Thèses sur le sujet « Verlaine, Paul (1844-1896) – Esthétique »

À travers l’expérience de Verlaine, cette thèse s’interroge sur la critique littéraire d’un écrivain. Les raisons d’être et les particularités formelles d’une production quotidienne d’un poète accédant graduellement à la notoriété sont étudiées en partant d’un panorama des définitions du phénomène (introduction). La triple analyse biographique, esthétique et discursive expose le lien étroit entre le contexte de production de la critique, les constructions théoriques qu’elle véhicule et les formes discursives qu’elle prend. La position marginale de Verlaine dans le champ littéraire prédétermine sa méfiance envers les mécanismes del’institutionnalisation, autant qu’envers les théories qui la justifient. D’où la faible conceptualisation théorique et le maniement contradictoire et décourageant des notions existantes. Les particularités de l’autoreprésentation (provocation, ethos faible) découlent également de sa position dans le champ littéraire et accompagnent l’abandon des théories prescriptives au profit d’une tolérance accrue. L’accent se déplace du domaine conceptuel vers le domaine discursif où se cultivent l’affectivité, l’expressivité, l’ironie qui rapprochent la critique de la création poétique, sans toutefois l’apparenter à la poésie en prose. Cette critique garde le caractère pragmatique d’élément de communication littéraire, son efficacité renforcée par certains traits de l’idiolecte (jeux de sonorités, métaphores, segmentation des phrases), dégagés de leur valeur poétique dans le nouveau contexte<br>Verlaine’s experience allows to question the phenomenon of writer criticism. The rationale and the formal qualities of the daily critical output of a poet acceding to celebrity are studied after an overview of the phenomenon’s definitions (introduction). The triple biographical, esthetic and discourse analysis reveals the tight bond between critical production context, theories used and form given to critical texts. Verlaine’s marginal position in the literary field predetermines his distrust of institutionalization mechanisms and oftheories justifying them resulting in low conceptualization as well as in contradictory and discouraging handling of existing notions. The particularities of self-representation (provocation, weak ethos) equally result from his position in the literary field and go along with abandoning prescriptive theories in the name of tolerance. The emphasis moves from the conceptual sphere to the discourse accentuating affectivity, expressivity and irony which bring it closer to poetical creativity but not so as to become prose poetry. This criticism does not loose its pragmatic turn inherent to literary communication, its efficiency being reinforcedby certain features of idiolect (play upon sounds, metaphors, segmentation of phrases), freed of their poetical value in the new context

L'œuvre verlainienne a déjà fait l'objet de nombreuses études littéraires. La visée de ce travail est l'étude stylistique des images dans le but de montrer l’originalité de l'esthétique verlainienne. Le traitement du langage figure permet des évaluations expressives appuyées sur les formes dominantes des images. La classification thématique révèle les pôles majeurs de l'univers du poète. L'étude des images se concentre sur le mode de production de la figure, son fonctionnement et sur les valeurs connotatives évoquées. On essaye en même temps de montrer l'évolution de l'esthétique des images à travers les recueils et leurs variantes dans le même recueil. La confrontation parallèle avec les images d'autres poètes du même courant essaie de montrer la particularité du langage verlainien dans la constellation symboliste. Elle met en lumière des affinités et des nuances communes qui unissent les symbolistes dans leur volonté de créer des correspondances entre l'univers sensible et l'âme. Apres une approche théorique de l'"image poétique" on aborde les figures reparties en domaines différents selon leur aspect sensible, concret ou abstrait. L’étude débute par les éléments sensibles des domaines terrestre, liquide, aérien, cosmique et lumineux, elle continue par les figures humaines et termine par les réalités abstraites<br>The works of Verlaine have constituted the object of numerous literary studies. The aim of this project is to study Verlaine’s imagery from a stylistic viewpoint, in order to demonstrate the originality of the poet's aesthetic concept. The use of figurative diction allows for expressive evaluations based on dominant forms of verlainian imagery. The thematic classification reveals the major poles of the poet's universe. The study of imagery is centered around the way figures are produced and their function, as well as on the evoked values of connotation. At the same time, an effort is made to manifest the evolution of the aesthetic dimension of images across Verlaine’s poetic collections and their variants in each of the collections individually. The parallel confrontation with the imagery created by other poets belonging to the same group as Verlaine is aimed towards a demonstration of the particularity of the poet's language within the constellation of symbolism. Its self-proposed target is to bring to light the common affinities and nuances uniting all symbolists in their desire to create corresponding links between the "sensible" universe and the human soul. After a theoretical approach of the "poetic image", the figures are categorized into different domains, according to their "sensible" aspect, concrete or abstract. First are studied the "sensible" elements of the terrestrial, aerial, cosmic, liquid or luminous domains, then the human forms and finally the abstract realities

Le texte lyrique est un terrain de predilection pour la germination de la lecture inscrite, forme de reception virtuelle perceptible a travers l'inscription textuelle du lecteur implicite. Le texte programme sa reception a travers un pacte de lecture qui lie auteur et lecteur, et dont les strategies d'interaction preparent les effets esthetiques que le lecteur reel actualisera. Cette modelisation pratique permettrait de comprendre certaines attitudes lyriques du xixe siecle. Les romantiques provoquent une lecture identificatoire a travers un pacte d'assimilation. Les initiateurs de la poesie moderne privilegient une communication suggestive dans une rhetorique de la connivence. Verlaine choisit une voie originale. Refusant l'inscription directe, il multiplie les lignes verbales des appels implicites qui enferment doucement le lecteur dans le vertige des paroles incertaines. L'entrelacement polyphonique des voix accentue une poetique du partage qui deverse des sensations brutes, et rend recevables toutes les notations des battements du cur. La dictature musicale d'une poesie symphonique epaulee par les forces melodiques du rythme fait reculer les limites de l'indicible, et parvient a suggerer la fugacite des impressions dont les vers sont porteurs. Le lecteur est souvent sollicite dans des structures de l'inacheve, et lire devient activite cooperante, refus de la tranquillite, un effort constant pour prolonger la vie dans des fraicheurs disparues<br>The lyric text is a favourite field for the germination of inscribed reading, a kind of virtual reception that can be located through the textual inscribing of the implicit reader. The text elaborates its reception through a reading contract which puts the author ant the reader into relationship, and which interaction strategies prepare the aesthetic effects that the reader is bound to realize. This practical pattern making would allow to understand some lyric attitudes in the xixth century. Romantics provokes an identificatory reading through an assimilation contract. The initiators of modem poetry emphasizes a suggestive communication in a rhetoric of connivance. Verlaine chooses an original orientation. Refusing any direct inscribing, he multiplies the verbal lines of the implicit calls which slowly confine the reader in the dizziness of uncertain words. The polyphonic interlacing of the voices stresses a poetry of sharing which pours crude feelings, and makes relevant all the notations of heartbeats. The musical dictatorship of a symphonic poetry enlarges the field of what is beyond words and succeeds to suggest the fugacity of the impressions carried out by verses. The reader is often solicited in the structure of the unachieved, and reading becomes a cooperating activity, a refusal of stillness, a constant effort to prolong lifetime in vanished freshnesses

La loi de la poésie française a, durant plusieurs siècles, été celle résumée par la formule horatienne suivante : l’ut pictura poesis. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, une révolution esthétique s’opère pour stigmatiser cet héritage de la rhétorique classique. La poésie veut s’émanciper de son modèle pictural pour tenter celui de la musique, nommé l’ut musica poesis. Unanimement, les poètes de cette période, quelle que soit leur sensibilité et leur affiliation, vont bientôt tenter de dépasser le modèle. On se propose de montrer comment cette rivalité artistique va permettre de définir, à force d’expériences à la réussite incertaine, la poésie moderne. Plus qu’un combat d’école ou d’art, le modèle musical a permis de tester les limites de la poésie : esthétiquement, théoriquement, sémiologiquement, littérairement. En creux, la question de la représentation est restée plus que jamais d’actualité : la musique, plus qu’une rivale, n’a-t-elle jamais été qu’un catalyseur permettant à la poésie de se révéler à elle-même ?<br>French poetry rules, for centenaries, can be summarized by the following Horatian phrase : 'Ut pictura poesis'. In the second half of the XIXth century, an aesthetic revolution stigmatizes this classic rhetoric heritage. Poetry eliminates its pictorial model to try a musical one, a changeover which is named 'Ut musica poesis'. Poets of this period, whatever school or sensibility they are defined by, are unanimously trying to get beyond their model. The scheme of this essay is to show how this artistic rivalry succeeds in defining, at the end, and after numerous and hazardous artistic experiments, modern poetry. More than a mere artistic fight, the musical model managed to test poetry’s limits : aesthetically, theoretically, semiotically, and literarily. The issue of representation never changed; on the contrary : has music, more than a rival, ever been but revealing poetry to itself ?

La lecture d'un poème, signe patent du vécu du poète, peut procurer au lecteur une satisfaction essentiellemnt euphonique. L'analyse des plaisirs de l'écriture et de la lecture, indispensable à la compréhension plus générale du phénomène poétique, est entreprise dans les Romances sans paroles de Paul Verlaine à l'aide des "Equations poétiques" de Michel Gauthier. Celles-ci permettent de dégager les "règles" de composition de Verlaine et la mesure quantitative de l'auto-implication du poète dans son oeuvre. Après une réflexion théorique visant à légitimer la place de l'euphonie au sein de la linguistique et à élaborer une méthodologie poétique originale, l'analyse approfondie de chacun des vers (euphonie horizontale) et de chacun des poèmes (euphonie verticale) des quatre parties des romances sans paroles montre comment la dynamique euphonique aide à la compréhension sémantique. Une étude comparative des subdivisions du recueil fait ressortir ensuite une "totalité sonore", l'art poétique de Verlaine fortement auto-impliqué dans son recueil, comme le montre une approche (appuyée sur la philosophie du langage) de la force performative de celui-ci. Suivent, via le calcul statistique lexical, l'établissement de la liste des mots-thèmes et des mots-clés du recueil et la recherche d'éventuelles corrélations. La statistique des fréquences d'apparition des phonèmes et des diphonèmes permet de dégager l'importance du travail sur la langue qu'exige une production poétique d'une beauté "musicale" exceptionnelle. Après avoir lancé quelques pistes pour la poursuite de cette recherche, l'auteur termine son ouvrage par une bibliographie sélective sur la linguistique euphonique en général et sur l'euphonie verlainienne et dans les Romances sans paroles en particulier. Un tome annexe contient les analyses graphiques de tous les vers et de tous les poèmes du recueil analysé, toutes les notes et tous les documents utiles<br>Reading a poem, the obvious reflection of a poet's experience of life, can give the reader an essentially euphonic satisfaction. An analysis of the pleasures and satisfaction in writing and reading, which is essential to grasp the poetic phenomenon more widely, is being undertaken in "Romances sans paroles" (by Paul Verlaine) via Michel Gauthier's work "Equations poétiques". The latter enables us to bring out Verlaine's composing "rules" and to measure the extent of the poet's self-implication into his work. After a theoretical approach aiming at justifying the importance of euphony in linguistics as well as at working out an original poetic methodology, a more thorough analysis of each verse (horizontal euphony) and of each poem (vertical euphony) in each of the four parts of "Romances sans paroles" largely assists the semantic comprehension. Next, a comparative study of the subdivisions of the compilation brings out the "sound totality", Verlaine's poetic art being largely self-implicated into his compilation as demonstrated by a thorough study of the language philosophy of its performative force. Next, via the lexical and statistical calculation, comes a list of the theme-words and of the key-words as well as an investigation into possible correlations. The statistics concerning the frequency occurrence of the phonemes and the diphonemes enables us to emphasize the necessity of the poet's serious work on the language to achieve an exceptionaly musical and poetic production. After suggesting alternative directions allowing further investigations into this matter, the author ends his work with a critical bibliography of euphonic linguistics in general and of Verlaine's euphony in "Romances sans paroles" in particular. In an appendix you will find the graphical analysis of all the verses and of all the poems of the "target" compilation, all the notes and any further useful documents

Le but de cette étude consiste à proposer une relecture de l'œuvre de Verlaine pour la comprendre dans sa globalité en tenant compte de l'ambiguïté que porte sa nature dialogique. L'expression d'un Moi, scindé, vaporisé, éclaté, ou délocalisé, qui engendre le dialogue impliquant plusieurs interlocuteurs, nécessite une réflexion sur la question de postures. L'hypothèse d'une ironie possible dans ces postures fournit des outils d'analyse qui expliqueraient la nature polyphonique de l'œuvre verlainienne. Cette étude se compose de trois parties. La première partie de ce travail exploite la notion du dialogue que le sujet verlainien semble prendre comme moyen effectif et stratégique pour destiner son discours simultanément à plusieurs destinataires. La deuxième partie se consacre à l'aspect polyphonique du lyrisme verlainien, au problème de l'identité du sujet en crise et à son rapport vis-à-vis de sa propre parole. Enfin, ce travail s'achève sur la mise en fonctionnement d'une nouvelle esthétique des "imageries", qui se met en place dans l'imaginaire des écrivains du 19e siècle, et qu'intègre la poétique du dialogue de Verlaine : le dialogue "à la manière de plusieurs" traduit l'effort de la recherche d'un nouveau langage poétique où s'effacent les frontières des diverses formes d'expression artistique, culturelle et générique<br>The aim of this research intends to propose a rereading of Verlaine's works which are often understood in the restricted sense of lyricism such as emphasis, expression of personal feelings and subjective sentimentalism. This study starts from the hypotheses proposed by Mikhaïl Bakhtine, the notion of dialogism in the discourse : every word (or discourse) dialogues with another word. Although Bakhtine applicates this notion to the genre of the novel, the modern nature of the lyrical subject requires the analysis from this viewpoint. The research is composed of three parts. In the first stage, the study consists in analysing dialogues that the poetic subject instutes. In the second part, the research is wholly devoted to the problem of the lyrical subject's identity and to his voice based on the polyphonic aspect. The last part concerns the problem of intertextuality and rewriting. The discourse "à la manière de plusieurs" ("according to several's way") indicates the effort to invente a new poetic language where the frontiers between several genres disappear

Dans l'œuvre poétique de Verlaine, la représentation de l'espace et du temps s'articule à la recherche de l'être ou du sujet, représentation intimement liée à la sensibilité et au style de l'auteur. L'étude de l'espace et du temps nous amène alors à comprendre non seulement l'identité et le sens de l'existence mais aussi les relations du sujet et du monde dans l'expérience vécue et dans sa transcription littéraire. Il nous aide donc à comprendre comment la triple dimension poétique, ontologique et spirituelle de sa quête est une recherche qui porte sur l'identité et sur les principales " attitudes d'existence ". En effet, les caractéristiques et les représentations de l'espace et du temps nous apparaissent comme un révélateur primordial du moyen et de la finalité de l'écriture verlainienne, comme cheminement de l'être en quête de lui-même ou comme cheminement à travers les divers aspects de la recherche du sujet qui se révèlent par cette double expérience. .<br>In Verlaine's poetic works, the representation of space and time is articulated with the search for a being or a subject, and is intimately linked with the author's sensitivity and style. The study of space and time allows us to understand not only the identity and the meaning of existence, but also the connection between the subject and the world as experienced in life, and their written transcription. We are thus enabled to understand how the triple dimension, poetical, ontological and spiritual, of his search is a quest about identity and the main "living attitudes". Indeed, the features and representations of space and time act, from our standpoint, as the foremost revealing element of the ways and means of Verlaine's writing, as the progress of the subject in his search of himself, or as the progress through the various aspects of the search disclosed by this double experience. .

Généralement considérée comme le fruit d’un déclin voire d’un renoncement créatif, l’œuvre poétique du second Verlaine tend à être mise entre parenthèses par les éditeurs et les commentateurs. Cet ensemble hétérogène témoigne pourtant d’une réflexion continue sur les enjeux de l’expression et de la réception littéraires. À partir de la publication de Sagesse en 1880, le poète exacerbe la culture du déconcertement qu’il a mise en place dans ses premières compositions. Non content de déployer une écriture du contre-temps à rebours des normes et des conventions de la doxa, il cultive un art de la contradiction qui exploite à la fois les ressorts explicites et implicites des textes. Cette recherche propose de montrer comment Verlaine élabore une parole instable, palinodique et polyphonique, afin de surprendre les lecteurs en quête d’une image unifiée du sujet poétique, tout en les confrontant de façon malicieuse à leur liberté et à leur responsabilité interprétatives<br>Generally considered to be the result of poetic decline, or even creative renunciation, the later poetry of Verlaine tends to be forgotten by publishers and critics. This corpus, albeit heterogeneous, offers a constant reflection on literary expression and reception. From the publication of Sagesse in 1880, the poet emphasizes the art of disconcerting the reader created in his earlier poems. He writes outside of his time, against the standards and conventions of public opinion, but also uses explicit and implicit self-contradictions. This thesis proposes to show how Verlaine elaborated unstable, contradictory and polyphonic poetry, to surprise readers and confront them with their freedom and their responsibility with regard to the interpretation of texts

En composant le bestiaire de verlaine, nous avons eu le souci, non seulement de presenter l'ensemble de la faune poetique, mais aussi d'amener les lecteurs du poete a une nouvelle approche de son oeuvre. Le bestiaire presente d'abord(441p. ) un inventaire des termes animaux diversement utilises, avec recensement de leurs occurrences, ce qui constitue la premiere partie de la these en catalogue alphabetique,ou chaque terme fait l'objet d'une etude semantique, stylistique et symbolique. En partant de cette triple definition, si les occurrences sont nombreuses, nous les avons distribuees en categories logiques, efficaces, voire arbitraires, par souci de clarte. Le second volume(370p. ) est une etude thematique, issue du catalogue, ou les lignes de forces s'etablissent par associations semantiques, expressives ou symboliques, autour de 14 centres d'interet: les paysages, la femme, l'amour, dieu, etc. . . Ces themes aboutissent a une conclusion double, d'abord de psychobiographie restituant la personnalite de l'homme et du poete, ensuite de synthese sur l'originalite d'emploi des images animales<br>The composition of the bestiary-book of beasts-concerning verlaine's poetry is of interest not only in its description of the"fauna" but also in its contribution of a new approach to the work for the poet's readers. The bestiary begins with an inventory of"animal words" together with the number of occurrences of the word. The first volume(441p. ) of the thesis is therefore an alphabetical repertory where each word is analysed for its semantic, stylistic and symbolic value. Following this,when the word occurrence number is large, the occurrences are classified in logical, efficient and arbitrary categories with a view to providing improved comprehension and appreciation of images. The second volume(370 p. ) includes a thematic study drawn from the preceding inventory in vol. 1 where important subjects arise from semantic, expressive and symbolic grouping resulting in 14 points, landscape, woman, lov love, god, etc. . . These themes eventually lead to a twofold conclusion, one of a psychobiographic nature restoring verlaine's personality as a man and a poet, and the orher being a synthetic appreciation of the originality of verlaine's imagery

"Cette thèse se propose de redéfinir la notion généralement dévaluée de prosai͏̈sme, dén faire un concept critique pour aborder des questions de genres et de poétique. Par prosai͏̈sme, il faudrait donc entendre non pas seulement lútilisation de clichés, la platitude mais aussi une construction théorique, un modèle de lecture et dé́criture des textes littéraires à travers léxemple de deux poètes en apparence très opposés Paul Verlaine et François Coppée. Lóbjet de la première partie est une investigation des œuvres de jeunesse faites en collaboration entre les deux poètes. (Collaboration au Parnasse contemporain, projet de traduction du Roi Lear de Shakespeare ainsi quà́ des " gazettes rimées ", " complaintes ", " revue " de fin dánnée qui sont autant de genres hybrides modernes et qui imposent une déstructuration de lópposition classique entre prose et poésie). La seconde partie traite le phénomène de contamination dans les œuvres de maturité des deux poètes qui se fraient cependant chacun à part une voie personnelle. Elle né́lude pas la confrontation des poèmes édifiants et de leurs œuvres de conversions (Sagesse et La Bonne souffrance). Láttitude ambivalente de Verlaine à lé́gard du réalisme de Coppée, de sa poésie prosai͏̈que (" Dizains ", et " contes en vers ") donnent naissance à des " vieux Coppées " ainsi quà́ dáutres pastiches et parodies faits par les poètes qui les entourent à lé́poque (Rimbaud, Cros, Nouveau). Les réminiscences de Coppée dans des poèmes en prose de Verlaine, de ce va-et-vient entre les procédés différentiels (génériques, rhétoriques, rythmiques), qui tantôt se complètent, tantôt se repoussent, sínscrivent dans une crise du poétique ou du poétisme dans la seconde moitié du XIX ème siècle. En effet, parallèlement au mot prosai͏̈sme (caractère excessif ou dévalorisé de ce qui appartient à la prose), le vocabulaire critique ne possède pas de mot comme poétisme qui signifierait le caractère excessif et dévalorisé de la poésie. "<br>The aim of this thesis is to redefine the notion generally devaluate of prosai͏̈sm, in order to use it as a critical concept to approach the questions of genres and poetics. Prosai͏̈sm means not only stereotypes, platitude but also a theoretical construction, a pattern of reading and writing literary texts through the example of two poets seemingly opposite Paul Verlaine and Francois Coppée. The topic of the first part focuses upon the youthful works made in collaboration by the two poets. (Collaboration on Parnasse Contemporain, translation of King Lear of Shakespeare as well as "rhyming gazettes", "complaints", "revue" which are so hybrid and modern genres prescribing a destruction of the classical opposition between prose and poetry). The second part deals with the phenomenon of "contamination" in mature works of the two poets who choose then different and personal ways. Besides, it cannot elude comparison between their edifying poems and conversion's works (Sagesse, La Bonne souffrance). In short, this study is mainly based on the ambivalent attitude of Verlaine as regards for realist and prosaic poetry of Coppée ("Dizains" and "versified stories" contes en vers). Such attitude generates new genres ("vieux Coppées"), as well as others pastiches and parodies written by the poets who surrounded them like Rimbaud, Cros, and Nouveau. This dissertation is moreover a study of Coppée influences in the prose poems of Verlaine, of the comings and goings between distinctive proceedings (generic, rhetoric, rhythmic), which point out a crisis of poetics or poetism in the second half of nineteenth century. In fact, like the word prosai͏̈sm (devaluate and excessive prose), the critical vocabulary has not a word such as poetism which means devaluate and excessive poetry

La these est principalement une etude des strophes de paul verlaine (deuxieme moitie du dix-neuvieme siecle), considerees sous le double aspect de leur metrique (rimes, etc. ) et de leur typographie. Les formes strophiques utilisees par verlaine ont ete encodees dans un repertoire metrique donne en annexe a la these, et sont comparees systematiquement aux usages des poetes anterieurs et aux formes utilisees par le chansonnier beranger. La these propose en outre un nouveau code de formalisation des strophes, qui permet d'encoder autant les textes de chanson que de poesie. Les conclusions proposent un modele metrico-cognitif de la strophe francaise, fonde sur la theorie des prototypes. Les annexes comprennent un glossaire, une "bibliographie critique et chronologique des etudes sur la strophe francaise publiees depuis 1900", et trois bases de donnees (encodage metrique des oeuvres de verlaine et beranger, repertoire des strophes de martinon), reproduites a la fois sur papier et sur disquette<br>This dissertation is primarily a study of paul verlaine's stanzas (second half of nineteenth century). The analysis is metrical (study of rhymes, etc. ), but also typographical. Stanzas used by verlaine have been coded in a computerized data bank ; this data will be found in the appendices of the thesis ; they are systematically compared with the uses of earlier poets and with the stanzas of beranger's songs. A new code for formalising of stanzas is proposed, which works for poetry but also for songs. The conclusions propose a metrical and cognitive model of the french stanza, based on the theory of prototypes. In the appendices wille be found a glossary, a critical and chronological bibliography on french stanza studies published until 1900, and three data banks (on verlaine's poems, beranger's songs and on the stanzas catalogue by martinon); these data banks are given on paper and in a diskette

Loin d’une recherche du seul sens des mots, purement sémantique, la poésie de Paul Verlaine travaille sur les autres paramètres signifiants de la langue : sonorités, durées, rythme. Ces marques de l'inscription du sujet dans le discours, oralité latente dans les poèmes de Paul Verlaine, trouvent une réalité sonore dans les mises en musique de Claude Debussy. Le rythme, paramètre essentiel de la musique, mais aussi de la versification poétique, est le point central de notre travail qui porte sur la relation entre la mise en rythme littéraire des poèmes de Paul Verlaine (1844-1896) et leur mise en mélodie par le compositeur Claude Debussy (1862-1918). La tradition de la diction de l'époque semble indissociable de l'élaboration de ces dix-sept mélodies de Claude Debussy sur des poèmes de Paul Verlaine, composées de 1882 à 1904, au cœur de la tradition des lectures publiques de poèmes dans les salons parisiens. L'oralité propre aux textes de Paul Verlaine, rythmicien du vers, induit une interprétation jouant avec les conventions du langage poétique. La recherche au plus près du travail d'écriture de Paul Verlaine conduit le compositeur à renouveler l'approche de la mise en musique de textes versifiés « réguliers ». Ces recherches rythmiques portent le musicien à une nouvelle conception de la structuration du discours musical et de la temporalité. L'étude des différents paramètres musicaux, en relation avec les caractéristiques littéraires des poèmes, est un enjeu important pour le travail d'interprétation des mélodies. La double diction pianistique et vocale du format de la mélodie française propose une approche sensible de la poétique du poème, qui recrée l'organisation du discours musical. En passant par un travail analytique des partitions et des poèmes, notre thèse recherche, dans les partitions de mélodie française et dans les témoignages de performances, des traces mémorielles de la diction des poèmes à la fin du 19ème siècle – qui en révèlent la poétique<br>Far from of a research of the only meaning of words, in a semantic perception, Paul Verlaine's poetry is working with others significant parameters of the langage : sonorities, length, rythm. This marks of subject's inscription in the discurse, which reveals the orality of Paul Verlaine's poems, reach a sonorous reality with the compositions of Claude Debussy. Rythm, which is an essential parameter of music, but also of poetry, is the focal point of our work on the interactions between rythm in poetry of Paul Verlaine (1844-1896) and rythm in the mélodies of Claude Debussy(1862-1918). The tradition of diction in this time seems to be indissociable with the elaboration of the seventeen mélodies of Claude Debussy on Paul Verlaine's poems. There are in the heart of the tradition of reading poetry in public in the parisian salons. The orality of the poems, as specificity of Paul Verlaine who works with rythm in poetry, gives an interpretation which is a play with conventional poetry. Claude Debussy try to write in music as Paul Verlaine does in his writings that are all regular verses in poetry. These propositions of rythm in this regular context lead the musician to recreate the structuration of the musical discurse. The study of diferent musical parameters in the mélodie, in interaction with the literary marks, reinvent an interpretation of the genre of mélodie française. The double diction (voice and piano) gives a sensible approach to the poetics of the poem, that recreate musical discurse

À partir de ses recueils les plus emblématiques (Poëmes saturniens, Fêtes galantes, Romances sans paroles), la critique a souvent fait de l’art poétique de Verlaine un art de la fadeur, du brouillage et de l’imprécision. Ce trait caractéristique de l’écriture est alors imputé à un système de perception défaillant, comme si le poète, en retrait du monde, ne percevait le réel qu’à travers le voile de la rêverie ou du souvenir. Cette thèse prend le parti opposé et propose de voir en Verlaine un être doté d’une acuité sensorielle remarquable, apte à saisir les moindres nuances du réel. L’imprécision qui émane des textes poétiques doit alors être mise au compte d’un minutieux travail de la langue. En effet les mots, suspects d’inadéquation, enclosent la singularité d’un réel infiniment riche et toujours mouvant. À charge dès lors pour le poète d’en atténuer les contours, d’en brouiller les frontières catégorielles ; l’entreprise poétique de Verlaine résulte ainsi d’un véritable travail de sape du langage commun. Du reste, cette entreprise d’atténuation se poursuit dans le corpus en prose (fictions, autobiographies, textes critiques) : Verlaine, ayant à cœur de torpiller tout ce qui pourrait ressembler à une assertion trop catégorique, multiplie les concessions, les dénégations, les hésitations. Faisant retour sur son propre dit, il donne à lire les tâtonnements d’un discours s’élaborant en suspicion du langage<br>Beginning from his most emblematic collections (Poëmes saturniens, Fêtes galantes, Romances sans paroles), critics have often seen Verlaine’s poetry as a drab art, scrambled and imprecise. This characteristic is then attributed to a defective sense of perception, as if the poet, disconnected from the world, could only perceive reality through a veil of dreams or of memories. This study takes the opposite view, proposing that we see in Verlaine one who is gifted with a remarkable ability to feel and perceive, seizing upon the slightest nuances present in reality. The supposed imprecision that emanates from his poetic texts must therefore be considered through a painstaking study of language. In essence, the words, long suspected of being mismatched, hold within them the singularity of a rich and supremely moving reality. The poet’s mission is then to weaken the contours, to blur categorical boundaries, and Verlaine’s poetic enterprise thus results in a veritable undermining of everyday language. What’s more, this attempted undermining continues in his prose works (fiction, autobiographies, critical texts): invested in wrecking anything that could seem to be an overly categorical assertion, Verlaine increases the concessions, the denials, the hesitations. Returning over his own words, he demonstrates the trial-and-error of a discourse developed through a suspicion of language itself

Cette thèse envisage la question de la mélancolie verlainienne à partir d'un corpus de textes qui comprend l'oeuvre en prose, l'oeuvre poétique et la correspondance, même si la plus grande partie de l'analyse porte sur la poésie de Verlaine et son tropisme dépressif. Sur un plan méthodologique, elle se situe dans la perspective de la « psychanalyse appliquée » et, plus précisément de la psychobiographie. Il s'agit, en partant des diverses hypothèses proposées par la critique pour comprendre la structure mélancolique de l'oeuvre de Verlaine, de privilégier l'herméneutique freudienne comme moyen de saisie le plus fructueux de ses manifestations, tant dans l'ordre biographique que dans l'analyse de l'imaginaire et de la poétique de l'oeuvre littéraire. L'étude biographique nous a donné l'occasion de montrer l'incidence de l'environnement social et culturel dans lequel a évolué Verlaine sur l'émergence de la mélancolie et sa fixation dans la psyché. Nous avons pu voir, en particulier, comment le climat familial, avec une mère possessive, n'a pas été étranger à l'évolution d'une personnalité pathologique. Une structure mélancolique récurrente a été dégagée selon une approche psychanalytique qui a surtout cherché, à partir des indices fournis par les oeuvres, à fouiller les zones complexes de l'inconscient, en faisant notamment apparaître la fonction nodale du complexe d'Oedipe. Il est reconnu que la mélancolie de Verlaine puise ses racines dans l'espérience inconsciente de son enfance. Une sensibilité exacerbée, des frustrations affectives, des chagrins successifs, quelques échecs professionnels n'ont pu qu'accentuer encore les tendances narcissiques, sadiques et perverses qui caractérisent le personnage campé par le poéte. Les questions de l'alcoolisme de Verlaine, de son homosexualité, de sa révolte de « communeux », puis de sa conversion tardive, sont de même rapportées à cette structure mélancolique, qui est aussi à l'origine, comme nous avons essayé de le montrer, du mythe du « poète maudit ». Enfin, l'oeuvre poétique, - le primat du flou et de l'indécis qui la caractérisent, l'atmosphère prégnante de deuil qui la domine, l'ironie amère qui la trouble de ses discordances. . . - sont appréhendées comme autant d'indices textuels qui viennent confirmer l'hypothèse psychanalytique, tout en permettant de poser finalement la question de la sublimation par la création littéraire<br>This thesis considers the question of Verlaine's melancholy in texts which include prose, poetry ans correspondence, even if most of the analysis relates to the poetry of Verlaine and his depressive tropism. On a methodological level, it is located from the point of view of the « psychoanalysis applied » and of the psychobiography such as in principles defined by Dominique Fernandez. It is based on the various assumptions suggested by criticism of understanding the melancholic structure of Verlaine's work and to privilege Freud hermeneutics, as well in the biographical order as in the analysis of his imagination of the literay works. The biographical study has given us the opportunity to show the result of interactions between the political, social and cultural environments in which Verlaine's melancholy has evolved. We could see, in particular, his family situation, with a father who is an often absent career soldier and a mother, kind but very possessive, was not far away from his unstable and pathological personality. The repeated melancholic structure was released by a psychoanalytical approach provided in the autobiographical work, like correspondence and poetic transpositions. It makes it possible to search the complex in inconsciousness linked strongly with the Oedipus complex, which also revealed in the relations between Verlaine and the world, his objects of desire which shows ambivalence. It is recognized that the melancholy of Verlaine draws its roots in the uncounscious experience of the poet's childhood. An extreme sensitivity, great frustrations, depressions as well as professional and social failures have only accentuated the sadistic and perverse characterisitics of the poet. Alcoholic problems, that of his sexuality and social exclusion, and his late conversion have also supported his depressive nature which is related with the « damned poet » myth. Lastly, the poetic work, which is dominated with indistinctness or indetermination and tied with ironical dissonance, leads to confirm the psychoanalytical assumption, makingit possible to finally put the question of sublimation through literary creation

Les poètes français du XIXe siècle ont fait des arts plastiques une référence importante de leur poésie. Cette thèse porte sur les œuvres d’Aloysius Bertrand (Gaspard de la Nuit), Théophile Gautier (Poésies complètes) et Paul Verlaine (Poèmes saturniens et Fêtes galantes) et s’attache à montrer quelles valeurs artistiques y sont manipulées et quel usage y est fait des références artistiques. La démarche mise en œuvre ici est pragmatique, sociologique et historique. Ainsi, la notion de transposition d’art est remise en cause et l’accent est mis sur les différences entre les œuvres d’art et les poèmes. Les références poétiques aux arts sont interprétées comme des décontextualisations et des réinterprétations imposées aux œuvres d’art. Les œuvres, les artistes, les techniques, les genres et les mouvements artistiques sont invoqués en raison des valeurs qu’ils permettent de promouvoir. Bertrand met en évidence dans l’art la valeur de l’humble et fonde sur elle une poétique de l’Histoire tournée vers le peuple. Gautier passe tout d’abord d’une poétique du pittoresque à une spiritualité laïque, puis trouve dans l’art un moyen d’exprimer la dialectique du désir et de la frustration et dépasse le clivage du néoplatonisme et du matérialisme. Sa relation au monde des arts est une stratégie de positionnement social autant que le reflet d’un credo esthétique. Verlaine représente la fin d’un parcours : il prend acte du mode de définition de la poésie par l’analogie artistique mais découvre aussi dans la peinture les valeurs de superficialité et d’artificialité. Le paradigme plastique est enfin dépassé au profit d’autres relations aux arts, moins systématiques<br>Nineteenth-century French poets have used the arts as a major reference in their poetry. This work deals with Aloysius Bertrand’s Gaspard de la Nuit, Théophile Gautier’s poetry, and Paul Verlaine’s Poèmes saturniens and Fêtes galantes. It brings to light which artistic values are handled by the poems and for what purpose. As it is not possible to give account of the historical and social grounding of poetic practices by transsemiotic approaches, our method will be pragmatic, sociological and historical. We will reassess the notion of transposition d’art, and highlight the differences between works of art and poems. Referring to the arts in a poem means drawing the works out of a context into another, twisting and reinterpreting them by force. Works, artists, techniques, genres and trends are referred to by poetry because of the values they are likely to promote. To Bertrand, art reveals the value of humbleness, and he grounds a poetics of popular History on it. Gautier first passes from a poetics of the picturesque to a secular spirituality. To him, art is a means to express the dialectic of desire and frustration, beyond the split of neo-Platonism and materialism. His references to the world of arts imply a social strategy of positioning, while they also reflect an aesthetic creed. Verlaine concludes a course : he takes for granted that poetry defines itself through artistic analogy and thus defines its own originality. Further, he finds in painting the values of superficiality and fake. The plastic paradigm comes to an end and is replaced by other, less systematic, relationships to the arts

Ce travail est consacré à l'étude quasi exhaustive des Premiers poèmes de Germain Nouveau (1851-1920) qui recouvrent la période 1872-1879. Le fil conducteur en est l'approfondissement de l'analyse des liens poétiques et personnels que le poète entretint avec Paul Verlaine et Arthur Rimbaud. L'objectif est de montrer comment la passion de Nouveau pour les oeuvres de ces deux étoiles a déterminé son esthétique, mais également dansquelle mesure sa poésie est restée très personnelle, lui conférant une place de choix parmi les poètes de la décennie qui suivit la Guerre de 1870. Une première partie étudie les poèmes des années 1872-1873, qui pour laplupart paraissent dans la Renaissance littéraire et artistique. Ces textes sont déjà parsemés de références métriques et intertextuelles aux poèmes de Verlaine et Rimbaud. Un deuxième mouvement est consacré à la rencontre humaine et poétique entre Germain Nouveau et Arthur Rimbaud. Nous tentons d'y préciser la chronologie des événements, à Paris puis à Londres, à travers la correspondance de Nouveau et divers témoignages, dont celui de Jean Richepin. Notre recherche s'intéresse enfin aux poèmes ultérieurs à 1874, ou non datés, parfois en prose, qui, toujours pleins d'inventions et d'originalité, témoignent des centres d'intérêt du poète, parmi lesquels la Commune de Paris et son écrasement semblent tenir bonne place<br>This work is devoted to the almost exhaustive study of early poems written by Germain Nouveau (1851-1920) covering the period 1872-1879. The common thread is the deepening of the analysis of poetic and personalrelationships that the poet has with Paul Verlaine and Arthur Rimbaud. The aim is to show how Nouveau’s passion for the works of these two stars has determined its aesthetic, but also how his poetry is still very personal, givinga prominent place among the poets of the decade that followed the war of 1870. The first part examines the poems in 1872-1873, most of which appeared in the literary and artistic renaissance. These texts are dotted with metric and intertextual references to Rimbaud and Verlaine’s poems. The second movement is dedicated to human and poetic meeting between Germain Nouveau and Arthur Rimbaud. We try to clarify the chronology of events, in Paris then in London, through Nouveau’s correspondence and various accounts, including the one of Jean Richepin. Our research is finally interested in subsequent poems to 1874 or undated, sometimes in prose, which, always full of invention and originality, show the Paris Commune and its crushing seem to hold a goodposition

Le but de cette these est de proposer un modele de l'evocation applicable en poesie et en musique. Pour ce faire, nous sommes partis d'un double principe formel et cognitif, inspire de la theorie poetique dite de l' + evocation ;, elaboree par marc dominicy. Nous considerons que l'evocation est un processus cognitif present en poesie et en musique et qu'il fait appel a la memoire encyclopedique. Dans ce processus d'evocation, le parallelisme superficiel au sens de nicolas ruwet constitue le principe formel caracteristique de la poesie et de la musique, et la semantique du prototype sous-tend le contenu de l'evocation dans sa forme globale. En degageant ainsi les principes constitutifs d'une poesie (ou d'une piece musicale), nous soutenons qu'elle met en oeuvre une relation evocatrice entre sa forme globale et le ou les prototypes qu'elle represente. Nous proposons ensuite une procedure qui permet de reconstituer le contenu mis en oeuvre par le createur, en tenant compte de la specificite de chacun de ces arts. Au travers de l'analyse d'oeuvres traitant du theme du reflet dans l'eau, nos recherches montrent comment le poete et le musicien manipulent le materiau artistique qui leur est propre pour construire l'evocation. Ils explorent les proprietes typiques formelles et semantico-cognitives de cette image - effet de miroir, liquidite, fluidite, mouvement ondoyant, miroitement lumineux. Reverie mysterieuse, image renversee. Ce sont ces elements qui permettent au recepteur de retrouver la representation mentale qui lui est propre et qu'il aura conservee dans sa memoire a long terme. Nous concluons enfin, en avancant l'idee d'une application possible de ce modele dans l'etude d'autres arts comme par exemple le cinema ou l'opera<br>The aim of this thesis was to work out a model accounting for the process of evocation which could apply to both poetic and musical analysis, based on a double formal and cognitive principle inspired by marc dominicy's "evocation theory". We do consider evocation to be a cognitive process common to poetry and music and relying on encyclopedic memory. The formal principle peculiar to both means of artistic expression is that which is defined by nicolas ruwet as superficial parallelism. The semantics of the prototype underlies the content of evocation in its global form. By pointing out the main principles of poetical and musical works; we argue that there is a relation of evocation between their global form and the prototypes they represent. We then suggest a procedure that enables us to find back the content put in hy the author while taking into account the specificity of each of those arts. Through the analysis of poetry and music dealing with the theme of water reflection, our research shows how poets and musicians manipulate their own artistic material in order to build evocation. They explore the formal and semantic-cognitive prototypical properties of this image: mirror effect, liquidity, fluidity, wave motion, light mirroring, mysterious reverie, and downward image. All these elements that help the reader or the listener recovering his own mental representation, held back in his long-term memory. We finally conclude on the idea that tilts model could also apply to other sorts of arts. As movies or opera for instance

Cette thèse consiste à étudier le motif de la lumière dans l’œuvre poétique de Verlaine. La notion de motif dans la perspective thématique que nous avons adoptée et qui est définie principalement par Jean-Pierre Richard dans L’univers imaginaire de Mallarmé et dans Microlectures s’étend à un ensemble de termes qui, de par leur sens et leur référence, entretiennent entre eux des rapports variés et assurent à une œuvre sa cohésion. Ces termes, tout en renvoyant à une même notion, en l’occurrence la lumière, se métamorphosent au fil du texte et apparaissent sous des formes variées. Nous nous sommes fixés pour objectif de les repérer et d’étudier leur variation et leurs fonctions. Le poète adopte face à la réalité une attitude négative se caractérisant par le repliement sur soi et l’abandon. L’espace chez lui qu’il soit ouvert ou fermé est oppressant et le temps, associé souvent au passé, est synonyme de perte et de déception. De nombreux poèmes, surtout au début de l’œuvre, reflètent cette impression d’inertie et de défaillance. Mais malgré la forte présence lyrique, l’expression toujours suggestive ne se laisse pas dominer par le discours. A cette négativité, le poète associe la noirceur. Toutes les lumières dans ces poèmes sont sombres ou faibles. Les occurrences qui relèvent de cette tonalité sont de loin les plus nombreuses. Leur mise en œuvre et leur fréquence témoigne de l’importance que Verlaine accorde à l’esthétique. Mais le lyrisme de Verlaine est aussi celui de la célébration. La plus grande partie de son œuvre est composée de portraits et d’autoportraits. Dans cet ensemble où sont célébrés Dieu, les héros, les femmes, etc. Verlaine choisit l’envers de la discrétion. Il emploie des procédés qui favorisent l’exagération. Les portraits idéalisés sont sa manière de manifester sa quête d’altérité. L’expression exagérée caractéristique de ces poèmes engage des lumières fortes, lumineuses, blanches…Mais dans un certain nombre de poèmes, Verlaine rompt entièrement avec tout héritage poétique et a écrit une poésie qui tente de saisir la réalité dans sa fuite et dans sa métamorphose. Il adopte une voie intermédiaire qui soumet le langage aux exigences de l’artiste. Certaines lumières elles-mêmes changeantes et indéterminées peuvent en effet répondre à ce besoin. Ce besoin d’interroger le langage est en réalité commun aux poètes de la deuxième moitié du XIXème siècle. L’époque se caractérise par une évolution des goûts et des idées, mais aussi par un sentiment d’inquiétude face à la modernité naissante. Cette évolution et ce malaise sont perceptibles chez Verlaine. Celui-ci atteste de sa modernité en plaçant son art sur la frontière de ce qui est dit et de ce qui est tout simplement suggéré. L’existence de cet art dépend en fait de la complicité qui s’instaure par-delà les mots entre le poète et le lecteur. Si Verlaine semble gagner le pari d’une réception large, c’est grâce à cette poétique de l’indétermination et de la suggestion<br>This thesis consists in studying the motif of the light in the poetry of Verlaine. The concept of motif in the thematic approach we have adopted and which is defined principally by Jean-Pierre Richard in L’univers imaginaire de Mallarmé and in Microlectures extends to a set of terms which, by their sense and reference, have various connections between them and ensure the work cohesion. These terms, while referring to a same notion, in this case the light, are transformed in the text and appear under various forms. We have set as a target to identify them and to study their changes and their functions.In the face of the reality, the poet adopts a negative attitude characterized by self-absorption and abandonment. The space that is open or closed is oppressive and the time, often associated with the past, means loss and disappointment. Many poems, especially at the beginning of the work, reflect this sense of inertia and failure. But despite the strong lyrical presence, the constantly suggestive expression cannot be dominated by the speech. The poet combines the dark with this abandonment. All the lights in these poems are dark and low. Occurrences that are related to this tone are by far the most numerous. Their use and their frequency reflect the importance that Verlaine attaches to the forms.But the lyricism of Verlaine is also the lyricism of celebration. The major part of his work is composed of portraits and self-portraits. In this set where God, heroes, women… are celebrated, Verlaine chooses the explicit expression. He uses processes that support the exaggeration. The idealized portraits are his way of showing his quest for otherness. The expression in these poems involves bright, shining and white lights.But in some poems, Verlaine breaks completely with poetic legacy and wrote a poetry that attempts to grasp the reality in its movement and its metamorphosis. He adopts a middle way that meets the needs of the artist. Some lights, themselves unstable and indeterminate, can meet this need. The need of asking language is in fact common to the poets of the second half of the nineteenth century. The era is characterized by changing tastes and ideas, but also by a concern about the emerging modernity. This development and this discomfort can be perceived in the poetry of Verlaine. The Verlaine modernity appears between what is said and what is just suggested.In fact, the existence of this art depends on the complicity that exists beyond the words between the poet and the reader. Verlaine seems to meet the challenge of a large reception thanks to the poetics of indeterminacy and suggestion

1 score (x, 113 p.)<br>The implementation of an informed cross-relationship between two independent art forms has often been a source of inspiration for artists throughout the millennia. However, in the late 19th century, both Russian and French thinkers and artists began to build upon this notion by creatively considering the intermingling of sensory experiences as well. The resulting artwork from this temporally specific era was described as being "Symbolist," referencing both the intermedial and multi-sensory processes involved and/or considered in creating the respective work. My personal penchant to explore this artistic approach has resulted in a symphony that was inspired by, and intimately considers, five individual pieces of French "Symbolist" art, poetry, and sculpture. Each movement specifically focuses upon one of the five human senses. The respective works are: the sculpture "Le baiser" by Auguste Rodin (touch), "Parfum exotique" from Les fleurs du mal by Charles Baudelaire (smell), "Tristesse d'été" by Stèphane Mallarmé (taste) as published in Du parnasse contemporain, the painting "Hina tefatou" by Paul Gauguin (sight/insight), and "Chanson d'automne" from Poèmes saturniens by Paul Verlaine (hearing/listening).<br>Committee in charge: Dr. David Crumb Chairperson, Advisor， Dr. Robert Kyr， Member； Dr. Jack Boss， Member； Dr. Jenifer Craig， Outside Member

Disciple de César Franck, Charles Bordes a tracé son parcours de musicien en marge du Conservatoire et des institutions officielles. De son intégration à la « bande à Franck » jusqu’à la fondation des Chanteurs de Saint-Gervais et de la Schola cantorum, il a tissé un vaste réseau relationnel formé de compositeurs, d’interprètes, d’écrivains et de mélomanes, qui l’ont, par la suite, décrit comme un fervent artisan du renouveau musical français. Cette image a, en contrepartie, partiellement occulté l’œuvre de compositeur de Bordes. Ses mélodies présentent pourtant un remarquable intérêt. L’histoire de leur publication permet de mettre en évidence la complexité des relations avec le monde de l’édition à la fin du XIXe siècle et la nature du travail de révision posthume effectué par son ami Pierre de Bréville. L’analyse du corpus témoigne de l’originalité de la production, aussi bien sur le plan des choix littéraires – Bordes fut l’un des pionniers de la mise en musique des poèmes de Paul Verlaine et de Francis Jammes – que d’une écriture musicale inspirée et aux frontières de l’académisme sur le plan harmonique. Auteur de plus de trente-cinq mélodies avec piano, Bordes s’essaya également à la composition de mélodies orchestrées ou « symphoniques », comme nombre de ses contemporains au tournant du siècle<br>Student of César Franck, Charles Bordes established himself as a musician outside the Conservatoire and the official institutions. From his integration with the “bande à Franck” to the founding of the Chanteurs de Saint-Gervais and the Schola cantorum, he formed a vast network of relationships among composers, interpreters, writers and music lovers, who would later describe him as a fervent architect of the French musical revival. This image overshadowed his contributions as a composer; his mélodies, however, still stimulate a remarkable interest. An examination of the history of their publication reveals the complexity of relationships within the musical publishing world at the end of the nineteenth-century and the nature of the posthumous reviewing work executed by his friend Pierre de Bréville. The analysis of the corpus shows the originality of the production, either about its literary aspects – Bordes was among the first artists to set the poetry of Paul Verlaine and Francis Jammes to music – or about his inspired musical language at the boundaries of academia from an harmonic point of view. Author of more than thirty-five songs for voice and piano, Bordes also tried his hand at the composition of orchestrated or “symphonic” songs like many of his contemporaries at the end of the century

Dans cette thèse de littérature comparée nous avons essayé de montrer l’influence de la poésie moderne française issue de Baudelaire sur trois poètes contemporains : Nâder Nâderpour, Hassan Honarmandi et Mohammad Ali Eslâmi-e Nodouchane. Ils ont fait tous les trois leurs études à la Sorbonne. Depuis la période dite Machroutiat (ou Révolution constitutionnelle) des poètes modernes comme Nimâ ont écrit des poèmes en vers libres sur le modèle français. Les Iraniens, toujours attachés aux formes classiques, n’aimaient pas les vers libres. Le rôle de ces trois poètes a été de préparer le terrain pour que le lectorat persan accepte le vers libre. Ces poètes sont définis comme des poètes semi-traditionnels et en prenant des thèmes et des images puisés dans la poésie moderne française, ils ont œuvré pour que le vers libre soit bien apprécié en Iran. Ils ont choisi, dans la plupart de leurs œuvres, les quatrains continus qui sont une forme à mi-chemin entre les formes classiques et le vers libre. En choisissant les quatrains continus, ils ont essayé d’utiliser les thèmes et les images qui viennent principalement de la poésie de Baudelaire, Rimbaud, Verlaine, Valéry, Prévert…. Ces poètes sont considérés comme un « pont » par lequel les Iraniens passent de la poésie classique à la poésie moderne persane. Ils ont parfois fait des changements dans la disposition des rimes sur le modèle français. Parfois aussi ils ont intégré des tercets, des quintils ou des sizains dans leurs quatrains, ce qui peut être considéré comme une autre influence française. C’est la première fois que ces trois auteurs iraniens font l’objet d’une telle étude comparée qui propose en annexe un dossier de traductions inédites<br>In this thesis, we have tried to show the influence of modern French poetry on three contemporary Iranians poets: Nâder Nâderpour, Hassan Honarmandi and Mohammad Ali Eslâmai-e Nodouchane. They have studied at Sorbonne University. Since the period of Mashroutiat or constitutional monarchy the modern poets like Nimâ have written the poems in “vers libres” following the French models. The Iranians, always attached to classical forms, didn’t like this form of “vers libres”. The role of theses three poets has been to prepare the ground to make accept “le vers libre” by the Iranian readership. These poets are grouped in semi-traditional group and they use the images and the themes of the modern French poetry, they have prepared the ground so that “le vers libres” will be well accepted in Iran.They have chosen, in the most of their poems, the continual quatrains “les quatrains continus”. They have tried to use the themes and the images that come principally from the poetry of Baudelaire, Rimbaud, Verlaine, Valéry, Prévert….These poets are considered like à “bridge” by which the Iranian cross the classical poetry to arrive to modern Persian poetry.They have sometimes changed the place of the rhymes following the French models. Sometimes they have integrated the “tercets”, “quintils” and “sizains” in their poetry among their “quatrains” and this can be considered as a French influence

La littérature contemporaine, dans un vaste mouvement d'exploration et d'expérimentation, préconise un élargissement des frontières génériques ainsi qu'un renouvellement des formes traditionnelles pour épouser les nouveaux questionnements propres à son temps. C'est dans ce contexte de «dynamisation» et d'hybridation que se développe, vers le milieu des années 1980, le genre de la fiction biographique dont les oeuvres qui s'y rattachent font surgir, par l'évocation, l'imagination et la rêverie narrative, de grands personnages qui ont marqué l'imaginaire collectif. Face à la résurgence de figures littéraires du passé dans l'imaginaire de nombreux écrivains, ce mémoire portera sur la représentation de la figure symbolique du poète maudit dans les fictions biographiques contemporaines. Il s'agit d'analyser le traitement réservé aux poètes maudits tels que Baudelaire, Verlaine et Rimbaud à l'intérieur d'oeuvres appartenant à ce genre récent. Pour ce faire, notre corpus sera formé de trois oeuvres qui revisitent ces poètes majeurs de la modernité poétique: Baudelaire en passant de Didier Blonde (2003), Rimbaud le fils de Pierre Michon (1991) et Verlaine d'ardoise et de pluie de Guy Goffette (1996). Le poète maudit étant une figure emblématique qui apparaît durant la seconde moitié du XIXe siècle et qui témoigne, à l'époque, d'une vision idéale de la littérature, cette étude tentera de comprendre les motifs d'une telle reprise. Il s'agira donc de reconstruire en détail la figure qui émane de cette écriture contemporaine, et ce à partir de trois angles d'analyse spécifiques qui témoignent d'un destin particulier, soit la relation difficile et problématique du poète à sa famille, ses rapports à la société de son temps ainsi que son inscription dans la tradition littéraire. De plus, ces fictions biographiques, puisqu'elles établissent un dialogue entre l'auteur contemporain et un personnage du passé qui le fascine, nous permettront de soulever les questions de la mémoire, de l'héritage et de la transmission qui hantent notre temps. Nous tenterons ainsi de comprendre le rapport entre l'orientation biographique de la fiction et l'état de la société et de la littérature d'aujourd'hui: Pourquoi les écrivains choisissent-ils de revisiter une figure appartenant au XIXe siècle? S'agit-il d'un moyen de légitimer leur propre statut dans le champ littéraire contemporain? ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Littérature contemporaine, Fiction biographique, Figure du poète maudit, Mémoire littéraire.