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Zeitschriftenartikel zum Thema „Documentaires musicaux“
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Costa, Manuela Areias. „A Sociedade Musical União XV de Novembro como Patrimônio Cultural: da prática musical ao arquivo vivo“. LaborHistórico 8, Nr. 1 (20.09.2022): 87–107. http://dx.doi.org/10.24206/lh.v8i1.46743.
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Este artigo propõe reflexões sobre a importância do reconhecimento e salvaguarda das bandas de música brasileiras como patrimônio cultural por meio de uma pesquisa sobre a trajetória da centenária banda da Sociedade Musical União XV de Novembro, localizada no município de Mariana-MG. As sociedades musicais, além de serem protagonistas na produção musical de muitas cidades, desempenham um papel de guardiãs de memórias relacionadas à tradição popular, contribuindo para a formação e afirmação da identidade musical no país. O patrimônio da Sociedade Musical União XV de Novembro é constituído por acervo de partituras, instrumentos musicais, fotografias, estatutos e atas de reuniões, memória de seus músicos e saberes e práticas musicais transmitidos para gerações, reproduzindo e (re)inventando uma tradição comunitária. A banda é uma entidade viva e atuante e, as memórias de seus maestros e músicos, detentores dos saberes de uma cultura musical, bem como seus documentos musicais e musicográficos expressam um patrimônio cultural que precisa ser valorizado, registrado, divulgado e preservado. Em termos teóricos e metodológicos, analisamos uma vasta bibliografia sobre bandas de música e patrimônio cultural e variadas fontes documentais que englobam jornais, relatos de memorialistas, partituras musicais, fotografias e documentos administrativos encontrados no acervo documental da banda União XV de Novembro.
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Dall’Ara-Majek, Ana. „Le trésor de la langue de René Lussier : documentation d’un voyage, de la quête linguistique au débat politique“. Circuit 28, Nr. 3 (03.01.2019): 71–86. http://dx.doi.org/10.7202/1055196ar.
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Chef-d’oeuvre du compositeur et musicien René Lussier, Le trésor de la langue s’articule autour de trois axes : l’approche musicale et linguistique fait état de la particularité de l’oeuvre à transcrire instrumentalement la voix parlée tout en la réorchestrant dans des styles musicaux variés ; l’approche documentaire se focalise sur le récit du voyage du compositeur entre Montréal et Québec, et offre un témoignage de l’oeuvre en train de se faire ; enfin l’approche historique fait le lien entre la documentation collectée et agencée par le compositeur, et les enjeux historiques et politiques qui s’en dégagent, remettant sur le devant de la scène les événements marquants du xxe siècle, notamment le débat sur la souveraineté et l’épineuse question identitaire au Québec.
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Pellerin, Agnès. „Représentations cinématographiques du passé colonial portugais : enjeux musicaux dans le film Fantômes d’un Empire (2020)“. História: Questões & Debates 70, Nr. 1 (28.02.2022): 118. http://dx.doi.org/10.5380/his.v70i1.82752.
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Les héritages coloniaux qui ont marqué l’histoire des grandes puissances mondiales et celle des anciennes colonies font aujourd’hui l’objet de nombreux débats de société mobilisant les historiens. Le cinéma, que ce soit à travers des créations fictionnelles ou un travail plus documentaire, questionne lui aussi les tensions entre passé et présent, entre histoire officielle et mémoire, entre imaginaires collectifs et expériences individuelles, contribuant à reconfigurer et à complexifier les identités actives au sein des Etats-nations.C’est ce dont témoigne le film documentaire d’Ariel de Bigault Fantômes d’un Empire (2020), qui questionne les imaginaires cinématographiques suscités par l’histoire coloniale du Portugal, des années 1920 jusqu’à aujourd’hui. L’objectif du présent article est de montrer comment la dimension musicale particulièrement importante de ce documentaire, qui vient rythmer le dialogue entre hier et aujourd’hui, subvertit les réifications temporelles et joue ici le rôle d’un « dispositif d’alerte » essentiel à tout film historique, travaillant sans cesse les articulations entre présent et passé, tout en prenant garde de ne jamais combler ces écarts temporels (LINDEPERG). La musique permettant ici de questionner certains enjeux des approches « postcoloniales » - le préfixe « post » n’étant pas seulement entendu dans un sens historique mais comme angle d’analyse d’une situation contemporaine pensée comme l’héritière d’une situation coloniale.
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Micheau, Béatrice, Marie Després-Lonnet und Dominique Cotte. „La recommandation musicale entre inscriptions documentaires, pratiques sociales, et dispositifs d’écoute“. Études de communication, Nr. 49 (01.12.2017): 33–56. http://dx.doi.org/10.4000/edc.7014.
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Nejmeddine, Mafalda S. „Os órgãos do Mosteiro de Santa Clara de Vila do Conde: construção, manutenção e repertório“. Opus 28 (29.12.2022): 1–20. http://dx.doi.org/10.20504/opus2022.28.24.
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Parte da atividade musical desenvolvida no passado nos mosteiros portugueses é comprovada por partituras que outrora se destinaram a tais locais de culto. É o caso da partitura de um Miserere, da autoria de António da Silva Leite, cujo estudo demonstrou terem existido vários órgãos e uma prática regular de música no Mosteiro de Santa Clara de Vila do Conde. A partir da pesquisa de obras musicais com órgão compostas para este mosteiro e de pesquisas documentais sobre o respetivo período de composição, revelam-se novas informações relacionadas com o repertório e com a construção, manutenção e percurso dos órgãos que fizeram parte do mosteiro vila-condense nos séculos XVII, XVIII e XIX.
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Moreira, Fernando Alberto Torres, und Humberto Rodrigues Júnior. „A ESTÉTICA MUSICAL JOANINA: UM ESTUDO DAS INFLUÊNCIAS DAS COMPOSIÇÕES DE MARCOS PORTUGAL, NUNES GARCIA E SIGISMUND NEUKOMM NO PERÍODO JOANINO NO BRASIL“. ERAS | European Review of Artistic Studies 11, Nr. 4 (30.12.2020): 73–96. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v11i4.11.
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As características da estética musical de obras dos compositores do período joanino, na atualidade, tem sido um importante fator para uma interpretação histórica fundamentada. O presente trabalho tem como objetivo o estudo e análise da estética estilística de três dos principais compositores do período joanino brasileiro de 1808 a 1822. Com base em dados biográficos e documentais dos compositores José Maurício Nunes Garcia, Marcos Portugal e Sigismund Neukomm, bem como, suas respectivas obras, são possíveis de se averiguar as diferenças e semelhanças estruturais e estéticas dentre os compositores. Para tal exame, levam-se em conta suas formações musicais e o contexto histórico em que cada compositor se inseriu. O estudo dos artistas abordados é de grande importância para uma melhor compreensão do período joanino, bem como, para toda a música brasileira pós-joanina.
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Gabriel, Ana Paula Dos Anjos. „J. S. Bach em português: a escolha textual de Furio Franceschini e Martin Braunwieser para a Johannespassion BWV 245“. OPUS 24, Nr. 3 (20.12.2018): 293. http://dx.doi.org/10.20504/opus2018c2412.
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A realização de performances em português de música coral estrangeira era prática bem estabelecida na cidade de São Paulo do início do século XX à década de 1960. Entretanto, as traduções caíram em progressivo desuso ainda na segunda metade do século XX, constituindo atualmente um repertório pouco discutido pelos estudos de performance e práticas interpretativas no Brasil. Nesse contexto, este artigo faz uma discussão crítica a respeito da presença de traduções para o português de obras corais nas práticas musicais brasileiras do século XX, a partir de performances em português da Johannespassion BWV 245, de Johann Sebastian Bach, feitas por Furio Franceschini e Martin Braunwieser em São Paulo entre as décadas de 1940 e 1960. Referenciada na história da performance musical enquanto campo, nossa discussão é fundamentada em um conjunto de fontes documentais relacionadas aos concertos e em bibliografia composta por Mahraun (2016), Stauffer (1997), Goehr (1992) e Doyle (1980). Tanto a investigação bibliográfica quanto a investigação documental mostram que o uso de traduções foi uma escolha interpretativa diretamente relacionada à concepção de obra dos próprios maestros, como também a tradições de performance desse repertório provenientes da Europa e das conjunturas culturais e políticas de âmbito local. Em última análise, este artigo evidencia a presença desse repertório em São Paulo, sua importância histórica, seu valor artístico e suas aplicações práticas, a despeito de um contexto de crescente autoridade da obra musical sobre as práticas musicais dos séculos XX e XXI.
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Henriques, Luís. „Património musical na Catedral de Angra no século XVII: três livros de polifonia vocal sacra e o seu possível contexto“. Herança 2, Nr. 2 (30.01.2020): 69–82. http://dx.doi.org/10.29073/heranca.v2i2.161.
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A Catedral de Angra foi, desde a sua fundação em 1534, um importante centro musical na ilha Terceira e no arquipélago dos Açores. Embora a sua atividade musical não seja conhecida em detalhe, várias referências documentais sugerem que esta seria pelo menos próxima das catedrais do continente português. Um dos testemunhos documentais é a existência na Catedral de três livros de coro impressos de polifonia vocal sacra de dois dos mais conhecidos compositores portugueses da primeira metade do século XVII: Duarte Lobo e Fr. Manuel Cardoso. O período em que estes livros foram impressos (1605, 1613 e 1621) foi marcado por agitação na cidade de Angra durante a ocupação espanhola. Simultaneamente, a construção da nova Catedral durou quase um século, perturbando a sua atividade litúrgico-musical regular. Partindo dos três livros de polifonia existentes, o presente estudo analisa o património musical da Catedral durante a primeira metade do século XVII e a sua ralação com o seu contexto circundante.
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Sousa, Ana Claudia Medeiros de, und Bernardina Maria Juvenal Freire de Oliveira. „A escrita de si como prática de mediação cultural: registros de memória e identidade nas redes sociais do Quinteto da Paraíba“. Informação@Profissões 9, Nr. 2 (17.12.2020): 20. http://dx.doi.org/10.5433/2317-4390.2020v9n2p20.
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Introdução: Trata-se de um fragmento da pesquisa que teve como objeto de estudo os itens documentais advindos da produção musical do Quinteto da Paraíba. Objetivo: Esta pesquisa teve como objetivo analisar como a escrita de si favorece a mediação cultural dos aspectos identitários e memorialísticos representativos do Quinteto da Paraíba a partir dos vestígios disponíveis nos dispositivos de comunicação da web social. Metodologia: Se configura como pesquisa documental de natureza qualitativa e está fundamentada nos aspectos conceituais da Escrita de si, da Mediação cultural, da Memória e da Identidade, uma vez que entende-se nesta pesquisa a escrita de si como prática seletiva da produção de si e dos objetos materiais que constituem a memória de seu produtor. Resultados: Nos dados levantados foram analisadas informações das práticas musicais do Quinteto da Paraíba divulgadas no site do Grupo e nas suas redes sociais, como Facebook e Instagram. Conclusões: Conclui-se que as redes sociais do Quinteto da Paraíba se configuram como dispositivos que registram práticas de escrita de si na contemporaneidade e de mediação cultural do Grupo ao apresentar seus traços memorialísticos e identitários. Tais dispositivos transparecem a produção musical do Quinteto da Paraíba em tempo real, aumentam as possibilidades de divulgação da agenda de concertos, registram fatos significativos para constituição da memória do Grupo, portanto, sua autoimagem, a qual está alinhada aos traços identitários do Nordeste brasileiro.
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Persone, Pedro. „A aurora do (forte)piano“. Per Musi, Nr. 20 (2009): 22–33. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992009000200004.
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Este artigo revisita a aurora do fortepiano, instrumento que se tornaria ponto de convergência no fazer musical de fins do século XVIII até meados do XX, e apresenta referências documentais sobre o início da invenção da mecânica de Bartolomeo Cristofori, bem como documentações de outros projetos não Cristoforianos.
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Souza, Carla Delgado de. „Brasil em pauta“. Revista de Antropologia da UFSCar 4, Nr. 1 (01.06.2012): 67–85. http://dx.doi.org/10.52426/rau.v4i1.63.
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Este artigo tem como objetivo analisar um tipo de pedagogia musical desenvolvido no Brasil em âmbito nacional: o canto orfeônico. Implementado durante os anos 1930 por Heitor Villa-Lobos, o canto orfeônico foi uma disciplina curricular das escolas públicas brasileiras com vistas a desenvolver noções de disciplina, civismo e educação artística em crianças e adolescentes. Tendo como eixo central desta reflexão o teor nacionalista e civilizatório dessa prática pedagógica, presente em todo o processo desse ensino musical, são analisados tanto o processo de ensino-aprendizagem quanto o repertório musical da disciplina. Para tanto, utilizo o material escrito por Villa-Lobos, entre os vários artigos, livros didáticos, relatórios e demais fontes documentais, pertencentes aos arquivos do Museu Villa-Lobos.
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Penna, Maura, und João Valter Ferreira Filho. „Os limites das fontes documentais: do samba enredo da Mangueira 2019 ao discurso oficial sobre o canto orfeônico“. OPUS 25, Nr. 3 (11.12.2019): 602. http://dx.doi.org/10.20504/opus2019c2527.
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Este trabalho consiste em um ensaio científico elaborado a partir de pesquisas bibliográficas e documentais e que procura analisar questões envolvidas no uso de fontes documentais em pesquisas musicais e educacionais de caráter histórico. Partindo do questionamento ao status de fidedignidade absoluta frequentemente conferido aos documentos históricos, é discutido como mesmo fontes autênticas e legítimas estiveram expostas a toda sorte de influências externas – mais notadamente aquelas relacionadas aos aspectos políticos e ideológicos próprios do contexto de sua produção, divulgação e atualização. Tais influências afetam o teor dos dados constantes naqueles documentos, até mesmo determinando-os, de modo a sustentar e legitimar uma dada interpretação dos acontecimentos. Com base em uma série de exemplificações a partir de pesquisas diversas sobre temas da área de música, particularmente a experiência do canto orfeônico na Era Vargas, analisa-se como narrativas são elaboradas com base em fontes documentais, construindo um discurso oficial que não contempla a complexidade dos acontecimentos históricos e que exclui interpretações divergentes. A conclusão aponta para a necessidade de maturidade e esforço investigativo por parte do pesquisador, para que possa contextualizar as fontes com que trabalha, procurando sempre tanto questionar as condições de sua produção como compreender a lógica das diversas interpretações de seu conteúdo, assim como sua função na construção das narrativas históricas.
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Almeida, Carla, Bruno Abrahão und Francisco Caldas. „As danças do Nordeste brasileiro nos museus sobre Luiz Gonzaga “o rei do baião”“. Revista Lusófona de Estudos Culturais 7, Nr. 2 (29.12.2020): 125–45. http://dx.doi.org/10.21814/rlec.2656.
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De que maneira os museus enquanto lugares da memória de Luiz Gonzaga representam sua participação no processo de mediação cultural das danças regionais – xote, xaxado e baião –para o restante do país? A fim de responder a esta questão, nosso objetivo foi analisar o papel dos museus que tematizam a biografia de Luiz Gonzaga como instrumento de preservação histórica das danças do Sertão do Nordeste brasileiro. Para tanto, tomamos como conteúdo cinco matérias, oito fotos, um filme e uma letra musical encontradas em três museus nas cidades de Exu, Serra Talhada e Recife no estado do Pernambuco – Brasil. Além das fontes documentais, valemo-nos da entrevista semiestruturada para captar a visão dos dirigentes dos museus. Concluímos que as matérias sobre Luiz Gonzaga nas fontes documentais cumprem a função pedagógica do ensino destas danças através de suas ações de preservação, contribuindo para o processo de expansão das danças regionais no resto do país.
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Deville, Vincent. „L’invention musicale face à la nature dans Grizzly Man, The Wild Blue Yonder et La grotte des rêves perdus de Werner Herzog“. Revue musicale OICRM 5, Nr. 1 (09.04.2018): 103–20. http://dx.doi.org/10.7202/1044446ar.
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Quand le cinéaste allemand Werner Herzog réalise ou produit trois documentaires sur la création et l’enregistrement de la musique de trois de ses films entre 2005 et 2011, il effectue un double geste de révélation et d’incarnation : les notes nous deviennent visibles à travers le corps des musiciens. Ce faisant, Herzog nous délivre son art poétique : les formes musicales répondent à la nature, si présente dans ses films ; la nature est envisagée comme un instrument d’accord tandis que la musique devient une puissance d’estrangement, de désaccord de nos perceptions ; et en nous donnant accès aussi bien à un infigurable – l’être moral – qu’au corps matériel fait de chair et d’os, la musique nous ouvre la voie qui mène au coeur du monde.
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Moreira, Pedro. „As Missões Culturais do Secretariado de Propaganda Nacional e o papel de Eurico Tomás de Lima (1940 – 1941)“. Diacrítica 35, Nr. 2 (13.08.2021): 66–84. http://dx.doi.org/10.21814/diacritica.695.
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As Missões Culturais do Secretariado de Propaganda Nacional (SPN) constituíram uma importante iniciativa no início dos anos 40 e tinham como objetivo a realização de vários concertos musicais, com uma palestra temática e recitação de poesia, em várias cidades e vilas de Portugal. O presente artigo procura abordar as missões culturais na sua dimensão política, na ação do SPN de chegar às classes médias dos pequenos centros urbanos, e qual o papel desempenhado pelo pianista e compositor Eurico Tomás de Lima enquanto chefe daquelas missões entre 1940 e 1941. A pesquisa permitiu, a partir de diferentes fontes documentais, perceber: a organização e orgânica das Missões Culturais, contribuindo para um conhecimento mais profundo no âmbito dos objetivos propagandísticos do Estado Novo; o papel central desempenhado por Eurico Tomás de Lima, que tinha várias responsabilidades na implementação e execução desta iniciativa; os intuitos artísticos e musicais dos programas escolhidos.
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Napolitano, Marcos. „A MPB sob suspeita: a censura musical vista pela ótica dos serviços de vigilância política (1968-1981)“. Revista Brasileira de História 24, Nr. 47 (2004): 103–26. http://dx.doi.org/10.1590/s0102-01882004000100005.
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A partir de fontes pesquisadas junto às coleções documentais da polícia política ligadas ao regime militar brasileiro, podemos vislumbrar não apenas o impacto do autoritarismo na cena musical brasileira, entre 1968 e 1981, mas também a lógica da repressão e do controle do Estado autoritário sobre os músicos. Nesse período, o controle da circulação das canções e da realização de shows com cantores esquerdistas (ou simpatizantes) marcou a atuação dos órgãos de censura e repressão, voltados principalmente (mas não apenas) contra o gênero MPB. Neste trabalho, analisaremos o imaginário produzido pelos agentes repressores e a "lógica da produção da suspeita" sobre a MPB.
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Cardoso, Tânya Marques, und Elizabeth Maria Freire de Araújo Lima. „Terapêutica musical na Saúde Mental de São Paulo: recorte sobre higienismo, psiquiatria e disciplina no hospital do Juqueri, início do século XX“. Cadernos de História da Ciência 12, Nr. 1 (30.06.2016): 112–43. http://dx.doi.org/10.47692/cadhistcienc.2016.v12.33859.
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Este artigo3 pretende discorrer sobre a constituição da relação música-saúde no tocante à psiquiatria do período compreendido entre início do século XX até o final da década de 1950. Nesta conjuntura, o higienismo toma a música como instrumento para controle da vida e disciplinarização dos corpos; estabelecendo discursos preventivistas, práticas manicomiais - como as experiências no Hospital Psiquiátrico do Juqueri -, bem como defesas e críticas à meloterapia, farmacopeia musical e música moderna. Duas obras, de Carvalhal Ribas e Mário de Andrade, foram as fontes bibliográficas e documentais principais dessa pesquisa, que cita alguns psiquiatras da época e algumas ideias sobre música naquele período histórico.
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Ferreira Filho, João Valter. „A fundação da Licenciatura em Música da Universidade Federal de Campina Grande: apontamentos históricos“. CAMINHOS DA EDUCAÇÃO: diálogos, culturas e diversidades 3, Nr. 1 (01.05.2021): 35–52. http://dx.doi.org/10.26694/caedu.v3i1.12403.
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O presente trabalho lança mão de pesquisas bibliográficas, documentais e junto a fontes orais para apresentar os principais traços do longo processo histórico que culminou na fundação da Licenciatura em Música da Universidade Federal de Campina Grande, ocorrida no ano de 2009. Partindo de registros historiográficos e das memórias trazidas à tona por pessoas-fonte alcançadas no decorrer da pesquisa, o histórico elaborado em torno do processo de fundação do curso – que até a presente pesquisa consistia em uma expressiva lacuna nos registros de história e memória da educação musical campinense – permite, ainda, perceber a relevância da criação de um curso superior para a formação de professores no cenário local, ao passo que também revela as principais opções assumidas quando de sua instauração naquela universidade.
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Malaquias, Tadeu Aparecido, und Alboni Marisa D. P. Vieira. „O curso de licenciatura em música da Escola de Música e Belas Artes do Paraná: lutas e conquistas entre os anos 1949 e 1973“. Revista HISTEDBR On-line 18, Nr. 4 (21.12.2018): 980–1003. http://dx.doi.org/10.20396/rho.v18i4.8652175.
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O artigo trata do processo de reconhecimento oficial do curso de licenciatura em música da Escola de Música e Belas Artes do Paraná (EMBAP), com as lutas e conquistas vividas nessa trajetória. Tem como objetivo analisar a formação dos professores de música entre entre 1949 e 1973, contextualizando a criação e o desenvolvimento do curso de formação de professores na instituição. De natureza bibliográfica e documental, a pesquisa se debruçou em fontes documentais oficiais e em livros e artigos como os de Alucci et al. (2012), Fonterrada (2008) e Prosser (2004). Resultou, dessa forma, uma intrincada teia de informações que se inicia com a criação da EMBAP e do seu curso de educação musical, até o reconhecimento oficial pelo Conselho Nacional de Educação, em 1973.
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Bouchard-Valentine, Vincent. „fonofone pour iPad et iPhone : cadrage historique et curriculaire d’une application québécoise conçue pour la création sonore en milieu scolaire“. Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 17, Nr. 1 (17.04.2018): 11–24. http://dx.doi.org/10.7202/1044666ar.
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La création sonore est une forme de création musicale exploitant les qualités expressives du son en dehors des schèmes traditionnels de la mélodie, de l’harmonie et du rythme mesuré. À partir des années 1960, des pédagogues d’origines diverses — Canada, États-Unis, Angleterre et France — ont proposé des modèles d’enseignement fondés sur différentes démarches de création sonore, mais partageant la visée d’une éducation musicale globale et fondamentale. Ces modèles ont été intégrés à partir du tournant des années 1970 dans les programmes d’études scolaires québécois. Toutefois, malgré les efforts déployés au fil des décennies par le ministère de l’Éducation, la création sonore n’est pas véritablement implantée dans les programmes universitaires de formation à l’enseignement de la musique ni dans les pratiques enseignantes en milieu scolaire. Parmi les outils pédagogiques développés pour la pédagogie de la création sonore, fonofone pour iPad se distingue à double titre. D’une part, il a été spécifiquement conçu pour le milieu scolaire et, d’autre part, sa conception a été pilotée par le compositeur Yves Daoust, une des figures de proue de la musique électroacoustique québécoise. Cet article a pour objectif général de situer l’interface de création fonofone dans le champ de la pédagogie musicale scolaire. Le design méthodologique fait appel à différentes stratégies de recherche. Pour le volet traitant de l’ancrage pédagogique et curriculaire de l’application, une recherche documentaire (Boisvert 2000) dans le champ de l’éducation musicale a permis de recueillir des données sur la pédagogie de la création sonore, de même que sur la lutherie spécialisée qu’elle a engendrée, en France particulièrement. Pour le volet traitant de l’application fonofone, une entrevue semi-dirigée (Van der Maren 2004) avec le concepteur Yves Daoust a permis de retracer les principaux jalons de son développement et d’en cerner les principales caractéristiques. La consultation des archives personnelles du compositeur québécois et l’observation d’animations réalisées avec l’application en milieu scolaire ont permis de compléter la collecte de données. L’ensemble des données recueillies a été soumis à un processus d’analyse de contenu (Bardin 2007).
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Guerra, Paula. „Uma Lisboa só dele(s). Processos artivistas de recriação de paisagens sonoras contemporâneas“. PerCursos 22, Nr. 50 (22.12.2021): 015–42. http://dx.doi.org/10.5965/1984724622502021015.
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Este artigo expõe a trajetória de um músico português - Tó Trips – e da sua última banda – os Dead Combo – no intuito de fundir um percurso musical com uma paisagem sonora na linha da concetualização de Schafer (2012). Socorrendo-nos, em termos metodológicos, de uma história de vida e de materiais documentais, iremos estabelecer uma sincronia entre cidade, sons, criação musical e intervenção artística. Os Dead Combo e Tó Trips são, no quadro deste artigo, os (re)criadores ativos de Lisboa, permitindo, simultaneamente, estabelecer algumas asserções sobre o valor do som e da música como carburantes de identidades coletivas e individuais; e a potenciação da construção de imaginários simbólicos e afetivos face a um espaço urbano na senda de Frith (1996). Num processo que alguns designam como spatial turn (STAHL, 2004) nas últimas décadas, iremos evidenciar que a globalização parece ter renovado a ênfase no local, encorajando reconstruções identitárias através do surgimento de novas expressões artísticas de vínculo à cidade e, portanto, de uma re-imaginação da cidade, partindo de uma produção artística territorialmente ancorada, vivida e sentida. E tal ênfase parece revestir-se de uma urgência crítica nestes tempos distópicos.
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Monti, Ednardo Monteiro Gonzaga, und Gislene Danielle Carvalho. „Maestro Aurélio Melo: formação, mediação cultural e viagens pelo Nordeste do Brasil“. Revista Teias 23, Nr. 68 (01.03.2022): 161–75. http://dx.doi.org/10.12957/teias.2022.53536.
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Neste artigo, propõe-se uma discussão sobre a formação e trajetória do maestro Aurélio Melo e seus desdobramentos em ações de mediação cultural na região Nordeste do Brasil. São mobilizadas reflexões sobre mediação cultural de Gomes e Hansen (2016) e concepções de Bourdieu (1989, 2004, 2006) acerca dos capitais social, cultural e simbólico. As fontes documentais foram buscadas no acervo do Coral da Universidade Federal do Piauí e articuladas com a narrativa (auto)biográfica do sujeito protagonizado na pesquisa. Inicialmente, abordam-se o desenvolvimento musical e a trajetória do artista. Em seguida, são apresentados dois projetos liderados pelo maestro que ocorreram entre os anos 1993 e 2012, nos quais foi possível perceber algumas características da sua mediação, como a formação de plateia por meio da utilização de repertório erudito e popular.
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Almeida, Laura Carolina, Eliana Cunico und Silvana Anita Walter. „Marketing digital: um estudo de caso baseado na validação de ferramentas de venda para um infoproduto musical“. Ciências Sociais Aplicadas em Revista 25, Nr. 45 (18.08.2023): 1–21. http://dx.doi.org/10.48075/csar.v25i45.31326.
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O objetivo deste artigo consiste em validar, a partir de um caso empírico, quais ferramentas digitais produzem melhores resultados nas vendas de cursos online para ensino musical a distância. Ainda é comum as empresas não saberem aproveitar ferramentas digitais para aumento de vendas, mesmo que estas apresentem oportunidades de ter resultados em menos tempo (DAY, 2011). A pesquisa se utiliza do estudo de caso único, realizado em uma Microempresa Individual do ramo de infoprodutos educacionais, tendo a coleta de dados realizada por meio de uma triangulação de dados documentais, entrevista e questionário. Das análises realizadas e observadas, constatou-se que o modelo de lançamento proposto por Érico Rocha resultou em mais conversões e um ROI de R$3,26, superior ao modelo anteriormente utilizado. Conclui-se que o Tráfego Pago, o Email Marketing, os Lembretes, o Evento Online e as Lives de Aquecimento, foram as estratégias mais efetivas que fez com que o Lançamento Clássico obtivesse o resultado positivo.
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Nogueira, Isabel, Tania Mello Neiva und Camila Durães Zerbinatti. „Reflexões sobre sociabilidades digitais e “outras” e ciberfeminismos em três iniciativas na música“. Revista Música 19, Nr. 1 (03.07.2019): 255–77. http://dx.doi.org/10.11606/rm.v19i1.158127.
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Esta pesquisa apresenta reflexões sobre experiências de ciberfeminismos no campo da música, através de um recorte que focaliza três experiências de atuações feministas nas redes digitais (mas não circunscritas à elas): Sonora Ciclo/ Festival Internacional de Compositoras, Rede / Grupo Sonora – músicas e feminismos, e, #HearAllComposers. O objetivo é contribuir para considerações sobre fenômenos de atuação, articulação e organização feministas em redes digitais no campo musical, verificando a hipótese de possíveis estratégias de enfrentamento ao sexismo, ao machismo e ao patriarcalismo na música, e, também, contra racismo, etarismo, classismo, LGBTTQIfobia e capacitismo quando perspectivas interseccionais estão presentes, a partir de referenciais teóricos que versam sobre ciberfeminismos, feminismos-em-rede e ativismos digitais feministas. A pesquisa emprega metodologia qualitativa, realiza estudos bibliográficos e documentais introdutórios, aborda literatura correlata, e, apresenta descrições e coleta preliminar de dados e informações das iniciativas escolhidas.
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Rabetti, Maria De Lourdes, und Adriana Schneider Alcure. „Contribuição dos estudos de caso e da pesquisa indiciária para a história do espetáculo: o lundu que Maria Baderna teria dançado em Recife“. Sala Preta 15, Nr. 1 (02.07.2015): 70. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v15i1p54-70.
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<div class="page" title="Page 2"><div class="layoutArea"><div class="column"><p><span>Este texto é focado no lundu dançado no Brasil pela bailarina italiana Maria Baderna. É resultado de um estudo de caso desenvolvido por meio de pesquisa indiciária. Elegeu-se o Lundu d’Amarroá, que Baderna dançou em 1851 no Teatro Santa Isabel de Recife. A pesquisa de indícios se situou no cruzamento de dois eixos fundamentais: a análise de dados encontrados em fontes documentais jornalísticas e a análise de descrições elaboradas por biógrafos, cronistas e estudiosos. A hipótese é a de que o teatro do século XIX no Brasil constitui-se de fortes bases musicais, transborda teatralidade e atrita com barreiras de gênero. O objetivo deste estudo é contribuir para a verificação dos interesses e das possibilidades abertas pelos estudos históricos em teatro, já que certas persistências ou questões significativas engendradas por experiências cênicas passadas podem interessar ao teatro contemporâneo. </span></p></div></div></div>
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Gifoni, Luciana Rodrigues. „A Flauta doce em Portinari: uma mirada complexa“. Revista Música 22, Nr. 2 (22.12.2022): 1–30. http://dx.doi.org/10.11606/rm.v22i2.203950.
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O olhar acerca da temática musical representada nas artes visuais pode contribuir com novas abordagens para se pensar a música e suas práticas culturais. Este artigo ressalta a problemática da flauta doce no século XX enquanto um objeto histórico, simbólico e cultural, a partir da análise de sua representação no Retrato de João Candido, obra de 1943 do pintor Candido Portinari (1903-1962) em que ele retrata seu filho de 04 anos soprando uma flauta doce, com trajes de arlequim. Que sentidos são construídos com a presença deste instrumento musical na obra? Como compreender a flauta doce representada nas mãos da criança frente ao contexto da ausência de sua prática no Brasil na primeira metade do século XX? A discussão dessas questões busca tecer uma aproximação entre os estudos musicológicos sobre o ressurgimento da prática de flauta doce no século XX e uma investigação sobre as características intrínsecas do retrato de Portinari à luz dos contextos profissional e pessoal do artista. As hipóteses são elaboradas e confrontadas a partir de dois caminhos: da existência ou não do instrumento na vida familiar dos Portinari. Como referências principais, a pesquisa se baseia em Josep Català (2005) e Roland Barthes (1984) para a análise da imagem; Patrícia Aguilar (2017) e Robert Ehrlich (2021) para a contextualização da flauta doce; Annateresa Fabris (1990) para a obra de Portinari. As fontes documentais foram obtidas através do acervo do Projeto Portinari (2018).
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Bonnot, Charles. „Les premières fois : récits des origines dans les documentaires musicaux“. Semen, Nr. 37 (01.05.2014). http://dx.doi.org/10.4000/semen.10193.
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Eufrásio, Vinícius. „Práticas musicais em Formiga/MG: um olhar para o século XIX“. Revista Científica do UBM, 21.03.2021, 105–23. http://dx.doi.org/10.52397/rcubm.v21i41.925.
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Este trabalho aborda as práticas musicais do passado em Formiga, centro-oeste do estado de Minas Gerais, buscando, por meio de fontes documentais localizadas em acervos da cidade, construir uma narrativa capaz de identificar a práticas que ocorriam em seus espaços no século XIX. São apresentadas e discutidas fontes que rementem à distintos contexto e nos permitem reconhecer a atuação de determinadas personalidades em meio à atividade musical formiguense.
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MARTINS, MARCOS LOBATO. „ANTES DA PIANOLATRIA: flautas, violas e tambores nas práticas musicais da primeira metade do século XIX“. Outros Tempos: Pesquisa em Foco - História 12, Nr. 20 (18.12.2015). http://dx.doi.org/10.18817/ot.v12i20.441.
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Este trabalho analisa aspectos das práticas musicais das classes inferiores da população brasileira na primeira metade do século XIX, com o objetivo de identificar e reconstruir dimensões sonoras e redes de sociabilidade musical. Os focos da investigação são a viola, os violeiros e a modinha. Em termos geográficos, a análise privilegia o território da prováncia de Minas Gerais. As fontes documentais utilizadas são obras de memorialistas, relatos de viajantes e gravuras de época. Palavras-chave: Práticas musicais. Violeiros. Minas Gerais. BEFORE OF THE PIANO”™S OBSESSION: flutes, violas and drums in early XIXth century musical practices Abstract: This article analyzes aspects of the musical practices of Brazilian lower classes in the first half of the XIXth century, in order to identify and reconstruct sonic dimensions and musical sociability nets. The investigation”™s focus is on the viola, the viola”™s makers and the ”modinha”. In geographic terms, the analysis privileges the territory of Minas Gerais”™ province. The fonts utilized are memoirist”™s books, traveler”™s reports and gravures from the period. Keywords: Musical practices. Viola”™s makers. Minas Gerais. ANTES DE LA ”PIANOLATRIA”: flautas, violas y tambores en las prácticas musicales de la primera mitad del siglo XIXResumen: Este trabajo analisa aspectos de las prácticas musicales de las clases bajas de la población brasileña en la primera mitad del siglo XIX, con el objetivo de identificar y reconstruir dimensiones de sonido y redes de sociabilidad musical. Los focos de la investigación son la viola, los fabricantes de viola y la ”modinha”. Geográficamente, el análises se centra en la prováncia de Minas Gerais. La documentación empleada se compone de obras de autores de memorias, relatos de viajeros y gravuras de época. Palabras clave: Prácticas musicales. Fabricantes de violas. Minas Gerais.
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PEREIRA, LEONARDO CORRÊA BOTTA, und LILIAM CRISTINA BARROS COHEN. „A Música Vocal de Antônio Rayol: notas interpretativas sobre a obra 'Io non vi posso amar'“. Revista Interdisciplinar em Cultura e Sociedade, 23.12.2022, 53–72. http://dx.doi.org/10.18764/2447-6498.v8n2.2022.9.
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O presente trabalho tem como objetivo discorrer sobre as características que se espelham no material musical da canção Io non vi posso amar - Romanza para Mezzo Soprano ou Barítono do compositor maranhense Antônio Rayol. Para tanto, norteia-se em fazer um breve panorama de como o compositor desenvolveu esta obra e quais os fatores determinantes podem ter influenciado neste processo, apresentando sumariamente uma discussão sobre correntes artísticas em voga - fatos transversais, críticas e citações no momento específico do seu percurso, uma vez que a composição faz alusão a um período seguinte à viagem de Rayol para estudos musicais na Itália, na década de 1890. Segue-se uma discussão sobre o texto da canção onde são levantadas algumas questões interpretativas, convocando excertos de uma edição diplomática e colocando-os para as confrontar com os nossos próprios olhares de execução, consubstanciadas de fontes documentais provenientes do Inventário João Mohana (APEM).
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CERQUEIRA, DANIEL LEMOS. „Casarões da Música em São Luís/MA“. Revista Interdisciplinar em Cultura e Sociedade, 23.12.2022, 1–31. http://dx.doi.org/10.18764/2447-6498.v8n2.2022.7.
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Estudo historiográfico e urbanístico relacionado às práticas musicais de São Luís dos séculos XIX e início do seguinte. O método consistiu na obtenção e análise de dados documentais em fontes primárias e secundárias, bem como de informações orais e de cartas cartográficas. São apresentados sete imóveis nos quais houve prolífica realização de eventos musicais e trânsito de músicos com relevante atuação em seu contexto. Conclusões sugerem o uso dessas informações na Economia Criativa ludovicense e a urgência de valorizar as práticas musicais maranhenses.
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Courbières, Caroline. „De la fonction au mythe ? La K7 audio : perspective documentaire“. Recherches en Communication 46 (21.02.2019). http://dx.doi.org/10.14428/rec.v46i46.47373.
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À la fin du mois d’août 1963, la marque Philips lance le premier lecteur-enregistreur audio portable et présente la Compact Cassette, petit boîtier en plastique renfermant une bande magnétique enroulée autour de deux bobines. La cassette audio connaîtra un phénoménal succès de masse avant de décliner au cours des années quatre-vingt dix avec l’arrivée du Compact Disc Digital Audio. Tandis que le son digital domine le marché musical à travers les supports ou dispositifs numériques qui lui sont liés, la « K7 » opère aujourd’hui un retour, à première vue paradoxal. L’examen de sa trajectoire d’objet technique et de ses actualisations successives invite à questionner sa réapparition dans le contexte occidental actuel, que celle-ci relève de la quête du son ou du sens, du système de la mode ou d’une esthétique de la mémoire. L’analyse menée dans le cadre de la théorie documentaire permet ainsi d'approfondir le processus signifiant généré par ce support singulier que constitue la cassette.
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Dias, Saulo Alves, und Juliana Marilia Coli. „Da Rádio Gazeta para o Selo Chantecler“. Per Musi, Nr. 37 (26.03.2018). http://dx.doi.org/10.35699/2317-6377.2017.5177.
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No ano de 1959, sob a direção do maestro Armando Belardi, diretor artístico da Rádio Gazeta de São Paulo, realizou-se um marco importante para a indústria fonográfica brasileira: a produção para a gravação da ópera Il Guarany de Carlos Gomes, no Teatro Municipal de São Paulo, na íntegra e com elenco brasileiro. Neste trabalho, apresentamos alguns aspectos históricos/sociais da produção e realização desta ópera, partindo de fontes documentais da imprensa escrita e da memória de alguns protagonistas deste processo, que nos traz à tona a engenhosa estratégia mercadológica envolvendo a Rádio/Jornal A Gazeta, o Teatro Municipal de São Paulo e a Indústria fonográfica por meio da recém criada gravadora Chantecler. Até então conhecida pela produção de música popular brasileira e, em especial, da música sertaneja, a Chantecler, ao empreender um projeto de tamanho porte, abriria espaço para a sua afirmação no campus do mercado musical erudito, contribuindo assim para a remarcação de uma hierarquização simbólica entre os estilos musicais no campo da indústria fonográfica brasileira.
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Maristela Rocha. „Chiquinha Gonzaga e a consagração no teatro musicado“. Revista Nava 4, Nr. 1/2 (10.09.2020). http://dx.doi.org/10.34019/2525-7757.2019.v4.32092.
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A pianista e compositora carioca Chiquinha Gonzaga (1847-1935) foi pioneiraem vários aspectos da cultura brasileira, inclusive no teatro musicado. Neste trabalho,destacaremos as peças “A Corte na Roça” e “Forrobodó”, mostrando como essas“abriram alas” para o sucesso da maestrina nesse gênero. Os sociólogos Norbert Elias(1995, 2000), Pierre Bourdieu (1989, 1996, 2003, 2007, 2008, 2016) e John Thompson(2002) são os principais norteadores das nossas investigações sobre a trajetóriade Francisca Hedwiges (nome de batismo), sobretudo para tratar da sua condiçãofeminina em um microcosmo dominado pelo universo masculino. A compositoraafinal, extrapolando os cânones em voga, utilizou do teatro musicado para ajudar arevelar a realidade da sociedade carioca – e muito do Brasil - daquele tempo. Nesteartigo, entretanto, jornais digitalizados aparecem, preponderantemente, comofontes documentais.
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Breunig, Tiago Hermano. „Ponto contra ponto: o debate sobre a nacionalização musical no Brasil e o Café“. Orfeu 5, Nr. 3 (16.12.2020). http://dx.doi.org/10.5965/2525530405032020313.
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O presente artigo procura analisar as perspectivas envolvidas nos embates entre erudito e vanguarda, de um lado, e popular e folclore, de outro, em torno da politização da arte e da nacionalização musical no Brasil da primeira metade do XX, especialmente a partir de H. J. Koellreutter. Para tanto, confrontamos as perspectivas de autores como T. W. Adorno e Antonio Gramsci, H. J. Koellreutter e Mário de Andrade, recorrendo aos acervos documentais destes para compreender como a musicalização de Café, de Mário de Andrade, por H. J Koellreutter, se inscreve no debate sobre o nacionalismo musical brasileiro.
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Costa Penna, Bruno Almeida. „Análise musical: a Idade Média em Carmina Burana de Carl Orff“. Revista Científica do UBM, 01.05.2021, 95–122. http://dx.doi.org/10.52397/rcubm.v20i38.964.
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Carmina Burana é uma obra musical até hoje interpretada por várias orquestras e coros, e também apreciada por vários músicos e estudantes de música. Entender quais ferramentas da Idade Média se faz presente dentro dessa obra moderna é indispensável para compreender a composição de Carl Orff. Com o objetivo de esclarecer essa questão, foi realizada uma análise de caráter explicativo abordando contexto histórico e musical. Por meio de pesquisa em livros, documentos, artigos e sites, além da referência gráfica da partitura de Carmina Burana Cantiones Profanae, ed 2877, da editora Sott- Ehamc, foi estruturada uma, dentre outras possibilidades, interpretação analítica desta obra. Este artigo pretende contribuir musicologicamente com análise musical além de informações documentais.
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Natal, Caion Meneguello. „Limites da canção: a música brasileira segundo Mário de Andrade“. História (São Paulo) 40 (2021). http://dx.doi.org/10.1590/1980-4369e2021062.
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Resumo O artigo aborda a reflexão sobre música brasileira realizada pelo polígrafo Mário de Andrade entre as décadas de 1920 e 1940. O musicólogo pregava o uso dos ritmos populares como base às composições modernas. No entanto, haveria que ter cuidado com o uso excessivo do documento folclórico, uma vez que o mesmo poderia redundar em produções aligeiradas, pastichos destinados ao comércio e ao entretenimento. A tarefa consistia em definir um padrão musical coletivo, que pudesse controlar o virtuosismo do artista moderno. As cantorias folclóricas garantiriam esse padrão. Em contrapartida, não se deveria abandonar os legados do desenvolvimento harmônico ocidental, senão que equacioná-los à rítmica popular. As fontes documentais aqui utilizadas são crônicas e ensaios que Mário de Andrade publicou entre fins dos anos 1920 e início da década de 1940, as quais encontram-se indicadas ao final do texto, nas referências bibliográficas.
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Bittencourt, João Batista de Menezes, und Epaminondas Pascássio Rocha Júnior. „Música, ativismo e estilo de vida jovem nas tramas do Punk em Maceió/AL“. Teoria e Cultura 13, Nr. 2 (20.12.2018). http://dx.doi.org/10.34019/2318-101x.2018.v13.13918.
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O artigo discute o surgimento do estilo de vida punk na cidade de Maceió, capital do estado de Alagoas, buscando compreender em que medida as experiências e os processos sociais que orientaram as práticas dos jovens alagoanos se aproximam (ou se distanciam) daqueles vivenciados pelos adeptos desse estilo de vida nos grandes centros urbanos do país. Por intermédio da análise de narrativas e dos registros documentais produzidos pelos agentes que fizeram parte dessa cena musical e política, busca-se problematizar as especificidades de um estilo de vida jovem que começou a despontar na capital alagoana no final dos anos 80. Mesmo abarcando um pequeno número de adeptos, se comparado com as cenas de São Paulo e Brasília, o estilo de vida Punk em Maceió foi uma importante expressão da sociabilidade juvenil, conseguindo conectar agentes por intermédio de uma produção cultural que reunia um gosto estético, desejo por transgressão e percepções políticas de orientação anarquista.
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Spanu, Michaël. „La plateforme et le patrimoine : une enquête sur les valeurs des vidéos de concerts sur YouTube“. Canadian Journal of Communication 47, Nr. 1 (15.02.2022). http://dx.doi.org/10.22230/cjc.2022v47n1a4047.
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Background: With the evolution of digital technologies, concerts have become a form of mediated content whose value is still poorly understood. This article proposes to con- sider the case of concert videos on YouTube featuring popular music. Analysis: For this purpose, we analyze a sample of concert videos filmed in Montreal, given the strong interconnection in this city between local musical scenes and the live performance industry alongside the image of creativity conveyed by large metropolitan centres. Conclusion and implications: The results reveal a great diversity of participants, types of content and modes of reception that together allude to an ambivalent system of values, at the intersection on the one hand of a logic of flux, promotion and performance typical of the new platform economy and on the other of a documentary and archivistic logic, not to say a heritage-based one. These results are discussed in reference to that area of study that focuses on the legacy of different types of popular music. RÉSUMÉ Contexte : Avec l’évolution des technologies numériques, le concert est devenu un contenu médiatique dont la valeur est encore mal connue. Cet article se propose d’envi- sager le cas des vidéos de concerts de musiques populaires sur YouTube. Analyse : Pour cela, nous analysons un échantillon de vidéos de concerts ayant eu lieu à Montréal, étant donné la forte intrication des scènes musicales locales et de l’industrie du live avec l’image créative des grandes métropoles. Conclusion et implications : Les résultats montrent une grande diversité d’acteurs, de types de contenus et de modes de réception qui renvoient à un régime de valeur ambiva- lent, à la croisée d’une logique de flux, de promotion et de performance typique de la nou- velle économie plateformisée d’une part, et une logique documentaire, archivistique, voire patrimoniale d’autre part. Ces résultats sont discutés vis-à-vis du champ d’études sur le patrimoine des musiques populaires.