Articoli di riviste sul tema "Museus en línia"

This essay overviews how Canadian museums and universities have historically accessioned Latin American visual culture and identifies potential ways of sustaining interest, streamlining initiatives, and promoting access. The larger project aims at contributing to a hemispheric and transnational understanding of the history and growth in Canada of the field of Latin American art and its subfields of Pre-Columbian, colonial, modern, and contemporary art. While the study of art history among Canadian museums and universities has kept up with the decades-long interest in Latin American art and visual culture, there remain considerable challenges in bringing Latin American art to the forefront of public consciousness. Despite the pioneering efforts of Canadian museums and universities, Latin American visual art remains largely unknown and underutilized. This essay advocates for better collaboration among institutions involved in Latin American visual art initiatives across Canada, and dialogue among these disparate stakeholders to establish underlying narratives. RESUMEN Este ensayo busca ofrecer una visión general de cómo los museos y universidades canadienses han accedido históricamente a la cultura visual latinoamericana para identificar formas potenciales de mantener el interés, racionalizar iniciativas y promover el acceso. El objetivo del proyecto es contribuir a una comprensión hemisférica y transnacional de la historia y el crecimiento en Canadá del campo del arte latinoamericano y su subcampo del arte precolombino, colonial, moderno y contemporáneo. Si bien el estudio de la historia del arte entre los museos y las universidades canadienses ha seguido el paso del interés que ha habido en el arte y la cultura visual latinoamericanos durante décadas, sigue habiendo desafíos considerables para hacer que el arte latinoamericano ocupe un lugar de primera línea en la conciencia pública. A pesar de los esfuerzos pioneros de museos y universidades canadienses, el arte visual latinoamericano ha permanecido en gran parte desconocido e infrautilizado. Específicamente, este ensayo aboga por una mejor colaboración entre las instituciones canadienses que participan en iniciativas relacionadas con el arte visual de América Latina, y pretende alentar el diálogo entre estas diferentes partes interesadas para establecer narrativas comunes. RESUMO Este ensaio procura fornecer uma visão geral de como os museus e universidades canadenses historicamente acessaram a cultura visual latino-americana a fim de identificar formas potenciais de manter o interesse, simplificar iniciativas e promover o acesso a ela. O projeto visa contribuir para uma compreensão hemisférica e transnacional da história e do crescimento no Canadá do campo da arte latino-americana e seus subcampos – arte pré-colombiana, colonial, moderna e contemporânea. Embora o estudo da história da arte entre os museus e universidades canadenses tenha acompanhado o interesse de décadas na arte e na cultura visual da América Latina, ainda existem desafios consideráveis ​​para levar a arte latino-americana à vanguarda da consciência pública. Apesar dos esforços pioneiros dos museus e universidades canadenses, a arte visual latino-americana permaneceu em grande parte desconhecida e subutilizada. Especificamente, este ensaio defende uma melhor colaboração entre instituições envolvidas em iniciativas de arte visual latino-americanas em todo o Canadá, e o incentivo ao diálogo entre esses diferentes atores para estabelecer narrativas subjacentes.

Resumen: Respondiendo a la necesidad de acercar y dar a conocer las cualidades didácticas del Arte Contemporáneo como posible generador de conocimiento, haciendo uso del museo como recurso, se plantea una metodología docente entre iguales en la que se desarrolla una práctica artística aplicable al aula del Grado universitario de Educación Primaria.El alumnado diseña una práctica fuera del espacio normativo del aula de la Facultad de Educación de Bilbao UPV/EHU, y la ejecuta en el propio marco de una asignatura vinculada a la educación artística impartida en el grado.En la metodología docente, la figura del docente universitario pasa a un segundo plano y es el alumnado el responsable de ejecutar, dar a conocer e implementar su proyecto artístico intercambiando los roles docente-discente con los compañeros/as del aula.Los resultados evidencian la potencialidad del uso de las colecciones de los museos contemporáneos como herramientas veraces en la búsqueda de referentes, así como el potencial de la visibilización de las experiencias implementadas por el alumnado. Por último, se pone el acento en el potencial de las relaciones pedagógicas generadas durante el proceso de diseño y de ejecución de la propuesta.Las conclusiones evidencian la necesidad de continuar trabajando en esta línea, donde propuestas vinculadas al Arte Contemporáneo reflexionadas entre iguales, reivindiquen su potencial constructor de significados y empodere a los futuros/as docentes en la generación de un discurso reflexivo propio. Palabras clave: formación de profesores, educación artística, arte contemporáneo, museos, espacio educativo. Abstract: Responding to the need to approach and get to know the educational qualities of Contemporary Art as a possible generator of knowledge, using the the museum as a reference source, a methodology among equals is presented that develops an artistic practice applicable to the classroom of the University Degree of Primary Education.The students design a practice outside the normative space of the classroom of the Faculty of Education of Bilbao UPV/EHU, and execute it in the framework of a subject related to art education taught in the degree.The teaching methodology, where the figure of the university teacher takes a back seat and the students are responsible for executing and making their artistic project public by exchanging the teaching-learning roles with the classmates in the classroom.The results demonstrate the potential of the use of collections of contemporary museums as true tools in the search for references, as well as the potential for visibility of the experiences implemented by the students out of the normative classroom. Finally, the emphasis is placed on the potential of the pedagogical relationships generated during the design and implementation process of the proposal.The conclusions show the need to continue working in this line, where Contemporary Art proposals reflected among equals, claim its potential constructing meanings and empowers future teachers to generate a reflective discourse of their own. Key Words: teacher education, art education, contemporary art, museums, educational space. DOI: http://dx.doi.org/10.7203/eari.10.14320

El museo de arte Whitney de Breuer se ubica en la isla de Manhattan, en Nueva York, próximo a varios museos muy importantes: al Museo Americano de Historia Natural, al Museo Metropolitano de Arte y al Museo Guggenheim, la obra más conocida de Franz Lloyd Wright. En la génesis del proyecto influirán las características del lugar, la geometría de la parcelación, las metáforas concomitantes con la fachada del anterior Museo Whitney, la emulación de la aérea volatilidad del Museo Guggenheim y la bien engrasada disposición del programa funcional, condensadas en una sección principal que se hunde bajo la línea de tierra y busca allí las raíces del diseño. El plano del terreno original separa arquitecturas distintas respecto al programa, la estructura y la morfología: transparencia de la parte inferior de la fachada frente a la opacidad y masividad de los volúmenes que avanzan hacia el exterior. El patio mediterráneo subyace en el esquema de la disposición de la planta y el complejo patio inglés aporta la sección generadora y da forma literal a las fachadas, contenidas por una envolvente abstracta y poseedoras de un contenido encriptado.

El artículo que presentamos surge en el seno de una investigación cuyo objetivo se centra en la localización y análisis de propuestas de educación patrimonial (EP) en museos para personas con Trastorno del Espectro Autista (TEA). Para ello se ha seguido la línea metodológica creada por el Observatorio de Educación Patrimonial en España (OEPE) (Fontal, 2016), cuya novedad y relevancia reside, en este caso, en vincular dos aspectos hasta ahora no interrelacionados la EP y el TEA. Los resultados obtenidos son muy clarificadores porque muestran escasas experiencias en un contexto que cuenta con una prevalencia de casos cada vez mayor.

Las webs de los Museos Pedagógicos constituyen una ventana abierta a la ciudadanía general y a los especialistas del campo de la historia y de la educación. Es necesario que éstas ofrezcan un producto en línea que capte la atención y el interés del visitante. En este artículo sintetizamos un estudio de caso en el que analizamos el diseño e implementación de la web de uno de los Museos Pedagógicos a nivel nacional más cercanos al público, el Museo de la Escuela Rural de Asturias. Nos planteamos comprobar su potencial para atraer y servir como recurso didáctico a un público diana: los estudiantes de Magisterio. Para ello se ha elaborado un estudio evaluativo de la web cuyo propósito es sondear la opinión del alumnado. A la vista de los resultados obtenidos podemos considerar que la web del Museo podría constituir un espacio idóneo y complementario para la formación del profesorado.

El 90% de los aproximadamente 60 000 museos que existen en el mundo han cerrado total o parcialmente debido a la COVID-19. En este nuevo contexto uno de los principales retos de los museos es el mantenimiento del compromiso con su público. El estudio busca identificar evidencias que demuestren cuán preparados estaban los museos en la ciudad de Lima para enfrentar un nuevo contexto como la COVID-19 y cuáles son las recomendaciones que podrían seguir en materia de investigación, comunicación y educación. Para ello, a través de un estudio exploratorio de análisis del discurso se identificó una lista de recomendaciones agrupadas por tres categorías: manejo de colecciones en línea, visitas virtuales y uso de las redes sociales como espacios de aprendizaje. Esta investigación demuestra que los museos que realizaron estrategias relacionadas con las funciones de investigación, comunicación y educación, así como en el uso de tecnologías de información y comunicación, enfrentarán este nuevo contexto con mayores alternativas de distribución de contenidos hacia sus públicos. Se afirma, entonces, que en este nuevo contexto los museos se convierten en entidades omnipresentes y tienen como reto convertirse en entes vivos, articulados e involucrados con su comunidad digital. Los retos más resaltantes son poner a disposición sus colecciones digitales y acortar las brechas de iniciativas orientadas a la educación. Por último, se identificaron cinco problemas que no permitirán el avance de las recomendaciones señaladas: la falta de estudio de sus públicos, la falta de sostenibilidad financiera, las mínimas estrategias de inclusión, la nueva capacitación de sus colaboradores y la falta de trabajo articulado con otras instituciones.

En los actuales debates sobre conocimiento y descolonización de la memoria se pregunta por el lugar que tiene en la política pública el saber ancestral y su relación con la sociedad. Articular el trabajo de las narrativas digitales en museos comunitarios y centros locales de memoria se convierte en reto para la supervivencia de este medio de comunicación para la apropiación social del patrimonio cultural material e inmaterial y natural de la nación. La Netnografía como método de investigación en línea permite indagar en estos sitios esa relación desigual entre el centro y la periferia. Se identifican prácticas centralistas con fuerte tradición colonial que se niegan a desaparecer e impiden la implementación de iniciativas locales y regionales en favor de la verdad y la recuperación de la memoria colectiva.

Este trabajo propone una aproximación a las relaciones artísticas entre España y Portugal, centrada en el campo de la platería religiosa de la diócesis de Ciudad Rodrigo, lugar que, por su proximidad a la frontera se convirtió en centro de recepción de piezas realizadas a ambos lados de “la Raya”; en todo caso pensamos que estas relaciones constituyen una línea de investigación sobre la que se debe seguir profundizando. Cronológicamente las piezas van de fines del siglo XVI a principios del XIX,destacando las procedentes de Oporto. En el trabajo, además del análisis estilístico, o su relación con obras conservadas en museos del vecino país, se incide en la serie de factores que pueden explicar su llegada, unos de índole político, estamos en un momento de estabilidad, y otros internos, como el favorable ambiente cultural que en ese momento se respiraba en Ciudad Rodrigo.

El artículo se propone explorar las estrategias museográficas y visuales que se ponen enjuego en la exposición Obreras. Trabajo en el frigorífico y barrio Saladillo (Argentina: Museo de la Ciudad de Rosario Wladimir Mikielevich, 2019). La exploración de este caso abre una línea alternativa de práctica curatorial y museográfica con perspectiva género aplicada a la historia que, a su vez, focaliza en experiencias significativas a nivel local. Desde una perspectiva transdisciplinar, se abordará este caso desde una ampliación de la museología de la idea (García Blanco, 1999) hacía los giros temáticos (Guasch, 2016) y las constelaciones de imágenes (Piñero, 2013; Giunta, 2016), buscando indagar en la utilización de recursos y tipologías museográficas. Esta aproximación a los modos de exhibir en la actualidad (Panozzo & Olivari, 2020) permite contemplar formas diversas de interpelar al público visitante en función de generar una experiencia museal ampliada.

En esta entrevista conversamos sobre acción manual y representación arquitectónica con el arquitecto chileno Mauricio Cárcamo. Este ha sido académico, investigador y/o consultor en diversas entidades como la Universidad de Chile, la Universidad de São Paulo, la Universidad Católica Boliviana San Pablo, el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, entre otras instituciones latinoamericanas. Desde 2011 ha levantado una línea de investigación ligada a la cognición corporeizada en arquitectura, avocándose al estudio especializado del vínculo cognitivo/enactivo entre la acción manual (manuaje) e inteligencia sensomotriz implicadas en la acción proyectual, sus representaciones, prácticas y alcances en arquitectura, educación, lingüística, semiótica, biología, psicología, neurociencia y filosofía, entre otros. En 2017 ha publicado, junto a diversos autores, el libro/objeto «CUBOOK. 1200 gramos destinados a discurrir en torno al manoaje», obra expuesta en bienales, museos y conferencias diversas. La entrevista fue realizada en La Paz, Bolivia en noviembre de 2018, durante el Workshop «Del problema a la acción», dirigido por Cárcamo en la Facultad de Arquitectura, Artes, Diseño y Urbanismo de la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA); y en la carrera de arquitectura de la Universidad Católica Boliviana San Pablo (UCB-SP).

Galería JM, Málaga. Del 11 de diciembre de 2015 al 13 de febrero de 2016.Tarifa, término geográficamente estratégico, situado entre el Atlántico y el Mediterráneo, y limítrofe con África. Territorio de intercambios culturales, donde la mar, salvaje e inmensa piscina azul, cobra un protagonismo cardinal. Lugar mágico donde una línea viva y confusa separa el agua de la tierra, y es ahí, en ese paisaje de arenas inestables, donde esperan palmeras, como soldados, para resistir los envites del viento. En este asombroso escenario nace Chema Cobo (1952), artista andaluz de enorme recorrido nacional e internacional, cuya obra está representada en grandes museos internacionales como el Metropolitan y el MoMA, en Nueva York o el Museo de Arte Moderno de Chicago. En España, su obra forma parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y en el sur, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla y el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga le han dedicado importantes muestras individuales. Su última parada, la Galería JM, de Javier Marín, en Málaga con la exposición individual Utopian Bubble, una muestra en la que laten, a modo de pinceladas, algunas de sus preocupaciones e intereses, como el tema del agujero, el ventrílocuo y por supuesto el joker, una suerte de personaje limítrofe entre la razón y la locura, que acompaña al artista desde los años 70.

El presente artículo expone los primeros resultados del Registro Estatal de Museos en Veracruz, entidad federativa en México, durante el periodo de 2017-2018, como una línea de acción del eje estratégico de diagnóstico y monitoreo del Observatorio Universitario de Museos. Para ello, se diseñó una ficha de registro, cuyo contenido estuvo basado en la clasificación de los elementos que integran un museo como tipología, servicios, infraestructura, tipo de visitantes, origen de la colección, experiencia museográfica, y vinculación con la comunidad. En este documento se presentan las variables referentes al número de museos, ubicación geográfica, la tipología basada en el origen de sus recursos, la temática principal y el tipo de entrada, como una base que nos permite tener un panorama general sobre los museos en la entidad veracruzana, así como la dinámica relacionada con la creación y apertura de este tipo de recintos.Palabras clave: Museos; Veracruz; registro; tipología; temática AbstractThis article presents the first results of the State Registry of Museums in Veracruz, a federative entity in Mexico, during the period of 2017-2018, as a line of action of the strategic axis of diagnosis and monitoring of the University Observatory of Museums. For this, a registration form was designed, whose content was based on the classification of the elements that make up a museum as typology, services, infrastructure, audience, origin of the collection, museographic experience, and connection with the community. This document presents the variables related to the number of museums, location, typology based on the origin of their resources, the main theme and the type of entry, as a basis that allows us to have a general overview of the museums in the state Veracruz, as well as the dynamics related to the creation and opening of this type of venues. Keywords: Museums, Veracruz; registration; typology; theme

La mediación educativa en el ámbito de la Educación No Formal y de las industrias culturales es, cada vez más importante, especialmente a la hora de llegar con eficacia a los públicos y la ciudadanía por parte de las instituciones vinculadas al patrimonio, el arte y la creatividad. De forma específica, los museos requieren de una formación y capacitación en la función mediadora y educativa. Este trabajo, basado en una revisión bibliográfica de artículos en revistas de impacto, analiza las publicaciones científicas en la Web of Science (WOS) vinculadas a la formación de educadores en museos. El análisis cuantitativo y cualitativo de las características principales de estos contenidos nos lleva a afirmar que la educación en museos y patrimonio es una línea emergente de investigación, aunque se trata de un sector en el que existen dificultades para trasladar al mundo académico e investigador la riqueza y diversidad de la educación en museos. En concreto, la WOS no cuenta con un contenido destacado en la temática general de mediación en museos y, particularmente, de la formación de ese colectivo profesional. En la selección final de 51 artículos, las publicaciones procedentes de universidades o instituciones españolas tienen un peso destacado. En resumen, es imprescindible apostar por la presencia de la realidad profesional de los museos en los circuitos de investigación, mejorando la reflexión y el análisis sobre la preparación y capacitación de estos profesionales. Educational mediation in non-formal education and cultural industries contexts is increasingly important, especially when institutions of heritage, art and creativity try to reach effectively the public and citizenship. Specifically, museums require training and instruction in mediation and the educational role. This work, based on a bibliographic review of articles in impact journals, analyses the scientific publications on the Web of Science (WOS) linked to the training of educators in museums. The quantitative and qualitative analysis of the main characteristics of these contents leads us to affirm that education on museums and heritage is an emerging line of research. Although it is a sector in which there are some difficulties translating the richness and diversity of education in museums to the academic and researcher world. In particular, the WOS does not have a prominent content in the general theme of mediation in museums and, in particular, the training of these professionals. In the final 51 articles selected, the publications coming from Spanish universities or institutions have an outstanding weight. In summary, it is necessary to support the presence of the professional reality of museums in academic research circuits, improving reflection and analysis on the preparation and training of these professionals.

Resumen: El presente artículo cuenta la experiencia del taller didáctico Diálogos y otras ausencias a través de la obra de Pepe Espaliú realizado en el IVAM con motivo de la exposición dedicada al artista Pepe Espaliú.Dicho taller estuvo diseñado y dirigido a estudiantes de grado de magisterio y de grado y posgrado en bellas artes conformándose como una propuesta didáctica basada en dinámicas de grupo con las cuales se favoreció la creación de vínculos con la obra del artista propuesto, con sus referentes artísticos y con otras producciones de interés para abordar cuestiones como son el cuerpo, el deseo, la enfermedad, la disidencia, la homosexualidad, el estigma, la ausencia y la soledad.A partir de una primera toma de contacto a través de un cuestionario en línea de carácter anónimo, durante la sesión en el museo se dio lugar a un intenso intercambio de experiencias, empatías y reflexiones que quedaron escritas a modo de relato y que se compartieron a través del debate reafirmando la posición de un público emancipado, autónomo y generador de contenidos mediante la proyección de su bagaje personal y cultural. Palabras clave: mediación artística, educación y museos, compromiso social, trabajo colaborativo, diversidad sexual, sida. Abstract: The present article is focused on the didactic workshop Dialogs and other absences throughout the Pepe Espaliú work performed in the IVAM museum motivated in the exposition dedicated to the artist Pep Espaliú. The aforementioned workshop was designed and addressed to Teaching Degree students, Arts Degree with the aim to be a didactic proposal based on group dynamics by which the linking between the artist; his artistic references and other interesting productions were favoured in order to discuss questions such as the body, the desire, the disease, the dissent, the homosexuality, the stigma, the absence and the solitude.After the first touch base with an anonymous questionnaire, during the session an exciting debate in which empathies and reflexions were written as a short story that was shared within the debate reinforcing the position of an emancipated public, autonomous and builder of contents by means of their own personal and cultural knowledge. Keywords: artistic education; education and museums; social commitment; collaborative work; sexual diversity, aids.http://dx.doi.org/10.7203/eari.8.10048

El presente texto forma parte de un conjunto de artículos publicados en este número en la sección dossier dedicado a museos. El artículo reflexiona en torno al papel que debe jugar el museo en la sensibilización y concienciación del público para la conservación del patrimonio histórico. A partir de la descripción y evaluación de una experiencia desarrollada con público infantil en el Museo Arqueológico de Granada, se propone la inclusión de esta línea de trabajo de la conservación preventiva en el discurso museológico y en sus desarrollos didácticos.

El Día Internacional de los Museos se celebra cada año el 18 de mayo, fecha para la cual el Museo de Historia Natural “Vera Alleman Haeghebaert”, de la Universidad Ricardo Palma organiza diversas actividades, desde conferencias para el alumnado hasta dinámicas de rigor social que involucren la difusión del conocimiento a diferentes niveles educativos. Es así que se crea la dinámica denominada “Línea de Tiempo”, con una visión educativa apoyada en el conocimiento científico y transformada en una actividad con opción a variaciones según el grado académico de las personas participantes, y que otorga accesibilidad a información sobre la historia de nuestro planeta. Recibiendo cada participante un número de imágenes de especies deflora y fauna extinta, este deberá clasificarlo en el periodo geológico correcto luego de haber recibido la explicación correspondiente en la visita al museo, reforzando así lo expuesto, creando identidad con los fósiles peruanos incluidos en la dinámica y dando a conocer la importancia de la protección de los yacimientos paleontológicos que nos permiten tener este conocimiento.

Este trabajo ha obtenido un Accésit del Premio Estudios Financieros 2016 en la modalidad de Educación y Nuevas Tecnologías. El papel y el desarrollo de los museos en el mundo contemporáneo está estrechamente ligado a las posibilidades que ofrecen las tecnologías de la información y la comunicación (TIC). En línea con la vocación educadora de las instituciones museísticas, el presente trabajo ofrece un recurso didáctico para facilitar el acceso a la información y la visualiza­ción de fondos culturales en la era digital. En el marco de esta investigación se ha crea­do el prototipo EncyCloudPrado 2016, una instalación interactiva que permite realizar búsquedas en la versión online de la enciclopedia del Museo Nacional del Prado. Los resultados aparecen proyectados en una pantalla panorámica de 360 grados a modo de dinámicos collages de sonidos, documentos e imágenes, convirtiendo la navegación por la web en una experiencia espacial. El objetivo de este estudio consiste en analizar el grado de aceptación por parte de la generación Z del uso de instalaciones interactivas en entornos inmersivos como posibles herramientas de aprendizaje. Asimismo, se valorará si este tipo de iniciativas supone un acicate para atraer a un mayor número de visitantes a los museos y favorecer el acceso a sus fondos.

Las redes sociales y otras tecnologías digitales basadas en la interacción tienen una fuerte incidencia en el desarrollo de la sociedad actual. En el ámbito de las instituciones culturales su incursión ha supuesto la digitalización de diversos procesos, siendo la comunicación continua con los usuarios uno de los más relevantes. La comunicación digital se ha generado a partir del arraigo de plataformas y aplicaciones que hacen posible nuevas experiencias de interacción social. Redes sociales como Facebook , Twitter o Instagram ponen énfasis en la interacción a través de mecanismos intuitivos, las relaciones interpersonales y el sentido de participación en comunidad, por tanto, desarrollar comunidades en línea pasa precisamente por apoyarse en estas plataformas. Los museos y demás instituciones culturales de todo el mundo han desarrollado recursos digitales y espacios activos en redes sociales mediante los cuales han conseguido resultados relevantes de comunicación hacia su público frecuente y nuevas audiencias hasta ahora no habituales de dichos espacios. Centrarse en el usuario ha sido, es y será fundamental.

El arte urbano debe su nombre no solo a su contexto sino a una forma de actuar sin límites. Son los artistas los que, sin sentirse evaluados y en una necesidad de romper con el orden establecido por la industria cultural, tomaron la calle masivamente en los años 90 del siglo pasado. Tres décadas después de esa eclosión, se reconoce como una tendencia artística popular en la que destacan grandes figuras, que se han dado a conocer a través de las redes sociales. Asimilado, transformado y alentado por festivales y a través del apoyo institucional, las obras aumentan de tamaño y las pequeñas producciones situadas al alcance de la mano se convierten en enormes fachadas alejadas de la línea de calle, despegándose de otras tipologías artísticas más minoritarias que siguen en su ámbito popular y cercano a la vida de los barrios. El arte de contexto, urbano y oficial, conquista nuevos escenarios y se ramifica en posibilidades. En ese cambio de consentimiento y propiedad, de pertenecer a la calle y pasar a la galería o a los museos, se combinan y reclaman opciones para ser reconocido como patrimonio. Y mientras tanto, sigue conquistando nuevos escenarios virtuales, se convierte en 3D o en realidad virtual y en un mercado de criptomonedas. El reto para los profesionales de la conservación-restauración está en adaptarse a nuevas fórmulas de protección que impliquen necesariamente un conocimiento profundo de las propuestas y el registro ordenado y de acceso público de las obras. Quizá pronto lo veamos documentado en los museos a través de registros de arte actual, cuando el arte de contexto sea reconocido como un periodo dentro de la historia del arte, cuando sea aceptado como patrimonio que surgió entre dos siglos.

Estudios geológicos y paleontológicos realizados en Centroamérica desde el año 2012, han generado una importante discusión sobre el tema del proceso geológico que dio origen a Centroamérica y en consecuencia la conexión entre América del Norte y América del Sur, lo cual afecta una serie de teorías importantes desde el punto de vista biológico. A finales del año 2015, se divulgó en círculos académicos de Honduras una investigación poco conocida sobre el único fósil de dinosaurio de Centroamérica, descubierto en Honduras en 1971. A partir de esta información se realizó una amplia revisión bibliográfica con el objetivo de documentar reportes históricos de fósiles asociados a ecosistemas de dinosaurios en Honduras. La revisión documental se realizó en bibliotecas nacionales, el Archivo Nacional de Honduras, bibliotecas virtuales y bases de datos de colecciones en línea de museos de Estados Unidos, consultas vía correo electrónico y recolección de testimonios orales en localidades en el país. Entre los hallazgos relevantes se identificó registros de flora jurásica en Honduras y un reporte histórico de un posible fósil de dinosaurio. Por la relevancia científica que habría tenido la confirmación de este fósil de dinosaurio en Honduras, podría valorarse como uno de los registros fósiles más importantes de Centroamérica.Revista Ciencia y Tecnología No.20, junio 2017; 29-49

El conocimiento sobre la distribución de la mayoría de las especies es incompleto y fragmentado, debido a la falta de registros en colecciones científicas u observaciones fidedignas, como esel caso del oso negro americano (Ursus americanus) particularmente al NO de México. El objetivo fue recuperar datos históricos y actuales de ocurrencia de la especie en la ecorregión de la Sierra Madre Occidental y las Islas del Cielo. Se recopilaron registros de diversas colecciones y museos (nacionales y extranjeras), estudios históricos y actuales (artículos científicos, informes, tesis, reportes sin publicar) e informantes clave. Se obtuvieron 88 registros (10 ♂, 10 ♀, 68 sexo indeterminado) en un periodo de 120 años (1890-2010). De colecciones científicas se obtuvieron 54 registros, 29 fueron obtenidos de la literatura y cinco de informantes confiables. La mayoría de los registros se ubicaron espacialmente dentro de cinco Áreas Naturales Protegidas y seis Regiones Terrestres Prioritarias. Los Estados de Chihuahua y Sonora contaron con más registros, colectados en el período de 2001-2010; para los periodosde 1921-1930 y 1941-1950 no se obtuvieron registros. El bajo número de registros obtenidos es reflejo de la falta de estudios a lo largo de la distribución de la especie en México, y la carencia de reportes formales sobre avistamientos, capturas o muertes de los animales a nivel local. El presente trabajo contribuye sustancialmente a identificar y examinar los vacios geográficos de información respecto a la especie, funcionando como línea base para la toma de decisiones, principalmente para aplicar técnicas y métodos que ayuden a seleccionar sitios prioritarios para su conservación. Es imperante reconocer la necesidad de implementar estrategias de manejo y conservación de la especie, a fin de poder mantenerla a largo plazo en nuestro país.

Introducción “¿Tenéis, pues, un alma vosotros objetos inanimados?” Abraham Moles, 1990 Desde tiempos remotos, las esculturas de El Buddha1 han estado presentes en templos buddhistas y altares de Asia como símbolo de guía espiritual, sin embargo, en los últimos treinta años creció el interés en Occidente donde se lo concibe como una pieza decorativa dentro de diversos espacios (DW Español, 2013) En la Galería de Arte de Berlín, que posee esculturas de El Buddha de aproximadamente 1000 euros, Jürgen Hunke, (en DW Español, 2013) comerciante de figuras de El Buddha, sostiene que muchos clientes no son buddhistas pero sienten una afinidad espiritual que los invita a adquirir las piezas. De igual manera manifiesta que lo importante dentro de la religión buddhista no es la religión en sí misma, sino la filosofía y forma de pensar que ésta abarca. Como consecuencia, El Buddha se ha convertido en un accesorio de moda que tiene presencia en vidrieras de galerías, tiendas y espacios de decoración que ofrecen diversas formas y colores del mismo (DW Español, 2013). En lo que refiere a las figuras del manekineko2 , éstas son muy populares en Japón pero también se hacen notar dentro de la cultura china, de ahí que surja la confusión con respecto a su origen. Kuo, directora de la Asociación Chino-Argentina (comunicación personal, marzo 2014) sostiene que el manekineko no tiene su origen en la cultura china, incluso no aparece dentro de su mitología, atribuyéndoselo a la cultura japonesa. Asimismo, el manekineko también ha estado presente en templos japoneses como símbolo de buena suerte y bienaventuranza. Estas esculturas religiosas y engimonos3 , en el caso del manekineko, conviven dentro de una serie de creencias que han estado en constante crecimiento, llegando a verse plasmadas en el campo artístico Producto del rápido crecimiento de los mercados y de la necesidad de consumo, el valor simbólico de los objetos de culto y populares se resemantizan. De este modo, se reorganizan los factores inherentes a estos objetos como el arte, el conocimiento y la cultura dentro de condiciones semejantes, para evidenciarse que la pérdida de tal valor no reside en el objeto mismo sino en “la pretensión de unos y otros de conformar universos autosuficientes” (Canclini, 2001, p. 39) El mercado de consumo masivo responde a las necesidades del consumidor que buscan que ser satisfechas por productos estándar, es decir, aquellos productos iguales para la sociedad y que pierden su identidad debido a la alta participación en la industria cultural de millones de personas. Sin embargo, la imposición de métodos de reproducción trae como consecuencia un contraste técnico entre los centros de producción que da origen a los llamados objetos clichés. Tales objetos surgieron en un momento donde existía un comienzo de la necesidad de consumo y es por esta razón que fueron abrazados sin ninguna objeción (Adorno, 1988) En un mercado de cultura de masas donde se mercantiliza la religión, el sujeto alcanza cierta apropiación con el objeto que va más allá de lo físico. Löbach (1981), comenta que el objeto simbólico está determinado por factores psíquicos, sociales y espirituales, dando a entender que si el objeto está conectado a la persona, este le traerá recuerdos sobre una creencia determinada, a lo que Canclini (2001) sostiene que tales recuerdos no son reprimidos en su totalidad. Sin embargo, pueden considerarse sin importancia dentro de la sociedad consumista. Como consecuencia, “la producción no sólo produce, pues, un objeto para el sujeto, sino un sujeto para el objeto. En efecto, la producción produce, por lo tanto, el objeto de consumo, el modo de consumo y la tendencia de consumo”4 (Marx en El Kitsch, 1990). De esta manera, para entender el sentido de la hibridación cultural sobre los objetos manekineko y El Buddha es necesario crear escenarios de investigación que permitan responder las preguntas: ¿por qué el manekineko y El Buddha se resignifican?, ¿buscan cumplir una nueva función decorativa conjugada con el valor simbólico? y ¿cómo influye la hibridación cultural en su consumo? En definitiva, los interrogantes anteriores se inscriben dentro de la siguiente pregunta guía: ¿Qué sentido tiene el consumo del manekineko y El Buddha en las tiendas de diseño de Palermo en la Ciudad de Buenos Aires? De este modo, esta Tesis busca perseguir varios objetivos para comprobar si el manekineko y El Buddha son resemantizados en el marco de un modelo de consumo neoesotérico en tanto objeto de diseño en las tiendas de diseño de Palermo de la Ciudad de Buenos Aires. Es importante resaltar que en el desarrollo de esta Tesis, el manekineko y El Buddha resemantizados en Palermo, son entendidos como objetos de diseño por sus acabados, prolijidad y carácter de innovación que los diseñadores de Palermo le otorgan. Asimismo, estos objetos exceden lo decorativo gracias a que no se los ha lavado completamente de sentido. Como objetivo general se analiza la hibridación cultural y la resemantización en el consumo del manekineko y El Buddha en las tiendas de diseño de Palermo. Del mismo modo, se proponen cuatro objetivos específicos. En primer lugar se explica el valor de los objetos manekineko y El Buddha en la cultura Oriental. En segundo lugar, se identifican las principales creencias que promueven el consumo de los mismos en dichas tiendas, y a su vez, se identifica la forma en que son consumidos el manekineko y El Buddha en las tiendas de diseño de Palermo. Y finalmente, se analiza la función decorativa asociada a los objetos manekineko y El Buddha en las tiendas de diseño de Palermo Planteado todo este panorama, esta tesis está configurada bajo cuatro ejes temáticos del conocimiento. Estos ejes han sido estudiados desde diferentes puntos de vista en instituciones de distintas partes del mundo El primero de ellos se refiere al consumo cultural. Autores como Adorno (1988), Bourdieu (2010) y García Canclini (1993) han constituido los pioneros en el abordaje de este concepto en un plano internacional. Posteriormente, tales teorías han sido retomadas por autores como Ayala (2004), Beng-Huat (1998), Clammer (1997), De La Torre (2006), Howes (1996), Lash y Urry (1998) y Vargas (2013). Desde una mirada que hace hincapié en lo simbólico y Oriental de la temática, se cuentan con los aportes de Wattanasuwan (2005) y por último, en el caso de los consumos culturales en Argentina, se cuentan con los aportes de Wortman (2007) y Bayardo (2012). Así pues, para esta Tesis es necesario poner en relevancia los trabajos de Wortman (2007) y Bayardo (2012) y Wattanasuwan (2005), por su proximidad con el objeto de estudio Wortman (2007) y Bayardo (2012) analizan los consumos culturales de los últimos treinta años en Argentina, considerándose como medios culturales destacados los museos, teatros, impresos, espectáculos, objetos, entre otros. Los autores concuerdan con la tesis de García Canclini (1993) en que los consumos culturales contribuyen al entendimiento de procesos más amplios en el área política y social apareciendo de forma inherente las subjetividades, las identidades colectivas y la elaboración simbólica de diferencias y desigualdades en la contemporaneidad. Este consumo cultural moviliza valores de uso simbólico de los objetos que forman parte de la economía de consumo. Estos valores de uso simbólico de los objetos parecen haber tomado una relevancia significativa como tendencia para la proliferación del consumo cultural Desde una perspectiva oriental, Wattanasuwan (2005) sostiene que el consumo cultural simbólico no sólo crea un vínculo con el sujeto que lo consume, sino que le da un estatus dentro de la sociedad en la que se desenvuelve. Esta visión está anclada a sistemas idiosincráticos culturales que tienen un significado. El autor coloca de ejemplo la utilización de sobres de reciclaje, lo cual se interpreta como que el sujeto se preocupa por el medio ambiente, dando a entender que independientemente de si es un consumo consciente o inconsciente, éste será un consumo impregnado de significado. En esta línea de la relación del consumo con el estatus se inscribe la obra de Bourdieu (2010) Siguiendo esta línea, el segundo de los ejes del conocimiento corresponde a la resemantización. Este concepto ha sido abordado desde una perspectiva más teórica por autores como Barthes (1970), Baudrillard (1997), Bürger (1991), Greenberg (2002) y Zecchetto (2011). Con respecto a casos de estudio enfocados particularmente en lo Oriental, se cuentan con los aportes de Miller (2010) y Quintana (2012). También se ha abordado desde una mirada simbólica por autores como Felber (1999), Sánchez Guevara (2010), Cid Jurado (2002), Romero (2012) y Serventi (2011). En lo que refiere a la resemantización en el consumo, se cuentan con los aportes de Bautista López (2008), y por último, en el plano de la resemantización en lo religioso y las creencias, han escrito autores como De La Torre (2006) y Frigerio (2013) Es preciso relevar específicamente los trabajos de Serventi (2011), Romero (2012), Quintana (2012) y Bautista López (2008). La importancia de estos trabajos nace en su aproximación a los objetos de estudio dentro de esta Tesis por lo que sirven de guía para entender la interacción de los objetos de estudio con el sujeto y su resemantización Serventi (2011), retoma el ideal conceptual de la tesis de Wattanasuwan (2005), sosteniendo que los objetos, al tener una interacción con el sujeto, pueden ser considerados objetos simbólicos dando a entender que estos son vistos como signos. Cuando esto ocurre, se da paso a una asignación de valores simbólicos, indiciales o icónicos a ciertas cualidades que el objeto muestra en su aspecto, dando pie a la aparición de posibles juicios estéticos, cambiando el sentido del objeto Vistos los objetos como signos, éstos ganan a su paso una energía única y una simbología, donde el valor histórico es lo que, finalmente, tiene importancia. Por ello, Romero (2012) sostiene que las circunstancias de espacio-tiempo construyen el significado y el valor de los objetos simbólicos, pudiendo resemantizarse. La relación consumidor-objeto ha determinado el papel de lo superficial en la vida cotidiana de la sociedad, desde objetos cargados de poderes místicos/religiosos como aquellos de ideas e identidad Dentro de la línea de lo Oriental, la relación consumidor-objeto, en la antigüedad, obedecía a la preconcepción de funcionalidades definidas impuestas a los objetos, por tal razón Quintana (2012) sostiene cómo un sector específico, el otaku5 , construye las imágenes de la realidad a través de la significación de lo kawaii6 . Esta construcción contemporánea hace que los valores históricos de estos objetos se transformen para crear una relación mucho más personal que trasciende a un plano totalmente subjetivo. Acá es donde se potencia un discurso, una forma de pensar, dejando de lado el valor histórico que pueda contener. Bautista López (2008), desde el enfoque del consumo, sostiene que si bien todos los objetos son simbólicos, éstos han sido gestados desde un proceso de divergencia que en determinado punto da como resultado un objeto externo al proceso de creación, es decir, aquel que se mercantiliza y se resemantiza por el mundo, convirtiéndose en mercancía aunque su carga simbólica no desaparezca Ahora bien, el tercer eje del conocimiento corresponde a la hibridación cultural. Es preciso mencionar a varios autores que han escrito sobre el tema: Autores como Ackermann (2012 en Stockhammer, 2012), Anderson (1998), García Canclini (2001), Giménez (2009), Kraidy (2002), Cornejo Polar (2003), Stockhammer (2012) y Aguirre Romero (2009) han abordado este concepto desde una esfera internacional y anclados al ideal de la transformación de las prácticas culturales para adaptarse a nuevas estructuras. En cuanto a la hibridación cultural en Argentina, se cuentan con los aportes de Carman (2006), y por último, en el plano de lo Oriental, han escrito autores como Ching (2000). Estas teorías fueron retomadas posteriormente en los trabajos de Iwabuchi (2002) En particular para esta Tesis, se releva el trabajo de Iwabuchi (2002) debido a que aborda la hibridación cultural desde lo Oriental con relación a Occidente. Es preciso señalar que el concepto de hibridación está circundado por el esencialismo y el absolutismo étnico, siendo la hibridación una especie de tercer espacio que funciona como punto de encuentro para que estas estructuras separadas puedan unirse en un todo. Iwabuchi (2002) lo llama un esencialismo fluido, que funciona como esponja para absorber todo tipo de información posible (Iwabuchi, 2002) Los estudios anteriores muestran quiénes han escrito sobre los primeros tres ejes del conocimiento en los cuales se inscribe esta Tesis. En el cuarto y último eje ha resultado determinante profundizar en la construcción de marcos interpretativos de movimientos sociales y religiosos en el ámbito de la religiosidad popular, específicamente en el new age y el consumo neoesotérico7 . Estas temáticas se han constituido como pieza clave dentro de esta Tesis, siendo abordadas por autores como: Barker (1992), Champion (1995), Ellwood (1992), Heelas (1996), Melton (1990) y Pels (1998) que se han constituido como unos de los pioneros en el abordaje de este concepto en un plano internacional. Estos aportes han sido retomados por otros autores internacionales como Merlo (2007) y Mora (2001). En el caso de latinoamerica por De La Torre (2001) y Zúñiga (2005) y, particularmente en Argentina por Carozzi (1999), Ceriani (2013), Frigerio (2008), Otamendi (2008), Otto (1985), Semán (2005), Semán y Battaglia (2012) y Viotti (2011) Uno de los trabajos relevantes para esta Tesis es el de Carozzi (2000) ya que aborda los nuevos movimientos religiosos dentro de la Ciudad de Buenos Aires. Carozzi busca responder cómo el new age llega a imponer entre sus adeptos nuevas representaciones para el cambio colectivo. Destaca que los individuos tienen una práctica transformadora consigo mismos centrándose en la transformación espiritual y desligándose de las presiones sociales o culturales Lo interesante de la tesis de Carozzi (2000) es la forma en que se relaciona con todo el ecosistema de ejes temáticos descritos anteriormente. Tal parece que las personas enfrentan una era de constante transformación en la que se apropian de los objetos, los impregnan de un nuevo sentido y se concentran en purificar su yo interior. Existen otros estudios que específicamente han abordado el consumo de objetos japoneses en otros países y que también han servido para nutrir esta Tesis, destacándose los autores: Toyoshima (2011), Huang (2011), Iwabuchi (2002), Botz-Bornstein (2009) y Taylor (2007). Puntualmente, es necesario poner en relevancia el trabajo de Toyoshima (2011), que busca ilustrar el consumo de los productos culturales japoneses en Tailandia a través de etnografías y datos empíricos. También se centra en explicar cómo y por qué la juventud tailandesa tiene una actitud positiva hacia los productos culturales japoneses concluyendo que el desarrollo social y económico de Asia, incluyendo Tailandia, es el factor clave en el rápido aumento en el consumo de los productos culturales japoneses A partir de lo expuesto, esta Tesis propone un cruce teórico novedoso de cuatro ejes temáticos anclados a dos objetos orientales. La elección de estos dos objetos en particular está sujeta a la comparación ineludible que se genera entre ambos al provenir de culturas y sociedades diferentes, pero que se comercializan con mayor volumen en las tiendas los pioneros en el abordaje de este concepto en un plano internacional. Estos aportes han sido retomados por otros autores internacionales como Merlo (2007) y Mora (2001). En el caso de latinoamerica por De La Torre (2001) y Zúñiga (2005) y, particularmente en Argentina por Carozzi (1999), Ceriani (2013), Frigerio (2008), Otamendi (2008), Otto (1985), Semán (2005), Semán y Battaglia (2012) y Viotti (2011) Uno de los trabajos relevantes para esta Tesis es el de Carozzi (2000) ya que aborda los nuevos movimientos religiosos dentro de la Ciudad de Buenos Aires. Carozzi busca responder cómo el new age llega a imponer entre sus adeptos nuevas representaciones para el cambio colectivo. Destaca que los individuos tienen una práctica transformadora consigo mismos centrándose en la transformación espiritual y desligándose de las presiones sociales o culturales Lo interesante de la tesis de Carozzi (2000) es la forma en que se relaciona con todo el ecosistema de ejes temáticos descritos anteriormente. Tal parece que las personas enfrentan una era de constante transformación en la que se apropian de los objetos, los impregnan de un nuevo sentido y se concentran en purificar su yo interior Existen otros estudios que específicamente han abordado el consumo de objetos japoneses en otros países y que también han servido para nutrir esta Tesis, destacándose los autores: Toyoshima (2011), Huang (2011), Iwabuchi (2002), Botz-Bornstein (2009) y Taylor (2007). Puntualmente, es necesario poner en relevancia el trabajo de Toyoshima (2011), que busca ilustrar el consumo de los productos culturales japoneses en Tailandia a través de etnografías y datos empíricos. También se centra en explicar cómo y por qué la juventud tailandesa tiene una actitud positiva hacia los productos culturales japoneses concluyendo que el desarrollo social y económico de Asia, incluyendo Tailandia, es el factor clave en el rápido aumento en el consumo de los productos culturales japoneses A partir de lo expuesto, esta Tesis propone un cruce teórico novedoso de cuatro ejes temáticos anclados a dos objetos orientales. La elección de estos dos objetos en particular está sujeta a la comparación ineludible que se genera entre ambos al provenir de culturas y sociedades diferentes, pero que se comercializan con mayor volumen en las tiendas específicos propuestos por esta Tesis Para finalizar esta introducción, es preciso reafirmar lo que se sostendrá a lo largo de la Tesis. En los fenómenos de hibridación cultural, resemantización y new age que llevan al consumo del manekineko y El Buddha, el diseño actualiza los valores y justifica identificaciones en las personas que buscan respuestas a problemas de la vida cotidiana en objetos que se les atribuyen poderes mágicos. Con esta Tesis, se espera contribuir a la reflexión sobre el consumo de objetos que participan, a través de la mercantilización de las religiones, en el contexto de las transformaciones actuales de la sociedad de consumo, del cual, los diseñadores forman parte como productores creativos dentro de esta oferta neoesotérica en constante crecimiento. Notas 1. Es importante aclarar que junto al artículo determinado y en mayúscula, se usa para referirse al príncipe Siddharta Gautama, fundador de la religión buddhista; a diferencia de la palabra ‘buddha’ que hace referencia a cualquiera que haya alcanzado el estado de la iluminación (Mestanza en López, 2009) 2. Gato de la suerte o gato que invita a pasar (Pate, 2011) 3. Amuleto japonés de la buena suerte (Pate, 2011) 4. Texto original: Grundisse: “Production thus produces not only the object but also the manner of consumption, not only objectively but also subjectively. Production thus creates the consumer” (Marx, 1857) 5. Fanático occidental de los productos visuales y culturales japoneses: manga, animé, TV, música (Quintana, 2012) 6. La palabra kawaii (en japonés: かわいい), se refiere a lo que es adorable o que puede ser amado. Lo kawaii engloba la calidad de la ternura en la cultura japonesa (Botz-Bornstein, 2009) 7. Conformación de una red de mercado que ofrece objetos con cualidades mágicas y poderosas derivadas de religiones tradicionales diferentes: buddhismo, espiritismo, brujería, entre otros, donde se sigue un patrón de consumo enfocado en la búsqueda de soluciones mágicas a los problemas de la vida cotidiana: amor, trabajo, relaciones interpersonales, salud (De la Torre, 2008) Este tipo de consumo cultural fomenta la conexión y la identificación con objetos como el manekineko y El Buddha, donde se resalta el valor simbólico frente al valor de uso y de cambio, conjugándose. (Canclini, 1993).