Tesi: "Cinema : Arte"

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Silva, Iomana Rocha de Araújo. "Cinemas fluidos: análise das interrelações entre cinema independente experimental brasileiro e arte contemporânea no contexto pós-cinema". Universidade Federal de Pernambuco, 2014. https://repositorio.ufpe.br/handle/123456789/13154.

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Abstract (sommario):

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A partir da observação do contexto atual da produção do cinema independente experimental brasileiro, notamos a interação estética e conceitual deste cinema com elementos da arte contemporânea. Esta produção nos remete a um contexto caracterizado pela expansão dos conceitos do que se entende por cinema, transbordando as características formais e estéticas do cinema tradicional. Numa primeira parte enfatiza-se alguns filmes dentro do que chamamos aqui de cinema independente experimental contemporâneo brasileiro, e a partir deles é feito uma analise associativa com segmentos da arte contemporânea, como a performance, arte processual, arte conceitual, criações em rede, minimalismo, entre outros. Em uma segunda parte, observase esta produção cinematográfica e essa interação com a arte contemporânea enfatizando a experiência estética. Foca-se na valorização da sensibilidade e subjetividade do espectador em sua relação com a obra, tendo por base teóricos como Didi-Huberman e Merleau-Ponty. Por fim, embasado pelo conceito de “efeito cinema” de Philippe Dubois, apontamos para um cenário de filmes fluidos, uma experiência imersiva que evoca a participação do espectador para preencher seus vazios, filmes em que o espectador se faz necessário para a obra se fazer completa, evocam uma experiência estética específica, à qual associamos o conceito de “efeito instalação”.

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Silva, Alessandra Collaço da. "Arte, mídia e cinema na escola". Florianópolis, 2012. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/100936.

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Abstract (sommario):

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O presente trabalho procura refletir sobre a relação entre arte, mídia e cinema na escola e tem como objetivo identificar pistas de uma possível proposta de ensino sobre cinema na escola incluindo o uso das tecnologias e da produção audiovisual na perspectiva da mídia-educação. Configurando-se como uma pesquisa qualitativa com estudo de caso, o problema de pesquisa diz respeito à pergunta #Como usar o cinema em sala de aula?# e, para tal, analisa quatro propostas sobre cinema e educação a escola e discute uma experiência singular, visando a traçar características comuns entre si e revelando traços de um ensinar que também (nos) ensina. O trabalho possui referências nos estudos de mídia-educação (David Buckingham, Pier Cesare Rivoltella e Mônica Fantin), nos estudos de cinema como escrita do movimento (Arlindo Machado, Ismail Xavier e Alain Bergala), nos estudos da arte (Jorge Coli e Tom Wolfe) e nos trabalhos de Henry Jenkins e Adriana Fresquet. Ao final, apresenta uma proposta de ensino, a Oficina de Cinema, como possibilidade de inserção curricular para trabalhar o cinema e sua articulação com a arte e a mídia em sala de aula.
The aim of this study is to reflect on the relation between art, media and cinema in schools seeking to identify a potential proposal for the teaching of cinema in schools, including the use of technologies and audiovisual production from the media education perspective. Configured as qualitative research with a case study, the issue addressed deals with the question: #How can cinema be used in the classroom?# To this aim, four proposals related to cinema and education in schools are analyzed and a particular experience is discussed in order to determine common characteristics between them and reveal the outline of a strategy to teach others while also teaching ourselves. This research is based on media education studies (David Buckingham, Pier Cesare Rivoltella and Mônica Fantin), the study of cinema as writing in motion (Arlindo Machado, Ismail Xavier and Alain Bergala), art studies (Jorge Coli and Tom Wolfe) and the work of Henry Jenkins and Adriana Fresquet. Finally, a teaching strategy - Cinema Workshop - is proposed, which could be incorporated into the school curriculum in order to work with cinema and its articulation with art and media in the classroom.

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Teixeira, Vitor Hugo Lima. "Solos mestiços : ciência, arte contemporânea e cinema". Universidade Federal de Sergipe, 2015. https://ri.ufs.br/handle/riufs/5976.

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Abstract (sommario):

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Considering that science becomes increasingly science of events, in this study we follow interconnections between fields of knowledge that are produced by processuality, exchanges, interferences, mixing, unknown. One of these fields is Social Psychology. Specifically the social psychology that is not interested in dealing with concepts or objects already built, but with concepts and objects to appear. Here we conducted an experimentation, a composition between science, art and subjectivity production. We have no interest in formats, predetermined models, but in the production that occurs between; the elements are destroyed and recreated during the presentations of them. It is an output that is less form and more performance. It produces the research/researcher in the process itself, using experiments, experiences, artistic images, to produce deterritorializations, to find escape routes in order to support the research/researcher. Thus, the engagement with the research problem guided by the thought of the difference is permeated by the strangeness of new position in which the researcher puts himself: the distance of evident, modern certainties, a disruption of truisms, where the researcher "dichotomic-kaleidoscopic-mosaic" remove the homogeneities, causes disruptions, gives up the generalizations and totalizations, and enters routes that have little to do with representation and more with creation. The soils that compose this study are necessarily associated: art-philosophy-science: it is crossbred soils. These consist of a space-time that provides opportunity to the tensions and intersections between fields of knowledge. Therefore, the crossbred soils are made of a producing strain land, an ideal place for exchanges between different areas. Through concomitant interferences between these fields occur the possibility of new scenarios, contradicting the supposed scientific unit that epistemology and modern philosophy pursued during the twentieth century. This dissertation does not intend to create concepts, but to convey flows of ideas regarding the production of thoughts and practices that enable interferences between fields of knowledge. On this direction we tried to point out artistic productions that break the idea of concepts, objects and subjects naturalized and dichotomized. An example of this miscegenation occurs in the relationship between contemporary art and cinema. These fields are increasingly converging to places of interference and creations between-areas, in the network. The plot that this research focuses is the one involving the aesthetic experience that the participant of the hybrid contemporary art exhibition spaces/projection is immersed on the artistic/digital works. Following this idea, we spied several meetingsmismatch- reunions between science, art/cinema and philosophy. The mixture, the miscegenation, is therefore the strong point of this research, which criticizes itself and expands not only through the lens enabled by deleuze-guattarian ethical-aesthetic paradigm and the literature that relates ARTIST-WORK-PARTICIPANT, but also through Julio Cortázar, the Free Jazz, holes, stairs, Cosmococas, Tekpix, HermetoPascoal, mangaba juice, 30 years old, Cildo Meireles, MIMO, and other wandering support that emerged as intercessors for the development of the researcher as a producer of thought and practices that put into play these relationships.
Considerando que a ciência torna-se cada vez mais ciência dos acontecimentos, neste estudo perseguimos encontros entre campos do conhecimento que se produzem através da processualidade, das trocas, das interferências, da mistura, do não sabido. Um desses campos é a Psicologia Social. Trata-se de uma psicologia social que não se debruça sobre conceitos ou objetos já constituídos, mas que aposta em conceitos e objetos por vir. Aqui realizamos uma experimentação, uma composição entre ciência, arte e produção de subjetividade. Nada de formatos, de modelos predeterminados, mas a produção ocorre entre, os elementos se destroem e se recriam durante as apresentações. Trata-se de uma produção que é menos forma e mais performance. Produz a pesquisa/pesquisador em processo, utilizando experimentações, vivências, imagens artísticas, para produzirem desterritorializações, para apontarem linhas de fuga em prol da pesquisa/pesquisador. Deste modo, o envolvimento com a problemática da pesquisa pautada pelo pensamento da diferença é permeado de estranhamentos pela nova posição em que o pesquisador se coloca: o distanciamento do que é evidente, das certezas modernas, uma distância e perturbação das obviedades, onde o pesquisador ―bifurcado-caleidoscópico-mosaico‖ descola as homogeneidades, provoca rupturas, abre mão das generalizações e totalizações, e adentra rotas que pouco tem de representação e mais tem de criação. Os solos que compõem este estudo estão necessariamente associados: arte-filosofia-ciência: trata-se de solos mestiços. Estes consistem em um espaço-tempo que oportuniza tensões e cruzamentos entre campos do conhecimento. Portanto, os solos mestiços constituem-se em um terreno produtor de tensões, um local propício ao intercâmbio entre distintas áreas, que através de interferências concomitantes entre elas possibilitam produções de novos cenários mistos, contrariando, deste modo, a suposta unidade científica que a epistemologia e filosofia modernas perseguiram durante o século XX. Esta dissertação não tem a pretensão de criar conceitos, mas de transmitir fluxos de ideias voltadas para produções de pensamentos e práticas que possibilitem interferências entre campos do conhecimento, apontando principalmente produções artísticas que rompem a ideia de conceitos, objetos e sujeitos naturalizados e dicotomizados. Um exemplo desta mestiçagem ocorre nas relações entre arte contemporânea e cinema. Esses campos passam cada vez mais a convergirem para lugares de interferências e criações entre-áreas, em rede. A trama que esta pesquisa se debruça é a que envolve as experiências estéticas a que o participador dos híbridos espaços artísticos contemporâneos de exposição/projeção está imerso diante das obras artísticas/digitais. Deste modo espiamos diversos encontros-desencontros-reencontros entre a ciência, a arte/cinema e a filosofia. A mistura, a mestiçagem, é, portanto o ponto forte desta pesquisa, que se critica e amplia não somente através das lentes viabilizadas pelo paradigma ético-estético deleuzo-guattariano e pela literatura que relaciona ARTISTA-OBRA-PARTICIPADOR, mas também através de Julio Cortázar, do Free Jazz, buracos, escadas, Cosmococas, Tekpix, Hermeto Pascoal, suco de mangaba, 30 anos, Cildo Meireles, MIMO, entre outros apoios errantes que surgiram como intercessores para o desenvolvimento do pesquisador, enquanto produtor de pensamento e de práticas que coloquem em jogo estas relações

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Farias, Daniela Santos de. "Convergência de linguagens nas artes visuais : cinema, vídeo, teatro e internet /". São Paulo, 2013. http://hdl.handle.net/11449/86844.

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Abstract (sommario):

Orientador: Rosangela da Silva Leote
Banca: Pollyana Ferrari
Banca: Agnaldo Valente
Resumo: Esta dissertação tem por objetivo a análise e a investigação acerca da hipótese de convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo, teatro, por meio de suportes orgânicos e tecnológicos com o uso da internet ou não. Foram apresentados e analisados obras de teatro como, a Companhia Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, a peça teatral Descrição de Imagem - DDI de Heiner Müller, o Cinema Vivo do cineasta Alexandre Carvalho, o filme SuperBarroco da cineasta Renata Pinheiro, o filme Lixo de Cabeceira de Peter Greenaway, o docmentário 33 de Kiko Goifman, o filme a Bruxa de Blair dos diretores Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, a Shadow Art de Tim Noble e Sue Webster, A Câmera Obscura de Abelardo Morell e a Ópera Dido e Aeneas de Henry Purcell. Para o embasamento teórico, foram resgatadas considerações a respeito do pensamento complexo, a questão do dispositivo, da convergência, do hipertexto, do rizoma, a questão do virtual, do hibridismo, com o intuito de demonstrar a confluência existente entre diferentes linguagens. Por isso, recoremos às ideias de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lúcia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Felix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Serguei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente, entre outros. O trabalho: Convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo e internet, evidencia as modificações ocorridas no campo dos dispositivos de comunicação e das linguagens aqui abordadas, e suas repercussões no âmbito das artes e no espaço sócio cultural da contemporaneidade
Resumen: Esta disertación tiene como objetivo el análisis y la investigación sobre la hipótesis de la convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro a través de soportes orgánicos y tenológicos que utilizan Internet o no. Fueron analisados y presentados como obras de teatro, la Compañía Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, la obra Descripción Imagen - DDI Heiner Müller, Live Cinema cineasta Alexandre Carvalho, la película SuperBarroco cineasta Renata Pinheiro, la película The Pillow Book de Peter Greenaway. el documental 33 Kiko Goifman la película The Blair Witch directores Daniel Myrik, Eduardo Sánchez, Shadow Art - Arte Sombra de Tim Noble y Sue Webster, la cámara oscura de Abelardo Morell, la Ópera Dido y Eneas de Henry Purcell. Por los antecedentes teóricos, fueron rescatados consideraciones sobre el pensamiento complejo, la cuestión de la convergencia, dispositivo, el hipertexto, la rizoma, la cuestión de la hibridación virtual para demonstrar la confluencia entre diferentes lenguajes. Por lo tanto, utilizamos las ideas de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lucia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Félix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Sergei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente entre otros. Trabajo: La convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro y internet, evidencia los cambios en el campo de los dispositivos de comunicación y lenguajes dicutidos aquí, y sus repercusiones en las artes y el espacio socio-cultural contemporáneo
Mestre

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Farias, Daniela Santos de [UNESP]. "Convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo, teatro e internet". Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2013. http://hdl.handle.net/11449/86844.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-05-29Bitstream added on 2014-06-13T19:48:46Z : No. of bitstreams: 1 farias_ds_me_ia.pdf: 3149410 bytes, checksum: 5f4f71cfbe4345cc4461b576afca02d1 (MD5)
Esta dissertação tem por objetivo a análise e a investigação acerca da hipótese de convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo, teatro, por meio de suportes orgânicos e tecnológicos com o uso da internet ou não. Foram apresentados e analisados obras de teatro como, a Companhia Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, a peça teatral Descrição de Imagem - DDI de Heiner Müller, o Cinema Vivo do cineasta Alexandre Carvalho, o filme SuperBarroco da cineasta Renata Pinheiro, o filme Lixo de Cabeceira de Peter Greenaway, o docmentário 33 de Kiko Goifman, o filme a Bruxa de Blair dos diretores Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, a Shadow Art de Tim Noble e Sue Webster, A Câmera Obscura de Abelardo Morell e a Ópera Dido e Aeneas de Henry Purcell. Para o embasamento teórico, foram resgatadas considerações a respeito do pensamento complexo, a questão do dispositivo, da convergência, do hipertexto, do rizoma, a questão do virtual, do hibridismo, com o intuito de demonstrar a confluência existente entre diferentes linguagens. Por isso, recoremos às ideias de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lúcia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Felix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Serguei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente, entre outros. O trabalho: Convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo e internet, evidencia as modificações ocorridas no campo dos dispositivos de comunicação e das linguagens aqui abordadas, e suas repercussões no âmbito das artes e no espaço sócio cultural da contemporaneidade
Esta disertación tiene como objetivo el análisis y la investigación sobre la hipótesis de la convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro a través de soportes orgánicos y tenológicos que utilizan Internet o no. Fueron analisados y presentados como obras de teatro, la Compañía Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, la obra Descripción Imagen - DDI Heiner Müller, Live Cinema cineasta Alexandre Carvalho, la película SuperBarroco cineasta Renata Pinheiro, la película The Pillow Book de Peter Greenaway. el documental 33 Kiko Goifman la película The Blair Witch directores Daniel Myrik, Eduardo Sánchez, Shadow Art - Arte Sombra de Tim Noble y Sue Webster, la cámara oscura de Abelardo Morell, la Ópera Dido y Eneas de Henry Purcell. Por los antecedentes teóricos, fueron rescatados consideraciones sobre el pensamiento complejo, la cuestión de la convergencia, dispositivo, el hipertexto, la rizoma, la cuestión de la hibridación virtual para demonstrar la confluencia entre diferentes lenguajes. Por lo tanto, utilizamos las ideas de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lucia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Félix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Sergei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente entre otros. Trabajo: La convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro y internet, evidencia los cambios en el campo de los dispositivos de comunicación y lenguajes dicutidos aquí, y sus repercusiones en las artes y el espacio socio-cultural contemporáneo

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Naldi, Fabiola <1971&gt. "Arte/Cinema. Dinamismo futurista e extra artisticità dadaista". Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2009. http://amsdottorato.unibo.it/2177/.

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Abstract (sommario):

La ricerca ha bene analizzato lo stretto rapporto che si instaura fra le Avanguardie Storiche e le tecnologie più innovative dei primi anni del Novecento. Con il Futurismo (argomento trattato nel primo anno di ricerca di dottorato) e, in seguito, con il Dadaismo (principale soggetto di studio del secondo anno di ricerca), la candidata sottolinea i rapporti fra le avanguardie artistiche e la neonata tecnica cinematografica (1895). Il primo capitolo si concentra sugli enormi cambiamenti, sia materiali sia culturali, vissuti dalla nuova società di inizio Novecento. I principali concetti analizzati sono: i molteplici sviluppi tecnologici, la disputa teorica sul cinematografo che, tra il 1905 e il 1907, acquista maggiore rilevanza e la nuova “visione” della realtà. In particolare modo nel primo capitolo si affronta anche il dibattito culturale di fine Ottocento che contribuirà alle avanguardistiche affermazioni futuriste. L’idea di confrontare, in perfetta omologia, la nuova “visione” del cinema e le più importanti scoperte materiali del tempo è un interessante apporto a tutta la ricerca dove l’utilizzo del mezzo cinematografico diventa un mezzo perfetto per analizzare i flussi temporali, non più diacronici bensì sincronici dei fenomeni artistici. Inoltre, si sottolinea come la crescente convergenza fra differenti forme artistiche e il cinema d’avanguardia diventino uno strumento culturale capace di aprire nuovi universi e prospettive. E’ con il Futurismo che si inizia a parlare di contaminazioni fra differenti mezzi di espressione non necessariamente legati alla “rappresentazione” pittorica o scultorea. E’ invece il movimento Dadaista a sviluppare il discorso iniziato dai Futuristi e a concretizzare il binomio arte/cinema al fine di condividere il tempo della registrazione filmica e l’intenzione artistica degli autori presi in esame. Una parte importante del lavoro è stata l’analisi e lo studio dei materiali filmici recuperati sia in ambito futurista sia in ambito dadaista. La stesura di un approfondito indice ragionato ha permesso importanti chiarimenti sull’argomento trattato. La ricerca predisposta dalla candidata si è avvalsa di strumenti metodologici differenti con l’intento di far emergere il complesso degli interventi dei principali artisti operanti all’interno dei due movimenti presi in esame, tracciandone le omologie con le principali innovazioni tecnologiche.

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Silva, Donny Correia da. "Releituras da arte no cinema de Derek Jarman". Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-29112018-122124/.

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Abstract (sommario):

O poeta e cineasta britânico Derek Jarman, morto em 1994, aos 52 anos, vitimado pela AIDS, é uma figura controversa e polêmica no âmbito da História da Arte. Sua poética faz alusão à liberdade sexual, ao ateísmo, à anarquia e à deformação sócio-política vivida na Europa entre as décadas de 1960 e 1990. Filmes como Sebastiane (1976) e Jubilee (1978) são amostras violentas desse ataque às instituições. Por outro lado, uma observação mais atenta a trabalhos como Blue (1993), Glitterbug (1994) e, sobretudo, Caravaggio (1985), apontam para um projeto estético muito mais elaborado e ambicioso. Observamos nessas obras específicas uma tentativa de releitura da História da Arte num corte sincrônico em relação a seu próprio tempo, e além disso uma busca pela identificação do papel do artista no contexto da História em si, de maneira que vida e obra unam-se simbioticamente num projeto de totalização da poética, da estética e da fenomenologia que envolvem ambas. Este trabalho pretende resgatar a memória do artista Derek Jarman, posto que seu trabalho se perdeu no hermetismo a ele atribuído pela crítica ao longo dos anos que se seguiram à sua morte e, a partir desse resgate, examinar elementos históricos e estéticos presentes em Blue, Glitterbug e Caravaggio, que evidenciam uma releitura da História da Arte à luz da contemporaneidade com vistas a discutir o papel e o lugar do artista no contexto da vida enquanto obra aberta e como ator na transcorrência sincrônica da História. Com isto, a presente tese faz uma excursão pelos anos formativos de Jarman, quando cursou Artes Visuais e quando tomou contato com artistas da vanguarda do pós-Segunda-Guerra, em seguida examina a ocorrência dos efeitos de tal contato em suas obras derradeiras Blue e Glitterbug, para, finalmente, dissecar sua obra Caravaggio em busca de comprovações para nossa hipótese de que Jarman ocupou-se de criticar seu tempo e sua cultura fundindo-se ao personagem do pintor italiano, criando uma vida-obra indissociável em que se verifica o estudo histórico e fenomênico da Arte e, por fim, reavalia os papéis do artista Caravaggio e seu próprio papel em relação ao fazer artístico, dentro de uma compreensão metafísica.
British poet and filmmaker Derek Jarman, who died in 1994 at 52, a victim of AIDS, is a controversial figure in the History of Art. His poetics allude to sexual freedom, to atheism, to anarchy and to the socio-political deformation experienced in Europe between the 1960s and 1990s. Films such as Sebatiane (1976) and Jubilee (1978) are violent samples of this attack on institutions. On the other hand, a closer observation to works such as Blue (1993), Glitterbug (1994) and, especially, Caravaggio (1985) points to a much more elaborate and ambitious aesthetic project. We observe in these specific works an attempt to reread the History of Art in a synchronic cut in relation to its own time, and, in addition, a search for the identification of the artist\'s role in the context of History itself, so that life and work unite symbiotically in a project of totaling poetics, aesthetics and phenomenology that involve both. This work intends to rescue the memory of the artist Derek Jarman, since his work was lost in the hermeticism attributed to him by the critics throughout the years that followed his death and, from this rescue, to examine historical and aesthetic elements present in Blue, Glitterbug and Caravaggio, which show a re-reading of the History of Art in the light of contemporaneity with a view to discussing the role and place of the artist in the context of life as a work in progress and as an actor in the synchronous transcurrency of History. With this, the present thesis makes an excursion in the formative years of Jarman, when he studied Visual Arts and when he made contact with artists of the vanguard of the post-Second World War. Next, it examines the occurrence of the effects of such contact in its works Blue and Glitterbug, to finally dissect his work Caravaggio in search of evidence for our hypothesis that Jarman was concerned with criticizing his time and his culture by merging with the character of the Italian painter, creating an inseparable life-work in the historical and phenomenal study of Art and, finally, re-evaluates the roles of the artist Caravaggio and his own role in relation to artistic making, within a metaphysical understanding.

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Carrilho, Raquel Martins. "Vídeo-arte e cinema: cruzamento de linguagens contemporâneas". Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2009. http://hdl.handle.net/10773/1207.

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Abstract (sommario):

Mestrado em Criação Artística Contemporânea
O presente trabalho propõe-se iluminar diferenças, vistas como significativas entre a vídeo-arte e o cinema, assim como os pontos fulcrais de semelhança e proximidade. Estas duas formas artísticas contemporâneas assistem-se uma à outra numa conformidade que muitas vezes se torna difícil explicar na prática e na lógica. Numa tentativa de clarificar alguns pontos que permanecem na obscuridade, interpreto objectivamente o que ambos têm em comum e também onde divergem declaradamente. É minha intenção criar uma ligação entre vídeo-arte e cinema para a sua compreensão sem que para isso se extinga a essência de cada forma de arte, mas antes a sua integração e inclusão numa sociedade cada vez mais complexa como é a nossa. ABSTRACT: This thesis proposes to to illuminate differences, seen as significant differences between video art and cinema, as well as the focal points of similarity and proximity. These two contemporary art forms, are assisting each other in a in a line that often becomes difficult to explain in practice or logic. Attempting to clarify some points that remain in the dark, I objectively take what both have in common and where they clearly diverge. It is my intention to create a link between video art and cinema for their understanding, without extinguish their essence, but to promote their integration and inclusion in an increasingly complex society such as ours.

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Canassa, Rosâgela Donizete [UNESP]. "A caixa de Pandora: as deusas e o feminino no cinema". Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2006. http://hdl.handle.net/11449/87014.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2006Bitstream added on 2014-06-13T18:08:24Z : No. of bitstreams: 1 canassa_rd_me_ia.pdf: 1425813 bytes, checksum: f31b55518d0ce57f0beb77a3b0835cb9 (MD5)
Nesta dissertação de mestrado, que trata da interpretação mítica e psicológica do enredo dos quatro filmes: Caixa de Pandora (1928); Helena de Tória (1955) e Kill-Bill - Vol.1 e 2 (2003), analiso o comportamento das personagens principais e estabeleço uma conexão com as seguintes deusas gregas: Pandora, Afrodite e Deméter, numa leitura junguiana. Por mais racionais que possamos ser, nossos cérebros não resistem ao ímpeto de adotar relatos metafísicos para o entendimento dos mistérios naturais que determinam nossa existência. Os mitos possuem características humanas e, por meio de suas lendas, podemos compreender melhor nossas questões existênciais, na busca de sentido para vida humana. Os temas mitológicos contemplam tanto a sociedade, o coletivo, como a subjetividade humana, o individual, tornando-se universal, com seu poder de nos emocionar e de nos ensinar as verdades profundas da psique humana. Ao associar cinema, psicologia e mitologia, encontro uma nova leitura entre imagem e verbo e que poderá dar novo significado à leitura e a compreensão de um filme.
This master's degree thesis studies the mythical and psycological interpretations of the plot of the following four films: Pandora's Box (1928); Helen of Troy (1955); and Kill Bill - Vol. 1 and 2 (2003). The behavior of the main characters is studied and a connection with the following Greek goddesses is made: Pandora, Aphrodite and Demeter, according to Jungian analysis. No matter how rational we might attempt to be, our brains do not resist the urge to adopt metaphysical accounts in order to understand the mysteries and natural phenomena that determine our existence. Myths have human characteristics and, by means of their legends, one can better understand our existential issues, in search of the meaning of human life. Mythological themes embrace both society - the collective - and human subjectivity - the individual-, becoming universal, with their power to stir up our emotions and teach us the deepest truths of human psyche. By associating cinema, psychology and mythology I find a new reading of image and words which might give a new meaning to the reading and understanding of a film.

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Lima, Wagner Jonasson da Costa. "Arthur Omar e o efeito cinema na arte contemporânea". Universidade do Estado de Santa Catarina, 2011. http://tede.udesc.br/handle/handle/788.

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Abstract (sommario):

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This present research aims to analyze the relationship between cinema and contemporary art by using certain moments of artistic and theoretical production of Arthur Omar. The beginning of his artistic trajectory is marked by rupture with traditional documentary filmmaking, period when he will introduce the notion of antidocumentário in the context of the Brazilian audiovisual production. From that moment on, he takes a path that goes from cinema to visual arts, passing through video, photography e video installations. In 2006, he performs the exposition Zooprismas: Ciência Cognitiva dos Corpos Gloriosos containing video and photographic images in many ways of displaying and projecting. These are works designed from the softening of the boundaries that separate photography, cinema, video e visual arts. Think about the pictorial devices becomes fundamental for a reflection on the artistic experience nowadays. Therefore, the research dialogues with the notion of cinema effect, procedure of filmmakers / artists whosometimes use the film material directly in production, sometimes invent forms of presentation that make you think or are inspired by effects or cinematic forms
A presente pesquisa tem por objetivo analisar a relação entre cinema e arte contemporânea abordando determinados momentos da produção artística e teórica de Arthur Omar. O início de sua trajetória artística é marcado pelo movimento de ruptura com o cinema documentário tradicional, período em que o artista vai introduzir a noção de antidocumentário no contexto da produção audiovisual brasileira. A partir desse momento realiza um percurso que vai do cinema às artes plásticas, passando pelo vídeo, fotografia e instalações de vídeo. Realiza ainda em 2006 a exposição Zooprismas: Ciência Cognitiva dos Corpos Gloriosos, constituída por imagens videográficas e fotográficas em variadas possibilidades de exposição e projeção. São trabalhos concebidos a partir da suavização das fronteiras que separam fotografia, cinema, vídeo e artes visuais. Pensar sobre os dispositivos imagéticos torna-se desta maneira tarefa fundamental para uma reflexão sobre a experiência artística na atualidade. Para tanto, a pesquisa dialoga com a noção de efeito cinema, procedimento de cineastas/artistas que ora utilizam diretamente o material fílmico em sua produção, ora inventam formas de apresentação que fazem pensar ou se inspiram em efeitos ou formas cinematográficas

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Aro, Fabrício Mesquita de. "Distorções Elásticas no Cinema Digital de Alexandr Sokurov /". Bauru, 2016. http://hdl.handle.net/11449/146694.

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Abstract (sommario):

Orientador: Marcelo Magalhães Bulhões
Banca: Mauro de Souza Ventura
Banca: Laura Loguercio Canepa
Resumo: O presente trabalho pretende elucidar os mecanismos que negaram a perspectiva linear por meio da distorção da imagem no cinema de Alexandr Sokurov. A partir da teoria da Dobra de Deleuze e dos preceitos da Perspectiva Inversa de Pável Floriênski, serão analisadas obras pictóricas, que vão do Barroco, passando pela Bauhaus, chegando até Francis Bacon. Tais obras entrarão em sintonia com a filmografia de Sokurov utilizando o termo da "distorção elástica", pressupondo um deslocamento não-espacial e temporal-não-linear através da análise fílmica e estética das obras. A adaptação de Fausto de Goethe realizada pelo cineasta russo em 2012, será o elemento condutor ao elucidar o trânsito imagético do suporte analógico para o digital e suas potencialidades estéticas de subversão à perspectiva linear.
Abstract: The present work intends to elucidate the mechanisms that denied the linear perspective inherited from Ancient Greece and emphasized in the Renaissance period, to undergo the process of distortion of this mechanism of representation. From the theory of Deleuze's Dobra and the precepts of the Inverse Perspective of Pável Floriênski, will be analyzed pictorial works, ranging from the Baroque, passing, by the Bauhaus, reaching Francis Bacon. Such works will be in tune with the filmmaking of the Russian Filmmaker Alexandr Sokurov using the term "elastic distortion", presupposing a non-spatial and non-linear displacement through the filmic and aesthetic analysis of works. Goethe's Faust's adaptation by the Russian filmic and aesthetic analysis of works. Goethe's Faust's adaptation by the Russian filmmaker in 2012 will be driving element in elucidating the imaginary transit from analog to digital support and its aesthetic potential from subversion to linear perspective
Mestre

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Chaves, Junior Cassimiro Carvalho 1982. "Arte, tecnica e estetica". [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/283995.

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Abstract (sommario):

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara
Acompanha 01 CD-ROM
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-15T02:05:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ChavesJunior_CassimiroCarvalho_M.pdf: 3615358 bytes, checksum: 3fd2ba2a6fe86be9be825a017c488441 (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: O projeto tem o intuito de realizar uma investigação sobre o domínio da Animação Cinematográfica. No capítulo 1, há uma investigação sobre a Animação Cinematográfica, traçando um parâmetro histórico de sua criação, evolução e suas referências estéticas, divididas sobre a nomenclatura "Escolas Estilísticas. Para fechar o capítulo, uma contextualização de dois filmes, que seguiam os padrões analisados. No capítulo 2, discute-se o processo evolutivo da Animação Cinematográfica, entendendo os paradigmas acerca das técnicas e tecnologias; Assim, numa combinação de técnicas, selecionei o filme "Horton e o Mundo dos Quem", por ter a estética bem elaborada, construindo dois mundos distintos que interagem de maneira singular. No capítulo 3, examina-se os processos preciosos na confecção de produções em Animação que utilizam a perspectiva tridimensional como fator estético e artístico. Há um primeiro recorte possível neste capítulo, ligado às técnicas de animações que utilizam a modelagem em "massinha", utilizando como fator analítico filme "A Noiva Cadáver". O segundo recorte possível, deste capítulo, são as possibilidades técnicas de animação digital, então selecionei o filme "A Casa Monstro", pois, trata-se de uma elaboração tecnológica sofisticada para constituir uma estória contundente e um enredo substancioso. No capítulo 4, chequei as conclusões possíveis acerca do passado, presente e futuro da Animação Cinematográfica, seja quanto aos aparatos técnicos de exibição ou a inserção de novas tecnologias na construção de estórias concisas. Para isso, articulei as tensões entre arte, técnica e estética como causa e reciprocidade entre elas para entender a formação e os pontos convergentes a identificação dos espectadores.
Abstract: The project aims to conduct research on the field of Animation Film. In Chapter 1, there is an investigation into the Animation Film, tracing a historical parameter of its creation, evolution and their aesthetic references, divided on the nomenclature "stylistic schools. To close the chapter, a background of two films that followed the patterns analyzed. Chapter 2 discusses the evolution of the Animation Film, understanding the paradigms of techniques and technologies; Thus, a combination of techniques, I selected the movie "Horton Hears a Who" for having a well-crafted aesthetic, building two different worlds that interact in unique ways. In chapter 3, examines the processes in the manufacture of precious productions animation using three-dimensional perspective as artistic and aesthetic factor. There is a possible angle in this first chapter, on the techniques of animation using the modeling "clay", using factor analytic film "Corpse Bride". The second possible angle, this chapter, the technical possibilities of digital animation, so I selected the movie "Monster House," because it is a sophisticated technological development to provide a compelling story and a substantial plot. In Chapter 4, I checked the possible conclusions about the past, present and future of Animation Film, is about the technical apparatus of view or the insertion of new technologies in the construction of concise stories. For this, articulated the tensions between art, technology and aesthetics as cause and reciprocity between tem to understand the formation and the similarities identification of spectators.
Mestrado
Mestre em Multimeios

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Alenca, Maurício Dias Chades de. "Pirâmide, urubu – cinema de exposição". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2016. http://repositorio.unb.br/handle/10482/22192.

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Abstract (sommario):

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016.
Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-12-19T13:03:29Z No. of bitstreams: 1 2016_MaurícioDiasChadesdeAlencar.pdf: 2827901 bytes, checksum: fbaaa8448e62284c5075ad9b0217e509 (MD5)
Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-01-13T17:30:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_MaurícioDiasChadesdeAlencar.pdf: 2827901 bytes, checksum: fbaaa8448e62284c5075ad9b0217e509 (MD5)
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“Eu vejo”, videre, do latim, vídeo. Vídeo funciona como verbo de ação, ato mesmo de olhar. O vídeo está em todas as artes da imagem, pois todas pretendem, em comum, dar a ver. Está no desenho, na fotografia, na pintura, como o gesto de fazer imprimir o visível e o invisível. A escrita desta dissertação mistura-se e confunde-se com o próprio ato de fazer vídeos: os 6 vídeos e 6 ensaios aqui apresentados ora tocam-se, orbitando uma constelação de conceitos semelhantes, ora separam-se, abrindo-se para outras possibilidades e outros signos. O que torna o trabalho coeso, possível de ser organizado como série de vídeos e de textos, são 3 temas principais, formatados nas seguintes perguntas: a partir de experiências colhidas na biografia do artista, como é possível re-fazer, ritualizar a morte em um gesto-vídeo? Como o vídeo pode ser um estado de pensamento para que se proponham outros dispositivos-cinema? Como descrever a paisagem tornando-a outra, integrando e espacializando o vídeo? ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT
“I see”, videre, from latin, video. Video works as an action verb, the act of looking. Video is found within all image arts, as they all agree in the intent of giving sight. It’s in drawing, photography, painting, as a gesture through which both visible and invisible are printed. The writing of this dissertation merges and confounds itself with the actual video making process: the 6 videos and 6 essay herein presented will, at times, touch one another, orbiting a constellation filled with similar concepts and, at times, separate from one another, opening up to accept distinct possibilities and other star signs. What makes this work cohesive, with the possibility of being organized as a series of video and text, is the presence of 3 main themes, formatted within the questions that follow: departing from experiences gathered in the biography of the artist, how is it possible to re-do, ritualize the death of a gesture-video? How can video be a state of thinking so that different device-cinema be proposed? How to describe landscape turning it into something else, integrating and spatializing video?

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Cruvinel, Tiago de Brito. "A criança-ator no cinema : jogando na sétima arte". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2017. http://repositorio.unb.br/handle/10482/31713.

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Abstract (sommario):

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2017.
Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2018-04-12T16:27:41Z No. of bitstreams: 1 2017_TiagodeBritoCruvinel_PARCIAL.pdf: 848632 bytes, checksum: 861f3e658c6793a85df8b1a1c535f848 (MD5)
Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-04-20T20:47:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_TiagodeBritoCruvinel_PARCIAL.pdf: 848632 bytes, checksum: 861f3e658c6793a85df8b1a1c535f848 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-04-20T20:47:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_TiagodeBritoCruvinel_PARCIAL.pdf: 848632 bytes, checksum: 861f3e658c6793a85df8b1a1c535f848 (MD5) Previous issue date: 2018-04-20
Esta tese investiga a singularidade da atuação da criança-ator no cinema e tem como objetivo compreender as relações na preparação das crianças-atores, de modo a discutir os possíveis efeitos na formação artística e no desenvolvimento humano das crianças. Por relação entende-se a maneira de perceber o outro, suas atitudes ou comportamentos (Marie-José Chombart de Lauwe, 1991), de forma a respeitar esse outro (a criança) em sua completude. As relações estudadas foram: a criança-ator com o jogo cinematográfico, da crença na ilusão, por meio dos conceitos de Jean Chateau (1987); o roteiro com a criança-ator, por intermédio de uma noção que intitulo criança conselheira; a direção e a preparação de cenas na relação com a criança-ator; e o trabalho artístico infantil com a criança. A pesquisa, de caráter bibliográfico, apresenta como complemento fragmentos extraídos do documentário Jouer Ponette (2006), de Jeanne Crépeau, que, de forma prática, ilustram a discussão teórica. O estudo traz, ainda, a noção de jogo cinematográfico como a prática de a criança-ator atuar no cinema, quando se considera o set de filmagem como espaço de jogo, mediado por regras. Essa noção foi criada com base na separação conceitual de brincadeira e jogo (Nachmanovitch), nos princípios do jogo dramático (Peter Slade), no jogo teatral (Viola Spolin), no conceito de atuação simples e complexa (Michael Kirby) e nos tipos de direção com as crianças-atores (Jacqueline Nacache). Propõese, como resultado da discussão de cunho teórico-reflexivo, um estudo aprofundado dos processos de preparação da criança-ator, mostrando que qualquer relação se torna mais produtiva quando são respeitados os modos de ser e de estar da criança, evitando, assim, possíveis problemas em seu desenvolvimento. As polêmicas e os questionamentos que envolvem a presença da criança no cinema começam a ser respondidos no momento em que se discute a especificidade de sua atuação.
This thesis investigates the singularity of the actor-child's acting in cinema and aims to comprehend the relations in coaching actors-children, discussing the possible effects in the artistic formation and human development of the children. Relation is meant as the way to perceive the other, his attitude or behavior (Marie-José Chombart de Lauwe, 1991), in order to respect this other (the child) in its completeness. The relations studied were: the actor-child with the cinematographic game, through the perspective of belief in illusion, by the concepts of Jean Chateau (1987); the script with the actorchild, through a conception named counselor child; the direction/coaching of scenes on the relation with the actor-child; and the relation of artistic work with the actor-child. The research, having a bibliographic approach, presenting as a complement fragments extracted from the documentary Jouer Ponette (2006), by Jeanne Crépeau, which illustrate the theoretical discussion in a practical way. The study also brings the conception of cinematographic game as the practice of the actor-child's acting in cinema, considering the movie set as a game space, mediated by rules. This notion was created based on the conceptual difference of amusement and game (Nachmanovitch); on the principles of Dramatic Play (Peter Slade); on the Theater Games (Viola Spolin); on the concepts of simple and complex acting (Michael Kirby); and on the kinds of direction with the actor-child (Jacqueline Nacache). It is proposed, as a result of the theoretical-reflexive discussion, an in-depth study of the processes of coaching the actor-child, defending that any relations will be more productive when the child’s ways of being (anyone) and being (in the present moment) are respected, thus avoiding possible problems in his/her development. The controversies and questioning evolving the presence of a child on cinema begin to be answered when th specificity of the acting is discussed.
Cette thèse explore la singularité du jeu de l'enfant-acteur au cinéma et vise à comprendre les relations dans la préparation des enfants-acteurs, afin de discuter les effets possibles dans la formation artistique et dans le développement humain des enfants. Dans ce cas, la relation est comprise comme la manière de percevoir l’autre, leurs attitudes ou ses comportements (Marie-José Chombart de Lauwe, 1991), afin de respecter cet autre (l’enfant) dans son intégralité. Les relations étudiées étaient: l'enfant-acteur avec le jeu cinématographique à partie de la perspective de la croyance à l'illusion, via le concept de Jean Château (1987); le scénario avec l'enfant-acteur, à travers une notion appelée enfant-conseiller; la direction/préparation des scènes en relation avec l'enfant-acteur; et le travail artistique avec l'enfant. La recherche, de caractère bibliographique, présentant, en complément, des fragments extraits du documentaire Jouer Ponette (2006), de Jeanne Crépeau, qui, d'une manière pratique, illustrent la discussion théorique. L’étude apporte, également, la notion de jeu cinématographique comme la pratique de l'enfant-acteur jouer au cinéma, lorsque le set de filmage est considéré comme espace de jeu médiatisé par des règles. Cette notion a été créée sur la base de séparation conceptuelle d'amusement et jeu (Nachmanovitch); des principes du jeu dramatique; du jeu théâtral (Viola Spolin); du concept de jeu simple et complexe (Michael Kirby) et des types de direction avec les enfants-acteurs (Jacqueline Nacache). Il est proposé comme résultat de discussion théorique-réflexive, une étude approfondie des processus de préparation de l'enfantacteur, montrant que toute relation deviendra plus productive, lorsque ce sont respectés chez l'enfant sa manière d'être (quelqu'un) et sa manière d'être (au moment présent), évitant, ainsi, les problèmes possibles dans son développement. Les polémiques et les questionnements qui impliquent la présence de l'enfant au cinéma commencent à être répondus au moment où la spécificité de leur jeu est discutée.

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Stevanin, Junior Vebis [UNESP]. "Artemídia resistente: processos e procedimentos artísticos aplicados no cinema : o trailer de cinema underground paulistano". Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2011. http://hdl.handle.net/11449/111031.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2014-12-02T11:16:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-12-16Bitstream added on 2014-12-02T11:21:19Z : No. of bitstreams: 1 000797288.pdf: 6000849 bytes, checksum: 66bec66a5e47b130ecdfe2b93654d077 (MD5)
Objetivo: Uma pesquisa acerca das características, forma e estética do cinema underground paulistano da década de 1960, na qual utilizou-se de um trailer falso construído a partir das observações de alguns filmes de cineastas chave deste movimento do cinema como um trabalho equivalente que complemente a pesquisa. Metodologia: Trata-se de uma análise qualitativa onde foram coletados dados de como se construir um trailer e a sua história desde sua criação e exibição e com isso, produzido através de um trabalho equivalente um trailer falso que imitasse boa parte dos filmes feitos pelo movimento “Boca-do-lixo”. Resultados: Feitas as pesquisas sobre filmes e sobre a vida dos diretores, observase algumas persistências de assuntos em comum, suas repetições de encenação e o mesmo senso de dúvida para onde o país seguiria em pré-ditadura, fazendo com que os personagens dos filmes se tornassem errantes, figuras perdidas e sem direção em seu posicionamento político. Conclusão: O “desbunde”, o deboche típico do Cinema Udi-Grudi, se tornou um dos caminhos palpáveis para os atos dos personagens no cinema. O trabalho equivalente tenta se aproximar desta mesma atmosfera.
Purpose: Research the characteristics, form and aesthetics of São Paulo’s underground films of the 60’s, in which a fake trailer was made using what was observed from key filmmakers of this film movement as a corresponding work that completes the research. Methodology: Qualitative analyses in which information was obtained on how to create a trailer and its history from its inception until exhibition, and through that, done an equivalent fake trailer that would copy the majority of the “boca-do-lixo” films. Results: Done the research on films and the life of directors, it can be noticed some common ideas through its repetition and the same sense of doubt as to where the country would go in this period of pre-dictatorship, making the characters in the films nomads, lost and no political ideals. Conclusion: Excess became a way which the characters could follow on the films. The matching work tries to follow this atmosphere.

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Stevanin, Junior Vebis. "Artemídia resistente : processos e procedimentos artísticos aplicados no cinema : o trailer de cinema underground paulistano /". São Paulo, 2011. http://hdl.handle.net/11449/111031.

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Abstract (sommario):

Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira
Resumo: Objetivo: Uma pesquisa acerca das características, forma e estética do cinema underground paulistano da década de 1960, na qual utilizou-se de um trailer falso construído a partir das observações de alguns filmes de cineastas chave deste movimento do cinema como um trabalho equivalente que complemente a pesquisa. Metodologia: Trata-se de uma análise qualitativa onde foram coletados dados de como se construir um trailer e a sua história desde sua criação e exibição e com isso, produzido através de um trabalho equivalente um trailer falso que imitasse boa parte dos filmes feitos pelo movimento "Boca-do-lixo". Resultados: Feitas as pesquisas sobre filmes e sobre a vida dos diretores, observase algumas persistências de assuntos em comum, suas repetições de encenação e o mesmo senso de dúvida para onde o país seguiria em pré-ditadura, fazendo com que os personagens dos filmes se tornassem errantes, figuras perdidas e sem direção em seu posicionamento político. Conclusão: O "desbunde", o deboche típico do Cinema Udi-Grudi, se tornou um dos caminhos palpáveis para os atos dos personagens no cinema. O trabalho equivalente tenta se aproximar desta mesma atmosfera.
Abstract: Purpose: Research the characteristics, form and aesthetics of São Paulo's underground films of the 60's, in which a fake trailer was made using what was observed from key filmmakers of this film movement as a corresponding work that completes the research. Methodology: Qualitative analyses in which information was obtained on how to create a trailer and its history from its inception until exhibition, and through that, done an equivalent fake trailer that would copy the majority of the "boca-do-lixo" films. Results: Done the research on films and the life of directors, it can be noticed some common ideas through its repetition and the same sense of doubt as to where the country would go in this period of pre-dictatorship, making the characters in the films nomads, lost and no political ideals. Conclusion: Excess became a way which the characters could follow on the films. The matching work tries to follow this atmosphere.
Mestre

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López, Gallucci Natacha Muriel 1973. "Cinema, corpo e filosofia : contribuições para o estudo das performances no cinema argentino". [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285222.

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Abstract (sommario):

Orientador: Francisco Elinaldo Teixeira
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: Neste trabalho pretende-se pesquisar e refletir sobre o corpo performático do tango interveniente na evolução estilística e nos modelos de representação da cinematografia argentina. Tomando como paradigma o processo de criação do corpo gestual codificado do tango dança dentro do espaço fílmico, o estudo propõe-se a investigar, em perspectiva histórica, as dimensões axiológica e estética a que serviram sas representações da dança nos períodos mudo, clássico, moderno e contemporâneo na Argentina. Essas criações fílmicas constituem um locus, âmbito do intercâmbio de saberes e práticas corporais ritualizadas e espetaculares do povo, e no contexto sociocultural o tango opera como uma categoria de análise estética e de transmissão de valores que constitui um verdadeiro sistema de representação social. Esta pesquisa revelou, nas análises fílmicas e nos estudos fotográficos e coreográficos realizados, de maneira participante, o papel do tango dança na consolidação de uma linguagem cinematográfica característica, cuja dimensão tem sido sistematicamente ignorada pela historiografia. O corpus fílmico organizado neste recorte permite fundar e fundamentar, do ponto de vista imagético, uma discussão estética, mostrando a presença de operações próprias da linguagem cinematográfica, inerente à concepção coreográfica e à filosofia do corpo presentes no tango dança
Abstract: On this study it is intended to research and reflect about tango¿s performance body intervenient in the stylistic evolution and in the representation models from Argentina¿s cinematography. Having as a paradigm the process of creation of the gestural body coded from the tango dance within the film space, the study has the proposal to investigate, in a historical perspective, the axiological and aesthetic dimensions to which served in the representations of the mute, classic, modern and contemporary periods in Argentina. The film representations of the dance constitute a locus, scope of the exchange of corporal knowing and practices ritualized and spectaculars from the people, and tango operates as a category of aesthetic analysis and transmission of sociocultural values which constitutes a truly system of social representation. This research has revealed that, in the film analysis and photo and choreographic studies performed, from a participant manner, the role of tango dance in the consolidation of a characteristic cinematographic language, in which its dimension has been systematically ignored by the historiography; the film corpus organized on this essay allows us to establish and fundament, form the magnetic point of view, an aesthetic discussion, showing the presence of proper operations of the cinematographic language, inherent to the choreographic conception and body¿s philosophy present in the tango dance
Doutorado
Multimeios
Doutora em Multimeios

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Elias, Érico Monteiro 1981. "Fotofilmes = da fotografia ao cinema". [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/283958.

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Abstract (sommario):

Orientador: Fernando Cury de Tacca
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-16T04:18:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Elias_EricoMonteiro_M.pdf: 66325486 bytes, checksum: 32314d7b1eb0f2af202d228f99d24ec3 (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: A presente dissertação de mestrado tem como objetivo discutir as relações entre fotografia e cinema por meio do levantamento e da análise de obras artísticas feitas a partir da mescla de elementos das duas linguagens. O objetivo específico da pesquisa é circunscrever a técnica de animação de fotografias, que consiste em verter um material fotográfico para o formato fílmico. Chamamos os filmes feitos exclusivamente com essa técnica de "fotofilmes", já que eles compartilham aspectos da imagem fotográfica e da imagem cinematográfica. A partir do mapeamento de fotofilmes brasileiros, a dissertação propõe a análise de obras com maior potencial expressivo, que podem fornecer a oportunidade de descrever em detalhes os recursos oferecidos pela técnica
Abstract: The purpose of this Master's dissertation is to discuss the relationship between photography and cinema by way of an assessment and analysis of artworks made out of the blend of elements arising from both media. This research was specifically carried out in order to circumscribe the animation of photography, which consists of translating photographic material into film format. Films made entirely from this technique are called "fotofilmes" (photo-movies). Through the mapping of Brazilian photo-movies, this dissertation aims to assess works that are endowed with a greater expressive potential, thus providing an opportunity to describe in detail the resources offered by the technique
Mestrado
Mestre em Artes

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Brandão, Flávia Christina Leite. "Cinema e animação: poéticas de um vivência". Universidade Federal de Goiás, 2013. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tede/3513.

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Abstract (sommario):

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2014-11-03T18:14:39Z No. of bitstreams: 7 Dissertação - Flávia Christina Leite Brandão - 2013 (1).pdf: 10714218 bytes, checksum: 01c15423fadd83691774adc8b15d3419 (MD5) Dissertação - Flávia Christina Leite Brandão - 2013 (2).pdf: 11075441 bytes, checksum: 7b903503ca992b6ac4ede6d7b62512d9 (MD5) Dissertação - Flávia Christina Leite Brandão - 2013 (3).pdf: 9095853 bytes, checksum: 814f98da99afeb28982bdc101e729996 (MD5) Dissertação - Flávia Christina Leite Brandão - 2013 (4).pdf: 8768153 bytes, checksum: 1128c7d36c76265bb903e5632ea9cc80 (MD5) Dissertação - Flávia Christina Leite Brandão - 2013 (5).pdf: 10290632 bytes, checksum: bb3fc00933f006b9d86bc04389339907 (MD5) Dissertação - Flávia Christina Leite Brandão - 2013 (6).pdf: 9469356 bytes, checksum: bd51bf34c7d39538e3e22c1778c63242 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5)
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This study aimed to mix in the work art experience theory and poetics. Were aggregated at the same level both religious and visual references of the author to produce a short film hybrid between live-action film and animation. The study of the archetypes Umbanda’s entities and the history and principles of animation also contributed, like the film hybrid between film and animation and analysis of the film Kill Bill I, chosen as the reference technique with which we bond our poetic. In the theoretical chapter the history of animation is based on the principles of technological devices of the season coming to current devices such as computers and software that were of great importance to the animation frame by frame made by the author. The choice of technique animated 2D is closely linked to technological devices today. We base ourselves on the theories of film analysis to conduct the analysis of Tarantino's movie and through this stimulus did correlate with in our practice we get elements of great importance for the production of the short film. Added to this analysis we also identify the archetype of character O'Ren Ishii that served us for the construction of the archetypes of our characters, creating a fine line between Tarantino references and references of the author. All this added to the theory and practice experience led us to achieving a live-action film and animation drawing on inspirations on religious experiences and professional author culminating in the production sequence and performing a short film essentially copyright.
Este estudo teve como objetivo unir em mesmo trabalho vivência, teoria e poéticas. Agregaram-se em mesmo patamar as referências tanto religiosas quanto visuais da autora para a produção de um curta-metragem híbrido entre cinema liveaction e animação. Contribuíram também para a construção da poética o estudo dos arquétipos das entidades da umbanda, historia e princípios da animação, filmes híbridos entre cinema e animação e a análise do filme Kill Bill I, escolhido como referência técnica com a qual fizemos interrelação com nossa poética. No capitulo teórico está a história da animação partindo dos princípios dos aparatos tecnológicos da época chegando a aparelhos atuais como computadores e softwares que foram de grande importância para a animação feita quadro a quadro pela autora. A escolha da técnica animada 2D está intimamente ligada aos aparelhos tecnológicos atuais. Baseamos-nos nas teorias de análise cinematográfica para conduzir a análise do filme de Tarantino e através deste estímulo fizemos uma correlação com nossa prática em que conseguimos elementos de grande importância para a produção do curta-metragem. Agregada a essa análise temos também a identificação do arquétipo da personagem O´Ren Ishii que nos serviu para a construção dos arquétipos de nossas personagens, criando uma linha tênue entre as referências de Tarantino e as referências da autora. Toda essa teoria somada à vivência e a prática nos levou a concretização de um filme live-action e animação partindo das inspirações sobre as vivências religiosas e profissionais da autora culminando na sequência de produção e realização de um curta-metragem essencialmente autoral.

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Canassa, Rosângela Donizete. "A caixa de Pandora : as deusas e o feminino no cinema /". São Paulo : [s.n.], 2006. http://hdl.handle.net/11449/87014.

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Abstract (sommario):

Resumo: Nesta dissertação de mestrado, que trata da interpretação mítica e psicológica do enredo dos quatro filmes: Caixa de Pandora (1928); Helena de Tória (1955) e Kill-Bill - Vol.1 e 2 (2003), analiso o comportamento das personagens principais e estabeleço uma conexão com as seguintes deusas gregas: Pandora, Afrodite e Deméter, numa leitura junguiana. Por mais racionais que possamos ser, nossos cérebros não resistem ao ímpeto de adotar relatos metafísicos para o entendimento dos mistérios naturais que determinam nossa existência. Os mitos possuem características humanas e, por meio de suas lendas, podemos compreender melhor nossas questões existênciais, na busca de sentido para vida humana. Os temas mitológicos contemplam tanto a sociedade, o coletivo, como a subjetividade humana, o individual, tornando-se universal, com seu poder de nos emocionar e de nos ensinar as verdades profundas da psique humana. Ao associar cinema, psicologia e mitologia, encontro uma nova leitura entre imagem e verbo e que poderá dar novo significado à leitura e a compreensão de um filme.
Abstract: This master's degree thesis studies the mythical and psycological interpretations of the plot of the following four films: Pandora's Box (1928); Helen of Troy (1955); and Kill Bill - Vol. 1 and 2 (2003). The behavior of the main characters is studied and a connection with the following Greek goddesses is made: Pandora, Aphrodite and Demeter, according to Jungian analysis. No matter how rational we might attempt to be, our brains do not resist the urge to adopt metaphysical accounts in order to understand the mysteries and natural phenomena that determine our existence. Myths have human characteristics and, by means of their legends, one can better understand our existential issues, in search of the meaning of human life. Mythological themes embrace both society - the collective - and human subjectivity - the individual-, becoming universal, with their power to stir up our emotions and teach us the deepest truths of human psyche. By associating cinema, psychology and mythology I find a new reading of image and words which might give a new meaning to the reading and understanding of a film.
Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira
Coorientador: Claudete Ribeiro
Mestre

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Teixeira, Iuri Araújo Cardoso. "Batalha das máscaras: animação experimental digital baseada nas cavalhadas de Pirenopólis". Universidade Federal de Goiás, 2015. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tede/4725.

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Abstract (sommario):

Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2015-10-22T12:14:31Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Iuri Araújo Cardoso Teixeira - 2015.pdf: 9432904 bytes, checksum: 52cc0501af20417c146ca0979d18bde1 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5)
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The main objective of this work was develop an experimental 2D animation which used digital resources to simulate traditional artistic techniques of drawing and painting. For this, I made a historical survey of experimental animation around the world, until the emergence of the first Brazilian productions. For references, animation analysis of five experimental artists and animators from countries like Brazil, Canada, United States, Russia and Japan. Based on these analyzes, there was the application of its artistic and cinematographic methods, exploring simulations of materials like oil pastel, colored pencil, acrylic paint and moving cameras via software. The narrative theme selected for the development of an animated story was the festival of Cavalhadas in Pirenópolis, representing its medieval origin in Europe, until his arrives in Brazil and the state of Goiás, showing its relevance as a regional cultural event.
O principal objetivo desta pesquisa foi desenvolver uma animação experimental bidimensional que utilizou recursos digital de simulação de técnicas artísticas tradicionais de desenho e pintura. Para isso, foi feito um levantamento histórico da animação experimental e como ela se desenvolveu pelo mundo, até o surgimento das primeiras produções brasileiras. Como referência, foram analisados os trabalhos em animação de cinco artistas e animadores experimentais dos países Brasil, Estados Unidos, Canadá, Rússia e Japão. A partir dessas análises houve a aplicação de seus métodos de execução, artísticos e cinematográficos, explorando simulações de materiais como pastel a óleo, lápis de cor, tinta acrílica e movimentação de câmeras através de softwares. A temática narrativa selecionada para o desenvolvimento de uma historia de animação foi o festival das Cavalhadas, em Pirenópolis, representando sua origem medieval na Europa, até sua chega ao Brasil e ao estado de Goiás, mostrando sua relevância como manifestação cultural regional.

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Costa, Juliana Vieira. "Exibição de filmes em contexto escolar : entre o Programa de Alfabetização Audiovisual e a sala de aula". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2017. http://hdl.handle.net/10183/172205.

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Abstract (sommario):

Este trabalho se constitui como uma investigação narrativa acerca dos critérios de seleção de filmes para exibição em contexto escolar, formal e informal, e das abordagens do cinema que esses critérios engendram, tendo como ponto de partida as atividades do Programa de Alfabetização Audiovisual e sua rede de professores. Por meio de entrevistas semi-estruturadas com professores da educação básica, profissionais e pesquisadores do Programa, relaciona as práxis de exibição de filmes a teorias do cinema e educação e ao conceito de momentos de intensidade do filósofo Hans Ulrich Gumbrecht. A título de organização, e a partir das narrativas dos entrevistados, foram elencadas cinco abordagens principais de exibição de filmes em contexto escolar: abordagem de evento, abordagem da crítica cultural, abordagem da produção audiovisual, abordagem de debate temático e abordagem cineclubista. As questões levantadas sobre critérios de seleção fílmica foram trabalhadas de modo a estabelecer de que formas o cinema é pensado no ambiente escolar e em projeto voltado a esse público, em seu eixo de exibição.
This work constitutes an investigative narrative about the criteria of film selection for exhibition in a formal and informal school context, and the cinema approaches that these criteria generate, starting from the activities of the Audiovisual Literacy Program and its network of teachers. Through semi-structured interviews with teachers of basic education and professionals and researchers of the Program, it relates the praxis of film exhibition to theories of cinema and education and to the concept of moments of intensity of the philosopher Hans Ulrich Gumbrecht. As a form of organization, and based on the narrative of the interviewers, five main approaches of film screening on school context has been categorized: the event approach, cultural criticism approach, audiovisual production approach, thematic debate approach and the cinema club approach. The questions raised about criteria of film selection were worked out to establish in which ways cinema is thought on a school environment and on a project aimed to this public, in its axis of exhibition.

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Gobatto, Marcelo Roberto. "Entre cinema e videoarte : procedimentos disjuntivos de montagem e narrativas sensoriais". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2009. http://hdl.handle.net/10183/32898.

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Abstract (sommario):

A presente pesquisa parte da análise dos procedimentos implicados na criação de obras em vídeo e videoinstalações produzidas entre 2004 e 2008. A valorização dos aspectos sensoriais da imagem - como as descrições do espaço e da paisagem que aparecem em vários vídeos desse período – transforma as relações entre espaço e tempo nessas narrativas, que vão se caracterizando pelo aparecimento de espaços vazios e por uma crescente autonomia das imagens e dos sons. Na montagem, os intervalos entre as imagens, a descontinuidade, a dissociação entre a imagem e o som, as repetições/recorrências, são procedimentos que constroem uma lógica disjuntiva (inclusiva), paratática e ligada a um pensamento paradoxal (não-causal e não-racional). Nas videoinstalações a disjunção se apresenta com o uso de múltiplos televisores/projetores, criando novas ressonâncias entre as imagens. As narrativas desses vídeos apresentam uma ambivalência entre imagens significantes e não-significantes e operam num regime sensório-temporal - marcado pelo tempo, pela montagem disjuntiva e pela potência pura das imagens. Além da análise de nossas obras buscamos referências na filosofia de Bergson para entender a imagem além da representação e as relações entre corpo e consciência além da fenomenologia. Com o conceito de imagem-movimento forjado por Deleuze (que caracteriza nossa experiência de mundo) podemos mostrar como as imagens cinematográficas (e também a imagem-vídeo), liberadas de suas conexões habituais (sensório-motoras) vão entrar em relação com o tempo e o pensamento. Aproximamos os procedimentos observados em nossa prática com a experiência do cinema moderno em relação à função do espaço, às descrições puras, à autonomia das imagens e dos signos e às transformações da montagem. Problematizamos também a questão da narrativa no âmbito da videoarte e na produção de filmes e vídeos experimentais, investigando as diferenças entre filmes narrativos e nãonarrativos e discutindo os conceitos de narrativa e acontecimento. Analisamos os procedimentos de filmagem e montagem no cinema de Vertov, no flicker-film, no filme estrutural e nos filmes de arquivo. Apontamos também a imbricação entre os conceitos de imanência e vidência, buscando ressonâncias entre a filosofia de Deleuze, a poesia de Fernando Pessoa (Alberto Caeiro) e o cinema, no qual afectos e perceptos puros podem ser observados nos filmes de Oscar Fischinger, Joris Ivens e Stan Brakhage.
The present research is the analysis of the procedures involved in creating video works and video installations produced between 2004 and 2008. The appreciation of sensory aspects of the image - the descriptions of space and landscape that appear in several videos of that period - transforms the relationships between space and time in these narratives, which is characterized by the appearance of empty spaces and a growing autonomy of the images and sounds. In the editing, intervals between the images, discontinuity, dissociation of the picture and sound, repetition / recurrence are procedures that build a logical disjunction (inclusive), paratactic and connected to a paradoxical thinking (non-causal and non- rational). In the installations video disjunction is presented with the use of multiple televisions / projectors, creating new resonances between the images. The narratives of these videos show an ambivalence between significant and nonsignificant images and operate in a sensory-temporal system - marked by time, by disjunctive montage and pure power of images. Besides the analysis of our work we seek references in Bergson's philosophy to understand the image beyond the representation and the relations between body and consciousness beyond phenomenology. With the concept of image-movement forged by Deleuze (which characterizes our experience of the world) we can show how cinematic images (and also image-video), freed from their usual connections (sensorimotor) will enter into a relationship with time and thought. We approach procedures observed in our practice with the experience of modern cinema in relation to the function of space, the pure descriptions, the autonomy of images and signs and to change the montage. We also problematize the question of narrative in the context of video art and production of films and experimental videos, investigating the differences between narrative films and non-narrative films and discussing the concepts of narrative and event. We analyze the procedures for shooting and editing in Vertov’s films, flicker-films, structural films and found-footage films. We also show the overlap between the concepts of immanence and clairvoyant function, seeking resonance between Deleuze's philosophy, the poetry of Fernando Pessoa (Alberto Caeiro) and film, in which pure affections and perceptions can be seen in the films of Oscar Fischinger, Joris Ivens and Stan Brakhage.

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CONCEIÇÃO, Alexandra Castro. "O cinema de Vicente F. Cecim nos anos 70". Universidade Federal do Pará, 2016. http://repositorio.ufpa.br/jspui/handle/2011/8643.

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Abstract (sommario):

Submitted by Nathalya Silva (nathyjf033@gmail.com) on 2017-06-06T17:36:41Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CinemaVicenteCecim.pdf: 7706976 bytes, checksum: d6aea3ddaf88bfdd48430e1c427f5d30 (MD5)
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CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Este memorial versa sobre o meu processo criativo e as obras cinematográficas de Vicente Cecim nos anos 70. A abordagem foi realizada por meio de pesquisa bibliográfica e de duas entrevistas: uma com o artista titular deste trabalho e outra com o Prof. Dr. João de Jesus Paes Loureiro. A trajetória da pesquisa objetiva à elaboração de um documentário, fruto desta pesquisa e um memorial sobre meu processo criativo do documentário e pesquisa e análise crítica sobre os filmes realizados por Vicente Cecim, nos anos 70. O trabalho tem como objetivo geral apresentar o cineasta Vicente Cecim, em suas múltiplas atividades: seus pensamentos, suas ideias e vivências, bem como as suas obras cinematográficas. Como objetivos específicos, procuramos descrever os meandros utilizados em meu processo criativo; discutir a produção cinematográfica de Vicente Cecim, nos anos 70; analisar de forma estética e artística a produção das obras fílmicas de Vicente Cecim nos anos 70. As metodologias utilizadas foram a fenomenologia e o empirismo, a partir da realização de um documentário sobre Vicente Cecim e um memorial. Para fundamentação teórica foram utilizados os seguintes autores: Consuelo Lins, Milton Ohata, Gilles Deleuze, Andre Bazin, Pedro Veriano, Jacques Aumont; Andrei Tarkovski, Gilbert Durand.
This memorial is about my creative process of the cinematographic works of Vicente Cecim in the 70s. The search was based on Vicente Cecim literature and two interviews: one with the main artist of this work and another with Prof. Dr. João de Jesus Paes Loureiro. The objective of this research is a development of a documentary of a critical analysis about the films directed by Vicente Cecim in the 70s. This work has a first general objective: introducing the filmmaker Vicente Cecim in his multiple activities – his thoughts, ideas and experiences as well as their films. As specific objectives this work will try to describe the ways he uses on his creative process and analyze esthetic and artistic form of the film production of Vicente Cecim in the 70s. The methodology used is the phenomenology and the empiricism starting on a documentary about Vincent Cecim and also a memorial. For theoretical basis the following authors are the references: Consuelo Lins, Milton Ohata, Gilles Deleuze, Andre Bazin, Pedro Veriano, Jacques Aumont; Andrei Tarkovski, Gilbert Durand.

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Melo, Anderson. "Poesia e movimento no cinema de Federico Fellini : ensaio sobre arte, mídia e espetáculo". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2010. http://repositorio.unb.br/handle/10482/13746.

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Abstract (sommario):

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2010.
Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-07-24T15:09:35Z No. of bitstreams: 1 2010_AndersonMelo (2).pdf: 726884 bytes, checksum: 89acc09c5b0c0d0a2ab9171b6305bb2d (MD5)
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O presente trabalho aborda a poesia do cinema do diretor italiano Federico Fellini como elogio da superficialidade , de modo a discutir e demonstrar como sua obra, predominantemente dissonante, se vale da materialidade e das linhas de força dos dispositivos midiáticos do espetáculo para construir um movimento de carnavalização do mundo, reprogramando os dispositivos do sistema de produção industrial que a viabilizam. Buscamos demonstrar, por um caminho diferente da análise fílmica, que a potência do cinema de Fellini não está na clássica abordagem formalista hermenêutica, mas na perspectiva da crítica cultural contemporânea que enfatiza a performance em contraponto à mímese, discutindo potência em vez de poder, singularidade em vez de identidade. A poesia cinematográfica de Fellini celebra a vida como campo de imanência cujas linhas de forças estão abertas para o devir. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This present research addresses the poetry of cinema Italian director Federico Fellini as praise of superficiality, to discuss and demonstrate how his artwork takes advantage of materiality of media devices of the spectacle to build a movement of carnivalization the world, causing the reprogramation of devices of the industrial production system that enable it. We seek to demonstrate, through a different path of film analysis, that the power of Fellini´s cinema is not in classic formalist approach or hermeneutics, but from the perspective of contemporary cultural criticism that emphasizes performance in contrast to mimesis, arguing potential rather than power, the uniqueness rather than identity. The Fellini's cinematic poetry celebrates life as a field of immanence whose lines force are open to becoming.

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Gil, Giordano Dexheimer. "Grimórios em movimento : a arte de Méliès à luz de outros fantasmas". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2017. http://hdl.handle.net/10183/178231.

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Abstract (sommario):

A presente pesquisa tem como objetivo pensar o cinema de George Méliès, na virada do século XIX para o século XX, como um prisma através do qual refratam-se espectros da modernidade, ou seja, elementos recorrentes em seus filmes que desdobravam questões caras àquele período, e que se ressignificam de diferentes maneiras à luz da chamada pós-modernidade.
The present research aims to think George Méliès' films, at the turn of the nineteenth century for the twentieth century, as a prism through which refracted specters of modernity, that is, recurring elements in his films, each one unfolding differente meanings about that period, and each one of them ressignfying themselves in different ways in the light of the so-called postmodernity.

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Ferreira, Fernando Cesar. "\"Diálogos sobre o tempo - arte e ciência, educação\"". Universidade de São Paulo, 2004. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/48/48134/tde-13122006-200706/.

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Abstract (sommario):

Este trabalho procura discutir alguns aspectos da noção de tempo apresentada nas séries do ensino médio na disciplina de Física. Partindo do pressuposto de que a noção de tempo, e seus possíveis sentidos, é tomada como conhecida e, portanto, redutora já que é tema complexo o suficiente para ter exigido que quase todas as áreas do conhecimento humano tenham dado sua contribuição para o seu entendimento, propõem-se uma aproximação entre ciência e arte que possa contribuir para o fortalecimento de ambas e, em conseqüência, uma maior apreensão pelo aluno do tempo e seus sentidos. Assim, assuntos como o tempo linear, o tempo cíclico, a entropia e a flecha do tempo são tratados por personagens, como Marco Polo e Nikola Tesla, que empreendem uma viagem por tempos e locais distintos na busca por uma compreensão ampliada do tempo, suas manifestações e relações com o homem. Estes personagens, entre outros, tanto incorporam características das figuras históricas citadas como as necessárias para que as questões que guiam o trabalho possam ser discutidas. A Física é o núcleo dessa viagem por representar, em nossa opinião, um elo fundamental entre aspectos tecnológicos, sociais e artísticos do homem e seu estar no mundo. A tese é formada por relatos escritos no diário de um dos personagens. Diário esse que, posteriormente, será encontrado por um professor de Física de uma escola de ensino médio. De posse do diário, esse professor reflete sobre sua prática na discussão do tempo e em que medida pode se apropriar de possibilidades de mudança para uma experiência enriquecedora, sua e de seus alunos.
This work aims to discuss some aspects of the notion of Time presented to high school students in the subject of Physics. Presuming that the notion of time, and its possible meanings, is well known - and thus restrictive, since the theme is complex enough to have demanded contribution from most areas of human knowledge for its understanding -, we propose to bring together science and art in a vicinity that might contribute to strengthen both, as well as offer to the students a broader comprehension of Time and its meanings. Thereby, notions as Linear Time, Cyclical Time, Entropy and the Time Arrow are presented by characters such as Marco Polo and Nikola Tesla, that undertake a voyage through various times and places in the search for a greater understanding of Time, its demonstrations and relationship with man. These characters, among others, both personify the historical figures they stand for, and bring about the issues to be discussed in the text. Physics is the center of this voyage, for it represents, in our understanding, a fundamental bondage between the technological, social and artistic aspects of man and his presence in the world. The thesis is composed by the entries of the diary of one of the characters. This diary will afterwards be found by a physics high school teacher. In possession of this diary this teacher reflects about his practice in the discussion of time and how he can take control of changes towards an enhanced experience for himself and his students.

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Leal, Frederico Fonseca [UNESP]. "Cine'stesia: uma visão crítica no fazer e pensar cinema". Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2011. http://hdl.handle.net/11449/86961.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-11-21Bitstream added on 2014-06-13T18:07:02Z : No. of bitstreams: 1 leal_ff_me_ia.pdf: 549031 bytes, checksum: c8e3b72d43b47053ad53f6c6c350268a (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
O presente trabalho equivalente e relatório circunstanciado trata da crítica cinematográfica do ponto de vista da proximidade do crítico em relação ao objeto de análise, levando em conta como principal fundamento da peça cinematográfica a forma como o espectador é tocado.Como recurso é usada uma bibliografia específica sobre cinema e uma filmografia que juntas funcionam como base para a pesquisa. Foram utilizados, ainda, quatro curtas-metragens dirigidos pelo próprio autor entre 2008 e 2010. Um média-metragem documentário foi produzido como trabalho equivalente, onde os conceitos abordados por esta dissertação são exemplificados e discutidos através da pesquisa, sempre tendo como objetivo primário a interação entre espectador e obra
The present equivalent work and detailed report treats the cinematographic critic under the point of view of the proximity of the critic in respect to the object of analysis, taking as main basis of the cinematographic play the way that the viewer is reached. As resource it’s used a specific bibliography about cinema and a filmography which together work as basis to the research. It were also utilized, four short-cut movies directed by the author himself between 2008 and 2010. A medium-cut documentary was produced as equivalent work, where the studied concepts by this dissertation are exemplified e discussed through the research, always having as primary objective the interaction between viewer and work

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Nunes, Ellen de Medeiros. "Outros cinemas". Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-07032017-135740/.

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Abstract (sommario):

Outros cinemas é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre o deslocamento do dispositivo cinema para os espaços da arte. São tomadas como ponto de partida as práticas pré-cinematográficas, seguidas das práticas com o dispositivo cinema desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito artístico internacional e nacional. Por fim, trabalhos produzidos por mim e em parceria com o grupo Poéticas Digitais apontam para reflexões acerca do contexto contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, este trabalho se propõe o desafio de pensar os contextos internacional e nacional da presença do dispositivo cinema como estratégia artística para a espacialização e desmaterialização e a abertura para a participação do público na passagem dos anos 1960 para os anos 1970, além de apontar para um modo de entendimento do contexto contemporâneo por meio de projetos pessoais. Esta pesquisa busca, por meio dos artistas Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek e Hélio Oiticica, explorar suas reflexões particulares e confirmar a presença definitiva dos artistas contemporâneos no debate crítico. Por esse viés, o dispositivo cinema é contextualizado em três viradas históricas: na transição para o modernismo, no pós-modernismo e na contemporaneidade. Essas passagens pontuam rupturas e atualizações do dispositivo, ao mesmo tempo que revelam as circunstâncias do deslocamento das salas escuras para o cubo branco.
Other cinemas is a theoretical and practical study addressing the displacement of the of the cinematic apparatus in contemporary art. Precinematic strategies are taken as a starting point, followed by the practices of the cinematic apparatus developed in the 1960s and 1970s, at international and national levels. In conclusion, works developed by me and in partnership with the group Digital Poetics lead to reflections on the contemporary context. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the presence of the cinematic apparatus in both international and national contexts as artistic strategy of spatialization, dematerialization and topening for public participation in the passage of the 1960s to the 1970s, furthermore it indicates to one way of understanding contemporary context through personal projects. This research explores the works of Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek and Hélio Oiticica, and these artists\' personal reflections, as it confirms the definitive presence of contemporary artists in the critical debate. From this angle, the cinematic apparatus is contextualized in three historical turns: the transition to modernism, to postmodernism and to contemporaneity. These passages punctuate ruptures and updates of the cinematic apparatus at the same time it reveals the circumstances of its displacement from dark rooms to the white cube.

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Rodrigues, Emer Merari. "A SÉTIMA ARTE COMO FERRAMENTA EFICAZ NA LEITURA LITERÁRIA". Pontifícia Universidade Católica de Goiás, 2016. http://localhost:8080/tede/handle/tede/3256.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2016-08-10T11:07:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 EMER MERARI RODRIGUES.pdf: 1204736 bytes, checksum: 5f2652ad7598d08e44f1b27ac27d220f (MD5) Previous issue date: 2016-02-25
The research sees through the books adapted of Machado de Assis and Ariano Suassuna to Cinema and makes questions about the power of adaptations to new approach the Literature new-reading, based on MEC-INEP data, it shows some objects, their relevant data, their whys, how to get to various points of interest to reading. And offers another vision of the national Literature classics adapted to a new term based in the neologism summed of these two arts. The study is divided in three parts that, respectively, takes peculiarities from adapted films, constructions and relationship national Literature and fusion or hybridism these two arts. The research is made by Dom, Capitu and O Auto da Compadecida analyses, as Cinema works that exemplify that successfully infer literal with maximum linguistic richness to readers, aiming connectivity, integration and interaction between the Cinema and Literature. Another objective of the aforementioned project is also analyzing Machado de Assis transdisciplinary way. This work comes in a cohesive and sensible form of origins that fear forms of reader s evolution; sometimes we also read books that we were not presented within the optimal time, which is necessary a newreading, because according to Hans Robert Jauss, "anyone read the same book in the same way at different times." This maturation proposes another impulsing reading aimed at a new walk, one closer to the work to reader. The research bases itself on a census data national and international about the power of the adaptations.
Enfoca as obras adaptadas de Machado de Assis e Ariano Suassuna para o Cinema e levanta questionamentos quanto ao poder das adaptações para a eficácia na releitura literária, baseando-se em dados do MEC-INEP, aponta-se e exemplifica-se: abordagens, relevâncias, e construções para chegar aos diversos objetivos de interesse da leitura. Propõe uma outra visão dos clássicos da Literatura nacional adaptados, com um novo termo embasado no neologismo da soma dessas duas artes. O trabalho divide-se em três partes que, respectivamente, tratam das particularidades dos filmes adaptados, das construções e relações da Literatura nacional e do hibridismo ou fusão dessas artes. A realização da pesquisa faz-se através da análise dos filmes Dom, Capitu e O Auto da Compadecida, obras cinematográficas que exemplificam e que conseguem inferir literalidade com o máximo de riqueza linguística aos leitores, visando à conectividade, integração e interação entre o Cinema e a Literatura. Um objetivo secundário do texto é analisar o romance de Machado de Assis, também, de forma transdisciplinar. A pesquisa trata de forma coesa e sensata das raízes dos bloqueios quanto as formas evolução do leitor; por vezes também, lê-se obras que não foram apresentadas dentro de maturidade exigida, o que torna necessária a releitura. Segundo Hans Robert Jauss: não se lê o mesmo livro da mesma maneira em épocas distintas . Nessa maturação, propõe-se outra leitura estimulante que vise um pré-caminhar, uma reaproximação da obra ao leitor. O trabalho vale-se de dados nacionais e internacionais a respeito do poder das adaptações.

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Quiroga, Mendoza Helder. "Cinema e poesia : uma relação intersemiótica em Akira Kurosawa". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2006. http://repositorio.unb.br/handle/10482/3618.

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Abstract (sommario):

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, 2006.
Submitted by Luana Patrícia de Oliveira Porto (luana_porto_23@hotmail.com) on 2009-09-29T22:43:01Z No. of bitstreams: 1 2006_HelderQuirogaMendoza.pdf: 1246863 bytes, checksum: 2ea482e220729482337707e0a0540448 (MD5)
Approved for entry into archive by Marília Freitas(marilia@bce.unb.br) on 2010-02-11T22:38:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2006_HelderQuirogaMendoza.pdf: 1246863 bytes, checksum: 2ea482e220729482337707e0a0540448 (MD5)
Made available in DSpace on 2010-02-11T22:38:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2006_HelderQuirogaMendoza.pdf: 1246863 bytes, checksum: 2ea482e220729482337707e0a0540448 (MD5) Previous issue date: 2006
O presente trabalho propõe uma reflexão sobre a relação intersemiótica entre Poesia e Cinema, a partir de uma análise, sob a perspectiva estética, do filme Sonhos (1990 - Japão), do diretor japonês Akira Kurosawa. Tal abordagem tem como pressuposto básico, refletir sobre a presença de elementos poéticos na construção de uma narrativa cinematográfica e, concomitantemente, em sua composição estética e de linguagem. Nesse sentido, o objetivo desta investigação é identificar a importância dos conceitos de: Imagem Poética, Montagem, Tempo e Espaço no Cinema, o Haikai e o Cinema e a Interatividade Artística na constituição do poético no cinema e em Sonhos. Quando propomos um estudo sobre as possíveis interferências de uma linguagem poética no sistema cinematográfico, o que queremos é propor um estudo sobre a existência de um Cinema Poético, ampliando os debates sobre as formas de apreensão do poético em outros suportes artísticos e relacionando-o com representações artísticas e culturais distintas, e com a própria cultura japonesa. Desta forma, este estudo também contempla análises sobre filmes que, de algum modo, traduzem diálogo com o poético e com a história das teorias cinematográficas. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT
This work proposes a reflexion about the intersemiotic translation between cinema and the poetic language as from an analysis of the film Dreams (Japan, 1990), by the Japanese director Akira Kurosawa under an esthetic and semiotic perspective. Such approach takes, as its basic assumption, the reflection of the presence of poetic elements in the construction of cinematographic narrative and, meanwhile in its esthetic and linguistic composition. In this perspective the objective of this investigation is to highlight the concepts of Poetic image, Mounting, Time and Space in Cinema, Haikai poetry and Cinema as well as Artistic Interactivity in the constitution of the poetic language in cinema as a whole and especifically in Dreams. When we propose this study on the possible interferences of a poetic language in cinematographic system, what we intend to study is the occurence of a Poetic Cinema, widespreading the debate about the ways of apprehention of the poetic language in other artistic supports, relating it with different artistic and cultural representations and with the Japanese culture itself. Therefore this study also includes some analysis about films which, in some ways have provided a dialogue between the poetic and the history of cinema theories.

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Silveirinha, Patrícia. "Processos de abstracção nas linguagens visuais-pintura, cinema, arte vídeo e videoclips". Master's thesis, Instituições portuguesas -- UNL-Universidade Nova de Lisboa -- FCSH-Faculdade de Ciências Sociais e Humanas -- -Departamento de Ciências da Comunicação, 1998. http://dited.bn.pt:80/29934.

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Bottini, Maria Emília. "No cinema e na vida : a difícil arte de aprender a morrer". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2014. http://repositorio.unb.br/handle/10482/17393.

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Abstract (sommario):

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Programa de Pós-Graduação em Educação, Faculdade de Educação, 2014.
Submitted by Larissa Stefane Vieira Rodrigues (larissarodrigues@bce.unb.br) on 2014-12-16T14:14:56Z No. of bitstreams: 1 2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5)
Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2014-12-17T14:10:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5)
Made available in DSpace on 2014-12-17T14:10:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5)
Os objetivos desta pesquisa foram: compreender a narrativa do cinema nas suas diversas manifestações; refletir a temática da morte nos tempos atuais e analisar a narrativa fílmica veiculada pelo filme A partida (2008) de Yôjirô Takita. O cinema é visto como uma linguagem multifacetada, como um elemento constitutivo da indústria cultural, mercado, arte, espetáculo, lucro, entretenimento, diversão e da formação ideológica e possibilidade de desenvolvimento da sensibilidade. A morte, no ocidente, tornou-se interdita, inominada, tabu, mas ainda assim companheira inseparável da vida. Os elementos do filme abordados foram sonhos fenecidos; a morte como ofício; o fim dos dias; onde tudo está vivo, a morte está; nenhum tempo é tempo; o velho como o prenúncio do novo; o desassossego dos que ficam; tinha uma pedra no caminho; a vida precisa de inspiração; viver é uma honra. São relacionadas duas experiências como forma de educação para a morte e o morrer no espaço de sala de aula. A primeira, com o Corpo de Bombeiros do Distrito Federal (CBMDF) na disciplina Psicologia Aplicada ao Bombeiro Militar. E a segunda, com alunos da Pós-graduação em Educação da Universidade de Brasília (UnB) na disciplina Espaços de Cinema: Natureza e Cultura em Imagens e Sons. A discussão e análise são empreendidas mediante análise das narrativas dos cadetes e dos alunos. _____________________________________________________________________________________ ABSTRACT
The objectives of this research were: to understand the narrative of the film in its several manifestations; reflect the theme “death” nowadays and analyze the filmic narrative transmitted by the film “Departures (2008) by Yôjirô Takita. The film has been seen as a multi-faceted language, as a constituent part from the cultural industry, market, art show, profit, fun entertainment, ideological education and as the possibility of sensitivity development. Death in the West, became prohibited, innominate, taboo, but inseparable companion of life even so. The elements of the film were decayed dreams, death as a craft, the end of the days, there is death whenever there is life, no time is time, the old as a harbinger of the new, restlessness of those who remain; there was a stone in the middle of the road; life needs inspiration and living is an honor. Two experiences are related in order to learn from death and dying inside the classroom. The first one with the firemen from the Federal District (CBMDF) at Applied Psychology discipline. And the second experience with students from Postgraduate Education at the University of Brasilia (UnB) at the Film Environment discipline: Nature and Culture in Pictures and Sounds. The discussion and analysis have been undertaken from the cadets and students’ narratives.

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Araujo, Mayara Regina Pereira Dau. "Jogos combinatórios em Julio Cortázar: da arte da memória e do cinema". Universidade Estadual do Oeste do Paraná, 2018. http://tede.unioeste.br/handle/tede/3871.

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Abstract (sommario):

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2018-08-16T13:56:04Z No. of bitstreams: 2 Mayara_Araujo2018.pdf: 4837639 bytes, checksum: 3c94c42c613aa6d0a59a75cb58c9cc4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
Made available in DSpace on 2018-08-16T13:56:04Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Mayara_Araujo2018.pdf: 4837639 bytes, checksum: 3c94c42c613aa6d0a59a75cb58c9cc4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-03-08
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
Esta investigación parte del supuesto de que la Literatura está repleta de memorias. En ese sentido, analizamos ese aspecto en la literatura del escritor argentino Julio Cortázar (1914-1984). Las obras estudiadas fueron: los cuentos Las Babas del Diablo (2012), La Autopista del Sur (2011) y Manuscrito encontrado en un Bolsillo (2011). También abordamos el Juego de la Amarilla (2014), Prosa del Observatorio (2005) y Ultimo Round (2008), además de los textos teóricos y críticos del escritor, en especial el más reciente, Clases de Literatura (2015). Este análisis nos llevó a percibir los juegos combinatorios como marca importante en su narrativa y así, nuestra atención se volvió a esos juegos emprendidos por el escritor. El estudio de este aspecto nos llevó al encuentro de una arte antiguo, el Arte de la Memoria. En ese contexto, adentramos caminos diversos como la antigua Ars Combinatoria, los conocimientos de la Cabala, del Tarot, de la Alquimia y el proyecto emprendido por Giulio Camillo en el siglo XVI: el Teatro de la Memoria. Comparamos ese proyecto a la literatura de Julio Cortázar, visto aquí como un Teatro de la Memoria contemporánea. El aspecto heterogéneo de la obra cortazariana nos llevó a caminos también heterogéneos, trayendo la fotografía y el cine para nuestro trabajo. Hemos escogido el cine para cerrar el estudio, pues ese trae en sí todos los asuntos que, de alguna forma, comentamos en el transcurso de los capítulos. Además de ser una Arte de la Memoria, también fue anticipado por el arte combinatorio de los siglos pasados. El montaje cinematográfico nos remite a esa antigua arte combinatoria así como la noción de perspectiva nos indica que las artes plásticas anticipar el cine. En ese sentido, analizamos la transposición de algunos cuentos de Julio Cortázar hacia el cine, buscando percibir la perspectiva abordada y la forma como cada autor trató ese aspecto combinatorio de la obra literaria de Cortázar en el cine. Las películas trabajadas fueron: Juego Subterráneo (2005) de Roberto Gervitz, Weekend a la Francesa (1967) de Jean-Luc Godard y Blow-Up - Después de aquel beso (1966) de Michelangelo Antonioni. Después de esa caminata, que no ocurrió linealmente, siendo necesarios algunos rompimientos, retomadas, desvíos y bifurcaciones, creemos haber establecido cómo la Literatura se construye como una Arte de la Memoria contemporánea en la obra de Julio Cortázar, una gran combinatoria de sentidos. Para reflexionar sobre tantas cuestiones heterogéneas nos basamos en teóricos que tratan de la memoria como Frances Yates (2007) y Aleida Assmann (2011). Antoine Compagnon (1996) y Tiphaine Samoyault (2008) nos ayudaron a pensar en la intertextualidad como memoria de la literatura. Y sobre el arte del cine Robert Stam (1981, 2008), Susan Sontag (1987, 2009) y Milton José de Almeida (1999; 2005) fueron esenciales, entre otros teóricos. Al final de esa caminata quedó claro que la obra de Julio Cortázar es un gatillo para la memoria y la creación. El autor no nos da nada listo y por medio de sus juegos combinatorios percibimos cuánto su literatura es muy significativa.
Esta pesquisa parte do pressuposto de que a Literatura é repleta de memórias. Nesse sentido, analisamos esse aspecto na literatura do escritor argentino Julio Cortázar (1914-1984). As obras estudadas foram: os contos As Babas do Diabo (2012), A Autoestrada do Sul (2011) e Manuscrito encontrado num Bolso (2011). Também abordamos O Jogo da Amarelinha (2014), Prosa do Observatório (2005) e Último Round (2008), além dos textos teórico-críticos do escritor, em especial o mais recente, Aulas de Literatura (2015). Essa análise nos levou a perceber os jogos combinatórios como marca importante em sua narrativa e, assim, nossa atenção se voltou para esses jogos empreendidos pelo escritor. O estudo desse aspecto nos levou ao encontro de uma arte antiga, a Arte da Memória. Nesse contexto, adentramos caminhos diversos como a antiga Ars Combinatória, os conhecimentos da Cabala, do Tarô, da Alquimia e o projeto empreendido por Giulio Camillo no século XVI: o Teatro da Memória. Comparamos esse projeto à literatura de Julio Cortázar, encarada aqui como um Teatro da Memória contemporâneo. O aspecto heterogêneo da obra cortazariana nos levou a caminhos também heterogêneos, trazendo a fotografia e o cinema para nosso trabalho. Escolhemos o cinema para encerrar o estudo, pois essa arte traz em si todos os assuntos que, de alguma forma, comentamos no decorrer dos capítulos. Além de ser uma Arte da Memória, também foi antecipado pela arte combinatória dos séculos passados. A montagem cinematográfica nos remete a essa antiga arte combinatória assim como a noção de perspectiva nos indica que as artes plásticas anteciparam o cinema. Nesse sentido, analisamos a transposição de alguns contos de Julio Cortázar para o cinema, buscando perceber a perspectiva abordada por cada diretor e a forma como cada autor tratou esse aspecto combinatório da obra literária de Cortázar no cinema. Os filmes trabalhados foram: Jogo Subterrâneo (2005) de Roberto Gervitz, Weekend à Francesa (1967) de Jean-Luc Godard e Blow-Up – Depois daquele beijo (1966) de Michelangelo Antonioni. Após essa caminhada, que não ocorreu linearmente, sendo necessários alguns rompimentos, retomadas, desvios e bifurcações, acreditamos ter demonstrado como a Literatura se constrói enquanto uma Arte da Memória contemporânea na obra de Julio Cortázar, uma grande combinatória de sentidos. Para refletir sobre tantas questões heterogêneas nos baseamos em teóricos que tratam da memória como Frances Yates (2007) e Aleida Assmann (2011). Antoine Compagnon (1996) e Tiphaine Samoyault (2008) nos ajudaram a pensar na intertextualidade enquanto memória da literatura. E sobre a arte do cinema Robert Stam (1981; 2008), Susan Sontag (1987, 2009) e Milton José de Almeida (1999; 2005) foram essenciais, entre outros teóricos importantes. Ao final dessa jornada ficou claro que a obra de Julio Cortázar é um gatilho para a memória e a criação. O autor não nos dá nada pronto e por meio de seus jogos combinatórios percebemos o quanto sua literatura é plurissignificativa.

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Leal, Frederico Fonseca. "Cine'stesia : uma visão crítica no fazer e pensar cinema /". São Paulo : [s.n.], 2011. http://hdl.handle.net/11449/86961.

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Abstract (sommario):

Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira
Banca: Luiz Guimarães Monforte
Banca: Rubens Toledo
Resumo: O presente trabalho equivalente e relatório circunstanciado trata da crítica cinematográfica do ponto de vista da proximidade do crítico em relação ao objeto de análise, levando em conta como principal fundamento da peça cinematográfica a forma como o espectador é tocado.Como recurso é usada uma bibliografia específica sobre cinema e uma filmografia que juntas funcionam como base para a pesquisa. Foram utilizados, ainda, quatro curtas-metragens dirigidos pelo próprio autor entre 2008 e 2010. Um média-metragem documentário foi produzido como trabalho equivalente, onde os conceitos abordados por esta dissertação são exemplificados e discutidos através da pesquisa, sempre tendo como objetivo primário a interação entre espectador e obra
Abstract: The present equivalent work and detailed report treats the cinematographic critic under the point of view of the proximity of the critic in respect to the object of analysis, taking as main basis of the cinematographic play the way that the viewer is reached. As resource it's used a specific bibliography about cinema and a filmography which together work as basis to the research. It were also utilized, four short-cut movies directed by the author himself between 2008 and 2010. A medium-cut documentary was produced as equivalent work, where the studied concepts by this dissertation are exemplified e discussed through the research, always having as primary objective the interaction between viewer and work
Mestre

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Moraes, Felipe Augusto de. "A arte-soma de José Agrippino de Paula". Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27161/tde-13032013-142323/.

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Abstract (sommario):

Esse trabalho acompanha a trajetória artística do escritor, teatrólogo e cineasta José Agrippino de Paula do lançamento de seu primeiro romance, Lugar Público, em 1965, até algumas de suas experiências com filmes Super-8 já na década de 70. Como eixo fundamental, ele relata criticamente a gênese e a construção de uma proposta poética intitulada pelo próprio artista de arte-soma. Para tanto, prioriza-se o período que vai do início de sua carreira como romancista até a realização de seu primeiro filme, Hitler IIIº Mundo (1968), considerado aqui peça central na realização desta poética.
This work accompanies the artistic trajectory of the writer, playwright and filmmaker José Agrippino de Paula from the launch of his first novel, Lugar Público, in 1965, to some of his experiences with films super-8 already in the 1970\'s. As a fundamental axis, it reports the genesis and the construction of a poetical proposal entitled by the artist himself as arte-soma. It focus the period of the beggining of his career as a novelist until the completion of his first film, Hitler IIIº Mundo (1968), considered here the central piece on the realization of this poetics.

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Pinto, Alexandra Lima Gonçalves. "Cinema digital no Brasil : uma experiencia de criação e reflexão". [s.n.], 2003. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284838.

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Abstract (sommario):

Orientador: Adilson José Ruiz
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-03T19:23:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pinto_AlexandraLimaGoncalves_M.pdf: 8514242 bytes, checksum: 5f3e51dbe4829c381ad4d349d22dfd92 (MD5) Previous issue date: 2003
Resumo: Este trabalho ilumina a jornada de uma cineasta e sua experiência singular, que se insere no Brasil contemporâneo. Nele, não se pretende traçar um panorama geral do cinema digital no Brasil, mas enfocar a trajetória de uma realizadora brasileira, em uma jornada que atravessa as fronteiras entre o cinema e o vídeo para mergulhar no universo do cinema digital, um território extremamente fértil para a criação artística. Neste percurso, no qual muitas vezes se dialoga com outras vozes (filmes, leituras, outros diretores), vai-se acompanhando não apenas a história pessoal da autora - suas memórias e seus trabalhos - mas principalmente a história do próprio cinema e de suas transformações, em uma viagem de autoconhecimento, na qual a questão principal é a liberdade: liberdade de criar, liberdade de ser, liberdade de olhar
Mestrado
Mestre em Multimeios

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Lessa, Liana. "Dispositivo e experiência estética : o espaço-tempo do espectador em Ressaca e Circuladô". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2012. http://repositorio.unb.br/handle/10482/11063.

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Abstract (sommario):

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2012.
Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2012-07-18T23:19:39Z No. of bitstreams: 1 2012_LianaLessa.pdf: 10932657 bytes, checksum: e6e07e3c8ef80cb8c1e938db6cab61b1 (MD5)
Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2012-08-09T12:52:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_LianaLessa.pdf: 10932657 bytes, checksum: e6e07e3c8ef80cb8c1e938db6cab61b1 (MD5)
Made available in DSpace on 2012-08-09T12:52:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_LianaLessa.pdf: 10932657 bytes, checksum: e6e07e3c8ef80cb8c1e938db6cab61b1 (MD5)
O presente trabalho discute as principais mudanças na conduta estética do espectador de obras-dispositivos contemporâneas em relação a do cinema industrialmente hegemônico. Para tanto, atravessa os conceitos e abordagens sobre o dispositivo cinematográfico e esclarece o modo como a experiência estética se modifica nas práticas contemporâneas de produções de imagens a partir de novas arquiteturas de projeção, de narrativa e da requisição da participação do espectador nas obras em estudo. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This paper discusses the main changes in the aesthetic conduct of the spectator of contemporary artworks, as video installations, from the industrial hegemonic cinema. To do so, it crosses through the concepts and approaches to the cinematic apparatus and explains how the aesthetic experience is affected by new practices of images, as new architectures of projection, new narratives and the request for the viewer participation in the selected works.

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Suetu, Claudio Yutaka. "O design de efeitos especiais no cinema". Universidade Anhembi Morumbi, 2010. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1582.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 390966.pdf: 7103491 bytes, checksum: 29374c01fd1cea1a7ad4a91105a3b2a9 (MD5) Previous issue date: 2010-12-13
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
A presente dissertação apresenta possibilidades de atuação do designer no cinema, por meio do estudo do design de efeitos especiais, como atividade conectada ao design de produção de um filme. Dessa forma, são objetos da pesquisa a conceituação da linguagem cinematográfica, a história dos efeitos especiais, a relação entre arte e design na produção audiovisual, bem como os aspectos de construção e os processos de intervenção da imagem. O método de análise envolve o estudo de caso de três filmes que materializam distintamente o uso do efeito especial como elemento de linguagem: O Livro de Cabeceira (1996), de Peter Greenaway; Rebobine Por Favor (2008), de Michel Gondry e Kill Bill (2003), de Quentin Tarantino. Tais análises identificam também elementos do design presentes nas obras, relacionando-os com o conceito visual do filme. Nosso objetivo é aproximar a área de efeitos especiais no campo do design, classificandoa como atividade criativa e projetual, para além dos atributos exclusivamente técnico-operacionais

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Velasco, Diogo Cavalcanti 1983. "O poder do local = sertões nordestinos no cinema brasileiro contemporâneo". [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284971.

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Abstract (sommario):

Orientador: Nuno César Pereira de Abreu
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-16T22:09:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Velasco_DiogoCavalcanti_M.pdf: 950407 bytes, checksum: efdfd5c7569cb154df742f3da3c9809f (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: O Sertão Nordestino sempre permeou o imaginário do homem brasileiro por meio dos discursos que a história produziu. Vários campos discursivos, como a política, a economia, as ciências sociais e as artes, sedimentaram um universo simbólico acerca desse espaço. Logo, o cinema também contribuiu nessa simbolização, principalmente nos ciclos do Nordestern e do Cinema Novo. Agora, nos anos 2000, ele volta a ter novas correntes de representação cinematográfica. Uma delas se encontra no grupo de produtores do Nordeste, que faz asserções sobre os seus Sertões e os ressignifica de acordo com um mundo contemporâneo globalizado, característico de sua época. A presente pesquisa busca, por meio da metodologia analítica de Pierre Sorlin, mostrar como isso acontece num grupo de quatro filmes: Cinema, Aspirinas e Urubus (Marcelo Gomes, 2005), Árido Movie (Lírio Ferreira, 2006), Céu de Suely (Karim Ainouz, 2006) e Deserto Feliz (Paulo Caldas, 2007)
Abstract: The Sertão Nordestino has always been in Brazilian people imagination through the history discourses that has been produced. Several fields of discourses, like politics, economy, social sciences and arts, created a symbolic universe about this space. Therefore, the Movies also contributed in this symbolization, mainly in the Nordestern and Cinema Novo cycles. Nowadays, in the 2000s, there are new currents of cinematographic representation. One of them is the group of Nordeste that wants to talk about their Sertões and gives them new meanings according to a contemporary globalized world. This present dissertations searches, through the analytical methodology of Pierre Sorlin, to show how this happens in a group of four films: Cinema, Aspirinas e Urubus (Marcelo Gomes, 2005), Árido Movie (Lírio Ferreira, 2006), Céu de Suely (Karim Ainouz, 2006) e Deserto Feliz (Paulo Caldas, 2007)
Mestrado
Mestre em Multimeios

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Stefano, Fabiane Rodrigues. "Klaxon e a critica de cinema no Brasil". [s.n.], 2000. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285073.

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Abstract (sommario):

Orientador: Ivan Santo Barbosa
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-07-28T18:29:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Stefano_FabianeRodrigues_M.pdf: 2815368 bytes, checksum: ff5ed0f0b7a2a1a416afe42beec0c009 (MD5) Previous issue date: 2000
Resumo: Esse trabalho tem como finalidade estudar a importância do cinema na revista Klaxon - Mensário de Arte Moderna -, periódico publicado entre maio de 1922 e janeiro de 1923, em São Paulo. Pretendemos comprovar que Klaxon foi pioneira na elaboração de uma crítica cinematográfica no Brasil. Analisamos também as interfaces e inter-relações entre o cinema e Klaxon (veículo impresso), observando como o primeiro influenciou a própria concepção editorial do periódico
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em Multimeios

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TELES, B. N. "A Arte Vai a Luta: Resistência Artística na Itália Fascista". Universidade Federal do Espírito Santo, 2017. http://repositorio.ufes.br/handle/10/9269.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:44:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_8679_Dissertação Final Beatriz Teles - Entregue em 26-05-2017.pdf: 1519244 bytes, checksum: 0c6b4d7475e1600d828b83f3f7c8ab60 (MD5) Previous issue date: 2017-04-12
O presente trabalho tem como foco a análise da resistência artística antifascista italiana, que ganhou forma através do filme Ossessione, do cineasta Luchino Visconti. Essa resistência se reuniu durante o fim da década de 1930 e início de 1940 ao redor da revista de crítica cinematográfica Cinema, período do nosso recorte temporal. O período compreendido por esse recorte foi assim estipulado por dois motivos. Primeiramente porque foi uma época em que o regime fascista italiano esteve envolvido em guerras imperialistas, como a guerra da Etiópia, e na Segunda Guerra Mundial. Por esse motivo o regime buscou ter maior controle sobre a imprensa e a arte, usando-os intensamente como forma de propaganda para a manipulação da opinião pública em prol da mobilização para a guerra. O segundo motivo diz respeito à construção de um ambiente de relativa liberdade de expressão ao redor da revista Cinema, dirigida por Vittorio Mussolini, filho do ditador italiano. Essa revista tinha em sua equipe editorial nomes como Gianni Puccini, Giuseppe De Santis, Mario Alicata, Antonio Pietrangeli e Luchino Visconti. Após anos escrevendo ásperas críticas a respeito do tipo de cinema que se produzia nesse período na Itália, esse grupo foi responsável pela produção do filme Ossessione, obra considerada nesse trabalho como a bandeira desse grupo de jovens cineastas, fruto do amadurecimento de um antifascismo artístico. Essa dissertação tem o objetivo de analisar como funcionava a censura do regime fascista italiano, como era o discurso da propaganda fascista nas mídias, e de que forma o grupo responsável pela produção de Ossessione conseguiu utilizar os meios disponíveis para fazer resistência artística ao fascismo, a partir da denúncia da pobreza, da desesperança e da falta de opções em uma sociedade controlada por um regime autoritário fascista.

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Oliveira, Liliane Curi Soares de. "O espectador “itinerante”: cinema e performance como mediadores do processo de encenação e recepção". Escola de Teatro, 2011. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/27118.

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Abstract (sommario):

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-27T21:00:19Z No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5)
Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-08-28T01:32:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-08-28T01:32:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5)
Pesquisa de caráter teórico que propõe o reconhecimento do espectador “itinerante”, tipo de público forjado a partir do ponto de vista do espectador comum e do “espectador de profissão”, o encenador. A proposição deste sujeito itinerante parte de um percurso artístico que tem base na linguagem da performance, através dos trabalhos Na Cinza das Horas, Misericórdia e corre-dorde- frida, e nas encenações Yo soy o que a água me deu Frida e Quatro Luas Pelas Pedras; experiências estéticas que tiveram como princípio o trânsito entre territórios fronteiriços (cinema, fotografia, artes plásticas, teatro, instalação, entre outros). A complexidade desta configuração de pesquisa permitiu atravessar teorias e campos de estudo diversos que englobam desde a produção à recepção.
Theoretical research that suggests the recognition of the “itinerant” viewer, kind of audience forged from the standpoint of the average viewer and the “professional spectator”, the director. The purpose of this “itinerant” public came from an artistic route that is based on performance art, through the works, Na Cinza das Horas, Misericórdia, corre-dor-de-frida and the mise en scènes Yo soy o que a água me deu Frida and Quatro Luas Pelas Pedras; aesthetic experiences that had as principles the transit between border areas (cinema, photography, visual arts, theater, installation etc). The complexity of this research configuration passes through theories and fields of study that range from the production to reception.

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Furtado, Sylvia Beatriz Bezerra. "Imagens que resistem: o intensivo no cinema de Aleksander Sokurov". reponame:Repositório Institucional da UFC, 2007. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/24566.

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Abstract (sommario):

FURTADO, Sylvia Beatriz Bezerra. Imagens que resistem: o intensivo no cinema de Aleksander Sokurov. 2007. 229f. – Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Sociologia, Fortaleza (CE), 2007.
Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-08-04T11:00:45Z No. of bitstreams: 1 2007_tese_sbbfurtado.pdf: 1141924 bytes, checksum: 14027805361c89643d42aeafc48ad609 (MD5)
Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-08-04T19:31:41Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2007_tese_sbbfurtado.pdf: 1141924 bytes, checksum: 14027805361c89643d42aeafc48ad609 (MD5)
Made available in DSpace on 2017-08-04T19:31:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2007_tese_sbbfurtado.pdf: 1141924 bytes, checksum: 14027805361c89643d42aeafc48ad609 (MD5) Previous issue date: 2007
The artistic phenomenon should be , first of all defined by the description of forces . In the forms , colors , sounds , materials , and in the special case of cinema mode these forces as part of automation mechanism images . In this sense Deleuze gives to the arts by assigning the role to detect the signs , capture them and make them sensitive . Such that we can no longer say about art as a place of production of meanings , but the trial of strength. It is, this field of think of art as material composition forces . Art does not reproduce forms imaginary , but captures materials , concrete strength. The potency of the art resides therefore in different assemblages with the materials that compose . Only then can understand why , in Deleuzian perspective, the film should be seen by the internal relationship images, the way they articulate their threads - plans , movements camera, the relationship between movement and time, etc. , and not by the relationship they establish with real or believable to the production of images. Not indices of realism or rapprochement between the visible world and the ways that we take the film , but at he is able to capture and compose sensitive world.
O fenômeno artístico deve ser, antes de tudo, definido pela inscrição de forças. Nas formas, nas cores, nos sons, nos materiais, e no caso especial do cinema, no modo como essas forças fazem parte do mecanismo de automação das imagens. Nesse sentido que Deleuze dá às artes ao atribuir-lhe o papel de detectar os signos, captá-los e torná-los sensíveis. De tal modo, que já não podemos mais dizer sobre a arte como lugar de produção de significados, mas de experimentação de forças. Trata-se, neste campo, de pensar a arte como composição de forças materiais. A arte não reproduz formas imaginárias, mas capta forças materiais, concretas. A potência da arte reside, portanto, nos diferentes agenciamentos com os materiais que a compõe. Só assim podemos entender porque, na perspectiva deleuziana, o cinema deve ser visto pela relação interna das imagens, pelo modo como se articulam seus encadeamentos – planos, movimentos de câmera, relação entre movimento e tempo, etc, e não pela relação que estabelecem com o real ou com a produção de imagens verossímeis. Não é pelos índices de realismo ou de aproximação entre as formas e o mundo visível que devemos tomar o cinema, mas pelo que ele é capaz de captar e compor mundo sensíveis.

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Vasconcelos, Diego Hoefel. "Entre retratos e paisagens: ensaio sobre rosto no cinema". www.teses.ufc.br, 2013. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/9207.

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Abstract (sommario):

VASCONCELOS, Diego Hoefel. Entre retratos e paisagens: ensaio sobre rosto no cinema. 2013. 126f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Comunicação Social, Fortaleza (CE), 2013.
Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-09-30T16:28:45Z No. of bitstreams: 1 2013_dis_dhvasconcelos.pdf: 2475444 bytes, checksum: c861f7e2e5b465bd6ee3bac86f744de1 (MD5)
Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-10-01T11:42:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_dis_dhvasconcelos.pdf: 2475444 bytes, checksum: c861f7e2e5b465bd6ee3bac86f744de1 (MD5)
Made available in DSpace on 2014-10-01T11:42:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_dis_dhvasconcelos.pdf: 2475444 bytes, checksum: c861f7e2e5b465bd6ee3bac86f744de1 (MD5) Previous issue date: 2013
The research is divided into three parts. The first is a study of the face and its relationship with the portrait, from classical definitions and approaches between the two concepts in art history. The second part of the dissertation deals with the face in film and concatenates the analysis of a few filmic propositions with different theoretical approaches as a way to reflect on the face in silent, classic and modern films. The vectorized face of classic cinema, treated as the main space of identification with the characters, operates differently from the deep face of modern cinema, which reveals internal movements, anxieties, nauseas. Both are, in the third part of the dissertation, confronted with the contemporary face. Space in which intensities and affects emerge, the face that appears in a certain recent film production is closer to the landscape than to the portrait.
A pesquisa é dividida em três partes. A primeira consiste em um estudo sobre a relação entre rosto e retrato, proposto com base em definições clássicas e aproximações entre os dois conceitos na história da arte. A segunda parte da dissertação aborda o rosto no cinema e encadeia a análise de algumas proposições fílmicas com distintas abordagens teóricas para discutir o primeiro plano nos cinemas mudo, clássico e moderno. O rosto vetorizado do cinema clássico, tratado como espaço principal de identificação com o personagem, opera de forma distinta do rosto profundo do cinema moderno, nos quais se revelam movimentos internos, angústias, náuseas. Ambos são, na terceira parte da dissertação, confrontados com o rosto contemporâneo. Espaço de intensidades e afetos, o rosto que surge em uma determinada produção cinematográfica recente aproxima-se mais da paisagem do que do retrato.

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Ribeiro, Bruno Chapadeiro [UNESP]. "Trabalho e gestão através do cinema". Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2013. http://hdl.handle.net/11449/88815.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:23:38Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-02-05Bitstream added on 2014-06-13T19:29:55Z : No. of bitstreams: 1 ribeiro_bc_me_mar.pdf: 1017030 bytes, checksum: 4266b2361e4f3f52fe32943fedf2cd31 (MD5)
Assistimos na primeira década do século XXI à verdadeira crise do nosso tempo histórico. Não a crise das economias capitalistas, mas sim a crise do homem como sujeito histórico de classe, isto é, ser humano-genérico capaz de dar respostas radicais à crise estrutural do sociometabolismo do capital em suas múltiplas dimensões. É importante salientar que crise não significa morte do sujeito histórico de classe, muito menos sua supressão irremediável, mas tão somente a explicitação plena da ameaça insuportável à perspectiva de futuro, risco de desefetivação plena do ser genérico do homem e, ao mesmo tempo, oportunidade histórica para a formação da consciência de classe e, portanto, para a emergência da classe social de homens e mulheres que vivem da venda de sua força de trabalho e estão imersos na condição de proletariedade. Voltando nossos olhares para este novo (e precário) mundo do trabalho agravado pelo capitalismo global, o presente trabalho buscou analisar, por meio de dinâmicas de análise crítica de filmes, esta nova era de barbárie social que se caracteriza pela reestruturação produtiva do capital sob o “espírito” da gestão toyotista. Nos utilizamos da obra de arte como objeto de reflexão sociológica numa perspectiva dialética, podendo ela contribuir para a apreensão de um conhecimento verdadeiro do ser social e do complexo sócio reprodutivo do capital. Durante a pesquisa, desenvolveu-se um processo de aprendizagem crítica a partir da discussão da narrativa fílmica procurando apreender o filme não apenas como um texto, mas como um pré-texto capaz de nos conduzir à autoconsciência reflexiva do nosso tempo e enquanto meio estético que propicia a reflexão crítica sobre o mundo burguês. Levando em consideração a capacidade reflexiva e deliberativa dos homens, que não podem trabalhar e viver...
We saw in the first decade of this century the real crisis of our history time. Not a crisis of capitalist economies, but the crisis of man as a historical class, the generic-human being able to give replies to the structural crisis of the social metabolism of the capital in its multiple dimensions. Importantly, crisis does not mean death of the historical class subject, much less his hopeless suppression, but only a full explanation of the unbearable threat to the prospect of future, risk of full desefection of the generic being of man and, at the same time, historic opportunity to the formation of class consciousness and thus to the emergence of the social class of men and women who live by selling their work force and are immersed in a proletarian condition. Turning our eyes to this new (and precarious) world of work aggravated by the global capitalism, this study sought to examine, through dynamics of critical analysis of films, this new era of social barbarism that is characterized by productive restructuring of capital under the “spirit” of toyotist management. We use the artwork as an object of sociological reflection in a dialectical perspective that may contribute to the seizure of a true knowledge of self and the social reproductive complex of the capital. A critical learning process was developed from the discussion of film narrative seeking to seize the film not only as a text, but as a pre-text that can lead us to self-reflection of our time and as esthetic medium that provides critical reflection about the bourgeois world. Taking into account the reflective and deliberative ability of men, who cannot live and work without giving meaning to their actions and in themselves, for the symbolic dimension is the base from which the social relations are constructed, we sought to adopt procedures of critical analysis that resulted... (Complete abstract click electronic access below)

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Ribeiro, Bruno Chapadeiro. "Trabalho e gestão através do cinema /". Marília, 2013. http://hdl.handle.net/11449/88815.

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Abstract (sommario):

Orientador: Giovanni Antônio Pinto Alves
Banca: José Roberto Montes Heloani
Banca: Vera Lúcia Navarro
Resumo: Assistimos na primeira década do século XXI à verdadeira crise do nosso tempo histórico. Não a crise das economias capitalistas, mas sim a crise do homem como sujeito histórico de classe, isto é, ser humano-genérico capaz de dar respostas radicais à crise estrutural do sociometabolismo do capital em suas múltiplas dimensões. É importante salientar que crise não significa morte do sujeito histórico de classe, muito menos sua supressão irremediável, mas tão somente a explicitação plena da ameaça insuportável à perspectiva de futuro, risco de desefetivação plena do ser genérico do homem e, ao mesmo tempo, oportunidade histórica para a formação da consciência de classe e, portanto, para a emergência da classe social de homens e mulheres que vivem da venda de sua força de trabalho e estão imersos na condição de proletariedade. Voltando nossos olhares para este novo (e precário) mundo do trabalho agravado pelo capitalismo global, o presente trabalho buscou analisar, por meio de dinâmicas de análise crítica de filmes, esta nova era de barbárie social que se caracteriza pela reestruturação produtiva do capital sob o "espírito" da gestão toyotista. Nos utilizamos da obra de arte como objeto de reflexão sociológica numa perspectiva dialética, podendo ela contribuir para a apreensão de um conhecimento verdadeiro do ser social e do complexo sócio reprodutivo do capital. Durante a pesquisa, desenvolveu-se um processo de aprendizagem crítica a partir da discussão da narrativa fílmica procurando apreender o filme não apenas como um texto, mas como um pré-texto capaz de nos conduzir à autoconsciência reflexiva do nosso tempo e enquanto meio estético que propicia a reflexão crítica sobre o mundo burguês. Levando em consideração a capacidade reflexiva e deliberativa dos homens, que não podem trabalhar e viver... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: We saw in the first decade of this century the real crisis of our history time. Not a crisis of capitalist economies, but the crisis of man as a historical class, the generic-human being able to give replies to the structural crisis of the social metabolism of the capital in its multiple dimensions. Importantly, crisis does not mean death of the historical class subject, much less his hopeless suppression, but only a full explanation of the unbearable threat to the prospect of future, risk of full desefection of the generic being of man and, at the same time, historic opportunity to the formation of class consciousness and thus to the emergence of the social class of men and women who live by selling their work force and are immersed in a proletarian condition. Turning our eyes to this new (and precarious) world of work aggravated by the global capitalism, this study sought to examine, through dynamics of critical analysis of films, this new era of social barbarism that is characterized by productive restructuring of capital under the "spirit" of toyotist management. We use the artwork as an object of sociological reflection in a dialectical perspective that may contribute to the seizure of a true knowledge of self and the social reproductive complex of the capital. A critical learning process was developed from the discussion of film narrative seeking to seize the film not only as a text, but as a pre-text that can lead us to self-reflection of our time and as esthetic medium that provides critical reflection about the bourgeois world. Taking into account the reflective and deliberative ability of men, who cannot live and work without giving meaning to their actions and in themselves, for the symbolic dimension is the base from which the social relations are constructed, we sought to adopt procedures of critical analysis that resulted... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre

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Vasconcelos, Adriana Santos de. "A relação de troca artístico-criativa entre preparador de atores, ator e diretos em Bicho de Sete Cabeças (2000) de Laís Bodanzky e o Céu de Suely (2006) de Karim Aïnouz". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2010. http://repositorio.unb.br/handle/10482/6026.

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Abstract (sommario):

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2010.
Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2010-11-10T15:12:19Z No. of bitstreams: 1 2010_AdrianaSantosdeVasconcelos.pdf: 1922094 bytes, checksum: b02e4480bb1885f9390e03dad014a0e4 (MD5)
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As especificidades da linguagem do cinema tornam o diálogo artístico-criativo entre o diretor e o ator um fundamento primordial no bom resultado de uma atuação na cena cinematográfica. No cinema nacional observou-se nesta primeira década do século XXI a incorporação de um novo profissional que veio participar desse diálogo, o preparador (a) de atores. Analisando o trabalho desses três profissionais em dois longasmetragens brasileiros – Bicho de sete cabeças (2000) de Laís Bodanzky e O Céu de Suely (2006) de Karim Aïnouz – esta pesquisa visa traçar um olhar sobre esse diálogo e a relação artístico-criativa que se estabeleceu entre atores, diretores e preparadores nesses dois filmes para melhor compreensão do trabalho de direção e atuação no cinema brasileiro contemporâneo. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT
Cinema’s language specificities have transformed the artistic and creative dialogue between director and actor into fundamental grounding for successful performance within a film scene. In the first decade of this century, the Brazilian cinema registered the incorporation of a new professional and participant in this artistic dialogue: the acting coach. By analyzing the work of these professionals in two Brazilian feature-length motion pictures – Lais Bodansky’s Bicho de sete cabeças (2000) and Suely in the Sky (2006) by Karim Aïnouz – this research aims to investigate this dialogue and the artistic-creative relationship which developed amongst the actors, directors and coaches in these two films for a better understanding of directing and acting work in present-day Brazilian cinema.

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Domingos, Hêlena Paula. "Viva o cinema e a arte literária na formação interdisciplinar de professores/as". Universidade Estadual do Oeste do Parana, 2016. http://tede.unioeste.br:8080/tede/handle/tede/2574.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2017-07-10T19:07:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Helena Paula Domingos2.pdf: 1086891 bytes, checksum: be600aad5f03455e49b98be4fb0282cc (MD5) Previous issue date: 2016-02-26
The confluence of globalization and the revolution of technology sets a new ecosystem of languages and writing that is contemporary. The eletronic visuality is a constitutive part of cultural visibility. This research investigates the insertion of the media cinema in the educational field using an interdisciplinary approach with teacher training and the context of these educators in mind, through a multi perspectivistic approach. It is set by the following problem: How the media cinema contributes to a critical reading of reality? How the methodological corpus of analysis selects the movies Frankenstein (2004), by Mary Shelley (1797-1851) and "1984" (1984), resulted from the literary work with the same name by George Orwell (1903-1950). It seeks theoretical framework and methodology in the axiological field of Cultural Studies, in the basis of action research and the ways of addressing, which film analysis centers in the cultural production, to the visual text itself and its reception, by the public. This investigation considers the teachers training as a possibility of question the media cinema and its pedagogical interdisciplinary perspective.
A convergência da globalização e da revolução tecnológica configura um novo ecossistema de linguagens e escritas contemporâneo. A visualidade eletrônica é parte constitutiva da visibilidade cultural. Esta pesquisa investiga a inserção da mídia cinema no campo educacional em um movimento interdisciplinar com a formação de professores/as e seus contextos de trabalho, sob uma abordagem multiperspectívica. Parte do seguinte problema: Como a mídia cinema contribui para uma leitura crítica da realidade? Como corpus metodológico de análise seleciona os filmes Frankenstein (2004), de Mary Shelley (1797-1851) e 1984 (1984), oriundo da obra literária homônima de George Orwell (1903-1950). Busca aporte teórico e metodológico no campo axiológico dos Estudos Culturais, nas bases da pesquisa-ação, nos modos de endereçamento e análise fílmica. Considera a formação de professores/as como possibilidade de problematizar a mídia cinema e sua perspectiva pedagógica e interdisciplinar.

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Pereira, Luiz Fernando. "A direção de arte servidora de dois amos : o teatro e o cinema". Universidade do Estado de Santa Catarina, 2016. http://tede.udesc.br/handle/handle/2452.

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Abstract (sommario):

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-06T18:44:02Z No. of bitstreams: 1 Luiz Fernando Pereira.pdf: 28294607 bytes, checksum: f19402b8cbaefbe2123e6ab0ec31f449 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-03-06T18:44:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luiz Fernando Pereira.pdf: 28294607 bytes, checksum: f19402b8cbaefbe2123e6ab0ec31f449 (MD5) Previous issue date: 2016-05-20
This research aims to highlight production design and the work of a production designer showing through the latest studies their role in theater making. Cinema, which has emerged from theater, has developed and incorporated the function of production design to such a degree that it has become a major narrative language in the visuality of a film, whereas in theater it has not happened yet. This study begins conceptualizing production design and its constituent elements such as scenography, costumes, makeup, characterization of a character and lighting that are essential in the construction of a narrative language. It also highlights the importance of the acting area as a mean in which the dramatic action takes place. It is noted that since its inception the theater, in one way or another, has made use of the production design, although it was not so named, which was performed by skilled workers from the most different areas. After analyzing the development and application of production design methodology in filmmaking and in theater, it is presented the hypothesis that a production designer must effectively become part of a creative team when staging a play. The theoretical framework present in this research draws on the author's experience as a production designer both in theater and filmmaking and on works of Felisa Blas Gómez, Michael Rizzo and Vincent LoBrutto, which support this study. What makes it relevant to Brazilian theater is the lack of formal studies in this area. Aiming to fill this gap and stimulate the expansion of production design, both in the job market and in the Academy, the author presents his methodology.
O objetivo desta pesquisa é ressaltar a importância da direção de arte e do diretor de arte evidenciando com estudos mais recentes seu papel no fazer teatral. O cinema, que surgiu a partir do teatro, desenvolveu e incorporou a direção de arte tornando-a uma linguagem narrativa fundamental na criação da visualidade de um filme, prática ainda não consolidada no teatro. Este estudo inicia-se com a conceituação da direção de arte e seus elementos constitutivos: a cenografia, o figurino, a maquiagem, a caracterização e a iluminação, essenciais para a construção da linguagem narrativa. Destaca-se também a importância do espaço cênico como um elemento no qual se materializa a ação dramática. Constata-se que desde o seu surgimento o teatro, de uma maneira ou de outra, usufruiu da direção de arte, ainda que ela não fosse assim denominada, desempenhada por profissionais das mais diferentes áreas. Após a análise do desenvolvimento e da aplicação da metodologia da direção de arte no cinema e no próprio teatro, apresenta-se a hipótese de que o diretor de arte passe efetivamente a integrar a equipe criadora nas montagens teatrais. A construção teórica presente nesta pesquisa apoia-se na experiência do autor como diretor de arte, no teatro e no cinema, e nas obras de Felisa de Blas Gómez, Michael Rizzo e Vincent LoBrutto, que a corroboram. O que a torna relevante para o Teatro Brasileiro é a carência de estudos formais nesta área. Visando preencher esta lacuna e estimular a expansão da direção de arte, tanto no mercado de trabalho quanto na Academia, o autor apresenta sua metodologia.

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