évolué au cours de cette époque. L'importance attribuée à la subjectivité aboutit à un renversement du concept de la mimêsis ; celle-ci ne consiste plus en une reproduction de l'extérieur, mais en l'expression de l'intérieur. Parallèment au langage des couleurs et des sons, le langage des parfums sera lui aussi valorisé. Le mouvement est source de synergie : les éléments du paysage ne sont souvent pas clairement identifiés, mais interfèrent entre eux. Cette union est à l'origine d'une unité totale qui donne à la nature une valeur de temple. Le paysage devient aussi un tableau de la société ; une des images les plus fréquentes dans la description de la société moderne est celle du désert. La littérature prend une forme picturale, en particulier à travers la figure de l'éthopée. Aux images de Danton et Robespierre reprentés sous forme de monstres s'ajoute celle du peuple qui devient "tyran" dans son ensemble. Il en va de même pour Napoléon, peint à de nombreuses reprises sous forme de Satan. Quant à la Restauration, elle représente une rétrogradation. L'individu est alors partagé entre le sentiment que l'on se doit de progresser et le besoin de retrouver ses racines, à l'origine du "mal du siècle". Le renouveau religieux est, dans ce contexte, un moyen de lutter contre ce sentiment de vide

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

22

Cosnet, Bertrand. « L'imagerie morale italienne (v.1315 - v.1415) : figurer et personnifier les vertus selon les ordres mendiants et les communes toscanes ». Thesis, Tours, 2011. http://www.theses.fr/2011TOUR2018.

Texte intégral

Résumé :

L’imagerie morale connaît un essor considérable dans la péninsule italienne entre 1315 et 1415. Les ordres mendiants, notamment les franciscains, les dominicains et les augustins, sont les principaux promoteurs du renouveau de ce thème. Intégralement tournés vers l’étude et la propagation de la morale, ces trois ordres entrent en concurrence les uns avec les autres sur la question des vertus. Chez les laïcs, les villes mettent en œuvre une imagerie cohérente dressant le portrait de communes vertueuses destinée à légitimer les gouvernements et à dénoncer les régimes tyranniques. À partir d’un corpus iconographique riche (plus de 700 images), l’étude des vertus et des vices se propose de dégager la fonction et la signification des personnifications dans l’art italien à la veille de l’époque moderne. L’analyse des images met à jour les notions qui travaillent les figurations des vertus : les procédés artistiques consistant à figurer des valeurs morales ; la dimension édifiante et mnémonique des personnifications ; les échos et les écarts entre les personnifications et les exemplifications ; le phénomène de vulgarisation de la morale par l’image
The moral imagery knows an exceptional development in the Italian Peninsula between 1315 and 1415. The mendicant orders, in particular the Franciscans, the Dominicans and the Augustinians, are the main instigators of the revival of this theme. Completely turned towards the study and the propagation of morality, these three orders are in competition on the matter of virtues. Among the laymen, cities initiate a coherent imagery drawing the portrait of virtuous communes intended to legitimate the governments and to denounciate the tyrannical systems. From a large iconographic corpus (more than 700 pictures), the study of virtues and vices intends to find the function and the meaning of personifications in the Italian art on the eve of Modern history. The analysis of pictures brings to light the notions that underlie the representation of virtues: the artistic processes consisting in representing moral values; the edifying and mnemonic dimension of personifications; the echos and gaps between personifications and exemplifications; the popularization phenomenon of ethics by the picture

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

23

Legrand, Franck. « Gens d'armes et art de la guerre dans le sud-ouest de la France (1337-1380) : oppositions et spécificités ». Bordeaux 3, 2008. http://www.theses.fr/2008BOR30023.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse porte sur quelques aspects militaires du sud-ouest de la France (structures, rémunération, art de la guerre) au début de la guerre de Cent Ans (1337-1380). Elle compare les armées du roi de France, du roi d’Angleterre (également duc d’Aquitaine), ainsi que celles du vicomte de Béarn. Quelques spécificités méridionales sont perceptibles dans tous les camps, avec certaines catégories de gens d’armes (arbalétriers, cavaliers de second ordre) ou des tarifs particuliers de gages. Aussi, les combattants anglo-gascons ressemblent plus à leurs voisins français et béarnais qu’à leurs compagnons anglais, par la composition de leurs troupes ou la manière de faire la guerre. Il y aurait donc une « identité régionale » militaire entre la Gascogne et le Languedoc. Chaque principauté a bien sûr ses particularités qui dépassent notre cadre géographique : efficacité dans l’art de la guerre pour les troupes des Plantagenêts, organisation et effectifs plus importants chez les Français, peut-être une synthèse des deux modèles avec Gaston Fébus… Des évolutions sont communes à tous les camps, et là encore, pas seulement dans le Sud-Ouest, les Anglais étant le plus souvent les précurseurs. A partir des années 1360, les structures d’encadrement (commandements territoriaux, « auxiliarisation » dans les compagnies) et les modalités de rémunération se simplifient, avec la professionnalisation des armées. Il y a aussi adaptions et imitations des tactiques anglaises victorieuses. Les Anglo-Gascons s’inspirent moins des pratiques françaises. Par contre, d’autres domaines semblent immuables, tels les procédés de la guerre de siège, malgré le développement de l’artillerie à poudre
This thesis focuses on some military aspects in South-western France in the early years of the Hundred Years’ War (1337-1380), such as framework and strength, pays and art of warfare. It assesses the respective armies of the Valois King of France and of the King of England, Duke of Aquitany which rule the area between 1346 and 1356, and of the Viscount of Béarn as well. Specificities of the South-western part of France can be noticed on all sides, such as particular classes of men-at-arms (crossbowmen, serjeants and horsemen of lower value) or particular rates of wages. Thus, the Anglo-gascon soldiers are more like their French and Bearnese opponents than their English brothers in arms for the composition of troops, recruiting (contracts) and art of warfare. There would be a common provincial military identity, so to speak, between Gascony and Languedoc. Of course, each side have its own specificities: a great efficiency for Plantegenêt’s troops, a better organization and a larger number of soldiers for the French, with Gaston Fébus looking like a sort of synthesis of both. Common evolutions are noticeable on each side, and not only in South-western France, with the English often acting as the forerunners. From ca 1360 on officering structures (territorial commands, “auxiliarisation” and homogenization in the companies) and pay processes are simplified. Tactics of the victorious English armies (dismounted fights combined with archery) are copied and adaptated. Anglo-gascons are less interested in French practices (except for marshalls). But some areas seem immutable, such as siege warfare despite the development of the powder artillery

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

24

Biron-Ouellet, Xavier. « Un prédicateur et sa cité : spiritualité, émotion et société dans la Toscane du XIVe siècle. Le cas de Simone Fidati da Cascia ». Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0015.

Texte intégral

Résumé :

Cette thèse présente la première grande étude historique du prédicateur Simone Fidati da Cascia. Ce frère de l'Ordre des Ermites de Saint-Augustin fut particulièrement reconnu pour son activité pastorale à Florence, bien qu'il ait aussi été actif à Sienne, Pise, Pérouse et Rome. Quoique négligé par l'historiographie, il s'agit d'un auteur prolifique qui nous a entre autres laissé un grand commentaire des Évangiles en latin, un texte d'instructions religieuses en vernaculaire toscan et un recueil de lettres. L'objectif premier de cet thèse est de saisir les rapports entre spiritualité et société en s'intéressant au discours affectif d'un prédicateur et à ses effets sur son auditoire. Pour y parvenir, cette étude commence par reconstruire la biographie de Simone Fidati et d'établit la nature de sa relation avec son maître Ange Clareno, leader d'un mouvement dissident au sein de l'Ordre franciscain (1ere partie). Par la suite, il s'agit d'insérer Fidati dans la société florentine en mettant au jour le réseau de relations qu'il noue avec différents groupes sociaux, religieux comme laïcs, masculins comme féminins (2e partie). Enfin, la thèse culmine avec une analyse du rôle des émotions dans le discours du prédicateur. En utilisant la notion de "script émotionnel", cette analyse propose d'envisager les émotions sous forme de séquences visant à mouvoir les auditeurs selon un cheminement affectif qui mène à l'amour de Dieu et à la tranquillité de l'âme. Cette fonction "thérapeutique" du directeur spirituel est le coeur de son activité pastorale, guidant non seulement les esprits, mais aussi les comportements des hommes et des femmes en société
This dissertation is the first comprehensive study concerning the augustinian preacher Simone Fidati da Cascia. Mostly known for his pastoral activity in Florence, he has also been active in Siena, Pisa, Perugia, and Rome. Although he has been neglected by the historiography, he is a prolific author that left us a long commentary on the Gospel, a vernacular text of religious instruction, and a collection of letters. The main idea of this thesis is to understand the relation between spirituality and society through the study of the affective discourse delivered by a preacher and its effect on his audience. To this end, the dissertation begins with a biographical study of Simone Fidati which works to reveal the nature of his relation with his master Angelo Clareno, the leader of a dissident franciscan movement (1st part). Follows a second part where Fidati is inserted in the florentine society, bringing to light his network of friends from different social groups, religious and lay, masculin and feminine. In the third and last part, this dissertation engage with the modern notion of "emotional script" to make sense of the emotions in the discourse of the preacher. This notion helps us understand emotions as sequences aiming at moving the souls of the audiences along an affective path toward love of God and tranquility of mind. This "therapeutical" function of the spiritual director is at the heart of his pastoral activity, not only guiding the spirits, but also the behaviours of men and women in society

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

25

Louison, Lydie. « Le roman gothique : analyse des romans en vers des XIIIe et XIVe siècles dits "réalistes" ». Lyon 3, 2001. http://www.theses.fr/2001LYO31016.

Texte intégral

Résumé :

L'analyse des romans qualifiés jusqu'à présent de " réalistes" permet de mettre en évidence l'existence d'un courant esthétique naissant à la fin du XIIe siècle et s'épanouissant au cours du XIIIe siècle jusqu'au début du XIVe. A cette période en effet, la réalité concrète bénéficie d'un statut nouveau et exerce un attrait inhabituel. Nommée "tournant de 1200" par les historiens, une conjoncture historique et économique favorable, sous-tendue par un contexte philosophique très particulier, marqué par la redécouverte des textes d'Aristote et le recul du néoplatonisme chrétien, a ainsi pu donner naissance à ce mouvement littéraire, qui s'apparente sur bien des points à l'art gothique. Un premier chapitre s'attache donc à identifier et démêler l'enchevêtrement des racines du prétendu réalisme médiéval, avant de définir l'art gothique littéraire tel qu'il s'actualise dans tous les genres. Les notions de réalisme, d'ouverture et d'anthropocentrisme s'imposent pour caractériser ce regard nouveau posé sur un monde immanent désormais perçu uniquement pour lui-même. Le représentations de l'espace et du temps (chapitre deux) confirment ce boulversement des mentalités. Elles trahissent une perception différente, moins théocentrique, de l'univers et de la temporalité terrestres. Privilégiant la réalité concrète, son déterminisme et l'individu, les choix énonciatifs, narratifs, descriptifs et dialogiques, tous les modes d'écriture romanesques (chapitre trois) portent le sceau de cette mutation ontologique sous-jacente. Désireux d'accueillir la rélité dans toute sa diversité, les romanciers réalisent de véritables sommes littéraires. L'esthétique de ces récits (chapitre quatre) propose en effet une ouverture ultime, sensible dans un mélange des genres qui ne laisse pas indemne ses modèles et n'hésite pas à remettre en cause la nature trop artificielles des stéréotypes chevaleresques et courtois légués par la tradition.

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

26

Pleybert, Frédéric. « Contribution à l'étude de l'art en France autour de 1400 : la sculpture de la cathédrale de Rouen ». Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040213.

Texte intégral

Résumé :

La façade occidentale de la cathédrale de Rouen constitue une entreprise majeure des XIVe et XVe siècles. Ce chantier est indissociable du tombeau que CHarles V y fait exécuter, et qui s'inscrit dans un projet politique visant l'ensemble de la capitale de la Normandie. Son architecture novatrice et audacieuse abrite un décor sculpté qui semble traduire le foissonnement intellectuel de cette époque. Le rôle de Nicolas Oresme a pu être déterminant dans ce choix, marqué par la prégnance de la pensée thomiste et des idées aristotéliciennes. Entre 1370 et 1420, le chantier de la cathédrale fait de Rouen un foyer essentiel de la scène artistique européenne, attirant de nombreux sculpteurs dont beaucoup sont originaires du nord de l'Europe et ont travaillé en Bourgogne et dans le Berry. L'occasion est fournie de découvrir deux maîtres de premier plan, personnalités méconnues et pourtant majeures pour la compréhension de la sculpture française des environs de 1400
The West front of the cathedral of Rouen is a major work of the XIVth and XVth centuries. To this construction site must be associated the grave that Charles the V had executed there, and which joins in a political project related to the capital of Normandy in its entirely. .

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

27

Little, Anna. « Du lieu à l'espace : transformations de l'environnement pictural en Italie centrale (XIIIe - XVe s.) ». Thesis, Tours, 2010. http://www.theses.fr/2010TOUR2022/document.

Texte intégral

Résumé :

Cette étude expose le rôle clé que joue la notion de « lieu » dans le développement de l' « espace pictural moderne ». Dans un premier temps, nous établissons que le lieu et le « non-lieu »constituent les deux composants fondamentaux de l'environnement pictural au XIII" siècle et que ces deux composants sont étroitement corrélés aux notions de lieu et de « non-lieu» que véhiculent à l'époque la théologie, la philosophie naturelle, l'art de la mémoire et l'organisation politico-territoriale. Ensuite, nous étudions les causes et les processus qui, au cours des XIV' et XV siècles, conduisent à l'évolution du lieu pictural duecentesque et à l'émergence d'une nouvelle conception de l'image. Cette conception se fonde sur deux niveaux : "un composé de corps matériels; "autre consistant en une structure immatérielle, rectiligne et régulière - structure qui, tout en dérivant directement du lieu pictural, constitue un modèle spéculatif de l'espace réel
This study exposes the key role played by the notion of "place" in the development of "modern pictorial space". We first establish that place and "anti-place" represent the two fundamental components of the thirteenth century pictorial environment and that these components are closely correlated to the notions of place and "anti-place" as they appear in contemporary theology, natural philosophy, mnemonic practices and politico-territorial organisation. We then study the causes and processes which lead the thirteenth century pictorial place to evolve and a new conception of the image to emerge. This new conception is characterised by two levels: onecomposed of material bodies, the other taking the form of an immaterial, rectilinear and regularstructure - structure which, while being identifiable as a direct derivative of pictorial place, isequally identifiable as a speculative model of real space

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

28

Chaigne, Frantz. « L'enluminure dans l'empire Īl-khānide ». Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040188.

Texte intégral

Résumé :

Le présent travail porte sur le décor enluminé des manuscrits produits en Iran et en Iraq sous domination mongole (1258 – c. 1350). Cette étude n’a pas seulement pour but de se pencher sur les structures scandant le manuscrit et sur leurs modes de remplissage, mais elle s’ouvre aussi sur les échanges culturels et artistiques dont ce décor est parfoisemblématique. La méthodologie retenue s’articule autour de deux axes principaux : la première fait appel à une « approche déconstructive » qui consiste en une suite de focalisations permettant de passer du macroscopique au microscopique. Il s’agit en fait d’appréhender dans un premier temps la notion de programme enluminé, puis d’examiner leurs éléments constitutifs comme les frontispices ou les shamsa et de procéder ensuite à l’examen de leurs modes de remplissage. Le deuxième axe de cette recherche met l’accent sur la complexité des transferts entre des sphères aussi diverses que la Chine, le Tibet, l’Inde, l’Iran et les chrétientés durant la période de règne des Īlkhānides. Le rôles de la circulation des marchandises et des cadeaux diplomatiques sont particulièrement examinés. Signalons, parmi les conclusions, les (ré-) attributions de manuscrits ainsi qu’une discussion sur la pertinence de l’appellation d’ « Islamic Chinoiserie » passée dans la littérature
My dissertation focuses on the manuscript illumination under the Il-khanid rule in Iran and Iraq, between 1258 and c. 1350. This study reconsiders the constitutive patterns and construction systems of the decorative components of the book and also underscores evidence of extensive cultural and artistic exchanges on the scale of Eurasia. The selected methodology is mainly twofold: The first one lies on a “deconstructive approach” of the ornament by an examination of the material both on the macroscopic and microscopic scales. In other words, the thesis begins with the general characterization of the illuminated programs, focusing thereafter on their constitutive elements such as frontispieces or shamsa and concluding with an examination of the various forms of fillings. The second axis highlights the complex role of transfers between several cultural centers particularly active such as China, Tibet, India and the different Christianities during the Il-Khanid period. Circulation of wares and exchanges of diplomatic gifts are explored to propose clues on the reception of new patterns in Iranian ornament.In the conclusion, this thesis suggests the (re-)attributions of some manuscripts and comments the relevance of the now usual expression “Islamic Chinoiserie”

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

29

Debien, Geneviève. « Otto Freundlich (1878-1943) : œuvre et réflexions philosophiques : Une quête esthétique à la recherche de l'homme et de son rapport au monde : vers de nouvelles perceptions ». Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040127.

Texte intégral

Résumé :

L'oeuvre plastique et l'oeuvre écrit d'Otto Freundlich (1878-1943) sont traversés par une grande thématique : celle d'une volonté de renouvellement de l'esthétique dans une quête de vérité, au coeur de laquelle se situe le rapport perceptif de l'être humain à la nature. Pour Otto Freundlich, qui adopte dans le champ de l'art une position d'artiste plasticien et d'artiste philosophe, ce renouvellement s'opère non seulement par l'intervention de l'artiste mais aussi par la perception visuelle des oeuvres. L'apparente hétérogénéité de son parcours artistique est donc sous-Tendue par une grande cohérence que cette thèse examine à travers une analyse d'une part diachronique des oeuvres plastique et écrit dans leur ensemble, d'autre part en rendant compte dans un même temps et de manière synchronique des modifications qui les affectent et de leurs modalités. Pour ce faire, cette recherche s'appuie sur le travail fondamental lié à la monographie d'artiste : l'étude précise des sources originales écrites principalement en gothique allemand, l'apport de sources inédites, l'analyse des oeuvres et du contexte de leur genèse, au sein du réseau international qu'Otto Freundlich tisse avec les acteurs du champ culturel présents en Allemagne et en France. Cette approche permet non seulement de corriger certaines données historiques mais aussi d'apporter des éléments nouveaux dans l'étude iconographique, iconologique et conceptuelle des oeuvres, isolément comme globalement
A main thematic pervades Otto Freundlich's works of plastic art and writings : the will to renew the aesthetic in a quest for truth, in the center of which is the perceptive relation of the human being to nature. Otto Freundlich positions himself in the art field as a visual and a philosopher artist. To his mind, this renewal occurs not only through the intervention of the artist, but also by visual perception of works. The apparent heterogeneity of his artistic journey is underpinned by a strong coherence. This thesis examines his works of art andwritings diachronically as a whole, on one hand, and the changes and causes of their emergence synchronically, on the other. This research is founded on the methodology used for artist's monograph: a detailed study of the original sources written mainly in Gothic German, the contribution of unpublished sources, the analysis of works and of the context of their genesis within the international network Otto Freundlich weaves with the art field actors living in Germany and in France. This approach not only enables to correct some historical data, but also provides fresh elements in the iconographical, iconological and conceptualinterpretations of his works, separately and taken as a whole as well

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

30

Rebichon, Noelle-Christine. « Les hommes illustres dans les peintures murales des trecento et quattrocento en italie : creation et adaptation d'une iconographie inspiree de sources litteraires du moyen age francais ». Thesis, Lyon 2, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO20138.

Texte intégral

Résumé :

Le groupe chevaleresque des Neuf Preux, apparu dans le roman des Vœux du Paon de Jacques de Longuyon vers 1312, est rapidement mis en images à travers de nombreuses techniques artistiques, et connaît un succès grandissant au cours des XIVe et XVe siècles, dans le Saint Empire romain germanique, le royaume de France, atteignant également la Catalogne et l'Italie. Simultanément, cette dernière redécouvre son glorieux passé grâce au genre biographique des Vies repris et renouvelé par Pétrarque ; la Rome antique se révèle pourvoyeuse de valeurs morales et politiques, et davantage encore d'exempla, Hommes illustres ou Uomini famosi, qui deviennent très tôt le sujet de galeries peintes sur les murs des palais publics et privés. Quatre commanditaires, en Tyrol, Piémont et Ombrie, appartenant de jure ou de facto à la noblesse, choisissent pourtant les neuf héros transalpins pour décorer différents espaces de leur demeure. Les deux traditions, prônant chacune ses modèles, cohabitent donc dans la péninsule pendant quelques décennies. La thèse a pour objectif d’analyser la fortune et l’adaptation de la série héroïque des Preux dans ces programmes picturaux, à la période charnière entre le gothique tardif et la Première Renaissance. En s'attachant aux supports littéraires et iconographiques, nous analysons les modalités qui caractérisent la diffusion et le traitement du groupe canonique des Neuf Preux, alors que la tradition classique, propre à l'Italie et à une première forme de patriotisme naissant, domine. Le topos des Preux, expression de la résistance de la culture chevaleresque présente en Italie jusqu'à la fin du XVe siècle, se révèle un thème flexible qui peut être adapté au premier humanisme. Assistons-nous alors, à travers l'interprétation du panthéon transalpin, à la création d'une nouvelle iconographie ? L'étude conduit à apporter des réponses et à proposer des lectures spécifiques aux quatre lieux d'accueil étudiés
The chivalrous group The Nine Worthies, which appears in the novel Vœux du Paon written by Jacques de Longuyon circa 1312, was quickly transposed into pictorial form by means of many artistic techniques and became a popular theme throughout the 14th and 15th centuries in the Holy Empire, the French kingdom, and reaching even Catalonia and Italy. At the same time, Italy was rediscovering its own glorious past by way of the biographical literary genre Lives, which Petrarch had appropriated and modernized; therein moral and political values were drawn from the history of Ancient Rome and exempla of Uomini famosi, i.e. Famous Men, the latter becoming the subject of murals painted on the walls of private and public residences. However four patrons, in Tyrol, Piedmont and Umbria, belonging de jure or de facto to the nobility, chose the nine transalpine heroes to decorate different spaces in their homes. Both traditions –the chivalrous and the classic, each one praising its respective models– co-existed in Italy for some decades. This thesis analyzes the fortune and the adaptation of the Worthies' heroic series as depicted in wall paintings dating from a pivotal period of transition between the Late Gothic and the Early Renaissance. Utilizing both literary and iconographic evidence we analyze the details that characterize the diffusion and treatment of the canonical group of the Nine Worthies in Italy, where the classical tradition dominated and was employed to embody the first form of patriotism that was taking shape there. The Worthies' topos, an expression of the resistance of the chivalrous culture which was present in Italy until the end of the 15th century, was a flexible theme that could be adapted to early humanism. The pertinent question becomes, are we observing, through the transalpine pantheon, the creation of a new iconography? This study provides answers while proposing specific readings of the four host places examined and interpreting these monumental cycles

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

31

Baudoin, Sébastien. « La poétique du paysage dans l'oeuvre de Chateaubriand ». Clermont-Ferrand 2, 2009. https://theses.hal.science/tel-00658756/document.

Texte intégral

Résumé :

Le paysage dans l'oeuvre de Chateaubriand tient une place majeure. Il se manifeste dans une galerie de "tableaux de la nature" essentielle en ce qu'elle permet d'approcher au plus près la poétique de l'auteur. Pour mieux l'appréhender, nous emprunterons le concept de médiance, théorisé par Augustin Berque, pour penser le paysage dans une interaction entre le sujet percevant et l'espace naturel perçu. Le paysage de Chateaubriand est bien une véritable rencontre, vécue comme une expérience : il agit sur l'auteur autant que l'auteur agit sur lui en le retranscrivant littérairement. C'est dans l'espace de cette interaction qu'il paraît essentiel de percevoir la poétique du paysage à l'oeuvre et ce qu'elle nous apprend de l'écrivain Chateaubriand se pensant dans son "être au monde". Le rapport de proximité qu'entretient l'auteur avec les paysages nous conduit ainsi à les considérer comme des creusets de la création littéraire et l'objet de notre étude est de cerner la poétique qui préside à la construction des paysages afin de percevoir par leur biais la manière dont il conçoit le rôle des paysages dans son oeuvre mais aussi comment lui-même se décrit dans son rapport à l'espace perçu. Quatre grands rapports à l'espace naturel seront envisagés successivement, en ce qu'ils semblent caractéristiques de l'expérience du paysage de Chateaubriand : la confrontation à l'infini et la logique de l'expansion, le rapport dynamique à l'espace et les chemins de traverse, le paysage modelé et instrumentalisé et enfin le paysage dans ses effets (auto)textuels

Styles APA, Harvard, Vancouver, ISO, etc.

Thèses sur le sujet « Couleur (art) – 14e siècle »

Créez une référence correcte selon les styles APA, MLA, Chicago, Harvard et plusieurs autres