Littérature scientifique sur le sujet « Films biographiques »

Cet article examine l’écriture cinématographique de deux cinéastes dans leur représentation des figures historiques de l’espace francophone d’Afrique noire et de sa diaspora caribéenne. Ecriture déjà selon son étymologie, le cinéma enrichit ses ambitions artistiques et esthétiques par l’appropriation particulière que chaque cinéaste fait de ses techniques. Les stratégies du montage employées par David Achkar et Charles Najman dans Allah tantou et Royal Bonbon respectivement sont au centre de l’étude. La grille sémio-structuraliste – elle combine les outils de la sémiotique et du structuralisme essentiellement – encadre l’analyse focalisée sur le fonctionnement du montage dans les deux films, les effets qu’il produit et leurs significations. L’étude montre que l’esthétique subjective des deux cinéastes s’affranchit de toute inféodation à quelque norme établie. Leur art est une illustration de l’écriture cinématographique d’une tranche de l’histoire afro-antillaise au moyen du genre biographique.

Dans cette recherche pragmatique sur le cinéma et l'autofiction, nous observons principalement les films de Dieutre, de Varda, Akerman, Mekas ou encore Nolot. Une approche théorique fait le point sur les écritures de soi au cinéma pour atteindre les concepts du "langage-moi' défendu par Crouzet et de "l'image-symptomale" explorée par Didi Huberman, de manière à poser l'hypothèse d'une "autofiction symptomale au cinéma". Notre approche narrative montre que le symptôme comme argument romanesque affiche la défaillance autant du héros-Je que de la structure dramatique du film. Une expérimentation langagière du média qui pousse d'autres autofictionneurs à exhiber le processus du création pour privilégier une écriture performative. Enfin, chez certains cinéastes, la divergence des mouvements promeut une dimension critique toujours en devenir. Une approche dialectique et symtomale qui confirme à l'autofiction son statut d'écriture d'intersection et d'ouverture vers un "après cinéma".

Qu’est-ce que le cinéma intime ? La plupart des études consacrées au sujet semblent assimiler cinéma intime et intimité à l’écran, considérant intime tout film qui admet des thématiques privées lorsque celui-ci pénètre l’espace publique de diffusion. Or, comment définir précisément ce qui est ou non de l’ordre de l’intime tant cette notion reste subjective ? Et une œuvre qui met en scène un espace ou une relation intime est-elle nécessairement intime ? La multiplication de productions usant de cet appât comme argument commercial nous incite à ne pas retenir le critère thématique. Nous tenterons plutôt de découvrir, à travers l’étude de formes originales crées par des réalisateurs mettant leurs vies en jeu dans leurs oeuvres, une intimité d’essence cinématographique
What is intimate cinema ? Most of the studies about this subject don't make any differenciation between intimate cinema and intimacy on screen, considering that any private thematic in a film would make it intimate if it was shown in a public diffusion. But who can say for sure what is intimacy ? It is such a subjective notion. And we disagree that having a private subject in a film makes it intimate as sometimes it is just done to bring in more audience. We will rather look at original cinematographic forms, created by directors that put all their life into their films, in order to find a real cinematographic intimacy

La théorie de l'autobiographie classique souligne que l'écriture autobiographique est une écriture sur la vie vécue passée, sur la mémoire, sur la quête de l'identité et sur l'impossibilité d'y mettre un point final. Elle en fixe également deux limites : la naissance et la mort. Dans notre thèse, nous voulons mettre en lumière une nouvelle écriture de l'autobiographie qui s'oppose à la théorie de l'autobiographie classique. L'écriture de l'autobiographie n'est plus écrite sur la vie, mais sur la mort. L'autobiographie écrit le Je à venir, au futur, sur l'instant, sur ma propre mort, sur le point final de la vie. Le point final devient le sujet de l'autobiographie, ainsi que l'imprononçable de ma propre mort et l'impossibilité de ma mort dans l'autobiographie
Conventional theoretical approach to autobiography underlines the autobiographical writing as a writing dealing with past life, memory, identity quest and dealing with the impossibility to close itself. This writing determine two boundaries : birth and death. In this thesis we wish to acknowledged a new autobiographical writing which oppose itself to it's classical practice. This autobiographical writing does not any longer applied itself on the experience of living but on the experience of dying. The autobiography spells the I to come, in the future, at this very moment, to my dying day, at the last moment of my life. This last moment become the object of the autobiography, as well as the unspeakable speech of my own death, the impossibility of my own death with in the autobiographical project

Cette thèse vise à interroger la place des sujets diasporiques – tous les individus qui ont vécu directement l’immigration ou qui sont issus d’une diaspora familiale – en France, directement à travers leur voix la plus intime. En adoptant un corpus inédit de 91 documentaires autobiographiques réalisés par ces sujets diasporiques en France, ce texte entend introduire un nouveau genre filmique, que nous appelons documentaire autobiographique diasporique, et qui se situe au croisement du documentaire autobiographique et du cinéma diasporique. La quasi-totalité des titres étant réalisés dans les vingt dernières années, la constitution de ce genre aide à mettre en avant un phénomène qui contribue à la définition contemporaine de la nation française, ainsi que de toutes les sociétés multiculturelles d’aujourd’hui : le questionnement du lien qui unit les individus ayant une origine diasporique et leurs communautés d’appartenance. La dimension autobiographique de ces films exprime tous les enjeux de cette dialectique Je-Nous : les interrogations du réalisateur sur son identité, ses affiliations avec le pays d’origine et avec le pays d’accueil, ses tentatives de récupération de la mémoire collective et diasporique de sa famille, et, enfin, ses manières subjectives de construire une image de soi qui puisse l’orienter dans l’entre-deux de ses appartenances plurielles. À travers une approche transdisciplinaire, mêlant notamment études cinématographiques, études postcoloniales et sciences sociales, ce travail a alors l’ambition de présenter une première réflexion systématique sur l’autoreprésentation audiovisuelle des sujets diasporiques en France, afin de contribuer d’un côté à l’analyse du rapport entre cinéma et migrations, et, de l’autre côté, au débat sur le vivre ensemble, en commençant par inclure la voix de tous ceux qui forment notre société
This thesis aims to question the place of diasporic subjects - all individuals who have experienced immigration directly or who come from a family diaspora - in France, directly through their most intimate voice. By adopting an unpublished corpus of 91 autobiographical documentaries produced by these diasporic subjects in France, this text aims to introduce a new film genre, which we call diasporic autobiographical documentary, and which is at the crossroads of autobiographical documentary and diasporic cinema. Since almost all of the titles have been produced in the last twenty years, the constitution of this genre helps to highlight a phenomenon that contributes to the contemporary definition of the French nation, as well as all the multicultural societies of today: the questioning of the bond that unites individuals with a diasporic origin and their communities of belonging. The autobiographical dimension of these films expresses all the challenges of this I-Us dialectic: the director's questions about his identity, his affiliations with the country of origin and with the host country, his attempts to recover his family's collective and diasporic memory, and, finally, his subjective ways of building a self-image that can guide him in between his plural belongings. Through a transdisciplinary approach, combining in particular Film Studies, Postcolonial Studies and social sciences, this work aims to present a first systematic reflection on the audiovisual self-representation of diasporic subjects in France, in order to contribute on one hand to the analysis of the relationship between cinema and migration, and on the other hand to the debate on living together, starting by including the voice of all those who form our society

Au tournant des années 1960, Roberto Rossellini abandonne le cinéma et entreprend une série de films didactiques pour la télévision qui le passionnera jusqu'à sa mort en 1977. Si ce projet pédagogique convient parfaitement aux canons des télévisions européennes de l'époque, les films télévisuels de Rossellini ne ressembleront pourtant à aucun autre, le cinéaste ayant mis au point, avec ce nouveau médium, une nouvelle écriture, à partir de quelques paramètres de création repris et expérimentés de film en film, une écriture dans la continuité de son œuvre cinématographique antérieure, mais aussi absolument originale et insolite. La plupart des films de télévision de Rossellini sont des œuvres historiques, principalement des portraits d'hommes ayant eu un impact majeur sur leur époque et jusqu'à la nôtre : des politiques (Louis XIV et Cosme de Médicis), des religieux (les apôtres, Saint Augustin, Jésus), des penseurs (Socrate, Pascal, Alberti et Descartes). Pour écrire ces "biographies didactiques", Rossellini et ses scénaristes se sont servis de sources directes, les écrits des biographés eux-mêmes quand ils en ont laissés, mais aussi les récits de leurs proches : disciple, ami ou membre de la famille. Des témoins dont le cinéaste était certain qu'ils lui donneraient des informations concrètes aussi bien pour la chronologie que pour les détails matériels de la vie du personnage ou de la vie quotidienne de son époque, des témoins qui garantissent en quelque sorte l'authenticité par leur proximité. Mais cette proximité empathique confère à ces portraits des colorations parfois hagiographiques bien que Rossellini ne se contente jamais d'être un simple adaptateur, affirmant souvent sa propre interprétation et allant jusqu'à se glisser, en bon biographe, derrière certains traits de caractères de ses personnages.

En amont du 500e anniversaire de la Réforme en 2017, la question des représentations et des usages auxquels a donné lieu la figure de Martin Luther a bénéficié d’un regain d’intérêt. En témoigne l’attention portée depuis une quinzaine d’années à un domaine jusque-là peu étudié par la recherche, à savoir la présence de Martin Luther au cinéma et à la télévision. À la suite notamment des travaux d’Esther P. Wipfler, le présent travail, centré sur les productions fictionnelles et partiellement fictionnelles de langue allemande, entreprend une étude des représentations filmiques de Luther et de l’écho dont elles bénéficièrent. Un corpus de 14 films réalisés entre 1911 et 2008 donne lieu à une réflexion en trois temps. Un aperçu synthétique des discours sur Luther qui circulèrent en Allemagne des débuts de la Réforme jusqu’à l’avènement du cinéma sera l’occasion d’évoquer la constitution de Martin Luther en figure mythique et les différents investissements dont ce mythe fit l’objet. Un deuxième volet est consacré aux quatre films muets qui virent le jour entre 1911 et 1927, marqués non seulement de l’empreinte de la tradition qui les précéda mais aussi par une évolution dans laquelle se reflète la situation du protestantisme allemand et son rapport au cinéma. L’étude s’achève par une analyse des émissions télévisées consacrées au Réformateur depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale, caractérisée par un retour progressif à la représentation d’une figure fondatrice positive après un début marqué de part et d’autre de la frontière allemande par une prise de distance à l’égard du mythe
Ahead of the 500th anniversary of the Reformation in 2017, the representation and use of Martin Luther has sparked renewed interest. This is reflected in the attention that has recently been paid to a field which, up to the last fifteen years, had not been studied very much by researchers, namely Martin Luther’s onscreen presence, both in the cinema and on television. In the wake of Esther P. Wipfler’s research, this thesis focuses on fictional and partly fictional German-speaking productions to study the film representations of Luther and their impact. A corpus of 14 films made between 1911 and 2008 will lead to a three-fold analysis: first, a synthetic overview of how Luther was seen and discussed in Germany from the beginnings of the Reformation until the birth of cinema will shed light on the making of Martin Luther into a mythical figure and on the manifold meanings with which this myth was invested. The second part of this work will be dedicated to the four silent movies directed between 1911 and 1927: while upholding established traditions, they also revealed the evolution of the situation of German Protestantism and its relationship with cinema. This thesis will close with an analysis of the television shows centred on the Reformer since the end of World War II. After initially distancing themselves from the myth on both sides of the German border, these shows marked a progressive return to the representation of a positive founding figure