Thèses sur le sujet « ˜Les œtragiques »

Ce travail se propose d'examiner la vision tragique des Grecs, en partant de son origine, Homère, pour voir ensuite comment elle se maintient, s'intensifie et parfois même se trouve abandonnée (chez Eschyle et Sophocle), puis se trouve enfin radicalement combattue par la théologie sotériologique de Platon. La vision tragique est une vision religieuse, structurée par la hiérarchie des destins -ceux des dieux, des héros, des hommes vivants et des habitants de !'Hadès. Entre la race des dieux et celle des hommes s'ouvre un abîme : les dieux ne sont pas mortels et les humains ne sont pas immortels. L'ingérence constante des dieux dans les affaires des hommes a le plus souvent comme résultat la souffrance, le malheur et la mort. Le monde d'après la mort est un lieu où les psychai demeurent, telles des ombres, inconscientes de leur propre existence et de celle des autres. Au cœur de cette vision, l'homme n'est pas libre et ne choisit pas, il n'est pas responsable de ses actes et ne mérite pas ce qu'il subit. Si l'on supprime une seule de ces quatre croyances fondamentales, ou si on assiste à une décision prise par un dieu bon, juste ou compatissant, on ne peut parler de vision tragique. Ce travail s'attache donc essentiellement aux textes où elle s'est exprimée dans toute sa pureté: Homère (L’Iliade), Eschyle (Les Perses), et Sophocle (Les Trachiniennes, Ajax, Antigone et Œdipe roi). Une attention particulière est portée aux mots qui la traduisent. Mais une vision différente s'oppose dès l'Odyssée et l'Orestie, vision anti-tragique qui trouve sa forme achevée dans la religion de Platon. La dernière partie de ce travail s'efforce d'en dégager les points principaux. Platon estime qu'il existe en l'homme un élément de nature divine et immortelle, d'où la substitution d'une théologie de la délivrance et de l'assimilation au divin à une théologie de la séparation. Le sage remplace le héros, ce n'est plus la mort glorieuse qui est une « belle mort» et qui doit être chantée, c'est celle de Socrate, le servant d'Apollon. Selon cette pensée philosophico-religieuse, l'homme est libre, il choisit et il est responsable, et mérite donc désormais les châtiments et les récompenses qui lui sont réservés. De plus, la théologie platonicienne est fondamentalement une théodicée: les dieux ne peuvent être que bons, l'origine du mal réside dans l'existence de deux âmes du Monde: une bonne et une mauvaise. Le message de la théologie tragique est la résignation devant le mystère. Platon se donne pour mission divine d'acheminer l'âme vers le salut, et, avec cette théologie anti-tragique, il crée un lien différent entre les dieux, les sages, les hommes, le destin, l'après-mort et la psychè
This work proposes to examine the tragic vision of the Greeks, going back to its origins, i.e. Homer, in order to see how it is maintained, intensifies, and even finds itself abandoned (in Aeschyluses work or in Sophocleses one). Then we'II see how this vision was completely defeated by Plato's soteriological theology. The tragic vision is a religious vision, structured by the hierarchy of the Fates -Those of the gods, heroes, living men, and the inhabitants of Hades. Between the race of gods and that of humans there is an abyss: the gods are not mortal and humans are not immortal. The constant meddling of the gods in the affairs of humans most often results in suffering, unhappiness, and death. The world after death is a place where souls reside, that of shadows, unconscious of their own existence and the existence of others. At the heart of this vision, man is not fee and does not choose; he is not responsible for his acts and does not deserve what he undergoes. If one suppresses one of these four fundamental beliefs, or if one assists in a decision 111ade by a good, fair, or compassionate god, one cannot speak of tragic vision. Therefore, this work focuses essentially on the texts where it is expressed in all of its purity: Homer (The Iliad), Aeschylus (The Persians), and Sophocles (The Trachiniae, Ajax, Antigone, and Oedipus the King). Particular attention is given to the words that translate it. But a different vision opposes from the Odyssey and Oresteia, an anti-tragic vision which finds its form completed in the religion of Plato. The last part of this work strives to bring out the principal points. Plato assesses that there exists in man an element of divine and immortal nature, hence the substitution of a theology of deliverance and the assimilation to the divine with a theology of separation. The sage replaces the hero, it is no longer the glorious death that is a “beautiful death" and which must be chanted, it is that of Socrates, the servant of Apollo. According to this philosophico-religious thought, man is fee, he makes choices, and he is responsible, and thus deserves from this time forward the punishments and rewards that are in store for him. Furthermore, Platonic theology is fundamentally a theodicy: the gods can only be good, the origin of evil resides in the two souls of the World: the good and the bad. The message of tragic theology is the resignation to the mystery. Plato takes on as a divine mission moving the soul towards salvation, and with this anti-tragic, he creates a different link between the gods, the sages, men, destiny, the afterlife and the psyche

La pensée tragique traverse l'irréductible déchirure de l'homme, considérant, outre les tourments auxquels il est exposé, sa vocation, comme celle de toute chose, à la mort et à l'oubli. Décidée à cheminer loin des rivages consolants, une telle pensée se recommande, selon C. Rosset, d'une logique du pire, s'efforçant d'appréhender le réel dans sa présence singulière et chaotique, où chaque existence, émergence hasardeuse et éphémère, n'est arrimée à rien. Nous avons tenté de repérer les points d'impact de cette logique. II s'est agi tout d'abord de penser l'épreuve de la condition humaine : découverte de celle-ci sous son jour précaire, l'enracinant au sein du réel destructeur. Nous avons envisagé ensuite les implications de cette traversée première, interrogeant la possibilité du suicide et celle de l'approche religieuse de notre destin. Si l'idée du suicide représente un important sas de liberté pour l'existant, la pensée tragique ne prône pourtant pas le passage à l'acte, celui-ci constituant, au fond, une tentative de neutralisation de la mort, plutôt qu'un véritable affrontement de notre finitude. Elle ne s'inscrit pas, non plus, dans la perspective de la foi religieuse, y discernant, quelle que puisse être la profondeur de son inspiration, une façon d'éluder l'impact de notre mortalité intime et la dureté de notre présence au monde. Dès lors, avons-nous essayé de cerner les contours d'une sagesse tragique. Invitation à un accueil sans partage de la totalité tragique du réel, sollicitant une attention aiguë à l'instant présent, reconnaissant aussi dans l'humour et dans la joie, plus encore, l'écho gracieux d'une capacité de jubilation à même de résister à la peine
Tragic thought makes its way through man's ineluctable wound, and considers, in addition to the torments he is bound to face, its destiny, just like that of any other thing, to death and oblivion. Tragic thought is thus determined to steer its course away from comforting shores, and is based on a worst-case scenario, as C. Rosset puts it. It endeavors to comprehend the real in its unique, chaotic presence, where each life - precarious and ephemeral- is fastened to nothing. We attempt to identify the features of such a scenario. First of all, we need to investigate the ordeal of the human condition to find out that its precariousness is part and parcel of the destructive real. We then consider the consequences of this firstt line of thinking by examining the possibility of suicide and that of a religious approach to our destiny. If the idea of suicide represents one of the most obvious ways out for the human being, tragic thought does not however extol its virtues, as it is, in fact, an attempt to neutralize death rather than a real confrontation with our finitude. Furthermore, it does not fit into the scheme of religious faith as it considers it, however profound it may be, as a way of evading the impact of our innermost mortality and the harshness of our presence on earth. Therefore, we attempt to determine what characterizes tragic wisdom, which induces the unreserved welcoming of the tragic real, by requiring that one pay acute attention to the present moment and also finding in humor - and even more in joy - the gracious echo of a capacity for a jubilation able to endure sorrow

Texte remanié de: Th. doct.--Litt. comparée--Paris 4, 2002. Titre de soutenance : Bien sûr qu'il va mourir le rebelle ou Le tragique dans la littérature antillaise francophone.
Bibliogr. p. 349-364. Notes bibliogr. Index.

A partir de l'inventaire et de l'analyse du vocabulaire figuré (métaphores,métonymies,synecdoques) concernant le domaine du corps,ce travail étudie dans 'Les Tragiques' d'Agrippa d'Aubigné la rhétorique,la sémantique et la sémiotique du corps humain. D'une part,l'émergence d'une image corporelle très personnelle,caractérisée par l'importance du dynamisme,l'accent mis sur l'aspect fonctionnel et relationnel du corps,mais aussi l'attention accordée aux limites et un certain souci de mise à distance. D'autre part,la forte cohérence du système symbolique. Enfin,la remarquable création lexicale qui se manifeste en particulier dans l'originalité de nombreux emplois métaphoriques et de lexies métonymiques. Par delà la noirceur de la représentation et les incertitudes qui s'y révèlent,par delà une vocation argumentative de dénonciation et d'incitation,qui n'est pas toujours exempte d'arrière-pensées religieuses,le corps imaginaire des 'Tragiques' est un corps poétique vivant
Based on the inventory and analysis of the figurative vocabulary concerning the body,this work deals with the rhetorical,semantic and semiotic functions and values of the human body in Agrippa d'Aubigné 'Les Tragiques'. .

Centree sur les oeuvres d'eschyle, sophocle et euripide, cette etude analyse a partir du contexte ideologique de la tragedie l'idee de la servitude a la fois comme realite sociale et comme metaphore. Dans son ensemble elle se veut avant tout une reflexion sur l'idee largement repandue et meme determinante dans la tragedie grecque de la servitude comme expression de la "non-liberte". L'etude s'ouvre sur une etude semantique du vocabulaire de la servitude couvrant non seulement le champ specifique de l'esclavage mais aussi l'espace plus large de rapports de soumission. Cette parite d'etude, renvoyant aux esclaves dans la sphere denominative est suivie par une reflexion sur le role de personnages "soumis". Examinant le role de personnages secondaires elle met en evidence leur fonction de mediateurs a la fois reels et symboliques. L'esclave-serviteur est non seulement une voix, il est un agent regardant, de meme qu'il est un visage et un corps: trois elements qui fonctionnent comme de criteres sociaux qui au fond avancent des comportements discriminants et antagonistes. Restant dans un contexte comparatif qui oppose maitres et esclaves l'auteur constate que divers traits d'inferiorite et d'exclusion sont filtres par la figure de l'esclave: etre de mepris qui s'exprime par l'absence de l'individualite propre, oppose aux valeurs de l'homme libre, en l'occurrence du heros, l'esclave incarne la vulnerabilite et assume son exclusion par une serie de signes exterieurs qui puisent leur prototypes dans les moeurs vestimentaires, les attitudes corporelles ou l'expression visuelle et faciale. L'etre servile devient de la sorte le miroir sur lequel exclusion et differences se projettent.

« Sagesse tragique, sagesse freudienne. Un parcours de Paul Ricœur » est l’intitulé de la présente thèse s’inscrivant au cœur de l’interprétation freudienne de Paul Ricœur (1913-2005). Ce travail de recherche est le résultat d’une démarche philosophique ayant eu pour ambition d’effectuer une reconstitution inédite de la philosophie de Ricœur autour de la psychanalyse et des écrits de Freud.Puisque la dynamique de l’entreprise de Ricœur s'exprime dans sa continuité, et dans la mesure où la lecture de Freud répond à la question du mal, on s’est arrêté sur les thèmes abordés antérieurement aux années soixante où le philosophe s’intéresse à Freud. Il s’agit de l’époque de sa Philosophie de la volonté et particulièrement de La symbolique du mal. Par conséquent, nous avons étudié de nombreux concepts évoqués pendant cette époque par Paul Ricœur comme le mythe, le symbole, la culpabilité ou encore le tragique. Nous avons ainsi montré comment tous ces thèmes ont suscité l’intérêt particulier et atypique de Ricœur pour les écrits psychanalytiques de Freud et comment ils ont pu préparer le terrain pour les réflexions postérieures du philosophe, notamment à l’époque où il s’interrogeait sur la question de l’interprétation.Ensuite, on s’est interrogé sur l’interprétation philosophique de Freud que Ricœur propose. Notre hypothèse de travail était que le foyer de la lecture ricœurienne de Freud se trouve dans une architectonique envisagée par le philosophe. Les trois grandes masses de cette architectonique : l’interprétation des rêves, la question de la culture et la pulsion de mort, en forment les gonds ou le pivot. Nous avons ainsi considéré cette architectonique comme le sommet de la lecture freudienne de Ricœur où les hypothèses les plus notables de Freud ont été discutées.La thèse de ce travail se fonde donc sur la reconstruction progressive du parcours de Paul Ricœur menant à cette architectonique, et ce grâce aux différents sujets comme la psychanalyse, la topique, le conscient et l’inconscient et la philosophie réflexive. Ensuite, après avoir étudié les différents aspects de l’architectonique freudienne, on s’en est éloigné graduellement et d’autres thèmes à l’instar du complexe d’Œdipe ou encore la dialectique de l’archéologie et de la téléologie ont été invoqués. Enfin, le thème du tragique, influencé cette fois par la lecture de Freud, est réapparu, ce qui nous a rappelé une autre dimension du travail philosophique de Paul Ricœur, à savoir qu’aucun thème déjà croisé et réfléchi ne sera jamais abandonné dans son parcours intellectuel
“Tragic Wisdom, Freudian Wisdom: a Journey of Paul Ricœur’s” is the title of the present thesis inscribed at the heart of Paul Ricœur’s (1913-2005) interpretation of Freud. This research is the result of a philosophical initiative having for its ambition the reconstitution of an unexplored journey of Ricœur’s around psychoanalysis and Freud’s writings.Since the dynamic of Ricœur’s enterprise is expressed by continuity, and in the measure where his reading of Freud responds to the question of evil, one is struck by the themes that at first glance seem anterior to the 1960s when many philosophers became interested in Freud. He responds to his epoch with his Philosophy of the Will and particularly The Symbolism of Evil. Consequently, we have studied a number of concepts which are evoked during this period, such as myth, symbol, guilt, and the tragic. We have also shown how all of these themes have sustained a particular and atypical interest in Ricœur for Freud’s psychoanalytic writings and how they have prepared him for his later reflections on philosophy, notably in the epoch where he interrogated the question of interpretation.Furthermore, we have interrogated the philosophical interpretation of Freud that Ricœur proposes. Our working hypothesis was that the entry of a Ricœurian reading of Freud is discovered through an architectonic envisaged by philosophy. The three great structures of this architectonic are the interpretation of dreams, the interpretation of culture, and the death drive, which compose the hinges or the central point. We have also considered this architectonic as the summit of Ricœur’s reading of Freud where the most notable Freudian hypotheses have been discussed.The thesis of this work has been based on a progressive reconstruction of the path that Ricœur takes to the architectonic, specifically to different subjects such as psychoanalysis, the topical, consciousness and the unconscious, and reflexive philosophy. However, after having studied the different aspects of the Freudian architectonic we have gradually distanced ourselves from the phase of other themes including the Oedipus complex, the dialectic of the archaeology and teleology, although they have been invoked. Finally, the theme of the tragic reappears, influenced this time by his reading of Freud, which reminds us of another dimension of Ricœur’s philosophical work: to know that no theme already traversed and reflected upon will ever be abandoned in an intellectual journey

La discontinuite formelle des tragiques fait sens. Dans les premiers tableaux du royaume, les bouleversements du discours politique revelent une denaturation universelle qui en sape les fondements, imposant de s'elever vers la foi. Elevation accomplie dans miseres, dans princes, et du premier chant au troisieme, a partir duquel elle permet la representation de l'histoire en l'orientant vers l'eschatologie de jugement. Mais, dans fers, la vision de talcy, divisant ce recit entre passe historique et avenir eschatologique, produit un present d'agonie et d'extase figurant l'acces au sens contre toute evidence : conquete spirituelle et non signification recue. Travail poetique, que circonscrivent aussi dans l'histoire universelle les anomalies du recit historique. D'ou les apories de la pratique politique : la tragedie impose l'action (le present de talcy dit aussi la permanence de la menace), le sens suppose la mort. Traduction d'un pessimisme historique, et d'une impossibilite a penser l'histoire secularisee et l'identite politique. Seule issue : la revolte sacrificelle. Son modele est le martyre, acte et parole pleins instant epiphanique dans l'histoire. Un appendice propose une nouvelle datation de l composition des tragiques.

Texte remanié de: Th. doct.--Théâtre--Paris 4, 1997. Titre de soutenance : Dionysos revisité : la réception de la tragédie grecque antique en France au tournant du siècle dernier (1872-1922).
Bibliogr. p. 281-288. Index.

Le but de ce travail est d’arriver à mettre en lumière le plus possible de données d’ordre chronologique, biographique, social et littéraire sur la vie, la carrière et l’œuvre des poètes tragiques grecs des Vème et IVème siècles avant J. -C. Après une étude détaillée de nos sources, nous présentons une histoire générale de ces poètes, puis le milieu social et les familles dont ils sont issus. Dans la troisième partie, la plus détaillée, nous tentons de retracer avec le plus de détails possibles la carrière et l’œuvre de tous les poètes tragiques dont on peut dire quelque chose, au nombre d’une petite quinzaine ( les trois tragiques majeurs, Eschyle, Sophocle et Euripide, ainsi que onze poètes mineurs ) : limites chronologiques, datation et nombre des représentations, nombre des victoires et des pièces représentées, identité et nature des pièces dont il est possible de discerner l’existence. Un index des titres achève l’ouvrage
This study’s object is the research of the most possible number of facts about chronology, biography, social and litterary aspects on life, career and work of fifth and fourth centuries. C. Greek tragic poets. After a detailed investigation on our sources, we are presenting a general history of these tragic poets, of their families and social surroundings. In the third and most important part of our work, we are trying to find the largest number of facts about career and work of all poets we know something about, a fifteen at least ( the three major poets, Aischylos, Sophocles and Euripides, and eleven other minor poets ) : chronological limits, performance’s datations and number, victories and plays’ number, identity and nature of the plays which we can distinguish the existence. Our work ends with a plays’ index

Les Tragiques d'Agrippa d'Aubigné sont considérés comme une épopée composée de tableaux violents où le chromatisme du sang domine. La thèse propose de considérer le sang comme le point de départ d'un langage poétique novateur à l'intérieur duquel s'élabore une dimension sonore et musicale originale. Reconsidérant la relation poésie-musique, l'étude s'attache plus particulièrement à l'analyse des bruits, des voix et des instruments de musique. Loin de constituer des ornements, ces éléments supportent les enjeux d'une pensée du son où se joue le passage de l'inarticulé à l'articulé. Véritable symphonie sacrée, le poème héxaméral en convoquant les figures du poète, de David et d'Orphée, désigne la perception visuelle comme étant subordonné à l'audition. Au terme de parcours allitératifs et échoi͏̈ques puissants, l'écoute se définit comme une fonction mémorielle capable d'opposer le mépris à la mort tout en posant les principes d'une fides ex auditu
Les Tragiques by Agrippa d'Aubigné are considered as an epopee made up of violent tableaux, wherein the colour of blood dominates. In this dissertation, the author proposes to consider blood as the starting point of an innovative poetic language, in which an original dimension, both sonorous and musical, is worked out. Reconsidering the relation poetry-music, this study is more particularly concerned with the analysis of noises, voices and musical instruments. Far from constituting mere ornaments, these elements support a conception of sound where the transition from inarticulate to articulate is at stake. By convening the figures of the poet, of David and Orpheus, the poem-like a true sacred symphony-shows the visual perception as being subordinated to hearing. At the end of powerful alliterative and echoic courses, listening is defined as a recollecting function able to oppose contempt to death while setting up the principles of a fides ex auditu

La célébration de l'hospitalité semble une constante de la poésie grecque d'Homère aux tragiques. Pourtant le traitement poétique de ce thème, à la fois héroïque, moral et religieux, témoigne de choix très différents de la part d'Homère et des poètes postérieurs, avec une divergence dans la valeur sémantique conférée au terme de base xeinos et une conception opposée des rapports à établir entre le mythe et la réalité. Homère, soulignant l'écart entre mythe et réalité, estompe les contours institutionnels, trop proches du réel, de cette coutume typique de l'univers "héroïque", puissamment présente dans son œuvre, grâce à la monovalence constante de xeinos (hôte), savamment rehaussée par divers procédés stylistiques, grâce aussi à la mise en valeur unique des rites. L'hospitalité devient un véritable pôle moral de l'épopée, avec une portée symbolique qui fait d'elle la pierre de touche de la véritable humanité. Chez les autres poètes, le sens de xeinos apparait dédoublé (hôte et étranger) et l'hospitalité héroïque est réduite au rôle d'ornement ou d'utilité dramatique. L'apport le plus original des poètes du 5eme siècle à sa source dans leur commune volonté - à l'opposé de l'attitude homérique - d'établir un lien entre ce thème mythique et la réalité, en utilisant l'hospitalité comme prétexte à l'exaltation des deux idéologies rivales du monde grec classique. Les lyriques, en exaltant l'hospitalité aristocratique, donnent une dimension panhellénique…
Praising hospitality seems to be a standing topic in Greek poetry from homer to tragics. However, the manner the poets deal with theme which is at once heroic, moral and religious, is evidence for very different choices by homer and the other poets; these choices are in keeping with the semantic value bestowed upon the basic term (xeinos) and based on different ideas of the connection between myth and reality. Homer, increasing the gap between myth and reality, blurs the institutional lines of that typical heroic custom, because they are too realistic, whereas its presence is powerfully enhanced in his poems by the constant meaning "guest host" bestowed upon xeinos and stressed by several stylistic devices and by the unmatched importance the rites are given. Hospitality becomes really the hinge of epic morals and homer, giving it a symbolic range, makes it the touchstone for genuine humanity. In other poets, the meaning of xeinos is obviously twofold ("host guest" and "stranger"), while, in the meantime, hospitality becomes simply an ornament or a dramatic tool. What the poets of the fifth century afford most original spring from their common will to link together that mythic topic and reality, by using…

Au XVIe siècle, nous assistons à deux types de récits criminels : dans la presse, les faits divers, produits sous la forme de « canards », et dans la littérature, les histoires tragiques, forme narrative brève essentiellement véridique et à tonalité pathétique. Lorsque Pierre Boaistuau, appelé aussi Launay, publie Les Histoires tragiques, il sélectionne six récits parmi les Novelle de Matteo Bandello. Le travail de Boaistuau ne se limite pas à la traduction de ces textes mais également à la fondation d’un genre qu’est l’histoire tragique. François de Belleforest, son ami, en poursuit la traduction et en varie les sources ; il publie entre 1559 et 1582 sept volumes d’histoires tragiques. Notre étude porte sur la justice, un thème clé pour comprendre les textes de ces deux auteurs. En effet, leurs récits révèlent un intérêt particulier pour les différentes formes de justice (humaine, naturelle et divine), pour le procès judiciaire et ses protagonistes. Nous analysons tous ces points ainsi que le thème de la transgression à travers différents crimes, principalement les crimes de paillardise (« macquerellage », rapt, viol et adultère). Notre réflexion porte également sur le châtiment et ses fonctions ainsi que sur le comportement du condamné au moment de son exécution. Enfin, nous nous intéressons aux stratégies discursives déployées par nos auteurs notamment à la rhétorique judiciaire et à la rhétorique délibérative. Les enjeux soulevés à travers l’étude du discours rhétorique permettent d’explorer les liens entre le discours judiciaire et le discours politique et donc entre justice et politique. Somme toute, la dernière partie de notre travail permet de cerner les rapports entre rhétorique, justice et politique
In the sixteenth century, two types of criminal narratives predominate: short news items in the press, printed separately as canards, and brief narrative literary forms that constitute the tragic story genre, combining truth with a tone of pathos. When Pierre Boaistuau, also called Launay, publishes Les Histoires tragiques, he selects six stories from Matteo Bandello’s Novelle. Boaistuau's work is not limited to the translation of these texts but also establishes the tragic story genre. His friend François de Belleforest continues the translation and varies the sources; between 1559 and 1582 he published seven volumes of tragic stories. My thesis focuses on justice, a key theme for understanding the texts of these two authors. Indeed, their stories reveal a particular interest in the different forms of justice (human, natural and divine), in the judicial process and in its protagonists. I analyze all these points as well as the theme of transgression through an examination of various crimes, mainly crimes of debauchery ("macquerellage" –sex trafficking–, abduction, rape and adultery). I also consider the different functions of punishment as well as the behavior of the convicted person at the time of execution. Finally, I am interested in the discursive strategies deployed by these authors, including judicial rhetoric and deliberative rhetoric. The issues raised through the study of rhetoric make it possible to explore the links between judicial discourse and political discourse and therefore between justice and politics. The summative, final part of our work further elucidates the relationships between rhetoric, justice and politics

Les écritures et représentations surréalistes offrent, à partir de 1919, des visions nouvelles de la réalité, tributaires d’un ressenti original. S’éloignant de l’académisme et de l’imitation, celles-ci explorent l’inconscient, ouvert par le champ psychanalytique freudien, afin de tenter de cerner les pensées cachées. Le résultat des expérimentations et des jeux sémantiques des surréalistes laisse ainsi entrevoir des représentations absurdes où objets et définitions ne coïncident plus. C’est à partir de cette dissociation entre l’idée de la chose et de sa représentation que naissent certaines dimensions comiques et tragiques, réelles ou irréelles. Le surréalisme transcende et transgresse alternativement les normes communément admises par la société. Grâce à cette subversion, apparaissent des images novatrices. La poésie surréaliste cherche à dévoiler une réalité intérieure créée par l’imagination et une réalité extérieure formée par la pensée consciente. Un déséquilibre surgit alors et des indices sémiotiques nous laissent découvrir la vraie nature de chaque représentation. Tantôt burlesque, tantôt sublimée, la représentation de la vie et de la mort, prend une signification encore méconnue du grand public. En entrant dans le labyrinthe de l’analyse psychanalytique, les surréalistes ont créé une voie et se sont affranchis des courants artistiques précédents
Starting 1919, the surrealistic writings and representations offer new visions of reality, dependent from an original perception. Moving away from academism and imitation, they explore the unconscious, open by a psychanalytic Freudian field in order to express hidden thoughts of their consciousness. The result of their experimentations and of their semantic games allow leeway for absurd representations where objects and their definitions do not coincide anymore. It is from this dissociation between the idea of the object and its representation that comic and tragic dimensions are born, from the real and the unreal. Surrealism transcends and transgresses alternatively the norms commonly adopted by society. It is from this subversion that new images appear. Surrealistic poetry reveals an interior reality that is created by the imagination and by an exterior reality shaped by unconscious thoughts. Thus an imbalance arises and semiotic hints allow one to discover the real nature of each representation. Sometimes burlesque sometimes sublime, the representation of life and death takes on a significance still unknown by the grand public. By entering the maze of the psychanalytic analysis, the surrealists created a pathway and emancipated themselves from previous artistic movements

This PhD thesis uses close textual analysis to examine the presentation of examples to women in two French Renaissance short prose narrative collections. It explores and contrasts the way that moral and illustrative examples are presented by a male- and female-authored text. Extending earlier scholarship, I argue that female exemplarity is not identical to or symmetrical to male exemplarity, but has its own models and means of propagating them. Furthermore, the sex of the author, the sex of the reader and genre are all significant factors in female exemplarity. The thesis is divided into six chapters; two of which serve as introduction to female exemplarity in each of the texts and the remaining four examine key aspects of it in both texts. Chapters One and Two discuss female exemplarity in each of the works, taking into account factors such as the dedications of the texts, the address to the female reader, the composition of the readership and issues relating to gender and genre. Chapter Three focuses on truth and history, which are essential conditions for storytelling in both of the collections. In the Histoires tragiques, these notions are clearly shown to be male-dominated concerns that consistently exclude women, which strongly contrasts to the representation of the female protagonist as false. I compare this to Marguerite de Navarre's distancing of ancient history and overt questioning of the value of truth. In the Heptaméron, truth is rarely established outright and this subverting of convention is consistent with the work's atypically in other respects. Memory is ever-present in female exemplarity, and in Chapter Four I demonstrate that Boaistuau and Belleforest represent memory as a fixed and static site, which is accessible to both (male) reader and (male) author and frequently works to contain and control the female protagonist. In the Heptaméron, on the other hand, the representation of the text as orally transmitted, the omnipresence of oubly (forgetting) and the use of images which can change and evolve liberates memory from male tradition and highlights the potential for women's contribution to it.

Ce travail entreprend de démontrer que le dramaturge brésilien Nelson Rodrigues s'est servi dans les pièces qu'il a créées entre 1941 et 1978 d'un ensemble de stratégies et d'autres procédés techniques - ceux que nous nommons les "masques du fantastique" - qui édifient, par de longues didascalies et autres indications scéniques, une certaine atmosphère générale, dans le but apparent d'entraîner ses lecteurs et/ou spectateurs dans un genre littéraire connu - le fantastique. Nous étudierons au préalable la gestion des différents personnages qui rendent possible la création sur la scène par le Grand Narrateur de ces masques du fantastique : les personnages réels, les narrateurs fantastiques et les créateurs de farces tragiques. Équivoques, les narrateurs fantastiques, tous des personnages déjà morts, s'intègrent néanmoins dans l'action et l'évolution des personnages réels. Les créateurs de farces tragiques et les narrateurs fantastiques sont des doubles des personnages réels et provoquent chez les spectateurs la création d'un effet analogue à celui de l'"inquiétante étrangeté" défini par S. Freud et. .
This study aims at showing that Brazilian playwright Nelson Rodrigues used in the plays he wrote between 1941 and 1978 a series of technical devices and other dramatic procedures, which we call "masks of the fantastic". Apparently these technical devices intend to create by means of long didascalias and other directions a general atmosphere which leads the audience and/or the author's readers to a well-known literary genre : the fantastic. The study is first focus on how different type of dramatic characters were elaborated by the Great narrator in oder to project such masks on stage : real characters, supernatural narrators and creators of tragic farces. Althoug dubious and dead, all supernatural narrators interfere and play with real characters' fate and evolution. On the other hand, real characters and their doubles - either creators of tragic farces or supernatural narrators - produce in the audience an effect which corresponds to S. Freud's concept of the "Uncanny" and. .

Il s'agit de cerner l'emploi du verbe archai͏̈que "teucho" dans les épopées homériques, puis sa survivance dans les écrits des connaisseurs et usagers des épopées homériques que sont les auteurs dramatiques du Ve siècle, afin de déterminer non seulement les liens sémantiques et sémiologiques que tisse ce verbe avec les autres verbes polysémiques signifiant faire, mais aussi le rôle que joue ce même verbe sur un plan lexicologique face à des notions qui apparaissent dès qu'on s'attache à son étude, à savoir la "technè", la "tychè" et la "mêtis"́. Par ailleurs, les divers emplois de "teucho" seront éclairés par l'étude des étymons du verbe, dont le subtantif "teuchos". Ce travail se présente sous la forme suivante : des analyses de chaque occurance du verbe "teucho", dans l'Iliade puis dans l'Odyssée amènent à la conclusion que "teucho" désignant essentiellement les actions de dieux ou de personnages métiques se distingue de ce fait même des autres verbes polysémiques synonymes, tant aux formes actives qu'aux formes médio-actives. Dans ce cadre-là, "teuchomai͏̈", largement usité dans l'une et l'autre épopée, se révèle plus qu'une simple copule, un outil phatique. Les occurences de "teucho" qu'on retrouve chez Eschyle, Sophocle et Euridipe, confirmant bien souvent l'emploi qu'en a fait l'aède, montrent toutefois, d'une part, le vieillissement d'un verbe qui est plus une mention qu'un terme lexical actif, d'autre part, une certaine stabilité de l'emploi de ce verbe dans le tissu dramatique, par exemple dans les répliques du Choeur. Mais surtout l'étude de ces textes permet de constater la rémanence des notions précédemment signalées autour de "teucho" : "technè", "tychè", "mêtis", souvent liées aussi aux mêmes cycles mythiques que ceux des épopées homériques.

On parle toujours de mélodie quand on analyse la musique grecque antique sans avoir suffisamment questionné la genèse des performances musicales qui ont contribué au développement décisif de la théorie musicale dès le cinquième siècle. Il est grand temps de réévaluer cet essor décisif dans le champ de la musique méditerranéenne autant que de la théorie occidentale de la musique à partir de cette notion essentielle de mélos qui doit modifier notre perception des formes musicales de cette période, induisant un type de représentation et un rapport du spectateur à la scène. Cette recherche s'appuie sur la théorie musicale antique confrontée encore une fois aux reliques de la musique grecque antique et de façon nouvelle à un travail de restitution vocale de strophes lyriques dans le cadre des représentations données par le théâtre Démodocos. Elle s'inscrit donc dans ce mouvement contemporain de revival des genres scéniques de l'antiquité gréco-romaine associant recherche fondamentale et expérimentation
One always speaks about melody when analyzing ancient Greek music without having enough questioned the genesis of musical performances which contributed to the decisive development of musical theory as of the 5th c. It is high time to reassess this decisive rise in the scope of the Mediterranean music as well of the Western theory of music on the basis of this essential concept, melos, which is to modify our perception of this period’s musical shapes, while inducing a type of performance and a spectator’s relationship to the scene. This quest is based on the ancient musical theory facing once again the relic of the ancient Greek music and in a new way a work of vocally rendering lyrical verses in the framework of performances by the theatre company Demodocos. Hence it is part of this contemporary movement of revival in the scenic genres of ancient Greece and Rome joining basic research and experimentation

La tragédie du quatrième siècle fut considérée depuis l’antiquité comme une phase de décadence du genre tragique. Toutefois, plusieurs spécialistes ont montré qu’il ne s’agissait pas d’un déclin : le théâtre continuait à jouer un rôle important dans la vie culturelle du monde grec. Dans cette thèse nous proposons une nouvelle édition des fragments des poètes tragiques grecs du quatrième siècle, qui furent actifs entre la fin de la guerre du Péloponnèse et la mort d’Alexandre le Grand. L’édition des textes est précédée d’une courte introduction sur chaque poète et suivie de leur apparat critique, leur traduction et des commentaires. Nous proposons également un nouvel ordre des poètes et des témoignages pour faciliter l’étude de ces textes. Nous espérons que cette thèse contribuera à une meilleure compréhension de cette production méconnue et invitera à des nouvelles recherches
After the death of Euripides and Sophocles, tragic poets continue to write tragedies. During the fourth century BC theatre expanded all over the Greek world. In this thesis, I propose a new edition of the tragic fragments of the fourth century BC, by poets who were active from the end of the Peloponnesian war to the death of Alexander the Great. The edition of these texts is preceded by a brief introduction on each poet and followed by a critical apparatus, their translation and commentaries. I also propose a new order of the poets and testimonies in order to facilitate the study of the texts. I hope this thesis will contribute to a better understanding of this relatively unknown production and inspire new researches

Les deux grands ouvrages historiques de Tacite, les "Histoires" et les "Annales", offrent de nombreux points communs avec la tragédie gréco-latine. Ils doivent être replacés dans le contexte de la tradition littéraire antique, qui inscrit le genre historiographique dans le domaine de la poiesis. L'histoire est donc imprégnée des traits en partie hérités de la tragédie. L'examen de la composition des récits qui constituent les "opera maioru", permet d'y déceler la présence d'épisodes dont se révèle la forme dramatique, nourrie a la fois par la structure narrative et les effets de " mise en scène ". Le recours systématique à certains schémas, la récurrence de certains motifs donnent aux personnages historiques traités par Tacite le statut de personnages tragiques, portant le masque que leur fonction au sein du récit leur attribue. C'est notamment le cas de la figure tyrannique. Fondée sur la notion de conflit tragique, l'écriture tacitéenne décrit un monde livré à la violence et au trouble, où les hommes mettent en péril l'ordre nécessaire à l'accord entre la communauté romaine et les dieux. Elle révèle l'ambiguïté d'une conscience tiraillée entre le désir de participer à l'ordre nouveau établi par le principat et l'inquiétude face à l'avenir de l' urbs

Also submitted by the author as part of application for candidature for the degree of Doctor of Letters, University of Adelaide, School of Humanities, Discipline of European Studies and Linguistics, 2006.
Includes bibliographical references and index.
564 p. ;
Title page, contents and abstract only. The complete thesis in print form is available from the University Library.

Les + histoires tragiques ; pretendent edifier le lecteur et repondre aux exigences de la contre-reforme, sans laisser d'ennoblir un recit bref longtemps tenu pour un simple divertissement. Cette affectation de severite conduit a privilegier les histoires ou la volonte coupable marginalise le role de la fortune. Mais, en se consacrant aux infractions criminelles, les nouvelles choisissent un evenement qui blesse d'abord l'autorite du prince. Car le droit seculier regarde le crime comme une perturbation de l'ordre social et cosmique de la monarchie : le sacre qu'il pollue est desormais refere a la souverainete. L'etude interroge la reception de cette norme penale en litterature, les relations entre les procedes de la fiction et les processus d'incrimination et d'affirmation de la loi penale comme reference dominante. Or, en depit d'apparences legalistes, l'histoire tragique engage avec celle-ci un dialogue critique. Meme si le droit seculier y tient la premiere place, il s'y heurte frequemment a d'autres constructions axiologiques : droit canon, coutumes, regles de l'honneur, lois non ecrites. . . Un jeu de forces ou il est difficile d'identifier une instance transcendante qui fixerait les criteres de la justice. Il s'agit d'apprehender l'histoire tragique comme une narration a contre, temps : parce qu'elle fait droit a diverses survivances de la culture feodale, mais aussi parce qu'elle eprouve les modeles de legalite en vigueur en les confrontant les uns aux autres. Elle construit un univers ou la norme seculiere peut se voir refuser le statut d'absolu, et etre reconduite a sa relativite d'instrument de pouvoir. L'etude s'attache donc a mettre l'accent sur ces discordances entre des codes normatifs coexistants et a interroger les criteres de leur hierarchie politique et sociale. Aussi le debat qui n'est plus guere possible sur la scene publique se reforme-t-il dans les livres, temoins d'une activite judiciaire civile que l'on nommera un jour l'opinion publique.

La poétique du dénouement pré-moderne, dans les tragédies italiennes, françaises et espagnoles, est liée à un souci éthique: la fin de l'intrigue est le lieu attendu qui en dévoile le sens et qui dit sa morale. Or, le dénouement tragique répond à une double exigence: s'il conclut la tragédie, il doit aussi renverser le sort du héros. Pour achever la tragédie, le dénouement doit réaliser un équilibre moral; pour renverser l'intrigue, il doit susciter un excès pathétique. Ces deux exigences sont issues de deux modèles théoriques opposés: la logique de l'exemplarité et l'efficacité pathétique. La thèse analyse les stratégies poétiques que théoriciens et dramaturges mettent en place pour concilier ces deux modèles poétiques, au sein des trois critères qui définissent le dénouement (son orientation, ses modalités et sa structure) et des problèmes éthiques qu'ils posent (l'enchaînement de la causalité, la faute et la rétribution du héros). Les efforts pour concilier exemplarité et pathétique se soldent par un échec. En dépit de leurs différences, les trois traditions nationales dénoncent les faiblesses de la logique de l'exemplarité, qui ne permet pas de justifier, par une règle de conduite universelle, l'expérience du malheur, du désordre, de l'injustice. Le dénouement tragique incite alors le spectateur à un déchiffrement herméneutique pour trouver des raisons à la misère inexplicable du héros, que manifeste le renversement de fortune
The poetics of early modern denouement in Italian, Spanish and French tragedies implies an ethical issue. The ending of the plot is the expected climax which reveals the meaning and the moral of the story. The aim of the tragic denouement is twofold: it concludes the play and it reverses the hero's fate. In order to conclude the tragedy, the denouement restores a moral balance; in order to reverse the plot, it gives rise to a pathetic excess. Two divergent theoretical models underlie this dual requirement: the logic of exemplarity and the poetics of pathos. I propose to examine the strategies displayed by theorists and dramatists in order to bring together these two theoretical models. I therefore consider the three main features of the denouement (its direction, mode and structure) and the ethical issues to which they give rise (the sequence of causality, the tragic flaw and its atonement). The conciliation between exemplarity and pathos proves an impossibility: Italian, Spanish and French tragedy, despite their differences, denounce the logic of exemplarity as inadequate and unfit to justify, through the expression of a theoretical rule, the experience of misfortune, injustice and chaos. The tragic denouement leads the spectator to a hermeneutic deciphering that may uncover the reasons for the hero's inexplicable misfortunes

Ce travail de thèse consiste en l'étude de l'expression et des fonctions de la douleur et de la maladie, ainsi que de leurs ressorts tragiques, dans le théâtre de Sophocle. Les manières de dire la douleur, la maladie métaphorique et l'expérience de la souffrance sont successivement examinées en tant que révélateurs du tragique et ressources dramatiques de chaque pièce. L'expression subjective de la sensation douloureuse, physique ou morale, fait appel à un nombre restreint d'expressions imagées communes, dont la valeur métaphorique originelle est réactualisée, en particulier pour traduire la douleur physique ; l'impression subjective caractérise des souffrances qui jouent un rôle dramatique décisif. Même sobrement qualifiée, la douleur est souvent paroxystique, elle accompagne la prise de conscience brutale du malheur. Le motif de la double souffrance souligne l'irréductible spécificité de la conscience du héros tragique. Sont examinés les emplois figurés de la maladie, nosos, et les métaphores médicales, essentiellement thérapeutiques, qui les accompagnent. Qu'elle désigne un comportement individuel jugé pathologique, la maladie de l'amour, ou la maladie de la cité, la nosos questionne le lien entre le personnage et la catastrophe tragique. L'expérience de la souffrance aide moins les personnages sophocléens à accéder à la sagesse qu'elle ne les révèle. La dramatisation de l'apprentissage manifeste le potentiel tragique de leurs choix, de leurs limites, ou d'une nature exceptionnellement endurante. Comprendre, apprendre se réduit souvent à supporter, ou à " connaître " intimement la souffrance. Dans les pièces tardives, l'expérience douloureuse prend la forme d'une souffrance durable qui infléchit l'action dramatique tout en conservant les marques du pâtir
This work consists in studying the expression and the functions of pain and disease and their tragic potentialities in Sophoclean drama. Il investigates the ways of expressing pain, the metaphoric disease, and the experience of distress as revelating the tragic shape and the dramatic elaboration of each play. A few figurative standard expressions are used to convey subjective sensation of pain and distress, and their metaphoric value is renewed in a poetic way. Subjective sensation is mentionned when suffering plays an important dramatic part. The “double-suffering” pattern stresses the singularity of the tragic hero's awareness. The use of disease in a figurative sense and of metaphors derived from medicine, and especially therapeutics, are investigated. The pathologic behaviour, the disease of love, or the sickness of the polis points out the boundaries between character and tragic disaster. The experience of suffering not so much leads to wisdom than it reveals the sophoclean characters, and clarify their tragic tendances. Learning and understanding are often confined to endurance or to vivid consciousness of suffering. In the last plays, the character only suffers and this suffering paradoxically influences the dramatic progress

La réécriture à sujet antique constitue un type d’écriture qui revêt de multiples formes et dont la présence dans le milieu culturel et littéraire traverse toutes les époques. En particulier, la réécriture des drames antiques grecs – que ce soit sous forme d’adaptation, de traduction ou de création littéraire nouvelle inspirée des hypotextes anciens – est un acte de « transgression » constante contre les anciens hypotextes qui non seulement réanime l’intérêt pour les tragédies antiques à l’époque contemporaine mais également élargit et réactualise leur sens en retraitant les questions antiques dans de nouveaux espaces culturels.En partant de ce point, notre recherche interroge la place et la vision du tragique dans l’époque actuelle à partir de la réécriture du mythe littéraire des trois drames thébains sophocléens : Antigone, Œdipe roi et Œdipe à Colone. Pour cela, nous examinons des textes issus de deux types de réécritures – les réécritures dramaturgiques et les réécritures-traductions – afin de repérer par quels travestissements et par quelles reconstructions les auteurs en France et en Grèce interviennent sur le matériau antique pour requestionner les sujets tragiques aux XXe et XXIe siècles. Comme toute opération de remodelage est réalisée à travers une série des modes esthétiques, nous nous penchons en particulier sur ces modalités que les auteurs utilisent dans l’objectif de réarticuler le tragique à l’époque contemporaine. Dans ce cadre, nous examinons d’une part, comment transparaît dans l’expression du tragique la voix des traducteurs de Sophocle, sur un plan principalement stylistique et langagier ; de l’autre, comment les dramaturges ont fait état de leurs propres versions du tragique par une double reconstruction du mythe littéraire tragique : structurelle et thématique. Or ces modalités dites globalement « tragiques » ne sont pas strictement réparties en modalités soit stylistiques soit structurelles et thématiques mais s’entremêlent souvent de sorte à devenir deux outils employés autant par les traducteurs que par les dramaturges, conformes à chaque fois à l’espace historique et culturel – français ou grec – où elles apparaissent. Ainsi, elles s’avèrent être les principales armes pour les deux types d’auteurs qui déploient une réflexion sur les questionnements tragiques, produit d’une certaine voix singulière et d’un certain environnement historique
The rewriting on an ancient subject constitutes a type of multiform writing whose presence in the cultural and literary milieu transcends all eras. In particular, the rewriting of ancient Greek dramas – whether in the form of adaptation, translation or new literary creation inspired by the ancient hypotexts – is an act of constant “ transgression ” against the old hypotexts that not only revives the interest for the ancient tragedies in the contemporary period, but also expands and updates their meaning into new cultural spaces.Starting from this point, our research questions the place and the vision of the tragic in the present time starting from the works of rewriting which take up the literary myth of the three Sophoclean Theban dramas : Antigone, Oedipus Rex and Oedipus at Colonus. For this purpose, we examine texts resulting from two forms of rewriting – rewritings-dramatic adaptations and rewritings-translations – in order to identify by what transformations and reconstructions the authors in France and in Greece intervene on the ancient material to re-question the tragic subjects in the 20th and 21st centuries. As any remodeling operation is carried out through a series of aesthetic modes, we focus in particular on these modalities that the authors use in order to re-articulate the tragic in the contemporary time. In this context, we examine, on one hand, how the voice of the translators of Sophocles is reflected in the expression of the tragic, mainly on a stylistic and linguistic level ; on the other, how dramatists have reported their own versions of the tragic through a double reconstruction of the tragic literary myth : structural and thematic. However, these generically called “ tragic ” modalities are not strictly divided into either stylistic or structural and thematic modalities, but they often interwine so as to become two tools used by translators as well as by dramatists, each time conforming to the French or Greek historical and cultural space where they appear. Thus, they turn out to be the main tools for both types of authors who develop their vision on the tragic issues, products of a certain unique voice and historical environment

Le contexte politico-religieux particulièrement virulent des dernières décennies du XVIe siècle et des premières du XVIIe siècle a vu naitre une littérature brève tout à fait singulière, nourries d'influences diverses. Les histoires tragiques et les faits divers sanglants sont deux genres qui évoluent et coexistent à cette époque. Le premier se présente dans lignée des nouvelles de l'italien Mateo Bandello, et est influencé par toute cette littérature brève oscillant entre le tragique et le comique au milieu du XVIe siècle. Le genre se poursuit dans les premières décennies du XVIIe siècle sous la plume d'écrivains missionnaires de la foi catholique, dans cadre purement tragique et très influencés par les marques stylistiques de l'esthétique baroque. Au sein-même de ce genre, il a été proposé un classement tripartite relatif à la diachronie des récits. Ainsi, trois générations ont été considérées à partir d'auteurs-phares ayant un vrai impact sur l'évolution du genre : la première représentée par Pierre Boaistuau et François de Belleforest s'ouvre dans les années 1560 et se situe dans le prolongement du nouvelliste Bandello. La seconde, appartient aux années 1580 et marque l'affirmation des codes du genre, dans son positionnement par rapport tragique, mais aussi dans les choix des sujets traités grâce aux recueils de Vérité Habanc et Benigne Poissent. Enfin la troisième génération, correspondant aux années 1610-1630 est illustrée par François de Rosset et Jean-Pierre Camus qui portent le genre à son apogée en exploitant la vigueur démonstratrice du canard sanglant et l'influence romanesque propre à séduire le lecteur. Les " canards sanglants ", dont l'expression a été empruntée au recueil de Maurice Lever, est proprement un outil de propagande massive, anonyme mais que l'on sait déployés par Rome, qui souhaite alors réaffirmer les postulats de l'église catholique sous le nouveau regard des dogmes du Concile de Trente. En outre, c'est dans un contexte éditorial tout à fait favorable, grâce à l'imprimerie, que se développe cette littérature proprement nationale qui prend ses assises dans un contexte de méfiance généralisée vis-à-vis des nations voisines. Il se trouve que l'histoire tragique et le " canard sanglant " ont toujours été étudiés de manière exclusive par la critique jusqu'alors. Toutefois, des convergences génériques et formelles remarquables se pressentent entre les deux genres. Cette étude novatrice interroge les fondements génériques et formels permettant de considérer une structure stable à ce que serait le " récit épouvantable " à cette époque. Dans un premier chapitre les problématiques relatives au genre des récits épouvantables sont envisagées : quels sont les fondamentaux structuraux qui sous-tendent ces deux genres ? Dans quelle mesure les influences génériques fondatrices (novella italienne, tragédie) puis novatrices à l'époque (roman sentimental) ont-elles participé de l'évolution formelle du récit épouvantable tout en maintenant une logique narrative commune ? Du fait qu'aucun art poétique ne se soit intéressé à ces formes de récit, la définition de contours génériques est apparue come une nécessité. Les études formalistes (russes, italiennes et françaises) ont servi de point d'ancrage à la réflexion. La tripartition : énonciation de la loi/transgression/punition a été nuancée au regard de la diversité des textes. Ceux-ci présentent, en effet, la particularité d'être excessivement poreux aux autres formes génériques en vogue à l'époque (la tragédie, le roman, l'histoire de loi et l'expression poétique). Ce constat n'a pas été une surprise dans la mesure où ces récits reposent aussi sur la séduction du lecteur. Un second chapitre analyse en détail les unités constitutives du genre suivant le protocole narratif. Le titre constitue, tout d'abord une étape importante car il est au seuil du récit et détourne les attentes habituelles liées à sa fonction. En effet, celui-ci, particulièrement dense, se présente sous la forme d'un résumé en comportant toutes les informations délivrées par la narration, jusqu'à l'issue invariante, qui se caractérise par un procès et un jugement. La variatio s'exécute alors dans les différents châtiments établis en fonction du crime commis. Cette unité liminaire est le lieu d'une étude précise, au moyen de graphiques et de tableaux comparatifs, portant sur la dénomination générique et qualitative de ces récits. L'exorde apparait ensuite comme le lieu de la leçon. Le narrateur y déplore, aux moyens de procédés canoniques tels que le laudator tempris acti ou les procédés de lyrisme tragique la décadence du temps présent et les menaces qui pèsent sur le peuple français. Le discours moral, sa fonction et sa place y sont étudiés comme les marques d'une stratégie narrative qui n'obtient pas, somme toute, l'effet escompté sur l'apitoiement du lecteur. La question de la crédibilité de l'instance narratrice pour donner la leçon est soulevée ainsi que l'échec du dispositif cathartique appliqué à la narration. Une deuxième étape dans ce chapitre s'intéresse à l'exécution de l'acte central dans les récits épouvantables, à savoir l'acte sanglant. Deux formes de représentation ont été identifiées : l'une élabore une description dynamique et proprement romanesque de la mort, l'autre, qualifiée de " mort-tableau " envisage un portrait pictural de la scène. Par ailleurs, les correspondances esthétiques liées aux mouvements maniéristes (auteurs de la deuxième génération) et baroques (canards sanglants et auteurs de la troisième génération d'histoires tragiques) ont été étudiées dans leur réalisation au sein des récits. L'art s'est avéré être un puissant vecteur de propagande visuelle introduit au sein de la narration. Enfin, une étude microstructurale de la phrase a montré que la précipitation tragique s'exerce à tous les niveaux du récit épouvantable : de la composition narrative, au discours et à la phrase. En effet, l'abondance de subordonnées consécutives et de procédés rhétoriques tels que l'hyperbole et l'antithèse apparaissent comme des indices stylistiques annonçant la chute tragique du personnage ou précipitant la catastrophe. Un troisième chapitre interroge la délicate question de la vérité au sein de ces récits. Si des faits historiques sanglants ou des faits divers attestés constituent le vivier principal du corpus, certaines histoires, comme les portraits de monstres apparaissent comme des vestiges médiévaux que le lecteur ne craint plus. Aussi, la solution du vraisemblable a été envisagée comme le plus louable pour rendre compte de ces anecdotes qui oscillent entre volonté d'effrayer et nécessité d'établir une leçon crédible pour le lecteur. Enfin nous nous sommes interrogés sur les spécificités thématiques et formelles liées aux crimes et aux criminels qui caractérisent les deux genres. Encore une fois le support de graphiques est venu expliciter cette démarche fastidieuse révélant des tendances sur les sujets abordés par les récits épouvantables dans l'espace temporel du corpus. Les statistiques ont montré que les histoires d'amour malheureuses et les vengeances familiales (surtout présents chez les auteurs de la troisième génération, ont supplanté les récits de guerre que l'on retrouvait notamment chez Bénigne Poissent. Nous y voyons l'influence des thèmes développés dans le roman sentimental à la mode à l'époque. En revanche, les " canards sanglants " conservent cette spécificité thématique des récits de monstre et ceux de catastrophe naturelle qui lui est propre. Il a été choisi, lors d'un dernier chapitre, de mettre en regard deux genres littéraires qui possèdent des convergences formelles remarquables avec els récits épouvantables. Il s'agit des " chroniques journalières " de Pierre de l'Estoile et des épitomes judiciaires d'Alexandre-Sylvain Van Den Bussche. Alors que le premier genre possède les qualités principales de l'anecdote détaillée prise sur le vif, tout en témoignant des réalités crues d'une époque (celle d'Henri III et d'Henri IV), l'autre rend compte d'une forme rhétorique invariante directement issue du mode plaidoirie, exposant un cas sanglant et problématique au niveau de la loi. Les deux victimes exposent leurs arguments sans qu'il y ait une issue prononcée. Cependant, le second argumentaire apparaît toujours le plus favorable aux yeux du narrateur, illustrant une juste mesure qui dans la réflexion sur les crimes. En conclusion nous sommes parvenus à élaborer des principes esthétiques et formels communs et stables du " récit épouvantable " à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, tout en se gardant bien de généraliser certaines nuances et exceptions qui produisent toutes la richesse de ces histoires génériquement hybrides et idéologiquement très ancrés dans un nouveau combat pour la foi. Produits d'une époque, ils en comportent toutes les marques, cette littérature " belliqueuse " ne laisse pas indifférente car elle se veut profondément active sur le lecteur. Que ce soit en lui assénant des images frissonnantes ou des leçons particulièrement strictes, le plaisir s'en voit intimement lié à la nécessité démonstrative. Il semble, en outre, que leur évolution les dissocie : les auteurs " tardifs " qui ont suivi Camus, dans la seconde moitié du XVIIe siècle (Claude Malingre et Jean-Nicolas Parival) n'ont pas su renouveler le genre pourtant très lu encore jusqu' à la fin du XVIIIe siècle. Sade y voit des exemples de vices tout à fait remarquables qu'il réintroduit dans sa littérature licencieuse en évacuant la dimension morale du Grand Siècle. Au-delà, il n'en est plus question. C'est pourquoi, l'histoire tragique et ses valeurs semble s'effondrer avec l'Ancien Régime. Paradoxalement, alors que le " canards sanglants " représentait une expression ponctuelle de propagande liée à un contexte spécifique, c'est lui qui a le mieux su se renouveler. Sa forme, plus souple, lui permis de conserver l'essentiel de ce que le lecteur affriole, à savoir l'anecdote sanglante, tout en se débarrassant du carcan moral. Plus que jamais celui-ci se trouve d'actualité, toujours en sachant renouveler son format au gré du lectorat et des époques.

Après avoir défini un protocole de lecture inspiré des travaux de l'anthropologie du monde grec ancien, l’étude se développe sur deux plans. Dans un premier temps, on s'est attaché à l'examen des configurations spécifiques du rapport de filiation chez les tragiques : d'abord à travers les fils d'Oedipe, dont la gémellité suicidaire incarne sur le mode répétitif la dualité paternelle ; à travers Oreste ensuite, qui, toujours chez Eschyle et Euripide, se donne à voir comme un fils mimétique, voué à une dépossession de soi qu'accentue son rapport à Clytemnestre et à Electre ; enfin, à travers l'Hippolyte d'Euripide et l'Hyllos des Trachiniennes, fils paralysés qui se voient interdit, chacun selon son drame propre, l'accès harmonieux à l'âge adulte. Le deuxième axe du travail examine le processus d'"empiègement" qui semble caractériser le rapport à leur parole de ces différents personnages; la polysémie des termes apparentes à philos a servi d'exemple, et permis de rapprocher des figures de fils certains personnages féminins liés à leur histoire et leurs : occasion de revenir, dans un premier chapitre, sur les tragédies d'Oreste, et d'y montrer comment cette polysémie conflictuelle révèle, d'Eschyle a Euripide, les tensions entre liens familiaux et électifs. Dans un deuxième chapitre, c'est Antigone qui incarne, jusque dans Oedipe à Colone, la tendance labdacide à faire retour à l'origine au rebours de la loi de reproduction propre à la vie civique. Enfin, un troisième chapitre est consacré à Médée qui ne semble pouvoir s'"accomplir" qu'en consommant dans le meurtre de ses fils son refus du mariage et sa nostalgie de la maison paternelle. La conclusion propose de voir dans la philia tragique une manière d'antidote à la "bonne" filiation-reproduction civique, et pose la question de l'effet produit sur le citoyen-spectateur d'Athènes par cette mise à distance des évidences fondatrices de sa condition
Our approach, inspired by the anthropological studies of ancient Greece, is conducted along two mains lines. As a first step, we attempt to examine the specific patterns of filiation delineated by the tragics : firstly, through Oedipus' sons, whose suicidal twinship repeats their father's duality. Then, through Orestes who, in Aeschylus' and Euripides' plays, appears as a mimetic son doomed to a loss of self. Finally, through Euripides' Hippolytus and Hyllus in the trachiniae, paralysed sons who are denied harmonious access to adulthood. Our second direction of research leads us to study the process of "entrapment" which seems to govern the characters' way of relating to their own speech; we use the polysemy of the terms akin to philos as an example allowing us to establish a parallel between the son figures and some female characters participating in their destiny and debates : thus, in the first chapter, we re-examine the tragedies devoted to Orestes, from Aeschylus to Euripides, showing how this conflicting polysemy reveals the tensions between family and elective ties. In the second chapter, Antigone embodies, in the Oedipus coloneus as well, the labdacides' tendency to revert to the origin regardless of the law of reproduction inherent in civic life. Lastly, the third chapter is devoted to Medea, who can only realize herself by consummating her refusal of marriage, and yearning for the paternal home through murdering her sons. In the conclusion, we propose to show that tragic philia is a kind of antidote to "proper" civic filiation-reproduction, and we expose the issue of the effect produced on the citizenspectator of Athens by this projection of the fundamentals of his own condition

Méthodologiquement, nous choisissons de réconcilier la critique référentielle, qui s'appuie sur la réalité historique représentée dans le texte littéraire, et la critique esthétique qui conçoit celui-ci comme issu d'un fonds archétypal. Notre objectif est alors de démontrer qu'au-delà des références à l'histoire passée et contemporaine, immédiatement décelables, la structure de trois recueils de nouvelles écrits par des gentilshommes provinciaux est investie d'un message idéologique. Ceci en recourant à des traditions littéraires qu'ils observent ou aménagent. L'étude des prologues, lieux où les auteurs tiennent un discours sur leur propre œuvre, rend compte du caractère mythique de la société rurale décrite par N. Du Fail, de la quête réalisée à l'intérieur d'un château par les devisants de J. Yver, de l'exemplarité de la polémique cléricale et nobiliaire mise en scène par V. Habanc, narrateur unique. Chacun vise ainsi la pérennité de l'ordre aristocratique, soit par le retour à des valeurs terriennes et féodales pour le premier, soit par l'abandon des vertus guerrières de la noblesse française et par la recherche d'un art de vivre provincial néo-platonicien et pacifique pour le second, soit par une politique collective et individuelle de la modération chargée d'assurer l'unité noble et européenne
We choose to reconcile referential criticism, founded on the historical reality present into the literary text with esthetical criticism, which points out archetypal foundation. Our purpose is to demonstrate that, upon obvious references to the past and especially to the contemporary history, the structure of three short stories compilation written by provincial gentlemen is invested with ideological message, by having recourse to literary traditions which they comply with or change. The study of prologues, places where the authors speak about their own works, shows the mythical complexion of the country society described by N. Du Fail, the quest made by theyver's talkers into a castel, the exemplary complexion of the clerical and nobiliary polemic talled by V. Habanc. Every one aspires to the perennity of the aristocratic community, whether by going back to landed and feudal values, or by surrendering the warlike virtues of french nobility and by the research of a provincial neo-platonic and pacific concept of life, or by an individual and collective policy of moderation which must open on a noble and european unity

Dans l"essence du tragique", nous avons interprete la consideration tragique comme la passion fondamentale qui est a l'origine de tout univers de representation, esthetique, metaphysique, ou religieux. Prenant pour point de depart, l'analyse des humeurs vitales (comique tragique), nous en deduisons l'incapacite de l'homme a se tenir dans les limites de la vie elle-meme. Chasse de sa vie par une incomprehensible deception, l'homme se reconstitue un etre dans un monde de speculation, ou il regne comme un individu separe de ses ressources vitales. Des lors, l'analyse du tragique s'est dirigee sur les elements constitutifs de ce monde qui symbolise notre malheur. Aux malheurs effectifs de la vie correspond une forme plus presentable du malheur, et c'est ce que nous avons nomme "malheur-second" : par la nous entendons la traduction rhetorique en termes de justification, des tribulations de la vie. Les elements constituant ce monde tragique doivent alors etre entendus comme des formes de discours de justification du malheur. C'est pourquoi nous avons nomme le hasard, le destin, la necessite et la fatalite, qui sont les expressions communes de la passion tragique, des apologies, discours rhetoriques de justification. L'interpretation de ces apologies nous a conduit a decouvrir les lois du monde tragique et metaphysique : - toute puissance du fait, qui est le monde, - situation de dependance malheureuse de l'humain, - reduction de la realite humaine a l'individualite, - affirmation du pouvoir de l'action au sein du monde. Nous avons ensuite decrit les types de malheur-second identifies, et deduit les idees d'origine et de fin de l'experience malheureuse de la vie
In "the neaning of tragics", we interpreted the feeling of tragic as the main passion which explains all aesthetical, metaphysical or religious world of thought. As a beginning, we took the analysis of vital moods (the comical and the tragical one) ; we inferred that human being cannot bear life in itself. Expelled from his life by an incomprehensible disappointement, man tries to give back to himself a being by creating a world of thought, where he can reign supreme, as an individuality, isolated from her vital resources. So, we guided our analysis of tragics to the elements which form that metaphysical world, pure sign of our misfortune. We called "figurative-misfortunes", these allowed forms of effective calamities which can occurr in true life. By "figurative-misfortune", we mean a metaphorical and metaphysical expression of calamities. The elements of that tragical world have to be understood as forms of vindication of misfortune. Therefore we called hazard, destiny, necessity and fatality, common ways of talking about tragical passion, vindications, rhetorical speeches of vindication. The meaning of these vindications enabled us to discover the main laws of tragical and metaphysical world : - supremacy of fact, which is the world, - situation of infortunate subjection of human being, - human being reduced to a mere individuality, - supremacy of action in the middle of the world. Afterwards we described the different forms of "figurative-misfor- tune", and inferred the ideas of beginning and end from the unfor- tunate experience of life

Le tragique de l'existence et celui des oeuvres theatrales grecques et raciniennes (choisies comme references) definissent un meme espace tragique. Cet espace est percu et exprime d'une maniere privilegiee avec le theatre tragique. La composition dramatique et la poesie sont le lieu meme de l'expression du tragique, qui appartient a l'existence; il s'agit de cette existence authentique, resolue, par difference avec un mode existentiel qui laisse aller l'etre. L'espace tragique est un lieu marque et une place a assumer face a l'autre; c'est un destin ou se rejoignent la liberte agissante, mais necessairement defaillante, et la transcendance qui ouvre l'espace; c'est un espace de l'explication ou tout conduit, par une responsabilite sans limite, a ses presenter vulnerable, sur l'instant, pour faire l'epreuve bouleversante de l'accomplissement. Ces differents aspects viennent avec l'existence authentique; le geste expressif devoile, dans le present de la representation theatrale, le tragique de cette existence. Enfin la tragedie, comme expression dramatique et poetique, correspond au tragique d'une maniere adequate : ses regles ne sont ni fantaisistes ni ornementales; la concentration spatiale et temporelle, la necessite et la vraisemblance de l'action, la noblesse de l'expression, les figures que sont les personnages, la presence realisee par le theatre, l'epure creee, font luire le tragique et rendent possible sa signification.

"Chester Himes (1909-1984), écrivain tragique", est une analyse de la tragédie des oeuvres de Chester Himes. L'ouvrage a trois partie. La première partie s'ouvre sur des analyses sur la tragédie de l'histoire américaine, de la vie de Himes depuis l'Amérique jusqu'à son exil en France et en Espagne où il est mort en 1984. Puis, j'introduis les seize romans de mon aire de recherche. La deuxième partie est une réflexion sur la littérature orale, sur la monstruosité des villes américaines, sur le style annonçant la tragédie (métaphore, proverbe, analepse, prolepse). La troisième partie est consacrée à l'étude d'une trentaine de thèmes tragiques, dont la peur, la fuite, l'absurdité de la vie, la violence et l'eschatologie du héros de Himes. "Chester Himes, écrivain tragique", se ferme sur la négritude de Himes et son projet de révolution du monde noir en Amérique
"Chester Himes (1909-1984), a tragic writer" is an effort to analyse the tragedy described by Himes in his work. It has three parts. The first part opens with the framework of Himes's difficult life from America to his exile in France and Spain where he died in 1984. Then, I introduce his sixteen novels of our research area. The second part is a study of his oral literature, the monstrosity of the American cities and characters, the style announcing the tragedy (metaphor, proverb, analepsis, prolepsis). The third part is an effort to analyse thirty tragic themes, such as fear, flight, the absurdity of life, violence, the fate of Himes's heroes. "Chester Himes, a tragic writer" ends with Himes's idea of being a Black man, and his project of an unavoidable revolution in America

La notion de tragique a toujours appartenu au champ grec, avec les tragédies d'Eschyle, Sophocle et Euripide, dérivant des traditions poétiques et religieuses de la Grèce ancienne. Dans « l'éthique de la psychanalyse », Lacan, poursuivant les recherches de Freud, explore le champ de l'éthique, embrassant l'espace défriche par les terrains philosophiques et ontologiques. Son séminaire, centre sur la figure d'Antigone, interroge l'action humaine en corrélation avec la notion de désir, conduisant le héros tragique à se réaliser par le truchement d'une action tragique. Cette problématique est étendue à l'univers biblique, avec la figure du premier roi d'Israël, Shaûl, afin de souligner l'éthique et le tragique de la nature humaine. Les principes éthiques et esthétiques sont interrogés au travers de l'esthétique tragique. Lacan met l'accent sur la primauté du langage dans le tragique de la nature humaine, avec la réception des tables de la loi. Depuis lors, le langage structurerait nos désirs : le langage engendrerait l'ordre symbolique. Nous devenons alors des êtres humains, la loi faisant de nous des « parle-être », des êtres parlants. Freud nous a appris que derrière la pulsion de vie, existe la pulsion de mort. Ce désir inconscient de mourir, conduit à retrouver un état de calme, de non existence. Cette thématique, développée par Lacan autour d'Antigone, puis de Shaûl, suit les perspectives freudiennes d'au-delà du principe de plaisir. Cependant, nous ajoutons quelques concepts empruntes au philosophe Levinas. Celui-ci revendique une responsabilité éthique envers l'autre, suggérant le « face a face » comme axe de « l'expérience éthique »
The tragical idea used to belong to the greek field, with the tragedian plays from Aeschylus, Sophocles, Euripides, witch certainly derived from the poetic and religious traditions of ancient greece. In the « ethics of psychoanalysis », Lacan, following Freud's researchs, professes a complex mission to explore an ethical territory commensurate with the interests of scanning the entire field from a philosophical and ontological perspective. His seminar, focused on antigone, exposes the human action, in its relationship of desire, who leads the tragic hero to realize himself shaping a tragic action. This problematic will be expanded to the biblical world, with the first Israel's king, Shaul, to show the ethical and the tragic of human nature. Ethicals and aestetics principles, will be inquiried trought tragedy's esthetical. Lacan upholds the primacy of language in human destiny, since the reception of the divinely given tables of the law. Language from then on structures our desires: language comprises the symbolic order. We become human seings, the law makes us «parle-etre», speaking seings. Freud teached that « under » the life instincts there was a death instinct. This unconscious wish to die, represented an urge inherent in all living things to return to a state of calm, of non-existence. The thematic, conducted by Lacan, concerns of Antigone and Shaûl, seems to keep covenant with freud's declarations in beyond the pleasure principle. However, we wish to add some more insights, argued by philosopher Levinas. He claims an ethics of inescapable responsibility for the other, proposes the face of the other as the central « ethical experience »

Ce mémoire tente de circonscrire la conception du tragique telle qu'on la retrouve notamment dans l'œuvre tardive du poète. Pour Hölderlin, le tragique représente la perte de l'unité: c'est l'instant où une culture ne répond plus aux «exigences» de sa propre nature. Or, cette thématique, loin de ne référer qu'au passé, apparaît essentielle pour la modernité aux prises avec le déclin de sa culture. Nous cernerons ainsi le concept du tragique en prenant appui sur l'Antiquité, De ce dialogue avec la Grèce, nous pourrons saisir la nature et la culture particulières du monde moderne. Cette recherche s'articulera autour de quatre axes, à savoir: une biographie Intellectuelle, l'expérience fondamentale (Grunderfahrung) de l'unité (Einigkeit) du monde, le concept du nationel et enfin Les tragédies de Sophocle.

Couronnement d’une civilisation née par et pour la science, la médecine moderne est vouée à la technique. Sa force, ses succès, elle les doit à la technoscience dont elle est issue. C’est donc l’étude des rapports entre la médecine moderne et la technoscience qui fera l’objet de la première partie de ce travail. Nous chercherons à comprendre si la technique est bien le destin obligé de la médecine, ou s���il existe d’autres évolutions possibles. En particulier, nous nous interrogerons sur la chirurgie, quintessence de la médecine technique. Nous nous demanderons si les médecines non techniques, comme les médecines parallèles et les soins palliatifs, peuvent cohabiter avec la médecine officielle. Nous interrogerons aussi la juridicisation progressive de la médecine pour savoir si cette évolution est un frein ou un facteur favorisant à son entière absorption par la technique. Puis nous analyserons les conséquences de cet assujettissement de la médecine à la technoscience. Nous verrons comment, pour agir sur l’homme, il faut le transformer en objet, et comment la médecine scientifique s’oppose ainsi à son désir fondamental d’être un sujet. La déshumanisation de l’homme est au coeur de la médecine, cette science au service de l’homme. La conséquence de ce « problème de la technique », de ce conflit de valeur, c’est le tragique. À l’aide notamment de Scheler, de Nietzsche et de Hegel, nous nous attacherons à définir le phénomène tragique dans le cadre particulier de la médecine. Nous montrerons ainsi que la première réaction de l’homme qui y est confronté, c’est le désespoir et le nihilisme. Mais ces réactions négatives peuvent aussi être fécondes, grâce à l’acceptation du tragique, le tragique comme destin de l’humanité, comme structure fondamentale d’un univers où règne l’action. La lecture de Pascal fondera notre recherche d’une signification tragique à la médecine technique, c’est-à-dire d’un ordre supérieur dans lequel les contradictions, sans être abolies, sont mises en lumière et assumées en toute conscience, cette conscience qui fait la grandeur de l’humain
Rowning achievement of a civilization born of and for science, modern medicine is dedicated to technique. It owes its power and success to technoscience in which it finds its origin. The first part of this dissertation will be devoted to the study of the relationship between modern medicine and technoscience. We shall discuss whether the future of medicine is inevitably bound to technique or whether alternatives to this monolithic evolution exist. Further analysis will deal with the consequences of the “technization” of medicine and the tragic value conflicts it entails. Drawing from Scheler, Nietzsche and Hegel, we shall aim to give a definition of the phenomenon of the tragic and the forms it takes within the context of medicine. Pascal’s reading will finally be called upon to ground our thesis of the tragic sense of technical medicine: a superior order in which contradictions are not abolished but brought to light and consciously accepted

L’écriture dramatique contemporaine est souvent tournée vers le mythe grec tragique comme source d’inspiration. Or, le concept de tragique est loin d’être évident, tantôt compris dans un sens existentiel, étroitement lié à la pensée philosophique allemande du XIXe siècle qui lui adonné naissance, tantôt dans un sens esthétique, produit de son rapport étroit au genre dramatique de la tragédie. La présente étude interroge la question du tragique dans des écritures dramatiques contemporaines d’origine différente : plus précisément, nous abordons douze oeuvres dramatiques, françaises et grecques, qui couvrent la seconde moitié du XXe siècle au sens large, et que caractérise l’usage du mythe tragique ou des motifs tragiques. Notre approche est structurée sur deux axes : d’une part est examinée la notion de personnage, élément principal de l’oeuvre dramatique, dans son devenir tragique. Ainsi, dans les deux phases de ce que nous appelons le« mouvement tragique », le personnage passe de l’identité à l’altérité de soi, pour se choisir ensuite en tant qu’être fini, ou autrement, en tant qu’être « inscrit dans la mort », pour arriver finalement à la transcendance de sa propre finitude. D’autre part est examinée la notion de personne tragique, à savoir la conception de l’homme « réel », telle qu’elle est configurée par le lecteur/spectateur à partir du personnage tragique. Le sens de la personne tragique consiste en le passage de celle-ci du monde quotidien à un « nouveau réel », où dominent le devenir et l’ouverture à l’Autre. Dans ce cadre, la catharsis qu’éprouve le spectateur est identifiée à la « joie tragique »
Contemporary playwriting turns often towards the tragic Greek myth as source of inspiration.However, the concept of “the tragic” is far from being evident, sometimes understood in anexistential meaning, tightly attached to the German philosophical thought who has given it birth,sometimes in an esthetic meaning, as a result of its close relation to the genre of tragedy. Thepresent study examines the concept of tragic in contemporary plays of different origin: moreprecisely, we study twelve plays, French and Greek, that cover the second half of the twentiethcentury in the broadest sense, characterized by the use of the tragic myth or of tragic motifs. Ourapproach is based on two axes: on one hand we examine the notion of character, a fundamentalelement of a dramatic work, in his becoming tragic. In this way and according to the two phasesof what we call “the tragic movement”, the character, after passing from the identity to the alterityof self, he then “chooses” himself as a finite being, or, in other words, as a being “inscribed indeath”; finally, he arrives at the point of transcendence of his own finitude. On the other hand, weexamine the notion of the tragic person, namely the conception of the “real” human, as it isformulated on the basis of the tragic hero, by the reader/spectator. The meaning of the tragicperson lies in a passage from the ordinary world to a “new reality”, where the becoming of thehuman being and the openness to the Other dominates. In this context, the spectator experiencesthe catharsis that can be identified with the “tragic joy”

Prendre acte de la mort de dieu revient pour Nietzsche à définir, pour la philosophie, et au-delà, une tache matérialiste. L'exigence de fidélité à la terre, dont les enjeux sont tant pratiques que théoriques, conduit, par-delà la critique de l'idéalisme, et ce, afin de conjurer l'écueil du scepticisme, à déterminer et à conquérir de nouveaux horizons. La catégorie focale de volonté de puissance permet ainsi de déplacer les questions traditionnelles de la métaphysique et de l'anthropologie, de donner un nouveau statut à l'exigence morale, ce, sans référence à quelque transcendance que ce soit, à s'interroger enfin sur les formes modernes - notamment dans le champ politique - de résurgence de l'idéal ascétique
The death of God must lead philosophy towards a materialistic project. Beyond the critics of idealism, to preserve from scepticism, the conquest of new horizons is necessary. The category of will to power helps to renew the traditionnal questions of metaphysics and anthropology, to understand what could be a materialistic moral and to wonder what are the new idols - in particular, in the political sphere

A l'epoque d'euripide se developpent en grece des theories philosophiques tres differentes. Le poete frequente tous les penseurs de son temps, mais il ne s'assujettit a aucune doctrine particuliere. On trouve pourtant dans son oeuvre de nombreux echos des discussions qui agitent alors athenes. Ces passages caracteristiques revelent l'interet qu'euripide eprouve pour la philosophie. L'aspiration a la connaissance se manifeste d'ailleurs partout dans son theatre. De maniere originale, euripide semble concevoir la creation poetique comme un moyen d'imaginer et de proposer des reponses a des interrogations tres profondes. La poesie exprime et devient une philosophie de la vie
In greece, at the time of euripides many philosophical traditions were taking shape. The poet knew all the thinkers of the time personally, but did not restrict himself to any particular doctrine. Yet we find numerous allusions to the topics debated in contemporary athens in his work. These characteristic passages show how interested euripides was in philosophy. Moreover this aspiration for knowledge is evident through out his dramatical works. In an original manner euripides seems to view poetic creation as a means of asking, and providing answers to very fundamental questions. Poetry thus expresses and indeed becomes a philosophy of life

Les trois ordres de Pascal (ordre des corps, ordre de l'esprit, ordre de la charité), fréquemment relus par Péguy, sont à l'origine du bouleversement de sa pensée et de son écriture : tel est le postulat de cette thèse, fondée sur une analyse attentive des textes de la période intermédiaire de l'oeuvre, qui va de 1905 à 1909. "rythmanalyse" - ou patient repérage des diverses "strates" de l'écriture -, le présent travail essaie de démontrer que Péguy élabore, à partir de la célèbre classification pascalienne, un art combinatoire, méthode de lecture et d'écriture, source et principe de la répétition qui fonde son style. Style tragique, car la répétition est effacement, écriture pathétique montée contre toute inscription, entre l'héroïsme et la sainteté, la "race" et la "grâce"
Pascal's three categories (that of body, spirit and charity), frequently studied by Peguy, are at the origin of the radical changes in his thought and writing : that is the postulate of this thesis, based on a careful analysis of the middle period of his work, in the years between 1905 and 1909. Founded on a "rythmanalysis" - the minute dissection of the different "strata" of the writing - the present study tries to demonstrate that Peguy, on the basis of the famous categories of pascal, contrived a combinative art, a method of rea- ding and writing which is both the source and theoretical basis of the repetition on which his style reposes. It is a tragic style, for repetition signifies effacement, in pathetic writing which resists all classification, somewhere between heroism and sanctity, between "race" and "grace"

Ce travail cherche à montrer comment la philosophie peut éclairer la pratique de l’action humanitaire, qui soulève sur le terrain une multitude de problématiques, ayant une portée philosophique (souffrances, politique, altruisme, don, bien, mal, espoir…). L’acteur humanitaire n’est pas préparé à affronter les situations dramatiques et complexes du terrain, le cadre normatif de l’action humanitaire et les principes humanitaires n’étant pas suffisants. Nous présentons une nouvelle lecture de l’action humanitaire, notamment par sa dimension profondément tragique, qui résulte de son échec insurmontable et de sa confrontation inévitable au mal. Afin d’aider l’acteur à affronter le tragique de l’action et les dangers qui le guettent, nous proposons un guide de l’action et définissons les qualités nécessaires à l’acteur humanitaire. Cette recherche explore les différents troubles qu’il affronte : ses motifs d’action multiples, les souffrances à considérer, les dilemmes tragiques, son engagement politique. Acteur humanitaire sur différents terrains d’urgence (Irak, Soudan du Sud, Kenya, Ouganda) puis Directeur Pays en Centrafrique au cours de cette recherche, j’étais en position, par les responsabilités qui m’incombaient, d’expérimenter les différentes hypothèses émises, à travers les situations de dilemmes, stratégies de réponse humanitaire et interactions politiques de haut niveau. Ce travail prend la forme, en partie, d’un carnet de bord, retraçant mes tourments, réflexions et interrogations depuis le terrain. In fine, cette recherche, élaborée à partir de ma propre expérience, porte sur la formation du sujet moral (et sa transformation) confronté aux réalités complexes du monde
This work seeks to demonstrate how philosophy can provide guidance on the practice of humanitarian action, which raises a multitude of issues with a philosophical aspect, in particular in the fieldwork (suffering, politics, altruism, giving, good, evil, hope...). The humanitarian actor is not prepared to face the dramatic and complex situations he encounters on the field; the normative framework of humanitarian action and humanitarian principles are not sufficient enough. We aim to offer a new reading of humanitarian action, particularly through its profoundly tragic dimension, which results from its overwhelming failure and its inevitable confrontation with evil. In order to help the actor face the tragedy of the action and its inherent dangers, we aim to offer a set of guidance and key skills for the actor. This research will explore the different issues the actor faces during his work on the ground: the multiple causes for action, the suffering to be considered, the tragic dilemmas and his political commitment. As a humanitarian actor in different emergency fields (Iraq, South Sudan, Kenya, Uganda) and then Country Director in Central African Republic during this research, I was in a position, thanks to my responsibilities, to live through the different theories and hypotheses put forward, the situations of dilemmas, the humanitarian response strategies as well as the high-level political interactions. This work partly takes the form of a logbook, retracing my torments, thoughts and questioning from the field. In fine, this research, developed from my own experience, focuses on the shaping of the moral subject (and his transformation) who faces the complex realities of the world

Le corps tragique chez Racine semble un objet d’étude à la fois paradoxal et évident. Évident, car le théâtre est par excellence un art du corps. Paradoxal, car les tragédies raciniennes sont réputées pour réfréner la présence du corps, tant comme enjeu que comme moyen d’expression. Cette enquête vise à combler ce silence critique, en contestant l’idée d’un classicisme désincarné, harmonieux et universel. Étudier le corps tragique, c’est en faire une histoire culturelle. Le corps est un fait social dont usages, valeurs et représentations sont déterminées par la société à laquelle il appartient. Au croisement du politique, de l’anthropologie morale et scientifique, de la civilité mondaine, des arts oratoires et des évolutions esthétiques, le corps racinien met en jeu les valeurs fondatrices de la société du XVIIe siècle. Loin d’en être le reflet, il est un lieu conflictuel qui interroge les fondations de la symbolique sociale, en dramatisant les fêlures inhérentes aux institutions. La tragédie du Grand Siècle est un révélateur fécond. Contemporaine de l’absolutisme, elle est amplement investie par le pouvoir ; d’inspiration aristotélicienne, elle exploite le rapport polémique entre dignité et faiblesse, pour provoquer d’intenses émotions ; avec l’émergence du premier champ littéraire, elle est surtout soucieuse de plaire. Racine, écrivain de ce siècle galant, explore les formes du corps les plus à même de toucher ses publics. Ce sont aussi les mutations de l’esthétique théâtrale que son analyse permet d’observer. Corps culturels, corps critiques, corps esthétiques : les corps raciniens ouvrent une voie pour interroger l’histoire du théâtre, des moeurs et des sensibilités
The tragic body in Racinian tragedy appears to be an object of study that is both paradoxical and obvious. Obvious since theatre is par excellence an art of the body and yet paradoxical because Racinian tragedies are typically known for their de-emphasis of the body’s presence both as a point of focus and as a means of expression. This study seeks to address this neglected topic by challenging the conventional notion that classicism was fundamentally detached, harmonious and universal. To study the tragic body is to undertake a cultural history since the body is a social fact whose practices, values and representations are determined by the society of which it is a part. At the crossroads of a number of areas – politics, moral and scientific anthropology, elite civility, oratory arts and aesthetic trends – the Racinian body puts into play the fundamental values of seventeenth-century society. Far from being a simple reflection of reality, Racinian tragedy is a space of conflict that probes the very foundations of social imagery, in that it dramatizes the fissures inherent in institutions. Tragedy during the reign of Louis XIV serves as a fruitful avenue of inquiry. It is contemporaneous with absolutism and thereby amply imbued with power. Of Aristotlean inspiration, it also draws upon the polemical relationship between dignity and weakness in order to call forth intense emotions. And with the emergence of the field of literature, tragedy is above all concerned with pleasing. Dramatist in this gallant century, Racine explores the forms of the body to the extent of touching his audiences. His analysis allows one equally to observe the transformations in the theatrical aesthetic. Cultural, critical and aesthetic bodies : the physical body in Racine’s tragedies offers a point of entry to examine the history of the theater, of manners, of taste and of emotions

Notre thèse propose une interprétation globale de l'oeuvre en prose de l'écrivain italien Tommaso Landolfi (1908-1979). Celle-ci est pour nous le fruit d'un dualisme tragique, en ce sens que le désir d’absolu de l'écrivain, ainsi que son mépris envers ce qu'il appelle la « réalité » (par opposition au « possible »), se heurtent au sentiment douloureux que l'idéal désiré est impossible à atteindre. Aussi l'oeuvre landolfienne dans son ensemble constitue-telle un espace littéraire où s'affirme une forte dimension tragique, qui toutefois ne vient jamais à bout de l'attachement profond liant au monde des mots un auteur dont est restée l'image d’un dandy solitaire, ou encore d'un joueur invétéré, mais dont nous retiendrons surtout qu’il n'a jamais voulu exercer de métier hors de ses activités littéraires (d'écrivain, de traducteur ou, dans une moindre mesure, de critique). Tout en situant Landolfi dans l'histoire littéraire du XXe siècle, nous appliquons la clé interprétative du dualisme tragique à l'analyse de ses influences littéraires, de l'évolution de son oeuvre, de la dimension autobiographique de ses écrits, de la spécificité de son rapport au fantastique, des images qui obsèdent son imaginaire, des structures de sa pensée morale ou métaphysique, de certaines caractéristiques d'ordre stylistique ou encore esthétique
This thesis proposes a global interpretation of Tommaso Landolfi's work in prose. This work is for us the fruit of a tragic dualism, in the sense that the desire of absolute of the writer, as well as his contempt to what he calls the "reality" (by opposition to the "possible"), collide with the painful feeling that the wished ideal is impossible to reach. So the landolfian work in general establishes a literary space where grows a tragic dimension, which however never overcomes the deep attachment linking to the world of words an author of whom we shall retain, more than the image of a solitary dandy or of an inveterate player, the fact that he has never wanted to practice any profession outside his literary activities (of writer, translator, or critic). While placing Landolfi in the literary history of the XXth century, we apply the interpretative key of the tragic dualism to the analysis of his literary influences, the evolution of his work, the autobiographical dimension of his books, the specificity of his fantasy, the images which obsess his imagination, the structures of his moral or metaphysical thought, and certain other characteristics of stylistic or esthetic order

Houdar de La Motte est un poète connu dans la littérature française pour ses fables, ses odes et sa traduction de l'Illiade qui relança la querelle des Anciens et des modernes dans les années 1714-1715. Il est moins connu comme auteur tragique, pourtant ses quatre tragédies, les Macchabées, Romulus, Ines de Castro et Oedipe connurent un succès assez considérable. Nous avons fait le portrait de la Motte en évoquant sa vie, sa carrière et ses oeuvres. Il a accompagné ses tragédies de discours dans lesquels il expose ses vues sur l'art dramatique et se montre un théoricien audacieux en proposant déjà certaines réformes importantes, comme par exemple la suppression des confidents et une tragédie en prose. Nous avons étudié la composition des ses tragédies avec leurs sources, les différents types de personnages avec leurs caractères propres, enfin les thèmes qu'ils soient d'ordre politique, moral et sentimental ou religieux dont est porteur ce théâtre du 18ème siècle et qui font sa grande richesse. Une étude de style complète ce travail qui avait pour but la redécouverte d'un auteur tragique injustement oublié qui mérite pourtant largement notre intérêt, impregnant son oeuvre d'une sensibilit́é nouvelle, remplaçant la grandeur par le pathétisme, Houdar de La Motte a fait évoluer le genre tragique et a jeté les premières semances du drame romantique
Houdar de La Motte is a well-known poet in the french literature by fables, odes and the translation of the Iliade that boosted up again "la querelle des Anciens et des modernes" in the years 1714-1715. He is less known as a tragic dramatist, nevertheless, he wrote four tragedies which were successsfull : les Macchabées (1721), Romulus (1722), Ines de Castro (1723) and Oedipe (1726). We have drawn a portrait of la Motte, pointing out the most important steps of his life, his carreer and his work. In parallel of his tragedies, he wrote some "discours" in which he formed new theories about dramatic art and he proposed, in the same way, some important reforms as writing a new tragedy in prose form. We have studied the arrangement of the tragedies, their sources, the different classes of characters and the political, moral or sentimental and religious themes. All theses themes, as we know, have given the touch of brightness and interest to the dramatic art of this century, a study of the poet's style completes this work. Our point was to promote this author unfairly forgotten, using a new sensibility and more pathetism, Houdar de La Motte gave the new way to the tragedy and by this fact he may be recognized as a forerunner of the romanticists