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Rozprawy doktorskie na temat „Arts décoratifs – France – 1800-”

Autor: Grafiati
Data publikacji: 4 czerwca 2021
Data aktualizacji: 1 lutego 2022

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Vaudry, Élodie. "Présence et usages des arts précolombiens dans les arts décoratifs en France de 1875 à 1945". Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100156.

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Streszczenie:
Cette thèse traite de la présence et des usages des arts précolombiens dans les arts décoratifs en France. Le point de départ de la recherche se situe en 1875, avec le premier Congrès des américanistes ; elle s’achève en 1945, avec la fin de la Seconde Guerre mondiale et la mort d’un des principaux artistes du corpus, Jean Puiforcat. Globalement, il s’agit de contribuer à l’histoire des transferts culturels entre le Mexique, le Pérou et la France, en mettant d’abord l’accent sur les liens entre les intérêts diplomatiques et le développement culturel de l’américanisme. À partir de là, le regard se concentre sur l’évolution de la perception française des arts précolombiens au travers de l’analyse des expositions temporaires, du marché de l’art et des revues d’art en France. Cela permet de comprendre comment la réévaluation de ces civilisations a favorisé l’appropriation de motifs précolombiens dans la création décorative en France : de nombreux décorateurs se sont intéressés aux possibilités formelles de ces productions et en ont fait usage selon des modalités hétérogènes mais concomitantes. Ces phénomènes sont multilatéraux : l’analyse des recueils d’ornements précolombiens et de leur théâtralisation par les gouvernements a permis de mettre en lumière des collaborations internationales, notamment celle de la liménienne Elena Izcue avec la styliste Elsa Schiaparelli. Dans l’ensemble, cette thèse se présente comme une étude d’histoire des représentations, centrée sur la diffusion et l’instrumentalisation des arts précolombiens, au Mexique, au Pérou et en France, afin de comprendre leur productivité visuelle et culturelle dans le champ des arts décoratifs en France
This doctoral dissertation deals with the presence and uses of pre-Columbian arts in decorative arts in France. The research starts in 1875 with the first Congress of Americanists; it ends in 1945, and it ends in 1945 with the conclusion of the Second World War and the death of one of the principal artists of the corpus, Jean Puiforcat. Overall, it seeks to contribute to the history of cultural transfers between Mexico, Peru and France. It begins by focussing on the links between the diplomatic forces at play and the cultural development of Americanism. From there, it concentrates on the evolution of the French perception of pre-Columbian arts through an analysis of temporary exhibitions, the art market and art reviews in France. This analysis makes it possible to understand how the reevaluation of these American civilisations supported the appropriation of pre-Columbian motives in decorative creation in France: many decorators were interested in the formal possibilities of these productions and used them according to heterogeneous but concomitant methods. Such phenomena are multilateral: the analysis of the collections of pre-Columbian ornaments and their dramatizing by governments made it possible to clarify international collaborations, in particular that of the Peruvian artist Elena Izcue with the designer Elsa Schiaparelli. This thesis is presented as a study of history of representations centred on the diffusion and the instrumentalization of pre-Columbian arts in Mexico, Peru and France, in order to understand their visual and cultural productivity in the field of decorative arts in France
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Fravalo, Fabienne. "La revue Art et Décoration (1897-1914) : de l’Art nouveau à un art décoratif moderne". Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2015. http://www.theses.fr/2015CLF20009.

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En 1897, paraît la première revue parisienne consacrée à la critique des arts décoratifs contemporains : Art et Décoration, publiée par la Librairie centrale des beaux-arts. Jusqu’en 1914,elle reste fidèle aux engagements énoncés par son programme : être l’auxiliaire du développement d’un art décoratif français moderne, au sens large, en suivant étroitement l’actualité artistique et en prenant part aux débats critiques, esthétiques, théoriques et idéologiques qui sous-tendent cette actualité. Cette recherche a pour but de décrypter l’action critique et théorique d’Art et Décoration en tant qu’auxiliaire de l’évolution des faits artistiques, selon trois niveaux de lecture : la place d’Art et Décoration et de ses principaux acteurs au sein du champ éditorial des revues d’art, la vocation militante de son discours critique, et, enfin, son élaboration d’une esthétique décorative extensive.Tout en suivant ce triple niveau de lecture, cette étude adopte un parcours en quatre temps,correspondant à quatre périodes, définies par la superposition de l’histoire interne d’Art et Décoration, de l’évolution des faits artistiques et du positionnement critique et théorique de la revue vis-à-vis de ces derniers
In 1897, the Librairie centrale des beaux-arts published the first Parisian review devoted to contemporary decorative arts criticism : Art et Décoration. Until 1914, the review adhered to its original mission of chronicling the development of modern, French decorative art by reporting artistic events, and taking an active role in the critical, aesthetical, theoretical and ideological debates of the period. This research intends to understand the critical and theoretical actions of Art et Décoration through three different perspectives: the role of Art et Décoration and its main contributors in the field of art review publishing; the militant language of its critical discourse ; and, its construction of an extensive decorative aesthetic. In addition to these three viewpoints, this study is further divided into four chronological periods based upon the internal dynamics of Art et Décoration, artistic developments of the era, and the progression of the review’s critical and theoretical positions
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Sarméo, Emmanuel. "La cheminée et son décor sous le règne de Louis XVI". Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2015. http://www.theses.fr/2015GREAH016.

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Streszczenie:
Structure architecturée destinée au besoin vital de chauffage, la cheminée était par conséquent l'élément le plus important d'un intérieur. Ainsi obtînt-elle la plus grande des attentions de la part des architectes, qui s'ingénièrent à donner à cet ouvrage utilitaire l'apparence d'un véritable monument de marbre, orné de motifs sculptés ou de bronzes dorés. Cette attention décorative valut parfois à l'ouvrage caminologique le privilège d'accéder au rang d'œuvre d'art.Plus qu'un simple foyer destiné à accueillir le feu, la cheminée était le point focal d'un intérieur. Sa position déterminait aussi bien la composition du décor mural que l'agencement du mobilier. C'est également autour de la cheminée que s'organisaient au quotidien les activités humaines. Cette attraction à la fois visuelle et physiologique incita à associer à la cheminée, pour son usage et pour son agrément, une grande diversité d'objets. Les objets d'art les plus précieux d'une habitation étaient volontiers exhibés sur la tablette de la cheminée, flattant ainsi l'orgueil du propriétaire, qui, au-delà, affirmait, aux yeux de tous, son rang social.Cette étude définie dans son intégralité les caractéristiques de la décoration intérieure de la seconde moitié du XVIIIe siècle, période durant laquelle s'opéra en France le renouveau classique, en partant de la cheminée tout en considérant le décor mural qui l'entourait, le choix des matériaux, des couleurs et des objets, à valeur d'usage et à valeur esthétique, qui lui étaient associés. L'analyse de la cheminée et de son décor permet ainsi de saisir au plus près les goûts et les habitudes ornementales de la société française de la fin de l'Ancien Régime
As an architectural structure providing heat to satisfy one of man's vital need, the fireplace was the most important element of interior decoration. Then it attracted the attention of architects who strived to give to this useful device the appearance of a true monument in marble, decorated with sculpted motifs or ormolu. As a result of the attention paid to its decoration, the fireplace eventually reached the status of a genuine work of art. More than a mere hearth aimed at setting the fire, it became an essential element of the household. Its central position determined both the arrangement of the panelling and the layout of the furniture. At this point, daily occupations got tied to the fireplace; its physiological and esthetical value led to the necessity of possessing a wide range of objects either useful (to set the fire) or decorative. The most precious ownings of the house were usually exhibited on the marble top, flattering its owner, while affirming his vanity. This PhD is a thorough study of the characteristics of interior decoration during the second half of the 18th c.. In France at the time, there was a major classicism revival, operating through the fireplace and the decoration of the walls around it, including changes in colors and in the range of fireplace-related objects to use or admire. This survey of the fireplace and its decorative context enables us to apprehend french society's tastes and habits at the very end of "Ancien Régime"
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Acheré, Sylvie. "Victor Champier (1851-1929), un acteur de la vie artistique sous la Troisième République". Lille 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL30033.

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Cette biographie réhabilite le rôle de Victor Champier dans le mouvement de rénovation des arts décoratifs français à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, aux côtés de Roger Marx, Marius Vachon ou d'Emile Gallé. Connu comme l'animateur de la Revue des arts décoratifs, une publication fondatrice d'un corpus théorique sur la place des arts décoratifs dans la société démocratique, son apport à la création d'institutions encadrant l'essor des arts décoratifs, restait méconnue. Il initie le musée des arts décoratifs de Paris, obtient l'ouverture des salons aux arts décoratifs où s'exprimeront les partisans de l'Art Nouveau. Délégué par l'Etat aux Expositions universelles, directeur artistique de la maison Muller, inspirateur d'une inspection des arts décoratifs dès 1894, il est aussi le promoteur d'une fusion de l'art et de la technique qu'il expérimentera avec succès pour la relève de l'Ecole nationale des arts et industries textiles de Roubaix en 2001. Grâce au soutien de sociétés savantes et d'industriels, il fait de Roubaix, un foyer artistique décentralisé et organise des expositions retentissantes. Il fournit à l'industrie locale un personnel hautement qualifié qui perpétue la renommée de savoir-faire de la production textile roubaisienne à travers le monde, tandis que les orientations qu'il prône à l'école annoncent le développement de l'esthétique industrielle
This biography restores to favor the role that Champier played in the renovation of the French decorative arts at the junction of the XIX and XX centuries. Champier was known as the riving force behind La revue des arts décoratifs, a publication which had set forth the theory on the place that decorative arts should hold in a democratic society. However, his contribution to the creation of institutions furthering the expansion of decorative arts, had remained largely unrecognized. On his own initiative, the museum of decorative arts open up in Paris ; he succeeds, as well, in opening the Salons to the decorative arts, he also is instrumental in promoting the fusion of art and technique, wich will result in successfully revitalizing the national school of arts and industries of Roubaix. Thanks to the patronage of scientists, and industrials, he turns Roubaix into an artistic haven, and organizes resounding exhibits. Lastly, he provides the local industry a highly qualified staff, which perpetuates, across the world, Roubaix's reputation for excellency in the textile production, while foreseeing, in the orientations of his teachings, the development of an industrial aesthetics
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Froissart, Pezone Rossella. "Le groupe de "L"art dans tout" (1896-1901) : un art nouveau au seuil du XXe siècle". Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20006.

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Pendant la 2de moitié du 19e les arts "mineurs", qualifiés d"industriels", "décoratifs", ou "appliqués'" selon les moyens de production sont au centre du débat artistique au sein des institutions privées (Union centrale des arts décoratifs, Société nationale des Beaux-arts) ou publiques (musées, écoles). Le groupe des cinq, formé en 1896 par F. Aubert, A. Charpentier, J. Dampt, H. Nocq et C. Plumet devenu en 1897 les 6 (après le départ de Nocq et l'arrivée d'E. Moreau-Nelaton et T. Selmersheim) et en 1898 "L'art dans tout", (se joignent H. Sauvage, L. Sorel et quelques "invités", J. Desbois, A. Jorrand), est le résultat d'un mouvement de renouveau des arts du décor qui, à la fin du siècle, mène de nombreux peintres, sculpteurs, et architectes sur le chemin de "arts mineurs". Les 6 expositions que le groupe organise entre 1896 et 1901 témoignent de l'influence déterminante exercée par Viollet-le-Duc sur un art nouveau "rationaliste" d'où est écartée toute exubérance florale et qui affiche une grande sobriété de formes. Très différentes, les personnalités de "L'art dans tout" croient toutes dans le rôle social de l'artiste, appelé à remodeler un cadre de vie dégradé par l'industrialisation et par le bouleversement des canons esthétiques : communauté d'idées qui se concrétise dans le projet (non réalisé) du foyer moderne, conçu pour l'exposition universelle de 1900. Les modèles en vigueur dans l'aménagement de l'intérieur bourgeois pèsent dans les créations du groupe qui tente toutrefois d'innover, soit dans l'organisation de l'espace, soit sans le répertoire décoratif, soit dans les matériaux et moyens de production. Bien que la décoration de surface ou sculptée ait une importance moindre par rapport au mobilier, les papiers peints et pochoirs, les tapis, les dentelles, les étains deviennent des domaines essentiels d'expérimentation de formes et de matériaux pour les membres de "L'art dans tout"
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Velut, Christine. "Décors de papier : production, commercialisation et usages des papiers peints à Paris, 1750-1820". Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010624.

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Dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle s'offre aux Parisiens une nouvelle option en matière de décoration murale: les papiers peints. A partir de l'analyse d'un corpus documentaire très varié, des collections de papiers peints conservés dans les musées ou retrouvés en place, aux archives habituelles des historiens de la société et de l'économie, ce travail vise à comprendre la logique de l'émergence d'un nouveau produit destiné à l'ornement du cadre de vie. Saisie à ses débuts, cette nouvelle composante de la culture matérielle permet d'interroger les pratiques domestiques et les habitudes de consommation au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Encouragés par une demande pour les papiers importés, des artisans et entrepreneurs d'origines très diverses se lancent en effet dans la fabrication de ce matériau décoratif. Un nouveau milieu professionnel se forme pour répondre à une demande stimulée par la mode. En retour, les attentes de clientèles issues de larges pans de la société sont devancées par des fabricants qui renouvellent et enrichissent constamment leur offre grâce aux talents et à l'imagination de leurs dessinateurs. Le papier peint est adopté dans les demeures royales comme dans les logements de la petite bourgeoisie boutiquière et artisanale, car il sait s'adapter à tous les types de pièces, à toutes les bourses. Élégamment présenté dans les boutiques, habilement promu dans les périodiques, il s'intègre au système décoratif qui lui préexiste et comble les aspirations d'un public qui privilégie la fraîcheur et la gaieté à la solidité.
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Desrondiers, Carine. "L’art de la Serrurerie en Bretagne aux XVIIe et XVIIIe siècles". Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040044.

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L’art de la Serrurerie en Bretagne aux XVIIe et XVIIIe siècles met en lumière l’art du fer forgé, un domaine des arts décoratifs aux confluents de ceux de l’architecture, du mobilier et de l’ornement, devenu, au fil du temps, la « Cendrillon des arts ». Les recherches en archives et les enquêtes sur le terrain inédites ont été menées sur les cinq diocèses (Finistère, Côtes-d’Armor, Morbihan, Ille-et-Vilaine et Loire-Atlantique) qui composent la province de Bretagne avant la Révolution et ont donné lieu à une synthèse historique et artistique développée sur trois axes. La première partie analyse le cadre d’origine et l’évolution des communautés de serruriers en Bretagne à partir de l’étude des chartes et des statuts et de leur application. La deuxième partie s’intéresse à la connaissance de l’individu-serrurier dans son environnement socio-familial, mais également à travers sa formation artisanale et les étapes marquantes de sa vie professionnelle (apprentissage, compagnonnage et maîtrise). La troisième partie examine les commanditaires, le processus de la commande et la production des œuvres – clef, serrure, grille, heurtoir, balcon, rampe…- depuis l’atelier jusqu’aux édifices bretons où certaines d’entre elles demeurent encore. Le catalogue des œuvres ainsi que le dictionnaire biographique (1200 notices) illustrent et proposent des outils documentaires complémentaires à l’étude sociale et culturelle ainsi qu’à l’histoire du goût afin de contribuer à la redécouverte des serruriers bretons tout autant que de leurs œuvres pendant une période considérée, en France, comme l’âge d’or du fer forgé
The Art of Locksmithery in Britany in the 17th and 18th centuries highlights the art of iron forged – a section of the decorative arts in between architecture, furniture design and ornament that has become the “Cinderella of arts” over the ages.Records based research and on-site investigations were conducted in five dioceses - Finistère, Côtes-d’Armor, Morbihan, Ille-et-Vilaine and Loire-Atlantique, which Britany included before the French Revolution- and resulted in a synthetic essay about history and art. The first part analyses the original background and the evolution of the community of locksmiths in Britany from the study of charters, statuses and their application. The second part presents individual locksmiths in their social and family environment as well as through their training as craftsmen with the main steps of their professional life – apprenticeship, companionship and mastering. The third part deals with the contractors, the ordering process and the creation of pieces of work - key, lock, knocker, grille, balcony, bracket, lectern... - from the workshop to the Breton buildings, a few of which still feature some of those creations.The works catalogue and the biographical dictionary (1200 entries) illustrate and offer other documenting tools for further social and cultural studies and knowledge of design history in order to contribute to the rediscovery of Breton locksmiths and their works over a period regarded as the French golden age of ironwork
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Vasseur, Édouard. "L'exposition universelle de 1867 à Paris : analyse d'un phénomène français au XIXe siècle". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040094.

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L'exposition universelle de 1867 à Paris permet d'examiner l'engouement français pour les expositions. Plusieurs groupes encouragent leur multiplication: les industriels, pour raison de stratégie commerciale; le gouvernement, après le traité de commerce franco-anglais de 1860, pour promouvoir sa politique économique; les élites, pour améliorer l'esthétique industrielle et renforcer la formation professionnelle. Frédéric Le Play, à la tête de la Commission impériale, met son expérience au service de l'organisation et fait apparaître des évolutions majeures: pavillons; ouverture à la question sociale; plus grande autonomie des exposants; développement du gigantisme et du spectacle. L'organisation est un succès; les résultats en sont plus ambigus. L'industrie française se modernise et domine toujours le secteur des arts industriels. Mais les progrès américains et allemands sont réels. Les idées sociales (patronage) rencontrent peu d'écho auprès des ouvriers
The 1867 world fair of Paris permitted to study a certain French craze towards industrial exhibitions. The following groups contributed to the event: industrials - for commercial and strategic reasons, the Government - promoting its economic policy subsequently to the free trade agreement of 1860 between Great Britain and France, the elite -intending to improve product designs and reinforce professional training. The organisation benefited from the experience of Frederic Le Play, head of the Imperial Commission, who contributed to major evolutions. These included pavilions, greater autonomy for exhibitors, working class concerns and the advent of large scale entertainment. The exhibition was an organisational success with mixed results. The French industry had been modernised and France was always the leading nation in arts and crafts. Nevertheless the USA and German states had shown to make rapid progress; Socil concerns of the paternalists had sadely little impact on workers
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Bonnet, Caroline. "L'art et le décor à travers le style de deux écrivains du XIXe siècle, Chateaubriand et les Goncourt". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040255.

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Partant de l'hypothèse qu'Art et Littérature sont influencés par leur époque, nous montrerons l'évolution de l'art et du décor au XIX ème siècle en comparant style littéraire et style de décor. En choisissant Chateaubriand pour le début du siècle et les Goncourt pour la seconde moitié, la période chronologique est suffisamment étendue pour mesurer l'évolution de l'art et du décor dans leur connexion avec ces deux styles littéraires. Le style Empire de Chateaubriand, à définir, repose sur les trois piliers du néoclassicisme Beauté, harmonie et équilibre affirmant dans la prose comme dans le décor un style architecturé, linéaire, idéalisé. Reflet de la propagande Napoléonienne, arts et décor prolongent l'ambition didactique de la prose qui exalte le Docere, movere, placere classique. Prose de combat, peinture et décor conduisent la méditation cathartique et se transforment en vanités picturales ou littéraires. Pourtant au delà du carcan classique, écriture, peinture et décor expriment une sensibilité déjà romantique. A la ligne succède la couleur, préfiguration d'une fragmentation propre au décor que les Goncourt réaliseront dans la prose. La seconde moitié du siècle est soumise à la décadence et à l'éclectisme. La prolifération du verbe correspond dans le décor à l' horror vaccui. Le décor déconstruit reflète la fragmentation de la phrase et la déliquescence du corps. L'écriture artificielle rejoint dans sa syntaxe l'éparpillement impressionniste pourtant incompris des Goncourt. La touche fragmentée du tableau correspond dans le décor au bibelot anthropomorphisé, substitut du féminin, et dans la phrase, au mot vidé de son sens, mot bibelot, objet de collection
Assuming that art and literature reflects their time, we will point out the evolution of art and interior decoration by a comparative study of literature and interior decoration styles'. Authors such as Chateaubriand for the early XIXth century and the Goncourt for the second half will provide significant examples to analyze the evolution of art and decoration and their relevance with the authors' style. We shall define the Empire style of Chateaubriand based on neoclassicism, beauty, harmony and balance, revealing both in prose and decoration a architectured style, defined by the line and idealisation. Participating to the Napoleonian propaganda, arts and decoration emphasize the didactic purpose of prose, expressing the classical doctrine of docere, movere, placere. Prose of war, painting and decoration can lead to meditation, catharsis and figurative or literary vanities. Yet, beyond the classical constraints, writing, painting and decoration reveal a sensibility forecasting romanticism. Drawing gave way to colour, foreshadowing a break in decoration, witnessed in the Goncourt prose. Decadence in prose and eclecticism in decoration epitomized the second half of the century. The richness of prose echoes a decoration subjected to the horror vaccui. The deconstructed décor parallels not only the decadence of a fragmented sentence but also the decay of the sick body. The fragmented syntax in this precious writing style mirrors the impressionist dispersion misunderstood by the Goncourt. The scattered touch corresponds, in decoration, to the anthropomorphic and feminine substitute bibelot and, in literature, to the word which becomes a word bibelot, work of art
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Cordera, Paola. "Dal museo delle cose al Musée Imaginaire : materiali per la (ri)costituzione del Museo di arti decorative e industriali di Frédéric Spitzer (1815-1890)". Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010691.

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Cette étude cible la reconstitution de la collection du marchand amateur Frédéric Spitzer, avec son milieu social, culturel, politique dans une perspective qui était européenne au XIXe siècle et qui est aujourd’hui devenue globalisée et participative. Vendue aux enchères en 1893, cette collection constitua un cas exemplaire parmi les collections de son époque, caractérisée par des liens très étroits entre collection, étude, nouvelle production d’objets d’art, communication et divulgation. Forcément abordé selon une perspective multidisciplinaire et transnationale et des sources documentaires largement inédites, la microstoria de Spitzer a été réécrite dans le sillage de la multiple identité, de ses nombreux déplacements dans le cadre européen et de ses relations avec les principaux représentants du milieu culturel européen. Sa collection et les objets d’arts qui la composaient ont été ici étudiés avec leur scénario d’origine, c’est-à-dire l’hôtel particulier où ils étaient installés et les rites sociaux et la vie privée dans les salons de réception se prolongeaient dans les salles du musée, en affichant référence à l’esprit de la Renaissance italienne dans une sorte de Gesamtkunstwerk. Un inventaire raisonné a été finalement rédigé à fin de reconstituer l’unité d’origine de la collection et d’accéder d’une manière objective et consciente aux possibles lectures et interprétations du projet unitaire à vocation encyclopédique et taxonomique conçu par Frédéric Spitzer, en devenant un possible support pour la valorisation du patrimoine culturel et de la mémoire collective actuelle
This study focus on the reconstruction of the collection of the art dealer Frédéric Spitzer (1815-1890), by reconsidering the role of his collection within the 19th century European frame and its meaning in the present culture within contemporary cultural dynamics at a global scale. Auctioned in 1893, his collection was considered an exemplar model of his era, marked by strong links between collection, studies, new production of art, communication and disclosure items. Reconsidered according to a multidisciplinary and a transnational perspective and based on unpublished documents, the Spitzer’s microstoria has been rewritten in the wake of his multiple identity, his European travels and his relations with the key figures of the European cultural world. His collection and his art’s objects have been studied here within their original frame, being on display in Spitzer’s mansion in Paris where social rites and private life in the reception rooms were extended into the museum, showing reference to the spirit of the Italian Renaissance in a kind of Gesamtkunstwerk. A reasoned inventory was finally compiled in order to rebuild the lost unity of the museum according to the Spitzer’s encyclopedic and taxonomic spirit in order to contribure and understand its complexity as a research support tool and as a device of information for the cultural heritage and the present mémoire collective
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Picard, Laurence. "L'art et les plantes : les plantes inspiratrices de l'Ecole de Nancy". Paris 5, 1996. http://www.theses.fr/1996PA05P092.

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Zito, Mickaël. "Les Marca (fin XVIIe - début XIXe siècles) : itinéraires et activités d'une dynastie de stucateurs piémontais en Franche-Comté et en Bourgogne". Thesis, Dijon, 2013. http://www.theses.fr/2013DIJOL038/document.

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Le sujet abordé dans cette thèse est la famille Marca, dynastie piémontaise originaire de la Valsesia spécialisée dans le travail du stuc. Au début du XVIIIe siècle, certains membres de cette famille migrèrent vers la Franche-Comté en quête de travail tandis que les autres restèrent dans le Piémont. Les Marca installés en France accueillirent ensuite les autres artistes de la famille qui ainsi purent travailler dans la même région voire dans des zones limitrophes. Leurs ouvrages sont présents dans des lieux de culte et des demeures privées italiens, franc-comtois et bourguignons. Ces œuvres (retables, chaires à prêcher, statues et bas-reliefs en stuc) ont été réalisées entre la fin du XVIIe siècle et le début du XIXe siècle. Ce sujet est entièrement nouveau dans la mesure où les informations concernant cette famille sont rares et dispersées et qu’aujourd’hui aucune recherche n’a été entreprise sur eux, ni en France ni en Italie. Ce travail consiste donc en une étude de cette famille italienne et de son activité. La thèse établit une biographie précise de chacun des membres, définit l’organisation, les méthodes et les techniques de travail de ces stucateurs, dresse l’inventaire de leurs œuvres et les situe dans le contexte artistique et religieux de leur temps. Les archives de Bourgogne, du Doubs, du Jura, de la Haute-Saône et des régions de Biella et de Vercelli ont été exploitées. La visite d’un grand nombre d’édifices italiens et français possédant du mobilier de la main des Marca ou d’un style proche du leur fût également nécessaire afin de mener à bien ce travail. L’objectif principal étant de replacer les Marca dans un contexte géographique, historique et culturel, de comprendre leur organisation et leur spécificité et de définir leur style de façon précise à partir des œuvres connues afin de pouvoir tenter de nouvelles attributions
The topic of this thesis is the Marca dynasty, a piedmontese family from the Valsesia area, specialized in the stucco work. In the early eighteenth century, some of its members migrated to the Franche-Comté in France, in search of work, the others remaining in Piedmont. Their realizations can be studied in religious places and private houses in Italy, in Franche-Comté and Burgundy. These works (altars, pulpits, statues and bas-reliefs in stucco) were created between the late seventeenth century and the early nineteenth century. This topic is entirely unpublished, especially as the information on this family are rare and scattered. Moreover, no research has been undertaken on it, neither in France nor in Italy. This study is well an analysis on this Italian family and its activity. The thesis provides an accurate biography of each member, defines the organization, methods and techniques of the stucco work, the inventory of their works, and position them in the artistic and religious context of their time. The archives of Burgundy, Doubs, Jura, Haute-Saône in France and of the regions of Biella and Vercelli in Italy have been exploited. Visit a large number of Italian and French buildings decorated with Marca’s furniture or near their style has been also necessary to carry out this work. The main objective was to place the Marca dynasty in its geographical, historical and cultural context, to understand its organization and specificity, to define accurately its style from recognized works, to be able to propose new attributions
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Purmale, Zané. "Habiller le mur : les relations entre la tapisserie et la peinture sous la Troisième République : le cas des Gobelins (1870-1925)". Thesis, Bordeaux 3, 2020. http://www.theses.fr/2020BOR30017.

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Sous la Troisième République, les quatre administrateurs successifs de la manufacture nationale des Gobelins, Alfred Darcel, Edouard Gerspach, Jules Guiffrey et Gustave Geffroy, cherchent à imprimer, chacun à leur manière, un renouveau à l’art de la tapisserie. Si les trois premiers cherchent à retrouver la vraie nature de la tapisserie, dont les principes peuvent être découverts en étudiant le passé, pour lui redonner une vigueur nouvelle dans le présent et augmenter ainsi son indépendance vis-à-vis de la peinture, le dernier cherche, au contraire, à faire entrer les Gobelins dans la modernité en rapprochant la tapisserie de la peinture. Cette thèse cherche à comprendre, de façon aussi complète que possible, la création artistique à la manufacture des Gobelins pendant cette période, qui se caractérise par une activité extraordinaire. Grâce à l’analyse du contexte intellectuel, il a été précisé les idées qui ont permis de donner l’impulsion et la direction à ce renouveau en détaillant également les conditions matérielles, institutionnelles et économiques qui permettent d’étudier les moyens dont dispose la manufacture. Ainsi sont révélés les impératifs imposés par les conditions matérielles et l’organisation du processus créatif impliquant un nombre d’acteurs et de procédures important, ralentissant et rendant contraignante toute démarche. Surtout il a été montré dans quelle mesure les moyens économiques étaient en totale inadéquation avec les objectifs de la manufacture. Malgré ces difficultés, la manufacture joue un rôle central dans le renouveau de la tapisserie. Si les progrès sont lents à émerger en raison de la nature même du fonctionnement des Gobelins, ils donnent une impulsion formidable à l’industrie privée grâce à son intense activité intellectuelle et artistique et le rayonnement international qu’ils exercent, et ceci malgré les critiques portant sur le choix des modèles. En effet, si les efforts de la manufacture sont justement reconnus, les choix esthétiques sont souvent remis en cause. Ainsi, la seconde partie de cette thèse étudie la politique artistique de chaque administrateur afin de comprendre comment cette dernière se concrétise, et quelles sont les principales lignes de l’action artistique de chacun des administrateurs. Ce travail s’appuie sur un catalogue exhaustif fait de notices approfondies et d’une iconographie abondante, retraçant l’historique des tentures murales en haute lisse et au point noué de Savonnerie réalisées à la manufacture des Gobelins, leurs cartons et maquettes mais aussi d’un nombre important de projets non aboutis, dessinant ainsi le panorama le plus complet sur la création à la manufacture des Gobelins dans les années 1870-1925
During the French Third Republic, the four successive administrators of the National Gobelins’ manufactory, Alfred Darcel, Edouard Gerspach, Jules Guiffrey and Gustave Geffroy, sought to give an impulsion, each in his own way, in order to provoke a tapestry revival. The first three administrators seek to rediscover the true nature of tapestry, the principles of which can be discovered by studying the past, in order to give it new vigour in the present and increase its independence from painting. Geffroy, on the contrary, seeks to guide the Gobelins to modernity by imposing the tapestry to follow the paths of painting. This thesis makes understand the artistic creation at the Gobelins’ manufactory during this period of extraordinary activity. It specifies not only the intellectual context and ideas which give its direction to the tapestry revival, but also it takes into consideration the material, institutional and economic conditions of the manufactory. Thus are revealed the imperatives imposed by the material conditions of creation, its organization involving a large number of actors and highly restraining procedures, but, above all, economic means revealed to be in total inadequacy with the goals of the manufacture. Despite these difficulties, through intense intellectual and artistic activity, the manufactory plays a central role in the revival of tapestry. If progress is slow to emerge due to the very nature of the Gobelins' functioning and despite criticism of the choice of models, Gobelins gives a tremendous boost to private industry thanks to the international influence that the manufactory plays into tapestry field. Indeed, if the contemporary critics recognized the efforts of the manufacture to be in the right direction, very often this is not the case for the models. As in most of cases they are still unknown to modern art historians, the second part of this thesis studies the artistic policy of each administrator in order to understand how it was carried out and what were the main lines of the artistic action of each administrator. This work is accompanied of an exhaustive catalog records and images retracing the history of the conception of wall hangings in haute lisse (high-warp loom) and Savonnerie murals woven at the Gobelins’ manufactory and also their cartoons and preparatory models including abandoned projects, thus drawing a most complete panorama on artistic creation at the Gobelins manufactory from 1870 to 1925
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Stahl, Fabienne. "Les décorations religieuses de Maurice Denis (1870-1943) entre les deux guerres". Clermont-Ferrand 2, 2009. http://www.theses.fr/2009CLF20003.

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S'appuyant presque exclusivement sur des archives de première main, cette thèse présente les décors d'églises de Maurice Denis (1870-1943) entre les deux guerres, étudiées d'un point de vue iconographique, formel, technique, remis en situation dans la vie et l'oeuvre de l'artiste et examinées à la lumière du contexte artistique, architectural mais aussi historique et religieux de la période. Les Ateliers d'art sacré, qu'il crée en 1919 avec George Desvallières et qui apportent au maître nombre de commandes et une main d'oeuvre qualifiée, sont aussi évoqués. Ses théories sur l'art religieux sont également analysées et confrontées aux écrits de George Desvallières, d'Alexandre Cingria, de Jacques Maritain ou du Père Couturier. Un catalogue raisonné de ses décorations religieuses réalisées entre 1914 et 1943 ou restées à l'état de projet (peintures murales, vitraux et mosaïques), accompagné d'un corpus complet d'images des décors in situ, des travaux préparatoires et de documents inédits, permet un examen exhaustif et renseigné sur des décors encore mal connus. Cette thèse, qui entend porter un nouveau regard sur le Maurice Denis de la maturité, réhabilite ses ensembles décoratifs, longtemps décriés, en les replaçant dans le courant de renouveau de l'art sacré au XXe siècle
This thesis, based almost exclusively on firsthand records, introduces the church decorating from Maurice Denis (1870-1973) in the interwar period, studied from an iconographic, formal and technical point of view, set back in context with the life and the work of the artist and investigated in light of the artistic, architectural, historical and religious background of these days. The Ateliers d'art sacré, created with George Desvallières in 1919, which brings to the master numerous commissions and a skilled labor, are also provoked. His theories on religious art are analyzed too and compared with the texts from George Desvallières, Alexandre Cingria, Jacques Maritain or Père Couturier. A catalogue raisonné of his religious decorating, accomplished between 1914 and 1943 or still remaining in a project state (wall paintings, stained glass windows and mosaic) altogether with a complete corpus of the decorating pictures in situ, of the preparatory works and a some unpublished documents, allows an exhaustive and informed review on some still unknown decorating. This thesis, intending to look at the mature Maurice Denis from a different perspective, rehabilitates his decorative wooks, long-discretized, in replacing them in the course of the sacred art renewal of the 20st century
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Julien, Marie-Pierre. "Les meubles laqués chinois made in France". Paris 5, 2002. http://www.theses.fr/2002PA05H021.

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Les meubles laqués chinois constituent le fil conducteur d'une analyse anthropologique consacrée aux relations qu'entretiennent avec ces objets des laqueurs chinois et français et des amateurs principalement français. Ces rapports qui s'instaurent au sein d'un réseau d'actions sur les actions -en l'occurence la filière du meuble en France- engendrent à la fois l'existence d'un type d'objets sur le marché et la construction d'immigrés chinois en laqueurs, de clients français en amateurs, d'apprentis français en artisans
This thesis focuses on the anthropological analysis of the interactions between Chinese and French lacquerers, amateurs (mainly French) on the one hand and Chinese lacquered furniture on the other hand. Those relations, embedded in a system of actions on the action of others (in this case, the provision system of furniture manufactered in France), involve, on the one hand, the existence of a type of object on the market, and on the other hand, the construction of Chinese immigrants as lacquerers, of French buyers as amateurs, of French apprentices as craftsmen
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Loup, Stéphanie. "Stratégies et identités de l'artisanat d'art". Montpellier 1, 2003. http://www.theses.fr/2003MON10057.

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L'artisanat d'art se situe entre l'artisanat et l'art. Sans reconnaissance institutionnelle. Il n'a pas fait l'objet, jusqu'ici , de recherches spécifiques en Sciences de Gestion. Les artisans d'art ont résisté aux évolutions de la société : si leur nombre s'est restreint, leur poids économique et social demeure important, et l'on observe un renouveau des métiers d'art impliquant un esprit d'entreprise nécessaire pour pouvoir vivre de leur activité. Les artisans d'art constituent, de nos jours, une population hétérogène, aux identités multiples en résulte des pratiques de gestion individuelles et collectives différenciées. Comme entrepreneur individuel, l'artisan d'art s'inscrit dans une identité collective depuis la formation, en passant par la découverte d'innovation, jusqu'à la commercialisation de sa production. Si la stratégie individuelle est influencé par le collectif, celui-ci apparaît aux yeux de l'artisan d'art comme un moyen de conforter sa propre stratégie. L'appréhension des logiques d'action des étudiants d'art nécessite une approche pluridisciplinaire.
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Laurent, Stéphane. "Art et industrie : la question de l'enseignement des arts appliqués (1851-1940) : le cas de l'École Boulle". Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010506.

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Le rapport entre l'art et l'industrie sous le Second Empire et la Troisième République est étudié au travers d'une analyse des débats, des décisions des institutions privées, municipales et publiques concernant la question de l'enseignement des arts appliqués, qui fut une préoccupation artistique importante à cette époque. Il permet de comprendre l'évolution des conceptions ayant trait au dessin et aux métiers d'art et l’effacement progressif de l'artisanat au profit de la conception de modèles. Les artistes industriels ont d'abord cherché à valoriser leur oeuvre face à l’Académie des beaux-arts, dans une société gagnée par la révolution industrielle. Ils ont obtenu la création d'écoles, de musées, d'expositions périodiques, l'enseignement obligatoire du dessin. Leur production, désormais appelée art décoratif, a ensuite cherché une innovation formelle et un perfectionnement des structures qui avaient été fondées, notamment en développant la pratique à l'école, la création de modèles et l'enseignement féminin. A la veille de la seconde guerre mondiale, une seconde impulsion est donnée par l'état, au travers de la direction de l'enseignement technique, qui met en place une formation artistique dans les écoles techniques et un professorat des arts appliqués. Les premières ébauches de l'esthétique industrielle sont ainsi posées afin de moderniser l'enseignement de l'art pour l'industrie. La thèse se termine par une étude de cas, celle de l'École Boulle, qui est le fruit des premières réformes. L'analyse de son fonctionnement permet de retracer plus concrètement le cheminement des conceptions, grâce à l'analyse des programmes, des horaires, des relations de l'école avec la ville de Paris, sa fondatrice, et le milieu professionnel. Enfin, la conclusion fait un bilan de l'enseignement des arts appliqués, qui est ensuite confronté aux préoccupations actuelles, afin de saisir les constantes et les perspectives de la question. Dans un cadre plus large, de nouvelles opportunités d'investigation universitaires sont dégagées
The relationship between art and industry during the Second Empire and the Third Republic has been studied through an analysis of the debates, the decisions of private, municipal and state institutions about design education, which was one of the important artistic preoccupation of the time. It allows us to understand the evolution of the conceptions concerning design and craft, also the progressive disappearance of handcraft whilst industrial design increased. The designers first tried to give any credit to their production against the Académie des Beaux-arts, when the whole society enter in the modern industrial era. Schools, museums, exhibitions, compulsory drawing education were created for them. They tried after to find a new style for their production, now called decorative art, and to prefect structures which have been founded, specially by developing practice in schools, design and female education. Thanks to the technical education department, the government gave another impulse few years before the second world war by creating an artistic education in technical schools and a teaching programme for applied arts. So appeared the first signs of the industrial design, in order to modernize the art education for industry. At last we have studied the special case of the École Boulle, which was a consequence of the first reforms. The analysis of its organization, courses, schedule, relations with the Ville de Paris, its founder, and the industry, allows us to better consider the evolution of the conceptions. The conclusion includes the outcome of design education in France, which is then compared to nowadays preoccupations, in order to understand the permanent themes and prospects of the question. We also submit new opportunities of studies
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Vanriest, Elise. "Verre et verriers à Paris et en Île-de-France dans la seconde moitié du XVIe siècle (1547-1610) : production, commerce, usages". Thesis, Université Paris sciences et lettres, 2020. http://www.theses.fr/2020UPSLP010.

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L’art du verre à la Renaissance était marqué par l’influence des maîtres vénitiens, à l’origine d’un certain nombre d’innovations techniques et stylistiques qui connurent un grand succès dans toute l’Europe. En France, Henri II et Catherine de Médicis firent appel à des verriers vénitiens pour établir une verrerie à proximité du château royal de Saint-Germain-en-Laye. Près de trente ans plus tard, une autre équipe de verriers italiens, cette fois-ci originaire du village d’Altare, fondèrent une verrerie au faubourg Saint-Germain-des-Prés. Le développement de l’industrie verrière en Île-de-France du début du règne de Henri II en 1547 à la fin du règne de Henri IV en 1610 est donc étroitement lié à l’arrivée de verriers italiens qui apportèrent leur style et leur savoir-faire. L’histoire verrière de la région ne se limite cependant pas à l’influence italienne. Deux métiers du verre s’organisèrent à Paris à cette époque : celui des patenôtriers d’émail et de verre et celui des marchands verriers. L’étude des hommes et de leurs compétences a constitué un premier axe de recherche. Le second axe choisi a consisté à étudier la commercialisation et la diffusion des produits de verre en Île-de-France et leur contexte d’utilisation. Le verre prit en effet, au XVIe siècle, une place plus importante sur les tables des Parisiens modestes ou fortunés. Les propriétés de ce matériau particulier étaient adaptées à un certain nombre d’usages. Les verres de la Renaissance se divisaient alors entre verres fonctionnels et verres plus prestigieux, collectionnés pour leur valeur esthétique et décorative. Cette thèse transdisciplinaire s’inscrit dans les domaines de l’histoire, de la culture matérielle, de l’histoire de l’art et des techniques et de l’archéologie
The European Renaissance glass art was deeply influenced by the style and the techniques invented by Venetian glassmakers. Those fashionable glass products were in demand in every European country. In France, king Henri II and queen Catherine de Medici established a glasshouse near the royal palace of Saint-Germain-en-Laye and employed Venetian glassmakers. After the death of the glassworkers, a new glasshouse, ruled by Italian glassmakers from Altare was established at the end of the 16th century, in the faubourg Saint-Germain-des-Prés. The development of the glass industry in Île-de-France from 1547 to 1610 is linked to the style and techniques brought by Italian glassmakers. In addition to the Italian influence, two glass-related professions were created at that time in Paris: the glass bead makers and the glass sellers. The study of men and their skills constitutes one approach of the subject. The second one explores the trade, circulation and uses of glass products. They became, in the 16th century, more and more common in both modest and wealthy Parisian interiors and were used for their particular properties (especially suitable for medical use for example). On the other hand, some glass products, more prestigious and fashionable, were collected for their decorative and aesthetic value
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Liu, Chen-Chang. "Les répertoires d'ornement en France au début du XIXe siècle". Grenoble 2, 2009. http://www.theses.fr/2009GRE29030.

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Cette étude considère les recueils d’ornement réalisés en France au début du XIXe siècle. Les auteurs de ces ouvrages sont des architectes comme Jean – Nicolas – Louis Durand (1760-1834), Charles Percier (1764-1838), Pierre – François – Léonard Fontaine (1762-1853) et Charles – Pierre – Joseph Normand (1765-1840), ou des sculpteurs comme Pierre-Nicolas Beauvallet (1750-1810). Notre méthode s'écarte des travaux antérieurs en ceci que nous ne nous limitons pas seulement à l'architecture, mais nous abordons le domaine des arts décoratifs au début du XIXe siècle, le mobilier, le papier peint, les vases, etc. Nous nous proposons d'étudier les sources des artistes et les influences de leurs répertoires sur la création artistique de leur temps. Le cœur de notre travail consiste à présent à mesurer, d'une part, l'interprétation des sources donnée par les auteurs de ces recueils français du début du XIXe siècle et, d'autre part, à éclairer l'originalité éventuelle des artistes qui s'en sont inspirés. Cette vaste recherche porte non seulement sur les arts gréco-romains et gothiques, donc sur des styles purement occidentaux, mais aussi sur les arts égyptien et islamique, ainsi que sur l'art extrême-oriental, puisque, dans leurs répertoires, nos artistes avaient voulu présenter une vision mondiale de l’art. En analysant les motifs d’ornement et la composition des répertoires français du début du XIXe siècle, nous espérons pouvoir mieux saisir non seulement les enjeux esthétiques et culturels de la France du Premier Empire, mais aussi les changements sociaux et historiques de cette période si tourmentée et si complexe de l'histoire européenne
This research is focused on the French repertories of ornament published by the architects such as Jean-Nicolas-Louis Durand (1760-1834), Charles Percier (1764-1838), Pierre-François-Léonard Fontaine (1762-1853), Charles-Pierre-Joseph Normand (1765-1840) and the sculptor Pierre-Nicolas Beauvallet (1750-1810) in the beginning of the nineteenth century. A very important place is attached to the contemporary French decorative arts - the furniture, the wallpapers, the vases, etc. The study of the sources and the influences of these repertories on the artistic creation in the beginning of the nineteenth century are suggested. This vast research involves not only the Greco-Roman and the Gothic arts, which represent the purely western
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Brossault, Henri. "Arts et métiers en Franche-Comté aux XVIIe-XVIIIe siècles : le cuir". Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010717.

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Après la description du produit brut, ses origines, ses maladies, le stockage qui doit être déclaré, les métiers de préparation sont abordés avec les réglementations d'hygiène. Ceux-ci impliquent des installations importantes à proximité de cours d'eau comme fosses, cuves, seilles, moulins à écorces ainsi qu'un outillage spécifique. Des droits sont perçus pour l'usage de l'eau et l'écorçage des arbres. Les métiers et ouvrages de produits finis, plus proches de la vie quotidienne, couvrent quelques ustensiles comme les instruments de musique, soufflets, eaux, gourdes, étuis, valises non réglementés alors que l'habillement des hommes comme les chaussures, les vestes le sont, ainsi que l'équipement des animaux de trait, de selle et des véhicules par des ordonnances locales. L'outillage utilisé pour la coupe et l'assemblage est commun à tous ces métiers hormis les formes en bois des cordonniers. La distribution de tous ces produits, taxés s'ils sont importés, se fait sur les lieux de production, en boutique et surtout sur les marchés et foires avec des droits d'étal variables pour les étrangers et d'hygiène perçus par les amodiés des villes. Les prix sont sujets à des tarifs chiffrés ainsi que les amendes et sentences pour l'inobservation des règles de chaque corps de métiers. Les règles de vente des produits bruts sont plus rigoureuses pour la qualité et les prix que celles des produits finis. Le marquage doit permettre de déceler l'origine de malfaçons éventuelles et l'abus de monopoles de revente aux artisans utilisateurs. Pour les produits finis, seuls les cordonniers sont tenus de marquer au moins la taille de leurs bottes et chaussures, ceci pour en réglementer les prix. L'organisation des corps de métiers issue des confréries antérieures, se trouve dépendante après la conquête française d'une hiérarchie similaire à celle du royaume. Les règles des corporations fixent les conditions de l'apprentissage, les statuts du compagnonnage et l'organisation de la maîtrise. Les confréries religieuses regroupent les artisans autour de leur saint patron. Comme les corporations, elles encouragent la solidarité au sein du corps de chaque métier. L"impact socio-économique de l'exploitation du cuir a été fondamental en Franche-Comté aux XVIIe et XVIIIe siècles, mais la production reste cependant de médiocre qualité, faute d'encadrement et de contrôles strictes.
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Gronier, Caroline. "La faïence et le grès d'art en France pendant la seconde moitié du XIXe siècle à travers les collections du Musée des Arts Décoratifs de Paris". Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2001PA040195.

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Afin de mieux comprendre l'évolution de la faïence et du grès d'art en France pendant la seconde moitié du XIXe siècle, nous étudierons d'abord les tendances esthétiques qui se dessinent à travers leurs formes et leurs décors puis les progrès techniques qui découlent des recherches industrielles et artisanales dans le domaine de la céramique. Nous verrons ensuite que les oeuvres décoratives ou usuelles des manufactures, des fabricants et des artisans-céramistes en activité entre 1850 et 1900, sont diffusées, non seulement par le biais des Expositions Universelles et des expositions nationales, mais aussi par l'intermédiaire de Grands Magasins, de marchands-éditeurs ou de dépôts et magasins ouverts par les fabricants eux-mêmes. Enfin, pourquoi et comment se fondent l'Union Centrale des Beaux-Arts appliqués à l'Industrie puis l'Union Centrale des Arts Décoratifs et le Musée des Arts Décoratifs de Paris ? Qu'apportent ces sociétés à la céramique d'art ?
In order to define the evolution of French artistic earthenware and sandstone during the second half of the XIXth century, we will study initially the aesthetic tendency which shows off through their forms and their decorations then the technical progress which rises of industrial and traditionnal in the field of ceramic. We will see then that decorative or usual works of the manufacturers and craftsman-ceramists in activity between 1850 and 1900, are diffused, not only by the means of the World Fairs and the national exposures, but also via Grands Stores, merchant-editors or deposits and stores opened by the manufacturers themselves. Lastly, why and how are based the Central Union of the Art schools applied to Industry then the Central Union of Decorative Arts and the Museum of Decorative Arts of Paris? What bring these companies to the ceramics of art?
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Deramond, Julie. "Jeanne d'Arc en accords parfaits : musiques johanniques en France (1800-1939)". Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20053.

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A partir du début du XIXe siècle, le culte de Jeanne d’Arc s'affirme dans toute la France. Il se reflète particulièrement bien en musique, et entre 1800 et 1939 émergent plus de sept cent œuvres musicales de formats et de renommée très différents. Les plus grands compositeurs contribuent à cet hommage à Jeanne d'Arc en musique, parmi lesquels Liszt, Gounod, Verdi ou Honegger aux côtés d'anonymes, d'abbés inconnus et d'autres chansonniers en herbe. Cantiques, opéras, polkas, musiques de scène ou radiophoniques se côtoient durant ce long siècle, en contrepoint des œuvres d'art mais aussi des histoires qui s'affichent à la même période. Après l'ouvrage majeur de Gerd Krumeich consacré aux récupérations politiques de Jeanne d'Arc, il s'agit de combler un vide historiographique en cherchant à retrouver – sans viser à l'exhaustivité – ces œuvres musicales et à les confronter à leur contexte de création. Nous nous intéresserons aux rapports qu'entretiennent les Français avec Jeanne d'Arc à travers ce média sensible qu'est la musique. Histoires politique et religieuse, historiographie et anthropologie servent une démarche qui s'ancre largement dans l'histoire culturelle
Since the beginning of the XIXth century, the worship of Joan of Arc becomes apparent in the whole France. It is particularly well reflected in music, and between 1800 and 1939 more than seven hundred various musical compositions appear. A great deal of well-known composers contributes to this homage to Jeanne d'Arc in music : Liszt, Gounod, Déodat de Séverac, Paul Paray or Honegger, and also unknown artists… Sacred music, operas, polkas, stage music are displayed in the same period as a counterpoint of works of art or stories. After Gerd Krumeich's major book, dedicated to the political recoveries of Joan of Arc, this dissertation is a matter of filling up a historiographic gap by trying to find – without aiming at the exhaustiveness – these musical compositions, and to confront them with their context of creation. This work relies on the relationship that French people maintain with Joan of Arc, through this sensitive media that music is. Political and religious Histories, historiography and anthropology answer a project which becomes widely integrated in cultural history
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Dekaeke, Marie. "La sculpture et l’intime en France (1865-1909)". Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100061/document.

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La littérature et la peinture semblent être les domaines les plus propices au développement de l’intime au XIXe siècle. Pourtant, la notion possède aussi sa place dans le domaine de la sculpture qui, par des procédés qui lui sont propres, parvient à la révéler. Sujet le plus favorable à l’introspection, l’autoportrait, tel que le conçoivent Carriès ou Gauguin, demeure une expérience singulière qui ne se vérifie pas chez tous les sculpteurs. L’expression de l’intime est alors à chercher dans le portrait où l’artiste tend à faire surgir l’intériorité de son modèle à la manière de Carpeaux ou de Rodin. Les fondamentaux du dialogue entre intime et sculpture sont ainsi posés. La notion se définit aussi par sa polyvalence liée au contexte de commande et de réception, aux questions esthétiques de l’époque, au mystère de la création et, enfin, jusque dans ses limites. L’intime est une notion protéiforme qui peut aussi bien prendre sens sous un aspect iconographique que suivant les modalités de création d’une sculpture. Ce concept imprègne toute forme de sculpture s’exprimant aussi bien dans le portrait sculpté, que dans les petits groupes ou statuettes ou encore dans la statuaire monumentale. L’étude des œuvres de Claudel, Dalou ou Rosso nous a permis de comprendre que plus que d’un courant esthétique à part entière, il s’agit davantage d’une caractéristique qui permet de mieux les rassembler. L’intime apparaît donc comme un outil pour étudier la sculpture des années 1865 à 1909 sous un angle nouveau
Literature and painting seem to be the most favourable fields for the development of intimacy during the nineteenth century. The notion has, nevertheless, its place too in the field of sculpture which by processes of its own, manages to reveal it. Even though self-portraits, such as conceived by Carriès or Gauguin, are particularly suitable for introspection they remain a unique experience that does not apply to every sculptor. The expression of intimacy is then to be found in portraits where artists tend to bring out the interiority of their model, in the manner of Carpeaux and Rodin. The fundamentals of dialogue between intimacy and sculpture are thus laid down. The term is also defined by its versatility, in relation to the context of order and reception, to aesthetic issues of the time, to the mystery of creation and, finally, to its own limits. Intimacy is a protean concept that can take on its full meaning through a single iconographic aspect or modalities of creation of sculpture. This very concept permeates all forms of sculpture and is expressed in sculpted portraits as well as in small groups, statuettes, even monumental sculpture. Our study of works by Claudel, Dalou or Rosso allowed us to understand that more than an aesthetic current in its own right, intimacy is rather a distinctive feature that brings works together. Intimacy therefore appears as a tool to study the sculptural fields ranging from 1865 to 1909 from a new angle
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Situ, Shuang. "De l'influence de la Chine dans la décoration et l'iconographie en France à la fin du XVIIème siècle et au début du XVIIIème". Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040162.

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Le présent travail est construit en quatre parties:le parcours historique qui mène à la découverte de la Chine par l'Occident à travers le commerce de la soie et de la porcelaine,la vogue des chinoiseries du XVIIème au XVIIIème siècle,les imitations qui s'en sont suivies en France et pour terminer,une description analytique des motifs pris essentiellement dans des produits français pour démontrer l'influence chinoise sur la décoration et l'iconographie en France durant cette période
The present work consists of four parts : the historical course which led to the discovery of China by the West through the trade in silk and porcelain. .
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Dufour, Cécile. "Les arts précieux à Paris au XIIIème siècle : l’orfèvrerie sacrée du règne de Philippe Auguste aux années 1300". Rennes 2, 2010. http://www.theses.fr/2010REN20052.

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L’orfèvrerie au service du culte connait des évolutions tout au long du XIIIème siècle. Ces transformations ont été amorcées par Nicolas de Verdun qui dynamisa les représentations essentiellement des personnages. Ce changement trouva un écho favorable dans les productions artistiques grâce à l’émergence de Paris au rang de capitale. Son urbanisation et son essor culturel attira, auprès du roi, un grand nombre de princes et de personnalités étrangères qui favorisa un nouveau gout : celui de « l’art de cour ». De part, la complexité des conceptions, ce style devient un art « total » qui trouve sa plus belle expression dans les arts précieux et notamment dans l’orfèvrerie religieuse. La production sacré subit également ces évolutions qui sont liées à l’apport de la cour royale mais aussi dues aux diverses interactions subit par cette nouvelle capitale par l’intermédiaire de la corporation des orfèvres. En effet, du fait de son rayonnement au-delà des frontières de la France, un grand nombre d’artisans vinrent s’installer à Paris amenant avec eux des modèles de représentations. De ce fait, la production des orfèvres se module au fur et à mesure des liens qu’elle entretient avec le pouvoir royal mais aussi avec les échanges qu’elle peut avoir avec de grandes villes et ce, en partie, par l’intermédiaire du développement de l’Université
The Art of goldsmiths has known an important development throughout the thirteenth century. These transformations were initiated by Nicolas of Verdun, who activated the representations of the characters basically. This change was favorably received in the artistic production thanks to the emergence of Paris to the rank of capital. Its urbanization and cultural development attracted, with the king, a large number of princes and foreign dignitaries who promoted a new taste: the "court art". Due to the complexity of design, this style becomes a "total" art, which finds its finest expression in various artistic techniques and is particularly valuable in the art of goldsmiths. The production of sacred objects of cult has undergone the same development which is in relation with the new tastes of the royal court. It is due also to various interactions which characterize the activity of the goldsmith’s corporations of the new capital. Indeed, because of its influence beyond the borders of France, a large number of craftsmen came to settle in Paris, bringing with them models of representations. As a result, the production of goldsmiths reflects its links with the royal power but also the exchanges which it has with other large cities and this, in part, through the development of University
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Balliot, Frédérique. ""Chinoiseries" littéraires. La Chine et la littérature d'imagination en France de 1704 à 1789". Lyon 2, 1997. http://www.theses.fr/1997LYO20015.

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Cette etude se propose de tenter d'approcher, de facon concrete, a partir d'un exemple caracteristique, celui de la chine, la notion de litterature d'imagination et les valeurs conferees a l'imaginaire au xviiieme siecle. Au debut de notre periode, la chine appartient au discours erudit, terme entendu dans son sens large d'enseignement, et offre donc un rare exemple de mise en forme fictionnelle d'un propos qui, a l'origine, en refusait les valeurs. Le "cas chinois" permet d'apprehender le passage de l'erudition a l'imagination et de saisir les criteres necessaires, au xviiieme siecle, a l'etablissement d'un texte qui s'ancre dans l'imaginaire. Notre etude nous a amene a considerer deux modes d'inscriptions, d'une part les premieres traductions et leur influence et d'autre part la litterature francaise a sujet chinois
In this study, we would like to catch, thanks to the exemple of china, the connection between erudition and imagination en eighteenth century french literature. In the seventeenth and eighteenth centuries, the jesuits played a very important role in spread of learned treatises upon china. This country was perceived as a learning-bounded country. Our purpose is to see how this conception of china took place in imaginative literature
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Doré, Robert. "Armand Point et son oeuvre (1861-1932)". Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010595.

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Né à Alger, Armand Point est élève de Herst à Paris puis d'Hippolyte Lazerges à Alger. Il peint la lumière de l'Algérie (Alger et ses environs puis Bou-Saâda avec Cavalier arabe dans le sud) de 1880 à 1891. Travaillant aussi en métropole dès 1888-89, il s'installe ensuite à Marlotte. Il participe aux Salons de la Rose+Croix de Péladan de 1892 à 1896 : Il voyage en Italie à partir de 1894 et y est fasciné par les techniques des maîtres anciens ainsi que par Léonard et Michel-Ange. Ses œuvres sont alors symbolistes et représentent souvent Hélène Linder comme dans La Dame à l'anémone. En 1896, il crée l'atelier de Haute-Claire en s'entourant d'une équipe d'artistes-artisans avec laquelle il conçoit et réalise, pendant plus de dix ans, des objets d'art : coffrets émaillés et bijoux. Il dessine et peint, à la même époque, La Sirène puis Salomé dansant. En marge des grands courants artistiques à partir de 1907, il poursuit une carrière de peintre symboliste d'un style plus austère que précédemment avec L'Effort humain et peint aussi des paysages de Crozant et d'Auvergne qui montrent la nature détachée de l'homme. Il a laissé de ses compagnes de nombreux portraits qui constituent des jalons de l'évolution de son art tout au long de son cursus artistique.
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Wolvesperges, Thibaut. "Le mobilier parisien en laque au XVIIIe siècle". Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040197.

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L'étude du mobilier parisien en laque ne fut jamais véritablement dissociée de l'histoire générale du mobilier parisien au XVIIIe siècle ou, parfois, rattachée d'une manière plus large, sans être véritablement approfondie, à la chinoiserie. Mais personne n'analysa, sur base de documents d'archives, les laques et son marché en France au XVIIIe siècle, composantes essentielles de la compréhension de ce mobilier. La grande difficulté d'obtenir à Paris des panneaux de qualité conditionna la création et le commerce de ce mobilier bien particulier. Nous proposons, après cette étude du marché des laques, d'évoquer les différents laques employés dans l'ébénisterie parisienne, ainsi que leurs copies, réalisées selon la technique du vernis martin, qui fera également l'objet d'une étude. Nous pourrons alors approfondir le commerce du mobilier parisien en laque, partie la plus importante à nos yeux, détenu, non par les ébénistes, mais par les marchands merciers, livrant au compte-goutte les panneaux de laque que les ébénistes ne pouvaient acquérir, vu leur prix élevé. Nous étudierons enfin la situation des ébénistes, puis nous traiterons des amateurs et des collectionneurs de laque et de meubles en laque, et tout particulièrement le goût royal pour ceux-ci, sur base des nombreux documents issus du garde-meuble de la couronne, conservés aux Archives nationales
The study of Parisian furniture of lacquer was never really dissociated from the general history of Parisian furniture of XVIIIth century or, sometimes, related, in a broader way, without being truly deepened, to the 'chinoiserie'. However, nobody has analyzed, so far, the lacquer and its market in France during the XVIIIth century, on the ground of archives documents, which is crucial for a good understanding of this kind of furniture. The creation and trade of such particular furniture was conditioned by the great difficulty to obtain in Paris high-quality panels. After having studying the lacquer's market, we suggest to start on the different lacquer used in the Parisian cabinetmaking, together with their reproductions carried out according to the 'vernis martin' technique. Then, we will be able to deepen Parisian furniture of lacquer's trade -the most important of all-, hold, not by cabinetmakers, but by 'marchands-merciers' delivering sparingly lacquer panels that the cabinetmakers could not acquire due to their high price. Finally, we will study the cabinetmakers position, then we will deal with amateurs and collectors of lacquer and lacquer furniture and particularly the royal taste for them, on the basis of numerus documents from the 'garde-meuble de la couronne' kept in the National archives
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Dimova, Temenuzhka. "Le langage des mains dans les arts figurés en France (1604-1795)". Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAG022.

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Le langage iconographique des mains est un système conventionnel utilisé par les peintres afin de doter les personnages de leurs oeuvres de fonctions discursives, affectives et symboliques particulières. La lecture des gestes figurés nous a ainsi permis de révéler des nouvelles structures narratives. Les différents signes gestuels sont étudiés ici en fonction de leurs origines, usages, connotations et stylistiques dans l’art français des XVIIe et XVIIIe siècles. Dans l’objectif de comprendre le potentiel sémantique de la main et son implication dans les oeuvres d’art, nous avons sollicité des écrits issus de champs épistémiques multiples. Lors de ce travail, nous avons souligné l’importance de la chirologie, discipline explorant les configurations signifiantes des mains et leurs possibles applications. Les gestes picturaux ne fonctionnent pas uniquement de manière isolée mais sont impliqués dans des schémas d’interaction, raccordés au genre et à la composition de l’oeuvre. L’étude du langage des mains favorise le dialogue entre l’histoire de l’art et d’autres disciplines scientifiques, engagées dans des questions de perception, de représentation et de mémoire
The iconographic language of the hands is a conventional system used by the painters in order to provide some particular discursive, affective and symbolical functions to their characters. In our work, we show that the analysis of the figurative gestures reveals new narrative structures. The different gestural signs are studied according to their origins, usages, connotations and stylistics in the French art of the 17th and 18th centuries. With the aim of understanding the semantic potential of the hand and its implication in the works of art, we referred to multiple epistemic fields. In this study, we underline the importance of the chirology, discipline exploring the meaningful configurations of the hands and their possible applications. The pictorial gestures are not isolated but involved in interactional schemas, connected to the genre and the composition of the work of art. The study of the language of the hands favours the dialogue between the History of art and other scientific disciplines,engaged in the questions of perception, representation and memory
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Zeisler, Wilfried. "Les achats d’objets d’art français par la Cour de Russie, 1881-1917". Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040109.

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La thèse Les achats d’objets d’art français par la Cour de Russie, 1881-1917, consacrée à un nouvel aspect des relations franco-russes, pose un regard bilatéral sur les arts décoratifs français et russes, dont elle étudie le goût au cœur d’interactions politiques, commerciales et artistiques. Le contexte favorable dans lequel s’effectuent ces achats sous les règnes d’Alexandre III et de Nicolas II repose sur l’ancienneté des relations franco-russes, reconnues pour leur richesse au XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle. Il se manifeste par le développement des exportations des produits de l’industrie française d’art et de luxe en Russie depuis le Second Empire, d’autant plus facilitées par la conclusion de l’Alliance franco-russe. Ainsi favorisés, les fournisseurs de l’objet d’art français en Russie, appartenant à des industries variées – mobilier, bronze, textile, orfèvrerie, céramique, verrerie, bijouterie et joaillerie – bénéficient des séjours répétés de la clientèle russe en France. Fournisseurs et différents intermédiaires en profitent pour développer leurs relations avec le marché russe et y renforcent le succès de l’objet d’art français, dont les modèles ont une certaine influence en Russie.De l’empereur au grand bourgeois, les clients russes, reflet de l’évolution sociale du pays accumulaient les achats dans leurs résidences et affirmaient ainsi, par le goût du fabriqué en France, leur appartenance à une élite européenne. L’étude des collections russes d’objets d’art français, dispersées à la Révolution, permet de cerner un aspect de l’histoire du goût et témoigne du rayonnement international de l’art décoratif français
The thesis The purchases of French “objets d’art” by the Russian Court, 1881-1917, dedicated to a new aspect of French-Russian relationships, gives a dual view on the French and Russian decorative arts and studies them in the context of political, commercial and artistic interactions.The favorable context of these purchases, during the reigns of Alexander III and of Nicolas II, is based on the historical French-Russian relations, very developed in the XVIIIth century and at the beginning of the XIXth century. This context results in an increased of export of French “objets d’art” in Russia since the Second Empire, facilitated by the new French-Russian Alliance.The suppliers of the French “objets d’art” in Russia, belonging to the various French Art and Luxury industries – furniture, bronze, textile, silver, ceramic, glassware and jewellery – benefit from repeated stays of Russian customers in France. Consequently, suppliers and various partners develop their relations with the Russian market and strengthen the success of the French “objets d’art”, which were used as a model in Russia.From the emperor to the “grand bourgeois”, the Russian clients, who illustrate the social evolution of the country, collected their purchases in their residences and showed, by their taste for the made in France objects, that they belonged to the European elite. The study of the Russian collections of French “objets d’art”, dispersed during the Revolution, illustrates an aspect of the history of taste and shows the international success of the French decorative arts
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Boudin-Lestienne, Stéphane. "Paul Tissier (1886-1926) : les rôles de l'architecte". Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010595.

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Dplg des Beaux-Arts de Paris, Paul Tissier cultive de nombreuses relations parmi les artistes, les architectes (les frères Carlu) et les musiciens (Gabriel Fauré) de son temps. Réputé dans le domaine de l'aquarelle il fonde l'orchestre symphonique des Beaux-Arts, «Le Violon d'Ingres ». Investi dans la reconstruction de la Meuse et le mouvement régionaliste, Tissier prône, sous une forme traditionnelle, le progrès dans la conception et la construction et entame une réflexion originale sur la typologie et la modularité de l'habitat. Pour la Côte d'Azur, dès 1921, il propose sur catalogue des villas modernes inspirées de l'architecture provençale. Entre 1924 et 1926, Tissier transpose son expérience d'artiste et sa réflexion d'architecte dans la conception de grandes fêtes mondaines. Exigeantes et créatives, proposant des attractions de qualité, les « Fêtes d'Art» transforment intégralement les lieux dans lesquels elles se déroulent par des architectures éphémères ornées de fastueuse toiles peintes. Malgré la célébrité due à cette entreprise, Tissier disparaît trop tôt pour passer à la postérité. La découverte d'un considérable fonds d'archives (400 éléments de décors, un millier de documents) a permis de mesurer la cohérence de ce travail. Loin d'être en contradiction avec sa formation centrale, son parcours atypique prolonge autant qu'il renforce sa nature d'architecte. De même, selon qu'il agisse pour un client ou qu'i1 défende des conceptions personnelles, qu'i1 se présente en tant qu'expert ou urbaniste, Tissier joue des « rôles» variés qui interrogent la pratique de l'architecture.
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Lebeurre, Alexia. "Le décor intérieur des demeures à la mode dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle (Paris et Ile-de-France)". Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010649.

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Jusqu'au XVIIIe siècle, la réalisation du décor intérieur - cet art « partagé en une infinité de branches libérales et mécaniques» pouvait échoir aussi bien à des artisans (menuisiers, peintres et sculpteurs ornemanistes, tapissiers, etc. ) qu'à des artistes proprement dits (peintres et sculpteurs figuristes, architectes). La présente étude examine comment, à partir de 1750 environ, le mouvement de restauration des principes académiques conduit les architectes à s'emparer de ce secteur d'activité et à s'imposer comme le concepteur légitime des décors intérieurs (au moins pour les plus prestigieux). Au lieu de privilégier une approche stylistique, on s'interroge ici sur les valeurs qui structurent l'habitat et son décor. La traditionnelle fonction de représentation assignée au décor cohabite désormais avec la recherche du confort, de l'intimité, du plaisir et de l'étonnement. Pour cela, les architectes - après s'en être servis - s'affranchissent progressivement des normes académiques et de leurs modèles consacrés. Le décor à la mode est un laboratoire esthétique permettant à l'architecte d'affirmer les valeurs d'invention et d'imagination qui fondent son génie. Miroirs, procédés «magiques », formes séduisantes (arabesques, goût exotique, motifs ou éléments puisés dans la nature) sont quelques-uns des outils privilégiés avec lesquels l'architecte compose des décors spectaculaires qui font de la demeure un véritable théâtre de l’intime
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Segreto, Nora. "Collectionner sous le Second Empire : l’exemple du Musée Rétrospectif de 1865". Thesis, Sorbonne université, 2021. http://www.theses.fr/2021SORUL002.

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En 1865, seulement un an après sa fondation, l’Union Centrale des Beaux-Arts Appliqués à l’Industrie organise sa première exposition, intitulée Musée Rétrospectif. Environ 250 collectionneurs y participent en prêtant une sélection de leurs objets d'art. À l'époque des premières expositions universelles et au moment d'une nouvelle phase de développement industriel, commercial et social, l'État français avait compris que seuls les arts pouvaient garantir à la France le plus grand succès international. En fait, le but des collectionneurs à l’exposition de 1865 était, avant tout, d’instruire les industriels français. Ceux-ci devaient, afin de gagner des prix aux expositions universelles, prendre inspiration des œuvres d’art pour réaliser leurs produits industriels. Mais puisque l’exposition était publique, le but était aussi d’éduquer le plus large public à l’art, de proposer un modèle esthétique et de canaliser les choix esthétiques des visiteurs qui étaient également des consommateurs de la gamme supérieure et qui auraient pu donc ensuite acheter les objets produits sous base industrielle inspirés des œuvres qu’ils avaient admirées à l’exposition. Les collectionneurs du « Musée Rétrospectif » ont été des acteurs sociaux dominants à cette époque, grâce au fait d’avoir compris et représenté la vocation didactique, pédagogique et éducative du Second Empire et du XIXème siècle
In 1865, just one year after its foundation, the Union Centrale des Beaux-Arts Appliqués à l’Industrie organized its first exhibition called Musée Rétrospectif. About 250 collectors took part in it with a selection of their art objects. At the times of the first universal exhibitions, during a new phase of industrial, commercial, and social development, the State understood that only arts could offer a guarantee for France to achieve the highest international success. In fact, the declared aim of the collectors involved in the exhibition was suggesting the French industrialists that winning a prize at the universal exhibitions was possible only if they could inspire their products from the art works. However, since the exhibition was public, there were also some other aims: educating the public to arts, proposing an aesthetic paradigm, and channelling the aesthetic choices of the visitors. Actually, most of them were also among the consumers of high-end products, who could later be interested in buying industrial and light manufacture products inspired by the art works they had admired at the art exhibition. The collectors of the Museé Rétrospectif have been not only among the most important social actors of their times, but they could be considered those who interpreted in the best way the pedagogical and educational vocation of the Second French Empire and the 19th century
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Girard, Delphine. "La compagnie des cristalleries de Baccarat de 1905 à 1948". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010554.

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Les origines de la Compagnie des Cristalleries de Baccarat, située à Baccarat en Lorraine, remontent au 18e siècle. Le sol riche en silice, en potasse et les forêts environnantes, sont propices à l'implantation d'une verrerie. Fondée en 1764, la manufacture, qui devient une cristallerie en 1817, passe entre les mains de plusieurs propriétaires avant de connaître à partir de 1822 un important essor commercial et industriel sous la direction de l 'homme d'affaires Pierre-Antoine Godard-Desmarest et de l'ingénieur Jean-Baptiste Toussaint. Le petit-fils de ce dernier, Adrien Michaut, reprend le flambeau en 1883 à la suite de son père. Dès 1905, il poursuit les stratégies industrielles, sociales, financières, commerciales et. Artistiques menées auparavant ou les modifie au gré des crises et des modes qui traversent la première moitié du 20e siècle. Son objectif est similaire à celui de ses prédécesseurs : produire et commercialiser des produits de qualité destinés à une clientèle élitiste.
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Krikorian, Sandrine. "Etudes d'iconographie culinaire et conviviale dans la France des XVIIème et XVIIIème siècles : pratiques et manières de table, objets, goûts et représentations". Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10004.

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L'iconographie des arts de la table en France aux XVIIe et XVIIIe siècles est constituée de composantes variées : préparation culinaire, ustensiles de cuisine, consommation des mets, déroulements et diversité des repas, décoration du lieu et de la table, accessoires de table. Transcrits sur des supports variés et dans des genres divers, ces thèmes et sujets se reflètent les uns les autres et créent ainsi des effets de miroir qui participent à la mise en scène de la table qui devient un lieu de spectacle. Pratiques sociales et historiques et valeurs esthétiques se mêlent et constituent les deux aspects de ces images qui à la fois imitent le comportement, les goûts, les pratiques alimentaires et artistiques des commanditaires et spectateurs (gastronomie, civilité, sociabilité, intimité, libertinage, chasse, exotisme, littérature), et, par leur existence répétée et reflétée, incitent également les convives à se conformer à ce qu’ils voient notamment par la mise en appétit de leurs sens.
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Collin, Florence. "Le parallélisme de la musique et des arts plastiques dans les écrits de Francis Poulenc : une approche originale de la conception et de la perception musicale". Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040141.

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Streszczenie:
En tant que compositeur, interprète, critique musical et auditeur, Francis Poulenc (1899-1963) a produit un corpus important d'écrits, d'entretiens et d'émissions radiophoniques, dans lesquels il a évoqué de nombreux parallèles entre la musique et les arts plastiques. La première partie de cette thèse propose une étude des correspondances entre les œuvres des compositeurs cités par Poulenc et les réalisations plastiques qu'il met en abyme. Ce même travail, concernant ses propres compositions, constitue la deuxième partie. Enfin, la troisième partie aborde les œuvres picturales de créateurs inspirés par Poulenc. Après l'étude des différents niveaux de convergence entre les œuvres citées, nous avons tenté de déterminer en quoi les parallèles évoqués par le compositeur permettent de mieux expliciter ses préoccupations esthétiques liées à la conception et à la perception des œuvres musicales
As composer, interpreter, musical critic and listener, Francis Poulenc (1899-1963) produced lots of writings, interviews and broadcastings, in which he evoqued many parallels between music and fine arts. The first part of this work studies connects between composers' works and fine arts works Poulenc has mentionned. The same study, with his own compositions, constitutes the second part. In the third part, we study pictural works from artists inspired by the composer. After these connects, we tempted to find why the parallels evoqued by Poulenc allow to show his esthetics cares about conception and perception of musical works
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Koering, Elise. "Eileen Gray et Charlotte Perriand dans les années 1920 et la question de l'intérieur corbuséen : essai d'analyse et de mise en perspective". Versailles-St Quentin en Yvelines, 2010. http://www.theses.fr/2010VERS013S.

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En 1929, la créatrice irlandaise Eileen Gray et l’architecte roumain Jean Badovici achèvent l’édification de leur grand œuvre : la villa E 1027. La même année, Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand dévoilent au public parisien et à l’élite internationale le résultat de leurs recherches sur le mobilier en tubes d’acier et le rangement standard : l’« équipement intérieur d’une habitation ». Deux collaborations, deux propositions tenues de résoudre la question de l’intérieur moderne. Notre thèse se propose d’étudier, et d’analyser en les confrontant, l’œuvre de Charlotte Perriand et d’Eileen Gray dans les années 1920, années au cours desquelles elles tentent de définir une nouvelle manière d’habiter et de dépasser leur pratique de décoratrice pour penser en architecte. Une analyse qui se donne pour objectif de replacer les deux créatrices dans leur contexte artistique tout en mettant fortement en lumière la réflexion corbuséenne en matière de mobilier et d’aménagement intérieur
The Irish furniture designer Eileen Gray and the Romanian architect Jean Badovici complete their life’s great work: the house E 1027. In the meanwhile, Le Corbusier, Pierre Jeanneret and Charlotte Perriand bring to light, to the Parisian public and the international elite, the result of their research about movable furniture made of tubular steel frames, and manufactured-type storage, called as “The Equipment of Habitation”. Two collaborations, two propositions standing for answering the question of Modern Interior. Our thesis intends to study the works of Charlotte Perriand and Eileen Gray in the 20’s, then to analyse by comparing their ideas and achievement. During this decade, both of these artists attempted to define a new organizational way of housing, and to think not only as a designer anymore but also as an architect. The purpose of this discussion is to set these two artists back in their artistic context while bringing out the Corbusier thought about furniture and interior layout
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Bohac, Barbara. "L’esthétique du quotidien chez Mallarmé". Paris 4, 2006. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=http://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=BbcMS01.

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Streszczenie:
Cette thèse vise à définir les principes d’une esthétique du quotidien dans l’œuvre de Mallarmé, pour dépasser l’opposition généralement admise entre œuvres futiles et œuvres profondes. L’enjeu est d’évaluer l’unité de cet œuvre en s’attachant autant à des écrits « mineurs », textes sur les arts décoratifs ou Vers de circonstance, qu’à des écrits « majeurs », comme certains poèmes des Poésies. Il y apparaît que le poète prend ses distances avec la hiérarchie traditionnelle des arts et des genres, qui marginalise l’esthétique du quotidien. L’objet décoratif cristallise à ses yeux une beauté faite de rapports nécessaires susceptibles de le spiritualiser et de le rendre suggestif. Par ses couleurs et son éclat, il rappelle le drame solaire, symbole de la condition humaine, et sert d’instrument à un culte domestique de l’esprit humain. L’image du drame solaire, les correspondances suggestives, se retrouvent dans de nombreux textes poétiques, où le quotidien devient rêve et chant et fonde souvent une dimension métapoétique. Elles permettent de penser l’unité d’une esthétique du quotidien
The goal of this thesis is to define the principles of an aesthetics of the everyday in Stéphane Mallarmé’s work so as to go beyond the opposition often put forward between frivolous and deep literary works. More specifically, the aim is to evaluate the unity of the poet’s work by examining the writings usually considered minor, such as his texts on decorative art or his so-called Vers de circumstance, no less than the writings considered major, such as the poems of the Poésies. It becomes evident that the poet distances himself from the traditional hierarchy of arts and genres that tends to assign a low value to an aesthetics of the everyday. For Mallarmé, the decorative object embodies a beauty consisting of a series of necessary relations that spiritualise it and confer on it a suggestive power. Its shine and colours reflect the solar drama that is a symbol of man’s condition on earth, and it serves as an instrument of a domestic cult of the human spirit. The image of the solar drama and its suggestive associations can be found in many poetic texts, where the everyday is transmuted into dream and music and grounds a « metapoetic dimension », facilitating a conception of the unity of an aesthetics of the everyday
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Blin, Jean-Pierre. "Max Ingrand(1908-1969). Un atelier de vitrail dans la France du XXe siècle". Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040128.

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Max Ingrand (1908-1969) fut l'un des maîtres verriers français les plus célèbres du XXe siècle. Après ses études à l'École nationale des arts décoratifs, il entre en 1927 dans l'atelier de Jacques Gruber (1870-1936). Dès 1931, il commence une carrière personnelle de maître verrier décorateur et réalise de nombreux décors civils en glaces gravées. Il crée les vitraux de l'église Sainte-Agnès de Maisons-Alfort et participe au projet des verrières de la nef de Notre-Dame de Paris qui sont présentées au pavillon pontifical de l'Exposition de 1937. Mobilisé en 1939, il reste cinq ans prisonnier dans un Oflag en Allemagne. A son retour, il devient l'un des verriers les plus actifs des chantiers de la reconstruction où il réalise notamment l'ensemble monumental de l'église d'Yvetot. Le service des Monuments historiques lui confie des chantiers prestigieux : cathédrales de Rouen, de Beauvais, de Saint-Malo, de Strasbourg, chapelles des châteaux de Blois, d'Amboise, de Chenonceau, églises de La-Charité-sur-Loire et des Jacobins de Toulouse. Au milieu des années cinquante, sa notoriété lui vaut des commandes importantes à l'étranger, notamment aux États-Unis, au Canada et en Amérique du sud. Il poursuit parallèlement une œuvre de décorateur et de designer. Il assure pendant treize ans la direction artistique de la firme italienne Fontana-Arte pour laquelle il crée de nombreux modèles de luminaires. Il participe au décor de paquebots parmi lesquels le Normandie et le France. Il conçoit des fontaines lumineuses, notamment pour les Champs-Élysées à Paris. Dans ses dernières années, il réoriente sa carrière vers l'architecture d'intérieur et l'éclairage. Il meurt brutalement en 1969, peu après avoir confié la direction de son atelier à son collaborateur Michel Durand
Max Ingrand (1908-1969) was one of the most famous French glassmakers in the twentieth century. He studied at the National School for Decorative Arts and joined Jacques Gruber’s studio (1870-1936) in 1927. He began his own career as a glass designer in 1931 and produced many engraved glass decorations, both in public and religious buildings. He created the stained glass windows of Saint-Agnes Church at Maisons-Alfort and took part in the project of the windows executed for the nave at Notre-Dame de Paris, which were first displayed inside the papal pavilion of the 1937 Exhibition. An officer in the French armed forces in 1939, he was made a prisoner and jailed for five years in a camp in Germany. When he returned home, he became one of the most active glassmakers in the whole country, being involved in the reconstruction effort and working, in particular, to the project of a monumental church in Yvetot (Normandy). He was part of prestigious projects led by the French Heritage in cathedrals (such as Rouen, Beauvais, Saint-Malo and Strasbourg), in castles (such as the chapels of Blois, Amboise, Chenonceau), in churches (such as La Charité-sur-Loire and the Jacobins in Toulouse). Due to his fame, he won a large amount of orders abroad in the mid-fifties, especially in the United States, in Canada and in South America. He acted at the same time as a decorator and a designer. He was, for instance, an art director for thirteen years at the Fontana Arte, a big design company in Italy, and created many lighting fixtures for them. Before and after World War II, he was involved in the decoration of liners as important as the Normandy and the France. He also designed lit fountains in public spaces, the best known being along the Champs-Élysées in Paris. He had to change career dramatically in his late years and stopped glassmaking. He then specialized in architectural design and lighting fixtures. He died suddenly in 1969, a few months after he had passed his workshop on to his associate Michel Durand
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Luneau, Jean-François. "Félix Gaudin (1851-1930), peintre-verrier et mosaïste". Clermont-Ferrand 2, 2002. http://www.theses.fr/2002CLF20015.

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Félix Gaudin naît en 1851 à Paris. Brillant élève en lettres classiques, féru de photographie, il est influencé par son oncle Félix Narjoux, disciple de Viollet-le-Duc. Officier d'artillerie, il reprend en 1879 une manufacture de vitrail de Clermont-Ferrand, fondée en 1835 par Emile Thibaud, puis gérée par ses successeurs Charles des Granges et Louis de Carbonnel. Dirigeant douze employés, il s'occupe surtout de la vente des vitraux, use de la publicité, participe à des expositions artistiques ou industrielles et recrute des représentants parisiens. Le stock de cartons, richesse de l'atelier, induit une production routinière destinée à une clientèle religieuse. Pour y remédier, Gaudin engage des cartonniers extérieurs, Louis Steinheil ou Eugène Grasset. En 1890, il rachète à Paris le fonds d'Eugène Oudinot, dont la clientèle est constituée des architectes des Monuments historiques et des architectes diocésains. D'après les cartons de Grasset, Luc-Olivier Merson, Victor Tardieu ou Raphaël Freida, il crée des vitraux en usant des verres anglais et américains, les expédie aux Etats-Unis et en Amérique du sud. Sa présence aux Expositions universelles, ses collaborateurs de choix et les commandes pour des édifices publics le rendent célèbre. En 1900, il est élu président de la Chambre syndicale des Peintres-Verriers français. Cet atelier de six ouvriers à la gestion souple lui permet de franchir la crise de 1905. En 1909, il vend le fonds à son fils Jean qui poursuit l'essor international de la maison et développe l'activité mosaïque. Pendant sa retraite, il travaille encore à l'atelier, s'occupe des restaurations et remplace son fils malade entre 1914 et 1920. Il donne des conférences sur l'histoire du vitrail et publie un ouvrage de synthèse. Il meurt en 1930. L'analyse de l'oeuvre, d'après un catalogue de 1300 numéros, est précédée de l'étude de son entreprise. Sa carrière est confrontée à l'évolution économique du milieu des peintres-verriers français de son époque
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Lemaitre, Capucine. "La découverte, la restauration et la sauvegarde des mosai͏̈ques antiques en France au XIXème siècle". Rennes 2, 2004. http://www.theses.fr/2004REN20046.

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Emergeant avec la notion d'antiquités nationales et de monument historique, l'histoire de la conservation des mosai͏̈ques antiques s'inscrit dans l'univers patrimonial en formation du XIXème siècle. La discipline évolue du 1er Empire à la 1ère Guerre mondiale, au sein de politiques de conservation plurielles, menées dans le cadre des musées nationaux, de la Commission des Monuments historiques et des sociétés savantes. L'Italie livre les premiers modèles de mosai͏̈ques restaurées sur lesquels antiquaires et architectes fondent leur conception de l'antiquité. Berceau des écoles de mosai͏̈que romaine et vénitienne, elle fournit à la France des praticiens, qui, important leur art et leurs techniques de restauration permirent à l'Etat de transmettre au futur son patrimoine musival ancien. Reflet d'une doctrine en cours d'élaboration, soumise aux disparités des connaissances archéologiques et des politiques culturelles de son époque, la restauration se caractérise par une pluralité de choix et de résultats, qui d'une restitution totale et idéalisée, évolue au fil du siècle, vers une intervention limitée visant à garantir l'intégrité du document archéologique
Associated with the notion of national antiquities and " historical monument ", the history of the conservation of antique mosaics comes within the framework of the patrimonial universe in the 19th century. The discipline progresses from the " 1er Empire " to the First World War, within multiple policies of conservation conducted by national museums, the Commission of historical monuments and local erudition nets. Italy has given the first models of restored mosaics on which antiquarians and architects based their conception of the Antiquity. Birthplace of roman and venitian schools of mosaic, Italy provided France with practitioners who brought their artistic skills as well as their restoration technics. Thus, they allowed France to pass on its ancient heritage to future generations. The restoration as a mirror of an emerging doctrine and subject to archeological knowledge disparities and different cultural policies of the moment, is characterized by a multitude of choices and results. It begins with a complete and idealized restitution of antique work and progresses towards a limited intervention so as to preserve the integrity of the archeological proof
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Coupeau, Charline. "La métaphysique du bijou : objets d'histoire, parure du corps et matériau de l'oeuvre d'art au XIXème siècle". Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30016.

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Si le bijou du dix-neuvième siècle abonde dans de nombreux ouvrages, il faut repenser son intrigue, son lexique et sa poétique. Dans une optique ontologique et grâce à un échange pluridisciplinaire permettant ainsi une ouverture à des processus de partages méthodologiques, cette thèse montre combien le bijou du dix-neuvième siècle est fortement connoté et possède une signification esthétique, sociale, géographique, politique et culturelle qui lui est propre. Cette étude prouve que le bijou tant en signe polysémique qu’en tant qu’ontologie cristallise les inquiétudes et les bouleversements relatifs à son siècle. Il permet de cerner une esthétique, un rapport au monde, au temps qui passe. Il est une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension. Il y a donc une interaction créatrice entre l’homme et sa parure. L’homme crée le bijou et le bijou crée l’homme en retour. Grâce à la mise en place d’une approche inédite et originale proposant de voir la bijouterie du dix-neuvième siècle comme une ontologie, le bijou est alors pensé comme un élément à part entière pour comprendre l’homme. Les bijoux ne sont pas là par hasard, ils véhiculent des sens cachés, des codes. Ils sont les référents immuables que cette étude se propose de nous faire découvrir
If the jewel of the nineteenth century abounds in many works, we must rethink its plot, its lexicon and its poetics. From an ontological perspective and thanks to a multidisciplinary exchange thus allowing an opening to processes of methodological sharing, this thesis shows how much the jewel of the nineteenth century is strongly connoted and possesses an aesthetic, social, geographical, political and cultural significance of its own. This study proves that jewellery, both as a polysemic sign and as ontology, crystallizes the anxieties and upheavals relating to its century. It makes it possible to define an aesthetic, a relationship to the world, to the passing of time. It is a key, a way of being in the world, a pole of understanding. So there is a creative interaction between man and his finery. Man creates the jewel and the jewel creates man in return. Thanks to the implementation of a new and original approach proposing to see the jewellery of the nineteenth century as an ontology, the jewel is then thought as a whole element to understand the man. Jewels are not there by chance, they convey hidden meanings, codes. They are the unchanging referent that this study proposes to make us discover
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Gloc, Marie. "Construire, restaurer, écrire, Edouard Jules Corroyer (1835-1904) : l'architecture dans tous ses états". Paris, EPHE, 2003. http://www.theses.fr/2003EPHE4019.

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Joyeux, Hélène. "Un certain "esprit de collection" : les collectionneurs d'art français du monde de la mode (XXe-XXIe siècles)". Thesis, Paris 1, 2020. http://www.theses.fr/2020PA01H040.

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Depuis l’invention de la haute couture à la fin du XIXème siècle, jusqu’à aujourd’hui, le milieu de la mode est l’un des secteurs professionnels qui concentre le plus de collectionneurs. Dès lors, on peut se demander s’il existe un collectionnisme propre aux collectionneurs du milieu de la mode, et si tel est le cas, comment il s’est structuré et de quelle façon il a évolué. Si celui-ci est le premier axe choisi pour rendre compte de ces relations, il n’est pas le seul car il ne peut se comprendre sans aborder, plus largement, d’autres formes de collaborations entre les acteurs de ces milieux. Le collectionnisme s’inscrit en effet dans un ensemble de relations entre grands couturiers, ou dirigeants de groupes de luxe, artistes, marchands, galeristes, journalistes, critiques, photographes, clients d’un secteur comme de l’autre.… etc. Pour ce faire, nous avons choisi trois exemples de collectionnisme, qui ont en commun d’avoir marqué leur époque, le champ de la mode et celui de la collection : ceux de Jacques Doucet, du couple Pierre Bergé-Yves Saint Laurent et de Bernard Arnault à travers la marque et la fondation Louis Vuitton. Cette thèse se propose donc d’analyser le collectionnisme du point de vue du collectionneur mais aussi, à inscrire ces collections à la fois dans leurs époques respectives, dans leur filiation, dans l’histoire de l’art et l’histoire de la mode
Since the invention of haute couture at the end of the XIXth century until today, the fashion world has been one of the professional sectors where the collectors are the most numerous. This raises the question of whether there is a specific type of collectionnism among the fashion collectors, and if so, how is it structured and how has it evolved. If this is the first line of research chosen to analyze these relationships, it is certainly not the only one but it cannot be understood without addressing, more widely other forms of collaboration between all the peripheral creative actors in this field. Indeed, collectionism is part of the network of relationships between leading fashion designers, or leaders of luxury goods companies, artists, art dealers, gallery owners, journalists, critics, photographers and clients of both sectors, etc. To do so, we have chosen three examples of collectionism that have in common the fact that they have marked their era, contemporary fashion and the ‘spirit’ of collection: those of Jacques Doucet, the couple Pierre Bergé and Yves Saint Laurent and Bernard Arnault through the brand Louis Vuitton and the Louis Vuitton Foundation. This thesis proposes to analyze and explore collectionism from the point of view of the collector but also, to place these collections at the same time in their respective era, in their filiations, in the history of art and fashion history
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Creston, Saphyr. "René-Yves Creston (1898-1964) : l’artiste, l’ethnologue, le théoricien". Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040012.

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Cette étude aborde la carrière et l’oeuvre de René-Yves Creston, artiste qui dans les années vingt, fonde le groupe Ar Seiz Breur. Impliqués dans la vie culturelle locale, les artistes du groupe participent au renouveau des arts décoratifs en Bretagne. Gravure, peinture, faïence, meuble sont autant de domaines dans lesquels ils influencent l’esthétique régionale de la première moitié du XXe siècle dans l’esprit des Arts and Crafts, de l’école de Zakopane et d’autres mouvements européens. Fréquentant les milieux intellectuels parisiens, René-Yves Creston devient un organisateur hors pair et permet à Ar Seiz Breur de participer à des expositions internationales d’envergure. Dans les années trente, son attrait pour le milieu maritime lui permet de participer à la campagne de 1933 au Groenland. Découvrant la pratique ethnographique, il s’inscrit à l’Institut d’ethnologie à la fin des années trente pour y suivre les cours de Marcel Mauss et intègre le musée de l’Homme pour lequel il effectue une mission aux Féroé. Durant la Seconde Guerre mondiale, il participe à la création du réseau du musée de l’Homme et continue ses recherches autour de l’ethnographie bretonne. Après guerre, Georges Henri Rivière l’introduit dans le milieu des musées de société. René-Yves Creston est à l’origine de nombreuses collections dans les musées bretons et au musée des Arts et Traditions populaires. Attaché à l’étude de la région bretonne, il continue néanmoins à s’investir dans l’ethnologie maritime européenne. De la fin du XIXe siècle à la deuxième moitié du XXe siècle, cette étude revient sur le parcours d’un artiste ethnologue dont les préoccupations se tournent sur l’étude de l’homme, de l’utilisation du réalisme dans sa pratique artistique à l’étude des peuples en ethnologie
This study approaches the career and work of René-Yves Creston : this artist, who, in the twenties co-created the group of Seiz Breur. Strongly involved in local cultural life, the group-artists took part in the revival of decorative crafts in Brittany: engraving, painting, earthenware, furniture, so many areas in which they affect the regional aesthetics of the first mid-twentieth century, in the same spirit as Arts and Crafts or Zakopane school or other european movements. Taking part in parisian intellectual life, René-Yves Creston became a leader, without equal organiser so he leaded Seiz Breur to take part in famous international exhibitions. In the thirties, his own interest for the maritim world leads him to take part in 1933 in a trip to Greenland. He then discovered the ethnographic practice. He joins then the ethnological institute and at the end of thirties follows Marcel Mauss’s lessons and fit in “musée de l’Homme” for which he was involved in a mission in Feröe islands. During the world war two, he took part in setting up the “Réseau du musée de l’Homme”. He then follows on his searches about breton ethnography. After the war, Georges Henri Rivière introduced him in thesociety-museums circles. René-Yves Creston leaded to many collections in breton museums and Arts and popular Traditions museum. Deeply involved in the study of brittany, he carries on taking part in european maritim ethnology studies. From the end of 19th century to second part of 20th, this work reads the process of this man, starting as an artist, who becomes an ethnologist using his realism in art as a tool for his study of man
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Bartette, Titien. "Le décor architectonique de l’Arles antique". Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM3119.

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Le décor architectonique de l’Arles antique traite de l’ensemble des éléments lapidaires d’architecture décorés de l’antique Arelate. La prise en compte du plus grand nombre de bloc a permis de proposer une synthèse sur l’évolution stylistique et chronologique de l’ornementation arlésienne – une frise qui s’étale du premier triumvirat au Vème siècle après J.-C. – et une restitution du développement architectural du centre monumental d’Arles. L’étude s’articule autour des deux principaux axes analytiques que sont les motifs ornementaux canoniques constitutifs de la modénature des blocs et les composantes architecturales. Par ces analyses, l’objectif premier était de fixer un certain nombre de jalons chronologiques qui pourront faire office de référence en Narbonnaise pour la datation d’éléments d’architecture. Notre raisonnement et les méthodes employées avaient vocation à répondre à une problématique générale qui était la place d’Arles au sein de la Gaule Narbonnaise, notamment par la définition ou la précision de la circulation des cartons et les rapports entretenus avec Rome. Arelate présente toutes les caractéristiques d’une ville ayant brillamment réussi la transposition des « modèles romains », adaptée à son urbanisme et à sa topographie. Rome, et Auguste particulièrement, ont marqué de leur empreinte la ville par les mutations qu’ils ont favorisées et encouragées, à moins qu’ils ne les aient simplement décidées. Ces premiers aménagements sont suivis, au fil des années, de réalisations confirmant le rôle de la colonie dans un processus de romanisation passant en grande partie par l’architecture et le développement de son ornementation
The architectural decoration of ancient Arles concerns all lapidary decorated architectural elements of Ancient Arelate. Taking into account the largest number of blocks allowed us to propose a synthesis of the stylistic and chronological evolution of Arles ornamentation - a frieze which runs from the first triumvirate to the fifth century AD - and restitution of architectural development of the monumental center of Arles. The study focuses on two main analytical axes, canonical ornaments and architectural components. For these analyses, the primary objective was to fix a number of historical milestones that will serve as a reference for dating Narbonese architectural elements. Our reasoning and methods used were intended to respond to a problem that was the place of Arles in Narbonese Gaul, including the definition or the accuracy of the movement of canonicals ornaments and relationships maintained with Rome. Arelate has all the characteristics of a city having succeeded in the implementation of the "Roman models", adapted to its town planning and its topography. Rome and Augustus in particular have left their mark on the city by the mutations that they fostered and encouraged, unless they simply decided on them. These early developments were followed, over the years, by achievements confirming the role of the colony in a process of Romanization passing largely by the architecture and the development of its ornamentation
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Cho, Sung Moon. "La céramique et la verrerie de table en France à l’époque de Jean Luce, 1910-1960 : de la conception à la réception des œuvres". Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL101.

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À partir du fonds inédit du musée des Arts décoratifs de Paris consacré à Jean Luce (1895-1964), cette thèse éclaire l’histoire du service de table français entre 1910 et 1960. Bien que rarement considéré par les historiens de l’art, cet objet du quotidien reflète pourtant remarquablement les évolutions des arts visuels de ce demi-siècle. La création de Luce témoigne ainsi de toute la diversité du style Art déco puis de l’avènement du design dans l’immédiat après-guerre. Par ailleurs, il a réinventé le métier de créateur-éditeur de services de table, en dessinant des formes et des motifs aussi bien pour la céramique que pour la verrerie, en les faisant fabriquer par une chaîne industrielle et en les diffusant lui-même dans son magasin parisien de la rue La Boétie. Si son travail constitue notre point de départ, nous avons également considéré le rôle des dessinateurs industriels, des manufacturiers de porcelaine, de faïence et de verre ainsi que des commerçants car tous ces acteurs participent aux choix esthétiques effectués dans le cadre d’une production de masse. Il s’agit donc d’interroger les mécanismes à l’œuvre dans le développement et la propagation d’un style lors de la création, de la production et de la diffusion des services de table. Plus largement, l’évolution formelle de ce bien de consommation destiné à l’usage courant est aussi influencée par les mutations de la vie quotidienne et de la sociabilité. Par conséquent, notre enquête sur le service de table mobilise, en plus des outils de l’histoire de l’art, ceux de l’histoire socio-culturelle
This thesis sheds light on the history of the French tableware between 1910 and 1960 by examining the unexplored collection devoted to Jean Luce (1895-1964) at the Musée des Arts Décoratifs of Paris. These everyday objects are rarely studied by art historians, even though they remarkably capture the evolution of visual arts over that half-century. Luce’s creations exemplify the diversity of the Art Deco style in the inter-war period and the advent of design in the immediate post-war period. Furthermore, Luce reinvented the figure of the creator-editor specialized in this field by designing forms and motifs for both crockery and glassware, having them produced by an industrial chain and distributing them personally in his Parisian store on rue La Boétie. His work is our starting point, but we are also interested in the work of industrial designers, manufacturers of porcelain, earthenware and glass as well as tableware retailers, all of whom, in a mass production context, influenced aesthetic choices. From this, we look at how a style develops and spreads as we study the stages of creation, production and distribution of the tableware. More broadly, the evolution of these consumer goods was shaped by new manners of socializing and other changes in daily life. Consequently, our survey uses, in addition to the tools of art history, those of socio-cultural history
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Cavalié, Hélène. "Pierre Germain dit le Romain (1703-1783). Une vie à l'ombre des orfèvres du roi". Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040280.

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L’orfèvre parisien Pierre Germain dit le Romain (Villeneuve-lès-Avignon, 1703-Paris, 1783), connu pour apublication des Éléments d’orfèvrerie, eut une carrière originale, passant sa jeunesse dans les ateliers d'orfèvres du roi,chez Thomas Germain (1726-1729), puis après un séjour à Rome (1729-1733), chez Jacques Roëttiers (1733-1736) avantde devenir apprenti chez Nicolas Besnier en 1736, et maître en 1744. Travaillant pour Roëttiers jusque vers 1755-1756,devenu grand messager juré de l’université, amateur d’estampes, il publie en 1748 le plus vaste recueil d’orfèvrerie dutemps, les Éléments d'orfèvrerie, cent planches de modèles religieux et civils de style rocaille, gravés par Bacquoy etPasquier, repris et copiés jusqu’au XIXe siècle jusqu’à l’étranger. Il publie aussi en 1751 un court Livre d'ornemens.Installé quai des orfèvres, à La Garde Royale, il produit peu, 1410 kg d’argent jusqu’à sa mort, de beaux ou simplesobjets. Quelques acquéreurs sont connus : Joseph Ier de Portugal en sous-traitance pour François Thomas Germain (1755-1756, 1765), les Wal de Baronville (1761-1763), les Wandalin Mnisech (1762-1764), la princesse des Asturies encollaboration avec Philippe Caffieri et Thomas Chancellier (1765), les Rocheblave (1777), le comte d’Artois et laprincesse de Ligne (1782). L’étude s’élargit aux artistes côtoyés : à Paris, ses maîtres Germain, Roëttiers, Besnier, sonconfrère Denys Frankson, ses apprentis Ange Joseph Aubert et Pontaneau ; à Avignon, les Clerc, Mézangeau et ClaudeImbert, ses parents les architectes J.-B. et François Franque et le menuisier facteur d’orgues Charles Boisselin ; àMarseille, les Durand, les Giraud et son neveu Antoine Germain
The Parisian silversmith Pierre Germain the Roman (1703-1783). A career near the silversmiths of the king. The Parisian silversmith Pierre Germain the Roman (Villeneuve-lès-Avignon, 1703-Paris, 1783), known for his book the Éléments d’orfèvrerie, had an original career. During his youth he worked for the silversmiths of the king, Thomas Germain (1726-1729); and after some time in Rome (1729-1733), worked for Jacques Roettiers (1733-1736) and as an apprentice for Nicolas Besnier from 1736. Master in 1744, he kept working for Roettiers until 1755-1756. Great messenger of the University, fond of engravings, he published in 1748 the largest book of models of the time, Élémentsd’orfèvrerie, 100 plates of rococo religious and civil silverware, engraved by Bacquoy and Pasquier, reprinted and copied until the 19th century in France and abroad (London, Turin). He also published in 1751 a short Livre d’ornemens. Installed quai des orfèvres, he had a small production, 1410 kg of silver up to his death, beautiful or simple objects,including orders for Joseph I of Portugal under contract for François Thomas Germain (1755-1756, 1765), for the Wal de Baronville family (1761-1763), the princess of Asturias in collaboration with Philippe Caffieri and Thomas Chancellier (1765), the Wandalin Mnisech (1762-1764), the Rocheblave (1777), the count of Artois and the princess of Ligne (1782). This study also covers artists he knew well: in Paris, his masters Germain, Roettiers, Besnier, his collegue Denys Frankson, his apprentices Ange Joseph Aubert and Pontaneau; in Avignon, the Clerc and Mézangeau families and Claude Imbert, his parents the architects J.-B. and François Franque, the organ builder Charles Boisselin; in Marseille, the Durand and Giraud families and his nephew Antoine Germain
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Stevenin, Anne-Blanche. "Luc-Olivier Merson (1846-1920) : de la peinture d’histoire à la peinture décorative". Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040268.

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Élève de l’École des beaux-arts de Paris, Luc-Olivier Merson obtient en 1869 le premier grand prix de Rome de peinture d’histoire, titre qui lui permet de parfaire sa formation pendant quatre années en Italie. Artiste reconnu de son vivant, Merson expose régulièrement au Salon parisien, avant d’ouvrir l’éventail de son talent à la décoration et à l’illustration. Au-delà de son goût pour la peinture monumentale, il affirme sa dilection pour l’art religieux dont il bouscule les conventions, grâce à des sources iconographiques recherchées et des sujets rares. Entre Académisme et Symbolisme, Merson confirme sa prédisposition pour le dessin, privilégiant la ligne, tout en entretenant un caractère coloriste subtil et recherché. En s’affranchissant de l’influence de son père Olivier Merson, critique d’art, et en dotant ses réalisations d’archaïsme et d’idéalisme, Luc-Olivier Merson est désormais considéré à juste titre comme l’un des précurseurs du Symbolisme. L’étude de la vie et de l’œuvre de Luc-Olivier Merson permet de comprendre les choix esthétiques et les audaces d’un artiste, trop souvent – et hâtivement – qualifié de Pompier par l’historiographie du vingtième siècle
In 1869, when a student at the École des Beaux-Arts de Paris, Luc-Olivier Merson received the Rome Prize in history painting. The award allowed him to complete his training with four years of study in Italy. A well-known artist in his own time, Merson showed regularly at the Paris Salon before broadening the scope of his creative activity to include decorative painting and illustration. Beyond his taste for monumental painting, he evinced a keen interest in religious art, whose conventions he overturned, making use of recondite iconographic sources and unusual subjects. Suspended between Academism and Symbolism, Merson displayed a penchant for drawing, always privileging line, even as he maintained a subtle and refined sense of color. Having emerged from the shadow of his father, the art critic Olivier Merson, and endowed his work with a self-conscious archaism and idealism, Luc-Olivier Merson might justly be classed among the precursors of Symbolism. By studying the life and work of Merson, we may come to understand the aesthetic choices and the audacity of an artist too often—and too hastily—termed “Pompier” in twentieth-century art historiography
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Vrand, Caroline. "Les collections d'art d'Anne de Bretagne : au rythme de la vie de cour". Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H063.

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Anne de Bretagne a largement retenu l'attention des historiens et des historiens de l'art. Pourtant une approche globale de ses collections d'art restait à faire. L'examen de la constitution de ces collections a permis de mettre au jour l'importance des héritages ducal -de son père François II -et royal - de son premier époux Charles VIII -, et de mieux déterminer la part de ses propres commandes. Grâce à ces enrichissements successifs, Anne de Bretagne possédait d'extraordinaires collections d'art, parmi les plus riches du royaume. Les textiles, indispensables à l'ameublement des logis royaux, y tiennent une place considérable que ce soient les tissus d'ameublement ou les tentures historiées. Les arts de la table et l'orfèvrerie religieuse constituent une autre part importante de toutes collections princières médiévales. Anne de Bretagne sut aussi exprimer un goût plus personnel par son penchant pour les bijoux, les verres vénitiens ou la peinture. Cette étude s'attache aussi à replacer ces objets précieux dans leur contexte quotidien. Entre transports et mises en dépôt, leur vie était mouvementée, à l'instar de la cour itinérante dont ils constituaient le décor. L'examen de cet aspect permet de mieux appréhender le rapport qu'Anne entretenait avec ses collections. Les arts tenaient un rôle de premier plan dans l'affirmation du prince et Anne en eut bien conscience. Elle sollicita les artistes les plus réputés et se montra soucieuse de l'entretien de ses objets, Elle exprima aussi son attachement au duché breton en les entreposant au château de Nantes. Elle veillait enfin à l'exposition de ses plus belles pièces, notamment lors des grands événements de la vie de cour
Anne of Brittany has received much attention from historians and art historians alike, and yet a comprehensive review of her art collections never been done. An examination of the composition of these collections helped to uncover the importance of both her ducal heritage -from her father Francis II-and her royal heritage -from Charles VIII. This examination also helped to better understand the importance of her own commissions and sponsorships. Through these successive endowments, Anne of Brittany amassed an extraordinary collection of art, among the richest in the kingdom. As an essential decor for the royal apartments, textiles hold an important place in these collections, whether it be silk fabric or tapestry. Tableware and religious gold work also represented an serious part of the collections, Furthermore, Anne own personal-taste is better expressed through be r affection for jewelry, Venetian glass and paintings. This study also sought to place these precious objects in their everyday context. Between placement, transport and storage, these pieces were in constant' movement as the backdrop to the itinerant court. The examination of this aspect provides further insight into the relationship between Anne and her collections, She was well aware that art held a prominent role in the affirmation of the Prince. She sought out the most renowned artists and appeared careful about the maintenance of their work. She also expressed her commitment to the duchy of Brittany by regularly storing her artwork in the castle of Nantes. Anne endeavored to exhibit her best pieces, particularly during major events of court life, again proving her dedication to the arts
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