Dissertationen zum Thema „Iconographie romaine“

Ce sujet consiste en l'étude des monuments et des images des provinces dans l'empire romain. il n'a jamais été traité dans la bibliographie scientifique dans la perspective de ce travail ce qui rend son approche innovante. il ne s'agit pas seulement de comprendre et d'expliquer la signification ou la typologie de l'iconographie des provinces de l'empire, mais aussi le contexte urbain et architectural de ce type de décoration., et l'histoire qui est à son origine. la mise en rapport entre les représentations et les divers monuments sur lesquels elles s'installent est très importante. a cela on peut également ajouter le contexte urbanistique de ces architectures transmettant l'image provinciale. la nature du monument a toujours un rapport direct avec les représentations qui y figurent, permettant à la fois de définir la nature du monument par rapport à l'iconographie présente ou l'interprétation des images à travers la fonction du bâtiment.sans renoncer aux aspects techniques, ni au catalogue, indispensables pour l'étude générale, cette recherche propose d'étudier l'ensemble de la documentation (iconographique, épigraphique, textuelle) , et d'analyser également la dimension sociale, urbanistique et historique des images des provinces à l'époque romaine.cette recherche est un complèment de la thèse de fabiola salcedo intitulé africa iconografia de una provincia romana, soutenue en 1996, qui est un travail complet sur l'iconographie de la province de l'afrique
This subject consists of the study of monuments and images of provinces in the Roman Empire

Cette étude concerne le fait théâtral dans ses dimensions matérielles, éclairé par les textes relatifs au fonctionnement et à la place du théâtre dans la société de l'Égypte hellénistique et romaine. Foyer d'expression et de diffusion de la culture gréco-romaine, la pratique théâtrale apparaît comme un élément fondamental au sein du processus d'hellénisation qui se met en place en Égypte à partir de la conquête d'Alexandre le Grand. Trois grands axes de recherche ont été définis : en premier lieu, le théâtre est étudié en tant qu'ouvrage architectural. Cette approche, essentiellement archéologique, est également mise en relation avec la notion de cadre urbanistique et de parure monumentale des villes d'Égypte à cette période. Nos recherches s'orientent ensuite plus spécifiquement sur le rayonnement de la pratique théâtrale en Égypte, à travers l'étude des productions d'objets issus de l'univers théâtral et dionysiaque. Ces représentations témoignent non seulement de la diffusion et de l'adaptation d'une composante essentielle de la culture grecque et romaine en Égypte, mais également de l'attachement royal à Dionysos, considéré comme l'ancêtre de la dynastie lagide. En troisième et dernier lieu, les activités et les diverses manifestations associées à l'édifice théâtral sont développées ; il s’agit d’aborder non seulement les spectacles, les auteurs et les acteurs, mais également les questions d'entretien, de maintenance et de gestion du bâtiment. L'apport de la documentation textuelle et archéologique constitue un outil précieux dans le développement de cette problématique
This study deals with theatre in his material dimensions, enlightened by the texts relating to the operation and place of theatre in the society of Hellenistic and Roman Egypt. Centre of expression and diffusion of Graeco-Roman culture, theatrical practice appears as a fundamental element in the process of Hellenization which implements in Egypt from the conquest of Alexander the Great. Three main areas of research were identified : first, the theatre is discussed as in his architectural dimension. This approach, mainly archaeological, is also in relation with the notion of urban planning framework and set of monumental cities of Egypt at this time. Then our research focuses specifically on the influence of theatrical practice in Egypt, through the study of the production of objects associated to theatrical and Dionysiac world. These images reflect not only the diffusion and adaptation of an essential component of Greek and Roman culture in Egypt, but also the royal attachment to Dionysus, considered the ancestor of Ptolemaic dynasty. Third and finally, the various activities and events associated with the theatre building are developed ; we deal not only dramatic shows, authors and actors, but also maintenance and building management issues. The contribution of textual documentation is an invaluable tool in the development of these notions

L’étude que nous avons menée sur la représentation des xenia dans la Tunisie romaine, s’inscrit dans le cadre général du rapport de l’architecture domestique avec l’affirmation du statut social de l’élite africaine. La construction de la domus était, sans doute, un projet stratégique qui exigeait des notables une réflexion sérieuse sur la meilleure façon d’exalter les signes extérieurs de leur richesse, de leur bon goût et, en définitive, de leur appartenance à l’idéal de vie romain dans lequel l’hospitalité, exprimée par le décor de xenia, occupe une place de choix. Les mosaïques à xenia dans la Tunisie romaine sont les plus nombreuses à l’échelle de l’Empire. elles représentent trois particularités, la première concerne la composition des pavements : les motifs de xenia sont représentés isolés et, dans la plupart des cas, associés à d’autres thèmes décoratifs ; la deuxième se rapporte à la répartition de ces mosaïques dans l’espace domestique, couvrant toutes les composantes de la domus et non pas seulement les pièces réservées aux hôtes ; la troisième, enfin, touche à la sémantique des xenia qui traduit certains aspects de l’histoire mentale de l’élite Afro-romaine
The mosaics of xenia in the Roman area of Tunisia are the most numerous at the scale of the Empire. They present three particularities, the first one concerns the compositions of the ornamental tiling: the xenia motifs are represented isolated and, in most cases, associated with other decorative themes; the second one relates to the distribution of those mosaics in the household space covering all components of the domus and not just the rooms reserved for the hosts; finally the third one touches the semantic of the xenia which does not refer itself only about hospitality

Ce travail trouve son origine dans l’étude d’une stèle funéraire exposée aujourd’hui au Musée archéologique d’Apollonia d’Illyrie, sous le numéro d’inventaire 5030. Le relief, exceptionnel à plus d’un titre, montre une descente aux Enfers par le biais d’un accessoire qui tient autant de l’échelle et de l’escalier que de la passerelle de bateau, puisqu’il aboutit dans la barque de Charon. Comment le dénommer ? C’est le terme grec klimax qui s’impose. Non seulement il renvoie indistinctement aux trois objets précités, en préservant leur multivalence, mais il est aussi le plus largement et le plus anciennement utilisé dans la littérature et l’épigraphie pour les désigner. Dans notre enquête, il est rapidement apparu que la klimax n’avait pas été étudiée pour elle-même par les archéologues qui s’y sont confrontés. Afin de pallier cette lacune, notre travail se consacre tout d’abord au motif de la klimax dans l’art antique, essentiellement dans le cadre légendaire. Klimakes d’assaut, d’embarquement et de débarquement, ou encore klimakes du théâtre antique, forment autant de thèmes examinés où la klimax joue un rôle clé. Une étude circonstanciée du relief d’Apollonia, centrée sur les problèmes que pose son iconographie, complète l’enquête. Cela se justifiait non seulement par la place particulière qu’occupe, dans l’imagerie antique, la scène figurée, mais aussi, et surtout, parce que le motif de la klimax y trouve un emploi exemplaire
This work finds its origin in the study of a funerary relief exposed today at the Archaeological Museum of Apollonia in Illyria, under the inventory number 5030. The relief, exceptional in more than one way, shows a descent into the Underworld through an accessory that is both a ladder and a staircase as a gangway, as it ends up in Charon’s boat. How to call it ? This is the greek word klimax who’s imposed. Not only because it refers indistinctly to the three items mentioned above, preserving their polyvalence, but it is also the most widely and longest used in the literature and epigraphy to designate them. In our survey, it soon emerged that the klimax had not been studied for itself by archaeologists who confronted themselves there. To fill this gap, our work focuses first on the klimax in the ancient art, mainly through mythological context. Klimakes of assault, klimakes of boarding and landing, klimakes in relation with the ancient theater, form as many examined topics where the klimax plays a key role. A detailed study of the relief of Apollonia, which focuses on his iconography’s problems, completes the survey. That was justified not only by the particular place which occupies, in the ancient imagery, the sculpted scene, but also, and especially, because the klimax find here an exemplary use

Que cherchent à représenter et à percevoir les Romains, lorsqu’ils décrivent un parcours topographique ou géographique dans le cadre de l’art figuré ? Comment construisent-ils mentalement les déplacements géographiques réels ou imaginaires ? Comment se construit la carte mentale entre l’image et le récit ? La « mosaïque aux Îles » d’Haïdra est un parfait exemple qui nous permet de réfléchir sur ces questions. Elle a été découverte en 1995 sur le sol d’une pièce d’un grand édifice dans le quartier suburbain de la cité antique d’Ammaedara en Afrique proconsulaire. Attribuée à la fin du IIIe ou au début du IVe siècle, cette mosaïque offre la vue d’un espace insulaire avec une série de quinze îles et villes de la Méditerranée orientale et de la Sicile dont douze sont désignées par une légende en latin : Cnidos, Cnossos, Cypros, Cytherae, Egusa, Erycos, Idalium, Lemnos, Naxos, Paphos, Rhodos et Scyros. La représentation des îles et des villes ainsi que la manière de restituer leur succession ne correspondent pas à la réalité géographique, alors que ces zones ont été décrites par les auteurs anciens. Ce travail se propose d’étudier la structuration spatiale, la coordination et le montage des éléments réalistes et imaginaires des lieux dans l’art romain, à partir de cette mosaïque. Il s’agira d’analyser les différentes images qui rendent compte de la dualité à la frontière entre la notion de paysage figuré et celle de la cartographie ; il s’agira également de recueillir dans les sources écrites les descriptions spatiales de la géographie physique et littéraire évoquant un paysage culturel
What do the Romans aim to represent and perceive when they describe a topographical or geographical trajectory within the framework of figurative art? How do they mentally build real or imagined geographical journeys? How is the mental path created from the image and the narrative? The "Mosaïque aux Îles" of Haidra is a perfect example that allows us to think about these issues. It was discovered in 1995 on the floor of a room in a large building in the suburban district of the ancient city of Ammaedara in Africa Proconsularis. Attributed to the end of the 3rd or the beginning of the 4th century, this mosaic offers the view of an insular space with a series of fifteen islands and cities of the eastern Mediterranean and Sicily, twelve of which are designated by an inscription in Latin: Cnidos, Cnossos, Cypros, Cytherae, Egusa, Erycos, Idalium, Lemnos, Naxos, Paphos, Rhodos, and Scyros. Therepresentation of islands and cities as well as the manner of reconstructing their succession do not correspond to the geographical reality, although ancient authors have described these areas. This work aims to study the spatial structuring, the coordination, and the assembly of the realistic and imaginary elements of places in Roman art, on the basis of this mosaic. The different images that represent the duality at the boundary between the notion of landscape painting and that of cartography have been analysed. Also, the spatial descriptions of the physical and literary geography evoking a cultural landscape have been collected in the written sources

Cette thèse est une enquête sur les mosaïques antiques de la Méditerranée occidentale représentant les Travaux d’Hercule entre le IIe et l’IVe siècle ap. J.-C. Elle propose une mise au point archéologique et historiographique et un panorama de l’iconographie de ce mythe en occident, qui sans aucun doute, ne peut être séparé de l’Orient. Six mosaïques sont étudiées provenant des sites différents du pourtour méditerranéen. Il s’agit de décrire puis d'analyser chaque mosaïque, de mettre en évidence les analogies, les différences, les relations et rapports entre elles. L’étude consiste aussi de pouvoir comparer les différentes représentations d’Hercule sur la mosaïque avec d’autres genres artistiques tels que la sculpture, les numismatiques et la céramique de la même époque. Ces comparaisons nous permettent d’avoir une vision plus globale sur la représentation de ce personnage en faisant abstraction du support et en tirer des conclusionsA travers cette analyse, nous trouvons que Héraclès n’appartient pas à une ethnie ou à un peuple. Mais il a une vocation internationale, ce qui explique notamment la place qu’il occupe dans la Méditerranée occidentale. Entre l’Espagne, le Maroc, l’Italie, la France et la Tunisie, une unité dans les représentations du héros se décèle clairement. Parallèlement, il existe des différences importantes liées à la nature même du héros mais aussi au contexte et à l’époque. Au-delà des limites géographiques et temporelles, Héraclès semble symboliser la fondation ; il représente le héros archégète et incarne le pouvoir politique, militaire et religieux
This thesis is a survey of the ancient mosaics of the western Mediterranean representing the Hercules Labours between the 2nd and 4th century AD. It proposes an archeological and historiographical development and a panorama of the iconography of this myth in the West, which without a doubt, can not be separated from the East. Six mosaics are studied from different sites around the Mediterranean. It is a question of describing then analyzing each mosaic, to highlight the analogies, the differences and the relations between them. The study also consists in comparing the different representations of Hercules on the mosaic with other artistic genres such as sculptures, numismatics and ceramics of the same period. These comparisons allow us to have a more global vision on the representation of this character by disregarding the support and drawing conclusions.Through this analysis, we find that Heracles does not belong to an ethnic group or a people. But it has an international vocation, which explains in particular the place it occupies in the western Mediterranean. Between Spain, Morocco, Italy, France and Tunisia, a unity in the representations of the hero is clearly visible. At the same time, there are important differences related to the nature of the hero but also to the context and the time. Beyond geographical and temporal limits, Heracles seems to symbolize the foundation ; he represents the archetian hero and embodies political, military and religious power

Les recherches portant sur les fora provinciaux effectuées au cours des dernières décennies ont permis de redéfinir un certain nombre de leurs caractéristiques. L’étude du décor de ces centres civiques dans sa globalité constitue alors une approche susceptible d’apporter une meilleure compréhension de ces espaces. Cette première approche du sujet a pour objectif d’aborder la question du dialogue entre les images présentes sur le forum et leurs contextes. Le décor figuratif permet de définir les principales thématiques, qui sont souvent complétées par des décors non figuratifs, et qui participent à la diffusion de l’idéologie impériale. Ce décor doit ensuite être contextualisé, afin d’en comprendre la conception, et d’aborder la question de sa réception par le spectateur
Over the last few decades, studies on provincial fora defined some of their characteristics. A global approach of their decor can bring about a better understanding of these spaces. The link between the images and their contexts will be examined. The study of the images will be associated with the study of non iconographical elements of the decor in order to define the main themes represented on the fora. The definition of several contexts will help to understand how the decor was conceived and seen at the time

Cette these situe l'art chretien des regions les plus anciennes des catacombes romaines de lucina, callixte, domitilla et priscilla, ainsi que celui du mausolee m de la necropole vaticane, celui du baptistere de doura-europos et des sarcophages, dans le contexte artistique global du troisieme siecle, l'evolution des techniques artistiques, la chronologie stylistique, le milieu psychosocial, philosophique, mystique et ecclesial. Elle propose une analyse semantique des representations figurees et des temoignages litteraires non chretiens et patristiques qui peuvent s'y rapporter. Sont abordees dans le souci de mettre en lumiere l'isomorphisme du sens et son adequation culturelle, les representations du fond traditionnel de l'iconographie romaine (paysages, guirlandes, vasques, couronnes et les allegories des saisons), l'apport novateur des images neotestamentaires (la mere a l'enfant, les mages, le bapteme du christ, les guerisons, lazare), l'apport novateur veterotestamentaire (adam et eve, noe, abraham, isaac, moise, daniel, la fournaise, suzanne), les stereotypes neoplatoniciens ideographiques (la colombe, le poisson, le navire, la lyre), anthropomorphes (l'orant, le criophore, le pedagogue), cultuels (les repas et les aliments sacres). L'apologue iconographique de jonas est traite a part. L'attention est portee sur les rapports analogiques, au niveau naturaliste et cosmologique, bio-physiologique et anthropologique, allegorique et christologique, et aux fonctions symboliques, allegoriques, metaphoriques ou paradigmatiques des images. Elle conclut par une synthese chronologique et iconologique sur la vision de l'univers, de l'homme et de dieu, ainsi que sur une evaluation methodologique et comporte une abondante illustration
This thesis locates the christian art in the oldest areas of the catacombs of lucina, callixt, domitilla and priscilla in rom, as well as that of the mausoleum m of the vatican necropolis, of the babtistery of dura-europos and the sacophages, in the global artistic context of the third century, in its technical and artistic evolution, its stylistic chronology, the psycho-social, philosophical, mystical and ecclesial area. It proposes a semantic analysis of the figurative representations and the non christian and patristic litterary signs that are connected to it. Concerned with bringing to light the isomorphism in sens and the cultural adequation, we study the traditional fund of roman iconography (landscapes, festoons, basins, crowns and the allegories of the seasons), the newness of the new testament representations (the mother and child, wise men, baptism of christ, healings, lazarus), the old testament representations (adam and eva, noah, abraham, isaac, moses, daniel, the furnace, suzanna), the neo-platonic stereotypes in its ideographical images (dove, fish, anchor, angler, lyre), its anthropomorphics (orant, criophorus, pedagogus), and its worship figures (meal and sacral aliments). The iconographic apolog of jonas is treated separately. A special attention is given to the analogical connections on a naturalistic and cosmological, bio-physiological and anthropological, mystagogical and chritological level, and to the symbolic, allegorical, metaphorical and paradigmatic functions of the representations. A chronological, iconological synthesis on art in its vision to universe, man and god as well as a methodological evaluation will conclude the thesis, which includes abondant illustrations

Cette étude cherche à appréhender la place qu’avaient occupée les Conflits et les Amours mythiques dans la mosaïque de l’Afrique Proconsulaire au Bas-Empire (fin du IIIème - début du Vème siècle). Aussi, savoir la nature des sujets, les modalités d’assimilation figurative, l’évolution des concepts, ainsi que les rapports qu’auraient eus les mosaïstes ou les commanditaires avec une culture considérée comme étrangère. Pour chaque mosaïque sont mis en évidence les apports respectifs de l’iconographie et de la littérature. Les composantes structurelles et conjoncturelles de chaque image, à savoir le cadre de l’action, les personnages, les modèles et les formules iconographiques, ainsi que les modalités de mise en scène, sont examinés de plus prés. s’interrogeant sur l’insistance des empreints, l’interchangeabilité entre thèmes, nous remettons en question des idées devenues avec le temps comme des dogmes, telle la totale dépendance de la mosaïque de l’Afrique Proconsulaire aux tendances artistiques de l’époque et son incapacité à se détacher de l’hégémonie des arts dits majeurs, et nous montrons que les mosaïstes africains ne sont pas de simples imitateurs, mais de véritables novateurs. D’autres approches sont nécessaires pour mettre nos mosaïques dans leurs contextes architecturaux et décoratifs d’origines. Ceci permettant d’aborder les problématiques liées aux relations sémantiques, vise à connaître les modalités d’insertions utilisées dans le reste de l’Empire, mais aussi de s’interroger sur la validité de certaines idées, comme l’existence d’une codification régissant les scènes représentées et les contextes architecturaux.Enfin le replacement de la mosaïque, et à l’intérieur d’une production artistique englobant toutes les autres disciplines, et la prise en considération de toutes les particularités, géographiques, historiques, sociales et culturelles de l’Afrique romaine au Bas-Empire, montre qu’il est difficile, voire impossible, de mesurer le rapport exact entre fonction administrative, statut financier et niveau culturel des commanditaires. Au lieu de continuer de parler de l’existence d’une même et une seul culture élitiste à laquelle adhère tous les aristocrates de l’Empire, il serait nécessaire de surpasser certains a priori et parler de diversités et de différences que de ressemblances
The object of this thesis is the review of the conflicts and mythological love endeavors depicted in the Africa Proconsularis mosaics in the Late Antiquity period. In the meantime, one of the main aims is the study of the subject of the mosaics, the manners of the figurative assimilation, the evolution of the concept, and also the relation between the mosaic makers and a culture considered as a foreign one.For each mosaic are highlighted the respective contributions of the iconography and literature. The structural and conjectural components of each image, meaning the setting of the actions, the characters, the models and the iconographic formulas, and the methods of the production are examined more narrowly; questioning the insistence of imprints, interchange- ability between subjects. We are putting into question theories which has become over time as a dogma, such as the total dependence of the mosaic of Africa Proconsularis to the artistic trends of the time and the inability to separate from the hegemony of the arts alias the major; and we will try to demonstrate that the African mosaic makers were not mere imitators, but truly innovators.Moreover, other approaches are needed to put the mosaics within their architectural and decorative context. These approaches will allow addressing issues related to semantic relations, aiming to find out the modality of the insertion in the rest of the Empire, but also to investigate the validity of certain theories, such as the existence of a codification as a regulator linking the scenes presented and the architectural contexts.Finally, the replacement of the mosaic, in the artistic production encompassing all the other disciplines, taking into consideration all the geographical, historical, social particularities, and the cultural aspects of Roman Africa during the Late Antiquity, which give evidence that it is difficult or impossible to measure the exact relationship between administrative function, financial status and cultural level of the elite sponsors. Instead of, continuing to discuss about the existence of only an elitist culture that adheres to all the aristocracy of the Empire, it would need to exceed some a priori and talk about diversity and differences rather than only similarities

Cette thèse est consacrée à l’étude du décor des édifices balnéaires publics et privés dans les cités antiques de l’Algérie, entre le Ile et le Ve siècle ap. J.-C. Cette recherche s’appuie, d’une part, sur des données recueillies dans la documentation publiée et dans les archives (photos, plans, cahiers de fouilles) et, d’autre part, sur un travail de terrain qui a conduit à mettre au jour de nouvelles informations. Après avoir situé les bâtiments et le décor dans les recherches historiographiques, les édifices balnéaires sont examinés du point de vue de la typologie des plans, de la chronologie et sont replacés au sein des tissus urbains afin de mieux cerner la place des différentes catégories. Une étude des inscriptions nous a amenée à faire le point sur les mentions de décors et de matériaux utilisés. Dans un premier temps, les différents types de décor — revêtements de sol (mosaïque, dallage, technique en terre cuite) et de parois (enduit, placage, mosaïque) — sont analysés en fonction de leur technique d’exécution, de leur répertoire et de leur emplacement ; l’élément mobile qu’est la statuaire a été traitée sous ces deux derniers aspects. Cette démarche permet de replacer le décor dans son contexte architectural afin de reconnaître des particularités liées au milieu balnéaire et de déceler des spécificités régionales ou locales. Dans un second temps, est abordée la hiérarchisation des espaces à travers la mise en valeur des aménagements architecturaux et leur ornementation
This thesis studies the decoration of baths in the 2nd-5th c. CE Algeria. The research studies edifices either published or kept in archives, including photos, plans and archaeological reports, and is equally based on fieldwork, revealing data firstly dealt with in this work. No scientific study of baths and their decorative programs has been conducted prior to this research. After a comprehensive study of the state of research of baths and their decoration in North Africa, these discovered in Algeria were thoroughly studied to constitute part of the larger context. Thus typology of the plans, chronology, and the place of baths in the urban tissue where also taken into consideration. Inscriptions found in various baths in North Afiica, including these of Algeria were newly studied, to reveal further indispensable information and to widen our knowledge of the materials used, the specific terminology, the patrons, the decoration, etc. The present research concentrat on two topics: first, the different types of decoration, floor as well as walls, were analyzed in view of their technique, iconography, and which part of the bath they were decorating. Second, statues found in the baths, which were studied according to their subject matter and their specific placement. The reading of the different decorative systems enabled to put the decoration in its architectural context and to disclose the particular elements characterizing baths worldwide as well as their specific regional and local manifestations. Following the analysis of the architectural elements of baths and their embellishment, the research tried to establish the coherence between both function and decoration

Un inventaire de 2361 éléments de sculpture non-architecturale découverts chez les Éduens a mis en évidence des concentrations au nord du territoire de cité, dans des zones riches en calcaires de qualité et ouvertes aux apports des cités gallo-romaines septentrionales. On en sait aussi plus sur la chaîne opératoire de la pierre, de l'extraction en carrière à l'abandon de l'objet. L'approvisionnement en pierre était surtout local, mais n'excluait pas des transports sur de longues distances. Les sculpteurs ont élaboré des manières de faire libérées des contraintes du matériau. On a aussi identifié des spécificités, comme une iconographie éduenne particulière, notamment dans les stèles funéraires, ainsi qu'un certain désintérêt pour les portraits. Désormais, il est possible d'aborder l'artisanat de la pierre de façon macroscopique dans la civitas éduenne, en raisonnant sur les questions géographiques, techniques, iconographiques et stylistiques. Le croisement des données issues de ces quatre grands dossiers a permis de reconnaître et de caractériser 33 ateliers et 50 sculpteurs isolés, actifs du Ier s. au début du IVe s. de notre ère. Si la sculpture sur pierre se développe à partir du règne des Flaviens, elle atteint un sommet dans la deuxième moitié du IIe s. avant de chuter au siècle suivant. Dans le territoire éduen, l'artisanat de la pierre n'est pas circonscrit aux villes, et des ateliers de qualité ont œuvré à l'échelle de pagi, de sanctuaires ou de petites agglomérations. Enfin, plusieurs liens entre les ateliers ont été identifiés, montrant des traditions locales, des compétitions entre sculpteurs, des systèmes d'emprunts, de transmissions et d'affiliations
Achieving an inventory of 2361 non-architectural stone sculptures discovered in the civitas Aeduorum, a distribution map shows that most of these can be found in the northern part of the civitas. There, the sandstone is of the utmost quality, thus explaining this specific concentration. The same area has clearly received influences from the northern civitates. We now know more about the operational chain of stone, from the quarry to the abandon of the sculpted artifact. Stone supply was mostly local, but some long distance transports have been seen. Sculptors have elaborated a craft where the material was no longer a constraint. Some specificities have been put to light, such as a peculiar iconography, especially when it comes to tombstones, and a neglect for portraits. Henceforth, we can discuss stone-craft in this civitas from a macroscopic perspective. This allows an analysis of the spatial distribution as well as new data regarding ancient techniques, iconography and style. Combining those points has led to the identification of 33 workshops and 50 isolated sculptors, active from the Ist century CE to the IVth century. Stone sculpture has mostly developed during the Flavian dynasty, reached its peak during the second half of the IInd century CE before a downfall in the IIIrd century. In the Aedui civitas, stone-carving is not an urban phenomenon, and some high-skilled workshops were active in several pagi, sanctuaries and small settlements. In the end, links between the workshops have been found : they reveal local traditions, competition between sculptors, influences and affiliations

Dans cette thèse, nous allons étudier les occurrences et enjeux de la présence de la déesse Aphrodite-Vénus dans la littérature, l’art, les objets et les décors architecturaux de l’époque tardo-antique, et réfléchir au sens de cette présence dans un monde de plus en plus christianisé. Après un rappel de l’évolution du statut de la déesse depuis son origine et une observation de sa situation à la fin de l’Antiquité, la thèse se penchera de façon plus approfondie sur les thèmes de la Vénus marine, et de la place de Vénus-Aphrodite dans les décors tardifs. La thèse entend démontrer que malgré la christianisation, la déesse reste fréquemment évoquée et conserve ses attributs traditionnels, gagnant même une connotation marine nouvelle. Elle est appréciée des élites, mêmes chrétiennes, qui à travers elle manifestent leur culture classique et leur appartenance à la Romanitas
In this doctoral research, we are going to study the circumstances and stakes of Venus-Aphrodite’s presence in literature, art, artefacts and house’s decoration at the end of Antiquity, and the meaning of this presence in a more Christian world. After a reminder of how goddess’ status has evolved since its origins, and an observation of her situation at the end of Antiquity, the thesis will study the marine Venus theme, and Venus-Aphrodite’s part in late houses’s decoration. The thesis will show that despite Christianisation, the goddess is often evocated. She keeps her traditional attributions and even earns a new marine connotation. She is still appreciated by the elites, even the Christian ones, which can, through her figure display their classical culture and their belonging to Romanitas

Les monnaies de bronze, frappees par les villes d'asie mineure, presentent sous l'empire une tres grande variete de types; parmi eux, occupent une place a part les types romains et plus particulierement les representations d'enseignes militaires qui constituent une categorie bien delimitee. Ces series ont ete recensees, classees et datees avec la plus grande precision; nous avons ainsi etudie les types, leur origine, leur rapport avec le monnayage de rome et leurs denominations: on constate que ces dernieres entrent dans un systeme d'equivalence simple avec les bronzes romains. On a etudie dans quelles circonstances les ateliers d'asie mineure adoptaient ces representations qui pourraient passer pour n'etre que liees a la presence des soldats. Ce symbole fut plus destine a mettre en valeur la puissance et la perennite des differentes dynasties, surtout a partir d'antonin; ces types se repandent plus par regions et par provinces que sur les grands axes militaires. Au premier siecle les enseignes n'apparaissent qu'episodiquement, dans un contexte local. Ces types a enseignes n'occupent qu'une place reduite par rapport a l'ensemble du monnayage concerne. Ce travail permet, a partir d'une etude bien delimitee, d'avoir une perspective d'ensemble sur un monnayage qui respectait en fait des regles plutot contraignantes
The coins minted by the towns of asia minor present a great variety of types during the empire; among them, a special position is occupied by roman types and more particularly by the representations of military ensigns. Those series have first been registered, classified and dated; this work has enabled us to study the types, their origins, originality and links with roman coinage; the denominations obey precise norms which make them part of an often simple system of equivalence with roman bronze coins. We have studied in what circumstances workshops in asia miner have adopted those representations which are not purely military and linked with the sole presence of soldiers; in fact they became symbols much more aiming at emphasizing the power and perenniality of the successive dynasties, especially from the time of antoninus; those types spread more according to regions and provinces than along the main routes followed by legions. On the other hand, in the first century, ensigns appear but occasionally in local contexts. This work makes it possible to abtain from a precisely defined study a comprehensive idea of coinage which respected a number of rather constraining rules

La tête végétalisée est un témoin privilégié de la culture visuelle des Romains. Innovation de l’époque tardo-républicaine et proto-impériale, elle n’en demeure pas moins l’héritière du traitement formel de figures telles que la Rankenfrau et le Rankengott et d’un symbolisme végétal séculaire. Elle évoque une nature naissante ou renaissante qui ne possède pas encore les frontières du cosmos ordonné, et fonctionne comme une épithète iconographique permettant de mettre en évidence un aspect particulier d’un personnage, tel le dieu Oceanus. L’étude des spécificités culturelles et des traditions iconographiques des différentes régions de l’Empire romain, couplée à la mise en série et à l’analyse contextualisée des documents, permet de mettre en évidence les formes de diffusion, de réception et d’appropriation de ce thème ornemental, de sa naissance à son assimilation par le monde chrétien. A côté de tendances relativement homogènes communes à l’Empire, se dessinent quelques courants particuliers, comme l’enrichissement nord-africain de la forme océanique, le renouveau oriental de la bordure à rinceau peuplé héritée de la tradition picturalisante hellénistique, ou « l’humanisation du végétal » gallo-germanique. Entre traditions et innovations, la tête végétalisée du monde romain développe des spécificités iconographiques pérennes qui lui confèrent une signification inhérente à toute forme d’hybridité végétale, tout en permettant à différentes visions du monde de s’exprimer en elle sans se dissoudre
The foliate head is a privileged witness of the Roman visual culture. This innovation of the tardorepublican and proto-imperial period is the heiress of the formal processing of figures such as the Rankenfrau and the Rankengott and of a secular vegetal symbolism. It evokes a rising or returning nature which doesn’tpossess the borders of the orderly cosmos, and works as an iconographic attribute which highlights a particular aspect of a character, such as the god Oceanus. The study of the cultural specificities and the iconographic traditions of the various regions of the Roman Empire, combined with the serial approach and the in-contextanalysis of the documents, allows to highlight the various forms of diffusion, reception and appropriation of this decorative theme, from its birth to its assimilation by the Christian world. Next to relatively homogeneous trendscommon to the Empire, some particular tendencies take shape, such as the North African enrichment of the oceanic shape, the oriental revival of the border with peopled scroll inherited from the Hellenistic naturalistic tradition, or the Gallo-Germanic « humanisation of the plant ». Between traditions and innovations, the foliated head of the Roman world develops long-lasting iconographic specificities which confer it a meaning inherent to any shape of foliate hybridity, although it allows various views of the world to be expressed in it without being dissolved

Au cours des trois premiers siècles de notre ère, Rome connaît son apogée et la domination romaine continue de s'établir tout autour de la Méditerranée. Le contrôle de la Mare Nostrum et la connexion entre Rome et ses provinces sont assurés grâce aux réseaux de ports. À l’époque impériale, les ports jouent ainsi un rôle crucial puisqu’ils permettent de maintenir un rayonnement économique et commercial tout autour de l’Empire. Plus qu’une simple interface entre la mer et laterre, les ports font l’objet d’une attention particulière et forment un réel paysage urbain, constitué de bâtiments et de monuments organisés autour de l’espace portuaire de façon scénographique et programmée, que l’on peut qualifier de « portscape » (paysage portuaire). Cette notion théorique, que j’ai développée dans cette thèse, est dérivée du concept de «townscape » (paysage de la ville) introduit par P. Zanker dans sa publication sur l’urbanisme de Pompéi publiée en 19981. Elle consiste à analyser l’organisation spatiale des bâtiments et monuments, individuellement et dans l’ensemble de l’espace portuaire, ainsi que leurs fonctions respectives. Cette approche a également pour objectif d’étudier la relation entre la fabrication de cet espace urbain et la société. Cette réflexion holistique est combinée au concept de « maritimecultural landscape » (paysage culturel maritime), introduit par C. Westerdhal en 19922, qui permet d’aborder les aspects culturels de cet espace construit constituant le cadre de vie des sociétés portuaires et de leurs activités.Le développement disciplinaire de l’archéologie sous-marine et l’intérêt croissant pour les réseaux et le commerce maritime ont mené à la multiplication des études portant sur les infrastructures portuaires au cours des dernières décennies. Malgré cela, la réalité des infrastructures portuaires reste assez mal comprise car les vestiges ne sont généralement pas très bien conservés. Il est donc fondamental d’utiliser d’autres types de sources, comme l’iconographie,pour mieux appréhender les « portscapes » romains. Sous l’Empire, les ports apparaissent fréquemment dans les représentations artistiques. Au cours de cette recherche, j’ai rassemblé un corpus de 264 images portuaires sur des supports variés : lampes, monnaies, peintures, mosaïques, sculptures, verres incisés, pierres gravées etc. Sur ces documents figurent des vues générales de paysages maritimes, des éléments architecturaux isolés de ports (tels que des phares) et des activités portuaires suggérant les infrastructures portuaires (comme des scènes de pesée ou bien des scènes de chargement/déchargement de marchandises). Bien que l’essentiel du corpus date de l’époque impériale, l’intégration de documents appartenant aux périodes préromaines et à l’Antiquité tardive permet d’établir des comparaisons diachroniques.Cette recherche constitue la première tentative d’évaluation, à grande échelle, du potentiel documentaire des sources iconographiques pour comprendre l'aspect, la disposition et le design des ports romains. Considérer les images comme sources historiques est un concept assez récent puisque l'art, longtemps considéré comme étant simplement illustratif, n’occupait qu’une place marginale dans les études d’histoire ancienne. Les images peuvent apporter, en effet, unecontribution importante pour l'étude de l'aspect architectural et urbain des principaux ports de Méditerranée car elles montrent ce qui n'existe plus archéologiquement, telles que les élévations de bâtiments portuaires, souvent réduits aujourd’hui à leurs seuls niveaux de fondations. Ainsi, cette thèse de doctorat soulève les questions de recherche suivantes : - Quelle contribution l'iconographie peut-elle apporter à notre compréhension des paysagesportuaires de l’époque impériale ? Quelles sont les caractéristiques du portscape romain selon les sources iconographiques ? Quels sont les éléments réels et quels sont les éléments standardisés ? D’où viennent cesstandards ?
Under the Roman Empire, harbours played an important role for the image of the city. They were more than utilitarian constructions. The buildings and monuments were organised within the space of the port in a programmatic way that made up a genuine urban landscape that I have described as a “portscape”. This term, derived from Zanker’s townscape concept, is understood as the urban aspect, layout and design of Roman ports but also as the lived environment with its societies reflected by its cultural characteristics. Despite recent excavations conducted at Roman ports, our knowledge of portscapes under the Roman Empire is very unclear and the reality of port monuments remains poorly understood. Most known ancient Mediterranean ports are not well preserved, and often only preserved archaeologically at the level of their foundations. Whilearchaeologists are able to reconstruct a plan, understanding ports three dimensionally is at best a challenge. What did Roman ports really look like?Due to the lack of ancient sources relating to Roman ports, using iconography could be useful. This research aims to demonstrate that port depictions, quite abundant during the Imperial period and decorating various type of artistic media (coins, ceramics, mosaics, paintings, gemstones etc.), can make an important contribution for learning more about ports as they are the only source of information that allows us to understand volumetrically, the architecture of portsthat no longer survives archaeologically.Through this work, I will see how the pictorial genre of maritime landscape emerged during the Augustan period as well as the process of its diffusion, reception and standardisation in art during the Imperial period. I will also address the issue of the contexts in which port-themed decoration has been found. I will focus on the main characteristics of portscapes by means of a linguistic approach that distinguishes the different messages conveyed by images according to their contexts (domestic, funeral, politics, etc.).By means of three specific case studies, I will demonstrate how it is possible to deal with the iconographic and epigraphic evidence in order to better understand the components of Roman portscapes. Case-study 1 focuses on the weighing control systems (sacomaria). Case-study 2 studies the single monuments that decorated the portscape, such as freestanding column monuments and honorific arches. Case-study 3 aims to better understand cult spaces in portcontexts by using the example of the sanctuaries of Isis.Finally, I will focus on the urban syntax of the portscape through the case-study of the port of Leptis Magna. Enquiry will ascertain the extent to which the urban programme of its portscape corresponded to a standard design in reality and in iconography

Neuf églises à déambulatoire (cinq entièrement conservées et quatre conservées en partie) ont été sélectionnées parce qu’elles constituent un ensemble cohérent et très riche en sculptures figurées. Elles sont prises comme base pour l’étude iconographique de la sculpture romane en Auvergne.Ces sculptures sont d’abord analysées à la lumière des textes (Bible, exégèses des Pères de l’Église, traités et sermons plus contemporains etc.) par secteurs localisés. Puis les sujets les plus fréquemment rencontrés sont approfondis avec l’appui des exemples rencontrés dans les autres églises de la région. Enfin, la question est posée des relations entre les sujets d’un même édifice et d’un éventuel programme d’ensembleAu cours de ces analyses, de nombreux sujets ont trouvé leur explication, un programme sur l’ensemble de l’édifice a pu être mis au jour pour l’église de Saint-Nectaire, et des concepteurs pour Notre-Dame-du-Port et Saint-Nectaire sont envisagés. Pour finir, ces propositions d’identification des concepteurs permettent de proposer une révision de la datation généralement admise
Nine churches with ambulatories (5 completely preserved and 4 partially preserved) have been selected because they form a coherent whole, rich in figured sculptures. They are taken as the basis for this iconographic study of Romanesque sculpture in Auvergne.These sculptures are first analysed in the light of religious texts (the Bible, exegeses of Church Fathers, more contemporary treatises and sermons, etc) and groupedin localised sectors. There follows an in-depth treatment of the most frequently encountered subjects, backed up by examples from the other churches of the region. Finally, the question is raised of relations between the subjects of one given building and a possible overall programme.In the course of these analyses, an explanation has been found for many subjects, an overall programme for the church of St-Nectaire has been brought to light, and possible designers of Notre Dame du Port and St-Nectaire are envisaged. This proposed identification of the designers makes it possible to suggest a review of the generally accepted construction dates

Aux époques ptolémaïque et impériale, les représentations de cavaliers se multiplient et de nouveaux motifs apparaissent en Égypte. Des divinités du panthéonpharaonique peuvent être dotées d'un cheval et d'attributs militaires. Des dieux étrangers font leur apparition ainsi que des personnages cuirassés et armés dont lanature divine n'est pas avérée. Le présent travail constitue une première monographie sur l'ensemble de ces représentations. Le catalogue comporte cent quarante‐huit objets et présente une hétérogénéité importante, tant du point de vue des supports que des sites d'où proviennent les sources. Axée sur l'interdisciplinarité, la thèse repose sur deux approches, technique et iconographique. L'étude du mode de fabrication des figurines en terre cuite et les réflexions sur la question de la mise en série des objets constituent le premier champ de recherches. L'axe iconographique repose sur la comparaison systématique des motifs iconographiques avec les emblèmes visibles dans le reste du pourtour du bassin méditerranéen et traite de la signification des représentations. La confrontation des données a permis d'établir des hypothèses sur l'origine et la fonction des terres cuites et sur les raisons qui ont mené à la production des objets du corpus.Des critères de datation nouveaux ont été définis pour tenter de pallier les lacunes dues à l'absence de contexte de la majorité des sources du catalogue. Les travaux effectués dans les musées ont permis de publier des reproductions de qualité pour des objets qui pour certains n'avaient plus été observés depuis 1915. Ils ont également donné lieu à la découverte d'inédits.

L'ouvrage se compose d'un catalogue de 301 documents, d'une synthèse et d'un répertoire de dessins, organisé en une typologie du char dionysiaque. Le catalogue rassemble tous les objets et monuments de la vie quotidienne dans l'empire romain du 1er s. Av. J. -C. Au Ve s. Ap. J. -C. ; sarcophages, mosaïques, céramique, glyptique, orfèvrerie, tapisserie, monnaies. La synthèse analyse le véhicule, ses occupants, son attelage et le dieu Dionysos. Elle envisage la symbolique du char : symbolique victorieuse sur l'amour, sur la barbarie, sur la mort, dans le contexte funéraire des sarcophages. De plus elle présente Dionysos, dieu de la transgression comme un double du souverain.

Le monnayage impérial romain est, le plus souvent, analysé de façon fragmentée : règne par règne, type par type, émission par émission. Ce travail entreprend d’envisager l’unité du monnayage impérial romain. Il trouve cette unité dans la mémoire, selon laquelle chaque monnaie serait, par nature, en relation avec toutes les autres, et selon laquelle il existerait entre un certain nombre de types monétaires des affinités iconographiques qui les rapprochent et fondent une forme d’unité du monnayage. Ainsi y a t-il lieu d’opposer une conception « numismatique », qui a partie liée à l’iconographie, à une conception « monétaire », davantage articulée autour du catalogage et de la quantification. Une telle approche est prise en considération à partir de l’époque julio-claudienne, et de la constitution d’une mémoire augustéenne sous la première dynastie, entre mémoire républicaine, de l’époque des généraux, et hellénistique ; le modèle augustéen est ensuite posé comme fondement pour le reste de l’Empire, et une typologie de la mémoire est articulée autour de trois formes : l’horizontalité, reprise de types comme démonétisés au travers du monnayage ; la verticalité, référence directe à un événement historique ; et la transversalité, qui marque une généalogie au travers du monnayage. Le monnayage impérial est ensuite interprété comme texte, avec un examen des citations littéraires sur la monnaie, puis l’analyse des contorniates et des monnayages de restitution comme formes d’écriture mémorielle ; une étude des légendes conforte cette approche, qui est également confirmée par l’examen final des sources romaines qui évoquent la monnaie – littéraires, épigraphiques, numismatiques
The Roman Imperial Coinage is most often analysed according to a fragmentary fashion : every reign, every type, every series is taken into account on its own. Here we aim to consider the unity of the Roman Imperial Coinage. This unity is to be found in memory, according to which every coin would by nature be related to all others, and according to which a number of monetary images would be connected the one and to the other and therefore establish a form of unity of the coinage. As a consequence, we outline a “numismatic” approach in relation to iconography, as opposed to a “monetary” approach, which would rather be based on cataloguing and quantification. Such a stance is first taken into account from the Julio-Claudian era, and the constitution of an Augustan memory under the first dynasty, between Republican memory, memory of the “imperatores”, and Hellenistic memory; the Augustan model is then positioned as a model for the whole Empire. Thus a typology of memory is articulated around three forms: horizontality, with the use of images that seem to have almost lost their meaning; verticality, a direct reference to a historical event; and transversality, marking a genealogy through coinage. The Imperial coinage is interpreted as a text, with an assessment of literary citations on coins, and an analysis of the contorniates and of the restitution issues as forms of memory writing; an assessment of the legends supports this approach, which is also confirmed by a final insight into the Roman sources evoking coins – literary, epigraphic, numismatic

Romaine brooks nee en mille huit cent soixante quatorze et decedee en mille neuf cent soixante dix, est un peintre s'inscrivant dans l'histoire de l'art entre le symbolisme et le surrealisme. Pour situer le travail plastique de romaine brooks, nous avons dans un premier temps analyse les influences des mouvements artistiques auxquels son oeuvre se rattachait. Cette etude s'articule a partir de tableau ou nous etablissons les liens graphiques, picturaux se repetant dans l'oeuvre et prenant leurs sources dans le courant symboliste de la fin du siecle dernier. L'iconique humaine est le theme central et unique de toute l'oeuvre de romaine brooks. Cette representation est en grande partie saturee par l'image de femmes qui ont ete ses amies. Nous effectuons une analyse esthetique de l'oeuvre pour en comprendre l'ideologie qui la sous-tend. Par cette approche, nous faisons apparaitre les transformations d'une recherche esthetique sur le corps. Du portrait de societe l'oeuvre de romaine brooks evolue vers une interpretation intimiste et psychologique du portrait. Nous analysons les ideogrammes que suscitent de telles oeuvres pour tenter une explication sur la transformation de la representation iconique comme sujet-objet de sa propre theatralite. Des elements de reponses s'etayeront sur le choix de l'artiste a reveler les problematiques d'individus d'une epoque, d'une societe.

The funerary grave stelae of the Roman cavalrymen are large, impressive monuments set apart from their military counterparts by the ornate relief carvings which they exhibit. The two most common motifs featured on these tombstones are the rider relief motifs and the totenmahl motifs. Aspects of both the reliefs and the inscribed epitaphs are distinctly characteristic of the Roman military. Throughout the history of the Roman Empire, men in the auxiliary cavalry units were recruited from non-Roman allied tribes. These recruits brought with them foreign languages, customs, and beliefs. Through a comparative study of Roman cavalry tombstones found in Great Britain, Germany, and Syria, I have attempted to identify iconographic and epigraphic elements that are evidence of the ethnic origins of the cavalrymen who are commemorated on these funerary monuments.

Cette thèse offre une étude des interactions entre la signification de l'iconographie des primordia Urbis dans la sphère publique et son interprétation dans la sphère privée. Elle vise ainsi à identifier les motivations de l'emploi de l'image des mythes fondateurs de Rome de la part d'un homme politique, comme d'un simple particulier. A la suite d'une étude chronologique de l'emploi des thèmes au centre du pouvoir, la question de leur réception dans l'espace de la cité provinciale et dans la sphère privée, domestique et funéraire, est envisagée. L'analyse montre ainsi une forme d'imitatio des puissants : les particuliers, ayant déchiffré les circonstances de l'utilisation politique de ces images, en faisaient une utilisation adaptée à leur situation et à leurs ambitions personnelles. Les témoignages montrent, par ailleurs, que ces images étaient avant tout utilisées comme un instrument de légitimation
This thesis aims to study interactions between the significance of Primordia Urbis' iconography within the public sphere and its interpretation within the private sphere. It attempts to identify the motivations in the use of Rome's founding myths' images, by politicians as well as by simple civilians. After chronologically studying the way those themes were used, in Republican times and on behalf of the emperors, the question of their reception within the space of the provincial city and in the private, domestic and funeral sphere, is to be considered. The analysis therefore shows a brand of imitatio by the greats: ordinary people, having deciphered the circumstances in which those images were politically used, adapted them to their own situations and ambitions. The testimonies show, additionally, that these images were used, above all, as an instrument of validation

Cette thèse propose une analyse du processus de fabrique territoriale engagé par les collectivités régionales italiennes du Latium et de l’Emilie-Romagne et ce à partir du « récit territorial » officiel qu’elles produisent. Cet objet complexe désigne l’ensemble des discours et des documents iconographiques qui confèrent un sens et une image à un territoire administratif tout en légitimant l’exercice du pouvoir à cette échelle particulière. Le corpus analysé comprend à la fois des déclarations politiques, des documents techniques ainsi qu’une sélection de brochures officielles et de traces numériques de ces collectivités territoriales sur les nouveaux médias et les réseaux sociaux, supports majeurs de la production contemporaine des représentations sociales. L’image qui est donnée de la région dépend des finalités des acteurs institutionnels régionaux, des priorités qu’ils ont identifiées mais également des compétences que l’institution exerce. La décomposition de la catégorie des « acteurs institutionnels » a fait apparaître une diversification des acteurs, avec une place croissante accordée aux professionnels de la communication et une intégration progressive des habitants et des usagers du territoire dans cette fabrique du récit officiel. Ce travail analyse également l’impact des variations du contexte d’énonciation et des cibles du discours sur le contenu de ce récit (les référents identitaires mobilisés) et les modalités de construction du récit lui-même. Les évolutions identifiées sont donc le résultat de plusieurs facteurs, qui se pondèrent différemment selon la période et la région considérée. Ces facteurs peuvent être répartis selon deux grandes catégories : internes (le niveau de stabilité du pouvoir politique, la personnalité du gouverneur de région, le temps écoulé depuis la naissance de l’institution mais également l’évolution du tissu productif ou les changements démographiques) et externes (la conjoncture économique internationale, le rythme des réformes imposé par l’Etat, l’évolution des techniques et des supports de communication) l’institution régionale
This thesis examines the territorial construction process undertaken by the Italian regional authorities of Lazio and Emilia-Romagna, based on the official institutional storytelling they produce. This complex object refers to all the speeches and iconographic documents that provide meaning and image to an administrative territory while legitimising the exercise of the power at the regional scale. The corpus includes political declarations, technical documents, a selection of official place branding brochures as well as digital traces of these local authorities on social media. The image of the region reflects the aims of the regional institutional actors, the priorities they have identified and the competences the institution exercises. The analysis of the category of “institutional actors” reveals an increasing diversification of this group, with a growing prominence of communication professionals and a progressive integration of the inhabitants and users of the territory in the institutional storytelling production. This work also studies the ways institutional storytelling is changing according to the context of enunciation and the targets. The factors explaining these changes depend on the period and region considered. These factors can be internal by the level of political power stability, the personality of the regional governor, the elapsed time since the institution's birth, as well as the evolution of the productive sector or demographic changes. They also can be external: the international economic context, the pace of reforms enforced by the State, and the evolution of communication techniques and media

Les petits bronzes des divinités majeures de la Syrie romaine. Inventaire systématique et étude iconographique

L’étude des petits bronzes des divinités de la Syrie romaine et l’élaboration d’un catalogue les regroupant s’occupe de 381 statuettes qui représentaient, à mon avis, les huit divinités majeures honorées par les Syriens entre le Ier et le IV siècles de notre ère: Aphrodite/Vénus, Tychè/Fortuna, Eros, Zeus/Jupiter, Apollon, Héraclès, Dionysos/Bacchus et Adonis ;le choix des divinités fut basé sur la quantité des figurines retrouvées les représentant, prouvant ainsi leurs dominations religieuse et artistique dans la vie des anciens Syriens qui adoptèrent les divinités greco-romaines proches d’eux, nécessaires à leurs cultes, dieux qui avaient tissé des liens profonds avec les divinités locales agraires et astrales des triades syro-phéniciennes et arabes et qui symbolisaient les forces de l’univers, de la fécondité naturelle humaine et animale, de l’abondance, de la pluie, de la végétation et du renouveau de la Nature ;ces dieux les aidaient à affronter la mort et leurs apportaient le salut dans une période de guerre et d’instabilité en rappelant que « l’assimilation des divers aspects du dieu oriental à un dieu grec était un des trait du culte syrien de l’époque ». L’association des dieux grecs aux divinités syriennes fut établie donc selon le concept religieux syrien de la famille sacrée, les dyades et les triades divines liées au culte des divinités agraires. Ces divinités gréco-romaines avaient trouvé leurs homologues dans les panthéons syro-phéniciens, des fois dans le panthéon arabe, divinités qui se sont prêtées mutuellement les attributs et les aspects. Aphrodite/Vénus et Tychè/Fortuna incarnaient le rôle de la déesse-mère syrienne Astarté / Atargatis ;Zeus/Jupiter et Jupiter Héliopolitain représentaient le dieu-père Baalshamim/Hadad/Bêl; Héraclès étant l’incarnation de Melqart roi/héros légendaire et parèdre de la grande déess ;Dionysos/ Bacchus et Adonis représentaient les dieux-fils des différentes triades ;Apollon fut choisi pour son association millénaire aux dieux phéniciens de Chypre combattants et guérisseurs comme Reshef, il fut l’hypostase et l’émanation du dieu suprême de Hiérapolis et de Héliopolis/Baalbeck dans son rôle de dieu du soleil et Eros qui n’avait point un homologue dans les triades syriennes fut choisi comme étant le compagnon et le fils bébé de la grande déesse.

-L’Introduction propose un aperçu global de la Syrie antique et de sa population avant et pendant l’occupation romaine, le rôle des statuettes dans la vie religieuse et sociale, le problème de la datation des figurines, l’histoire des collections syriennes et des collectionneurs.

-Les Figurines sont réparties en huit chapitres séparés ;chaque chapitre comprend l’étude de l’une des huit divinités gréco-romaines en soulignant son rôle dans les mythologies grecques et romaines, son image iconographique et typologique liée à ses prototypes grecs, son rôle joué en Syrie qui nous est connu d’après les textes anciens, les dédicaces, les évidences archéologiques et les monnaies, son association aux divinités indigènes, les images résultant de cette fusion et enfin un inventaire illustré comprenant les différentes statuettes retrouvées en terre syrienne liées à cette divinité, disposées selon un classement typologique attesté par les savants, chacune des figurines étant accompagnée d’un descriptif suivi d’un petit commentaire si nécessaire.

-Le Résumé rappelle les différentes étapes de la recherche en soulignant l’effet du syncrétisme religieux reflété sur les figurines et son importance en Syrie romaine durant cette époque.

N.B. Il me faut signaler l’absurdité et les lacunes des ouvrages traitant des mythes syro-phéniciens ainsi que les interprétations des noms divins syriens de la part des auteurs occidentaux ;ceci nécessite une ré-interprétation modernisée de ces mythes puisque les multitudes noms accordés à ces divinités représentaient en fait les adjectifs et les épithètes que les anciens Syriens attribuaient à une même et unique divinité suprême. La classification des Aphrodites et des Erotes qui manquent d’illustrations m’avait posé des difficultés.

Les statuettes de bronze retrouvées en Syrie étaient destinées à une clientèle riche et aisée, imprégnée par la culture gréco-romaine de l’époque. Ces Syriens hellénisés, qui constituaient la classe dirigeante, commerçante, éduquée, ouverte aux différentes civilisations et religions, pouvaient s’offrir des petits bronzes coûteux et parés de bijoux, une classe qui était souvent liée, par ses convictions religieuses et par les rituels cultuels, aux traditions de ses ancêtres.

Cette catégorie de Syriens avait bien embrassé le culte des divinités grecques et romaines sauf que, dans le choix fait lors de la commande ou de l’achat d’une figurine du panthéon gréco-romain, elle essayait de signaler la présence de leur divinité syrienne qui lui était associée soit dans l’iconographie, soit dans le rajout d’un symbolisme.

L’art grec était donc dominant dans la plastique des figurines des divinités représentées et trouvées en Syrie ;elles étaient liées à des types iconographiques grecs connus par les artisans syriens, connaissance prouvée aussi dans la création de figurines dites « de types hybrides » qui combinaient des attitudes liées à un ou plusieurs types iconographiques connus ;la présence de figurines de types inconnus de l’art grec prouve un individualisme et une grande liberté de la part des artisans syriens. Concernant l’apport syrien dans l’illustration des figurines, il dénote d’une grande connaissance des anciennes traditions artistiques et cultuelles archaïques syriennes, prouvée par un symbolisme typiquement syrien qu’on retrouve sur les statuettes et sur les bases des figurines marquant ainsi une continuité artistique traditionnelle accompagnant une continuité religieuse datant de l’époque protohistorique et qui était pratiquée dès le IIIe Millénaire dans l’art des cités-états syriennes d’Ebla, de Mari, d’Ugarit, de Byblos, d’Alep, d’Amrit, de Sidon, de Beyrouth et de Tyr ;cette connaissance se traduisait dans l’application de fines couches d’or ou d’argent sur la surface des bronzes, l’utilisation de diverses incrustations d’argent ou de pierres précieuses, la création de « pièces détachées » coulées séparément comme les bras, les poignets, la chevelure et les bijoux que les artistes appliquaient ultérieurement aux figurines, le rajout de différents bijoux et de tiares énormes à motifs de palmettes, le style du visage oriental arrondi rehaussé d’un léger sourire, les formes lourdes et épaisses des hanches rappelant la déesse archaïque syrienne de la fertilité, l’utilisation de la coiffure isiaque sur la tête des déesses rappelant le lien Astarté/Hathor/Isis. Les bases des figurines qui symbolisaient toujours le sacré étaient une élaboration contemporaine syrienne liée à l’époque gréco-romaine: travaillées avec soins, elle prirent des formes carrées, hexagonales, rectangulaires ou semi-rondes, étaient munies parfois de marches d’escaliers désignant la cella du temple de la déesse et il faudrait noter que les motifs granulés ou chevronnés dans leurs décorations étaient connus dans l’art de la ville millénaire d’Ebla.

Plusieurs textes d’auteurs anciens avaient mentionné une perpétuité dans les rites et les cultes millénaires archaïques des Syriens anciens pratiqués en Syrie romaine, prouvée par la consécration des rites et des divinités syriennes au IIIe siècle de notre ère bien après l’établissement du Christianisme comme le prouvent la trouvaille de 3 statuettes à l’iconographie grecque, figurant Aphrodite, Zeus et Adonis trouvés ensemble lors d’une fouille à Sidon, prouvant la consécration de la triade agraire divine d’Astarté, du dieu suprême et du dieu -fils ainsi que les nombreuses figurines liées à Zeus/Jupiter Héliopolitain et à la Vénus Héliopolitaine dont l’iconographie fut liée à celle des dieux archaïques orientaux.

Les représentations de la déesse Aphrodite /Vénus qui fut associée, dès son entrée en Syrie, aux grandes déesses locales de la fertilité, représentait aux yeux des Syriens, la déesse-mère, Astarté ou Atargatis, dont le culte dominait toutes les autres divinités, prouvé par le grand nombre de petits bronzes trouvés à son effigie, constituant la majeure partie du catalogue, dont le nombre est égal, jusqu’à présent, à 256 répliques. Son rôle s’étendait sur tous les domaines de la vie et de la mort chez les humains, incluant les domaines privés, publics, religieux, sociaux et surtout économiques, octroyant la fertilité et l’abondance ou la sécheresse et la misère, la paix ou la guerre.

Les statuettes concernant Aphrodite sont toutes plus ou moins fidèles aux prototypes grecs qu’elles représentaient, la présence de la déesse syrienne est constatée par les formes grasses et lourdes du corps comme le montrent les nos. 82, 97, 108,109 ou dans le port de grandes stéphanés/tiares comme le montrent les nos 59, 243, 245, 246, 256, ou dans la présence d‘un temple posé sur des bases munies de pattes de lion, l’animal lié à la déesse, comme le montrent les nos 21, 39, 59, 68, 73, 77, 99, 106, 117, 204, 206, ou dans le port des différents bijoux sur les nos 31, 91, 99, 129, 144, 166, 186, 200, 237, 251.

Dix types iconographiques grecs classiques et hellénistiques étaient liés aux représentations des figurines liées à la déesse Aphrodite :

La déesse nue était représentée sur 196 figurines, suivi de 33 Aphrodite à torse nu, les jambes drapées et 27 Aphrodite portant des tuniques moulantes et une draperie entourant les jambes.

Le type nu des divinités syriennes de la fertilité avait récolté 4 statuettes

Le type pudique de la déesse cachant sa nudité avec les variantes était très apprécié ;il fut représenté sur 58 statuettes dont 45 nues, 6 mi-drapées, 7 vêtues

Le type anadyomène essorant les cheveux avec les variantes est représenté sur 45 statuettes dont 40 nues et 5 mi-vêtues.

Le type de la Vénus d’Arles tenant le miroir et la pomme avec les variantes est représenté sur 28 statuettes dont 19 nues et 9 mi-vêtues

Le type se parant « Psélioumenè », mettant un collier ou un bandeau, parut sur 27 statuettes nues

Le type Cnidien cachant d’une main le sexe avec des variantes parut sur 22 statuettes nues

Le type accroupi parut sur 1 statuette nue

Le type menançant avec la sandale et ses variantes est rapporté sur 16 statuettes nues

Le type déliant la sandale est représenté sur 11 statuettes nues

Le type mettant le ceste parut sur 3 aphrodites nues

Pour les représentations de Tychès/Fortuna, la déesse des villes syriennes, elle s’associait à la grande déesse Astarté dans la maîtrise des villes et de ses habitants, dans la maîtrise de la destinée humaine, devient la parèdre du dieu-père et du dieu fils dans certaines cités; la déesse gréco-syrienne aux traits orientaux paraît sur les nos 25, 27 et 26 comme étant la déesse des villes portuaires de Tyr et de Césarée et sous les traits de la Vénus Héliopolitaine.

Concernant, Eros, il était le dieu-fils préféré de la déesse, figuré sous son aspect enfantin accompagnant la grande déesse sur plusieurs dizaines de représentations dont les nos 59, 68,69, 70,71,72, 73, 86, 91. Il figurait seul dans plusieurs attitudes libres, sans prototype défini selon le plaisir de l’artisan comme le montrent les nos 23, 27, 37,39 .

Zeus/Jupiter, en reprenant en Syrie le contrôle du monde cosmique, astral et humain sous les Séleucides et les empereurs romains, s’identifia sans peine aux grands dieux suprêmes et cosmiques, les Baals syro-phéniciens Hadad, Baalshamim ou Bêl, pour devenir Jupiter Héliopolitain, le dieu astral et cosmique qui, en reprenant son aspect archaïque ancestral, conquit le monde gréco-romain. Le dieu-père syro-phénicien fut à certain moment dépassé par la déesse astrale, qui régnait seule sur tout le monde humain sauf que son rôle avait pris un nouvel essor à l’époque romaine devenant le maître suprême du monde cosmique et humain, le grand régulateur du monde comme le fut Zeus/Jupiter héliopolitain. Les figurations de Jupiter Héliopolitain sont syriennes à cent pour cent, sans aucune influence grecque comme le montrent les nos 6 ,7, 8, 9 10, 11, 12 et 13

Apollon dieu archer et dieu oraculaire, associé aux dieux guerriers syro-phéniciens locaux de Chypre Nergal et Reshef dès la colonisation de l’île par les Phéniciens au IX-VIIIe siècle av.J.C. devient sous l’empire romain, le dieu du soleil, vénéré en Syrie, devenant ainsi l’hypostase des grands Baals syro-phéniciens Baalshamim et Hadad et figurait sous un aspect engainé auprès des dieux Hiérapolitains et Hélopolitains. Les figurines le représentant étaient travaillées selon le concept et le style grec comme le montre la figurine d’Isriyé, portant le no 1

Héraclès, dont les diverses légendes et mythes le rapprochaient de Melqart de Tyr, le dieu-fils et le parèdre d’Astarté, fut honoré en Syrie pour sa force physique et son héroïsme incarnant le dieu mourant et renaissant, le dieu qui procurait la victoire et le salut contre la mort ;il figurait sur les statuettes selon les types iconographiques classiques sans aucune influence syrienne sauf pour le no 1 qui rappelle les figurations des dieux sémitiques, brandissant de la main droite la massue levée près de la tête.

Dionysos figuraient sous les traits grecs, selon les types classiques déjà connus, ces représentations étaient peu nombreuses bien qu’il était un des grands dieux de l’histoire des religions .

Les représentations d’Adonis n’étant pas liées à un type iconographique connu du dieu, il me semble que le type fut élaboré à Sidon selon des critères syriens comme la présence d’un phallus sur la base qui rappelle son rôle de dieu de la fertilité et de la semence, la chevelure frisée et le visage rond de la figurine no 1 rappelant son origine orientale, le modèle du manteau porté en biais sur le torse ne se trouvant sur aucun des documents iconographiques connus.
Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire de l'art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

Apollon, Mars et Minerve ont été classés par César parmi les divinités gréco-romaines les plus honorées en Gaule romaine. Dans le contexte de la Gaule centrale, entre Loire et Seine, les différents vestiges de nature épigraphique, iconographique ou mythologique relatifs aux trois divinités ont été envisagés comme des "indices". La majorité de ces "indices" recueillis sont datables du Haut Empire (Ier-IIIe siècles ap. J. -C. ). La notion de religion gallo-romaine, telle que définie par P. -M. Duval, nous semble particulièrement appropriée à la Gaule centrale. De plus, nous proposons une première liste, non exhaustive, des rapports s'établissant entre l'individu gallo-romain et son environnement religieux. Ces rapports, parfois complémentaires, tant religieux que politiques ou sociaux, forment ce que nous définissons par le" fait religieux ".

The thesis examines c. 280 forms and motifs derived from a reconstruction of 93 gold stater types struck within 7 geographical regions across southeastern England, c. 80 BC - AD 45. The thesis highlights the emerging presence of an iconographic repertoire across southern Britain during the late pre-Roman Iron Age. Gold staters remain an important aspect of this phenomenon which is demonstrated to have manifested itself in other media, particularly metalwork. That this new art form supplemented, but did not supplant, existing types of non-representational La Tene style art is suggested by the presence of other types of object that continue to be decorated in this fashion throughout the first century AD. In the absence of any other type of established or coherent methodology Erwin Panofsky's (1993, 1972) method of iconographic analysis is adopted in order to provide a framework for the analysis. Whilst retention of Panofsky's three 'Acts of Interpretation' can be justified, a post-structuralist critique of Panofsky's method exposes fundamental theoretical shortcomings with regards the interpretation of meaning. In contrast to preceding interpretations of iconographical data, inferences are made upon the basis of lan Hodder's (1995, 1986) 'context of use' of other types of comparable forms and motifs within the archaeological record. The iconological content of staters is interpreted in terms of a transition, c. 20 BC - AD 10, from the expression of corporate or public ideals in a 'tribal periphery' to the manifestation of personal or private concerns in the southeastern 'core'. This divergence coincides with the emphasis placed upon the relative 'monetary' or 'political' roles performed by coinage within these regions. From the context of the forms or motifs illustrated on staters it is concluded that such images were appropriated by members of a minority social elite to legitimise and maintain their position at the apex of a social hierarchy.

This thesis investigates the panel paintings produced in the Riminese context in the first half of the Trecento. These altarpieces, crosses and devotional panels have been widely dispersed, fragmented and decontextualised over the centuries, and this study reunites the panels and investigates the unusual iconographical traits and distinctive formats employed. The introduction looks at previous discussions of the panels and at the available documentary evidence. It also discusses the historical context in which the panels were produced. The first chapter re-examines the relationship of Giotto to Rimini and to the Riminese painters by investigating the nature of Giotto's work in Rimini, at the beginning of the Trecento, and how this work influenced local panel painting in the following decades. The second chapter investigates the surviving visual evidence and analyses the forms of iconography, and the types of visual language, utilised by the Riminese painters. The chapter also investigates, in detail, specific images employed by the painters. It reveals that the narrative image was predominant, whereas iconic imagery tended to be subordinated, and highlights the dual impact of Byzantine and modern Italian iconography. The third chapter investigates the group of extant painted crosses from the area around Rimini and proposes that the Franciscan Order was instrumental in the popularity of the painted cross in the region. The fourth chapter discusses the extant altarpieces and attempts to contextualise these fragmented works. It investigates the development of the Riminese altarpiece, from dossal to polyptych, with particular reference to the unusual formats employed in the structures. The final chapter investigates the Riminese devotional panels and links the iconographies with the female mystics of the early Trecento, as well as the Franciscan Spirituals of the Marches. The impact of Adriatic trade on the devotional panels is discussed in terms of the powerful influence of imports from Byzantium, such as mosaic and ivory icons.

Dominant un vaste territoire au nord des Alpes occidentales, les Allobroges ont su profiter de l'essor insufflé par le Pax Romana. Leur cité, Vienne, au coeur de la Narbonnaise, connaît sa période la plus florissante aux deux premiers siècles de notre ère, fondant sa remarquable prospérité sur différentes promotions juridiques et sur une certaine réussite économique. Le peuple allobroge et ses notables prennent le parti d'une latinisation précoce et nouent dès le début du Principat des liens étroits avec Rome, ce qui entraine des mutations culturelles et sociales profondes.Bien que cette cité romanisée et aristocratique nous soit bien connue, la complexité de sa société s'exprime encore aujourd'hui autour de notions telles que l'identité, le rôle ou la fonction. Or, la qualité et la diversité du patrimoine archéologique, les témoignages épigraphiques comme iconographiques parvenus jusqu'à nous peuvent permettre de mieux comprendre la construction identitaire de ce peuple.En effet, Le développement municipal va s'accompagner d'une dimension spirituelle. L'implication des magistrats civils et des institutions religieuses à travers les prêtrises référencées, l'influence des grandes familles, la portée des actes d'évergétisme de citoyens plus ou moins fortunés et la place des femmes dans la ferveur viennoise expliquent notamment le développement et la vitalité du culte impérial, le succès rencontré par les divinités gréco-romaines, l'implantation de religions à Mystères et la pérennité de certaines divinités indigènes.Cette étude propose aux lecteurs de saisir les interactions entre dévots, dédicants et intégration des élites tout au long de cette période pour apporter un éclairage nouveau sur cette société singulière, tout en appréhendant les particularités et la richesse du panthéon viennois

Cette recherche se fonde sur l'inventaire de l'ensemble des scènes de dévoration connues en France et en Espagne où un humain a tout ou partie du corps dans la gueule d'un animal androphage (600 exemplaires recensés). Ces images ont été abordées selon deux grandes approches. Une approche quantitative, statistique, fondée sur l'analyse de plusieurs variables: les régions dans lesquelles se situent ces images, leur support de rattachement, leur emplacement sur l'église, leurs composants iconiques, leur environnement syntaxique. Une approche de type iconographique, qualitative, en rapport avec le contexte historique dans lequel elles ont été produites. Ces images posent de délicats problèmes interprétatifs, quand on ne leur dénie pas toute signification. Loin de représenter Jonas avalé puis recraché par un poisson comme certains auteurs ont pu l'affirmer, certaines d'entre elles illustreraient les étapes de l'eschatologie chrétienne: le passage de la vie à trépas, I'attente de l'âme dans l'au-delà avant l'heure du Jugement, I'accès à l'enfer, la damnation éternelle à proximité de satan au cœur de l'enfer. Et pour la grande majorité de ces images, il s'agirait de vivants sous l'emprise du Diable, non pas sur le point d'être avalés ou recrachés par l'animal, mais subissant une sorte de dévoration permanente. Ce sont en général des pécheurs hors-normes, les pires d'entre eux, les ennemis du Christ et de I'Ecclesia, c'est-à-dire les adversaires politiques des commanditaires de ces images. Car celles-ci ont été produites au cours de la réforme grégorienne, par des commanditaires réformateurs, dans le but de diaboliser leurs adversaires et légitimer leurs propres engagements religieux. Ces résultats iconographiques pourraient, dans le futur, modifier notre approche de la sculpture romane qui véhiculerait des discours à caractère non seulement religieux ou moral, mais également social et politique.

Thesis (MPhil(R)) - University of Glasgow, 2008.
MPhil(R) thesis submitted to the Department of History of Art, Faculty of Arts, University of Glasgow, 2008. Includes bibliographical references. Print version also available.

Cette étude s'intéresse aux décors sculptés dans le théâtre et l'odéon de Carthage. Le premier volume, consacré au théâtre, présente un inventaire avec une description et des réflexions sur la typologie, la chronologie et la restitution de chaque sculpture. La même démarche est suivie dans le second volume consacré à l'odéon. Les sculptures trouvées dans cet édifice constituent un ensemble de pièces collectées dans certains édifices carthaginois du milieu du IIe siècle. Le troisième volume s'intéresse aux groupes statuaires que nous avons pu reconstituer. Le décor sculpté du théâtre révèle l'existence d'un programme iconographique élaboré ; celui de l'odéon est plus varié et reflète une cohérence thématique entre certains éléments qui le composent. L'étude générale des sculptures romaines découvertes à Carthage confirme qu'elles ont été importées essentiellement de l'Orient romain, notamment celles qui remontent au IIe siècle, alors qu'une bonne partie de ces sculptures fut produite dans des ateliers locaux

En italie meridionale, a l'epoque romane, l'ambon est un meuble d'une valeur insigne. On l'utilise pour la benediction du cierge le soir du samedi saint. C'est aussi le lieu de la parole et l'un des pole les plus importants de la celebration eucharistique apres l'autel. Il recut donc dans les regions des abruzzes et de la campanie un decor qui souligne son importance liturgique et exalte la hautespiritualite de sa fonction. L'examen des techniques et du style des sculptures de ces ambons - d'une qualite artistique remarquable - nous a permis d'apporter des precisiions sur l'evolution de la sculpture dans ces regions. Grace a l'etude du repertoire iconographique, riche et original, nous avons pu mieux comprendre l'importance que les clercs accorderent a la proclamation de l'evangile au sein du dispositif cultuel.

Cette thèse se constitue de deux analyses statistiques qui sont mises au service de l’étude de l’identité culturelle de Saint-Julien de Brioude. Riche d’un luxuriant passé, la compagnie de Brioude entretenait un réseau de relations complexes. Les arts et la liturgie ont constitué notre support pour l’étude identitaire du chapitre. L’étude du bréviaire brivadois nous a permis de montrer l’originalité de la liturgie brivadoise. Cette liturgie n’était pas aussi clermontoise qu’on le présumait jusqu’à présent. Née d’un métissage mêlant la tradition liturgique aquitaine et vellave, la liturgie de Brioude avait été dotée de pièces de chants et d’oraisons propres. La mise en scène spatiale des reliques participait à la typicité de la collégiale que les pèlerins visitaient. À côté du tombeau de Julien, d’autres corps de saints et des reliques faisaient l’objet de dévotions. Le programme sculpté de la collégiale avait été pensé en deux temps. Souvent fidèlement liés aux sujets iconographiques utilisés dans le diocèse de Clermont, les chapiteaux de Brioude avaient été agencés en fonction des zones divisant l’espace ecclésial. Ces zones gigognes se voisinaient en faisant concurrencer l’agencement des reliques, du mobilier et des images. Le chevet faisait dialoguer l’iconographie du Saint-Sépulcre et des croisades avec le tombeau-reliquaire de Julien et les autels secondaires. Les sculptures étaient utilisées comme de véritables signalétiques s’animant autour du drame liturgique. Les images participaient à la constitution d’un espace mémoriel participant à la mémorisation liturgique de l’histoire.Cette étude offre des perspectives dépassant le cadre de la monographie. Liturgie et arts peuvent fournir des éléments de compréhension concrets à propos des échanges culturels et des aménagements de l’espace ecclésial. L’origine familiale des chanoines avait déterminée cette zone (le Brivadois) située à la confluence de l’Aquitaine auvergnate et du Velay (zone tampon avec l’Empire). Le chapitre de Brioude placé au milieu des deux, sans être central, en avait tiré les bénéfices culturels et un rayonnement propre. Le chapitre de Brioude avait ainsi pu façonner sa collégiale afin de célébrer la compagnie canoniale elle-même et le saint dont elle détenait les reliques. Attirer à elle les foules permettait à la compagnie aussi bien de faire perdurer la mémoire du saint patron que de leur procurer les ressources essentielles à leur fonctionnement. La collégiale était réalisée comme un marqueur du paysage déterminant une identité architecturale attractive
This thesis is made up of two statistical analyses which are at the service of the study of Saint-Julien de Brioude’s cultural identity. Having had a lush history, the Brioude Company kept a complex web of relationships. Both, art and liturgy, were the frame for the identity study of this chapter. The study of the Brivadois breviary proved how unique the Brivadois liturgy was. Unlike what was thought at first, such liturgy was not as close as to that of Clermont-Ferrand. Born from the blending of liturgical tradition from Aquitaine and Velay, the Brivadois liturgy was endowed with singing pieces and specific orations. The spatial staging of the relics partook of the collegiate’s specificity the pilgrims visited. Next to Julien’s gravestone, other Saints’ bodies and relics were subjected to devotions.The collegiate’s sculpted program was designed in two times. As they were often faithfully linked with the iconographic subjects used in Clermont’s diocese, Brioude’s capitals were put together in accordance with the areas dividing the ecclesial space. These nested areas were next to one another and highlighted the differences between the relics, the furniture and the images. The chevet intertwined Saint-Sépulcre’s iconography, along with its Crusades, with Julien’s reliquary gravestone and the secondary altars. The sculptures were used as genuine signage livened up around the liturgical tragedy. The images took part in the setting up of history’s liturgical memorial space.This study gives new perspectives which go beyond the monographic frame. Liturgy and arts can provide us with tangible understanding elements regarding the cultural exchanges and the layout of the ecclesial space. The canon’s familial origin determined this area (the Brivadois) located at the confluence of Auvergne’s Aquitaine and the Velay (buffer zone with the Empire). From the Brioude chapter located between these two, without being central, it extracted the cultural benefits as well as a very own standing. The Brioude chapter thus managed to shape its collegiate so as to celebrate the canonical company itself and the Saint whom she possessed the relics from. Attracting the crowd enabled the company to carry own the patron Saint’s memory and to provide themselves with the essential resources to make it operate. The collegiate was undertaken as a landscape’s landmark determining an attractive architectural identity

La thèse se présente en deux grandes parties. L'une aborde les aspects des cultes et des mystères célèbres à Eleusis. L'autre est une étude des représentations figurées. Cette recherche a pour but. Tout d'abord, de présenter un catalogue des plus complet possible, en respectant la chronologie, et en décrivant les scènes par catégories thématiques et par supports : céramiques peintes, statues, reliefs, terres cuites et monnaies pour l'art grec, sarcophages, mosaïques et monnaies pour l'art romain. Ensuite, mettre en évidence l'évolution et la fluctuation thématique et en expliquer les raisons. Enfin, aborder les diverses significations que peuvent revêtir certains thèmes, d'une époque à l'autre. L'étude aborde aussi plusieurs problèmes d'interprétations de scènes figurées, comme la présence de Dionysos dans le cercle des divinités éleusiniennes; la personnalité des divinités chthoniennes que sont Theos et Thea, et l'origine du syncrétisme des rites dionysiaques et demétriaques dans les monuments figurés de l'art romain.

This thesis considers the use of numismatic imagery in the Byzantine Empire during the period 610-867, with its main focus centred in the period 685-842. Though charting the iconographic trends and changes on the coinage of the period and the possible reasons behind them is the principal raison d’être of the thesis, it also tackles methodological issues such as the use and abuse of dies studies and ways of determining who decided what images appeared on coins. The main body of the text is arranged chronologically with the methodological issues appearing throughout. Exceptions to this format are the first chapter, which considers the economic context of coin circulation in the period and the gold purity of the coins of the period, and the third chapter, which considers the production at the mint of Cherson, which produced anonymous coins not identifiable by date, but still part of the context. Finally, the thesis contains two appendices, the first paper appendix presents a catalogue of the coins held at the Barber Institute of Fine Arts for the period 685-842, and the second CD-ROM appendix presents the data from the All That Glitters ... project, testing the purity of Byzantine gold coins with x-ray fluorescence.

A la fois lieu commun du raisonnement et cliché discursif - selon la distinction opérée par Remy de Gourmont pour qui le lieu commun renvoie à la banalité de l'Idée, tandis que le cliché représente la matérialité même de la phrase -, l'antienne de l'influence du Roman de la Rose sur les arts figurés au Moyen Âge est devenue l'une de ces nombreuses redondances argumentatives sustentant régulièrement la rhétorique en histoire de l'art. Partie de ce constat inflationniste et du désir de vérifier le bien-fondé d'une hypothèse iconographique reliant le Roman de la Rose à la tenture de la Dame à la Licorne, cette enquête a essayé de mettre en exergue le danger des lieux communs de l'interprétation en histoire de l'art, et plus particulièrement de ceux faisant un usage inconsidéré du texte de Guillaume de Lorris et Jean de Meung
Both discursive cliché and commonplace reasoning – according to the distinction made by Remy de Gourmot for whom the commonplace refers to the banality of the Idea while the cliché is the very materiality of the sentence – the anthem of the Roman de la Rose's influence on figurative arts in the Middle Ages became one of those many redundancies regulary invoked in argumentative rhetoric. Provoked by this observation and by the desire to check the relevance of an iconographic hypothesis linking the Roman de la Rose to the tapestry of the Lady and the Unicorn, this investigation has tried to highlight the danger of the interpretation commonplaces in Art History, especially those making a reckless use of Guillaume de Lorris and Jean de Meung's poem

Aquesta investigació presenta una anàlisi crítica de les combinacions del sistema arquitravat i el sistema arcuado en l'Imperi Romà, que abordem específicament a través de la "serliana", les seves variants i els motius a aquesta estructura vinculats, aprofundint en les seves cronologies i àmbits geogràfics, evolució tècnica i formal (filiacions, precedents i conseqüents), funcions, contextos i simbolisme dins de l'anomenada "arquitectura del poder". Tot això amb atenció a les fonts disponibles (arquitectura, iconografia, fonts escrites) i acarant l'ocupació d'aquests motius en l'arquitectura i la iconografia de l'Imperi Romà. A l'apèndix ens aturem a la reinterpretació medieval i renaixentista d'aquests motius arquitectònics a través del cas d'estudi de la koiné cultural del palau de Carles V a Granada. En suma, s'ofereix una lectura iconològica de conjunt innovadora per a la temàtica proposada, atenent un fil conductor transversal a cavall entre l'Arqueologia, la Història de l'Art i la Història de l'Arquitectura. [traducción automática]
Esta investigación presenta un análisis crítico de las combinaciones del sistema arquitrabado y el sistema arcuado en el Imperio Romano, que abordamos específicamente a través de la “serliana”, sus variantes y los motivos a dicha estructura vinculados, profundizando en sus cronologías y ámbitos geográficos, evolución técnica y formal (filiaciones, precedentes y consecuentes), funciones, contextos y simbolismo dentro de la llamada “arquitectura del poder”. Todo ello con atención a las fuentes disponibles (arquitectura, iconografía, fuentes escritas) y cotejando el empleo de tales motivos en la arquitectura y la iconografía del Imperio Romano. En el apéndice nos detenemos en la reinterpretación medieval y renacentista de estos motivos arquitectónicos a través del caso de estudio de la koiné cultural del palacio de Carlos V en Granada. En suma, se ofrece una lectura iconológica de conjunto novedosa para la temática propuesta, atendiendo a un hilo conductor transversal a caballo entre la Arqueología, la Historia del Arte y la Historia de la Arquitectura.
This research presents a critical analysis of the architectural combinations of trabeated system and arcuated system used throughout the Roman Empire. We specifically focus on the "serlian motif", its variants and related motifs, detailing its chronology and geographical areas of occurrence as well as its technical and formal evolution (affiliations, precedents and consequents), functions, contexts and symbolism in the "architecture of power" sphere. Special attention is paid to available sources in the fields of architecture, iconography and literature by comparing the use of such motifs in the architecture and iconography of the Roman Empire. The appendix is the case study of cultural koiné of the palace of Charles V in Granada, which exemplifies the Medieval and Renaissance reinterpretation of this motif. This thesis provides a new iconological reading for the proposed theme, across the fields of archeology, art history and history of architecture.

Of the eighty-five known Roman mosaics that depict Orpheus charming the animals, or the theatrum, eight of these mosaics are located in Southwest Britain. The Orpheus mosaics were laid at the end of the third through the fourth centuries A.D. in lavish Roman villas at the sites of Barton Farm, Brading, Littlecote Park, Newton St. Loe, Wellow, Whatley, Withington, and Woodchester. Along with the central image of Orpheus, all eight mosaics contain Bacchic iconography. While the Orpheus mosaics in Roman Britain are the topic of several publications, none have addressed the appearance of Bacchic imagery in conjunction with that of Orpheus. This dissertation investigates the relationship between Orpheus and Bacchus in the Classical world in order to explain the frequent appearance of Bacchic iconography on Orpheus mosaics in southwest Britain. In order to understand how the Roman aristocracy viewed the relationship between Orpheus and Bacchus, this dissertation explores three avenues of study. First, the more then seventy-five figures and objects that are part of the Bacchic iconographic repertoire associated with the Orpheus mosaics are identified and their connection with Bacchus established. Second, the connection between Orpheus and Bacchus in the Greek Classical Period is explored to establish a literary and artistic tradition from which the Roman tradition emerged. Third, an examination of Greek and Latin literature from the third century B.C. to the sixth century A.D. is undertaken to describe how Orpheus was perceived by pagan and Christian Roman elite as the founder of the Bacchic mysteries and the author of the sacred texts used in these mysteries. Furthermore, the evidence presented within this dissertation demonstrates that the Orpheus mosaics in southwest Britain were placed in public areas of wealthy Roman villas to reflect the homeowners' knowledge of both the past and present philosophical and theological beliefs. These mosaics advertise the provincial Roman aristocrat's Classical education while maintaining their association with the city of Rome and the imperial court in Constantinople.

Ce travail sur l’iconographie de Fortune au Moyen Âge et à la Renaissance se base sur un corpus de plus d’un millier d’images dont seul un tiers y est reproduit. L'enquête commence par une nécessaire étude lexicographique qui permet de mieux cerner les sens du mot latin « fortuna » ainsi que ceux du mot français « fortune » entre le xie et le xvie siècle. Une seconde partie s’intéresse au motif iconographique de la Roue de Fortune médiévale – i.e. cette roue sur le pourtour de laquelle prennent place des personnages dont le premier monte, les second trône, le troisième tombe et le dernier gît à terre –, depuis sa genèse dans un manuscrit bénéventain datant des années 1060-1070 jusqu’à sa diffusion sur toutes sortes de supports (peinture murale, sculpture monumentale, mosaïque, etc.) ainsi qu’aux différents usages de ce motif (didactiques, emblématiques, divinatoires). Une troisième partie recense les nombreuses variantes que génère au fil des siècles ce très fécond motif : Roue de la Vie, Roues animales satiriques, Roue des Vicissitudes de l’Humanité, etc. Une quatrième partie étudie la personnification de Fortune qui apparaît au xiie siècle, tant dans les images que dans les textes, avant de devenir l’une des vedettes de l’iconographie de la fin du Moyen Âge, la figure de Fortune se retrouvant dans d’innombrables manuscrits de Boèce, Jean de Meun, Boccace ou Christine de Pizan. La cinquième et dernière partie est consacrée à la mutation que connaît Fortune à la Renaissance, mutation qui la voit changer tant de forme que de fonction, l’aveugle et duplice déesse du sort abandonnant alors sa fonction didactique – et la roue d’exemples qui va avec – pour devenir une accorte jeune femme nue à la mèche de cheveux flottant au vent dont la fonction est propitiatoire et l’usage emblématique
This work on the iconography of Fortune in the Middle Ages and the Renaissance is based on more than one thousand images of which only one third is reproduced in the document. The study begins with a lexicographical study aiming at better understanding the various meanings of the Latin word « fortuna » and the French word « fortune » from the xith to the xvith centuries. The second section addresses the iconographical pattern of the mediaeval Wheel of Fortune – i.e. that wheel where four human beings occupy different positions on the rim: the first ascends, the second is enthroned, the third falls and the fourth lays on the ground – from its inception in a 1060-1070 Beneventan manuscript to its diffusion to various media (mural painting, monumental sculpture, mosaic, etc.) as well as its different uses (didactic, emblematic, divinatory). The third section identifies the numerous variations that this fertile pattern has generated over the centuries: Wheel of Life, satirical animal Wheels, Wheel of Vicissitudes of Humanity, etc. The fourth section studies the personification of Fortune which appears in the xiith century before becoming a star of late mediaeval iconography, her figure gracing innumerable manuscripts of Boethius, Jean de Meun, Giovanni Boccaccio or Christine de Pizan. The fifth and final section is devoted to Fortune’s mutation during the Renaissance: changing both form and function, the blind and treacherous goddess of fate gives up her didactic function – and the wheel of examples that comes with it – and becomes a beautiful naked woman with a forelock whose function is propitiatory and use emblematic

Cette étude n'a pas pour objet de proposer une nouvelle définition archétypale de Dionysos, mais d'étudier, par une approche pluridisciplinaire, les mécanismes de perméabilité entre les différents phénomènes caractérisés comme dionysiaques, dans leur propre domaine de production et de réception – religieux, artistique, politique, philosophique. La première partie concerne l'évolution historique des cultes de Liber à Rome et en Italie. La deuxième est consacrée aux images du dionysisme à Pompéi, à leur fonctionnement et leurs évolutions internes. Les troisième et quatrième parties aboutissent au dionysisme augustéen : l'une est consacrée aux sources textuelles, l'autre aux sources figurées. La thèse soutenue ici est que, loin d'avoir jugulé un dionysisme compromis par la propagande d'Antoine, Auguste en a utilisé les composantes susceptibles de le légitimer dans son pouvoir monarchique, en le reconfigurant dans un système gréco-romain sensiblement nouveau
This essay is not intended to reappraise the archetypal image of Dionysus, but, by means of a multidisciplinary approach, to sort out the interaction process between the so-called Dionysiac phenomena, taking into consideration their own contexts of production and reception in Late Republican Rome: religious, artistic, political, philosophical. The first part studies the historical evolution of Liber's cults in Rome and Italy. In second instance Dionysiac images from Pompei are analyzed to enlighten their internal system and its evolution. Third and fourth parts lead to Augustean Dionysism: the one studies literary texts, the other figurative evidence. I argue that, instead of erasing Antonius' Dionysism, Augustus developed the side which would legitimate his monarchic power, shaping it into a definitely new “Greco-Roman” system

La thèse propose d'aborder la question des programmes iconographiques sur chapiteaux historiés durant la période romane en s'appuyant à la fois sur des aspects philosophiques, historiques et cognitifs. Il s'agit de démontrer à travers l'exemple majeur de la basilique Sainte-Marie-Madeleine de Vézelay que l'élaboration d'un programme scupté sur chapiteaux relève d'une construction discursive complexe qui nécessite de faire appel aux outils sémiotiques qui favorisent l'analyse du langage. On insistera donc sur l'ensemble des relations de complémentarité, de contrariété ou de de contradiction sur lesquelles se fondent les structures langagières qui sous-tendent le décor sculpté roman. L'analogie, son fonctionnement et le raisonnement qu'elle rend possible contribueront également à une meilleure compréhension de l'image romane

Les manuscrits des Commentaires des Psaumes copiés aux XIe et XIIe siècles sont parfois illustrés; parmi eux, ce sont essentiellement les traités de saint Augustin et de Pierre Lombard qui reçoivent une illustration. L'iconographie accorde une large place au Christ que les écrits interprétatifs considèrent comme annoncé par les psaumes. David, le roi prophète, est communément accepté en tant qu'auteur du Psautier et à ce titre souvent figuré. A ces deux figures prééminentes se greffent des portraits d'auteurs, des personnages bibliques, des psalmistes et des impies, ainsi que des compositions moralisatrices visant à l'édification du lecteur. Ce travail analyse un corpus de manuscrits qui s'inscrivent dans une période charnière de l'histoire de l'enluminure médiévale. A l'imagerie relativement créative des manuscrits des alentours de 1100 succèdent, en liaison avec l'apparition des traités composés sur un nouveau mode, les prémisses de la standardisation adoptée au XIIIe siècle

Coronae, stephanai e diademata sono gli attributi più evidenti nella ritrattistica femminile di età imperiale e si configurano non solo come gioielli, ma anche come veicolo di informazioni. Obiettivo del presente lavoro è dimostrare come tali manufatti siano significativi indizi del rango e della posizione delle donne della famiglia imperiale, poiché legati al titolo di Augusta e alla legittimazione del potere grazie al ruolo delle donne come madri. Attraverso lo studio di un campione di ritratti pertinenti alla statuaria, alla glittica e alla numismatica, si propone una tipologia degli attributi e si affronta la loro analisi in relazione ai singoli soggetti, alle diverse dinastie e ai contesti in cui sono utilizzati. La ricerca ha sviluppo diacronico e copre il periodo compreso fra Livia ed Elia Ariadne.
Coronae, stephanai and diademata are the clearest feautures in Roman female portraiture and they emerge not only as jewels, but also as a way to convey information. Aim of this work is to demonstrate how these artifacts are substantial clues to understand roles and positions of the female part of Roman Imperial families, since they are connected to the title of Augusta and to the dynastic legitimacy, thanks to female role as mothers of emperors. A catalogue of portraits from statuary, glyptic and numismatic leads to a tipology of these objects and to their analysis regarding single persons, dynasties and backgrounds. The study goes from Livia to Aelia Ariadne.

Le dieu Sol, personnification de l’astre du jour, est documenté à Rome et en Italie bien avant l’avènement de l’empire. Dieu longtemps secondaire, ce n’est que durant l’Antiquité tardive qu’il gagne en importance, mais jamais au point de supplanter Jupiter et de devenir la divinité suprême. Cette étude a pour but d’offrir une approche renouvelée de l’interprétation de son image, en mettant en valeur la constance de son iconographie, l’uniformité des messages qui lui sont associés, son importance croissante dans l’idéologie politique impériale, et ensuite de les expliquer et de les réintégrer dans une perspective plus globale du IIe au IVe siècle. Cette présente thèse a ainsi pour but d’étudier les représentations du dieu Sol, à la fois personne divine et personnification de l’astre diurne, puis d’en déduire la nature du pouvoir cosmique du dieu, notamment par l’étude des documents dans lesquels il est mis en relation directe ou indirecte avec d’autres divinités, et de mettre en relief la spécificité de l’utilisation de l’image du dieu Sol dans un contexte impérial
The Sun deity was documented in Rome and in Italy well before the advent of the Empire. Considered secondary for a long time, this god’s importance grows only during the late Antiquity.This study aims at offering a renewed approach of its image by emphasizing the constancy of its iconography, the uniformity of the messages associated to it, and its increasing importance in the imperial political ideology which we are to explain and place in a more global perspective from the 2nd to the 4th century.Within this thesis we will study the representations of the Sun deity, as a god and as the personification of the sun. From the analysis of its documented relationship to other divinities we will establish its cosmic power and the particular use of its image in an imperial context