Littérature scientifique sur le sujet « Roman cubain – 20e siècle – Thèmes, motifs »

La these definit, illustre et critique la conception de l'engagement chez alejo carpentier. Elle prend appui a la fois sur ses romans et nouvelles parus entre 1933 et 1997 et ses trois essais et conferences relatifs au role social du romancier latinoamericain : + papel social del novelista ;, + conciencia e identidad de america ; et + problematica del tiempo y el idioma en la moderna novela latinoamericana ;. Chez le romancier cubain, la creation litteraire conjugue une triple demarche : autobiographique, critique et ethique. Notre etude consacre une partie a chacune de ces approches. Dans la premiere, nous mettons en evidence le rapport etroit entre autobiographie, vecu collectif et creation litteraire. L'auteur invite egalement le lecteur a porter sur son monde - la + republique mediatisee ; cubaine, en particulier - un regard impitoyable. Nous expliquons dans la deuxieme partie que la necessite pour le romancier de definir l'amerique latine le conduit a se plonger dans le passe lointain du nouveau monde et de l'europe. Cette connaissance de l'histoire est le premier jalon vers un questionnement voire une remise en question du passe qui atteint son paroxysme avec l'adaptation litteraire de la decouverte de l'amerique. Enfin, si l'histoire est consideree par carpentier comme un socle, elle renferme egalement des aspirations, rattachees notamment a la revolution cubaine. Le romancier cubain appelle le lecteur a la vigilance, il lui lance un appel a l'action et l'invite a prendre part aux changements de son epoque. Nous abordons ce lien etroit entre endoctrinement du lecteur et engagement de l'auteur dans une troisieme partie
Our thesis defines, illustrates and criticizes the idea of committment in alejo carpentier. It rests both on his novels and short stories published between 1933 and 1997 and on his three essays and conferences dealing with the active social role of the latin-american novelist : + papel social del novelista ;, + conciencia e identidad de america ; and + problematica del tiempo y el idioma en la moderna no vela latinoamericana ;. With the cuban novelist, literary creation is threefold : an autobiographical, critical and ethical process. Our study deals with each one of these components. In the first part, we stress the close relationship between autobiography, collective experience and literary creation. The writer makes the reader cast a scatling and relentless look at his world. This awareness of history is considered by alejo carpentier as a building block, a cornerstone which carries the hope and aspirations connected to the cuban revolution. The cuban writer invites his readers to be attentive and careful, he wants them to be active and to take part in the change of their time. We are tachling this narrow link between brain-washing of the reader and the author's committment in the third part

Cette recherche en littérature contemporaine analyse des écrits d'Amérique latine en espagnol. Apres avoir effectué un recensement des diverses figures d'inceste exclusivement dans romans et nouvelles, la finalité de ce travail a été de démontrer que les romanciers de la seconde moitié du XXe siècle ont tenté une sorte de « déconstruction », reformulant les rapports de l'humain à l'inhumain, de l'homme au désordre et à l'interdit. Deux axes ont ainsi été dégagés : la remise en question de schémas moraux («la culpabilité» ou «la responsabilité». . . ); la critique de concepts politiques (« le corps social » ou « la liberté ». . . ). Ont été analysés des textes de : Allende, Arénas, Benedetti, Bioy Casarès, Cortázar, García Marquez, Eltit, Esquivel, Fuentes, Mastretta, Puig, Sabato, Vargas Llosa, Ocampo. Les diverses figures recensées ont mis à jour un constant souci chez les romanciers d'exposer les "luttes pour la reconnaissance" (Hegel) des personnages. L'ensemble du corpus analysé fait état d'une inquiétude identitaire dans l'Amérique hispanophone, inquiétude omniprésente mais difficilement dicible
This research in contemporary literature studies South American narratives written in Spanish. After assessing various aspects of incest in novels and short stories, the ultimate aim of this investigation is to demonstrate that today's novelists criticize humanism, which they carry out a “disconstruction”, that they express the wrill think the relationship between man and interdict, disorder and inhumanity. Two main lines of deconstruction have been set up : the questioning both of moral schemes and of political concepts (such as “the individual”, “the social body”, “freedom”. . . ). Novels and short stories of : Allende, Arenas, Benedetti, Bioy Casares, Cortazar, Garcia Marquez, Eltit, Esquivel, Fuentes, Mastretta, Puig, Sabato, Vargas Llosa, Ocampo. The different aspects of incest demonstrate that all novelists worry about "struggle for recognizability" (Hegel). And, last but not least, that all novels and short stories point out a state of anxiety, of apprehension about identity, in south American Spanish countries and a mental inclination to question identity

La description musique est un phénomène localisé, mais profondément significatif dans l'invention du roman moderne. La musique n'est pas seulement objet de description ; elle constitue un modèle formel, un nœud symbolique et une limite vers laquelle tendrait la littérature. Cependant, on écrit toujours à partir d'une absence, de sorte que la musique serait aussi un prétexte à partir duquel le roman explorerait ses propres voies. Cette tension entre trace et absence, présence et illusion, constituerait donc le mouvement dialectique de toute description musicale. La thèse s'appuiera principalement sur les œuvres de Thomas Mann, Proust et Joyce, sans s'interdire de convoquer d'autres auteurs de langue et de style différents. Après avoir présenté dans l'introduction sa branche comparatiste et avoir délimité la spécificité de son sujet, la thèse s'intéresse d'abord aux problèmes de la représentation musicale : c'est la question de la référentialité et des configurations historiques. On démontre que toute musique, qu'elle soit fictive ou référentielle, devient la propriété du roman, qui l'interprète et la reformule à sa guise ; mais que, dans le même temps, la représentation fictive de la musique s'enlève sur fond d'un réseau conceptuel commun et a pour horizon la sphère de l'histoire. Dans un second temps, on étudie l'intégration et la disposition de la scène ou de la citation musicales dans l'intrigue. D'une part, elle en reçoit une signification particulière, d'autre part, elle constitue un nœud symbolique du roman ; enfin, elle induit la création d'un nouveau temps romanesque. La troisième partie s'intéresse à la transtextualité du roman, c'est-à-dire au mouvement qui l'ouvre à son dehors indicible, sous les catégories du rythme et de la figuralité, les modalités joyciennes du visible et de l'audible, les notions proustiennes de l'accent et de l'impression profonde.

Au XIXe siècle, irradiant d'Allemagne (E. T. A. Hoffmann) vers tout l'Occident, le double connut une fortune telle qu'il atteignit le statut de cliché littéraire. Au XXe siècle, le double est toujours vivace mais de façon radicalement différente : de romantique fantastique qu'il était jadis, il vise à développer une discursivité réaliste. Ce questionnement sur l'identité engendre de nouvelles formes de récits : la nouvelle romantique laisse place à de longs textes sans fermeture où le discursif l'emporte sur le narratif. Ce qui, pour cette étude, pourrait sembler au départ un simple thème devient une poétique du double. Et si la critique littéraire s'est jusqu'à présent largement consacrée au double dans la littérature romantique, il n'existait pas encore de perspective synthétique sur le dédoublement littéraire au XXe siècle, pourtant essentiellement différent. L'étude comence par poser les caractéristiques du double romantique et montrer la brèche qu'ouvrent Dostoïevski et Stevenson, pour ensuite développer les différentes façons par lesquelles la figure vise à être mise à mort à la fin du romantisme : par un discours rationalisant chez Freud, par une parodie de la tradition chez Nabokov, par une absence revendiquée du motif chez Aragon. Cette diversité des réponses intertextuelles permet de proposer une typologie du dédoublement, fondée sur les quatre grands mythes gréco-romains du double : Castor et Pollux, Sosie, Tirésias et Narcisse. La dernière partie de l'étude montre les spécificités narratologiques de la figure du double moderne : une inflexion vers une intériorisation de la duplication ainsi qu'une esthétique du décentrement soutenue par un personnage incognito et une narration lyrique. En conclusion, je souligne la teneur narcissique (sans connotation péjorative) du double au XXe siècle : Narcisse évince Echo. L'étude s'achève par une proposition de glossaire du double
In the 19thC, starting with Germany (E. T. A. Hoffmann) before spreading throughout the West, the double was so common as to attain of a literary cliché. In the 20thC, the double was still a lively figure, but in a radically different way : from its erstwhile rooting in the Fantastic of Romanticism, it took on a realist discursivity. The questions is posed regarding identity engendered new forms of narrative : the romantic short story gave way to long, openended texts in which narrative was displaced by the discursive. From the point of view of the present study, what could first appear to be no more than a theme becomes a poetics of the double. And while literary criticism has, to date, made much of the Romantic double, there has been no attempt to offer a synthetic vision of doubling in twentieth century literature, despite the fact that it is very different. Our study begins by laying down the characteristics of the romantic double, and making manifest the rupture opened up by Dostoevsky and Stevenson, before going on to develop the different attempts which were made to lay the figure to rest at the end of the romantic period : through a rationalist discourse with Freud, through a parody of the tradition with Nabokov, or through a declared absence of the motif in the work of Aragon. This diversity of intertextual responses makes it possible to offer a typology of doubling, based upon the four great Graeco-Roman myths of the double : Castor and Pollux, Sosia, Tiresias, and Narcissus. The last part of our study makes clear the narratological specificities of the figure of the modern double : a movement towards an internationalisation of the duplication, coupled with a decentring aesthetic underpinned by an incognito character and a lyrical narration. In conclusion, I underline - without intending any value judgement - the narcissistic content of the twentieth century double : Narcissus ousts Echo. The study terminates with the proposition of a glossary of the double

Nous effectuons dans notre présent travail une étude comparative de plusieurs œuvres romanesques maritimes dans les littératures française, anglaise, arabe, et espagnol. Les écrivains sont : V. Hugo, J. Conrad , E. Hemingway, A. Mutis, H. Mina. Les romans maritimes présentent des aspects fondamentaux communs quelque soit les différences socioculturelles qui séparent les auteurs et en dépit des différences de leur niveaux de talents littéraires, faisant ainsi une sorte de roman maritime universel distingué non seulement de part son thématique mais également aux niveaux stylistique, esthétique et par la philosophie de vie qu'il véhicule. Des aspects mythiques et métaphysiques caractérisent le roman de la mer et un profile psychologique spécifique marque ses personnages. Nous mettons également en exergue l'inaptitude de ce roman à composer avec les idéologies. Le roman de la mer serait ainsi une tentative d'un langage qui puise sa force dans les rêveries primitives de l'homme et dans des structures psychiques profondes comme l'inconscient. Ce langage travers les siècles et les zones géographiques car il traduit les désires de l'homme moderne et archaïque
The Goal of this project is the research of the universal sea novel. We engage therefore in a comparative study of several maritime literary works examining French, English, Arabic and Spanish literature through examples from V. Hugo, J. Conrad, E. Hemingway and H. Mina. The sea novels present several common and fundamental features, that traverse the sociocultural differences of their authors, as well as varying levels of literary talent. They form a genre of literature defined not only by thematic elements, but also by its style, its aesthetic concepts and a common philosophy of life. Aspects of mythology and metaphysics characterise the universal sea novel and a specific psychological profile typifies its characters. This study also highlights the inaptitude of the sea novel for ideological approaches. The sea novel is the product of a language that draws its power from man's primitive reverie and such profound psychic structures as the unconscious. This language spans the centuries and geographical zones for it translates the desires of both modern and archaic men

Le neo-realisme est apparu au portugal vers les annees 30. Il a subi diverses influences parmi lesquelles le marxisme, la guerre d'espagne, la litterature americaine et bresilienne. C'etait une litterature de denonciation et de combat contre le fascisme. Il pretendait ainsi servir les masses. C'est pourquoi les individus issus des classes pauvres constituaient un groupe collectif et devenaient pour la premiere fois dans les lettres portugaises, les principaux personnages des romans. La societe traditionnelle etait la source de reference particuliere. En etudiant les rapports sociaux en terme de lutte de classe les ecrivains neo-realistes revelent deux categories sociales distinctes : d'un cote les bourgeois et les proletaires de l'autre. Ils tentent surtout de montrer l'exploitation et les inegalites dont ces derniers sont victimes. Ils soulignent par ailleurs les profonds bouleversements survenus dans les modes de vie traditionnels a la suite de la penetration du progres industriel en milieu rural. Dans ce domaine precisement, les difficultes du proletariat industriel sont bien mises en evidence. Les personnages finissent souvent dans la marginalisation et dans la decheance. Cependant l'emergence du heros positif indique l'eveil de la conscience proletarienne, et le message de l'espoir
The neo-realism appeared in portugal during the thirties. It suffered several influences; among them we can cite the marxism, the spanish civil war, the american and bresilian literatures. It was thus a literary movement to denounce and to fight against fascism. It pretended to help the masses. That is why persons coming from poor classes constituted a collective group and became for the first time in portuguese letters the principal novels personages. The traditional society was principally the source of reference of neo-realist novels. Studing social relations in terms of class-war, the neo-realist writers reveal two different social categories : bourgeois in one part, and proletarians in the other. They try especially to show the exploitation and inequalities that lower class were suffering. They underline also the basic disturbs produced in the traditional ways of life after the penetration of industrial progress in rural places. In this field precisely, the difficulties of industrial proletariat are well explained. The personages become marginal and surrender. However the emergence of the positive hero indicates the proletarian consciousness and the message of hope

L'expression theatre cubain porte en elle plus que la simple determination d'une categorie artistique et d'un lieu. Elle designe un art toujours en quete d'une expression qui lui soit propre : la dramatisation et la mise en scene d'une identite nationale, la recherche de formes specifiquement cubaines. Cette quete a engendre differents types d'experiences theatrales. Pourtant, au-dela de la diversite des genres, des irregularites qualitatives et, bien sur, des specificites individuelles, une serie de points communs, echos ou correspondances, permettent de postuler l'existence d'une generation. C'est un tel constat qui a motive cette etude, visant a exposer une serie de perspectives dans le but de definir une ecriture dramatique cubaine contemporaine. C'est plus precisement sur les annees 1941 a 1968 que porte cette recherche (les deux dates sont symboliques et correspondent respectivement a la composition et a la publication des pieces de virgilio pinera et anton arrufat : electra garrigo et los siete contra tebas). Elles representent une etape de renovation theatrale, dominee par la volonte de creer une dramaturgie specifiquement cubaine mais qui assimile les techniques et les modeles esthetiques des avant-gardes internationales. Le choix de la tragedie comme axe federateur des pieces abordees dans cette etude n'est pas fortuit. Force est de constater que l'appropriation du genre tragique va de pair avec les recherches les plus riches menees par les dramaturges de l'epoque : - la renovation des formes traditionnelles de la dramaturgie cubaine - la quete de modernite dans la filiation avec les modeles etrangers - l'invention d'un genre qui soit l'instrument original et adequat pour l'expression de ce qu'il est commun de nommer cubania ; l'elaboration d'une forme nationale et contemporaine : la tragedie cubaine, que nous nous efforcons de definir tout au long de ce travail
The expression cuban theatre means much more than an artistic category or a place. It represents an art always seeking for its own style : the dramatization and the production of a national identity, the search of typical cuban forms. This quest had created different kinds of theatre's experiences. Nevertheless, beyond the diversity of genres, different levels of quality, and of course individual specificities, several common points and similarities allow us to assert the existence of a generation. Such observations justify our study that aims at presenting a serie of thoughts in a way to define a contemporary cuban dramatic way of writing. This study more precisely deals with a period of time between 1941 and 1968 (these two dates are symbolic and related to the composition and the publication of virgilio pinera and anton arrufat's plays : electra garrigo and los siete contra tebas). These years represent a step of theatre's revival that was marked out by the will to create a specifically cuban dramaturgy using technics and aesthetic models of international avant-garde. The choice of tragedy as the federative element of the plays mentioned in this study is not fortuitous. The appropriation of the tragic genre is indeed linked to the most interesting researches carried out by the authors of that period : - revival of the cuban dramatic art's traditonal forms - quest of modernity related to foreign models - creation of an appropriate genre to express what is commonly called cubania ; elaboration of a national and contemporary style : the cuban tragedy, which we define in our whole study

La ville, présente dans le roman angolais avant et après l'indépendance de jonction de la sensibilité de l'écrivain et du contexte historique, de la domination coloniale hier à l'indépendance politique aujourd'hui. La division spatiale recouvrait une division raciale et a généré des écrits de dénonciation. L'indépendance rend l'espace urbain plus complexe et l'approche didactique cède le pas à des approches problématiques. De nouvelles techniques structurent de nouveaux thèmes. Pour l'illustrer, nous étudions six écrivains angolais avant et après l'indépendance
The town, present in the Angolan novel before and after the independence, is the place of junction between the writer's sensibility and the historical context of colonial rule and political independence. The spatial division of the colonial town accompanied a racial division and written works of denunciation. The political independence makes the situation complex in the urban space. The didactic approach gives precedence to problematic approaches. New writing techniques structure new themes. We studied six Angolan writers, three before and three after the independence

Inventée lors de l'antiquité, la description de peinture, ou ekphrasis, connait une résurgence au cours de la période allant du Wilhelm Meister de Goethe (1795), au Temps retrouvé de Proust et à Vers le phare de Woolf (1927), dans les romans allemands, français et anglo-saxons ; elle s'y enrichit de nouvelles propriétés. Fondamentalement, elle présente la structure d'un "oxymore d'ordre textuel", parce qu'elle réunit du texte et de l'image, dans une alliance de contraires. De plus, à cette époque, elle est toujours le lieu d'une mise en abyme du roman - de ses thèmes, de son style. Les figures de la "rhétorique profonde" d'un romancier viennent s'y concentrer comme sous une loupe. Figure dans laquelle viennent se mêler les universaux liées au langage sur la peinture et la création, et les clichés que la langue véhicule, elle accueille aussi les variantes de mythes qui tendent à donner une explication à l'énigme de la création artistique. Loin d'être un simple ornement du récit, l'ekphrasis est encore une figure par laquelle s'opère une réflexion spéculaire du récit sur lui-même, donnant à voir la façon dont s'organise la vision de l'écrivain sur le monde. Cette lecture commande six études : le symbole chez les écrivains allemands ; l'oxymore et la comparaison chez Balzac, dans le chef-d’œuvre inconnu ; analogies et réticence chez les romantiques français ; analogies et métonymies chez les romanciers français de la deuxième moitié du siècle ; le symbole chez Hawthorne et Melville ; l'oxymore (et le symbole, ou la métaphore) chez James, Proust et Woolf. Moyen privilégié des écrivains pour lutter contre l'entropie du langage, elle est ainsi le lieu d'un déploiement d'invention lui permettant de rivaliser avec la peinture
The rhetorical figure which consists in describing a painting (the so-called ekphrasis) in fiction, whether in romances or novels, particularly in Germany, France, Great Britain or the United States, happens to be recurrent from the end of the XVIIIth century, with Wilhelm Meister by Goethe (1795), to the first quarter XXth century, with Le temps retrouvé by Proust and to The lighthouse by Woolf (1927), after having disappeared for a long time. It represents a way for the author to challenge one of the sister arts of literature, painting, in a sort of structural oxymoron, as this type of description pretends to put together image and text ; further, it may provide a device by which the author reveals how his vision on the world has basically been made up. Playing a crucial role, ekphrasis creates a “mise en abyme” of the text, in other words a mirror image in which not only the main themes of the story, but also the essential rhetorical figures of the style are reflected. Moreover, this stylistic device comprises the universals, and stereotypes or catchwords, which characterize discourses that are used, in a given period, about painting and artistic creation. It is also a place where variations on ancient or modem myths are always to be found. This reading is applied to six studies, dealing with the use of ekphrasis by German novelists, from Goethe to Keller; by Balzac, especially in Le chef-d'oeuvre inconnu; by French romantics (Stendhal, Musset, Gautier); by novelists after Baudelaire, to the 1890s (Fromentin, J. A E. De Goncourt, Zola, Huysmans, Maupassant and Wilde); by Hawthorne and Melville; and eventually by James, Proust and Woolf

Qu'est-ce que le mythe du nègre ? Peut-on le déconstruire ? Si oui, quel impact cela a-t-il sur l'esthétique romanesque en Afrique ? Pour répondre à ces questions, nous avons fait une analyse thématique et stylistique de sept romans africains publiés entre 1938 et 1990. Adoptant une perspective postcoloniale, nous avons identifié des stratégies de détours par lesquelles les romanciers africains dévoilent la compléxité de l'africanité en déstabilisant les oppositions binaires du discours colonial. Nous avons aussi analysé les enjeux économiques, politiques et culturels qui, selon les auteurs, se cachent derrière ce mythe. Le romancier noir observe les peuples africains, les compare aux Blancs et constate l'unité de la race humaine. Il propose de nouvelles formes d'expressions et rappelle au lecteur que la barbarie ne connaît pas de frontières. Ses personnages empruntent différents détours critiques tels que le carnavalesque pour dire cette unité. Ils reprennent des motifs anciens et les chargent de contenus révolutionnaires nouveaux. Ils décrivent le corps du Noir de manière tantôt fonctionnelle tantôt allégorique et finissent par dévoiler une des causes profondes de la violence en Afrique et ailleurs, à savoir l'idée de bouc émissaire.