Zeitschriftenartikel: „Temps d’arrêt“

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Lavergne, Marc. „Soudan : temps d’arrêt ou nouveau départ ?“ Esprit Sptmbr, Nr. 9 (2019): 25. http://dx.doi.org/10.3917/espri.1909.0025.

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Schmitt, Jean-Claude. „Broder les rythmes“. rythmer, Nr. 16 (11.04.2011): 23–34. http://dx.doi.org/10.7202/1001954ar.

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Cette rapide étude des rythmes de la Tapisserie de Bayeux s’inscrit dans une réflexion bien plus large portant sur l’histoire des rythmes au Moyen Âge. Celle-ci concerne notamment les rythmes des images et ceux de la narration historique, ce qui justifie l’examen de la célèbre broderie. Cette étude croise l’analyse des bordures, des images de la bande centrale et des inscriptions latines. L’usage des temps verbaux suggère que l’oeuvre pouvait être commentée à haute voix lors de son exposition (attestée au 15e siècle) à l’occasion de la fête de la dédicace de la cathédrale de Bayeux. La répétition et la variété des formes, des couleurs, des sons, les accélérations et les ralentissements du mouvement des cavaliers et des fantassins, et même les temps d’arrêt et les retours en arrière, donnent à la broderie son caractère rythmique exceptionnel.

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Torreilles, Claire. „œuvre occitane d’Andrée-Paule Lafont“. Voix Plurielles 19, Nr. 2.1 (26.11.2022): 111–30. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v19i2.4107.

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Andrée-Paule Lafont (1922-2015) fut une actrice reconnue de l’occitanisme dans les années 1950 jusqu’au début des années 1960. Elle s’est vivement impliquée dans le domaine de la poésie occitane comme poète et comme lectrice exigeante des cahiers de la jeune collection Messatges. Son activité de critique que l’on suit dans les articles publiés notamment dans la revue Oc culmine avec l’édition, en 1962, de la remarquable Anthologie de la poésie occitane. Dans le même temps, A.-P. Lafont compte au nombre des précurseurs les plus éclairés de l’enseignement de l’occitan. Nous présenterons les différents aspects d’une œuvre ambitieuse à laquelle elle mit soudainement un point d’arrêt.

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Vincent, Nadine. „Arrêt ou stop ? Retour sur près d’un siècle de débat dans la presse écrite au Québec“. Francophonies d'Amérique, Nr. 42-43 (26.11.2018): 23–45. http://dx.doi.org/10.7202/1054034ar.

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Cet article retrace les débats dont le panneau d’arrêt obligatoire a été l’objet dans les journaux francophones québécois, depuis son apparition vers 1920 jusqu’à aujourd’hui. Dès le départ, l’ajout du mot arrêt au mot stop a paru redondant à certains chroniqueurs linguistiques, irrités de voir le Québec se différencier de la France sur la question. Le Québec marquait alors son appartenance aux Amériques, où les autres peuples de langue romane ont aussi opté pour d’autres mots que stop pour indiquer l’arrêt obligatoire. Par la suite, l’imposition du seul mot arrêt après l’adoption de la Charte de la langue française en 1977 a relancé la polémique, ajoutant aux enjeux linguistiques des enjeux politiques et, aux positions des chroniqueurs, celles d’autres acteurs de la société. Au fil du temps, le panneau P-10 a été au coeur de jeux de coulisses aussi bien que d’échanges enflammés sur la place publique, et est aujourd’hui devenu une signature identitaire, d’abord du Québec francophone, mais aussi des autres nations habitant le territoire québécois et, par extension, de la francophonie nord-américaine hors Québec. La controverse autour d’arrêt/stop a d’ailleurs valeur de symbole dans le débat sur la langue au Québec et est, à ce titre, encore régulièrement évoquée dans les journaux.

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Lavoie, Marc, und Maurice Saint-Germain. „Disparités linguistiques de revenu au Canada selon la langue parlée à la maison“. Articles 67, Nr. 3 (27.02.2009): 356–80. http://dx.doi.org/10.7202/602042ar.

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RÉSUMÉ Les données des recensements de 1981 et 1986 démontrent que les écarts bruts de revenus entre francophones et anglophones sont beaucoup plus substantiels lorsqu’on considère les revenus totaux plutôt que les revenus de travail. Cet écart défavorable aux francophones est nettement accentué si la base linguistique est la langue parlée à la maison plutôt que la langue maternelle, partout sauf au Québec. La tendance à la baisse des écarts de revenus au Québec a connu un temps d’arrêt entre 1980 et 1985, contrairement au Canada hors Québec. Lorsqu’on tient compte de l’âge et de la scolarité, les écarts restent généralement favorables aux anglophones, sauf au Québec, où ces écarts nets varient dans un sens ou dans l’autre.

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Cicchelli-Pugeault, Catherine. „Reconnaissance de soi et rapport au temps dans l’entretien sociologique auprès de femmes de plus de cinquante ans. Temps d’arrêt sur une image identitaire“. I Temporalités et genre, Nr. 54 (27.04.2006): 39–48. http://dx.doi.org/10.7202/012858ar.

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L’entretien sociologique organise les formes de l’expression identitaire, en plaçant l’enquêté narrant son histoire face à un interlocuteur qui occupe une position de tiers significatif. À l’appui d’entretiens réalisés auprès de femmes âgées de plus de cinquante ans, cet article questionne le statut de la parole recueillie en sondant les modalités de l’identification et de la reconnaissance de soi dans le cadre contraignant du protocole sociologique. Il met en évidence la complexité des discours, soumis aux normes temporelles socialement admises, mais aussi informés par une mémoire sélective et par le corps qui, à son tour, saisit le vif de l’identité. S’identifier revient à désigner, avec gêne ou aisance, les accomplissements de sa vie, en conformité ou non avec les injonctions sociales. Le récit produit une image identitaire instable, d’un soi à temporalité variable, défiant le sociologue dans sa pratique interprétative.

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Acier, Didier, Françoise Facy, Jean-Luc Pilet und Carmen Chaillou. „L’orientation temporelle et la consommation de substances psychoactives des adolescents et jeunes adultes“. Drogues, santé et société 13, Nr. 2 (15.07.2015): 49–65. http://dx.doi.org/10.7202/1032272ar.

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Introduction. L’orientation temporelle est une donnée essentielle du psychisme humain, qui module notre façon de nous situer par rapport aux temps de la vie. Elle est la perception subjective, dans l’ici et maintenant, du positionnement psychique à l’égard du passé, du présent et du futur. Plusieurs jeunes rencontrés en consultation psychologique présentent une orientation confuse au temps, étant quelquefois englués dans des souvenirs ou dans une suite incessante d’activités sans temps d’arrêt. Le test d’orientation temporelle (TOT) vise à mesurer ce rapport au temps de la vie, à partir de quatre dimensions : 1) le court terme ; 2) l’anticipation ; 3) l’immédiateté ; 4) le long terme.Objectifs. Cette étude présente les liens entre différentes dimensions de l’orientation temporelle et la consommation de substances psychoactives (tabac, alcool et cannabis). Elle présente aussi une façon d’utiliser le test d’orientation temporelle dans le travail auprès d’adolescents et de jeunes adultes en situation à risque.Méthodes. L’échantillon est constitué de 507 jeunes âgés de 15 à 26 ans résidents de la région nantaise et issus de plusieurs établissements d’enseignement. Les outils utilisés sont le test d’orientation temporelle et des mesures de consommation de substances.Résultats. Les résultats montrent des corrélations significatives entre la consommation et plusieurs dimensions de l’orientation temporelle. Ainsi, les orientations centrées sur l’immédiateté et le court terme sont des prédicteurs de la consommation d’alcool, de tabac et de cannabis.Conclusion. Cette étude avance que l’orientation temporelle est un construit psychologique utile pour travailler avec des jeunes à risques.

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Véronneau, Pierre. „Cinéma ambulant et implantation urbaine : l’activité de William Shaw dans le contexte des Cantons-de-l’Est“. Cinémas 6, Nr. 1 (25.02.2011): 47–80. http://dx.doi.org/10.7202/1000959ar.

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Le projectionniste ambulant William Shaw, qui a sillonné pendant plus de 30 ans la région des Cantons-de-l’Est, devient dans cette étude le riche cas d’espèce d’une étude plus large des projections ambulantes et des rapports entre le monde rural et urbain autour du cinéma des premiers temps. La ville est alors un lieu de sédentarisation pour les exploitants et un lieu d’arrêt pour les projectionnistes ambulants, tandis que la foire agricole joue le rôle d’interface entre la ville et la campagne et devient le lieu de rencontre privilégié avec le cinéma. Au cours de l’histoire, les projections ambulantes développent des pratiques particulières de plus en plus en décalage avec les pratiques urbaines. Le cas le plus flagrant est la permanence de la projection muette alors que le cinéma devient parlant.

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Denis, Jennifer, Erina Kouaovi, Jean-Marc Priels und Michel Trine. „Entendeurs de voix“. Cahiers de psychologie clinique 61, Nr. 2 (12.09.2023): 179–201. http://dx.doi.org/10.3917/cpc.061.0179.

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Un groupe de pairs d’entendeurs de voix (EV) est un temps d’arrêt qui permet à chacun d’exprimer la réalité subjective de ce qu’il vit et ressent de manière profondément singulière. C’est un moment d’écoute mutuelle qui rend partageable le vécu de l’entente de voix – par nature a priori intrinsèquement non partagées. Pour comprendre la réalité subjective des participants à ce type de groupe, nous proposons de revenir sur les résultats d’une recherche utilisant l’analyse phénoménologique interprétative (API, Smith et al ., 2009). Par le biais de cette méthode ancrée dans la psycho-phénoménologie, notre article vise à illustrer le vécu de l’EV et celui au sein d’un groupe de pairs d’EV de quatre participants, et ce, dans le but de démystifier le phénomène mais aussi, de mieux comprendre les processus inhérents à ce type de fonctionnement collectif.

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Jouffroy, Romain, Pressena Alexandre, Laure Castres Saint Martin, Rado Idialisoa, Lionel Lamhaut, Pascal Philippe, Alexandra Guyard, Alain Rozenberg, Pierre Carli und Benoit Vivien. „Peut-on chez un patient en asystolie anticiper la notion d’arrêt cardiaque réfractaire avec un autre élément objectif que le temps ?“ Anesthésie & Réanimation 1 (September 2015): A290. http://dx.doi.org/10.1016/j.anrea.2015.07.442.

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Jost, D., H. Degrange, O. Hersan, D. Fontaine, F. Briche, C. Verret, I. Banville und C. Fuilla. „Étude clinique DEFI 2005 : plus de temps consacré au massage cardiaque externe améliore-t-il le pronostic immédiat des victimes d’arrêt cardiaque extrahospitalier ?“ Journal Européen des Urgences 21 (März 2008): A78. http://dx.doi.org/10.1016/j.jeur.2008.03.318.

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Penven, G., L. de Saint Blanquat, F. Bordet, S. Dray und M. Série. „Quand le réanimateur devient prophète, la décision part en biais“. Médecine Intensive Réanimation 28, Nr. 4 (Juli 2019): 333–38. http://dx.doi.org/10.3166/rea-2019-0122.

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Une prophétie autoréalisatrice (PAR) [self-fulfilling prophecy] désigne le fait que la croyance en une situation entraîne sa réalisation, renforçant alors la croyance initiale. D’abord décrite en sociologie, la notion de PAR a également une pertinence en médecine, car la pratique clinique se fonde en grande partie sur le pronostic des patients et de leurs maladies. Ainsi, la croyance en un pronostic péjoratif peut être à l’origine d’une prise en charge médicale qui aboutira à une évolution défavorable ou ne l’empêchera pas. Ce risque est particulièrement aigu en médecine intensive-réanimation où les pratiques de limitation ou d’arrêt des thérapeutiques (LAT) conduisent fréquemment au décès du patient. Il est d’autant plus prégnant que les grandes séries de données à partir desquelles le pronostic d’un patient est évalué incluent des malades ayant fait l’objet de décisions de LAT. Cela peut aboutir à un raisonnement circulaire, difficile à interrompre. Les patients de neuroréanimation, victimes d’accidents vasculaires cérébraux, d’encéphalopathies anoxo-ischémiques postarrêt cardiaque, ou de traumatismes crâniens, sont particulièrement sujets au risque de PAR, car la perspective de séquelles neurologiques sévères motive souvent une décision de LAT. Prendre le contre-pied des PAR nécessite de trouver un compromis entre le temps d’observation indispensable pour établir un pronostic le plus précis possible et la prolongation de traitements invasifs qui s’avérerait a posteriori inutile chez des patients sans espoir d’amélioration neurologique.

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Sanchez-Salas, R., D. Prapotnich, A. Ingels, F. Olivier, M. Fhima, P. Descamps, S. David et al. „Modélisation du PSA en période d’arrêt de traitement chez les patients sous traitement hormonal intermittent. Est-ce que le temps de doublement du PSA est un outil de mesure fiable ?“ Progrès en Urologie 23, Nr. 13 (November 2013): 1076. http://dx.doi.org/10.1016/j.purol.2013.08.134.

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Ulrich, Maurice. „Les œuvres d’art et leur temps“. La Pensée N° 403, Nr. 3 (04.11.2020): 109–18. http://dx.doi.org/10.3917/lp.403.0109.

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Iselin, Laurence. „L’art outdoor comme facteur de modification de l’espace-temps urbain“. Nouvelles perspectives en sciences sociales 13, Nr. 2 (05.09.2018): 111–43. http://dx.doi.org/10.7202/1051113ar.

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Cet article propose une analyse philosophique des implications de l’implantation d’oeuvres d’art dans l’espace-temps urbain, par opposition à leur devenir au sein de l’espace muséal. En effet, le musée est un espace où nous plaçons des objets à l’abri de la corruption du temps. De ce point de vue, l’oeuvre d’art peut se définir comme un objet qui dure (Arendt, 1972). Notre hypothèse consiste donc à soutenir que les oeuvres d’art se définissent par une temporalité propre, ce qui, lorsqu’elles sont implantées dans l’espace public urbain, entraîne des modifications de sa temporalité et de ses usages. Après avoir déterminé la temporalité propre à l’oeuvre d’art, nous examinons dans quelle mesure l’implantation d’oeuvres d’art dans l’espace urbain modifie cet espace lui-même ainsi que l’expérience et les usages que nous en faisons. Enfin, nous nous demandons si le développement de l’art dans l’espace urbain n’occasionne pas un changement de paradigme, la notion d’accessibilité laissant place à celle de participation.

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Philippot, Paul. „L’œuvre d’art, le temps et la restauration“. Histoire de l'art 32, Nr. 1 (1995): 3–9. http://dx.doi.org/10.3406/hista.1995.2687.

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Lenclud, Gérard. „Traversées dans le temps“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 61, Nr. 5 (Oktober 2006): 1051–84. http://dx.doi.org/10.1017/s0395264900039937.

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RésuméEn l’espace de quelque dix années, François Hartog propose au public une succession d’écrits qui, en dépit de la résonance quelque peu emphatique de ce terme, constitue à mes yeux une véritable œuvre. Il s’agit évidemment d’une œuvre d’historien, d’un historien de l’Antiquité qui est également un historien de l’histoire. Pourtant, cette œuvre d’historien se prolonge sous la forme d’une œuvre de pensée dans le sens que donne à cette expression inhabituelle Claude Lefort. « Par œuvre de pensée, écrit ce dernier, je veux désigner ce qui n’est ni œuvre d’art ni production de la science, qui s’ordonne en fonction d’une intention de connaissance et à quoi pourtant le langage est essentiel. » Je m’en expliquerai le moment venu, à l’instant de me pencher plus particulièrement sur Régimes d’historicité, cet

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Vivès, Jean-Michel. „D’un temps spécifique à la rencontre avec l’œuvre d’art“. Ligeia N° 161-164, Nr. 1 (2018): 216. http://dx.doi.org/10.3917/lige.161.0216.

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Bagi, Marie. „L’art en temps de pandémie : l’espace d’art, le futur possible ?“ Diplômées 280, Nr. 1 (2022): 109–21. http://dx.doi.org/10.3406/femdi.2022.10643.

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Giorgiutti-Dauphiné, Frédérique, und Ludovic Pauchard. „Craquelures et art : le temps et la matière“. Reflets de la physique, Nr. 63 (Oktober 2019): 32–37. http://dx.doi.org/10.1051/refdp/201963032.

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On s’intéresse à la matière qui constitue une peinture d’art, c’est-à-dire une succession de couches picturales déposées sur un support. Cet ensemble est complexe de par sa composition et sa géométrie (différentes couches superposées). Il est le siège de nombreux phénomènes physiques et chimiques qui apparaissent à plusieurs moments dans la vie de l’œuvre. Différents types de dégradations altèrent ou modifient la perception du tableau au cours du temps. Les craquelures sont parmi les plus apparentes. Leur étude permet de caractériser certaines propriétés mécaniques de la matière constituant la peinture et ainsi de révéler de nombreux secrets sur l’œuvre. Le réseau de craquelures constitue donc « l’empreinte digitale d’un tableau » et en cela peut aider à authentifier des œuvres.

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Langbour, Nadège. „Diderot as the critique of art and the translation of time and place: from the pictural composition to the literary decomposition / recomposition“. Studia Litterarum 3, Nr. 2 (2018): 26–37. http://dx.doi.org/10.22455/2500-4247-2018-3-2-26-37.

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Madlener, Frank. „Le temps perdu de la recherche : pour l’école (d’art) de demain“. Hermès 72, Nr. 2 (2015): 62. http://dx.doi.org/10.3917/herm.072.0062.

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Ibeas Altamira, Juan M. „El espacio sadiano como museo de la anécdota“. Çédille 3 (01.04.2007): 59. http://dx.doi.org/10.21071/ced.v3i.5358.

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Sade, en tant qu’homme de son temps fut un grand collectionneur d’œuvres d’art, d’histoires érotiques et d’anecdotes. Il sût classifier toutes ses expériences et connaissances en constituant une œuvre littéraire très variée dans les genres et unique en son espèce.

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Lacroix, Laurier. „La collection comme temps de la Nation“. Les Cahiers des dix, Nr. 62 (24.09.2009): 123–51. http://dx.doi.org/10.7202/038123ar.

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En 1920, le secrétaire de la province de Québec, Athanase David, met sur pied un jury aﬁn d’acquérir des œuvres d’art en vue de constituer une collection pour un futur musée de la province. Les œuvres sont choisies parmi celles présentées à l’exposition annuelle du printemps de l’Art Association of Montreal et à l’exposition d’automne de l’Académie royale des arts du Canada. Le comité de sélection est formé de représentants de la communauté intellectuelle et artistique de Montréal. Édouard Montpetit, J.-Omer Marchand, Edmond Dyonnet, William Hope et Robert Lindsay constituent un premier groupe auquel se joint le peintre Joseph-Charles Franchère en novembre 1920. Les œuvres de neuf artistes sont sélectionnées qui oﬀrent un éventail de la communauté artistique montréalaise tant francophone qu’anglophone. Ses ﬁgures dominantes et ses jeunes membres s’y retrouvent. Les œuvres de William Brymner, Maurice Cullen, Suzor-Coté, J. M. Barnsley côtoient celles d’Albert H. Robinson, Herbert Raine, Alice des Clayes, John Y. Johnstone et Clarence Gagnon. Dix œuvres sont retenues (8 tableaux et 2 estampes) qui oﬀrent un survol de la production contemporaine. La facture des œuvres met de l’avant une esthétique postimpressionniste qui combine une palette claire à des eﬀets proprement picturaux. Les sujets s’inspirent du paysage québécois de plusieurs régions (Côtede-Beaupré, Portneuf, Arthabaska, Laurentides) et de vues de Québec et de Montréal. Il en résulte le portrait d’une pratique variée et moderne. Qui plus est, ces œuvres font référence à une temporalité longue (traces du passé en milieu rural), mais actualisée par la technique et l’intérêt pour des eﬀets atmosphériques qui introduisent le temps présent dans son rythme saisonnier et quotidien. Ainsi, cette première sélection d’œuvres pour la collection nationale oﬀrait un raccourci de la production picturale contemporaine qui tenait compte à la fois des origines du Québec mais aussi de la complexité de sa représentation actuelle.

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Boespflug, François. „La Trinité, par Albrecht Dürer (gravure, 1511)“. Moreana 43 & 44 (Number, Nr. 4 & 1-2 (März 2007): 178–200. http://dx.doi.org/10.3366/more.2007.43-44.4_1-2.10.

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Résumé En 1511, Dürer réalisa le Retable Landauer et plusieurs séries de gravures. L’une des plus originales d’entre elles, La Trinité, eut un retentissement européen dans plusieurs formes d’art. Elle montre, en l’absence de tout témoin humain. Dieu le Père recevant le Crucifié descendu de croix, dans un intime et affectueux corps à corps sur la signification, le lieu et le temps duquel il vaut la peine de s’interroger. Ils supposent un espace-temps spécifique, celui du Dieu chrétien sensible à la prière, auquel le corps du Christ introduit.

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Duchesneau, Michel. „« Critiques musicaux de jadis et de naguère ». Raymond Bouyer, la musique et l’art (« Anthologie du phem » / Musicographes, 1)“. Revue musicale OICRM 4, Nr. 2 (08.02.2018): 176–88. http://dx.doi.org/10.7202/1043227ar.

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Écrivain et critique d’art, Raymond Bouyer (1862-1939?) aura une activité de chroniqueur musical intense notamment au Ménestrel de 1898 à 1939. S’interrogeant notamment sur la pratique de la critique musicale, Bouyer publie dans Le Ménestrel en 1909 une série d’articles sur la situation de la critique musicale face à l’histoire de la critique d’art. Convoquant le monde grec qui occupe depuis un certain temps déjà l’esprit des musiciens, le critique se penche sur une généalogie de la critique pour en tirer un certain nombre de conclusions sur la critique moderne, rappelant qu’elle possède au moins une constante : l’autoréférentialité (« en dépit des progrès de l’érudition, chaque époque de l’art juge à son point de vue… c’est humain ! »).

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Ziółkowski, Sebastian. „Le temps et l’espace dans L’Inconnue d’Arras de Salacrou. À la recherche des traces de l’expressionnisme dramatique“. Romanica Cracoviensia 20, Nr. 1 (2020): 1–8. http://dx.doi.org/10.4467/20843917rc.20.001.12170.

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Adams, John Luther, und Nicolas Donin. „Faire de la musique dans l’Anthropocène : comment composer avec les temps de crise ?1“. Circuit 32, Nr. 2 (31.08.2022): 22–27. http://dx.doi.org/10.7202/1091899ar.

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Dans ce bref essai initialement paru en 2015 dans Slate, l’auteur s’interroge sur la relation entre l’activité de création artistique et la conscience des désastres liés à l’Anthropocène : peut-on et faut-il encore se concentrer sur des oeuvres d’art en se détachant du monde ? Évoquant son engagement de jeunesse en tant qu’activiste écologiste en Alaska, Adams se rappelle avoir choisi d’être compositeur parce qu’il était, dans ce rôle, irremplaçable. Pour lui, s’engager pleinement dans l’activité créatrice, sans s’assigner d’objectif politique ni même de thématique à évoquer, est précisément ce qui rend possible une expressivité authentique de sa musique, libre de charrier d’éventuelles significations sociales et capable d’inspirer un renouveau de la conscience chez ses auditeur·trice·s. La responsabilité de l’artiste porte sur son art, qui en retour contribue à transformer la manière d’être au monde de notre espèce.

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Quiney Urbieta, Aitor. „galerista Àngel Marsà i els Ciclos Experimentales de Arte Nuevo, 1948-1953“. EMBLECAT, Estudis de la Imatge, Art i Societat 1, Nr. 11 (11.07.2022): 155–90. http://dx.doi.org/10.56349/emblecat.202.

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Els Ciclos Experimentales de Arte Nuevo, escrits en castellà per la prohibició de l’ús del català en temps del franquisme, foren uns cicles creats pel llavors galerista i marxant d’art Àngel Marsà dins les Galerías El Jardín, de Barcelona. Fou un dels primers moviments clau dins de l’art català de postguerra que mirava de fomentar l’art nou, amb nous llenguatges plàstics i una nova manera de posicionar-se, també, en front del conservadorisme.

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Pommet, S., P. G. Claret, J. E. de La Coussaye und X. Bobbia. „Échographie et prise en charge de l’arrêt cardiaque“. Annales françaises de médecine d’urgence 8, Nr. 2 (April 2018): 113–19. http://dx.doi.org/10.3166/afmu-2018-0026.

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L’arrêt cardiorespiratoire (ACR) est une situation fréquente pour les structures d’urgences et de réanimation, et l’utilisation de l’échographie y est recommandée par les sociétés savantes. Elle doit impérativement se faire sans augmentation des temps d’interruption du massage cardiaque externe. Après formation, elle permet de détecter rapidement et facilement la présence d’une contractilité myocardique qui est un élément pronostique important pouvant aider dans la décision d’arrêter la RCP. Le recours à des protocoles bien établis avec des équipes entraînées permet d’éviter une interruption prolongée de la RCP. Cependant, aucune étude humaine de grande ampleur n’a permis de décrire de manière fiable pendant l’ACR la sémiologie échographique des causes curables que constituent l’hypovolémie, l’embolie pulmonaire, la tamponnade et le pneumothorax compressif.

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Mnukhin, Lev. „Физики как лирики и лирики как физики в среде русской эмиграции во Франции“. Modernités Russes 11, Nr. 1 (2010): 379–97. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2010.939.

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Dans les milieux de l’émigration russe en France, les échos de l’Âge d’argent ne sont pas seulement ressentis dans les oeuvres d’art ou dans les lettres, mais aussi dans l’atmosphère des associations culturelles et techniques, dans les activités diverses et variées des salons et des séminaires. L’article se propose d’étudier : d’une part, les représentants de l’intelligentsia technique qui tient à se tourner vers les arts et la créativité, et, de l’autre, l’intérêt des artistes et des écrivains pour les conquêtes technologiques de leur temps.

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Es-Saidi, Kawtar. „oeuvre d'art: un document authentique en classe de FLE“. Langues & Parole 4 (30.11.2019): 53–71. http://dx.doi.org/10.5565/rev/languesparole.49.

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L’objectif de cette contribution est de mieux concevoir l’intérêt de la « réception esthétique » de l’œuvre d’art, document authentique, en classe de français langue étrangère (FLE). Nous montrerons, dans un premier temps, que la réception esthétique d’œuvres artistiques, y compris la photographique d’auteur et les tableaux de peinture, suscite à la fois des facultés sensorielles, émotionnelles et cognitives qui doivent être généralement sollicitées dans l’apprentissage d’une langue étrangère. Il sera question ensuite de montrer qu’un tel dispositif pédagogique, à travers un ensemble d’outils de médiation, favorise le développement de compétences langagières et culturelles.

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Ouellet, Pierre J. „Le chronotope urbain dans la poésie contemporaine québécoise de Clément Marchand et de Claude Beausoleil“. Globe 5, Nr. 1 (14.02.2011): 89–122. http://dx.doi.org/10.7202/1000667ar.

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Les catégories « intuitives » du temps et de l’espace définies par Kant sont, de toute évidence, inscrites de façon indélébile dans les projets humains, particulièrement dans les oeuvres d’art et autres représentations objectifiées de la vie collective. Dans l’optique des études littéraires, s’inspirant d’Einstein et des sciences physiques, Mikhaïl Bakhtine a nommé « chronotope » cette configuration spatio-temporelle. La présente étude s’intéresse aux « images de la ville » dans la poésie québécoise contemporaine, et plus particulièrement à leurs orientations chronotopiques. La première partie propose une discussion des conceptions changeantes du temps et de l’espace dans la culture occidentale, ainsi qu’une étude de la conception bakhtinienne du chronotope. Dans la seconde partie, l’auteur procède à une analyse détaillée de la poésie urbaine de Clément Marchand et de Claude Beausoleil, en mettant l’accent sur la dimension chronotopique de leurs oeuvres, celles-ci étant liées à l’existence urbaine individuelle et collective.

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Larouche, Michel, und Serge Cardinal. „L’écriture de la critique“. Cinémas 6, Nr. 2-3 (28.02.2011): 127–39. http://dx.doi.org/10.7202/1000976ar.

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Cet article traite du travail d’écriture de la critique cinématographique, en le distinguant de celui de la critique d’art en général et de celui de la critique littéraire. Il fait état, dans un premier temps, de la dimension institutionnelle qui caractérise l’écriture de la critique cinématographique, pour ensuite aborder le travail d’interprétation à l’oeuvre, d’« adaptation », étant donné la nécessité du texte critique de transcrire un système signifiant dans un autre. Il traite ensuite de l’aspect « mimétique » de la critique, signe d’un fort degré de créativité, et de l’importance des figures d’altérité auxquelles se voit confronté tout discours critique.

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Parouty-David, Françoise. „Lumières et profondeur épistémique“. Protée 31, Nr. 3 (27.05.2004): 91–99. http://dx.doi.org/10.7202/008440ar.

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Résumé Parti d’un énoncé pictural de nature religieuse de par son titre, La Mort de la Vierge du Caravage, l’article s’efforce de montrer la capacité de la lumière et de l’ombre à modaliser des repères qui en modifient l’appartenance catégorielle. Il s’appuie sur des opérations propres à la synesthésie pour décrire, dans un premier temps, comment la lumière, qui régit principalement le visible, donne accès à des sensations auditives et kinesthésiques. Elle a donc une fonction homogénéisante, d’un point de vue sémantique, qui souligne le rôle du corps dans la saisie de l’oeuvre d’art. Au-delà, les variations de son intensité sont mises en rapport avec les capacités cognitives du sujet percevant, amené à explorer une plus grande profondeur.

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Navarro Bajar, Rebeca Isabel. „Encourager la réflexion transculturelle en cours de français à partir d’une œuvre emblématique d’un peintre acadien contemporain“. Revista Lengua y Cultura 3, Nr. 6 (05.05.2022): 121–31. http://dx.doi.org/10.29057/lc.v3i6.8634.

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Prenant comme point de départ le remake contemporain d’une œuvre phare pour l’histoire des Acadiens (les premiers colons francophones qui se sont installés sur notre continent) cet article présente une démarche pédagogique pour la classe de français qui vise à initier les apprenants à la connaissance de l’histoire du peuple acadien tout en les impliquant dans une mouvance transculturelle. Dans un premier temps une sensibilisation à la notion de transculturalité en tant qu’élément-clé pour appréhender la culture globale contemporaine sera entamée. Dans un deuxième temps, de nature éminemment pratique, l’enseignant de français trouvera une proposition didactique concrète pour faire découvrir à ses apprenants, à partir d’une œuvre d’art contemporaine du peintre acadien Mario Doucette, un événement historique majeur de l’histoire acadienne – à savoir, « Le Grand Dérangement » –. Le travail proposé autour du tableau lui permettra d’engager, auprès de ses apprenants, une réflexion de nature transculturelle, sans négliger pour autant l’occasion de leur faire pratiquer des aspects linguistiques spécifiques de la langue cible. Finalement, un retour sur la notion de transculturalité sera abordé, en vue de soulever son importance dans le cadre de la didactique des langues-cultures étrangères (DLE) et de mettre l’accent sur son potentiel porteur d’espoir.

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Pringuey, D. „La Sérendipité Pop de Barrett et son assise thymique“. European Psychiatry 28, S2 (November 2013): 37–38. http://dx.doi.org/10.1016/j.eurpsy.2013.09.093.

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La perspective phénoménologique voit dans le trouble mental la manifestation des fondements, et dans la création artistique, l’expression des aspects les plus essentiels de l’expérience humaine : la souffrance du génie ne saurait-il pas mieux témoigner des ressorts nécessaires à la conduite heureuse du quotidien ? Le bonheur se dit aussi en musique et le lien du sonore, de l’harmonie et de la profondeur, pour détenir la puissance évocatrice de l’émotion originaire, peut en coûter au plan existentiel et dans son appel violent, défaire tout autant la musique que le musicien. Genèse d’une musique populaire célèbre pour notre génération, l’invention du Pink Floyd par Syd Barrett [2] contient cette leçon de vie où à trop vouloir déconstruire pour le bonheur de tous, l’artiste se défait lui-même, offrande douloureuse au destin magnifique des génies. Dans une tentative « ante-festum » extrême et périlleuse d’arrêter le temps par la musique, dans sa distorsion et sa déconstruction même, dans l’excès des artifices les plus dangereux pour y conduire [1], il inaugure l’aventure des expérimentations psychédéliques et en même temps sa propre fin, 30 ans de retrait autistique au terme d’une année d’une fécondité exceptionnelle. Affleurent en négatif les secrets de la patience existentielle [3] seule à même de conjuguer l’ordre et la mesure, sagesse anthropologique que cruellement l’art, et même celui de la conduite de la vie la plus ordinaire, invite continûment à dépasser. C’est au génie le plus personnel de chaque patient que s’adresse la question vitale en psychiatrie.

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Diniz, Dilma Castelo Branco. „Monteiro Lobato e os modernistas: a "VanguardaEstética" e a "Vanguarda Política" no modernismo brasileiro“. Revista do Centro de Estudos Portugueses 18, Nr. 23 (31.12.1998): 253. http://dx.doi.org/10.17851/2359-0076.18.23.253-265.

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Ao fazer uma comparação entre dois poemas homônimos de Mário de Andrade e um conto de Monteiro Lobato, tenta-se aclarar as posições de vanguarda assumidas pelos modernistas e pelo autor de Urupês, um pouco antes da Semana de Arte Moderna de 1922.En faisant une comparaison entre deux poèmes homonymes de Mário de Andrade et une nouvelle de Monteiro Lobato, on essaie d’éclairer les positions d’avant-garde prises par les modernistes et par l’auteur d’Urupês, peu temps avant la Semaine d’Art Moderne de 1922.

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Nowak, Magdalena. „Bill Viola’s “The Passions” and Aby Warburg’s “Survival” theory : Post-modernism, empathy and déjà vu“. Recherches anglaises et nord-américaines 47, Nr. 1 (2014): 31–45. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2014.1465.

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L’article analyse la série vidéo de Bill Viola intitulée The Passions en s’appuyant sur les concepts de déjà-vu, d’allégorie ainsi que sur ce qu’Aby Warburg nomme Pathosformel. Dans un premier temps est examinée la différence entre le travail de Viola et le contexte du post-modernisme tel que l’ont présenté les historiens d’art Craig Owens et Benjamin Buchloh dans les années 1980 : la tension inhérente entre les approches critiques et sentimentales dans l’œuvre de l’artiste y est analysée. Ensuite, la notion de Pathosformel et la définition de l’allégorie selon Warburg permettent de montrer la spécificité du travail de Viola, écartelé entre la reprise consciente et intellectualisée des tableaux de grands maîtres et la volonté émotionnelle de faire resurgir l’atmosphère du passé.

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Kovács, Máté. „Le champ lexical d’aimer dans l’argot commun des jeunes Hongrois“. Acta Universitatis Lodziensis. Folia Litteraria Romanica, Nr. 16 (19.05.2021): 105–17. http://dx.doi.org/10.18778/1505-9065.16.10.

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Notre recherche se concentre sur l’analyse du champ lexical d’aimer dans l’argot commun des jeunes Hongrois. Le point de départ de ce travail est la thèse de doctorat de Dávid Szabó intitulée L’argot des étudiants budapestois, publiée en 2004, et qui contient en annexe un dictionnaire bilingue hongrois-français de l’argot des jeunes. Basée sur ce dictionnaire et sur des recherches menées par Szabó, notre étude par questionnaire en ligne avait trois objectifs principaux : 1) vérifier le degré d’utilisation des mots et expressions liés au champ lexical d’aimer et présents dans le dictionnaire de Szabó, 2) recueillir un nouveau corpus composé de mots et expressions présentant l’usage actuel, 3) analyser quelques situations de communication dans lesquelles ces mots et expressions sont utilisés. Notre article conclut que l’argot des jeunes Hongrois change et ne change pas en même temps. Près de vingt ans après les recherches de Szabó, de nouvelles expressions sont employées par les jeunes, mais les différents procédés régissant la formation de ce vocabulaire d’argot commun restent les mêmes.

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Mbuyamba, Lupwishi. „Art et vie : de l’expression à l’action“. Thème 19, Nr. 1 (15.02.2013): 71–85. http://dx.doi.org/10.7202/1014181ar.

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Le phénomène de l’art est apparu en même temps que l’homme prenait conscience de sa présence dans un environnement qui l’interpellait : d’abord, par des manifestations figurées dans les peintures rupestres que de nombreuses cavernes disséminées à travers l’Afrique révèlent et, plus tard, dans des oeuvres de grande ampleur dont on peut suivre verticalement le parcours historique. Dans l’Antiquité comme au Moyen Âge, au temps de la formation des grands empires, on est subjugué par des réalisations impressionnantes dans tous les domaines de l’art, malgré les mutations subies au travers des itinéraires imposés par la traite négrière, les cultures coloniales et, aujourd’hui, par la campagne pour un art volontariste de la revendication, de l’authenticité et de la renaissance. Horizontalement, on peut s’arrêter sur le phénomène de l’art et pénétrer dans les cavernes de la création. On y découvrira la contradiction fondamentale qui existe entre le monde de l’oeuvre en elle-même et celui des acteurs des différentes sphères de la vie. L’oeuvre d’art, résistant aux tentatives d’apprivoisement, suivra toujours le sens de son destin, tendue qu’elle est vers l’envol, pour s’échapper, insaisissable même par son géniteur, se libérer du carcan et de la prison de la contingence « corruptrice » et rejoindre le domaine du sacré dont elle émane. Tel est le sens qu’on peut donner à la présence de l’art dans la vie.

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Noël de Tilly, Ariane. „Qu’est-ce que l’oeuvre ? Sur les enjeux de l’exposition, la distribution et la préservation des installations vidéographiques et filmiques“. Circuit 23, Nr. 2 (25.09.2013): 9–23. http://dx.doi.org/10.7202/1018447ar.

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La nature variable de nombreuses oeuvres d’art contemporain nécessite que celles-ci soient abordées comme des continuums. C’est donc l’étude de l’entièreté de leur cycle de vie qui permet de mieux saisir en quoi elles consistent, conceptuellement et matériellement. Dans cet article, nous proposons une approche qui permet de tenir compte de la nature changeante des oeuvres d’arts médiatiques et qui permet également de documenter la formation de leur identité. Dans un second temps, cette approche est illustrée à l’aide d’une figure de cas, soit l’oeuvre As the Hammer Strikes (A Partial Illustration) (1982) de l’artiste canadien John Massey. La reconstruction du cycle de vie de cette oeuvre permet de montrer à quel point chacune de ses expositions, chacune de ses versions, mais aussi sa circulation dans le monde de l’art et sa préservation ont contribué à définir ce qu’est As the Hammer Strikes (A Partial Illustration).

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Lacombe, Anne-Marie. „Art et archives : le cas Robert Rauschenberg1“. Documentation et bibliothèques 60, Nr. 4 (11.09.2014): 198–205. http://dx.doi.org/10.7202/1026488ar.

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La manière dont les artistes s’intéressent aux archives peut nous permettre de découvrir de nouveaux aspects à propos de ces dernières. C’est sous cet angle que cet article aborde le cas de l’artiste américain Robert Rauschenberg, par le biais de la dimension archivistique de son oeuvre. Dans un premier temps, nous présentons un aperçu du mouvement américain des archives dans l’art au cours des années 1960, au sein duquel s’inscrit Rauschenberg. Nous effectuons ensuite une brève revue de la littérature portant sur les liens qui unissent cet artiste et les archives, pour ensuite aborder sa démarche artistique et son intérêt pour l’inventaire, l’archivage et la cueillette de documentation. Cet intérêt pour les archives est notamment perceptible à même sa collection d’art privée, rendue publique à l’automne 2012. Finalement, une lecture archivistique d’un corpus de trois oeuvres de l’artiste fournit une illustration des particularités de l’utilisation des archives chez Rauschenberg.

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Preda, Andreea-Maria. „Les collectionneurs chez Pascal Quignard – s’accrocher obstinément au passé“. Quêtes littéraires, Nr. 12 (30.12.2022): 139–50. http://dx.doi.org/10.31743/ql.14873.

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Le propos de cet article est de relever, dans une approche comparative, la versatilité du rôle des objets de collection dans le processus de remémoration chez les collectionneurs de certains romans de Pascal Quignard. L’analyse du discours mémoriel des collectionneurs relève deux aspects : un rapport différent à la valeur de l’objet (muséal ou intime) et le pouvoir de déclencher des émotions. Le discours balance entre une évocation impersonnelle, qui met l’accent sur l’importance matérielle, la dimension testimoniale et esthétique des objets d’art d’époques anciennes et une description passionnée et subjective de petits objets banals, mais chargés de significations psychologiques. L’article démontre que se rapporter excessivement aux objets-temps/trace en vertu de leur valeur documentaire ou commémorative débouchera sur un échec de la démarche mémorielle. Paradoxalement, le collectionneur reste toujours à la recherche de la mémoire perdue, malgré l’excès de preuves matérielles qu’il détient.

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Guérin, Michel. „De la Disparition“. Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 10, Nr. 1 (2005): 73–82. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2005.1376.

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L’esthétique tiendrait essentiellement dans trois textes : la Critique de la faculté de juger de Kant, le Cours d’esthétique de Hegel et l’opuscule de Walter Benjamin, L'œuvre d’art à l’ère de sa reproduction mécanisée. L’esthétique est le discours, foncièrement mélancolique, interdit de présent, qui médite sur l’absence qui le motive. Le non-objet qui l’occupe s’est appelé “beau”, avant que l’esthétique ne soit hantée par sa propre disparition. Aujourd’hui, alors que personne n’ose parler de beau, l’esthétique est partout et nulle part. La négativité (métaphysique) est devenue poussière de positivités répandues dans notre environnement. Manque le scandale du beau. L’esthétique moderne le portait en son cœur, comme manque. Au contraire, l’esthétique réalisée, sociétale, porte avec elle l’exclusion du beau. La question n’est donc pas de savoir si l’esthétique a un avenir. C’est d’espérer croire qu’une autre expérience de la beauté, en ces temps improbable, reviendra toucher les hommes comme une grâce.

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Kaltenecker, Martin. „La satire et l’épître“. Circuit 16, Nr. 1 (01.02.2010): 9–32. http://dx.doi.org/10.7202/902380ar.

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En partant de ce que Hayden White nommait les « tropologies » du discours sur l’histoire, c’est-à-dire des structures narratives sous-jacentes, nous examinons dans cet article la figure du refus d’une histoire normative et conceptuelle. Récusant une conception philosophique de l’histoire, celle de Hegel, Ranke, Burckhardt ou Dilthey vont élaborer au XIXe siècle différents modèles nouveaux, toujours utilisés de nos jours, axés sur l’idée de la communauté, de la Lebenswelt, du contexte, et qui visent une saisie du particulier et non pas de lois générales. On donnera quelques exemples de ce type de conceptualisation dans la musicologie allemande du XIXe siècle, puis dans certaines présentations de la musique contemporaine, en faisant ressortir le passage entre des histoires « axiologiques » (qui développent des critères d’élimination forts, avec une tendance à resserrer le corpus) et des visions contextualistes, vers lesquelles incline l’idéologie sceptique et anti-philosophique de notre temps; les unes tiennent à une définition de ce qu’est une oeuvre d’art, alors que les autres tentent de la contourner.

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BERTET, DAVID. „La vieillesse comme pôle attractif de l’existence : sur la représentation positive du vieil âge à l’époque du stoïcisme impérial“. Dialogue 58, Nr. 2 (Juni 2019): 225–50. http://dx.doi.org/10.1017/s0012217319000234.

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Dans cet article, nous nous efforcerons de comprendre un phénomène mis en lumière par Michel Foucault dans les tomes 2 et 3 de son Histoire de la sexualité : celui de la tendance à la valorisation du «vieil âge» au cours de la période du Haut Empire romain, tendance illustrée notamment par la représentation stoïcienne, et plus particulièrement sénéquienne, de la vieillesse. Cette représentation positive agit chez Sénèque à la fois comme point focal et pôle d’attraction d’une existence placée toute entière sous l’égide des pratiques d’auto-édification de soi, pour celui qui s’efforce de convertir le matériau brut de sa propre vie en œuvre d’art. Au-delà de la lecture foucaldienne du phénomène, nous montrerons que la représentation du vieil âge dans le stoïcisme tardif signale un effort intellectuel et éthique censé activer un autre cours du temps à rebours de la temporalité habituelle de la déliquescence, vécue comme une douloureuse et inexorable dissolution de l’être.

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Hervé, Martin. „Le roman de Mélusine de Claude Louis-Combet ou le roman de l’oeil miroitant“. Tangence, Nr. 110 (23.12.2016): 127–39. http://dx.doi.org/10.7202/1038501ar.

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En 1986, l’écrivain français Claude Louis-Combet publie Le roman de Mélusine, une fiction consacrée à la légendaire fée ophidienne, haute figure du tabou du voir. S’il s’inscrit clairement dans la tradition du texte établi à la fin du xive siècle par Jean d’Arras, Louis-Combet laisse affleurer dans sa réécriture une obsession du visuel, du mirage et du mimétisme, symbolisée par l’oeil dont les multiples incarnations et colorations traversent le récit. L’oeil de l’amour, regard de l’amant découvrant son reflet dans le miroir d’eau dans lequel se mire la fée, dévoile inévitablement son envers, l’iris tragique, soit l’oeil du sanglier meurtrier, augure et agent du destin. Dans le royaume des images dont Mélusine ouvre les portes à son époux, imaginaire régenté par la Femme serpentine et phallique, l’amour trouve une illustration parfaite et reste parfaitement illusoire. Pourtant, derrière les yeux miroitants de la fée, le réel s’annonce, et avec lui l’instant où la séparation marquera la fin de la passion, de la féérie et du fantasme. Écrire Mélusine revient pour Louis-Combet à rêver d’un temps d’avant la lettre où homme et femme n’étaient que les facettes d’une même imago dont la puissance de fascination reste toujours aussi vivace.

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Margat, Aurore, Maud Giacopelli, Yann Hemon, Pierre Lombrail und Rémi Gagnayre. „Évaluation quadriennale des programmes d’ETP en Île-de-France : un moyen de pilotage régional“. Education Thérapeutique du Patient - Therapeutic Patient Education 10, Nr. 2 (05.10.2018): 20205. http://dx.doi.org/10.1051/tpe/2018017.

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Introduction : Dans le cadre de la première évaluation quadriennale des programmes d’Éducation Thérapeutique du Patient (ETP) en Île-de-France, l’agence régionale de santé d’Île-de-France a marqué sa volonté de décrire et d’analyser l’offre des programmes d’ETP initialement autorisés entre 2010 et début 2011. Méthode : L’étude s’est déroulé en deux temps à partir d’une démarche méthodologique mixte selon un design explicatif afin d’approfondir et expliquer les premiers résultats quantitatifs (obtenus par un traitement statistique des résultats au moyen de pourcentages) par des données qualitatives (à partir de focus groups). Résultats : Sur les 600 programmes franciliens autorisés entre 2010 et début 2011, 515 programmes ont été reconduits avec seulement 10 % d’arrêts après 4 ans. On constate une augmentation régulière du nombre de patients inclus dans les programmes d’ETP. L’offre est centrée sur Paris et la petite couronne par le simple fait que l’AP-HP est le principal promoteur de programmes. Trois quarts des programmes sont portés par des centres hospitaliers et seulement 18 % d’entre eux sont proposés en dehors. L’étude a confirmé le caractère multi professionnel et interdisciplinaire des programmes. Le soutien et la formation des équipes à l’évaluation des programmes d’ETP apparaissent comme une nécessité pour ces dernières. Discussion : L’investissement des acteurs de l’ETP est incontestable, tant par le nombre et la variété des programmes, les files actives de patients éduqués, que par la quantité de personnels mobilisés. Néanmoins, d’ETP est encore loin d’être homogène et équitablement répartie entre pathologies, les publics bénéficiaires, les territoires et les structures de soins. Ainsi, une telle étude questionne plus largement l’intégration de l’ETP dans une stratégie d’amélioration de la qualité de la prise en charge des maladies chroniques.

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Laurent, Donatien. „Le rôle des marges linguistiques dans la transmission des chansons de tradition orale – Quelques remarques sur les versions du « Roi Renaud » en Bretagne“. Port Acadie, Nr. 13-14-15 (27.10.2009): 447–55. http://dx.doi.org/10.7202/038447ar.

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Résumé En matière de culture populaire, l’innovation et le renouvellement viennent en général des milieux dits « lettrés ». Empruntés et assimilés par des milieux analphabètes, de culture orale, les textes écrits reçoivent une seconde vie, que ces milieux populaires leur offrent en en faisant leur bien. On se trouve donc en face de deux « objets » : un antécédent figé, daté, accompagné de ses éventuelles copies, qui va vivre, le temps que la mode lui conserve une actualité ou lui concède un intérêt, et une adaptation vivante et mouvante, portée par une culture orale qui va continuer à se nourrir de l’oeuvre et à la transmettre tant qu’elle conservera sens et valeur. Si l’oeuvre première passe, aux marges, dans un univers linguistique différent, elle va prendre un relief particulier, acquérir une autonomie qui donnera du prix à sa descendance « sauvage ». Notons que ce type de processus est observable aussi bien en matière de prose narrative que de poésie, de musique que de théâtre ou même de danse, et concerne finalement toutes les formes d’art.

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Zeitschriftenartikel zum Thema „Temps d’arrêt“

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