Letteratura scientifica selezionata sul tema "Années 1910 – Arts – France"
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Articoli di riviste sul tema "Années 1910 – Arts – France"
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Haine, Malou. "Le magazine américain Vanity Fair (1913-1936) : vitrine de la modernité musicale à Paris et à New York". Les musiques franco-européennes en Amérique du Nord (1900-1950) : études des transferts culturels 16, n. 1-2 (25 aprile 2017): 23–37. http://dx.doi.org/10.7202/1039610ar.
Testo completoAbstract (sommario):
De sa création en 1913 à sa fusion avec Vogue en 1936, le magazine américain Vanity Fair a pour vocation de parler de l’art contemporain européen et américain par de courts articles de vulgarisation, des photographies et des caricatures. Plusieurs domaines artistiques sont couverts : musique, danse, opéra, littérature, peinture, sculpture, arts graphiques, cinéma, photographie et mode. La France constitue tout à la fois le rêve, l’attraction et le modèle des Américains : elle reste omniprésente jusqu’au milieu des années 1920, puis cède la place aux artistes américains. Vanity Fair reflète plus particulièrement la vie culturelle à New York et à Paris, même si ses ambitions sont plus largement ouvertes sur l’Europe et les États-Unis. Dans la rubrique intitulée « Hall of Fame », il n’est pas rare de trouver un Français parmi les cinq ou six personnalités du mois. La France est présente davantage pour ses arts plastiques et sa littérature. Le domaine musical, plus réduit, illustre cependant plusieurs facettes : les Ballets russes de Diaghilev, les ballets de Serge Lifar, les ballets de Monte-Carlo, les nouvelles danses populaires (tango, matchiche), l’introduction du jazz, la chanson populaire, les lieux de divertissements. Quant à la musique savante, le Groupe des Six, Erik Satie et Jean Cocteau occupent une place de choix au début des années 1920, avec plusieurs de leurs articles publiés en français. Dans les pages de Vanity Fair, des critiques musicaux américains comme Virgil Thomson et Carl Van Vechten incitent les compositeurs à se débarrasser de l’influence européenne. John Alden Carpenter ouvre la voie avec The Birthday of the Infanta (1917) et Krazy Kat (1922), mais c’est Rhapsody in Blue de Gershwin (1924) qui donne le coup d’envoi à une musique américaine qui ne copie plus la musique européenne. À partir de là, la firme de piano Steinway livre une publicité différente dans chaque numéro qui illustre, par un peintre américain, une oeuvre musicale américaine.
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Harvey, Fernand. "La politique culturelle d'Athanase David, 1919-1936". Tradition et modernité dans la culture québécoise au XXe siècle, n. 57 (29 febbraio 2012): 31–83. http://dx.doi.org/10.7202/1008103ar.
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Athanase David fut secrétaire de la province de Québec de 1919 à 1936 à l'époque du gouvernement libéral dirigé par Louis-Alexandre Taschereau. Dès son arrivée à la tête de ce ministère, David fait adopter une série de lois dans le but de favoriser le développement culturel du Québec: création des Bourses d'Europe pour favoriser le perfectionnement des diplômés universitaires et des artistes en France, bonification des Prix d'Europe pour les musiciens, développement d'un service d'archives provinciales, création d'une Commission des monuments historiques, construction du Musée du Québec, mise sur pied d'un enseignement supérieur des beaux-arts à Québec et à Montréal, institutionnalisation des Prix David pour les plus méritants, aide ponctuelle à la vie musicale et à divers organismes culturels et soutien à la création d'une émission de radio éducative et culturelle, « L'heure provinciale ». Profitant d'une conjoncture économique favorable au cours des années 1920 et malgré les difficultés de la crise économique des années 1930, David s'est employé durant 15 ans à soutenir l'émergence de nouvelles élites culturelles et à mettre sur pied les premières institutions culturelles d'État. Il a encouragé l'émergence d'une littérature et d'un art canadien, tout en puisant dans l'expertise française.
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Goupil-Lucas-fontaine, Marie. "Chanson imprimée et chanson enregistrée à la Belle Époque, concurrence ou complémentarité ?" Romantisme 200, n. 2 (15 giugno 2023): 68–79. http://dx.doi.org/10.3917/rom.200.0068.
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Deux moments au xix e siècle révolutionnent la façon dont les chansons se diffusent : la fondation de la SACEM en 1851, d’une part, engage les auteurs, paroliers et compositeurs, à déposer une à une leurs chansons pour en toucher les droits. Le monde de l’édition musicale suit le mouvement en éditant de plus en plus de partitions de chansons isolées et en inventant un format qui identifiera les chansons jusqu’à l’orée des années 1960 : le « petit format » contenant la ligne mélodique de chant seul et les paroles. L’invention du phonographe en 1877, d’autre part, engage la chanson sur la voie de l’industrie musicale sonore en remettant sérieusement en question le caractère éphémère des chansons du point de vue de l’auditeur, mais également de tous les acteurs de la production des chansons. Il s’agit là d’une révolution de l’écoute et plus largement de l’appréhension de ces objets musicaux. Cet article s’attachera à montrer la diversité et la nécessaire complémentarité des supports imprimés et sonores pour étudier la chanson en France de la fin des années 1880 à 1914.
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Sibeud, Emmanuelle. "La cause des indigènes". Revue d'histoire contemporaine de l'Afrique, n. 3 (14 aprile 2022): 61–74. http://dx.doi.org/10.51185/journals/rhca.2022.0305.
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Érigée en rhétorique officielle à la fin du xixe siècle, la protection des sujets dits indigènes redevient une cause à investir autour de la Première Guerre mondiale. Les deux associations qui aspirent à patronner cette réforme, l’Anti-Slavery & Aborigines’ Protection Society en Grande Bretagne et la Ligue des droits de l’homme en France, nouent dans les années 1910 des liens privilégiés avec une fraction des élites ouest-africaines qui fondent des sociétés auxiliaires ou des sections locales chargées de transmettre les plaintes des colonisés. Cet article propose de partir de ces échanges pour étudier ensemble protecteurs et protégés ouest-africains, dans une reconfiguration brève (des années 1910 au milieu des années 1920), mais assez indécise pour offrir de multiples opportunités aux uns et aux autres. Il s’agit d’aller ainsi au-delà d’une histoire souvent réduite aux protecteurs et d’examiner comment ces transactions participent à la production du nouvel ordre international et impérial à la sortie de la Première Guerre mondiale.
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Génard, Elsa. "Familles de papier : liens épistolaires sous le regard de l’administration pénitentiaire (France, années 1910-années 1930)". Le Mouvement Social N° 279, n. 2 (17 agosto 2022): 49–65. http://dx.doi.org/10.3917/lms1.279.0049.
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Chemouni, Jacquy. "La question des névroses actuelles en France. Un épisode ignoré de l’introduction de la pensée de Freud". Bulletin de psychologie 56, n. 465 (2003): 393–404. http://dx.doi.org/10.3406/bupsy.2003.15227.
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L'œuvre de Freud connaît un intérêt important en France dans les milieux psychiatriques bien avant que ses idées spécifiquement psychanalytiques conquièrent, aux environs de 1920, les milieux littéraires et scientifiques. En effet, dès la fin du siècle dernier la conception des névroses actuelles passionne quelques aliénistes, démontrant ainsi clairement que Freud n’est nullement ignoré dans l’Hexagone au début des années 1900. Après cette première attention accordée à ses théories, il connaîtra un certain purgatoire qui commencera à s’estomper à la fin des années 1910. Parmi les médecins qui se passionnent pour son œuvre et qui publient livres et articles, on peut signaler surtout les nom de Hartenberg et Tournier.
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Bourmaud, François. "Les Britanniques et les débuts du rugby en France". Football(s). Histoire, culture, économie, société, n. 3 (12 ottobre 2023): 15–25. http://dx.doi.org/10.58335/football-s.449.
Testo completoAbstract (sommario):
Alors que le rugby a connu une diffusion mondiale limitée, l’Hexagone a embrassé ce sport avec enthousiasme. Cette acculturation réussie s’explique en grande partie par les étroites relations tissées entre pratiquants français et britanniques. L’article tente d’analyser ce transfert culturel en revenant sur les premiers joueurs « anglais » des années 1860-1880, puis sur les processus d’ouverture aux autochtones. La transmission du feu sacré est suivie d’une forme de tutelle britannique jusqu’en 1914 : des joueurs, des entraîneurs et des équipes franchissent la Manche et permettent aux pratiquants français de capter les principales évolutions techniques et tactiques d’Albion. Cette relation spéciale trouve sa consécration dans la première participation du XV tricolore au Tournoi des Cinq Nations en 1910.
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Lefebvre, Marie-Thérèse. "La bibliothèque du Nigog". Les Cahiers des dix, n. 69 (14 marzo 2016): 177–214. http://dx.doi.org/10.7202/1035600ar.
Testo completoAbstract (sommario):
Le Nigog (1918) : revue moderne ou d’avant-garde ? Nous avons cherché à répondre à cette question par l’analyse des nombreuses références, citées ou non, qui traversent les textes. Loin d’être liés au courant avant-gardiste de l’Art Nouveau des années 1910 (cubiste, futuriste, bruitiste, dadaïste), les membres de la revue adhèrent davantage aux auteurs classiques et à l’esthétique du Mercure de France, revue qui représentait le mieux le mouvement symboliste fin de siècle. Le cadre référentiel que nous ainsi dégagé nous a permis de reconstituer la bibliothèque des membres du Nigog.
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Podzemskaia, Nadia. "La notion de faktura dans les arts visuels en Russie, années 1910-1920". Communications 103, n. 2 (2018): 131. http://dx.doi.org/10.3917/commu.103.0131.
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Bock, Michel. "Lionel Groulx devant la France catholique: contacts, échanges et collaboration". Articles 79, n. 1 (18 marzo 2013): 31–44. http://dx.doi.org/10.7202/1014852ar.
Testo completoAbstract (sommario):
L’étude de la construction du réseau français de Lionel Groulx permet de jeter un éclairage probant sur les moyens par lesquels on a tenté, au sein de l’élite canadienne-française, de bâtir des ponts avec l’Hexagone au début du XXe siècle. C’était vers les milieux associés à la « renaissance littéraire catholique » des années 1910 et 1920 que gravitait tout naturellement l’abbé Groulx, que séduisait le combat des catholiques militants contre la « décadence » engendrée par la modernité philosophique et pour la restauration morale et spirituelle du « génie » français, un combat qui pouvait englober celui des maurrassiens, du moins avant la condamnation pontificale de 1926, mais qui le débordait largement. Sensible aux divergences qui caractérisaient les milieux catholiques de France, Groulx entretenait très peu de liens avec le « noyau dur » du mouvement maurrassien et préférait s’associer à des militants et à des intellectuels dont le rapport au religieux ne souffrait d’aucune ambiguïté, d’une part, et qui, d’autre part, s’intéressaient de plus près aux affaires canadiennes-françaises.
Tesi sul tema "Années 1910 – Arts – France"
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Barbut, Clélia. "Corps à l'oeuvre, à l'ouvrage et à l'épreuve : sociohistorique des arts de la performance, années 1970". Doctoral thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25980.
Testo completoAbstract (sommario):
"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.
« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.
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Girel, Sylvia. "La réception des arts visuels contemporains dans les années 90 : les lieux de diffusion de l'art à Marseille et leurs publics". Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0084.
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Gleyze, Valentin. "Alina Szapocznikow à Paris (1963-1973) : une histoire culturelle du champ élargi de la sculpture en France au tournant des années 1960". Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2023. http://www.theses.fr/2023REN20042.
Testo completoAbstract (sommario):
La dernière décennie de carrière de la sculptrice polonaise Alina Szapocznikow (1926-1973) à Paris constitue un cas d'étude particulièrement riche pour l'histoire de l'art. De fait, si la production de l'artiste entre son installation définitive dans la capitale française en 1963 et son décès en 1973 relève bien de la sculpture, elle en conteste les moyens traditionnels. Son recours au plastique, au moulage, aux objets readymades, sa dématérialisation croissante (en lien avec l'art conceptuel), son statut utilitaire (dans le cas d'objets de design) la pousse vers ce qu'on a pu nommer le << champ élargi » de cette catégorie, de façon très singulière. La thèse vise ainsi à ouvrir l'œuvre de Szapocznikow, à l'aune d'une histoire culturelle de ce champ élargi de la sculpture, qui la situe dans une histoire des matériaux, des expositions, de la critique d'art et du marché, en la faisant dialoguer avec d'autres artistes qui lui sont contemporain es. Notre étude est construite en deux moments, qui sont deux dépliages de la production de Szapocznikow à Paris. La première partie porte sur les expérimentations de Szapocznikow, et d'autres artistes, autour de l'objet utilitaire, dans le sillage de l'exposition « Antagonismes 2 - L'Objet » organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs, qui provoque un débat essentiel à l'égard du rôle joué par les artistes dans l'invention des « formes utiles ». La seconde partie porte sur les dernières années de Szapocznikow, quand son expérience du cancer ravivant le traumatisme des camps de concentration aboutit à une mythologie individuelle qui sert une narration de soi comme corps se préparant à mourir de façon prochaineThe last decade of the Polish sculptor Alina Szapocznikow's (1926-1973) career in Paris is a particularly rich case study for art history. Indeed, while the artist's work between her establishment in the French capital in 1963 and her death in 1973 belonged to sculpture, she challenged its traditional means. Its use of plastic, moulding and readymade objects, its increasing dematerialisation (in connection with conceptual art) and its utilitarian status (in the case of design objects) pushes its towards what has been called the "expanded field" of this medium, in a very singular way. The thesis thus aims to open up Szapocznikow's work in the light of a cultural history of this expanded field of sculpture, situating it within a history of materials, exhibitions, art criticism and the market, and placing it in dialogue with other artists of its time. Our study is divided into two parts which are two unfoldings of Szapocznikow's production in Paris. The first part looks at Szapocznikow and other artists' experiments with the utilitarian object, in the wake of the 1962 exhibition "Antagonismes 2 – L'Objet" at the Musée des Arts Décoratifs, which sparked a vital debate about the role played by artists in inventing "useful forms”. The second part focuses on Szapocznikow's final years, when her experience of cancer reviving the trauma of the concentration camps results in an individual mythology that serves a narrative of the self as a body preparing for imminent death
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Schenck, Cécile. "De la crise de l'homme moderne à la construction de l'homme nouveau dans les arts du spectacle (théâtre et danse) français et allemands des années 1880-1920". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030152.
Testo completoAbstract (sommario):
Ma thèse porte sur l’utopie d’un Homme nouveau, censée remédier à la crise européenne de l’homme moderne apparue dès la fin du XIXe siècle, et sur les différentes conceptions du lien social rattachant l’individu à la collectivité dans deux domaines d’expression : le théâtre et la danse, dont les diverses manifestations dans le champ des arts du spectacle français et allemands reflètent un large spectre de significations esthétiques, morales, idéologiques et politiques, révélateur des profondes mutations culturelles des années 1880-1920. À un moment de grande effervescence politique et intellectuelle liée à l’Histoire européenne, artistes et intellectuels ne cessent d’invoquer la nécessité d’un changement radical de l’homme et du monde. C’est dans les arts du spectacle que cet espoir paraît certes le plus vif, mais aussi le plus ambivalent : dramaturges et chorégraphes tendent en effet à substituer à l’idée proprement révolutionnaire la thématique d’une conversion et d’une rédemption spirituelles, devant réconcilier l’individu avec lui-même et avec sa communauté, comme le montrent, des deux côtés du Rhin, les œuvres d’inspiration wagnérienne dans les années 1880-1920. Des dernières pièces de Villiers de l’Isle-Adam au théâtre mystique de Péladan et aux drames préchrétiens du jeune Claudel, des premières mises en scène chorales de Rudolf Laban aux représentations parisiennes des Ballets russes et suédois, du Théâtre du peuple à la scène futuriste et au Bauhaus, le rêve d’une œuvre d’art totale est indissociable d’une réflexion multiforme sur les possibilités d’un renouveau esthético-religieux de l’humanité décadenteMy thesis bears on the utopia of the New Man, which is supposed to be a remedy to the crisis of the modern man at the end of the 19th century. It also bears on the different conceptions of the social ties by means of which the individual is attached to the community ; it explores these conceptions in two domains of expression : theater and dance, whose diverse manifestations in the field of the French and German arts of expression reflect a large spectrum of esthetic, moral, ideological and political significances. Those manifestations reveal the profound cultural mutations of the years 1880-1920. In a time of great political and intellectual effervescence related to the particular moment of European history, artists and intellectuals incessantly evoke the neccessity of a radical change of the man and the world. It is in the arts of spectacle that this hope appears in its most vivid, but also in its most ambivalent : dramatists and choreographs have the tendency to replace to a properly revolutionary idea by the thematics of a spiritual conversion and redemption, that should reconcile the individual with herself and her community, as we can see, on both sides of the Rhin river, the works inspired by Wagner in the years 1880-1920. From the last pieces of Villiers de l’Isle-Adam to the mystical theater of Péladan and the pre-christian pieces of young Claudel, from the first choral stagings of Rudolf Laban to the parisian representations of the Russian and Swedish ballets, from the People’s Theater to the futurist scene and to the Bauhaus, the dream of a total work of art is indissociable from a manifold reflexion on the possibilities of an esthetic and religious renewal of decadent humanity
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Roubaud-Quashie, Guillaume. "Les jeunes communistes en France (1944 - fin des années 1970) : les mutations d'une expérience politique en milieux juvéniles et populaires". Thesis, Paris 1, 2020. http://www.theses.fr/2020PA01H048.
Testo completoAbstract (sommario):
Dans une perspective d’histoire sociale du politique, la thèse interroge une rencontre rare : celle entre de substantielles fractions de la jeunesse des milieux populaires, d’une part, et, de l’autre, des structures politiques, en l’espèce les organisations communistes juvéniles françaises, de la Libération jusqu’aux années 1970. En amont, elle explore les matrices et les voies de politisation de ces jeunes que l’âge, l’ancrage social et, pour les filles, le sexe, n’ont pas maintenu à l’écart de l’engagement politique organisé. En aval, elle met au jour deux modèles distincts avec leurs configurations propres et leur écho respectif, en précisant les conditions de mutation du premier – lié au mouvement de jeunesse, avec une forte présence ouvrière – vers le second – dominé par une jeunesse scolarisée, porteuse d’autres horizons et pratiquesAs an essay of social history of politics, this work deals about a rare encounter: that one between significant fractions of working class youth, on the one hand, and, on the other, political structures, French juvenile communist organizations, from the Liberation to the 1970s. Upstream, it explores the matrices and ways of politicization of these young. Downstream, it uncovers two distinct models with their own configurations and their respective echoes. It specifies the conditions of mutation of the first one – linked to the youth movement, with a major working class presence – towards the second one – dominated by educated youth with its own horizons and practices
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Koering, Elise. "Eileen Gray et Charlotte Perriand dans les années 1920 et la question de l'intérieur corbuséen : essai d'analyse et de mise en perspective". Versailles-St Quentin en Yvelines, 2010. http://www.theses.fr/2010VERS013S.
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En 1929, la créatrice irlandaise Eileen Gray et l’architecte roumain Jean Badovici achèvent l’édification de leur grand œuvre : la villa E 1027. La même année, Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand dévoilent au public parisien et à l’élite internationale le résultat de leurs recherches sur le mobilier en tubes d’acier et le rangement standard : l’« équipement intérieur d’une habitation ». Deux collaborations, deux propositions tenues de résoudre la question de l’intérieur moderne. Notre thèse se propose d’étudier, et d’analyser en les confrontant, l’œuvre de Charlotte Perriand et d’Eileen Gray dans les années 1920, années au cours desquelles elles tentent de définir une nouvelle manière d’habiter et de dépasser leur pratique de décoratrice pour penser en architecte. Une analyse qui se donne pour objectif de replacer les deux créatrices dans leur contexte artistique tout en mettant fortement en lumière la réflexion corbuséenne en matière de mobilier et d’aménagement intérieurThe Irish furniture designer Eileen Gray and the Romanian architect Jean Badovici complete their life’s great work: the house E 1027. In the meanwhile, Le Corbusier, Pierre Jeanneret and Charlotte Perriand bring to light, to the Parisian public and the international elite, the result of their research about movable furniture made of tubular steel frames, and manufactured-type storage, called as “The Equipment of Habitation”. Two collaborations, two propositions standing for answering the question of Modern Interior. Our thesis intends to study the works of Charlotte Perriand and Eileen Gray in the 20’s, then to analyse by comparing their ideas and achievement. During this decade, both of these artists attempted to define a new organizational way of housing, and to think not only as a designer anymore but also as an architect. The purpose of this discussion is to set these two artists back in their artistic context while bringing out the Corbusier thought about furniture and interior layout
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Théault, Chloë. "Regards sur l'histoire de l'art des années 1930 : d'après les catalogues d'expositions français et britanniques des années 1960 et 1970". Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082463.
Testo completoAbstract (sommario):
Cette analyse porte sur l’écriture de l’histoire de l’art des années 30 par les premiers catalogues d’expositions britanniques et français qui lui sont consacrés, dans les années 60 et 70. Le silence des lieux d’expositions sur l’art des années 30 est d’abord questionné : les rôles joués par la demande sociale, par la pratique de l’histoire et par celle de l’histoire de l’art sont interrogés. Une explication à l’émergence de l’art des années 30 à partir des années 60 et 70 est ensuite proposée. Il est noté que la séquence temporelle de la seconde guerre prend alors fin et que l’évolution des pratiques historienne et art-historienne a permis de penser les années 30. Enfin, l’écriture des catalogues d’expositions est analysée. La position des catalogues face au paradigme moderniste est d’abord étudiée, et il est ensuite montré que les évolutions produites dans le champ des sciences sociales se donnent à lire dans les cataloguesThis analysis deals with the writing of the art history of the 1930s by the first French and British exhibitions catalogues dedicated to it, during the ‘60s and ‘70s. We first question the silence of the museums and galleries on the art of the ‘30s : the role played by social demand, historical analysis and art history practice are examined. An explanation of the emergence of the art of the ‘30s during the ‘60s and ‘70s is then proposed. We underline the fact that the temporal sequence of the second world war comes to an end during the ‘60s and that the evolution of the practices of history and art-history then allowed to think the ‘30s. Finally, the writings of the exhibitions catalogues are analyzed. We examine the position of the catalogues in relation to the modernistic paradigm, then, we show that the evolutions that occurred in the social sciences after the 1930s are nascent in these catalogues
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Arzatian, Céline G. "Mode et cinéma en france de 1896 à 1930. Comment habille-t-on les actrices et acteurs ?" Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030022.
Testo completoAbstract (sommario):
À travers une étude générale de l’organisation et de l’évolution des costumes au cinéma en France, du début du cinématographe jusqu’à la fin du muet, l’ambition de cette thèse est d’étudier les liens qui se sont créés entre la mode et le cinéma par le biais des maisons de couture participant à la confection des costumes de la vedette principalement. Il s’agit également de montrer quel a été l’impact de l’arrivée d’un professionnel de l’écran : le créateur de costume dans la conception des costumes d’un personnage. Cette thèse analyse à travers les dimensions historiques, humaines, économiques, esthétiques, la création et l’évolution du costume au cinéma. La première partie aborde les débuts du cinématographe, le rôle des opérateurs Lumière tournant leurs premières vues « mises en scène » avec des méthodes héritées du théâtre. Puis la thèse met en valeur les différentes pratiques mises en place par Georges Méliès pour habiller ses artistes et figurants à la Star Film. Elle s’attache ensuite aux premiers acteurs célèbres confrontés à l’utilisation d’un costume particulier pour créer leur personnage : Max Linder, Charles Chaplin et Pearl White. La deuxième partie s’intéresse à la manière dont le cinéma français s’est servi de la mode dans les films pour tenter de rivaliser avec le cinéma américain. Puis, dans une troisième et quatrième partie, l’analyse s’attache au travail de la maison de couture lorsque celle-ci est appelée à créer et prêter des vêtements sous l’impulsion du réalisateur ou à exécuter sous l’autorité du créateur de costumes, les vêtements de la vedette pour des fictions à costumes ou à sujet contemporain. Enfin la cinquième partie relève les points de convergence entre ces deux arts : la mode et le cinéma lorsqu’à la fin de la Première Guerre mondiale, les arts se stimulent mutuellement donnant naissance au nouveau style de cette époque. Le projet de Louis Delluc, qui s’inspire d’une revue de mode pour réaliser une revue de cinéma, mais également l’introduction au Salon d’Automne de la mode et du cinéma, puis la réalisation de L’Inhumaine comme point de bascule vers cette synthèse des arts, et enfin l’Exposition des Arts décoratifs qui contribuent à faire de la mode et du cinéma des arts complémentaires, modernes et emblématiques de la période dite des Années FollesThrough a general study of organisation and evolution of costumes in cinema in France, from the birth of the cinematograph to the end of the silent film era, the ambition of this thesis is to study the created links between fashion and cinema, looking at fashion houses participating in creating the costumes of the main movie star. It is also about highlighting what the impact of the costume designer in the costume conception of a character is. This thesis analyses the creation and the evolution of the costume in cinema, through the historical, human, economical and aesthetical perspectives.The first part tackles the birth of the cinematograph and the Lumiere’s operators capturing their first shots, created with the methods inherited from the theatre. Then, this thesis highlights how Georges Méliès styled his stars and extras at the Star Film. Moreover, it points out to the first movie stars realizing that their costumes begin to create their characters for Max Linder, Charles Chaplin and Pearl White. The second part addresses the way French cinema used fashion to try and compete with the American cinema. Then, in a third and fourth part, the analysis focuses on the work of the fashion house when it is called to create and lend (in response to the director) or to only execute (in response to the costume designer) the clothes of the lead actress, for costume movies or with a contemporary subject.Finally, the fifth part points out the convergence points between these two arts: fashion and cinema at a specific time, the end of WW1 where arts stimulate each other and create together the new style of this era. It’s also Louis Delluc’s project, inspired by a fashion review to create a cinema magazine, it’s the introduction of the Fashion Autumn Salon followed by the cinema one, it’s the realization that L’Inhumaine is the tilted point towards this new style and it’s the Art Deco Exhibition confirming fashion and cinema as arts, in this era called the Années folles
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Hardier, Thierry. "Les traces rupestres réalisées par les combattants de la guerre de 1914-1918 dans les creutes de l'Ainsne et de l'Oise". Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA4033.
Testo completoAbstract (sommario):
Dans l’Aisne et l’Oise, pendant la Grande Guerre, des combattants occupèrent des carrières souterraines (les creutes) qui leur servirent d’abris. Ils réalisèrent sur leurs parois calcaires des milliers de graffiti, de gravures et de bas-reliefs. Notre thèse entendait interroger cet énorme gisement de témoignages rupestres qui nous autorise à l’élever à la fois au rang de phénomène et de source directe. L’étude des traces rupestres a été menée en deux phases. Tout d’abord, pour leur inventoriage, nous avons visité 338 sites. Ensuite, à partir de l’inventaire constitué (4 566 traces), notre approche méthodologique, par l’intermédiaire d’une base de données, s’est fondée sur une analyse quantitative et sérielle des témoignages relevés. Lors de l’analyse de ce corpus, nous avons également confronté ces traces avec d’autres sources. En définitive, notre étude a été guidée par ces questions : quelle est la nature de cette source, son intérêt, son originalité mais aussi ses limites ? Contribue-t-elle à porter un regard nouveau, dans les domaines de l'histoire sociale et culturelle qui interrogent les combattants de la Grande Guerre ? Et dans ces domaines, met-elle en lumière des différences significatives entre Français, Allemands et Américains ?Pour proposer des réponses à ces questionnements, la première partie de cette thèse a eu pour objet de replacer le phénomène rupestre dans son contexte militaire et son environnement géographique. La seconde partie de la thèse a décrit, d’un point de vue formel, le phénomène rupestre puis a interrogé ses déterminants. Enfin, une dernière partie s’est attachée à analyser le contenu des traces rupestresIn Aisne and Oise, during the Great War, soldiers occupied underground quarries (called the "creutes") and used them as shelters. On the calcareous walls of these caves, they produced thousands of graffiti, engravings and low reliefs. Our thesis aimed at analysing that huge amount of rupestrian testimonies which allows us to consider it both as a phenomenon and as a direct source. The study of the rupestrian traces has been carried out in two phases. First, we visited 338 sites to establish an inventory. Then, from the inventory (4 566 traces), our methodological approach was based on a quantitative and serial analysis of the testimonies thanks to a database. During the analysis of the corpus, we also confronted those traces with other sources. Eventually, our study was carried out according to the following questions: what is the nature, the interest, the originality but also the limits of that source? Does it contribute to viewing the domains of social and cultural history, as far as the Great War soldiers are concerned, in a new way? And in all those fields, does it bring significant differences between French, German and American soldiers into light?To try and give answers to these questions, the first part of this thesis aimed at replacing the rupestrian phenomenon in its military context and its geographical environment. The second part of the thesis described, from a formal point of view, the rupestrian phenomenon and analysed the elements that determined it. Finally the last part was dedicated to the analysis of the content of the rupestrian traces
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Cohen, Emmanuel. "Le théâtre nondramatique : le théâtre des avant-gardes parisiennes des années 1940 aux années 1930 : Gertrude Stein, Dada, surréalisme". Amiens, 2014. http://www.theses.fr/2014AMIE0015.
Testo completoAbstract (sommario):
Le théâtre nondramatique désigne une conception et une pratique du théâtre propre aux avant-gardes historiques parisiennes, et plus particulièrement à Gertrude Stein, aux dadaïstes et aux surréalistes. Bien qu'elles soient davantage connues pour leurs autres pratiques comme la littérature, la poésie ou la peinture, voire pour leur refus de la catégorie d'art même, le théâtre semble cependant hanter leurs productions et leurs discours. Par le refus des conventions du théâtre dramatique - de la structure narrative à la présence de personnages et à celle d'acteurs pour les incarner - Gertrude Stein, Dada et le surréalisme développent tous à leur façon une oeuvre théâtrale critique qui forment ensemble un panorama de l'antithéâtralisme propre à la modernité, mais aussi un répertoire des alternatives et variantes pensées par rapport au théâtre. Les théâtres de Gertrude Stein, de Dada et des surréalistes sont analysés au prisme des révolutions scientifiques et philosophiques de leur époque, parmi lesquelles les théories de William James se révèlent fondamentales. Dans ce contexte, les "conversation" et "landscape plays" de Stein, les soirées dadaïstes et les nombreux manifestes, comme leurs pièces de théâtre sont compris comme autant de tentatives de redéfinir le théâtre. Le théâtre nondramatique est ainsi compris comme un ensemble de théâtralités fondées sur la redéfinition de l'acte théâtral, comme la primauté du verbe, celle de l'acte performatif, et de la refonte de la communication théâtrale entre l'oeuvre et le spectateur-lecteur. De nouvelles définitions du sujet et du théâtre se font alors jour au carrefour des trois concepts esthétiques fondamentaux pour les avant-gardes : la métâthéâtralité comprise comme métalepse ontologique, la simultanéité et enfin le primitivismeNondramatic theater refers to a theatrical conception and an artistic practice developed by the historical Parisian avant-gardes, and more precisely by Gertrude Stein, Dadaists, and surrealists. Even though they are more commonly acknowledged for their other achievements in literature, poetry or painting, or even for their rejection of art as a category, yet, theater seems to haunt their productions and discourse. By their refusal of dramatic conventions - from the narrative structure, to the characters and the actors to incarnate them - Gertrude Stein, Dada and surrealism all develop their own critical theatrical works which form together a panorama of the antitheatricalism proper to the Modern era, but also some alternatives and variations to it thought in relation to theater. The plays by Gertrude Stein, Dada and Surreaslim are analyzed through the lens of the scientific and philosophical revolutions of their time, among which William James' theories are fundamental. Stein's conversation and landscape plays, but also the Dada evenings and the numerous manifestoes, can be considered as a variety of attempts to redefine what is theater. Nondramatic theater is thus understood as a set of theatricalities based on the redefinition of the theatrical art, like the primacy of speech, of the performative act, and the revision of the theatrical communication between the artwork and the spectator-reader. New definitions of the subject and of the theater reveal themselves at the crossroads of three aesthetical concepts that are fundamental for the avant-garde : metatheatricality understood as an ontological metalepsis, simultaneity, and finally Primitivism
Libri sul tema "Années 1910 – Arts – France"
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Liliane, Meffre, e Salazar-Ferrer Olivier, a cura di. Carl Einstein et Benjamin Fondane: Avant gardes et émigration dans le Paris des années 1920-1930. Bruxelles: Lang, 2008.
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Chloé, Braunstein, Germain Éric e Passage de Retz (Gallery), a cura di. Les années Staudenmeyer: 25 ans de design en France. Paris: Norma, 2009.
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Alluchon, Marion. Primitifs modernes?: Définir l'art naïf en France dans les années 1930. Lyon: Fage, 2022.
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Musée du Prieuré (Yvelines, France). Musée du Prieuré: Cinq années d'acquisitions, 1980-1985. Yvelines [France]: Musée départemental du Prieuré, 1985.
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Pompidou, Centre Georges, a cura di. Une histoire: Art, architecture, design, des années 1980 à nos jours. Paris: Editions Flammarion, 2014.
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6
Faure, Julie. En scène: Lieux de spectacle en Île-de-France, 1910-1940. Lyon: Lieux dits éditions, 2021.
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Trespeuch, Hélène. La crise de l'art abstrait: Récits et critique en France et aux Etats-Unis dans les années 1980. Rennes: Presses universitaires de Rennes, 2013.
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Chaissac, Gaston. Gaston Chaissac, 1910-1964: 17 juin-18 septembre 1988, Alençon, Musée des beaux-arts et de la dentelle. Alençon: Le Musée, 1988.
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Gallery, Marlborough, a cura di. Jacques Lipchitz: Sculpture 1910-1940 : the Paris years. New York: Marlborough Gallery, 1996.
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Bernard, Yves-Michel. Origine et création des fonds régionaux d'art contemporain: 1981-1986 : les années militantes. Saint-Denis de La Réunion]: Éditions Ter'la, 2015.
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Saunders, Nicholas J. "Travail et nostalgie sur le front de l’Ouest : l’Art des tranchées chinois et la Première Guerre mondiale". In Les travailleurs chinois en France dans la Première Guerre mondiale, 427–42. Paris: CNRS Éditions, 2012. http://dx.doi.org/10.4000/books.editionscnrs.17106.
Testo completoAbstract (sommario):
L’expérience chinoise de la Première Guerre mondiale sur les zones de combat de France et de Belgique offre des perspectives uniques sur la manière dont les êtres humains appréhendent le sens complexe et souvent indéfinissable de leurs actes, la façon dont ils transposent leur identité dans la culture matérielle et la représentation qu’ils se font d’eux-mêmes par rapport aux autres. Dans le répertoire caractéristique d’objets fabriqués par les travailleurs chinois entre 1916 et le début des années 1920, on trouve des aspects personnalisés de la culture chinoise traditionnelle, de la modernité, de la guerre industrialisée, du paysage, du commerce et de la nostalgie des Chinois déplacés à travers le monde par le conflit moderne. Jusqu’ici, on a porté peu d’attention aux objets d’art chinois fabriqués pendant et après la guerre, malgré le récent regain d’intérêt intellectuel manifesté pour le rôle des travailleurs chinois (ceux sous contrôle français et le Chinese Labour Corps (CLC) sous contrôle britannique)2. Dans cet article, j’étudie brièvement une série de ces objets qui font partie de ce que l’on appelle communément l’« Art des tranchées3 », dans le but d’élucider le vaste réseau de questions conceptuelles susmentionnées.
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Faucher, Charlotte. "Gender and High-Society Cultural Diplomacy, 1900–1913". In Propaganda, Gender, and Cultural Power, 45–75. British Academy, 2022. http://dx.doi.org/10.5871/bacad/9780197267318.003.0003.
Testo completoAbstract (sommario):
This chapter examines the creation and rise of a new diplomatic practice: high-society cultural diplomacy. This original strategy exploited long-standing ideas about a ‘French singularity’ among upper- and upper-middle-class British audiences, echoing essentialist discourses that suggested that France was at the pinnacle of polite society. In Edwardian Britain, forms of French bourgeois leisure became tools for presenting a positive, and often gendered image of France to an elite audience. In particular, salon-like events that reproduced practices implemented in France (at Yvonne Brisson's Université des Annales for example) were central to high-society cultural diplomacy. The female diplomats who employed this strategy, in particular Marie d'Orliac, engaged with the cultural and social aspirations of some pockets of the British elite and channelled their enduring Francophilia. At the same time, high-cultural diplomacy had a policing effect on French arts in Britain. When French cultural productions failed to project an image of polite, bourgeois France, champions of high-society cultural diplomacy intervened to limit their dissemination in Britain. High-society cultural diplomatic practices were certainly divisive, yet they defined a blueprint that many stuck to or drew inspiration from until the end of the Second World War.
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"Les années soixante en France : une décennie sous LSD". In Arts drogués, 39–52. Presses universitaires de Paris Nanterre, 2013. http://dx.doi.org/10.4000/books.pupo.8228.
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Dornel, Laurent. "22. Xénophobie et « blanchité » en France dans les années 1880-1910". In De quelle couleur sont les blancs ?, 214–23. La Découverte, 2013. http://dx.doi.org/10.3917/dec.lecle.2013.02.0214.
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Chimenes, Myriam. "La Vie Musicale Sous Vichy, 1940-1944". In Musicology And Sister Disciplines Past,Present,Future, 541–43. Oxford University PressOxford, 2000. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780198167341.003.0078.
Testo completoAbstract (sommario):
Abstract Reunissant musicologues et historiens, cette session s’inscrivait dans le theme general de ce congres, ‘Musicologie et disciplines soeurs’, et temoignait de la necessite, pour traiter certains sujets, d’etablir partenariat entre des representants des deux disciplines. La vie culturelle des annees noires a suscite depuis une quinzaine d’annees des etudes historiques essentiellement ccntrees sur la litterature, Jes arts plastiques, le theatre, et le cinema. Evoquee parfois de maniere anecdotique, la musique est demeuree absente dice champ de recherches, cequi explique la formation, a )’initiative des musicologues, d’un groupe de recherche pluridisciplinaire sur ‘La vie musicale en France pendant la Scconde Guerre mondiale’,1 dont Vichy constitue le coeur. Les recherches en cours visent a determiner les incidences du temps de guerre d’une part sur Jes carrieres des musiciens, sur la reception des oeuvres, et sur leur esthetique, d’autre part sur certaines formes de sociabilite, la frequcntation des concerts OU la pratique en amateur devant etre considerees comme des derivatifs aux difficultes de la vie quotidienne. Une synthese devrait permettre d’evaluerles persecutions et de mesurer Jes engagements.
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RENAUDEAU, Claude. "Les préparatifs industriels et tactiques allemands". In Médecine et Armées Vol. 45 No.1, 7–14. Editions des archives contemporaines, 2017. http://dx.doi.org/10.17184/eac.7448.
Testo completoAbstract (sommario):
L’Empire allemand proclamé par le chancelier Bismarck le 18 janvier 1871 et placé sous l’autorité du roi de Prusse a connu un essor démographique ainsi qu’une prospérité économique, militaire, scientifique et technique. De ce fait, il devint sous Guillaume II, dans les années 1910, la première puissance économique et militaire européenne, dotée de grandes industries comme KRUPP, SIEMENS ainsi qu’AGFA, BAYER et BASF pour la chimie. Au plan tactique, l’objectif de l’Allemagne est de disposer d’une armée suffisamment puissante capable de vaincre rapidement la France avant de s’attaquer ensuite à la Russie. Pour cela, une guerre de mouvement fut décidée par le commandement Allemand en 1914. La tactique consistait à contenir les troupes françaises sur le front est et de les contourner par le front ouest en passant par le Luxembourg et la Belgique de façon à les encercler. Mais face à la résistance adverse, cette guerre de mouvement céda rapidement la place à une guerre de positions qui s’installa dans la durée. Le commandement chercha alors un moyen de sortir l’armée de cette situation. Il s’intéressa aux sous-produits de l’industrie des colorants, notamment le chlore et le phosgène. Le chimiste Fritz Haber essaya de militariser ces composés afin de les utiliser à grande échelle dans l’espoir que l’Allemagne puisse rapidement triompher.