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Artykuły w czasopismach na temat "Arts décoratifs – France – 1800-"
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Bordes, Philippe. "Le genre de l’art en France autour de 1800". Perspective, nr 4 (31.12.2007): 679–92. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.3574.
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Williford, Christa. "A Computer Reconstruction of Richelieu's Palais Cardinal Theatre, 1641". Theatre Research International 25, nr 3 (2000): 233–47. http://dx.doi.org/10.1017/s0307883300019696.
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A small, anonymous grisaille(Figure 1)from the collection of the Musée des Arts Décoratifs in Paris is among the more familiar images of seventeenth-century French theatre history. It depicts Cardinal Richelieu, Louis XIII, and other members of the royal family at the theatre. The setting for the scene is the Grande Salle of Richelieu's Parisian home, the Palais Cardinal. Designed by the palace architect Jacques Lemercier and completed in 1641, this theatre was among the first purpose-built proscenium theatres in France. In the 1660s it became the site of the public performances of Molière's most successful plays; after the playwright's death, it housed the Paris Opéra until a fire destroyed it in 1763.
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Buser, Thomas, i Bruno Foucart. "Le Renouveau de la peinture religieuse en France (1800-1860)". Art Journal 47, nr 4 (1988): 381. http://dx.doi.org/10.2307/776990.
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Luria, Keith P. "The Cult of the Nation in France: Inventing Nationalism, 1680-1800 (review)". Catholic Historical Review 89, nr 1 (2003): 108–9. http://dx.doi.org/10.1353/cat.2003.0072.
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Ogata, Amy F. "The Origins of L'Art Nouveau: The Bing Empire. Gabriel P. Weisberg , Edwin Becker , Evelyne PosséméL'Art dans Tout: Les arts décoratifs en France et l'utopie d'un Art nouveau. Rossella Froissart PezoneArt et industrie: Les arts décoratifs en Belgique au XIXe siècle. Claire Leblanc". Studies in the Decorative Arts 13, nr 2 (kwiecień 2006): 104–8. http://dx.doi.org/10.1086/studdecoarts.13.2.40663274.
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Zimmer, Oliver. "The Cult of the Nation in France: Inventing Nationalism, 1680-1800". Nations and Nationalism 10, nr 3 (lipiec 2004): 396–99. http://dx.doi.org/10.1111/j.1354-5078.2004.172_15.x.
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Kluczewska-Wójcik, Agnieszka. "TO PROTECT HERITAGE, TO INSPIRE EMOTIONS. PRIVATE MUSEUMS IN FRANCE". Muzealnictwo 60 (19.07.2019): 143–53. http://dx.doi.org/10.5604/01.3001.0013.2973.
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The French museum world is dominated by large public institution. The cradle of public museology, France boasts a long-standing tradition of central management in this domain, whose continuation can be found in the current legislative solutions (Act of 4 January 2002) organizing the system of museum activity, their approval, and financing modes. It is all based on the musée de France status that can be granted to institutions owned either by the state or to any other legal entity under public law or legal entity under private law engaged in a non-profit activity. The latter, belonging to associations and foundations, or run by them, in order to win the state’s recognition and support, have to comply with specific requirements defined in particular with respect to conservation and scientific elaboration of the collections, as well as to making them available for public viewing. What dominates among ‘private’ museums are institutions of the public benefit organization status, whose model was shaped in the 19th century, e.g. the Paris Union Centrale des Arts Décoratifs or Cinémathèque Française, to a substantial degree financed with public resources. Some of them, e.g. ecomuseums and industrial museums in Mulhouse, are almost self-sufficient financially. Another form of a ‘private’ museum is a foundation set up by a company/ concern or artists and patrons. The latter group includes institutions that are owned by e.g. Institut de France in Paris, Musée Calvet in Avignon, or Fondation Maeght in Saint-Paul-de-Vence, as well as first of all those involved in mounting big Paris exhibitions, foundations – museums of modern art: Fondation Cartier, Fondation Louis Vuitton, or Collection Pinault which is currently being established. Thanks to their spectacular architectural settings, aggressive publicity policy, and astounding turn-out successes, these new private museums are substantially transforming the artistic stage in France.
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Walton, Guy. "Review: French Period Rooms, 1650-1800, Rebuilt in England, France and the Americas by Bruno Pons". Journal of the Society of Architectural Historians 56, nr 1 (1.03.1997): 106–7. http://dx.doi.org/10.2307/991225.
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De Baecque, Antoine. "The Allegorical Image of France, 1750-1800: A Political Crisis of Representation". Representations 47 (1994): 111–43. http://dx.doi.org/10.2307/2928788.
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Baecque, Antoine De. "The Allegorical Image of France, 1750-1800: A Political Crisis of Representation". Representations 47, nr 1 (lipiec 1994): 111–43. http://dx.doi.org/10.1525/rep.1994.47.1.99p0237m.
Pełny tekst źródłaRozprawy doktorskie na temat "Arts décoratifs – France – 1800-"
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Vaudry, Élodie. "Présence et usages des arts précolombiens dans les arts décoratifs en France de 1875 à 1945". Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100156.
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Cette thèse traite de la présence et des usages des arts précolombiens dans les arts décoratifs en France. Le point de départ de la recherche se situe en 1875, avec le premier Congrès des américanistes ; elle s’achève en 1945, avec la fin de la Seconde Guerre mondiale et la mort d’un des principaux artistes du corpus, Jean Puiforcat. Globalement, il s’agit de contribuer à l’histoire des transferts culturels entre le Mexique, le Pérou et la France, en mettant d’abord l’accent sur les liens entre les intérêts diplomatiques et le développement culturel de l’américanisme. À partir de là, le regard se concentre sur l’évolution de la perception française des arts précolombiens au travers de l’analyse des expositions temporaires, du marché de l’art et des revues d’art en France. Cela permet de comprendre comment la réévaluation de ces civilisations a favorisé l’appropriation de motifs précolombiens dans la création décorative en France : de nombreux décorateurs se sont intéressés aux possibilités formelles de ces productions et en ont fait usage selon des modalités hétérogènes mais concomitantes. Ces phénomènes sont multilatéraux : l’analyse des recueils d’ornements précolombiens et de leur théâtralisation par les gouvernements a permis de mettre en lumière des collaborations internationales, notamment celle de la liménienne Elena Izcue avec la styliste Elsa Schiaparelli. Dans l’ensemble, cette thèse se présente comme une étude d’histoire des représentations, centrée sur la diffusion et l’instrumentalisation des arts précolombiens, au Mexique, au Pérou et en France, afin de comprendre leur productivité visuelle et culturelle dans le champ des arts décoratifs en FranceThis doctoral dissertation deals with the presence and uses of pre-Columbian arts in decorative arts in France. The research starts in 1875 with the first Congress of Americanists; it ends in 1945, and it ends in 1945 with the conclusion of the Second World War and the death of one of the principal artists of the corpus, Jean Puiforcat. Overall, it seeks to contribute to the history of cultural transfers between Mexico, Peru and France. It begins by focussing on the links between the diplomatic forces at play and the cultural development of Americanism. From there, it concentrates on the evolution of the French perception of pre-Columbian arts through an analysis of temporary exhibitions, the art market and art reviews in France. This analysis makes it possible to understand how the reevaluation of these American civilisations supported the appropriation of pre-Columbian motives in decorative creation in France: many decorators were interested in the formal possibilities of these productions and used them according to heterogeneous but concomitant methods. Such phenomena are multilateral: the analysis of the collections of pre-Columbian ornaments and their dramatizing by governments made it possible to clarify international collaborations, in particular that of the Peruvian artist Elena Izcue with the designer Elsa Schiaparelli. This thesis is presented as a study of history of representations centred on the diffusion and the instrumentalization of pre-Columbian arts in Mexico, Peru and France, in order to understand their visual and cultural productivity in the field of decorative arts in France
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Fravalo, Fabienne. "La revue Art et Décoration (1897-1914) : de l’Art nouveau à un art décoratif moderne". Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2015. http://www.theses.fr/2015CLF20009.
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En 1897, paraît la première revue parisienne consacrée à la critique des arts décoratifs contemporains : Art et Décoration, publiée par la Librairie centrale des beaux-arts. Jusqu’en 1914,elle reste fidèle aux engagements énoncés par son programme : être l’auxiliaire du développement d’un art décoratif français moderne, au sens large, en suivant étroitement l’actualité artistique et en prenant part aux débats critiques, esthétiques, théoriques et idéologiques qui sous-tendent cette actualité. Cette recherche a pour but de décrypter l’action critique et théorique d’Art et Décoration en tant qu’auxiliaire de l’évolution des faits artistiques, selon trois niveaux de lecture : la place d’Art et Décoration et de ses principaux acteurs au sein du champ éditorial des revues d’art, la vocation militante de son discours critique, et, enfin, son élaboration d’une esthétique décorative extensive.Tout en suivant ce triple niveau de lecture, cette étude adopte un parcours en quatre temps,correspondant à quatre périodes, définies par la superposition de l’histoire interne d’Art et Décoration, de l’évolution des faits artistiques et du positionnement critique et théorique de la revue vis-à-vis de ces derniersIn 1897, the Librairie centrale des beaux-arts published the first Parisian review devoted to contemporary decorative arts criticism : Art et Décoration. Until 1914, the review adhered to its original mission of chronicling the development of modern, French decorative art by reporting artistic events, and taking an active role in the critical, aesthetical, theoretical and ideological debates of the period. This research intends to understand the critical and theoretical actions of Art et Décoration through three different perspectives: the role of Art et Décoration and its main contributors in the field of art review publishing; the militant language of its critical discourse ; and, its construction of an extensive decorative aesthetic. In addition to these three viewpoints, this study is further divided into four chronological periods based upon the internal dynamics of Art et Décoration, artistic developments of the era, and the progression of the review’s critical and theoretical positions
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Sarméo, Emmanuel. "La cheminée et son décor sous le règne de Louis XVI". Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2015. http://www.theses.fr/2015GREAH016.
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Structure architecturée destinée au besoin vital de chauffage, la cheminée était par conséquent l'élément le plus important d'un intérieur. Ainsi obtînt-elle la plus grande des attentions de la part des architectes, qui s'ingénièrent à donner à cet ouvrage utilitaire l'apparence d'un véritable monument de marbre, orné de motifs sculptés ou de bronzes dorés. Cette attention décorative valut parfois à l'ouvrage caminologique le privilège d'accéder au rang d'œuvre d'art.Plus qu'un simple foyer destiné à accueillir le feu, la cheminée était le point focal d'un intérieur. Sa position déterminait aussi bien la composition du décor mural que l'agencement du mobilier. C'est également autour de la cheminée que s'organisaient au quotidien les activités humaines. Cette attraction à la fois visuelle et physiologique incita à associer à la cheminée, pour son usage et pour son agrément, une grande diversité d'objets. Les objets d'art les plus précieux d'une habitation étaient volontiers exhibés sur la tablette de la cheminée, flattant ainsi l'orgueil du propriétaire, qui, au-delà, affirmait, aux yeux de tous, son rang social.Cette étude définie dans son intégralité les caractéristiques de la décoration intérieure de la seconde moitié du XVIIIe siècle, période durant laquelle s'opéra en France le renouveau classique, en partant de la cheminée tout en considérant le décor mural qui l'entourait, le choix des matériaux, des couleurs et des objets, à valeur d'usage et à valeur esthétique, qui lui étaient associés. L'analyse de la cheminée et de son décor permet ainsi de saisir au plus près les goûts et les habitudes ornementales de la société française de la fin de l'Ancien RégimeAs an architectural structure providing heat to satisfy one of man's vital need, the fireplace was the most important element of interior decoration. Then it attracted the attention of architects who strived to give to this useful device the appearance of a true monument in marble, decorated with sculpted motifs or ormolu. As a result of the attention paid to its decoration, the fireplace eventually reached the status of a genuine work of art. More than a mere hearth aimed at setting the fire, it became an essential element of the household. Its central position determined both the arrangement of the panelling and the layout of the furniture. At this point, daily occupations got tied to the fireplace; its physiological and esthetical value led to the necessity of possessing a wide range of objects either useful (to set the fire) or decorative. The most precious ownings of the house were usually exhibited on the marble top, flattering its owner, while affirming his vanity. This PhD is a thorough study of the characteristics of interior decoration during the second half of the 18th c.. In France at the time, there was a major classicism revival, operating through the fireplace and the decoration of the walls around it, including changes in colors and in the range of fireplace-related objects to use or admire. This survey of the fireplace and its decorative context enables us to apprehend french society's tastes and habits at the very end of "Ancien Régime"
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Acheré, Sylvie. "Victor Champier (1851-1929), un acteur de la vie artistique sous la Troisième République". Lille 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL30033.
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Cette biographie réhabilite le rôle de Victor Champier dans le mouvement de rénovation des arts décoratifs français à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, aux côtés de Roger Marx, Marius Vachon ou d'Emile Gallé. Connu comme l'animateur de la Revue des arts décoratifs, une publication fondatrice d'un corpus théorique sur la place des arts décoratifs dans la société démocratique, son apport à la création d'institutions encadrant l'essor des arts décoratifs, restait méconnue. Il initie le musée des arts décoratifs de Paris, obtient l'ouverture des salons aux arts décoratifs où s'exprimeront les partisans de l'Art Nouveau. Délégué par l'Etat aux Expositions universelles, directeur artistique de la maison Muller, inspirateur d'une inspection des arts décoratifs dès 1894, il est aussi le promoteur d'une fusion de l'art et de la technique qu'il expérimentera avec succès pour la relève de l'Ecole nationale des arts et industries textiles de Roubaix en 2001. Grâce au soutien de sociétés savantes et d'industriels, il fait de Roubaix, un foyer artistique décentralisé et organise des expositions retentissantes. Il fournit à l'industrie locale un personnel hautement qualifié qui perpétue la renommée de savoir-faire de la production textile roubaisienne à travers le monde, tandis que les orientations qu'il prône à l'école annoncent le développement de l'esthétique industrielleThis biography restores to favor the role that Champier played in the renovation of the French decorative arts at the junction of the XIX and XX centuries. Champier was known as the riving force behind La revue des arts décoratifs, a publication which had set forth the theory on the place that decorative arts should hold in a democratic society. However, his contribution to the creation of institutions furthering the expansion of decorative arts, had remained largely unrecognized. On his own initiative, the museum of decorative arts open up in Paris ; he succeeds, as well, in opening the Salons to the decorative arts, he also is instrumental in promoting the fusion of art and technique, wich will result in successfully revitalizing the national school of arts and industries of Roubaix. Thanks to the patronage of scientists, and industrials, he turns Roubaix into an artistic haven, and organizes resounding exhibits. Lastly, he provides the local industry a highly qualified staff, which perpetuates, across the world, Roubaix's reputation for excellency in the textile production, while foreseeing, in the orientations of his teachings, the development of an industrial aesthetics
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Froissart, Pezone Rossella. "Le groupe de "L"art dans tout" (1896-1901) : un art nouveau au seuil du XXe siècle". Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20006.
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Pendant la 2de moitié du 19e les arts "mineurs", qualifiés d"industriels", "décoratifs", ou "appliqués'" selon les moyens de production sont au centre du débat artistique au sein des institutions privées (Union centrale des arts décoratifs, Société nationale des Beaux-arts) ou publiques (musées, écoles). Le groupe des cinq, formé en 1896 par F. Aubert, A. Charpentier, J. Dampt, H. Nocq et C. Plumet devenu en 1897 les 6 (après le départ de Nocq et l'arrivée d'E. Moreau-Nelaton et T. Selmersheim) et en 1898 "L'art dans tout", (se joignent H. Sauvage, L. Sorel et quelques "invités", J. Desbois, A. Jorrand), est le résultat d'un mouvement de renouveau des arts du décor qui, à la fin du siècle, mène de nombreux peintres, sculpteurs, et architectes sur le chemin de "arts mineurs". Les 6 expositions que le groupe organise entre 1896 et 1901 témoignent de l'influence déterminante exercée par Viollet-le-Duc sur un art nouveau "rationaliste" d'où est écartée toute exubérance florale et qui affiche une grande sobriété de formes. Très différentes, les personnalités de "L'art dans tout" croient toutes dans le rôle social de l'artiste, appelé à remodeler un cadre de vie dégradé par l'industrialisation et par le bouleversement des canons esthétiques : communauté d'idées qui se concrétise dans le projet (non réalisé) du foyer moderne, conçu pour l'exposition universelle de 1900. Les modèles en vigueur dans l'aménagement de l'intérieur bourgeois pèsent dans les créations du groupe qui tente toutrefois d'innover, soit dans l'organisation de l'espace, soit sans le répertoire décoratif, soit dans les matériaux et moyens de production. Bien que la décoration de surface ou sculptée ait une importance moindre par rapport au mobilier, les papiers peints et pochoirs, les tapis, les dentelles, les étains deviennent des domaines essentiels d'expérimentation de formes et de matériaux pour les membres de "L'art dans tout"
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Velut, Christine. "Décors de papier : production, commercialisation et usages des papiers peints à Paris, 1750-1820". Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010624.
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Dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle s'offre aux Parisiens une nouvelle option en matière de décoration murale: les papiers peints. A partir de l'analyse d'un corpus documentaire très varié, des collections de papiers peints conservés dans les musées ou retrouvés en place, aux archives habituelles des historiens de la société et de l'économie, ce travail vise à comprendre la logique de l'émergence d'un nouveau produit destiné à l'ornement du cadre de vie. Saisie à ses débuts, cette nouvelle composante de la culture matérielle permet d'interroger les pratiques domestiques et les habitudes de consommation au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Encouragés par une demande pour les papiers importés, des artisans et entrepreneurs d'origines très diverses se lancent en effet dans la fabrication de ce matériau décoratif. Un nouveau milieu professionnel se forme pour répondre à une demande stimulée par la mode. En retour, les attentes de clientèles issues de larges pans de la société sont devancées par des fabricants qui renouvellent et enrichissent constamment leur offre grâce aux talents et à l'imagination de leurs dessinateurs. Le papier peint est adopté dans les demeures royales comme dans les logements de la petite bourgeoisie boutiquière et artisanale, car il sait s'adapter à tous les types de pièces, à toutes les bourses. Élégamment présenté dans les boutiques, habilement promu dans les périodiques, il s'intègre au système décoratif qui lui préexiste et comble les aspirations d'un public qui privilégie la fraîcheur et la gaieté à la solidité.
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Desrondiers, Carine. "L’art de la Serrurerie en Bretagne aux XVIIe et XVIIIe siècles". Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040044.
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L’art de la Serrurerie en Bretagne aux XVIIe et XVIIIe siècles met en lumière l’art du fer forgé, un domaine des arts décoratifs aux confluents de ceux de l’architecture, du mobilier et de l’ornement, devenu, au fil du temps, la « Cendrillon des arts ». Les recherches en archives et les enquêtes sur le terrain inédites ont été menées sur les cinq diocèses (Finistère, Côtes-d’Armor, Morbihan, Ille-et-Vilaine et Loire-Atlantique) qui composent la province de Bretagne avant la Révolution et ont donné lieu à une synthèse historique et artistique développée sur trois axes. La première partie analyse le cadre d’origine et l’évolution des communautés de serruriers en Bretagne à partir de l’étude des chartes et des statuts et de leur application. La deuxième partie s’intéresse à la connaissance de l’individu-serrurier dans son environnement socio-familial, mais également à travers sa formation artisanale et les étapes marquantes de sa vie professionnelle (apprentissage, compagnonnage et maîtrise). La troisième partie examine les commanditaires, le processus de la commande et la production des œuvres – clef, serrure, grille, heurtoir, balcon, rampe…- depuis l’atelier jusqu’aux édifices bretons où certaines d’entre elles demeurent encore. Le catalogue des œuvres ainsi que le dictionnaire biographique (1200 notices) illustrent et proposent des outils documentaires complémentaires à l’étude sociale et culturelle ainsi qu’à l’histoire du goût afin de contribuer à la redécouverte des serruriers bretons tout autant que de leurs œuvres pendant une période considérée, en France, comme l’âge d’or du fer forgéThe Art of Locksmithery in Britany in the 17th and 18th centuries highlights the art of iron forged – a section of the decorative arts in between architecture, furniture design and ornament that has become the “Cinderella of arts” over the ages.Records based research and on-site investigations were conducted in five dioceses - Finistère, Côtes-d’Armor, Morbihan, Ille-et-Vilaine and Loire-Atlantique, which Britany included before the French Revolution- and resulted in a synthetic essay about history and art. The first part analyses the original background and the evolution of the community of locksmiths in Britany from the study of charters, statuses and their application. The second part presents individual locksmiths in their social and family environment as well as through their training as craftsmen with the main steps of their professional life – apprenticeship, companionship and mastering. The third part deals with the contractors, the ordering process and the creation of pieces of work - key, lock, knocker, grille, balcony, bracket, lectern... - from the workshop to the Breton buildings, a few of which still feature some of those creations.The works catalogue and the biographical dictionary (1200 entries) illustrate and offer other documenting tools for further social and cultural studies and knowledge of design history in order to contribute to the rediscovery of Breton locksmiths and their works over a period regarded as the French golden age of ironwork
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Vasseur, Édouard. "L'exposition universelle de 1867 à Paris : analyse d'un phénomène français au XIXe siècle". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040094.
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L'exposition universelle de 1867 à Paris permet d'examiner l'engouement français pour les expositions. Plusieurs groupes encouragent leur multiplication: les industriels, pour raison de stratégie commerciale; le gouvernement, après le traité de commerce franco-anglais de 1860, pour promouvoir sa politique économique; les élites, pour améliorer l'esthétique industrielle et renforcer la formation professionnelle. Frédéric Le Play, à la tête de la Commission impériale, met son expérience au service de l'organisation et fait apparaître des évolutions majeures: pavillons; ouverture à la question sociale; plus grande autonomie des exposants; développement du gigantisme et du spectacle. L'organisation est un succès; les résultats en sont plus ambigus. L'industrie française se modernise et domine toujours le secteur des arts industriels. Mais les progrès américains et allemands sont réels. Les idées sociales (patronage) rencontrent peu d'écho auprès des ouvriersThe 1867 world fair of Paris permitted to study a certain French craze towards industrial exhibitions. The following groups contributed to the event: industrials - for commercial and strategic reasons, the Government - promoting its economic policy subsequently to the free trade agreement of 1860 between Great Britain and France, the elite -intending to improve product designs and reinforce professional training. The organisation benefited from the experience of Frederic Le Play, head of the Imperial Commission, who contributed to major evolutions. These included pavilions, greater autonomy for exhibitors, working class concerns and the advent of large scale entertainment. The exhibition was an organisational success with mixed results. The French industry had been modernised and France was always the leading nation in arts and crafts. Nevertheless the USA and German states had shown to make rapid progress; Socil concerns of the paternalists had sadely little impact on workers
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Bonnet, Caroline. "L'art et le décor à travers le style de deux écrivains du XIXe siècle, Chateaubriand et les Goncourt". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040255.
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Partant de l'hypothèse qu'Art et Littérature sont influencés par leur époque, nous montrerons l'évolution de l'art et du décor au XIX ème siècle en comparant style littéraire et style de décor. En choisissant Chateaubriand pour le début du siècle et les Goncourt pour la seconde moitié, la période chronologique est suffisamment étendue pour mesurer l'évolution de l'art et du décor dans leur connexion avec ces deux styles littéraires. Le style Empire de Chateaubriand, à définir, repose sur les trois piliers du néoclassicisme Beauté, harmonie et équilibre affirmant dans la prose comme dans le décor un style architecturé, linéaire, idéalisé. Reflet de la propagande Napoléonienne, arts et décor prolongent l'ambition didactique de la prose qui exalte le Docere, movere, placere classique. Prose de combat, peinture et décor conduisent la méditation cathartique et se transforment en vanités picturales ou littéraires. Pourtant au delà du carcan classique, écriture, peinture et décor expriment une sensibilité déjà romantique. A la ligne succède la couleur, préfiguration d'une fragmentation propre au décor que les Goncourt réaliseront dans la prose. La seconde moitié du siècle est soumise à la décadence et à l'éclectisme. La prolifération du verbe correspond dans le décor à l' horror vaccui. Le décor déconstruit reflète la fragmentation de la phrase et la déliquescence du corps. L'écriture artificielle rejoint dans sa syntaxe l'éparpillement impressionniste pourtant incompris des Goncourt. La touche fragmentée du tableau correspond dans le décor au bibelot anthropomorphisé, substitut du féminin, et dans la phrase, au mot vidé de son sens, mot bibelot, objet de collectionAssuming that art and literature reflects their time, we will point out the evolution of art and interior decoration by a comparative study of literature and interior decoration styles'. Authors such as Chateaubriand for the early XIXth century and the Goncourt for the second half will provide significant examples to analyze the evolution of art and decoration and their relevance with the authors' style. We shall define the Empire style of Chateaubriand based on neoclassicism, beauty, harmony and balance, revealing both in prose and decoration a architectured style, defined by the line and idealisation. Participating to the Napoleonian propaganda, arts and decoration emphasize the didactic purpose of prose, expressing the classical doctrine of docere, movere, placere. Prose of war, painting and decoration can lead to meditation, catharsis and figurative or literary vanities. Yet, beyond the classical constraints, writing, painting and decoration reveal a sensibility forecasting romanticism. Drawing gave way to colour, foreshadowing a break in decoration, witnessed in the Goncourt prose. Decadence in prose and eclecticism in decoration epitomized the second half of the century. The richness of prose echoes a decoration subjected to the horror vaccui. The deconstructed décor parallels not only the decadence of a fragmented sentence but also the decay of the sick body. The fragmented syntax in this precious writing style mirrors the impressionist dispersion misunderstood by the Goncourt. The scattered touch corresponds, in decoration, to the anthropomorphic and feminine substitute bibelot and, in literature, to the word which becomes a word bibelot, work of art
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Cordera, Paola. "Dal museo delle cose al Musée Imaginaire : materiali per la (ri)costituzione del Museo di arti decorative e industriali di Frédéric Spitzer (1815-1890)". Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010691.
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Cette étude cible la reconstitution de la collection du marchand amateur Frédéric Spitzer, avec son milieu social, culturel, politique dans une perspective qui était européenne au XIXe siècle et qui est aujourd’hui devenue globalisée et participative. Vendue aux enchères en 1893, cette collection constitua un cas exemplaire parmi les collections de son époque, caractérisée par des liens très étroits entre collection, étude, nouvelle production d’objets d’art, communication et divulgation. Forcément abordé selon une perspective multidisciplinaire et transnationale et des sources documentaires largement inédites, la microstoria de Spitzer a été réécrite dans le sillage de la multiple identité, de ses nombreux déplacements dans le cadre européen et de ses relations avec les principaux représentants du milieu culturel européen. Sa collection et les objets d’arts qui la composaient ont été ici étudiés avec leur scénario d’origine, c’est-à-dire l’hôtel particulier où ils étaient installés et les rites sociaux et la vie privée dans les salons de réception se prolongeaient dans les salles du musée, en affichant référence à l’esprit de la Renaissance italienne dans une sorte de Gesamtkunstwerk. Un inventaire raisonné a été finalement rédigé à fin de reconstituer l’unité d’origine de la collection et d’accéder d’une manière objective et consciente aux possibles lectures et interprétations du projet unitaire à vocation encyclopédique et taxonomique conçu par Frédéric Spitzer, en devenant un possible support pour la valorisation du patrimoine culturel et de la mémoire collective actuelleThis study focus on the reconstruction of the collection of the art dealer Frédéric Spitzer (1815-1890), by reconsidering the role of his collection within the 19th century European frame and its meaning in the present culture within contemporary cultural dynamics at a global scale. Auctioned in 1893, his collection was considered an exemplar model of his era, marked by strong links between collection, studies, new production of art, communication and disclosure items. Reconsidered according to a multidisciplinary and a transnational perspective and based on unpublished documents, the Spitzer’s microstoria has been rewritten in the wake of his multiple identity, his European travels and his relations with the key figures of the European cultural world. His collection and his art’s objects have been studied here within their original frame, being on display in Spitzer’s mansion in Paris where social rites and private life in the reception rooms were extended into the museum, showing reference to the spirit of the Italian Renaissance in a kind of Gesamtkunstwerk. A reasoned inventory was finally compiled in order to rebuild the lost unity of the museum according to the Spitzer’s encyclopedic and taxonomic spirit in order to contribure and understand its complexity as a research support tool and as a device of information for the cultural heritage and the present mémoire collective
Książki na temat "Arts décoratifs – France – 1800-"
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Bordeaux (France). Musée des arts décoratifs. Bordeaux, Musée des arts décoratifs: Mobilier bordelais et parisien. Paris: Réunion des Musées Nationaux, 1997.
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Bordeaux (France). Musée des arts décoratifs. Decorative Arts Museum. Bordeaux: Mairie de Bordeaux, 1990.
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Sfar, Éric. Ensad: École nationale supérieure des arts décoratifs. Paris: Archibooks, 2008.
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Pasquier, Jacqueline Du. Vaisselle d'argent à Bordeaux: Musée des Arts décoratifs, Bordeaux. Paris: Réunion des musées nationaux, 2000.
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Boysson, Bernadette de. Musée des arts décoratifs de Bordeaux: Hôtel de Lalande. Paris: Somogy, 2005.
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Alexandra, Fau, red. L'histoire de l'École nationale supérieure des arts décoratifs, 1941-2010. Paris: EnsAD, 2011.
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Morais, Sabato. "Thanksgiving Day Sermon". W Jewish Preaching in Times of War, 1800 - 2001, 250–58. Liverpool University Press, 2012. http://dx.doi.org/10.3828/liverpool/9781906764401.003.0012.
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This chapter takes a look at another one of Morais' sermons, this time on the Franco-Prussian War. Morais presents Prussia as an awesome military power that has not only humiliated its opponent but threatens to destroy its capital city. Here, he identifies France not with the Emperor but with Paris, the centre of science and the arts, a place of magnificence and beauty, the very survival of which is in peril. And he associates France with Lafayette, bound up with the founding of the American Republic and specifically with Philadelphia's Independence Hall, a few blocks from where Morais was speaking. The preacher expresses pride in America's quick recognition of the new French Republic, and a wistful desire that America could now intervene militarily to ensure the safety of Paris. In this, Morais reflects the shift of American public opinion to greater sympathy for France after Sedan.