Tesi: "Années 1910 – Arts – France"

1

Barbut, Clélia. "Corps à l'oeuvre, à l'ouvrage et à l'épreuve : sociohistorique des arts de la performance, années 1970". Doctoral thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25980.

Testo completo

Abstract (sommario):

"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.
« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

2

Girel, Sylvia. "La réception des arts visuels contemporains dans les années 90 : les lieux de diffusion de l'art à Marseille et leurs publics". Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0084.

Testo completo

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

3

Gleyze, Valentin. "Alina Szapocznikow à Paris (1963-1973) : une histoire culturelle du champ élargi de la sculpture en France au tournant des années 1960". Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2023. http://www.theses.fr/2023REN20042.

Testo completo

Abstract (sommario):

La dernière décennie de carrière de la sculptrice polonaise Alina Szapocznikow (1926-1973) à Paris constitue un cas d'étude particulièrement riche pour l'histoire de l'art. De fait, si la production de l'artiste entre son installation définitive dans la capitale française en 1963 et son décès en 1973 relève bien de la sculpture, elle en conteste les moyens traditionnels. Son recours au plastique, au moulage, aux objets readymades, sa dématérialisation croissante (en lien avec l'art conceptuel), son statut utilitaire (dans le cas d'objets de design) la pousse vers ce qu'on a pu nommer le << champ élargi » de cette catégorie, de façon très singulière. La thèse vise ainsi à ouvrir l'œuvre de Szapocznikow, à l'aune d'une histoire culturelle de ce champ élargi de la sculpture, qui la situe dans une histoire des matériaux, des expositions, de la critique d'art et du marché, en la faisant dialoguer avec d'autres artistes qui lui sont contemporain es. Notre étude est construite en deux moments, qui sont deux dépliages de la production de Szapocznikow à Paris. La première partie porte sur les expérimentations de Szapocznikow, et d'autres artistes, autour de l'objet utilitaire, dans le sillage de l'exposition « Antagonismes 2 - L'Objet » organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs, qui provoque un débat essentiel à l'égard du rôle joué par les artistes dans l'invention des « formes utiles ». La seconde partie porte sur les dernières années de Szapocznikow, quand son expérience du cancer ravivant le traumatisme des camps de concentration aboutit à une mythologie individuelle qui sert une narration de soi comme corps se préparant à mourir de façon prochaine
The last decade of the Polish sculptor Alina Szapocznikow's (1926-1973) career in Paris is a particularly rich case study for art history. Indeed, while the artist's work between her establishment in the French capital in 1963 and her death in 1973 belonged to sculpture, she challenged its traditional means. Its use of plastic, moulding and readymade objects, its increasing dematerialisation (in connection with conceptual art) and its utilitarian status (in the case of design objects) pushes its towards what has been called the "expanded field" of this medium, in a very singular way. The thesis thus aims to open up Szapocznikow's work in the light of a cultural history of this expanded field of sculpture, situating it within a history of materials, exhibitions, art criticism and the market, and placing it in dialogue with other artists of its time. Our study is divided into two parts which are two unfoldings of Szapocznikow's production in Paris. The first part looks at Szapocznikow and other artists' experiments with the utilitarian object, in the wake of the 1962 exhibition "Antagonismes 2 – L'Objet" at the Musée des Arts Décoratifs, which sparked a vital debate about the role played by artists in inventing "useful forms”. The second part focuses on Szapocznikow's final years, when her experience of cancer reviving the trauma of the concentration camps results in an individual mythology that serves a narrative of the self as a body preparing for imminent death

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

4

Schenck, Cécile. "De la crise de l'homme moderne à la construction de l'homme nouveau dans les arts du spectacle (théâtre et danse) français et allemands des années 1880-1920". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030152.

Testo completo

Abstract (sommario):

Ma thèse porte sur l’utopie d’un Homme nouveau, censée remédier à la crise européenne de l’homme moderne apparue dès la fin du XIXe siècle, et sur les différentes conceptions du lien social rattachant l’individu à la collectivité dans deux domaines d’expression : le théâtre et la danse, dont les diverses manifestations dans le champ des arts du spectacle français et allemands reflètent un large spectre de significations esthétiques, morales, idéologiques et politiques, révélateur des profondes mutations culturelles des années 1880-1920. À un moment de grande effervescence politique et intellectuelle liée à l’Histoire européenne, artistes et intellectuels ne cessent d’invoquer la nécessité d’un changement radical de l’homme et du monde. C’est dans les arts du spectacle que cet espoir paraît certes le plus vif, mais aussi le plus ambivalent : dramaturges et chorégraphes tendent en effet à substituer à l’idée proprement révolutionnaire la thématique d’une conversion et d’une rédemption spirituelles, devant réconcilier l’individu avec lui-même et avec sa communauté, comme le montrent, des deux côtés du Rhin, les œuvres d’inspiration wagnérienne dans les années 1880-1920. Des dernières pièces de Villiers de l’Isle-Adam au théâtre mystique de Péladan et aux drames préchrétiens du jeune Claudel, des premières mises en scène chorales de Rudolf Laban aux représentations parisiennes des Ballets russes et suédois, du Théâtre du peuple à la scène futuriste et au Bauhaus, le rêve d’une œuvre d’art totale est indissociable d’une réflexion multiforme sur les possibilités d’un renouveau esthético-religieux de l’humanité décadente
My thesis bears on the utopia of the New Man, which is supposed to be a remedy to the crisis of the modern man at the end of the 19th century. It also bears on the different conceptions of the social ties by means of which the individual is attached to the community ; it explores these conceptions in two domains of expression : theater and dance, whose diverse manifestations in the field of the French and German arts of expression reflect a large spectrum of esthetic, moral, ideological and political significances. Those manifestations reveal the profound cultural mutations of the years 1880-1920. In a time of great political and intellectual effervescence related to the particular moment of European history, artists and intellectuals incessantly evoke the neccessity of a radical change of the man and the world. It is in the arts of spectacle that this hope appears in its most vivid, but also in its most ambivalent : dramatists and choreographs have the tendency to replace to a properly revolutionary idea by the thematics of a spiritual conversion and redemption, that should reconcile the individual with herself and her community, as we can see, on both sides of the Rhin river, the works inspired by Wagner in the years 1880-1920. From the last pieces of Villiers de l’Isle-Adam to the mystical theater of Péladan and the pre-christian pieces of young Claudel, from the first choral stagings of Rudolf Laban to the parisian representations of the Russian and Swedish ballets, from the People’s Theater to the futurist scene and to the Bauhaus, the dream of a total work of art is indissociable from a manifold reflexion on the possibilities of an esthetic and religious renewal of decadent humanity

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

5

Roubaud-Quashie, Guillaume. "Les jeunes communistes en France (1944 - fin des années 1970) : les mutations d'une expérience politique en milieux juvéniles et populaires". Thesis, Paris 1, 2020. http://www.theses.fr/2020PA01H048.

Testo completo

Abstract (sommario):

Dans une perspective d’histoire sociale du politique, la thèse interroge une rencontre rare : celle entre de substantielles fractions de la jeunesse des milieux populaires, d’une part, et, de l’autre, des structures politiques, en l’espèce les organisations communistes juvéniles françaises, de la Libération jusqu’aux années 1970. En amont, elle explore les matrices et les voies de politisation de ces jeunes que l’âge, l’ancrage social et, pour les filles, le sexe, n’ont pas maintenu à l’écart de l’engagement politique organisé. En aval, elle met au jour deux modèles distincts avec leurs configurations propres et leur écho respectif, en précisant les conditions de mutation du premier – lié au mouvement de jeunesse, avec une forte présence ouvrière – vers le second – dominé par une jeunesse scolarisée, porteuse d’autres horizons et pratiques
As an essay of social history of politics, this work deals about a rare encounter: that one between significant fractions of working class youth, on the one hand, and, on the other, political structures, French juvenile communist organizations, from the Liberation to the 1970s. Upstream, it explores the matrices and ways of politicization of these young. Downstream, it uncovers two distinct models with their own configurations and their respective echoes. It specifies the conditions of mutation of the first one – linked to the youth movement, with a major working class presence – towards the second one – dominated by educated youth with its own horizons and practices

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

6

Koering, Elise. "Eileen Gray et Charlotte Perriand dans les années 1920 et la question de l'intérieur corbuséen : essai d'analyse et de mise en perspective". Versailles-St Quentin en Yvelines, 2010. http://www.theses.fr/2010VERS013S.

Testo completo

Abstract (sommario):

En 1929, la créatrice irlandaise Eileen Gray et l’architecte roumain Jean Badovici achèvent l’édification de leur grand œuvre : la villa E 1027. La même année, Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand dévoilent au public parisien et à l’élite internationale le résultat de leurs recherches sur le mobilier en tubes d’acier et le rangement standard : l’« équipement intérieur d’une habitation ». Deux collaborations, deux propositions tenues de résoudre la question de l’intérieur moderne. Notre thèse se propose d’étudier, et d’analyser en les confrontant, l’œuvre de Charlotte Perriand et d’Eileen Gray dans les années 1920, années au cours desquelles elles tentent de définir une nouvelle manière d’habiter et de dépasser leur pratique de décoratrice pour penser en architecte. Une analyse qui se donne pour objectif de replacer les deux créatrices dans leur contexte artistique tout en mettant fortement en lumière la réflexion corbuséenne en matière de mobilier et d’aménagement intérieur
The Irish furniture designer Eileen Gray and the Romanian architect Jean Badovici complete their life’s great work: the house E 1027. In the meanwhile, Le Corbusier, Pierre Jeanneret and Charlotte Perriand bring to light, to the Parisian public and the international elite, the result of their research about movable furniture made of tubular steel frames, and manufactured-type storage, called as “The Equipment of Habitation”. Two collaborations, two propositions standing for answering the question of Modern Interior. Our thesis intends to study the works of Charlotte Perriand and Eileen Gray in the 20’s, then to analyse by comparing their ideas and achievement. During this decade, both of these artists attempted to define a new organizational way of housing, and to think not only as a designer anymore but also as an architect. The purpose of this discussion is to set these two artists back in their artistic context while bringing out the Corbusier thought about furniture and interior layout

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

7

Théault, Chloë. "Regards sur l'histoire de l'art des années 1930 : d'après les catalogues d'expositions français et britanniques des années 1960 et 1970". Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082463.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette analyse porte sur l’écriture de l’histoire de l’art des années 30 par les premiers catalogues d’expositions britanniques et français qui lui sont consacrés, dans les années 60 et 70. Le silence des lieux d’expositions sur l’art des années 30 est d’abord questionné : les rôles joués par la demande sociale, par la pratique de l’histoire et par celle de l’histoire de l’art sont interrogés. Une explication à l’émergence de l’art des années 30 à partir des années 60 et 70 est ensuite proposée. Il est noté que la séquence temporelle de la seconde guerre prend alors fin et que l’évolution des pratiques historienne et art-historienne a permis de penser les années 30. Enfin, l’écriture des catalogues d’expositions est analysée. La position des catalogues face au paradigme moderniste est d’abord étudiée, et il est ensuite montré que les évolutions produites dans le champ des sciences sociales se donnent à lire dans les catalogues
This analysis deals with the writing of the art history of the 1930s by the first French and British exhibitions catalogues dedicated to it, during the ‘60s and ‘70s. We first question the silence of the museums and galleries on the art of the ‘30s : the role played by social demand, historical analysis and art history practice are examined. An explanation of the emergence of the art of the ‘30s during the ‘60s and ‘70s is then proposed. We underline the fact that the temporal sequence of the second world war comes to an end during the ‘60s and that the evolution of the practices of history and art-history then allowed to think the ‘30s. Finally, the writings of the exhibitions catalogues are analyzed. We examine the position of the catalogues in relation to the modernistic paradigm, then, we show that the evolutions that occurred in the social sciences after the 1930s are nascent in these catalogues

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

8

Arzatian, Céline G. "Mode et cinéma en france de 1896 à 1930. Comment habille-t-on les actrices et acteurs ?" Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030022.

Testo completo

Abstract (sommario):

À travers une étude générale de l’organisation et de l’évolution des costumes au cinéma en France, du début du cinématographe jusqu’à la fin du muet, l’ambition de cette thèse est d’étudier les liens qui se sont créés entre la mode et le cinéma par le biais des maisons de couture participant à la confection des costumes de la vedette principalement. Il s’agit également de montrer quel a été l’impact de l’arrivée d’un professionnel de l’écran : le créateur de costume dans la conception des costumes d’un personnage. Cette thèse analyse à travers les dimensions historiques, humaines, économiques, esthétiques, la création et l’évolution du costume au cinéma. La première partie aborde les débuts du cinématographe, le rôle des opérateurs Lumière tournant leurs premières vues « mises en scène » avec des méthodes héritées du théâtre. Puis la thèse met en valeur les différentes pratiques mises en place par Georges Méliès pour habiller ses artistes et figurants à la Star Film. Elle s’attache ensuite aux premiers acteurs célèbres confrontés à l’utilisation d’un costume particulier pour créer leur personnage : Max Linder, Charles Chaplin et Pearl White. La deuxième partie s’intéresse à la manière dont le cinéma français s’est servi de la mode dans les films pour tenter de rivaliser avec le cinéma américain. Puis, dans une troisième et quatrième partie, l’analyse s’attache au travail de la maison de couture lorsque celle-ci est appelée à créer et prêter des vêtements sous l’impulsion du réalisateur ou à exécuter sous l’autorité du créateur de costumes, les vêtements de la vedette pour des fictions à costumes ou à sujet contemporain. Enfin la cinquième partie relève les points de convergence entre ces deux arts : la mode et le cinéma lorsqu’à la fin de la Première Guerre mondiale, les arts se stimulent mutuellement donnant naissance au nouveau style de cette époque. Le projet de Louis Delluc, qui s’inspire d’une revue de mode pour réaliser une revue de cinéma, mais également l’introduction au Salon d’Automne de la mode et du cinéma, puis la réalisation de L’Inhumaine comme point de bascule vers cette synthèse des arts, et enfin l’Exposition des Arts décoratifs qui contribuent à faire de la mode et du cinéma des arts complémentaires, modernes et emblématiques de la période dite des Années Folles
Through a general study of organisation and evolution of costumes in cinema in France, from the birth of the cinematograph to the end of the silent film era, the ambition of this thesis is to study the created links between fashion and cinema, looking at fashion houses participating in creating the costumes of the main movie star. It is also about highlighting what the impact of the costume designer in the costume conception of a character is. This thesis analyses the creation and the evolution of the costume in cinema, through the historical, human, economical and aesthetical perspectives.The first part tackles the birth of the cinematograph and the Lumiere’s operators capturing their first shots, created with the methods inherited from the theatre. Then, this thesis highlights how Georges Méliès styled his stars and extras at the Star Film. Moreover, it points out to the first movie stars realizing that their costumes begin to create their characters for Max Linder, Charles Chaplin and Pearl White. The second part addresses the way French cinema used fashion to try and compete with the American cinema. Then, in a third and fourth part, the analysis focuses on the work of the fashion house when it is called to create and lend (in response to the director) or to only execute (in response to the costume designer) the clothes of the lead actress, for costume movies or with a contemporary subject.Finally, the fifth part points out the convergence points between these two arts: fashion and cinema at a specific time, the end of WW1 where arts stimulate each other and create together the new style of this era. It’s also Louis Delluc’s project, inspired by a fashion review to create a cinema magazine, it’s the introduction of the Fashion Autumn Salon followed by the cinema one, it’s the realization that L’Inhumaine is the tilted point towards this new style and it’s the Art Deco Exhibition confirming fashion and cinema as arts, in this era called the Années folles

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

9

Hardier, Thierry. "Les traces rupestres réalisées par les combattants de la guerre de 1914-1918 dans les creutes de l'Ainsne et de l'Oise". Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA4033.

Testo completo

Abstract (sommario):

Dans l’Aisne et l’Oise, pendant la Grande Guerre, des combattants occupèrent des carrières souterraines (les creutes) qui leur servirent d’abris. Ils réalisèrent sur leurs parois calcaires des milliers de graffiti, de gravures et de bas-reliefs. Notre thèse entendait interroger cet énorme gisement de témoignages rupestres qui nous autorise à l’élever à la fois au rang de phénomène et de source directe. L’étude des traces rupestres a été menée en deux phases. Tout d’abord, pour leur inventoriage, nous avons visité 338 sites. Ensuite, à partir de l’inventaire constitué (4 566 traces), notre approche méthodologique, par l’intermédiaire d’une base de données, s’est fondée sur une analyse quantitative et sérielle des témoignages relevés. Lors de l’analyse de ce corpus, nous avons également confronté ces traces avec d’autres sources. En définitive, notre étude a été guidée par ces questions : quelle est la nature de cette source, son intérêt, son originalité mais aussi ses limites ? Contribue-t-elle à porter un regard nouveau, dans les domaines de l'histoire sociale et culturelle qui interrogent les combattants de la Grande Guerre ? Et dans ces domaines, met-elle en lumière des différences significatives entre Français, Allemands et Américains ?Pour proposer des réponses à ces questionnements, la première partie de cette thèse a eu pour objet de replacer le phénomène rupestre dans son contexte militaire et son environnement géographique. La seconde partie de la thèse a décrit, d’un point de vue formel, le phénomène rupestre puis a interrogé ses déterminants. Enfin, une dernière partie s’est attachée à analyser le contenu des traces rupestres
In Aisne and Oise, during the Great War, soldiers occupied underground quarries (called the "creutes") and used them as shelters. On the calcareous walls of these caves, they produced thousands of graffiti, engravings and low reliefs. Our thesis aimed at analysing that huge amount of rupestrian testimonies which allows us to consider it both as a phenomenon and as a direct source. The study of the rupestrian traces has been carried out in two phases. First, we visited 338 sites to establish an inventory. Then, from the inventory (4 566 traces), our methodological approach was based on a quantitative and serial analysis of the testimonies thanks to a database. During the analysis of the corpus, we also confronted those traces with other sources. Eventually, our study was carried out according to the following questions: what is the nature, the interest, the originality but also the limits of that source? Does it contribute to viewing the domains of social and cultural history, as far as the Great War soldiers are concerned, in a new way? And in all those fields, does it bring significant differences between French, German and American soldiers into light?To try and give answers to these questions, the first part of this thesis aimed at replacing the rupestrian phenomenon in its military context and its geographical environment. The second part of the thesis described, from a formal point of view, the rupestrian phenomenon and analysed the elements that determined it. Finally the last part was dedicated to the analysis of the content of the rupestrian traces

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

10

Cohen, Emmanuel. "Le théâtre nondramatique : le théâtre des avant-gardes parisiennes des années 1940 aux années 1930 : Gertrude Stein, Dada, surréalisme". Amiens, 2014. http://www.theses.fr/2014AMIE0015.

Testo completo

Abstract (sommario):

Le théâtre nondramatique désigne une conception et une pratique du théâtre propre aux avant-gardes historiques parisiennes, et plus particulièrement à Gertrude Stein, aux dadaïstes et aux surréalistes. Bien qu'elles soient davantage connues pour leurs autres pratiques comme la littérature, la poésie ou la peinture, voire pour leur refus de la catégorie d'art même, le théâtre semble cependant hanter leurs productions et leurs discours. Par le refus des conventions du théâtre dramatique - de la structure narrative à la présence de personnages et à celle d'acteurs pour les incarner - Gertrude Stein, Dada et le surréalisme développent tous à leur façon une oeuvre théâtrale critique qui forment ensemble un panorama de l'antithéâtralisme propre à la modernité, mais aussi un répertoire des alternatives et variantes pensées par rapport au théâtre. Les théâtres de Gertrude Stein, de Dada et des surréalistes sont analysés au prisme des révolutions scientifiques et philosophiques de leur époque, parmi lesquelles les théories de William James se révèlent fondamentales. Dans ce contexte, les "conversation" et "landscape plays" de Stein, les soirées dadaïstes et les nombreux manifestes, comme leurs pièces de théâtre sont compris comme autant de tentatives de redéfinir le théâtre. Le théâtre nondramatique est ainsi compris comme un ensemble de théâtralités fondées sur la redéfinition de l'acte théâtral, comme la primauté du verbe, celle de l'acte performatif, et de la refonte de la communication théâtrale entre l'oeuvre et le spectateur-lecteur. De nouvelles définitions du sujet et du théâtre se font alors jour au carrefour des trois concepts esthétiques fondamentaux pour les avant-gardes : la métâthéâtralité comprise comme métalepse ontologique, la simultanéité et enfin le primitivisme
Nondramatic theater refers to a theatrical conception and an artistic practice developed by the historical Parisian avant-gardes, and more precisely by Gertrude Stein, Dadaists, and surrealists. Even though they are more commonly acknowledged for their other achievements in literature, poetry or painting, or even for their rejection of art as a category, yet, theater seems to haunt their productions and discourse. By their refusal of dramatic conventions - from the narrative structure, to the characters and the actors to incarnate them - Gertrude Stein, Dada and surrealism all develop their own critical theatrical works which form together a panorama of the antitheatricalism proper to the Modern era, but also some alternatives and variations to it thought in relation to theater. The plays by Gertrude Stein, Dada and Surreaslim are analyzed through the lens of the scientific and philosophical revolutions of their time, among which William James' theories are fundamental. Stein's conversation and landscape plays, but also the Dada evenings and the numerous manifestoes, can be considered as a variety of attempts to redefine what is theater. Nondramatic theater is thus understood as a set of theatricalities based on the redefinition of the theatrical art, like the primacy of speech, of the performative act, and the revision of the theatrical communication between the artwork and the spectator-reader. New definitions of the subject and of the theater reveal themselves at the crossroads of three aesthetical concepts that are fundamental for the avant-garde : metatheatricality understood as an ontological metalepsis, simultaneity, and finally Primitivism

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

11

Kawachi, Akiko. "Les artistes japonais à Paris durant les années 1920 : à travers le Salon de la Société des Artistes Français, le Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts, le Salon d’Automne, le Salon de la Société des Artistes Indépendants et le Salon des Tuileries". Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040188.

Testo completo

Abstract (sommario):

A la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, les artistes japonais s’installant à Paris sont peu nombreux. Cependant, après la Première Guerre mondiale, à partir de 1920, un grand nombre d’artistes japonais arrivent en France. Au total deux cent huit artistes japonais ont figuré dans les Salons parisiens durant la décennie entre 1920 et 1929. La plupart de ces artistes choisissent comme lieu de résidence le quartier de Montparnasse. A cette époque à Paris, dans le milieu des artistes travaillant la peinture à l’huile, dite « yô-ga », nous pouvons distinguer trois courants : Le premier circule autour de Foujita Tsugouharu, artiste de renom associant la peinture occidentale et l’art traditionnel du Japon. Le second regroupe un certain nombre de jeunes artistes, dont Saeki Uzo, attirés par la peinture occidentale et la peinture moderne de Montparnasse. Le troisième courant est de nature académique : dans la lignée de Kuroda Seiki, les artistes suivent l’enseignement des Académies parisiennes. D’autres artistes choisissent la voie d’un art plus indépendant, à l’instar de Tanaka Yasushi, Hasegawa Kiyoshi ou bien Oka Shikanosuke, mais leur nombre reste limité, comme par ailleurs ceux exerçant la technique de la peinture japonaise, dite « nihon-ga », et également ceux pratiquant la sculpture, la gravure, la laque et la tenture. Le résultat suite au dépouillement mené dans les centres de documentation et les fonds photographiques au Japon et en France prouve l’importance de la présence des artistes japonais sur la scène artistique à Paris durant les années 1920 et permet de comprendre les motivations et créations de ces artistes
During the end of the 19th century and the beginning of the 20th century, not many Japanese artists settled in Paris. However, after the First World War, starting from 1920, a large number of Japanese artists arrived in France. In total two hundred and eight Japanese artists appeared in Parisian Salons during the decade between 1920 and 1929. Most of these artists choose Montparnasse district as their residence. In Paris those days, amongst artists who worked on oil painting called « yô-ga » we can distinguish three movements. The first circulated around Fujita Tsuguharu, a renowned artist who associated the Western painting and the traditional Japanese art. The second gathered a certain number of young artists, such as Saeki Yuzo, who were attracted by the Western painting and the modern painting of Montparnasse. The third movement was of an academic nature: as Kuroda Seiki did, artists were following the teaching of Paris Academies. Other artists choose the route of a more independent art, following the examples of Tanaka Yasushi, Hasegawa Kiyoshi or Oka Shikanosuke, but the number of these artists remains limited, same as those who practiced the technique of Japanese painting, i.e. « Nihon-ga », and also those who practiced sculpture, engraving, lacquer painting, and hangings. The result of going through the data of the documentation centres and photography funds in Japan and in France proves the importance of the presence of Japanese artists on the artistic scenes in Paris during the 1920’s and allows us to comprehend the motives and creations of these artists

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

12

Pillard, Thomas. "Négociations identitaires : le film noir français face aux bouleversements de la France d’après-guerre (1946-1960)". Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100066.

Testo completo

Abstract (sommario):

Bien que le terme « film noir » soit généralement réservé au cinéma hollywoodien, cette appellation a en réalité été forgée dans la France des années 1930 pour désigner des films français, et elle renvoie plutôt à une forme transnationale, circulant entre l’Europe et Hollywood. C’est à ce titre que l’on se propose de l’étudier dans le cinéma hexagonal, en montrant que le genre noir s’inscrit en France dans le cadre d’une tradition ancienne, et en analysant l’évolution du « film noir français » après-guerre, selon une approche historique et culturelle. En postulant que le film noir est indissociable d’un discours sur la modernité, cette thèse montre qu’il existe trois actualisations de la forme « noire » dans la France de 1946-1960, qui témoignent chacune des ambivalences d’une nation en transition, devant négocier le basculement entre l’Occupation et l’entrée dans la société de consommation : le « réalisme noir » exprime un fort pessimisme ayant des implications nostalgiques, masculinistes et nationalistes ; la « série noire pour rire » propose au contraire une réappropriation ludique de l’Histoire et de la modernité ; le film de gangsters confronte des personnages vieillissants marqués par la guerre aux mutations contemporaines et à l’American way of life. Par sa diversité même, le film noir français illustre ainsi les contradictions de la France d’après-guerre : désireuse de se plonger dans l’avenir mais obsédée par son passé traumatique, en partie séduite par la « tentation américaine » mais déterminée à conserver sa « francité »
Although the term « film noir » is generally associated with Hollywood cinema, this generic label was originally coined in France in reference to French films made in the 1930s, and the « noir » genre defines a transnational form which circulated between Europe and Hollywood. We intend to study « noir » films in French cinema through this lens, highlighting that the genre is rooted in an old French tradition. Our analysis of the evolution of French film noir foregrounds historical and cultural aspects, positing that film noir articulates a critical discourse on modernity. This doctoral thesis shows that the « noir » form underwent changes which evidenced the ambivalence of identity in a nation in transition between 1946 and 1960, that had to negotiate the cultural shift from Occupation to the Consumer society : the « noir realism » cycle expressed a strong pessimism that has nostalgic, masculinist and nationalist implications, in opposition to the « série noire pour rire » which illustrated a playful reappropriation of History and modernity ; last but not least, gangster films built on the contrast between older characters, marked by the burdens of war, and contemporary mutations, including the development of the American way of life in France. Through its diversity, French film noir reveals the contradictions of post-war French society : the country was keen to dive into the future but obsessed with its traumatic past ; in part seduced by the « American model », it was however determined to keep its « French identity »

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

13

Prudon, Montserrat. "Les mouvements d'avant-garde entre Barcelone et Madrid (esthétique et idéologie) (1929-1936)". Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1991PA040223.

Testo completo

Abstract (sommario):

La these se propose d'etudier les differents courants qui, venus d'europe et surtout de paris, penetrent dans la peninsule iberique, creant un mouvement d'echange entre les deux capitales culturelles: barcelone et madrid. Les dates qui determinent la periode se justifient par leur signification historique ou culturelle: exposition internationale (1929) et guerre civile (1936). Plusieurs inedits (essai, correspondance) permettent de centrer le probleme selon les deux axes choisis: esthetique et ideologie. La reaction aux courants d'avant-garde determine pour la catalogne une prise de conscience proche du nationalisme et decide de l'attitude des milieux artistiques et litteraires, ce a quoi correspond la replique centralisante de la capitale. Les manifestations abordees sont a predominance litteraire (j. V. Foix, joan salvat-papasseit, jorge guillen, vicente aleixandre). Elles n'excluent pas, cependant, la prise en compte des revues d'art ou autres aspects de la creation d'ordre plastique ou musical: influence du cubisme, du surrealisme, et penetration problematique du dodecaphonisme. La recherche a ete menee selon une demarche plurielle associant depouillement de presse, approche textuelle ou analyse de l'oeuvre d'art. L'ensemble de ces etudes met en evidence que si barcelone joue bien le role de plaque tournante de toutes les avant-gardes, la confrontation aux esthetiques nouvelles entraine une prise de position au paln ideologique qui prepare l'eclosion du catalanisme
This thesis proposes us to study the various trends which (from europe and especially from paris) made their way into the iberian peninsula, thus generating a flow of exchanges between the two cultural capitals: barcelona and madrid. The dates which determine the period can be accounted for by their historical and cultural significants (universal exibition and civil war). Several unpublished works (essay, correspondance) made it possible to focus on the question in a perspective both aesthetic and ideological. In catalonia, the reaction to avant-garde trends aroused an awarness close to nationalism and determined the attitude of literary and artistic circles, a phenomenon echoed by the centralizing reaction of the capital. The events tackled here are predominantly literary. However, they do not preclude attention to artistic reviews or to other aspects of plastic or musical creation (such as influence of cubism or surrealism and the problematic penetration of serial music). The plural approach adopted in this research combines the perusal of the press, the critical study of text and the analysis of works of art. The resulting conclusions clearly show that, if barcelona did act as the core of all these avant-gardes, the confrontation with new aesthetics conditionned an ideological stand and heralded the dawn of catalanism

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

14

Dupont, Valérie. "Le discours anthropologique dans l'art des années 1920-1930 en France, à travers l'exemple des "Cahiers d'art"". Dijon, 1999. http://www.theses.fr/1999DIJOL008.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette thèse étudie le discours anthropologique tenu dans les pages de "Cahiers d'art", la revue de Christian Zervos, au cours des années 1920-1930. La première partie est consacrée au développement de l'ethnologie francaise, a ses fondements théoriques, ses méthodes, ses premiers résultats. Le second chapitre traite du contenu anthropologique dans "Cahiers d'art" dont la principale caractéristique tient à la relation établie avec l'ethnologue allemand Leo Frobenius, auteur entre 1929 et 1930 de plusieurs articles pour la revue, en rapport avec ses recherches effectuées en Afrique. Sur différents points mis en lumiere, les idées du savant sont rapprochées de celles de Christian Zervos, de sorte que l'orientation humaniste apparaît clairement dans le programme de la revue. Mais la valorisation des cultures et des objets tribaux au sein de "Cahiers d'art" coïncide également avec une attitude de contestation des valeurs occidentales, laquelle est comparée aux réflexions de l'auteur allemand Oswald Spengler développées dans son ouvrage "Le déclin de l'Occident". Cette connivence intellectuelle établie (entre Zervos, Frobenius, Spengler), le regard porté par Zervos sur les productions tribales, archaïques et préhistoriques est considéré à partir de l'ensemble de ses contributions (y compris les livres). Le troisième chapitre est consacré aux cercles artistiques ayant noué des relations étroites avec le milieu de l'ethnologie, en particulier celui des surréalistes : le groupe d'André Breton, celui de Georges Bataille et de la revue "Documents" ainsi que l'écrivain ethnologue Michel Leiris. La derniere partie soulève l'importance de la discipline ethnologique dans la réintroduction du sujet humain dans l'art, en tant que motif representé et comme élément déterminant du discours sur l'art des annees 30. L'humanisme de "Cahiers d'art" doit, dans ce débat trouver sa place singulière
This thesis studies the anthropological discourse found in the pages of "Cahiers d'art", the journal produced by Christian Zervos during the twenties and thirties. The first part of the thesis deals with the development of French ethnology; its theoretical bases, its methods and its initial results. The second chapter deals with the anthropological content of "Cahiers d'art", which draws from the German ethnologist Leo Frobenius who wrote a number of articles for the journal between 1929 and 1930, based on his research carried out in Africa. On a number of points Frobenius' ideas seem close to those of Christian Zervos, in such a way that the humanist approach becomes clear in the agenda of the journal. But the valorisation of tribal cultures and objects at the heart of "Cahiers d'art" also coincides with an attitude which contested western values, comparable to the analysis of the German writer Oswald Spengler which was developed in his book "The decline of the West". In the context of this intellectual connivance between Zervos, Frobenius and Spengler, Zervos' approach to archaic and prehistoric tribal productions is considered by looking at his entire contribution, including his books. The third chapter deals with the artistic circles which established a close relationship with the ethnological milieu, in particular those of the Surrealists : the group centred around both André Breton and Georges Bataille, and the revue documents; as well as the writer and ethnologist Michel Leiris. The last section raises the importance of the discipline of ethnology in the re-introduction of the human subject, both as represented image and as a determining element of art discourse in the thirties. The humanism of "Cahiers d'art' will, in this debate, find its own particular place

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

15

Krebs, Sophie. "L'Ecole de Paris, une invention de la critique d'art des années vingt". Paris, Institut d'études politiques, 2009. http://www.theses.fr/2009IEPP0045.

Testo completo

Abstract (sommario):

L’Ecole de Paris est née en 1923 au cours d’une querelle dite « des étrangers » ou des « Indépendants » au moment de l’organisation des salons de 1923 et 1924. La critique d’art, celle favorable aux étrangers, a inventé cette notion pour séparer les étrangers installés depuis longtemps en France des vrais étrangers, en s’appuyant sur le constat d’une immigration forte notamment à Montparnasse. Grâce à sa position dominante dans la presse et l’édition, elle a révélé les réseaux d’artistes qui unissent Français et étrangers, écrivains et artistes fondés sur une entraide mutuelle. Ces réseaux traversent ceux d’un anarchisme diffus mais bien présent. Cette même critique a fabriqué mythes et légendes individuelles ou collectives d’un Paris accueillant et prompte à faire éclore tous les talents venus du monde entier. Pourtant, derrière cet universalisme revendiqué, la critique au cours de ces années 20 révèle des positions de plus en plus divergentes, passant d’un cosmopolitisme généreux à un nationalisme frileux, pouvant même amener à une xénophobie plus marquée au nom de la défense de l’art français. La question de l’antisémitisme accompagne le débat sur les étrangers, posant parallèlement la question d’une école juive (de Paris) ou d’un art juif. Enfin, au début des années 30 qui marque la fin de l’Ecole de Paris, les institutions muséales séparées en deux, le Jeu de Paume réservé aux étrangers et le Luxembourg aux seuls français, s’emparent de la notion d’Ecole de Paris pour introduire la modernité sur les cimaises. La naissance du musée national d’art moderne qui réunit les deux collections ne résout pas le problème qui établissait une distinction « ethnique » et non artistique
« L’Ecole de Paris », was launched in 1923, in the course of a quarrel said « Quarrel of the Independants », during the organization period of the 1923 and 1924 « Salon ». The art critics, who were in favor of the foreigners, invented this notion to distinguish the foreigners installed in France for a long time, from the true foreigners. They were relying on the fact that a strong immigration movement could be observed in Montparnasse. Thanks to its dominating position in the Press and in the publishing business, this movement revealed artistic networks, which were associating French and foreigner writers and artists, and which were grounded on mutual aid. These networks were crossed with diffuse but very present anarchistic networks. The same art critics fabricated individual or collective myths and of a welcoming city of Paris, which would be eager to let blow all talents from the entire world. Yet, behind this claimed universalism, artcriticism revealed divergent positions along the 1920s, from generous cosmopolitism, to overcautious nationalism, even to a more affirmed xenophobia in the name of the defense of French art. The question of anti-Semitism goes along with the debate on foreigners, and at the same time raises the question of a Jewish School of Paris and Jewish art. At last, in the beginning of the 1930s, a time which marked the end of the “Ecole de Paris”, the museums then grabbed the notion of “Ecole de Paris” in order to introduce modernity. The new “Musée national d’art moderne”, which bound the two collections, does not solve the question which established an “ethnic” distinction, and not an artistic one

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

16

Gardon, Sébastien. "Gouverner la circulation urbaine : des villes françaises face à l’automobile (années 1910 - années 1960)". Thesis, Lyon 2, 2009. http://www.theses.fr/2009LYO20049/document.

Testo completo

Abstract (sommario):

Notre thèse porte sur l’analyse du gouvernement de la circulation urbaine pour la période allant des années 1910 aux années 1960. Elle s’appuie sur un travail de terrain constitué principalement d’une monographie du cas lyonnais que nous avons enrichie à partir d’autres exemples urbains (Marseille, Lille, Bordeaux, Nice, Saint-Étienne, Villeurbanne). Nos sources sont principalement constituées de fonds d’archives municipaux, mais également nationaux (des ministères concernés), internationaux (SdN, ONU) et d’autres documents de première main (archives privées et consulaires, périodiques). Notre travail se structure autour de deux grandes questions concernant l’analyse de l’action publique urbaine : la construction et l’identification d’un problème public ; la régulation d’un secteur d’intervention publique. Ces deux niveaux d’analyse sont appréhendés au niveau des scènes locales, nationales ou transnationales, de discussion des problèmes automobiles. En questionnant la structuration des pouvoirs urbains, on peut mettre en évidence l’existence d’un gouvernement par commissions, rassemblant des institutions et des acteurs divers et éclatés, et concourant à une co-production de l’expertise et de l’action publique en matière de circulation urbaine. Cette étude sur un temps long permet de montrer que, dans ce secteur, des formes de « gouvernance » articulant intérêts privés et enjeux publics ont émergé progressivement et se sont structurés au moment même où l’automobile devenait un enjeu urbain et un problème public central pour les villes du XX° siècle. Le gouvernement de la circulation urbaine constitue un excellent observatoire de la dynamique de constitution des pouvoirs urbains autour de dispositifs d’action publique pluralistes et largement participatifs qui renvoient au final à des débats situés au cœur même de la science politique contemporaine (pluralisme, gouvernance, réseaux, interfaces public/privé, démocratie participative...)
Our thesis investigates the expansion of urban traffic from the early 1910s to the late 1960s. Initially built around the case of Lyon, one of the major French cities nowadays, the study also refers to the situation of others places -namely Marseille, Lille, Bordeaux, Nice, Saint-Etienne and Villeurbanne- in order to further underline the specificities -or lack of- of the city of Lyon. Not only does it rely on municipal archives, but also on national and international archives and periodicals issued by either public authorities or private bodies. Two main themes of interest structure the dissertation: the social construction of a public problem and the related regulation of public intervention. We investigate them through the study of local, as well as national and international, debates over the place of the car in the city. By focusing more precisely on urban governance, we shed light on a « government by commissions » that creates spaces for the co-production of expertise and public intervention by various public and private actors otherwise isolated. Most interestingly, we found that both the topic –how to accommodate the car in the city- and its means of governance –which implication should follow from private as well as public actors- structured progressively through the twentieth century. The study of transportation thus works as a great lens to observe and analyze the reshaping of urban government around the themes of empowerment and governance, at the very heart of political science and public policy analysis

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

17

Barré, Dominique. "L'organisation de la surface dans la photographie des années 1970 en France". Paris 8, 1988. http://www.theses.fr/1988PA080294.

Testo completo

Abstract (sommario):

Dans les annees mille neuf cent soixante dix, la photographie connut un essor important. Cette periode fut egalement celle "d'idées", de comportements nouveaux. Certains photographes, dans cette mouvance, proposèrent des images differentes de la tradition, tant sur le fond que dans la forme. C'est à cette dernière que nous nous sommes interessés. La représentation de l'espace sur le plan bi-dimensionnel de l'image photographique est chargée de sens. Celui-ci est lié au contexte de l'époque, tout comme la perspective centrale le fut par rapport à la Renaissance. Les photographies présentées ne se réfèrent pas à la composition classique. C'est plus la notion de vide qui les caracterise. Nous avons voulu montrer le rapport de ce "vide" avec le contexte socio-ideologique des deux dernières décennies, en France
During the 1970's photography enjoyed a rapid expansion. This was also a period of development in ideas and in new york methods. Within this expansion, certain photographers were producing images different from the traditional, as much in the philosophy as in the form. It is the form we are interested in. The representation of space on the two dimensional plane of the photograph is heavy with meaning. This meaning is bound up in the context of the period, just as central perspective is inextricably linked to the renaissance. The photographs presented here are not examples of classical composition. They are characterized more by the idea of emptiness. We wanted to demonstrate how this "emptiness" fits in to the socioideological context of the last two decades in France

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

18

Quadrato, Gabriella. "Le laboratoire narratif des années 1910 en France et en Italie". Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC021.

Testo completo

Abstract (sommario):

Les années 1910 ont été lues tour à tour comme celles des avant-gardes, de la « crise du roman », de la « crise des intellectuels », de la « Belle Époque », de la « conscience malheureuse ». La notion de « laboratoire » semble bien faite pour contenir cette multiplicité. Qu’il s’agisse d’une crise ou d’un foisonnement de nouvelles beautés, le trait commun de ces différentes interprétations de la période semble être la réinvention de l’appréhension du mouvement. De quelle manière les œuvres emploient-elles l’aventure comme moyen de refondation de la péripétie romanesque ? Quels sont les types de mouvements narrés et comment dialoguent-ils avec ceux des narrations de la fin-de-siècle ? À la veille du premier conflit mondial, les champs littéraires français et italien sont proches. La plume d’Aldo Palazzeschi en a donné peut être la meilleure illustration, lorsqu’il considère qu’en 1914 « L’Italie déménage à Paris ». Quel est l’apport spécifique de chacun de ces univers littéraires à la réinvention de l’aventure dans le roman ? De quelle manière l’analyse des échanges entre les deux pays contribue-t-elle à éclairer les poétiques romanesques du mouvement et à dessiner leurs formes ? Peut-on parler d’un axe franco-italien de renouvellement narratif ? À travers le rapprochement d’œuvres habituellement dissociées ou même oubliées, notre étude se propose de forger des notions pouvant mettre en lumière les spécificités de cette saison du roman, qui ne peut être lue comme un « paléomodernisme » ou comme un simple prolongement du XIXe siècle
The 1910s were read like those of the avant-gardes, of the "crisis of the novel", of the "intellectual crisis", of the "Belle Epoque",of the "unhappy conscience". The notion of "laboratory" seems well suited to contain this multiplicity. Whether it is a crisis or an explosion of new aesthetics, the common feature of these different interpretations of the period seems to be the reinvention of the conception of the movement. How do narrative works use adventure as a way to reimagine the plot? What are the types of movements narrated and how do they interact with those of the end-of-the-century? On the eve of the First World War, the French and Italian literary fields are close to each other that they almost overlap. Aldo Palazzeschi gave perhaps the best illustration, when he points out that in 1914 "Italy moves to Paris". What is the specific contribution of each of these literary worlds to the reinvention of adventure in the novel? How does the analysis of the exchanges between the two countries help to shed light on the poetics of the movement and to draw its forms? Is it possible to talk about a Franco-Italian axis of narrative renewal? Our thesis aims to use concepts that may be useful to distinguish the features of a certain novel’s era (which cannot be read only as a "paleomodernism" or as a simple extension of the nineteenth century) through the reconciliation of works that are usually dissociated or even forgotten
Gli anni ’10 sono stati letti di volta in volta come gli anni delle avanguardie, della «crisi del romanzo», della «crisi degli intellettuali», della «Belle Époque», della «conscience malheureuse». La nozione di «laboratorio» appare utile per contenere questa molteplicità. Che si tratti di crisi o di effervescenza di nuove strade, il tratto comune delle diverse interpretazioni del periodo sembra essere la riconfigurazione della concezione di movimento. In che maniera le opere narrative utilizzano l’avventura come modo di rigenerazione della parola romanzesca? Quali sono i tipi di movimento narrati e come dialogano con quelli della fin-de-siècle? Alla vigilia della prima guerra mondiale, i mondi letterari francese e italiano sono vicini fin quasi a sovrapporsi. La penna di A. Palazzeschi ne ha dato forse la migliore illustrazione scrivendo, a proposito dell’anno 1914, che “L’Italia ha traslocato a Parigi”. Qual è l’apporto specifico di ciascuno dei due universi letterari alla rinascita dell’avventura nel romanzo? In che maniera l’analisi degli scambi tra i due paesi contribuisce a fare luce sulle poetiche romanzesche del movimento e a disegnarne le forme? È possibile parlare di un asse italo-francese di rinnovamento narrativo? Attraverso uno studio comparativo di opere abitualmente dissociate o cadute nell’oblio, la tesi propone delle nozioni che possano distinguere le specificità di una stagione del romanzo che non può essere letta come un “paleo-modernismo” o come un semplice prolungamento dell’Ottocento

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

19

Morel, Gaëlle. "La culture de l'auteur : l'institution de la photographie en France depuis les années 1970". Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010588.

Testo completo

Abstract (sommario):

À partir des années 1970, la photographie bénéficie en France de la création d'institutions et d'événements spécifiques, de son intégration et de sa valorisation dans les organismes culturels et d'une légitimation dans le champ du marché de l'art. La reconnaissance du médium s'articule notamment autour de l'acceptation ou du rejet de la photographie de reportage. Cette dynamique permet aux acteurs du milieu photographique d'ériger une nouvelle figure, l'auteur, qui symbolise à terme l'accession à l'identité de créateur et de producteur culturel et justifie la circulation des photographies, des pages de la presse aux cimaises des galeries. Ce processus repose dès lors sur l'acceptation des fonctionnalités du médium, assortie d'une valorisation de la créativité du photographe. Par une approche disciplinaire transversale, cette recherche se propose d'intégrer des éléments de compréhension d'ordres historique, juridique, esthétique et culturel.

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

20

Amidon, Catherine S. "La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger". Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010663.

Testo completo

Abstract (sommario):

"La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger" est une analyse de la peinture dans le contexte de l'exposition, les commentaires critiques et les idéologies politiques de ceux qui ont planifie des manifestations culturelles entre-les-deux-guerres. La création d'un système en France et la diffusion des valeurs qu'il embrassait développe en même temps que certains analogues à l'étranger. Les systèmes nationaux - dirigés par des fonctionnaires - alimentent le système international. En France, les œuvres et les expositions sont employées comme des outils à faire face à la crise l'image de stabilité artistique contraste à l'agitation sociale des manifestations dans les rues den 1934 et à la prise des chantiers de l'exposition universelle en 1937. La France, l’Italie, et l’Allemagne sont les pays principaux de cette étude, bien que les États-Unis et l’Angleterre soient essentiels pour considérer les problèmes spécifiques aux expositions internationales espérant avoir une influence mondiale et dirigiste sur la politique internationale. Remettant en question les choix, cette étude des expositions aux années trente permet de comprendre des aspects de la France d'entre-les-deux-guerres qui sont autrement insaisissables
"French art and politics in the thirties : a study of french and foreign exhibitions" is an analysis of : paintings in the context of exhibitions, the political ideologies of those who planned these cultural events, and the commentaries of them by critics the wars. The evolution of a system of exhibitions in France, and the diffusion of the values it embraced, developed at the same time as analogous institutions in other countries. The national systems controled in France by non-elected civil servants - provided politically charged input into the international system. In France the works and the exhibitions were used as tools to deal with the social crisis and depression. The image of artistic stability constrasts with the social agitation of protests in the streets in 1934 and the take-overs at the building site of the exposition universelle in Paris in 1937. France, Italy and Germany are the principal countries in this study, although the United States and England are also essential to the understanding of the problems specific to international exhibitions with a directive influence on world politics. This study of exhibitions in the thirties permits the consideration of different and otherwise undefinable aspects of french culture between the wars essential to understanding its' art and politics

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

21

Gignac, Melissa. "Du "scénario" au film : la création du long métrage de fiction aux Etats-Unis et en France dans les années 1910". Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070087.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette thèse soulève une question fondamentale en histoire du cinéma : qu'est-il advenu de la création cinématographique avec l'avènement du long métrage ? Le passage du court au long métrage constitue une révolution protéiforme qui affecte le cinéma dans sa globalité, au niveau industriel, narratif et esthétique. La comparaison entre les deux pays (par l'intermédiaire d'un corpus restreint composé de la Triangle Film Corporation, des Films Valetta et des films d'Albert Capellani au sein de la S. C. A. G. L. ) s'explique par le fait que les premiers critiques, théoriciens et historiens du cinéma ont trop souvent opposé les deux cinématographies, glorifiant le cinéma américain pour mieux décrier le « style français d'avant-guerre » (Louis Delluc, Léon Moussinac, Philippe Soupault, etc. ). La comparaison permet ainsi de traiter chacune des deux cinématographies, en révélant leurs spécificités respectives, ou au contraire, leurs points de rencontre. La comparaison permet également, parfois, de combler les lacunes de la documentation (française notamment) et fonctionne à des fins heuristiques : on ne s'enferme pas dans un seul modèle mais on résonne plutôt par analogie. Le premier axe de travail porte sur la fabrique des films : l'organisation industrielle et sociale aux sein des studios, la création de métiers relatifs à l'écriture scénaristique et la conception des films notamment. Le deuxième axe porte sur la création de genres nationaux de part et d'autre de l'Atlantique. Et le dernier axe traite des questions esthétiques et de l'évolution des formes filmiques, sur la nécessité d'entretenir la mémoire du spectateur sur du long terme
My research focused on both American and French feature-length movies from the 1910s. This work relied on three different complementary approaches: industrial, narrative and aesthetic. I focused on three different societies : the Triangle Film Corporation for the American cinema ; the Films Valetta and the Albert Capellani's movies in the S. C. A. G. L. For the French cinema. The first approach concerns screenwriting practices in the film industry in the 1910's (policy of acquiring literary materiel, creation off specific departments - scenario department, lecture department -, etc. ). The second approach - the narrative one - deals with cultural studies and demonstrates how the feature-length movie leads cinema to develop itself in both discursive and political ways. The hypothesis is this one: the feature-length movie permitted the cinema to develop the power of the movie as a social component. Some case studies about drug-films (dealing with opium), colonial films and also melodramas showed how both French and American societies used cinema to represent themselves and tried to employ films to solve their conflicts and contradictions, by a narrative way. The third approach deals with aesthetic and filmic forms

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

22

Grau, Donatien. "Les titres dans la conversation des arts en France De la fin des années 1890 aux années 1920". Thesis, University of Oxford, 2016. https://ora.ox.ac.uk/objects/uuid:7ddfd013-d850-4f2a-b51f-10337126b984.

Testo completo

Abstract (sommario):

The status of titles in both painting and literature changed dramatically during the 19th century, as their largely enonciative function evolved to become a form of metaphor, and even disjunction. The use of titles as tools for communication became increasingly evident, as they conveyed views on the overall positioning of art and literature. Painting and literature themselves were undergoing considerable changes, as the figures of the writer and the artist gained consistency and independence. This led to the "crise exquise" diagnosed by Mallarmé in "Crise de vers" (1896). This fin-de-siècle 'crisis' is the starting-point for the analysis undertaken in this thesis, which aims to examine, first, how artists and writers used titles to establish communication between their respective art-forms; then, how titles provided a privileged means of entry into the debates about the relation of painting and literature to the world at large. An exploration of late 19^th- and early 20^th-century painting and literature in Paris -- from post- Mallarmean Symbolism to the beginnings of Surrealism -- the thesis draws on two methodologies: title studies, as they have developed since the 1950s; and existing work on the dialogue between artists and writers. It is composed of six comparative case studies, tracing a genealogy from Paul Gauguin and Alfred Jarry to André Breton and Max Ernst, including discussions of Paul Cézanne and Emile Zola, André Gide and Henri Matisse, Guillaume Apollinaire and Pablo Picasso, Francis Picabia and Tristan Tzara. These comparisons reveal a polarity between two different lineages: one that emphasizes the specificity of each medium and engages with it within the framework of its boundaries, and does not seek to communicate with the world outside their work of art; and the other, which blurs the boundaries between different art-forms and simultaneously engages with the evolutions taking place in culture.

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

23

Capdevila, Elisa. "Les artistes américains à Paris de 1945 à la fin des années soixante". Paris, Institut d'études politiques, 2012. http://www.theses.fr/2012IEPP0057.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette étude s'intéresse à la persistance d'un mythe américain de Paris de 1945 aux années 1960. Les années d'après-guerre voient l'arrivée de nombreux artistes américains dans le cadre du GI Bill. Un petit groupe s'installe de façon durable à Paris, participant activement aux échanges transatlantiques. Au tournant des années 1950-1960, on observe l'arrivée de nouvelles avant-gardes et d'une jeune génération dont les pratiques sont davantage tournées vers des modes collectifs de production. Cette thèse s'ouvre par une étude de cette communauté américaine de Paris. Est ensuite examiné le rôle de ces artistes dans la diffusion de l'art américain en Europe durant la Guerre froide. Dans les années 1950, les abstraits américains de Paris profitent d'une situation de relativement faible circulation artistique de l'art américain. Ils sont reçus comme les « passeurs » de l'expressionnisme abstrait et guident les Européens dans leur découverte de l'Amérique. Conforme à certaines attentes, leur production encourage une réception tronquée de l'abstraction américaine dont l'agressivité est écartée en faveur d'une peinture plus lyrique. Dans les années 1960, la capitale française accueille les membres d'avant-gardes plus marginales aux Etats-Unis – nouvelle figuration et happenings. Ils contribuent à donner une image complexe de l'art américain tout en confortant, par leur aspect contestataire, certaines critiques à l'égard du modèle américain. La première moitié des années 1960 apparaît par bien des aspecst comme un moment court de collaborations transnationales en rupture avec les rivalités de la décennie précédente et une conception à la fois nationale et universaliste de l'art
The American myth of Paris, its evolution and decline from 1945 to the late 1960s, is at the core of this study. The GI Bill encouraged many young American artists to come to study in Paris after war. A small group settled in the city, actively taking part in transatlantic exchanges throughout the 1950s. In the late 1950s, a younger generation of artists and members of new avant-gardes arrived in Paris, turning to more collaborative forms of art production. The first part of this thesis deals with the collective life of American artists in Paris. The second part examines the role these expatriate artists played in the promotion of American art in Europe during the Cold War. In the 1950s, American abstract painters in Paris benefited from the sparse exchanges and slow arrival of American art in Europe. They were easily considered as the ambassadors of the new American painting by Europeans eagerly waiting for shows of abstract expressionism. Their artworks met European expectations but also encouraged a partial acceptance of American abstraction, whose violent dimension was rejected in favor of more lyrical forms of abstraction. The American artists who arrived in Paris in the 1960s represented new avant-gardes that were still marginal in the United States – from Chicago new figuration to happenings. They gave a more diverse and complex image of what American art was. Their work was also appreciated in Parisian circles for its radicalism and criticism of the American model

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

24

Ornano, Stanislas d'. "Art contemporain et régulation politique dans les années 80 : étude cognitive comparée (Allemagne/France)". Grenoble 2, 2002. http://www.theses.fr/2002GRE21004.

Testo completo

Abstract (sommario):

Dans les années 80, l'art contemporain qui exprime souvent un relativisme des valeurs dans un geste créateur subjectiviste, connaît une montée en puissance sans précédent en tant que bien symbolique convoité dont le sens est réapproprié par des politiques de l'art. La comparaison franco-allemande du sens de ces oeuvres et du rapport qu'elles entretiennent avec la contemporanéité s'inscrit principalement ici dans la cadre conceptuel historique et anthropologique développé par Georg Simmel autour de la notion de tragédie de la culture. Trois types de résultats sont envisagés. L'analyse argumentative montre une crise des commentaires plus qu'une crise de l'art contemporain. La comparaison des oeuvres traduit un besoin de "lisibilité" lié à une relativisation de l'universalisme à la française et un besoin de "visibilité" après l'absence d'images de la société post-holocauste. Les politiques de l'art ont joué un rôle plus important en France qu'en Allemagne dans la régulation politique.

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

25

Bariset, Lucie Virginie. "Paul Iribe, une figure controversée dans l’émergence de l’Art déco". Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2024. http://www.theses.fr/2024PA01H058.

Testo completo

Abstract (sommario):

Créateur insatiable à la personnalité complexe, il n’est pas aisé de fixer la physionomie artistique de Paul Iribe. Tour à tour, caricaturiste, journaliste, décorateur, créateur de bijoux, scénographe, styliste, photographe, éditeur, scénariste, metteur en scène, costumier… Iribe, à l’image de Cocteau, avec lequel il partage les premières années de sa vie de créateur, touche à tout avec une facilité et un talent peu communs, défiant ainsi tous ceux qui seraient tenter de l’enfermer dans un domaine artistique. Un constat s’impose. Si Iribe, en ce début des années 1910, est omniprésent dans tous les champs des arts décoratifs, ses créations mobilières semblent peu susciter l’attention de la presse spécialisée française. Ce manque d’intérêt des périodiques français s’explique, en outre, par le choix du jeune créateur de se tenir en dehors de tous circuits commerciaux. Tout en étant très sollicité par une clientèle cossue et « très imité » par ses confrères, Iribe reste en retrait des manifestations officielles. Snobisme à la des Esseintes ou juge-t-il la démarche peu fructueuse en termes de visibilité et donc de rentabilité ? Il y a un certain paradoxe à considérer qu’Iribe fait « tout » pour sortir de l’anonymat et devenir une figure artistique importante de ces années 1910, mais ne fait rien pour soigner sa popularité. Les quelques articles qui lui rendent hommage témoignent de cette effervescence créatrice qui procède à la fois du prodige et de l’art de la dispersion. Pour certains, Iribe est le précurseur de l’Art décoratif moderne, celui « qui montra la voix », pour d’autres, il est davantage l’homme des révolutions avortées, n’exploitant jamais jusqu’au bout ses intuitions géniales. Suivre l’itinéraire artistique de Paul Iribe, c’est à la fois suivre la voie d’un artiste original, farouchement attaché à sa liberté, mais aussi les problématiques esthétiques auxquelles se confrontent les artistes décorateurs modernes en ces années d’avant-guerre où la « querelle du cosmopolitisme » bat son plein. Suivre le parcours de Paul Iribe, c’est appréhender la complexité de cette période charnière, passage d’un style à un autre, de l’Art nouveau à l’Art déco. Ce « nouveau style », qui s’élabore dans les années 1910 doit, en effet, au moins autant à Paul Iribe qu’à des figures aujourd’hui emblématiques de cette transition, tel André Groult. La rose et le galuchat, si caractéristiques de cette période doivent à Iribe ; pour la première son statut iconique, pour le second, sa remise au goût du jour - jusqu’à devenir le symbole de l’Art déco. Exilé aux États-Unis, où il met son talent au service du producteur metteur en scène Cecil DeMille, il passe à côté de l’effervescence des années 1920 et disparait totalement de l’actualité parisienne. Mais, plus pénible encore est l’indifférence dans laquelle les organisateurs de l’Exposition internationale des Arts décoratifs de 1925, le tiennent. Aucun rappel n’est fait de ce style « à la rose ». C’est un oublié. En s’exilant Iribe s’est mis à l’index de toutes les tendances nouvelles - dont il fut l’un des précurseurs - et dont la guerre a accouché. L’aigreur pointe. Le décorateur audacieux des années d’avant-guerre laisse place à un virulent pamphlétaire. Il se lance dans une cabale contre l’art de son temps, et met toute sa fougue au service de la défense des industries du luxe et de l’artisanat. Mais, sont-ce là vraiment ses convictions ? Sa conquête de Gabrielle Chanel et ses talents de publiciste laissent toutefois présager de nouvelles perspectives pour son œuvre. Leur complicité affective, mais aussi artistique, lui est profitable. Auprès de cette dernière compagne, son talent, intact, s’exprime à nouveau sans retenue
An insatiable creator with a complex personality, it is not easy to define the artistic physiognomy of Paul Iribe. In turn, caricaturist, journalist, decorator, jewellery designer, scenographer, stylist, photographer, publisher, screenwriter, director, costume designer, ... Iribe, like Cocteau, with whom he shares the first years of his creative life, touches everything with an uncommon ease and talent, thus defying all those who would be tempted to confine him to an artistic domain. One observation is clear. If Iribe, in the early 1910s, is omnipresent in all fields of the decorative arts, his furniture creations seem to attract little attention from the specialized French press. This lack of interest from French periodicals is explained, among other things, by the young creator's choice to stay outside of all commercial circuits. While being highly sought after by a wealthy clientele and "very imitated" by his colleagues, Iribe remains aloof from official events. Snobbery in the style of des Esseintes, or does he judge the approach to be unproductive in terms of visibility and therefore profitability? There is a certain paradox in considering that Iribe does "everything" to emerge from anonymity and become an important artistic figure of these 10 years but does nothing to cultivate his popularity. The few articles that pay tribute to him testify to this creative effervescence that proceeds both from prodigy and the art of dispersion. For some, Iribe is the precursor of modern Decorative Art, the one "who showed the way", for others, he is more the man of aborted revolutions, never fully exploiting his brilliant intuitions. Also, to follow the artistic itinerary of Paul Iribe is to follow the path of an original artist, fiercely attached to his freedom, but also to follow the aesthetic problems that confront modern decorator artists in these pre-war years when the "cosmopolitanism quarrel" is in full swing. To follow the journey of Paul Iribe is to understand the complexity of this pivotal period, the passage from one style to another, from Art Nouveau to Art Deco. This "new style", which is being developed in the 1910s, owes at least as much to Paul Iribe as to figures now emblematic of this transition, such as André Groult. The rose and the shagreen, so characteristic of this period, owe to Iribe; for the first its iconic status, for the second, its revival, until it becomes the symbol of Art Deco. Exiled to the United States, where he puts his talent at the service of producer-director Cecil DeMille, he misses the effervescence of the 20s and disappears completely from the Parisian scene. But even more painful is the indifference in which the organizers of the 1925 International Exhibition of Decorative Arts hold him. No reminder is made of this "rose" style. He is forgotten. By exiling himself, Iribe has put himself on the index of all the new trends, of which he was one of the precursors, and which the war has given birth to. Bitterness is emerging. The daring decorator of the pre-war years gives way to a virulent pamphleteer. He launches a campaign against the art of his time and puts all his energy into defending the luxury industries and craftsmanship. But are these really his convictions? His conquest of Gabrielle Chanel and his talents as a publicist, however, suggest new perspectives for his work. Their emotional but also artistic complicity is profitable for him. With this last companion, his talent, intact, is expressed again without restraint

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

26

Vernozy, Delphine. "Le livre de ballet, un objet littéraire ? : écrivains et chorégraphes en France des années 1910 aux années 1960". Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040214.

Testo completo

Abstract (sommario):

Destiné à se métamorphoser en danse, le livret serait un texte transitoire, et par là même privé de valeur littéraire. Pourtant, des Ballets russes aux années 1960, les collaborations entre le ballet et les écrivains connaissent un essor sans précédent. Jean Cocteau, Blaise Cendrars, Paul Claudel, Louis-Ferdinand Céline, René Char, Jean Anouilh, Jean Genet ou Eugène Ionesco furent tous auteurs de livrets. Que cherchent les écrivains dans cette forme a priori éphémère ? S’agit-il de s’emparer du livret en poète, de le délivrer de son statut utilitaire pour en faire une œuvre littéraire, digne d’être appréciée pour elle-même ? Il semble aussi que le livret tire sa valeur de l’accès qu’il donne à un espace autre, celui de la création collective et du spectacle, d’une œuvre où la scène et le corps éclipsent les mots et où l’écrivain peut rompre avec la littérature pour se rêver chorégraphe. Cette double tendance place le livret au cœur des évolutions qui travaillent les champs littéraire et chorégraphique au XXe siècle. Tandis que la littérature voit son statut d’art dominant vaciller, la danse conquiert son autonomie et le chorégraphe s’affirme. Persistant à fonder la danse sur le texte, à rebours des recherches de la danse moderne, le ballet conserve à l’écrivain sa place dans la création chorégraphique pour mieux interroger la préséance du verbe. Qu’est-ce que la littérature ? qu’est-ce que la danse ? telles sont dès lors les questions que pose le livret de ballet
Meant to be danced, the libretto should have been a transitory text, hence lacking in literary value. Yet the period from the Ballets Russes to the 1960s saw an unprecedented rise in collaborations between writers and the ballet. Jean Cocteau, Blaise Cendrars, Paul Claudel, Louis-Ferdinand Céline, René Char, Jean Anouilh, Jean Genet and Eugène Ionesco all wrote librettos. But what were writers looking for in this a priori ephemeral form? Did they want to seize hold of the libretto and deliver it, as poets would, of its utilitarian status, transform it into a literary work, worthy of appreciation in itself? The libretto also drew its value from the access it gave to an alternative space of collective creation and performance, to a kind of work where the stage and the body eclipse the text and where the writer can break with literature and dream of being a choreographer. This dual tendency placed the libretto at the heart of the evolutions that shaped literature and choreography during the twentieth century. Whereas literature saw its status as a dominant art waver, dance won its autonomy and the choreographer asserted himself. Unlike the investigations of modern dance, ballet continued to make dance rely on text, retaining a place for the writer in choreographic creation in order to better question the precedence of language. What is literature? What is dance? These are the questions that the ballet libretto poses

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

27

Barré, Dominique. "L'organisation de la surface dans la photographie des années 1970 en France /". Paris : Université de Paris VIII-Saint-Denis, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb358161638.

Testo completo

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

28

Verlaine, Julie. "La tradition de l'avant-garde : les galeries d'art contemporain à Paris de la libération à la fin des années soixante". Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010620.

Testo completo

Abstract (sommario):

Le triple enjeu de l'étude est de comprendre les importantes transformations qu'a connues le marché parisien de l'art contemporain de la Libération à la fin des années soixante, d'évaluer le rôle pris par les galeries dans le processus de valorisation et de légitimation artistique et de proposer une analyse historique de la perte d'influence de Paris dans la consécration internationale de la création contemporaine. Les archives des principaux acteurs montrent que les indicateurs marchands de valeur devinrent prédominants dans l'établissement des hiérarchies symboliques, sous l'effet du fort dynamisme des galeries d'art parisiennes, qui se traduit notamment par des pratiques de promotion novatrices. Les difficultés économiques et idéologiques des années soixante indiquent cependant que malgré son élargissement sociologique, l'influence du marché parisien s'est réduite sur la scène internationale de l'art, désormais dominée par l'art anglo-saxon et ses galeries

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

29

Venayre, Sylvain. "L'avènement de l'aventure : les figures de l'aventure lointaine dans la France des années 1850-1940". Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010643.

Testo completo

Abstract (sommario):

Le discours francais sur l'aventure, elabore entre 1850 et 1940, enregistre certaines modifications fondamentales. L'emergence d'une nouvelle figure de l'aventurier, des le milieu du xixe siecle, la multiplication du discours sur l'aventure sous toutes ses formes (recits d'aventures vecues, romans, presse) s'accompagnerent d'une homologie nouvelle entre l'idee d'aventure et la representation d'espaces lointains, inconnus et sauvages. A partir des annees 1890-1920, l'aventure devint nettement le siege d'un certain nombre de vertus supremes, au point qu'il est legitime de parler alors d'une mystique de l'aventure. Le tournant des xixe et xxe siecles fit en effet de l'aventure un but en soi. L'aventure pour l'aventure devint un theme dominant, dont les implications ideologiques et politiquesetaient loin d'etre negligeables. Ce basculement historique est en rapport etroit avec une nouvelle representation dominante des confins de la planete, qui en fit des espaces en voie de disparition. L'aventure acquit ainsi une dimension ontologique au moment meme ou etaient censees disparaitre les conditions spatiales qui autorisaient son existence. La mystique de l'aventure qui s'inaugura alors,de meme que les pratiques qui s'en reclamerent, sont des lors a interpreter comme autant de reactions nostalgiques.

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

30

Dumont, Fabienne. "Femmes et art dans les années 70 : "douze ans d'art contemporain" version plasticiennes : une face cachée de l'histoire de l'art, Paris, 1970-1982". Amiens, 2004. http://www.theses.fr/2004AMIE0007.

Testo completo

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

31

Vandenbussche, Stéphane. "Arts plastiques et décentralisation culturelle : l'exemple du Nord-Pas-de-Calais des années 80 aux années 90". Lille 2, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL20023.

Testo completo

Abstract (sommario):

La volonté du ministère de la Culture de relancer le marché de l'art et la mise en place, au début des années quatre-vingt, de la décentralisation culturelle ont permis, dans le Nord-Pas-de-Calais, de constituer des équipes et de soutenir de nombreux projets autour de la création contemporaine. Les années quatre-vingt sont des années d'apprentissage pour les édiles locaux et pour les professionnels de la culture, mais aussi pour les services centraux et les services déconcentrés de l'Etat. Conventions de développement, programmation de l'aménagement du territoire, contrats de plan Etat/Région ont été initiés durant les premières années de décentralisation. Durant les années quatre-vingt-dix, pourtant, l'irruption du thème de l'évaluation des politiques culturelles et la stagnation des dépenses de fonctionnement des équipements, orientent le soutien à la création, la sensibilisation des publics à la production plastique contemporaine et la diffusion de l'art contemporain en général, vers des logiques gestionnaires et des enjeux de structures. Le Fonds régional d'art contemporain doit prendre un nouvel essor. Plusieurs villes s'inscrivent franchement dans le soutien aux arts plastiques. Les musées se rénovent. Le Fresnoy-Studio national des arts contemprains est créé après dix ans de chantier. Les écoles d'art se sont reformées et se sont rassemblées en réseau, avec le soutien de la collectivité régionale. Les équipes se sont formées et ont organisé le milieu artistique régional
The policy of the French Ministry for Culture to stimulate the art market, combined with the cultural decentralization taking place at the beginning of the Eighties, prompted the Nord-Pas-de-Calais Region to create teams and support contemporary creative projects. The eighties were years of training for the local municipal officials and the cultural professionals, but also for the central services and the decentralized services of State. Conventions of development, programming of the regional policy and State/Region contracts were initiated during these first years of decentralization. During the Nineties, however, interest in the topic of the evaluation of cultural policies increased and the administrative expenditure for the support for creative arts stagnated, at the same time as awareness and appreciation of contemporary visual production by the public toward increased, and increased diffusion of contemporary art in general, the administrative approaches and structures. Regional funds for contemporary art must increase. Several cities are well-placed to provide support for the visual arts. The museums have been renated. The Fresnoy National Studio of Contemporary Arts has been created after ten years of building work. The schools of a art have been reformed and grouped into a network with the support of the regional community. The teams have been created and have animated the artistic medium in the Region

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

32

Albou, Philippe. "L'introduction de l'art occidental dans la peinture chinoise autour des années 1920". Paris 8, 2003. http://www.biusante.parisdescartes.fr/ressources/pdf/histmed-asclepiades-pdf-albou2.pdf.

Testo completo

Abstract (sommario):

La Chine, dotée d'un art raffiné deux fois millénaire, s'est avec quatre peintres - Yan Wenliang, Xu Beihong, Liu Haisu et Lin Fengmian - ouverte sur l'Europe afin d'apprendre une vertu que son art semblait ignorer, le réalisme. L'art chinois était peu enclin à représenter scientifiquement un objet, tel qu'il existait, une carte militaire, un canon. Il était subjectif, symbolique et intuitif. La peinture occidentale restait alors, malgré le développement des avant-gardes, le produit objectif d'une observation directe combinée avec une connaissance empirique. À travers la vie, l'œuvre et l'enseignement des peintres étudiés, la confrontation des deux univers esthétiques permet d'analyser une tentative d'acculturation - la peinture chinoise occidentaliste autour des années 1920 - que d'un point de vue occidental on analyse en termes de rupture
Two millenniums chinese fine arts had, with four painters -- Yan Wenliang, Xu Beihong, Liu Haisu and Lin Fengmian - opened to Europe in order to learn a virtue of an art unknown there, realism. Chinese art was not inclined to represent an object scientifically as it existed, a military map or a canon. It was subjective, symbolical and intuitive. Western painting was still, despite the developments of the avant-garde movement, the product of a direct objective observation combined with empirical knowledge. Through the lives, the works and the teachings of the painters studied, the confrontations of two esthetic worlds may now enable to analyze an attempt of a acculturation - Western Chinese paintings in the 1920's - which from a western point of view, would be analyze as a turning point

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

33

Quinby, Diana. "Le collectif Femmes/Art à Paris dans les années 1970 : une contribution à l'étude du mouvement des femmes dans l'art". Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010600.

Testo completo

Abstract (sommario):

Le collectif Femmes/Art, créé par la psychanalyste et peintre Françoise Eliet, était un groupe de plasticiennes actif à Paris entre 1976 et 1978. Une trentaine d'artistes (Colette Deblé, Monique Frydman, Françoise Janicot, Léa Lublin. . . ) y participait régulièrement dans l'objectif de remettre en cause la sous-représentation féminine dans les galeries et les musées parisiens. A la différence des Etats-Unis, où le Feminist Art Movement a eu un impact considérable dans le milieu culturel, la France n'a pas connu une telle activité féministe dans le champ des arts plastiques. Néanmoins, le M. L. F. Incita de nombreuses artistes à s'interroger sur leur identité et leurs désirs en tant que créatrice. Cette thèse retrace l'histoire du collectif Femmes/ Art et examine des questions théoriques fréquemment débattues à cette époque, en particulier celle de la possibilité d'une spécificité (masculine et féminine) de la création et celle de l'impact de la prise de conscience sur la création plastique.

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

34

Duchemin-Pelletier, Florence. "« Les sculptures ne sont pas uniquement des sculptures » : réception de l’art inuit contemporain en France des années 1950 à nos jours". Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100075.

Testo completo

Abstract (sommario):

Dans le milieu des années 1950, des expositions itinérantes d’art inuit contemporain sont envoyées sur plusieurs continents. Elles y connaissent une réception enthousiaste en raison du positionnement particulier que leur confère James A. Houston, à cheval sur les sphères conceptuelles du moderne et du supposé primitif. Seule la France, dont l’imaginaire collectif s’est pourtant largement enrichi de figures polaires depuis les missions d’apostolat et d’exploration, affiche alors une certaine défiance à l’endroit de cette nouvelle forme artistique. Cette thèse propose d’examiner les conditions de réceptions de l’art inuit contemporain dans un contexte hexagonal dominé jusque dans les années 1970 par le paradigme primitiviste, avant de se concentrer sur la multiplication des initiatives individuelles et collectives qui, depuis le début des années 1980, marquent un renouvellement du regard. Tout le long, l’art inuit est questionné dans sa faculté à être saisi comme un outil opératoire désignant une forme d’authenticité artistique ou culturelle. Un dernier pan s’intéresse au discours autochtone et aux jeux de double adresse auquel s’exercent les artistes inuit
From the middle of the 1950s, traveling exhibitions of Contemporary Inuit Art have been staged across several continents. These exhibitions had been enthusiastically received, thanks in large part to the particular positioning put forth by James A. Houston, which established Contemporary Inuit Art within the artistic constructs of primitivism and modernism. This warm welcome was in marked contrast to France's own reception of Inuit art. Even though its collective imaginary has been largely shaped by figures from the North Pole, a view that can be traced back to the first apostolic and exploratory missions of the continent, France remained the only country that showed a certain distrust towards this artistic expression. This thesis will examine the conditions by which Contemporary Inuit Art has been re-interpreted within a series of evolving historical contexts, beginning with the domination of the primitivist paradigm until the 1970s, and moving towards the multiplication of individual and collective projects from the early 1980s, a context which prevails to this day. Throughout this examination, the question of Contemporary Inuit Art's ability to be seen as a symbol of artistic and cultural authenticity will be addressed. The final chapter will deal with the notion of aboriginal discourse and the 'double address' mode of communication that Inuit artists tend to employ

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

35

Mayaffre, Damon. "Le discours politique dans les années 1930 : analyse du vocabulaire de Maurice Thorez, Léon Blum, Pierre-Etienne Flandin et André Tardieu (1928-1939)". Nice, 1998. http://www.theses.fr/1998NICE2014.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette thèse d'histoire étudie le discours et le vocabulaire politiques français dans l'entre-deux-guerres (1928-1939), car ceux-ci paraissent des acteurs pertinents de la crise que connaissent la France et la république dans les années 30, qui aboutit à la défaite et à Vichy. La guerre civile verbale est étudiée d'abord à grands traits grâce à une comparaison gauche / droite, puis plus finement par l'étude du discours communiste (Maurice Thorez), socialiste (Léon Blum), orléaniste (Pierre-Etienne Flandin) et bonapartiste (André Tardieu). La méthode d'analyse utilisée est la lexicométrie dont le principe épistémologique est clair : ne rien avancer qui ne soit démontré ou suscité par le constat chiffre de la sur-utilisation ou de la sous-utilisation d'un terme, à une époque déterminée, par un locuteur donné. Grâce à une série d'outils linguistiques, statistiques, informatiques, -notamment des analyses factorielles des correspondances- il a été possible de déterminer, par une étude synchronique des discours, l'identité lexicale, discursive, idéologique de quatre familles politiques françaises; puis, par une étude diachronique, de montrer comment le débat politique, le consensus républicain éclatent au fil des années, en isolant les pratiques lexicales de Thorez, Blum, Flandin et Tardieu, pour rendre inexpugnable une logomachie funeste au pays
The present doctoral thesis proposes to study the French political vocabulary and speech during the interwar period (1928-1939), for indeed those seem to have played a part significant enough in the crisis France and the republic went through in the 1930s and which led to the defeat and Vichy. The verbal civil war is first studied roughly though a left/right comparison and then more subtly throught the study of communist (Maurice Thorez), socialist (Leon bloom), orleanist (Pierre-Etienne Flandin) and bonapartist (André Tardieu) speeches. The method of analysis here used is lexicometry whose epistemological principle is clear : never put forward what is not proved or incited by the figured recording of the over- or underuse of a term by a given speaker at a determined time. Thanks to a whole range of linguistic, statistical and computer tools -particulary correspondence analysis- it has been possible to determine, by the means of a synchronic investigation of the differents speeches, the lexical, discursive and ideological identity of four French political persuasions. Then with a diachronic investigation and by isolating the lexical practices of Thorez, Blum, Flandin and Tardieu, we have been able to demonstrate how the political debate and the republican consensus ruptured with the passing years to make impregnable and overweening verbosity so baneful for the country

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

36

Niagne, Meledj. "L'image de la révolution mexicaine de 1910-1920 à travers la presse française de l'époque". Rennes 2, 1987. http://www.theses.fr/1987REN20019.

Testo completo

Abstract (sommario):

Reflet des rapports sociaux et des tensions qui s'y manifestent, la presse écrite joue un grand rôle dans la formation et dans l'orientation des courants d'opinion concernant les événements, notamment sur l'étranger. En 1910-1920, la réalité politique, internationale et française, est placée sous le signe des tensions brutales et de crises spectaculaires. Pour des intérêts stratégiques et économiques, le Mexique surgit en arrière-plan d'une actualité tourmentée. Plus qu'un simple événement, la révolution mexicaine fait date dans l'histoire du monde extra-européen. La presse française prend conscience de ses répercussions internationales. Il est tentant de voir "comment" cette révolution est présentée au public de l'époque, dans des journaux représentatifs de Paris et de province. Il s'agit de déceler les grandes lignes de force idéologiques qui sous-tendent les discours des journaux, à travers l'analyse de certains aspects de l'événement tels la victoire "madériste" en mai 1911 et l'installation du nouveau régime révolutionnaire, l'affaire Benton et l'interventionnisme nord-américain. La rentabilité d'un message ne dépend pas uniquement de son contenu. La forme que prend la nouvelle est un langage aussi pertinent que son contenu même. La façon dont l'information mexicaine est transmise et mise en valeur, et dont elle s'articule au niveau de l'écriture, comme le montrent les premières parties de l'étude, contribue à définir des silhouettes de l'image recherchée. Si l'évolution des thèmes et leur orientation, si le repérage des omissions montrent qu'il existe des jugements tranchés sur les hommes de la Révolution tels Madero, Pancho Villa, Zapata, Carranza ou Huerta, on constate également, dans la dernière partie, des constantes, des éléments communs dans le contenu de l'information, d'un journal à l'autre. Le fonctionnement ("stratégies d'argumentation"), le sens du discours sur la révolution mexicaine sont indissociables de la norme de perception du monde - ou "théorie" - du journal. Au-delà de l'événement rapporté, il vise à orienter et à façonner le champ de la connaissance du lecteur de l'époque, tout en considérant ses spécificités
The press which reflects social relations and the tensions pervading them, plays a major part in the shaping of streams of opinion concerning events, more particularly those happening abroad. In 1910-1920, the international and French political reality was dominated by signs of brutal tensions and dramatic crises. Concerning strategic and economic interests, Mexico appeared in the background of an intricate political life. More than a mere event, the Mexican revolution mattered in the history of the extra-European world. The French press realised its international repercussions. It is tempting to see 'how' this revolution was depicted to the public of those days in the main Paris and provincial papers. The object is to detect the main ideological streams which underlay the discourse of the papers, through the analysis of some of the events such as the 'Maderist' victory in may 1911 and the setting up of the new revolutionary regime, the benton affair and north american intervention. The efficiency of a message does not only depend on its content. The form assumed by the news is as pertinent a language as its very content. The way in which the mexican news were transmitted and emphasised, and their articulation on the level of writing, contribute to the definition of the image we are looking for. If the evolution of the themes and their orientation, the detection of omissions show that there exist final judgements on such revolutionaries as Madero, Pancho Villa, Zapata, Carranza or Huerta, one can also observe, in the last part, permanent and common elements in the content of the news from one paper to the other. The workings - 'argument strategies' -, the meaning of the discourse on the Mexican revolution cannot be dissociated from the norm of perception - or 'theory' - of each paper. Beyond the event reported on, it aims at controling and shaping the knowledge of the reader of the day, while taking his idiosyncracies into account

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

37

Dufour, Cécile. "Les arts précieux à Paris au XIIIème siècle : l’orfèvrerie sacrée du règne de Philippe Auguste aux années 1300". Rennes 2, 2010. http://www.theses.fr/2010REN20052.

Testo completo

Abstract (sommario):

L’orfèvrerie au service du culte connait des évolutions tout au long du XIIIème siècle. Ces transformations ont été amorcées par Nicolas de Verdun qui dynamisa les représentations essentiellement des personnages. Ce changement trouva un écho favorable dans les productions artistiques grâce à l’émergence de Paris au rang de capitale. Son urbanisation et son essor culturel attira, auprès du roi, un grand nombre de princes et de personnalités étrangères qui favorisa un nouveau gout : celui de « l’art de cour ». De part, la complexité des conceptions, ce style devient un art « total » qui trouve sa plus belle expression dans les arts précieux et notamment dans l’orfèvrerie religieuse. La production sacré subit également ces évolutions qui sont liées à l’apport de la cour royale mais aussi dues aux diverses interactions subit par cette nouvelle capitale par l’intermédiaire de la corporation des orfèvres. En effet, du fait de son rayonnement au-delà des frontières de la France, un grand nombre d’artisans vinrent s’installer à Paris amenant avec eux des modèles de représentations. De ce fait, la production des orfèvres se module au fur et à mesure des liens qu’elle entretient avec le pouvoir royal mais aussi avec les échanges qu’elle peut avoir avec de grandes villes et ce, en partie, par l’intermédiaire du développement de l’Université
The Art of goldsmiths has known an important development throughout the thirteenth century. These transformations were initiated by Nicolas of Verdun, who activated the representations of the characters basically. This change was favorably received in the artistic production thanks to the emergence of Paris to the rank of capital. Its urbanization and cultural development attracted, with the king, a large number of princes and foreign dignitaries who promoted a new taste: the "court art". Due to the complexity of design, this style becomes a "total" art, which finds its finest expression in various artistic techniques and is particularly valuable in the art of goldsmiths. The production of sacred objects of cult has undergone the same development which is in relation with the new tastes of the royal court. It is due also to various interactions which characterize the activity of the goldsmith’s corporations of the new capital. Indeed, because of its influence beyond the borders of France, a large number of craftsmen came to settle in Paris, bringing with them models of representations. As a result, the production of goldsmiths reflects its links with the royal power but also the exchanges which it has with other large cities and this, in part, through the development of University

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

38

Mészáros, Flóra. "Hungarian Artists in Abstraction-Creation". Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040088.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette thèse se focalise sur le groupe artistique international Abstraction-Création, créé pour servir de forum à l’art non figuratif à Paris entre 1931-1936. Au fil des années, il a eu une centaine de membres, y compris certains artistes hongrois, notamment Étienne Béothy, Alfred Reth, Lajos Tihanyi et Ferenc Martyn, tandis que László Moholy-Nagy était membre sans vivre à Paris. Ce n’est que dans les années 1970 que les premières recherches approfondies ont été menées sur Abstraction-Création. Depuis, l’activité d’Abstraction-Création n’a été que rarement étudiée, sa structure, ses objectifs ou son histoire ont été largement négligés. Le constat est le même pour l’état de la recherche relative à chacun des membres hongrois : jusqu’à présent, seule la participation de Béothy et de Martyn a été analysée en détail. Outre l’objectif principal de cette thèse, notamment la mise en perspective des artistes hongrois dans le groupe, la réévaluation et l’interprétation de l’ensemble de l’activité d’Abstraction-Création sont également mises en lumière. A la base d’une analyse théorique et historique, ce travail compare Abstraction-Création avec deux groupes parisiens non figuratifs. Cette thèse vise à clarifier les différences qui les séparent en soulignant qu’Abstraction-Création ne peut pas être considéré comme une combinaison des deux. Grâce à des documents jusqu’alors non analysés, l'auteur donne un aperçu de la structure organisationnelle de ce forum et discute, à partir d’une perspective entièrement nouvelle, le rôle du comité, leurs débats, leur formation, cessation et leurs plateformes, y compris les réunions, la galerie et le cahier. La thèse démontre la relation entre Abstraction-Création et Surréalisme au moyen d'une analyse stylistique et théorique. Elle prétend que, grâce aux activités des membres hongrois, toutes les facettes du groupe peuvent être présentées. L'auteur révèle quels ont été les objectifs initiaux de l'adhésion des membres hongrois et comment ils ont tiré profit de leur participation. La thèse décrit la période abstraite parisienne des artistes hongrois dans les années 1930, et ce, dans un contexte artistique international et dans un contexte historique plus large
This dissertation focuses on the international artistic group, called Abstraction-Création (1931-1936. Out of the approximately 100 members joining the association a few were Hungarian artists, namely Étienne Béothy, Alfred Reth, Lajos Tihanyi and Ferenc Martyn, whereas László Moholy-Nagy received an external membership. A deeper research into the Parisian non-figurative formations of the 1930s, including Abstraction-Création, only took shape in the 1970s. Since then, Abstraction-Création has been discussed only occasionally, and a deeper discussion concerning the structure, the goals, or the history of the group is still missing. The same applies to the research on individual Hungarian artists; while for each of them the participation in the forum was presented as an important stage of their lives, so far only the participation of Béothy and Martyn has been examined in detail. Beyond the basic goal of the study to concentrate on Hungarian artists in the group, the re-evaluation and a new examination of Abstraction-Création are also placed in the focus. Based on a theoretical and historical analysis, the study compares Abstraction-Création with two non-figurative Parisian groups, clarifying the differences between them and pointing out that Abstraction-Création could not be viewed as a combination of the two of them. Drawing on hitherto unanalyzed documents, the author gives an overview of the organizational structure of the forum, and discusses, from an entirely new perspective, the role of the committee, their debates, their formation and cessation and their platforms, including their meetings, gallery and journal. The dissertation demonstrates the relation between Abstraction-Création and Surrealism by means of a stylistic and theoretical analysis. It claims that through the activities of the Hungarian members, all the facets of the group can be shown, particularly because of the fact that they did not form a special group within the association, but had their different individual roles and routes. The author presents what the original aims behind the admission of the Hungarian members were and how they benefited from the participation. The dissertation depicts the Parisian abstract period of Hungarian artists in the 1930s in an international artistic context and against a broader historical background

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

39

Rosset, Claire. "Avant-gardes artistiques et idéologies révolutionnaires en Europe occidentale, 1960-1980". Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010626.

Testo completo

Abstract (sommario):

L'art et l'idéologie sont étroitement liés par leur fonction de représentation du réel. Les années 1960 et 1970 sont celles des grandes espérances révolutionnaires marxistes. Notre étude prend pour objet les artistes et la création artistique en Europe de l'Ouest. Au croisement des événements politiques et de la pensée des intellectuels, les artistes questionnent la pertinence et l'adéquation des formes artistiques à la perspective révolutionnaire. Le terrorisme, la guerre du Vietnam, la Guerre Froide, sont envisagés dans les rapports de pouvoirs politiques qu'ils instaurent. La question sexuelle est reliée à la transgression morale et politique. Les artistes interrogent la possibilité d'une intervention plus directement sociale et politique
Art and ideology are closely related in their function of representation of reality. The 1960s and 1970s are those of major marxist revolutionary hopes. Our study focuses on artists and artistic creation in Western Europe. At the intersection of political events and thinking of intellectuals, artists question the relevance and adequacy of artistic forms to the revolutionary perspective. Terrorism, the Vietnam war, the cold war, are considered in the reports of political power they establish. Sexual issue is related to the moral and political transgression. The artists question the possibility of a more direct social and political intervention

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

40

Bernard, Yves-Michel. "Origine et création des fonds régionaux d'art contemporain en France : 1981-1986, les années militantes". Thesis, Bordeaux 3, 2013. http://www.theses.fr/2013BOR30042.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette thèse a pour objet l’étude de l’origine et de la création des fonds régionaux d’art contemporain (FRAC) entre 1981 et 1986. Le plan se divise en trois grandes parties. La première partie analyse les modes d’acquisitions et d’expositions qui, au cours du XX° siècle en France, ont été des modèles pour la constitution des FRAC. La seconde partie étudie l’engagement du ministère de la culture dans une politique ambitieuse qui aboutit à la création des FRAC après l’arrivée de la gauche au pouvoir en 1981. La troisième partie, à proprement parlée d’histoire de l’art, porte sur les collections des FRAC. Cette étude des collections a constitué l’essence de la recherche établie à partir de données informatiques de videomuseum qui a opéré un recensement de toutes les acquisitions. La thèse s’appuie également sur des documents d’archives, des travaux existants, une étude sur le terrain dans chaque collection de FRAC, d’entretiens et d’un dépouillement de la presse artistique. Issus des revendications politiques formulées dans le programme de la gauche1 pour les élections présidentielles de mai 1981, les FRAC, financés à parité par l’Etat et par les régions, constituent un exemple fort de la réussite d’une politique culturelle décentralisée. Entre 1983 (date des premières acquisitions) et mars 1986 (date de la défaite de la gauche aux élections législatives) les vingt et un FRAC en activité ont acquis un total de 5 438 oeuvres provenant de 1 377 artistes. Fonds d’exception dans le paysage culturel français, les FRAC sont l’aboutissement d’une volonté de démocratisation revendiquée depuis les années 60. Jusqu’en 1986, la croissance constante des crédits d’acquisition - autant du côté de l’Etat que des conseils régionaux - aurait pu conduire à l’établissement d’une esthétique officielle. Nous verrons qu’il y a eu tout au plus des « zones d’influence » qui sont apparues pour compenser de réelles absences dans les collections des musées en région. Toutefois, malgré cet incontestable investissement institutionnel, la puissance publique ne pouvait prétendre à devenir un acteur majeur dans l’histoire de l’art
This thesis studies in depth, the origin and the creation of theRegional Contemporary Art Collection (FRAC) between 1981 and 1986. The plan is divided into three main parts. The first part analyses the patterns of acquisitions and eexhibitions, which were models for the formation of the FRAC during the twentieth century in France. The second part examines the commitment of the Ministry of Culture in an ambitious policy that led to the creation of the FRAC after the arrival of the labour party who came to power in 1981. The third part, strictly concerning the history of art, focuses on the collections of the FRAC. This study of the collections has been the core of the research, established from computer data created by Videomuseum, who made a census of all acquisitions. The thesis is also based on archival documents, existing works, an onsite study of each collection of the FRAC, interviews and a literature of artistic media. Included in the labour party’s political program for the presidential elections of May 1981, the FRAC, funded equally by the State and the Regions, is a strong example of the success of a decentralized cultural policy. Between 1983 and March 1986 twenty-one FRAC in activity acquired a total of 5,438 works of art from 1,377 artists.Since the 1960s, the FRAC is an exception in French cultural funding and the result of a desire for democratisation. Until 1986, the continued growth of acquisition loans - offered by the State and regional councils - could lead to the establishment of a formal aesthetic. “Zones of influence" emerged to compensate for absences in the museum collections in the region. However, despite this undeniable institutional investment, public power was not entitled to become a major player in the history of art

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

41

Essaouri, Mohamed. "Rapports entre le texte et l'image dans la litterature francaise du surrealisme aux annees 1970". Paris 4, 1989. http://www.theses.fr/1989PA040059.

Testo completo

Abstract (sommario):

Quels sont les rapports entre le texte et l'image? ce sont les problemes souleves par cette etude, laquelle constate que les criteres esthetiques et litteraires qu'on a proposes jusqu'au debut du 20eme siecle pour hierachiser les arts ( suprematie de la poesie et secondarite de la peinture) et pour definir les liens entre le texte et l'image (accent mis sur le role illustratif de l'image ) s'averent non-pertinents. Cette etude essaie de cerner les aspects les plus importants des nouveaux rapports qui se sont instaures entre les peintres et les ecrivains (du surrealisme aux annees 70) rapports fondes sur une conception differente de la creation consideree desormais comme une production, une recherche tatonnante et axee sur les memes demarches : recours aux collages pictural et verbal, roman image (e. Triolet, aragon, breton) elaboration de fictions a partir d'images (simon), introduction du signe linguistique (noms propres notamment) en peinture et enfin experimentation des deux pratiques scripturale et picturale (ponge, michaux, leiris, ionesco) etc. .
What are the connexions between the text and the picture? these are the problems raised by this study, which establishes that the aesthetic and literary criteria that have been suggested up to the beginning of the twentieth century to form the art (by giving supremacy to poetry and then to painting) and to define the links between the picture (much emphasis being put on the illustrative role of the picture) prove to be irrelevant. This study tries to surrount the most important aspect of the new links which have been established between the painters and the writers (from the surrealism period to the seventies) links that are based upon the conception which is different from creation, benceforth considered as a production, a hesitating research following the same proceeding : pictoral and verbal collage, picturesque novel, elaboration of fictions from pictures, introduction of linguistic symbols in painting (namemy proper nouns) and at last the experimentation of the scriptural practice the pictural one, by modern writers

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

42

Orgeval, Domitille d'. "Le Salon des Réalités Nouvelles : les années décisives : de ses origines (1939) à son avènement (1946-1948)". Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040213.

Testo completo

Abstract (sommario):

Créé par l’amateur d’art Frédo Sidès en juillet 1946, le Salon des Réalités Nouvelles est animé à ses débuts par Auguste Herbin et Félix Del Marle. S’inscrivant dans la filiation d’Abstraction-Création, il a pour objectif l’organisation en France d’expositions annuelles d’ « art concret, art non figuratif ou art abstrait ». De 1946 à 1948, le salon qui se tient au Palais des beaux-arts de Paris, donne une visibilité inédite à l’art abstrait par sa politique de large ouverture et sa volonté d’internationalisation (le salon de 1948 compte plus de 350 exposants et regroupe 17 nations). La consultation des archives du Salon des Réalités Nouvelles, jusqu’alors méconnues, a permis d’en connaître le fonctionnement et la politique de diffusion et de reconnaissance. Elle a aussi démontré que le salon constituait le point d’aboutissement d’une longue gestation qui nous ramène aux années trente, en particulier à l’analyse de ses liens avec l’exposition « Réalités Nouvelles » organisée galerie Charpentier par Frédo Sidès et Yvanohé Rambosson en 1939
Created by the art lover Frédo Sidès in july 1946, the « Salon des Réalités Nouvelles » was first directed by Auguste Herbin and Félix Del Marle. In the line from Abstraction-Creation, it was meant to set up annual « concrete art, non figurative or abstract art » exhibitions. From 1946 to 1948, the Salon, which was held in the Palais des Beaux Arts in Paris, offered a unique visibility for abstract art, with a very open policy and a will for international participation (the 1948 Salon was attended by more than 350 exhibitors representing 17 nations). Consulting the archives of the SRN, quite forgotten until now, offers the opportunity to understand how the Salon worked, and learn about its diffusion and recognition policy. This consultation also proves that the Salon was the conclusion of a long gestation which started in the 1930’s, an dis directly coneected to the exposition « Réalités Nouvelles » held in the Charpentier gallery by Frédo Sidès and Yvanohé Rambosson in 1939

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

43

Owaye, Jean-François. "Système de défense et de sécurité du Gabon de 1960 à nos jours". Montpellier 3, 1997. http://www.theses.fr/1997MON30022.

Testo completo

Abstract (sommario):

Le "systeme de defense et de securite du gabon" est ne en 1960, de la ferveur des independances et a la faveur des transferts de competences de la communaute aux nouvelles souverainetes africaines. Il est "un ensemble de materiels civils et militaires, de methodes d'emploi, de regles operationnelles", inspire certes du modele militaire conventionnel francais, mais qui tient compte aussi bien des ecologies locales, que de l'environnement geostrategique inter, national, et du developpement socio-economique du pays. Mis sur pied par le commandement militaire francais, ce systeme se fonde sur l'un des principaux objectifs de la politique generale du gabon : securite/developpement, qui limite les efforts de defense au strict minimum (2,5 % du p. N. B. ), tout en assurant (grace a la strategie de dissuasion) a la nation, une securite relative. Depuis 1960, le chemin parcouru est immense. En effet, embryonnaires et peu etoffees a leur creation, les forces de securite furent confinees a la simple fonction inaugu, rale de la nouvelle souverainete ; leur role social fut neanmoins primordial : elles furent un substitut a un genie civil et a une education deficients ; des "agences" de socialisation et d'integration nationale a laquelle concouraient le service militaire et le service civique de la jeunesse. Depuis les annees soixantedix, l'amelioration des ressources militaires et du statut des personnels, la "gabonisation" du commandement, la territorialisation des forces armees, leur professionnalisation. . . Temoignent d'une adaptation permanente de l'outil de defense ; adaptation caracteristique de la recherche d'une plus ample efficience d'un systeme de defense, qui reste le meilleur facteur de concretisation du pacte social, donc de stabilite du pays
Gabon's "security and defense system" was established in 1960, resulting from the fervour of independance and to the transfer of expertise from the community to the new african sovereignties. It is "a unification of civil and military equipment, of operational methods and rules", undoubtedly inspired by the conventional french military model, but which also takes into account the local ecology, the international geostrategic environment and the socio-economic development of the country. Set up by the french military command,the system is based on one of the principal objectives of gabon's general policy : security / development, which limits the defense efforts to a strict minimum (2,5% of the g. N. P. ), while assuring the nation (thanks to the strategy of dissuasion ) a relative security. Since 1960 it has come a long way. In fact, the security forces, inexperienced and understaffed when founded, were confined to the simple inaugural funetion af the new sovereignty ; their social role was nevertheless essential : they compensated for the lach of education by substituting for civil engineers. They were the "agents" of socialisation and national integration towards which the military service and youth civic service strove. Since the seventies, the improvement of a military ressources and the status of the personnel, the " gabonisation " of the command, the territorialisation of the armed forces and their professionalisation. . . Shows a permanent change in the defense system ; anadaptation characteristic of the search for a more efficient defense system, which remans the most important factor of the materialisation of the social treaty, and thus of the stability of the country

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

44

Valle, Arbex Márcia María. "De l'image de la lettre à la poésie peinte : étude sur la fonction de l'écriture dans les arts visuels (1910-1930)". Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030137.

Testo completo

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

45

Pacouret, Jérôme. "Qu'est-ce qu'un auteur de cinéma ? : copyright, droit d'auteur et division du travail (années 1900-2010)". Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018PSLEH084/document.

Testo completo

Abstract (sommario):

Pourquoi les films de cinéma sont-ils souvent attribués à des auteurs alors même que leurs génériques énumèrent des dizaines de noms propres et de noms de métiers ? A la suite de Michel Foucault et de sa définition de la « fonction-auteur » comme forme d’appropriation des discours, cette thèse étudie la genèse et l’existence des auteurs de films au prisme des luttes de définition de leurs droits de propriété. Plutôt que de considérer les auteurs de cinéma comme ceux qui « font » les films ou comme une fiction occultant le caractère collectif de leur fabrication, elle montre que les auteurs sont les produits d’une division du travail cinématographique et des rapports de domination qui la traversent. Ce travail, inscrit dans une perspective de sociologie historique, adopte un référentiel binational centré sur la France et les Etats-Unis, où les auteurs de films ne disposent pas des mêmes droits. Il vise à objectiver les dimensions nationales, internationales et transnationales de l’appropriation des films. La période étudiée débute au moment où des personnes et des groupes ont été définis juridiquement comme des auteurs de cinéma : dès les années 1900.La première partie de ce texte est consacrée à la définition du droit de propriété des films depuis l’émergence du cinéma jusqu’à l’adoption de la loi du 11 mars 1957 et du Copyright Act de 1976. Après des décennies de débats, ces lois ont défini différemment l’identité et les droits des auteurs de films. A partir de publications juridiques, cinématographiques et parlementaires, on étudie ces lois comme les résultats d’un travail de codification structuré par des normes préexistantes et par les relations entre les acteurs qui ont participé à leur rédaction. Le développement du droit de propriété cinématographique est à la fois la cause et la conséquence de la constitution d’un espace de négociation regroupant des professionnels du droit, des hauts fonctionnaires, des professionnels de la politique et des organisations professionnelles du cinéma, dont certaines se sont constituées dans le but de défendre le statut d’auteur de leurs membres. La deuxième partie de la thèse prolonge et dépasse l’étude du droit de propriété en analysant l’appropriation des films comme une relation structurée par la division du travail cinématographique et social. Les luttes de définition de l’auteur de film qui ont débuté dans les années 1910 ont contribué à la hiérarchisation du personnel cinématographique et à la différenciation de la valeur cinématographique par rapport à d’autres formes de valeur économique et artistique. Des témoignages, autobiographies et publications cinématographiques permettent de montrer que l’attribution des films à des auteurs dépend de diverses relations de production, de diffusion et de valorisation des films, comme la répartition des tâches et du pouvoir entre le personnel, les incertitudes et inégalités qui structurent les trajectoires des prétendants au statut d’auteur et les vertus cognitives et distinctives de la fonction-auteur employée par les critiques et une fraction des spectateurs. On mobilise pour cela les travaux de Pierre Bourdieu sur les champs de production culturelle, d’Howard Becker sur les mondes de l’art et d’autres recherches sur les professions et artistiques et non-artistiques. En outre, la thèse constate que les hiérarchies professionnelles du cinéma se sont construites à l’intersection de rapports de domination communs à différents domaines d’activité. Par exemple, le genre a servi à hiérarchiser les groupes professionnels, à répartir le travail cinématographique et à exclure les femmes de certains métiers du cinéma. Le cinéma a produit d’immenses inégalités de richesse qui ont attisées les luttes de définition de l’auteur et accru le prestige de certains métiers. La troisième partie est centrée sur les cinéastes et leurs mobilisations autour du droit de propriété des films depuis les années 1960
Why are motion pictures often attributed to authors – or “filmmakers” – while dozens of names and occupations appear in film credits? Following Foucault’s definition of authorship as a form of appropriation, this dissertation focuses on copyright law and authorship battles in order to explain the origins and existence of film authors. Rather than considering authors as the individuals who “make” movies or as a fiction overshadowing the collective nature of filmmaking, I show that the attribution of films to authors is the result of the division of filmmaking labor and its power relations. This research uses a sociohistorical perspective and a transnational approach centered on the United States and France, where film authors are not granted the same authorship rights. It shed lights on the national, international and transnational dimensions of the appropriation of motion pictures. This study starts when film authors first appeared in copyright law: as early as the 1900s.The first part of this dissertation focuses on the writing of motion pictures’ property rights from the birth of cinema to the passing of the French copyright law of 1957 and of the Copyright Act of 1976. After decades of battles, these laws provided different definitions of film authors and granted them with different rights. Using legal publications, congressional records and reports, as well as film journals, I study French and American laws as the results of a codification process shaped by preexisting law and by the cooperation and power relation between the actors who participated in their writing. The development of motion pictures’ property rights are the cause and consequence of the constitution of a space for negotiation between lawyers, public officials, politicians and film organizations. I explain that French and American copyright norms were structured by legal expertise, competition between lawyers, relations between film organizations and the unequal economic, legal and political power of these organizations. A study of the revisions of the Berne Convention for the protection of literary and artistic works also show the interdependency between national and international norms of film authorship and authorship.The second part of the dissertation study the appropriation of motion pictures as a social relation based on the division of filmmaking labor and social labor. Film authorship battles which started in the 1910s contributed to the creation of professional hierarchies and to the differentiation of film value from other forms of economic and artistic value. I use various writings of film professionals, along with other sources, to show that film authorship was shaped by various aspects of film production, dissemination and reception (including the power relations between film professionals, the diversity of film careers and the uses of authors’ names by film critics and audiences). To study the division of filmmaking labor, I use Pierre Bourdieu’s research on cultural fields, Howard Becker’s work on art worlds as well as scholarship on professions. The dissertation also shows that the professional hierarchies of motion picture production interrelate with various forms of domination common to other fields. This dissertation is meant to be useful for scholars interested in the history of copyright law, motion pictures, authorship, the division of (artistic) labor, professions and transnational approaches

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

46

Gailleurd, Céline. "Survivances de la peinture du XIXe siècle dans le cinéma italien des années 1910 : la peinture aux origines du cinéma ?" Thesis, Aix-Marseille 1, 2011. http://www.theses.fr/2011AIX10227.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette étude centrée sur le cinéma italien propose de décrire les liens prolifiques et complexes qui se sont noués entre la peinture du XIXe siècle, européenne et surtout italienne, et les films italiens allant de 1905 (La Presa di Roma, Alberini) à 1920 (La serpe, Roberti). Du filon historique aux mélodrames des dive, de la figuration enthousiaste de l’Histoire, au lyrisme de la passion amoureuse, un effet pictural hante les images cinématographiques qui portent en elles « le ferment d’un tableau possible » (Eric Rohmer). Il s’agira donc de penser les formes de partage entre cinéma et peinture, suivant l’étude iconographique de motifs (gestes, postures, décors, accessoires) et d’éléments formels (composition, cadre, échelle des plans, montage) ouvrant sur la question des styles, que le cinéma prolonge et altère : néoclassicisme, académisme, orientalisme, préraphaélisme, symbolisme, Art Nouveau. Ces notions d’esthétique permettent un rapprochement entre l’histoire de l’art et l’histoire du cinéma, et ouvrent sur la question de la survivance des images. Au moment où l’on enregistre sa disparition en faveur de l’abstraction, la peinture figurative du XIXe siècle persiste, se prolonge, et survit au cinéma. En retour, le cinéma italien des années 1910 tire une part de sa vitalité d’une matière picturale qui appartient déjà au passé. Cette recherche met ainsi à jour une série de questions permettant à la fois de revisiter un pan de l’histoire du cinéma italien, peu étudié en France, et plus largement de penser la relation du cinéma aux autres arts
This study centers around Italian cinema and proposes to describe the prolific and complex connections that developed between 19th century painting (European and mostly Italian) and the Italian films from 1905 (La Presa di Roma, Alberini) to 1920 (La Serpe, Roberti). From the historical inspiration to the dive melodramas, from the enthusiastic portrayal of History to the lyricism of passionate love, a pictorial effect haunts these cinematographic images in which can be found « the seed of a possible painting » (Eric Rohmer). Therefore, one needs to reflect on what cinema and painting share, following the iconographical study of figurative (gestures, postures, scenery, props) and formal elements (composition, frame, field size, editing) that lead to the question of the styles that the cinema prolongs and alters : neoclassicism, academism, orientalism, pre-Raphaelitism, symbolism, Art Nouveau. These aesthetic ideas allow for a convergence between the history of art and the history of cinema, which opens the question of the images' survival. At a time when 19th century figurative painting was being replaced by abstract art, it persisted and survived in cinema. In return, Italian cinema of the 1910s drew part of its vitality from pictorial material that already belonged to the past.Thus, this research brings to light a series of questions that allow for both a revisitation of a rarely studied period of the history of Italian cinema and more generally to reflect upon the relationship between cinema and other artforms

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

47

Cherruet, Sébastien. "Édouard Albert (1910-1968) : l'oeuvre complexe d'un architecte moderne". Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H041.

Testo completo

Abstract (sommario):

Cette thèse se propose d’étudier l’ensemble de l’œuvre d’Édouard Albert. Diplômé de l’École des beaux-arts en 1937, l’architecte Édouard Albert (1910-1968) est l’un des hérauts de la modernité en France. Durant la Seconde Guerre mondiale, il dessine des plans d’urbanisme pour le Commissariat technique à la reconstruction immobilière et fonde une association qui se réclame de la tradition médiévale du compagnonnage. Lors de la Reconstruction, il s’inspire de l’industrie aéronautique pour concevoir des habitations, mais explore aussi les possibilités offertes par le béton précontraint. En 1954, il présente au Salon des arts ménagers une maison en bois « Minimax » qui fait écho aux recherches de Jean Prouvé (1901-1984) sur la préfabrication. A partir de 1955, en collaboration avec l’ingénieur Jean-Louis Sarf (1928-2004), Édouard Albert développe un principe d’ossature tubulaire métallique. En 1958, il reçoit le Grand prix du cercle d’études architecturales et entreprend la construction du premier gratte-ciel parisien (1961). André Malraux soutient la « synthèse des arts » qu’Édouard Albert défend à travers son projet d’« Amphithéâtre Jean Vilar » (1958-1968) et qui s’incarne dans le « gril » du campus de Jussieu (1963-1968). S’inscrivant dans une tradition du rationalisme constructif et théorisant « une option sur le vide », l’architecte associe l’expression des structures à une esthétique de la transparence. Son art cinétique apparaît dans le siège qu’il développe avec le Mobilier national (1967). La complexité et les contradictions de son architecture se cristallisent dans l’île artificielle métaboliste qu’il imagine pour Monaco (1965-1968)
This thesis is a comprehensive study of Édouard Albert’s work. After graduating in architecture at the École des beaux-arts in 1937, Édouard Albert (1910-1968) became one of the champions of Modernity in France. During the Second World War, he drew up urban plans for the French Commissariat technique à la reconstruction immobilière and founded an association claiming the legacy of the medieval Compagnon workmanship tradition. During the post-war Reconstruction, he drew inspiration from the aircraft industry to design homes, while exploring also the possibilities offered by pre-stressed concrete. At the 1954 Salon des Arts ménagers, he presented the “Minimax” wooden house, echoing the research by Jean Prouvé (1901-1984) on prefabrication. After 1955, in collaboration with the young engineer Jean-Louis Sarf (1928-2004), Édouard Albert developed a concept of tubular metal frame. In 1958, he received the Grand Prix awarded by the Cercle d’études architecturales and started building the first Parisian skyscraper (completed in 1961). André Malraux supported the “synthesis of the arts” advocated by Édouard Albert through his project for the “Jean Vilar Amphitheater” (1958-1968) – a synthesis demonstrated in particular in the so-called gril of the Jussieu Campus he designed (1963- 1968). In keeping with the architectural tradition of constructive Rationalism, and building a theory of option sur le vide (“an option on space”), Édouard Albert connected the expression of structures to an aesthetics of transparency. His kinetic art finds an embodiment in the seat he developed with the Mobilier National (1967). The complexity and contradictions of his architecture truly crystallize in the artificial “metabolist” island he thought up for Monaco (1965-1968)

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

48

Nédélec, Marine. "De l'incohérence à l'humour, Dada et le surréalisme dans le miroir de la presse : réception et diffusion de Dada et du surréalisme par la presse française (1920-1927)". Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H084.

Testo completo

Abstract (sommario):

Que reste-t-il encore à examiner de Dada et du surréalisme, quasiment cent ans après leur naissance ? Malgré les multiples études déjà existantes, certainement beaucoup de choses, à commencer par les réactions de leurs contemporains. Car si la réception de Dada, puis surtout du surréalisme, a suscité des analyses, ce vaste champ de recherche demeure encore en grande partie à explorer. Cent vingt-six titres ont été ici consultés parmi la presse française des années vingt, afin d’observer la réception de Dada et du surréalisme. L’analyse des articles a fait émerger des thématiques, qui ont construit la structure de cette thèse. La première partie montre comment Dada et dans une moindre mesure le surréalisme ont été perçus comme incohérents, absurdes et donc incompréhensibles. En cherchant à expliquer les raisons de l’incohérence dadaïste, cette partie glisse vers la notion d’hermétisme. De là, la seconde partie s’attelle à analyser l’humour Dada à travers les mystifications, puis le rire joyeux qui tourne à l’offensive et au tragique. En faisant dialoguer les avis de critiques les uns avec les autres, ce travail permet de replonger ces avant-gardes dans leur époque. S’y dévoile leur histoire, mais aussi en filigrane les préoccupations des années vingt. En outre, cette étude fait émerger les filiations dans lesquelles la presse a inscrit les deux mouvements : du romantisme au futurisme, en passant par le symbolisme, les Arts Incohérents, l’impressionnisme, le postimpressionnisme, le cubisme ou encore les Humoristes
What is left to examine about Dada and the Surrealism almost a hundred years after the birth of these movements? Numerous studies have dealt with the subject, yet the reactions of their contemporaries have still to be explored. If Dada’s and the Surrealism’s reception among the public has been touched upon by scholars, it remains an unexplored aspect of these movements. This thesis relies upon the analysis of a hundred and twenty-six titles from the 1920’s French press in order to fill this gap by exploring the reception of Dada and Surrealism. The structure of this thesis has been built upon the themes found in the press articles. The first part shows how Dada and to a lesser extent Surrealism have been perceived as incoherent, absurd and thus unintelligible. By trying to explain the reasons of this Dadaist incoherence, this first part touches upon the notion of hermeticism. Then, the second part analyses Dadaist humour through its mystification and laughter which often turns to be offensive and tragic. By cross-reading the various critical assessments of these two movements, this thesis allows us to put back these avant-guardes in their own historical contexts. It unveils their history which is underlined by the concerns of the 1920’s. in addition, the analysis of their reception enables us to insert these two movements in a cartography of references which goes back to the Antiquity, continues in the Middle Ages, expands in the 19th century and comes to an end in the beginning of the 20th century. Therefore, Dada and Surrealism have been read and evaluated in relation to artistic and literary history, from Romanticism to Futurism, right through Symbolism, Incoherent Arts, Impressionism, post-Impressionism, Cubism and the Humorists

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

49

Champomier, Emmanuelle. "Contribution à l’histoire de la presse cinématographique française. Étude comparée de la genèse et de l’évolution de douze revues de cinéma entre 1908 et 1940". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA029.

Testo completo

Abstract (sommario):

Source majeure de l’histoire du cinéma, la presse cinématographique française des premiers temps reste pourtant encore un vaste continent à explorer. À partir d’un corpus composé de douze revues couvrant la période de 1908 à 1940, cette recherche entreprend d’étudier les facteurs à la fois techniques, économiques et sociaux de la naissance et de l’évolution de la presse cinématographique française sur trois décennies. Envisagée en tant qu’entreprise de presse, dans sa dimension collective, chaque revue fait l’objet d’une étude méthodique de son identité, de ses spécificités, ainsi que des différentes mutations, administratives, techniques, économiques, formelles et éditoriales, subies. L’ambition première de cette thèse est de proposer une histoire autant de la presse que des journalistes. Elle aspire ainsi à définir la profession de journaliste et de critique de cinéma, telle qu’elle est perçue à l’époque par la corporation du cinéma ainsi que les journalistes et critiques eux-mêmes. La définition de cette fonction se fait également à travers la création de groupements professionnels, dont cette recherche espère avoir éclairé l’histoire et les péripéties qui la jalonnent. Le dessein poursuivi par ailleurs est de contribuer à une meilleure connaissance des hommes, journalistes et critiques, encore méconnus pour la plupart mais qui ont pourtant été des figures marquantes de leur époque, qui ont participé à la création de la presse spécialisée et à l’élaboration d’une pensée et d’une critique cinématographiques dans les années 1900-1930
A major source for history of cinema, the early French film press however still remains a vast, unexplored continent. With a body of research composed of twelve film magazines spanning over the 1908-1940 period, this thesis aims to study the technical, economical and social factors involved in the birth and evolution of the French film press over three decades. Contemplated as a press organization, in its collective dimension, each film magazine is subject to a methodical study of its identity, specifications and various mutations – administrative, technical, economical, formal and editorial – incurred. The main ambition of this thesis is to propose a history of press as well as of journalists. The study thus aims to define the profession of journalist and film critic, as it is perceived in this period by the film corporation and the journalists and critics themselves. This fonction also defines itself through the creation of professional associations, the history and adventures of which this research hopes it has illuminated. The pursued purpose is also to contribute in a better knowledge of the men, journalists and critics, remaining mainly unrecognized to this day despite being major figures of their time, who participated in the creation of the specialized press and the formulation of a critical thought about cinema, in the 1900s-1930s

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

50

Hoffert, Yannick. "Théâtre et enjeux spirituels dans les années cinquante et soixante : J. Audiberti, E. Ionesco, G. Schéhadé, J. Vauthier". Nancy 2, 2003. http://www.theses.fr/2003NAN21010.

Testo completo

Abstract (sommario):

Les univers dramatiques de Jacques Audiberti, Eugène Ionesco, Georges Schehadé et Jean Vauthier n'ont au premier abord guère d'autre point commun que celui, très vague, d'appartenir à la foisonnante du Théâtre Nouveau. Ils sont toutefois profondément unis par la place majeure qu'ils accordent aux enjeux spirituels dans les représentaions qu'ils donnent de l'existence. Le sens de l'aventure humaine y est étroitement suspendu à la possibilité pour l'homme d'envisager sa situation dans des rapports décisifs avec ce qui le dépasse. La première partie analyse le regard porté par les quatre oeuvres théâtrales sur la place de la vie spirituelle dans la cité humaine. Elle y est fortement menacée par une tendance protéiforme à la sclérose due aux ravages du matérialisme, à la dictature de la rationalité, aux enjeux de pouvoir ainsi qu'au repli dans les conformismes. La vie religieuse dans ses formes instituées n'étant pas en mesure de fournir aux hommes le sens qui leur manque, il revient à l'art lui-même de devenir l'espace de l'aventure spirituelle. A partir de ce constat commun, les voies divergent. Les oeuvres de Jean Vauthier et de Georges Schehadé, analysées dans la seconde partie, affirment l'existence d'une possibilité chrétienne. Le christianisme qui anime les deux univers se manifeste sous des formes le plus souvent voilées et indécises, évitant l'affirmation directe. Aventure poétique, la vie religieuse se joue chez les deux auteurs selon des modalités spécifiques et nettement disctinctes. Chez Jacques Audiberti et Eugène Ionesco, dont les créations pour la scène font l'objet de la troisième partie, l'espace de la spiritualité est celui de l'interrogation toujours relancée en même temps que celui d'une irrémédiable torture que le rire, loin de cacher, dévoile. L'enjeu de l'aventure humaine consiste alors à se tenir dans cet inconfort qui se nourrit en particulier d'un dialogue passionnel avec le christianisme, entre révérence et blasphème, proximité et prise de distance
At first sight, the dramatic universes of Jacques Audiberti, Eugène Ionesco, Georges Schehadé and Jean Vauthier seem to have little in common beyond the rather vague fact of having participated in the teeming life of the New Drama. And yet, they are deeply united by the central role they grant to spiritual matters in the representations of existence they present. In such representations, the meaning of man's adventure is narrowly linked to the possibility for him to conceive his situation in terms of a decisive relationship with what lies beyond him. The first part of the thesis analyses the viewpoint of the four dramatic works on the place of spiritual life in the human city. This life is highly threatened by a protean sclerosis caused by the ravages of materialism, the tyranny of rationality, the question of power and the withdrawal into conformity. The institutional forms of religion being unable to provide men with the meaning they need, it falls to art to become the channel of the spiritual adventure. This common point being established, the ways that offer diverge. The works of Jean Vauthier and Georges Schehadé, studied in the second part, assert the possibility of a Christian orientation. On both universes the Christian line of thought most often assumes veiled and rather undefined forms, avoiding direct affirmation. Seen as a poetical adventure, religious life adopts in each work specific and very distinct modalities. With Jacques Audiberti and Eugène Ionesco, whose stage creations are treated in the third part, spirituality appears in the guise of an endless questioning alongside a torturing beyond remedy, which far from being hidden by humour is foregrounded by it. The stake for man's adventure is thus to persist in that unease which feeds on a passionate dialogue with Christianity, between reverence and blasphemy, proximity and alienation

Gli stili APA, Harvard, Vancouver, ISO e altri

Tesi sul tema "Années 1910 – Arts – France"

Cita una fonte nei formati APA, MLA, Chicago, Harvard e in molti altri stili