Rozprawy doktorskie: „Hôtel du Louvre (Paris)”

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Guigo, Michèle. "L'autre Louvre : la société du Louvre (1855-1939)". Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL145.

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Streszczenie:

Les Grands Magasins du Louvre naissent en 1855 à l’ombre du Grand Hôtel du Louvre, dans un quartier en expansion suite aux travaux de Haussmann, deux ans seulement après la création du Bon Marché. Leur création est fortement liée au projet et au réseau des frères Pereire qui souhaitent développer le commerce et le tourisme de luxe à Paris. Les Grands Magasins du Louvre s’imposent rapidement comme l’un des principaux grands magasins, voire même le plus important par le chiffre d’affaires dans les années 1870-1880, ainsi que par l’espace occupé. En effet, d’abord enclavé par l’hôtel, le magasin conduit par ses deux gérants, Chauchard et Hériot, va engloutir toutes les boutiques environnantes, et s’emparer de l’hôtel en 1875. Ils adoptent ainsi le slogan les « plus vastes magasins du monde ». Ce premier pied dans l’hôtellerie va inciter ses dirigeants à poursuivre leur expansion dans ce domaine en exploitant trois hôtels supplémentaires, le Terminus Saint-Lazare, l’hôtel d’Orsay et le Crillon. Les Grands Magasins du Louvre sera donc le seul grand magasin à avoir investi dans un autre secteur que le commerce pour diversifier ses activités. A la fin du XIXème siècle, le magasin semble connaître son apogée étendant son influence sur le territoire national comme à l’étranger et s’approvisionnant en marchandises du monde entier. Mais la Première Guerre mondiale et surtout la crise économique des années 1930 lui porte un coup dur dont il ne se relèvera pas. En 1939 il dépose une première fois le bilan, avant que cette fermeture soit interrompue par la guerre. Il continuera à survivre après le Second conflit mondial, avant de disparaître définitivement en 1974
The Grands Magasins du Louvre was born in 1855 in the shadow of the Grand Hôtel du Louvre, in an expanding area following the works of Haussmann, only two years after the creation of the Bon Marché. Their creation is strongly linked to the project and the network of the Pereire brothers who wish to develop trade and luxury tourism in Paris. Louvre shops are quickly becoming one of the leading department stores, and even the most important by turnover in the 1870s and 1880s, as well as occupied space. Indeed, at first locked by the hotel, the store led by its two managers Chauchard and Hériot will engulf all the surrounding shops, as well as the hotel in 1879. They adopt the slogan of "the largest stores in the world". This first foot in the hotel industry will encourage its leaders to continue their expansion in this area by operating three additional hotels, the Terminus Saint-Lazare, the hotel d'Orsay and Crillon. The Grands Magasins du Louvre will therefore be the only department store to have invested in a sector other than commerce to diversify its activities. At the end of the nineteenth century, the store seems to know its heyday extending its influence on the national territory and abroad and sourcing goods from around the world. But the First World War and especially the economic crisis of the 1930s brought him a hard blow which he will not recover. In 1939 it first filed the balance sheet, before the closure was interrupted by the war. It will continue to survive after the Second World War, before finally disappearing in 1974

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Guigo, Michèle. "L'autre Louvre : la société du Louvre (1855-1939)". Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL145.

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Les Grands Magasins du Louvre naissent en 1855 à l’ombre du Grand Hôtel du Louvre, dans un quartier en expansion suite aux travaux de Haussmann, deux ans seulement après la création du Bon Marché. Leur création est fortement liée au projet et au réseau des frères Pereire qui souhaitent développer le commerce et le tourisme de luxe à Paris. Les Grands Magasins du Louvre s’imposent rapidement comme l’un des principaux grands magasins, voire même le plus important par le chiffre d’affaires dans les années 1870-1880, ainsi que par l’espace occupé. En effet, d’abord enclavé par l’hôtel, le magasin conduit par ses deux gérants, Chauchard et Hériot, va engloutir toutes les boutiques environnantes, et s’emparer de l’hôtel en 1875. Ils adoptent ainsi le slogan les « plus vastes magasins du monde ». Ce premier pied dans l’hôtellerie va inciter ses dirigeants à poursuivre leur expansion dans ce domaine en exploitant trois hôtels supplémentaires, le Terminus Saint-Lazare, l’hôtel d’Orsay et le Crillon. Les Grands Magasins du Louvre sera donc le seul grand magasin à avoir investi dans un autre secteur que le commerce pour diversifier ses activités. A la fin du XIXème siècle, le magasin semble connaître son apogée étendant son influence sur le territoire national comme à l’étranger et s’approvisionnant en marchandises du monde entier. Mais la Première Guerre mondiale et surtout la crise économique des années 1930 lui porte un coup dur dont il ne se relèvera pas. En 1939 il dépose une première fois le bilan, avant que cette fermeture soit interrompue par la guerre. Il continuera à survivre après le Second conflit mondial, avant de disparaître définitivement en 1974
The Grands Magasins du Louvre was born in 1855 in the shadow of the Grand Hôtel du Louvre, in an expanding area following the works of Haussmann, only two years after the creation of the Bon Marché. Their creation is strongly linked to the project and the network of the Pereire brothers who wish to develop trade and luxury tourism in Paris. Louvre shops are quickly becoming one of the leading department stores, and even the most important by turnover in the 1870s and 1880s, as well as occupied space. Indeed, at first locked by the hotel, the store led by its two managers Chauchard and Hériot will engulf all the surrounding shops, as well as the hotel in 1879. They adopt the slogan of "the largest stores in the world". This first foot in the hotel industry will encourage its leaders to continue their expansion in this area by operating three additional hotels, the Terminus Saint-Lazare, the hotel d'Orsay and Crillon. The Grands Magasins du Louvre will therefore be the only department store to have invested in a sector other than commerce to diversify its activities. At the end of the nineteenth century, the store seems to know its heyday extending its influence on the national territory and abroad and sourcing goods from around the world. But the First World War and especially the economic crisis of the 1930s brought him a hard blow which he will not recover. In 1939 it first filed the balance sheet, before the closure was interrupted by the war. It will continue to survive after the Second World War, before finally disappearing in 1974

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Tessier, Alexandre. "Le Grand Hôtel, 110 ans d'hôtellerie parisienne, 1862-1972". Thesis, Tours, 2009. http://www.theses.fr/2009TOUR2012/document.

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Érigé au cœur du nouveau quartier de l’Opéra en 1862, fondateur avec le Grand Hôtel du Louvre de la grande hôtellerie contemporaine en France, le Grand Hôtel instaure un concept né dans les plus grandes villes du monde et qui n’eut de cesse de se développer. De ce fait, le défi principal auquel le Grand Hôtel dut perpétuellement répondre est de consolider sa place parmi les plus grands hôtels de Paris. Sous cet angle, les changements furent d’importance puisque partant d’une position de leader indiscutable, il dut faire front à l’émergence de nouveaux concurrents le reléguant aisément au rang de doyen. Les hommes, prenant en main tour à tour l’entreprise, en passant par ses créateurs, les frères Pereire, puis par de hauts financiers et enfin par une dynastie familiale à l’histoire extraordinaire, eurent l’obligation de l’adapter à un marché en constante évolution et de répondre aux nouvelles aspirations des clients. De plus, l’histoire du Grand Hôtel traverse avec plus ou moins de difficultés des épisodes constituant la grande histoire de France et croise des personnages au destin exceptionnel tel que les frères Pereire ou Arthur et André Millon
Built in the middle of the Opéra district, creator with the Grand Hôtel du Louvre of the great contemporary hotel trade in France, the Grand Hôtel, born in 1862, insert in the French main town a concept spread out in the biggest town around the world. This new concept is still developing and growing nowadays. The most important defiance which the Grand Hôtel should respond is to strengthen its level between the greatest Paris’ hotels. From that angle, the change was important because, departing to a leader role, it had to fight against new competitors that relegate easily the Grand Hôtel to an inferior level. The leading men, from the brothers Pereire, “hotel’s creators”, to a family dynasty, that have an extraodinary history, passing to high finance men, had to modifie the firm strategy to fit the Grand Hôtel to an everyday new market and to answer the new customers needs. Moreover, all accross the Grand Hôtel life we can find important French history moments and personages with a fabulous destiny like brothers Pereire or Arthur and André Millon

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Marcoult, Laurence. "L'hospitalité en observation : les grands hôpitaux parisiens au XVIIIe siècle hôtel-Dieu, Hôpital Général". Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0130.

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L'hôtel-Dieu et l'Hôpital Général de Paris prennent en charge, au XVIIIe siècle, 10 à 15 000 personnes quotidiennement. L'Hôpital Général, constitué des maisons de Bicêtre, La Salpêtrière, La Pitié, a une double vocation d'accueil des pauvres et d'enfermement des mendiants, lequel est limité : la plupart sont considérés comme « bons pauvres ». La détention concerne davantage les prisonniers arrivés par voie administrative, de police ou de justice. Les enfants, notamment de la maison des Enfants Trouvés, les personnes âgées, les femmes, constituent l'essentiel de sa clientèle. L'hôtel-Dieu possède une organisation médicale avec un personnel qualifié, assurant les soins avec de fortes variations saisonnières. Il reçoit de nombreux malades de l'Hôpital Général. Le financement des hôpitaux est un défi : l'économie hospitalière fonctionne à contre-courant de la conjoncture. L'Hôpital Général ne tire pas du travail des pauvres les gains espérés à sa fondation hormis pour quelques productions de luxe, pas plus que de la charité. C'est la fiscalité notamment sur le vin et sur les spectacles (théâtres, opéra. . . ) qui s'impose et permet d'avoir des revenus réguliers. Ces hôpitaux sont de gigantesques machines économiques qui nécessitent quantité de grains, bois, vin, viande, étoffes. . . L'approvisionnement est une préoccupation majeure des administrations. Celles-ci, fonctionnant selon un modèle similaire mais pas avec la même efficacité (l'hôtel-Dieu se révélant plus rigoureux), doivent assurer la continuité en toute circonstance. Les hôpitaux remplissent leur rôle, social, médical ou répressif, et sont plébiscités par la population
The Paris hotel-Dieu and Hopital General, in the XVIIIth century, daily take care of 10 to 1500* people. The Hopital General, comprising the houses of Bicetre, La Salpetriere, La Pitie, has a doubl role of housing the poor and confining the beggars, this confinement being limited : most are seen a deserving poor. Confinement is essentially for prisoners sent by administrative, police or justic order. Children, mostly from the Foundling Hospital, the elderly, women, make the greatest part o its population. The hotel-Dieu has a medical organization with qualified personnel, giving care wit high seasonal variations. He houses a large proportion of patients coming from the Hopital General. Financing hospitals is a challenge : their economy has to work at best when circumstances are bad The Hopital General does not make profit from labour as expected when it was founded except for few luxury products ; neither can he count on charity. Tax revenues especially from wine and fron entertainment (theaters, opera. . . ) becomes crucial and allows regular income. These hospital are gigantic economic structures, requiring large amounts of cereals, wood, wine, meat, fabric. . . Supplying is a major concern of administrations. Organized according to a similar model but not with the same efficiency (the hotel-Dieu being more rigorous), they must insure continuity under any condition. Hospitals fulfill their social, medical or punishing role, and are in great demand by population

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Chairi, Elpida. "Les fragments d'architecture grecque conservés au musée du Louvre". Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010634.

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Les fragments d'architecture grecque conservés au Louvre sont caractérises par une grande variété aussi bien de par leur provenance que par le type d'élément architectonique et par la période à laquelle ils ont été crées. La majeure partie du matériel provient des fouilles et prospections réalisées par les missions françaises, organisées au cours du XIXe siècle. Les fragments ont été découverts en Grèce continentale et en Asie mineure ; ils appartiennent à d'édifices d'importance inégale, tels les temples d'Assos, d'Artemis leucophryène de Magnésie du Méandre, d’Apollon de Didymes, d'Athéna de Priène, d'Apollon de Délos, de Zeus d’Olympie, d'Apollon de Bassai, ou bien a de monuments publics (Milet, Phocée, Pella, Eleusis). Certains proviennent d'édifices inconnus une partie du matériel est publiée, mais les publications sont incomplètes, datent de l'époque de découverte des fragments et n'ont pas été reprises récemment. L'intérêt de l'étude consiste à démontrer que le matériel mérite d'être connu plus globalement pour obtenir sa vraie mise en valeur.
The fragments of Greek architecture, which are conserved in the Louvre Museum are very various. They come from different sites and monuments, represent different architectural types of elements and date between the archaic and the late Hellenistic period. Discovered during the surveys and excavations of numerous French missions, organized during the 19th century, in Greece and Asia minor, they come from different types of monuments : temples (like Assos, Artemis leucophryene at Magnesia on Maeander, Apollon of Didyma, Athena of Priene, Apollon of Delos and Bassai, Zeus of Olympia), public buildings (Miletus, Phocaea, Pella, Eleusis), or palaces, like vergina. Several fragments come from unknown buildings. They are partly published but these publications are ancient and non complete and have not been revised recently. The interest of these fragments must be proved because they have to be better known and valorised

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Thinard-Morel, Janine. "Nourrir et soigner les malades de l'Hôtel-Dieu de Paris à l'époque moderne". Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040023.

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Comment étaient nourris les malades de l'Hôtel-Dieu de Paris à l'époque moderne ? Quel rôle jouait l'alimentation dans leurs soins ? Où et comment s'approvisionnait l'Hôtel-Dieu ? Quels étaient ses moyens ? Telles sont les principales questions auxquelles tente de répondre cette thèse, en s'appuyant sur les Délibérations du Bureau et, quand ils existent encore, sur les Comptes (recettes et dépenses) de l'Hôtel-Dieu. Essentiellement à base de pain, de viande et de vin, mais aussi de bouillons pour lesgriefs malades, les portions données aux malades sont copieuses. Car le malade à l'Hôtel-Dieu doit être bien traité et une bonne alimentation constitue le premier des soins. Les légumes et les fruits restent accessoires. Il est difficile d'en connaître la quantité consommée. En périodes de pénurie (guerre, calamité, famine) les portions de pain, viande ou vin sont ajustées sur les possibilités d'approvisionnement. L'Hôtel-Dieu déploie tous ses efforts pour assurer son approvisionnement, d'abord auprès de ses fermes et vignobles, puis de plus en plus sur le marché. Si une bonne alimentation est un gage de santé, les médecins de l'Hôtel-Dieu ont attendu la veille de la Révolution pour considérer que leurs prescriptions devaient porter non seulement sur les médecines mais aussi sur l'alimentation. Cette petite « révolution » n'est pas allée sans provoquer la réaction des religieuses accoutumées à contrôler l'alimentation des malades
How were the sick of the Hôtel-Dieu de Paris fed in modern times? What role did food play in their care? Where and how did the Hôtel-Dieu get supplies? What were its means? These are the principal questions that this thesis attempts to answer, using the deliberations of the Bureau and, when they still exist, the accounts (income and expenditure) of the Hôtel-Dieu. Mainly consisting of bread, meat and wine, but also broths for the seriously ill persons, the portions given to patients are copious, for the patient to the Hôtel-Dieu must be treated well and a good diet is the first treatment. The essentials do not include vegetables and fruits. It is difficult to know which amount of the latter was consumed. In times of scarcity (war, disaster, famine) the portions of bread, meat and wine are adjusted to the possibilities of supplying. The Hôtel-Dieu is making every effort to ensure its supplying, first relying on its farms and vineyards, then increasingly on the market. If a proper diet is the guarantee of a good health, the doctors at the Hôtel-Dieu waited until the eve of the French Revolution to consider that their prescriptions were to cover not only medicines but also diet. This little "revolution" did not occur without causing the reaction of nuns accustomed to controlling the patients’ diet

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Brejon, de Lavergnée Barbara. "Dessins de Simon Vouet : 1590-1649 /". Paris : Ed. de la Réunion des musées nationaux, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb349061811.

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Girié, Valérie. "Le luminaire métallique, IVe - VIIe siècle : Musée du Louvre, Département des antiquités gréco-romaines /". [S.l. : s.n], 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41235675b.

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McDonnell, Madeline Clark. "MUSEUMS OF PARIS: FORMER ROYAL RESIDENCES TO CREATE NATIONAL CULTURAL NARRATIVES". Scholarship @ Claremont, 2018. http://scholarship.claremont.edu/scripps_theses/1166.

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The purpose of this paper is to explore the reason why Parisian museums are in previously contracted buildings rather than creating a structure for them upon their creation. Looking at the examples of the Musée de Cluny, Musée du Louvre, and the Musée d’Archéologie National. Upon examining these cases, it is evident that Paris had a vacancy of buildings that allowed to put its buildings into previously constructed former noble residences. Drawing on the collections and timing of the creation of the museums creates the clear differences between the cohort cities of London and Paris.

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Lemieux, Ariane. "L'artiste et l'art contemporain au Musée du Louvre des origines à nos jours : une histoire d'expositions, de décors et de programmations culturelles". Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010645.

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La En septembre 2003, le président-directeur du musée du Louvre, Henri Loyrette, présentait, à la radio de France Culture, la politique qu'il entendait mener en faveur de l'art contemporain. Pour justifier cette politique d'envergure, qui donne une forte visibilité à l'art contemporain au cœur du premier musée public d'art ancien, le président-directeur fait immanquablement référence à la traditionnelle place de l'artiste et de l'art vivant au Louvre. Si la commande de décors en faveur des plus grands artistes contemporains renouvelle bien une tradition qui s'est perdue au cours du XIXe siècle, il n'en est certainement pas de même en ce qui concerne la présentation d'œuvres contemporaines dans l'enceinte du musée. La présence d'œuvres contemporaines dans le parcours des collections permanentes des musées d'art ancien est un phénomène particulier des vingt dernières années. Certains parlent même, à cet égard, d'un phénomène muséologique relevant à la fois d'un intérêt généralisé pour l'art contemporain et d'une prise de conscience de l'importance du regard de l'artiste vivant sur des œuvres qu'il connaît aussi bien, mais différemment, que le spécialiste. Mais il s'agit surtout de la nouvelle réalité des musées, celle de la fin du permanent au profit de l'événement, de l'affirmation des rogrammations culturelles et de la place du public. L'art contemporain au musée du Louvre procède de cette évolution généralisée de l'institution muséale au cours des quarante dernières années mais aussi de l 'histoire du premier musée national de France, celle de ses rapports avec les artistes et la création qui lui est contemporaine.

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Gombault, Anne. "La construction de l'identité organisationnelle : une étude exploratoire au Musée du Louvre". Bordeaux 4, 2000. http://www.theses.fr/2000BOR40032.

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L'identité organisationnelle désigne les caractéristiques centrales, distinctives et stables d'une organisation telles qu'elles sont perçues par l'ensemble des membres de cette organisation. Comment se construit-elle au musée du Louvre entre 1996 et 1998 ? L'étude menée dans un but exploratoire et un cadre constructiviste, inductif et itératif, qualitatif, montre que l'identité organisationnelle est une construction subjective et intersubjective des membres du Louvre à propos de l'identité de l'organisation. Cette construction s'opère à trois niveaux : collectif, groupal et individuel. Au niveau collectif, l'identité organisationnelle se construit par un changement et une crise latente de l'identité organisationnelle existante qui conduit à l'apprentissage d'une nouvelle identité organisationnelle. Au niveau groupal, un puissant processus de catégorisation sociale qui s'appuie sur la pluralité des identités de groupe définit une identité organisationnelle plurielle, conflictuelle et activement négociée par des stratégies identitaires et un mouvement d'acculturation antagoniste. Au niveau individuel, l'identité organisationnelle se construit à partir de marqueurs comme l'espace, le langage et l'habillement, par un processus d'identification organisationnelle et plus largement dans l'expérience cognitive, affective et comportementale que font les acteurs de l'identité de l'organisation. Les résultats de l'étude apportent des contributions pour décrire et comprendre la construction de l'identité organisationnelle dans l'organisation en général, dans l'organisation culturelle en particulier et précisément dans les musées. En outre, ils démontrent le poids de l'identité organisationnelle dans ces organisations spécifiques et éclairent certains aspects de leur fonctionnement.

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Martinez-Sève, Laurianne Caubet Annie. "Les figurines de Suse : de l'époque néo-élamite à l'époque sassanide /". Paris : Réunion des Musées Nationaux, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38885697k.

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Texte remanié de: Th. doct.--Paris 1, 1997. Titre de soutenance : Les figurines hellénisantes de Suse : contribution à l'histoire culturelle de Suse aux époques hellénistique et parthe.
Bibliogr. p. 828-845. Glossaire. Index.

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Thinard-Morel, Janine. "Nourrir et soigner les malades de l'Hôtel-Dieu de Paris à l'époque moderne". Electronic Thesis or Diss., Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040023.

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Comment étaient nourris les malades de l'Hôtel-Dieu de Paris à l'époque moderne ? Quel rôle jouait l'alimentation dans leurs soins ? Où et comment s'approvisionnait l'Hôtel-Dieu ? Quels étaient ses moyens ? Telles sont les principales questions auxquelles tente de répondre cette thèse, en s'appuyant sur les Délibérations du Bureau et, quand ils existent encore, sur les Comptes (recettes et dépenses) de l'Hôtel-Dieu. Essentiellement à base de pain, de viande et de vin, mais aussi de bouillons pour lesgriefs malades, les portions données aux malades sont copieuses. Car le malade à l'Hôtel-Dieu doit être bien traité et une bonne alimentation constitue le premier des soins. Les légumes et les fruits restent accessoires. Il est difficile d'en connaître la quantité consommée. En périodes de pénurie (guerre, calamité, famine) les portions de pain, viande ou vin sont ajustées sur les possibilités d'approvisionnement. L'Hôtel-Dieu déploie tous ses efforts pour assurer son approvisionnement, d'abord auprès de ses fermes et vignobles, puis de plus en plus sur le marché. Si une bonne alimentation est un gage de santé, les médecins de l'Hôtel-Dieu ont attendu la veille de la Révolution pour considérer que leurs prescriptions devaient porter non seulement sur les médecines mais aussi sur l'alimentation. Cette petite « révolution » n'est pas allée sans provoquer la réaction des religieuses accoutumées à contrôler l'alimentation des malades
How were the sick of the Hôtel-Dieu de Paris fed in modern times? What role did food play in their care? Where and how did the Hôtel-Dieu get supplies? What were its means? These are the principal questions that this thesis attempts to answer, using the deliberations of the Bureau and, when they still exist, the accounts (income and expenditure) of the Hôtel-Dieu. Mainly consisting of bread, meat and wine, but also broths for the seriously ill persons, the portions given to patients are copious, for the patient to the Hôtel-Dieu must be treated well and a good diet is the first treatment. The essentials do not include vegetables and fruits. It is difficult to know which amount of the latter was consumed. In times of scarcity (war, disaster, famine) the portions of bread, meat and wine are adjusted to the possibilities of supplying. The Hôtel-Dieu is making every effort to ensure its supplying, first relying on its farms and vineyards, then increasingly on the market. If a proper diet is the guarantee of a good health, the doctors at the Hôtel-Dieu waited until the eve of the French Revolution to consider that their prescriptions were to cover not only medicines but also diet. This little "revolution" did not occur without causing the reaction of nuns accustomed to controlling the patients’ diet

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Starcky, Emmanuel. "Inventaire des dessins des écoles du Nord du cabinet des dessins du musée du Louvre : supplément aux inventaires de Frits Lugt et de Louis Demonts". Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040133.

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Cet inventaire du cabinet des dessins du musée du Louvre constitue le supplément à ceux publiés par Frits Lugt et Louis Demonts entre 1929 et 1968. Il rassemble des œuvres des écoles allemande, des anciens Pays-Bas, des écoles flamande hollandaise et suisse des quinzième au dix-huitième siècles. Ces trois cent cinquante dessins répertoriés correspondent soit à des reclassements à l'intérieur même des collections, soit à des acquisitions.

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Molinié-Andlauer, Marie-Alix. "Musée et pouvoir symbolique. Regard géographique sur le Louvre". Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL148.

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Le pouvoir symbolique du Louvre se traduit dans le nouveau modèle territorial qu’il propose. Instrument de la diplomatie française, il incarne le rayonnement culturel français par excellence qui sert autant une région française en régénérescence urbaine (Hauts de France) que des pays en re-structuration politique et économique (Émirats arabes unis, Iran). Dans un contexte de mondialisations (Ghorra-Gobin, 2005), la réputation liée aux représentations du Louvre génère un désir de lieux. Les représentations analysées montrent que ce géosymbole (Bonnemaison, 1981) inscrit dans l’imaginaire commun participe à multi-situer le Louvre. Le musée du Louvre, le Louvre-Atlanta, le Louvre-Lens, le Louvre Abu Dhabi puis le Louvre Téhéran, auxquels s’ajoutent les réseaux professionnels, les partenariats, la circulation des œuvres, sont des éléments qui permettent de faire émerger plus qu’un réseau, un territoire Louvre qui peut se comprendre par les temporalités (Braudel). Pourtant, la transposition d’un Louvre interpelle puisque le musée se définit par sa part sacrée, c’est-à-dire sa collection. On se demande dans cette thèse comment (à partir de cette part sacrée) le Louvre participe à une mise en relation de lieux dans un contexte de mondialisations et comment il créé in fine un territoire à part entière ? Les références mobilisées pour penser le territoire sont les travaux de Guy Di Méo sur la territorialité et d’Yves Lacoste et de Claude Raffestin en géographie politique sur les relations asymétriques et les enjeux de pouvoirs. Les résultats de cette thèse amènent à réfléchir à l’évolution et l’impact d’un territoire Louvre en archipel ou multi-situé
The symbolic force of the Louvre expresses itself through its latest territorial model. Instrumental to the French diplomacy, The Louvre embodies the French cultural influence on a French region in urban reconstruction (Hauts de France) or in countries in economical or political re-structuration (Émirats arabes unis, Iran). In a mondialisations context (Ghorra-Gobin, 2005), this reputation linked to the Louvre representations favours a locus desire. Our analysis of these representations emphasizes the fact that this géosymbol (Bonnemaison, 1981), present in the collective imaginary, is instrumental in the multiplication of the Louvre sites. The Louvre museum, the Louvre-Atlanta, the Louvre-Lens, the Louvre Abu Dhabi and the Louvre Téhéran, plus the professional networks, partnerships, works of art circulation are as many aspects that facilitate the emergence of something superior to a network: the notion of a Louvre territory that can be understood by its temporalities (Braudel). Most importantly, the propagation of the Louvre (as a model) raises various questions as the museum itself is defined by its sacred part (i.e. its collections). This research work is an attempt to answer a crucial question: how (with this sacred part as a starting point), can the Louvre be an actor to the linkage of various loci (places) in a mondialisations context and how can the Louvre in fine initiate the creation of a territory. To conclude with, this research is an invitation to think about the impact (and evolution) of a Louvre territory in terms of an archipelago or of multi-situated territory. Our references to approach the territory concept are Guy Di Méo’s on territoriality and Yves Lacoste and Claude Raffestin’s in political geography on asymetrical relationships and power issues

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Long-Tarasco, Véronique. "Mécènes des deux mondes : les collectionneurs-donateurs du musée du Louvre et de l'Art Institute Chicago, 1879-1940". Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010585.

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En Europe et en Amérique, la plupart des musées des beaux-arts sont nés après 1850 de l'initiative de collectionneurs. Majoritairement des industriels, des banquiers et des négociants, ils considéraient la collection comme un symbole de culture, de prospérité, de richesse, de pouvoir pour eux-mêmes et pour leur nation. Ainsi, l' Art Institute de Chicago est fondé en 1879. La culture européenne était un modèle pour la nouvelle nation américaine, soucieuse de compter parmi les puissances culturelles. Le Louvre devint le musée idéal et l'incarnation de la haute culture en raison de sa visée éducative, patriotique et régénératrice héritée du moment révolutionnaire français. Fondé sur une prosopographie comparée et une étude des goûts, ce travail met en évidence les aspects sociaux, culturels, politiques et économiques de la collection, ainsi que les processus d'imitations et de transformations, de Paris à Chicago, qui contribuèrent à façonner le musée américain.

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Barbotin, Christophe. "Les statues égyptiennes du Nouvel Empire au Louvre : une synthèse". Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAG015/document.

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Le musée du Louvre conserve 302 statues égyptiennes du Nouvel Empire, une collection suffisamment riche pour obtenir certains résultats susceptibles d’être extrapolés à l’ensemble de la statuaire de la période. Le présent travail aborde cet ensemble sous un double aspect. Analyse quantitative et qualitative d’après les critères modernes d’abord, essai d’analyse selon les critères égyptiens antiques explicites et implicites ensuite. Ces derniers se déduisent notamment des rapports entretenus entre les images en deux dimensions, qui procèdent directement de l’écriture, avec leur transcription en volume que constitue la statuaire. On découvre alors que la construction de la statuaire repose sur les aspects fondamentaux de mobilité et d’immobilité, d’action ou d’inaction, et qu’elle obéit d’une manière générale aux règles aspectives propres à la pensée égyptienne, avec la manifestation fréquente du point de vue perspectif qui se surimpose à ces règles de base
The Louvre Museum keeps 302 Egyptian statues of the New Kingdom. Such a collection is rich enough to obtain some results which should be transposable to the complete Egyptian statuary of the period. The present work is dealing with this corpus from two angles. First, quantitative and qualitative analysis according to modern criteria. Second, attempt of analysis according to ancient Egyptian criteria, explicits and implicits. These last ones can particularly be deduced from the relations between two dimensional images, which are issued from the writing, and their transcription in volume, in other words the statuary. Then it is found that the conception of statuary is based on fundamental aspects of mobility and immobility, of action and inaction and, generally speaking, that it corresponds to aspective rules so characteristic of Egyptian thought, with the frequent manifestation of the perspective point of view which is superimposed to these basic rules

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Knels, Eva Maria. "Le Salon et la scène artistique à Paris sous Napoléon I. Politique artistique – Stratégies d’artistes – Échos internationaux". Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040065.

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Cette thèse de doctorat se propose d’étudier les Salons sous l’ère napoléonienne, connus surtout pour le rôle important qu’ils jouèrent dans le cadre de l’instrumentalisation politique de l’art contemporain. Ainsi, après 1799, le Salon devint rapidement un important outil de la vaste politique culturelle du Consulat et de l’Empire, qui servit à représenter de manière symbolique le système politique. Face à ce changement radical du Salon et de sa politique artistique, les artistes, eux aussi, ont dû se positionner et s’adapter aux nouvelles structures politiques et administratives, tout en réagissant aux nouvelles tendances artistiques et à l’évolution du milieu artistique, afin de s’imposer au Salon. Le succès rencontré par les Salons en ces années-là ne se manifeste pas seulement par le chiffre croissant des exposants et des visiteurs : les diverses formes de la réception du Salon – journaux, brochures, récits de voyage, lettres et œuvres graphiques - témoignent également de l’écho rencontré par l’exposition, et ceci bien au-delà des frontières nationales. Jouxtant les salles du fameux Musée Napoléon qui regroupe les chefs-d’œuvre artistiques les plus importants, saisis par les armées françaises dans des collections de l’Europe, le Salon profite de la forte fréquentation du Louvre entre 1800 et 1815, de la part de visiteurs aussi bien français qu’étrangers. L’objectif de cette thèse est d’analyser l’organisation de l’exposition, le paysage des artistes exposants ainsi que l’écho rencontré par cet évènement sur la scène internationale en tenant compte de cette mutation complexe de la vie artistique parisienne au début du XIXème siècle. Dans cette perspective, le présent travail s’interroge sur les rapports entre la politique artistique, les pratiques artistiques et culturelles ainsi que leur réception
This doctoral thesis examines the Salons of living artists under the reign of Napoleon I, which are primarily known for the prominent role they played in the context of cultural politics of that time. After 1799, the Salon rapidly became an important instrument of art and cultural politics used by the ruling government to symbolically legitimise and support the political system. Given the major changes to the exhibition in these years, artists had also had to adapt to the new political and administrative structures whilst, at the same time, reacting to new artistic trends in order to stand up to the strong competition at the Salon. The exhibition's success in these years is not only reflected by the rising numbers of exhibiting artists and visitors. Also its wide-ranging coverage in the media, such as newspaper articles, letters, travelogues and graphic anthologies, is further proof of the exhibition's relevance and reach, sometimes even beyond national frontiers. Indeed, the exhibition's close locality to the famous Musée Napoléon, with its large collection of master pieces confiscated from European collections by the French armies, added further attention paid by European travellers to the Salon and the French contemporary art on display there. The aim of this doctoral thesis is to analyse the organisation of the exhibition, the range of participating artists as well as the international response it created whilst taking into consideration the complex transformation of art and the French art scene at the beginning of 19th century. By doing so, the dissertation focuses on the reciprocal relationship between art politics, artistic production and their reception

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Deutsch, Kristina. "Jean Marot et l'estampe d'architecture au Grand Siècle : la représentation du palais du Louvre dans le "Grand Marot"". Paris, EPHE, 2010. http://www.theses.fr/2010EPHE4040.

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Jusqu’ici, les estampes du graveur d’architecture français Jean Marot (vers 1619-1679), qui a représenté maints édifices du Grand Siècle, ont principalement suscité l’intérêt des chercheurs en tant que sources pour l’histoire des bâtiments concernés. Nos recherches visent cependant sa méthode, la genèse, la forme, les objectifs et la réception de ses œuvres qui s’inscrivent dans la tradition de la représentation de l’architecture réelle qui se consolide pendant la Renaissance italienne et trouve un sommet dans le Cabinet du Roi de Louis XIV. Une des œuvres principales de Jean Marot est son anthologie dite le « Grand Marot » (petit in-folio, probablement 1686), renouant avec la tradition des recueils des édifices importants du royaume, établie par les Plus excellents bâtiments de France (Paris, 1576/1579) de Jacques Androuet du Cerceau. Comme ce dernier, Marot consacre une suite dans son anthologie au palais du Louvre et au château des Tuileries, liés dans un ensemble monumental suivant le « grand dessein des rois » d’Henri IV, symbole majeur du pouvoir royal. La suite du Louvre se prête à l’étude d’un exemple concret et offre en même temps la possibilité d’approfondir les connaissances concernant la genèse du Grand Marot. Interprétant les dessins d’architectes, Marot ne dispose souvent que d’une documentation fragmentaire qu’il assemble et complète en mettant en valeur ses propres inventions d’ornemaniste et d’architecte. Liée à des objectifs variés d’autopromotion, de panégyrique et de représentation du pouvoir, l’œuvre de Jean Marot témoigne d’un moment crucial de la mainmise croissante de l’état s’organise sur la production artistique
Until now, the main interest of historians towards the work of the etcher of architecture Jean Marot (about 1619-1679), who represented many buildings of the Grand Siècle (the “great century”, as one calls the 17th century in France), was based on their value as sources for the history of the building in question. Our thesis parts from another point of view and asks about the method, the evolution, the form, the objectives and the reception of these images as part of the tradition of the representation of real architecture which becomes important during the Renaissance in Italy and reaches a climax with the Cabinet du Roi of Louis XIV. One of Jean Marot’s major works is the anthologie called the “Grand Marot” (small folio, probably 1686), which renews with the tradition of collections of prints showing the most important buildings of the kingdom, founded by Jacques Androuet du Cerceau, author of the Plus excellents bâtiments de France (Paris, 1576/1579). As the latter, Marot consecrated a group of prints (etched with some engraved details) to the Louvre and the Tuileries in Paris, two initially separated palaces related according to the « grand dessein des rois », initiated by Henri IV as a major symbol of power of the king. The Louvre-etchings are appropriate for the examination of a concrete example and at the same time offer the possibility to learn more about of the evolution of the “Grand Marot”. Interpreting the drawings of architects, Marot often disposes only of a fragmentary documentation, which he combines and completes, always attempting to present his own inventions concerning architecture and decoration. Related to various objectives of self-promotion, dedication and representation of power, the work of Jean Marot gives evidence of a crucial moment, when the state undertook a growing control and organization of artistic production

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Jehanno, Christine. ""Sustenter les povres malades" : alimentation et approvisionnement à la fin du Moyen âge : l'exemple de l'Hôtel-Dieu de Paris". Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010690.

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L'hôtel-dieu de paris a laissé, pour la fin du moyen âge, une collection de comptes qui permet de reconstituer comment malades et personnel sont alors nourris et par quels moyens se fait l'approvisionnement de l'hôpital. Codifiée par un réglement, l'alimentation est composée, pour l'essentiel, de pain, de vin, de viande (ou de poisson et d'oeufs) et de légumes, ainsi que de quelques compléments occasionnels. Elle est relativement équilibrée et, à défaut d'être variée, assez abondante, sauf peut-être durant les périodes d'extrêmes difficultés. Sa préparation, assurée par un personnel spécialisé nombreux, dans des locaux adaptés, est satisfaisante, sans être très élaborée. Compte-tenu du nombre de bouches à nourrir, les volumes consommés sont importants et il faut, dans une conjoncture dramatique, développer différentes strategies pour assurer l'approvisionnement de l'établissement. Celui-ci se fait de moins en moins par le prélèvement en nature, opéré sur les debi-rentiers et fermiers, mais toujours en grande partie par la production directe, maintenue sur les terres de l'hôpital. Les comptes fournissent ainsi de multiples informations sur la céréaliculture et la viticulture (facons, rendements, rentabilité). Ils permettent aussi de mesurer l'impact des dévastations des campagnes pendant cette phase de la guerre de cent ans et d'affiner le bilan et la chronologie de la reconstruction des campagnes parisiennes. Le reste de l'approvisionnement provient des achats faits, soit auprès de marchands, parisiens ou forains, soit auprès de particuliers. Il s'adapte aux fluctuations des prix et aux penuries. Les dons d'aliments, fruits de la charité, ne constituent qu'un appoint minime. Le coût des dépenses nécessaires à l'approvisionnement est énorme et, en raison de l'effondrement des revenus traditionnels de l'hôpital, doit être équilibré par des ressources nouvelles. La forte insertion de l'hôtel-dieu dans la société de son temps l'aide a surmonter des moments difficiles.

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Coblence, Emmanuel. "La managérialisation des musées : une analyse par les régimes de signification". Paris, ENMP, 2011. http://www.theses.fr/2011ENMP0011.

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Institutions culturelles centrales, les musées sont actuellement confrontés à de fortes transformations de leur activité : leur croissance s'accompagne d'un renouvellement de leurs missions et de la conquête de champs nouveaux. Face à ces mutations, les recherches existantes suggèrent que les musées sont traversés par une vague de managérialisation sans précédent (la progression de discours de performance, la diffusion d'outils et de savoirs gestionnaires, portés par des acteurs nouveaux) et caractérisent une forme d'administration culturelle portant sur le pilotage et le contrôle des fonctions de mise en œuvre de politique publique, de démocratisation et de création de valeur économique. À partir d'une recherche approfondie au sein du Centre Pompidou et du musée du Louvre, la thèse met en évidence le fait que la managérialisation des musées traduit aussi des enjeux d'activation de la signification des œuvres, notamment par la conception d'accrochages et d'expositions. La vague de managérialisation est ainsi interprétée au prisme d'une évolution du « régime de signification ». Par ces études de cas, nous montrons que l'organisation des activités au sein du musée structure les compétences pour permettre l'élaboration d'expositions dans un régime de signification donné. Cependant, dans certains projets, comme le Louvre-Lens, le musée régénère l'ordre même de sa collection, en brisant les frontières disciplinaires et les modes d'organisation classiques. Ces projets sont définis comme des explorations d'un nouveau régime de signification. Nous modélisons leur gestion comme un processus de management de l'innovation sur la signification
Key cultural institutions, museums currently face important transformations of their activity: an unprecedented growth, a renewal of missions and the permanent quest for new fields. Existing research suggests that, to cope with these changes, museums are going through an unforeseen managerialisation wave, i. E. The rise of performance discourses and diffusion of managerial instruments and knowledge, prompted by new actors within the organization. Scholars characterize a form of cultural administration focusing on the efficient management of functions such as public policy implementation, democratization and economic value creation. Based on empirical research at the Centre Pompidou and the Musée du Louvre, the thesis highlights how this managerialisation is also linked to the symbolic activation of art (what art works mean) and the design of exhibitions and displays. The managerialisation wave is analyzed as an evolution in “regimes of meaning”. Through the case studies, we show that the organization of activities within museums structure competences to allow the design of exhibitions in a given regime of meaning. However, in specific projects (such as the Louvre-Lens project), the museum regenerates the way its collection is ordered, and break in this process existing boundaries in art history as well as usual organization principles. These projects are defined as explorations of a new regime of meaning. We model their management as a process of management of innovation of meaning

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Taburet-Delahaye, Elisabeth. "Catalogue de l'orfevrerie gothique XIII-XIVe siècles du Musée des thermes et de l'Hotel de Cluny". Paris 10, 1989. http://www.theses.fr/1989PA100118.

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Les tomes 1 et 2 comportent l'introduction et le catalogue proprement dit, comprenant 157 notices. L'introduction est principalement consacrée à la définition du terme d'orfèvrerie a l'époque gothique, a l'expose des limites du sujet et au résumé de l'histoire de la collection. Le catalogue lui-même est divisé en deux parties : orfèvrerie religieuse et orfèvrerie profane, suivies de deux annexes consacrées l'une aux objets religieux de cuivre non dore, la seconde aux œuvres fausses ou d'authenticité douteuse. Le tome 3 comprend une table de concordance (date d'entrée au musée, numéros d'inventaire et de catalogue), puis la bibliographie, l'index et la table des matières
Volumes 1 and 2 contain the catalogue itself (157 entries), with an introduction mainly devoted to the definition of the word goldsmithwork during the gothic period, the limits of the subject and a summary of the collection's history. The catalogue itself is divided into two parts : religious and secular goldsmithwork, with two appendix, devoted to religious objects in non guilded copper, fakes or objects of doubtful authenticity. Volume 3 contains concording tables (date of acquisition, inventory and catalogue numbers), bibliography, index and table of contents

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Sueur, Hélène. "Le dessin à Vérone de 1530 à la peste de 1630 : Paolo Farinati (1524-1606) et son entourage : catalogue raisonné des collections du Louvre". Paris 10, 1991. http://www.theses.fr/1991PA100065.

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Ce premier catalogue raisonné des dessins véronais des XVIe XVIIe siècles conservés au Louvre, décrit et commente 201 œuvres (originaux et copies), qui ont été en outre replacées dans leur contexte historique, socio-culturel et artistique. Beaucoup sont inédites et sorties des portefeuilles anonymes italiens. 177 sont regroupées chronologiquement autour de 20 artistes : Paolo Farinati, le mieux représenté (100 dessins, avec son atelier), Paolo Véronèse, au travers de ses seules années de formation à Vérone, Batista et Marco Del Maro, Domenico et Felice Brusasorci, Bernardino India, Zélote, Ridolfi, Ottino, Turchi, Bassetti,. . . , pour ne citer que les plus connus. Le catalogue fait aussi le point sur les œuvres restées anonymes (25) et sur l'historique de la collection. Enfin, l'accent est mis sur les changements de classement et sur les nouveautés qui permettent d'éclairer certaines figures de dessinateurs encore mal connues, et donnent une dimension nouvelle au fonds véronais du Louvre en introduisant des noms jusque-là absents de ses inventaires. L'étude est présentée en trois volumes : textes d'introduction et bibliographie, catalogue et index, illustrations. Tous les dessins catalogues sont reproduits dans le volume d'illustrations
This first "catalogue raisonné" of the 16th-17th century's Veronese’s school's drawings preserved at the louvre, describes and comments 201 works (originals and copies), moreover put back together in their historical, social, cultural and artistic context. Numerous are unpublished and taken out from anonymous Italian’s portfolios. 177 are unequally distributed among twenty artists : Paolo Farinati, the best represented (100 drawings, including his workshop), Paolo Veronese, only through his artistic training in Verona, Battista and Marco del Moro, Domenico and Felice Brusasorci, Zelotti, Ottino, Ridolfi, Turchi, Bassetti. . . , to cite only the most known. The catalogue does check off works still anonymous (25) and explain in detail historical records of the collection. It also stresses on changes of classifications and discoveries which allow to clarify some figures of drawers badly known, and give a new dimension at the louvre's Veronese’s collection introducing names until now absent from its inventories. This study is presented in three volumes: introduction's texts and bibliography, catalogue and index, illustrations. All the drawings of the catalogue are reproduced in the third volume

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Kopp, Vanina Madeleine. "Der königh und die bücher : sammlung, nutzung und funktion der königlichen bibliothek am spätmittelalterlichen hof in Frankreich". Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0073.

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Les projet de recherche a pour centre la bibliothèque royale telle qu'elle a existé au Louvre entre les années 1368 à1429. La problématique de la thèse s'articule autour de la question centrale: Comment et quand la collection, l'ordre et le transfert des savoirs de la bibliothèque du Louvre furent-ils utilisés par les rois de France dans le cadre de la politique et de la vie de cour ? Elle renvoie aux axes de recherche qui animeront cette étude: la genèse de la bibliothèque du Louvre à la cour parisienne, sa portèe politique ainsi que l'utilisation par les rois et leur entourage, notamment dans le contexte de la cour royale et de la politique. Comment l'accumulation de manuscrits participait à l'élaboration de l'image royale et à la légitimation politique? Donc, dans une perspective historique, comment fut utilisée la bibliothèque royale avec ses fonds? A travers cette étude, nous voulons démontrer que la bibliothèque livra une contribution politique à la conception de la religion royale et du lien dynastique. Nous examinerons sous une approche d'histoire culturelle comment l'emploi des livres, leur circulation et leur utilisation s'insérèrent à la cour royale et dans les pratiques politiques et sociales. Nous analyserons avec un regard critique les traductions qui furent généralement labellisées comme « commandes royales» afin de découvrir quelles répercussion leur utilisation eut sur l'expression politique dans la littérature historique, de propagande ou de légitimation, et notamment dans la construction de l'image du « roi sage »
The royal library, known as the "librairie du Louvre", was the royal book collection, assembled in small rooms on three levels of a Louvre tower. About 900 manuscripts were in the library, which made it the biggest non-clerical library in the West. At the centre of my research, I study the following question: How and when was the collection of books and knowledge in the Louvre Library used by the French kings for cultural or political operations? 1demonstrate in a historical perspective how, in addition to a bibliophile aspect, the library made a political contribution to the development of the "religion royale" and the legitimation of royalty. This dissertation challenges several theoretical and methodological approaches to capture the different dimensions of the Louvre Library. I try to contextualise the subject in different fields of research in order to infer some general information on the use of books. 1focus on the virtually existing medieval library in order to contextualise and historicise the function it had at the French court. Following a historical anthropological approach, I concentrate on the use of the book collection and the use of texts. In this project 1show that the Louvre Library, the use of the texts by the kings and the circulation of the books served to accumulate arguments in favour of the king's politics, strengthen the legitimisation of the dynasty and disseminate this content. The functional character of the Louvre Library fits into a larger politics of circulations, commands and acquisitions. These cultural and courtly processes strengthened the monarchic ideology and contributed to the construction of the image of a wise king

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Lorquin, Alexandra. "Catalogue raisonné des tissus coptes du musée des Thermes et de l'hôtel de Cluny : tissus de lin et laine". Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040086.

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Le catalogue raisonné des tissus dits coptes, de lin et de laine, du musée des Thermes et de l’hôtel de Cluny présente 174 pièces, datées entre le troisième et le douzième siècle, du début de la christianisation de l'Égypte à la fin de la domination fatimide. La collection a été rassemblée entre 1885 et 1961, grâce à des achats, dons et legs. Les tissus, lorsque leur origine est connue, proviennent des sites d'Akhmim, Fostat et Antinoë (fouilles A. GGayet). Les pièces sont pour la plupart fragmentaires, mais on peut citer trois tuniques. Les techniques attestées sont la tapisserie, le sprang, la broderie, les boucles par la trame, les façonnés (samits et taquetés) et la teinture par réserves. Chaque notice comprend un signalement, une description du décor, un commentaire étayé de comparaisons et une proposition de datation. Les thèmes iconographiques utilisés rattachent la collection (représentative des autres aussi) à une culture gréco-romaine bien assimilée: les sujets, mythologiques (dionysiaques surtout), ou profanes et le répertoire décoratif du monde méditerranéen dans l'antiquité tardive, sont présents aussi sur la mosaïque, la sculpture, le verre, les stucs, les terre-cuites, l'argenterie. . . Les traces d'une influence orientale proto-musulmane sont plus rares. Neuf fragments inscrits de caractères coufiques sont regroupés en fin d'ouvrage sous forme de notices sommaires trois pièces méritent d'être signalées pour leur rareté: Jason et Médée s'emparant de la toison d'or, l'enlèvement de Ganymède et un imprimé tricolore
The detailed catalog of Coptic linen and woolen textiles from the national "musée des Thermes” and “hôtel de Cluny" contain 174 examples from the third to the twelfth centuries, from the beginning of the Christianization of Egypt to the end of the domination of the Fatimid empire. This collection was assembled from 1885 to 1960 through purchases, donations and legacies. These textiles, when the origin is known, come from Akhmim, Fostat, Antinoopolis. Most of these pieces are fragments but there are 3 complete tunics. The technics used are tapestry, sprang, embroideries, velvet, twill and batik. Each reference note contains a summary, a technical analysis, a description, a commentary with comparisons and an approximate date. The iconographical subjects used link the collection to a well assimilated graeco-roman culture: predominantly mythological (dionysiac), or secular subjects and a repertory of the Mediterranean world in the late antiquity are also included on mosaics, sculpture, glass, stucco, painting, terracotta. . . Traces of an oriental proto-muslim influence are less numerous. Nine clearly Islamic fragments welt Kufic characters are grouped at the end of this thesis in the form of summary notes. 3 examples are worth mentioning for their rarity: Jason and Medea seizing the Golden Fleece, the obduction of Ganymede and an ikat using 2 dies

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Gaultier, Françoise. "Contribution à l'étude des ateliers de céramique étrusque à figures noires : seconde moitié du sixième - première moitié du cinquième siècle av. J.-C. : la collection du musée du Louvre". Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100191.

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Après une brève introduction à l'histoire de la collection de céramique étrusque à figures noires du musée du Louvre, le catalogue raisonné fait la description et l'analyse critique des quatre-vingt-cinq vases ou fragments de vases recensés. Chaque vase est étudié pour sa forme, son décor, sa représentation figurée. Il est attribué, lorsque c'est possible, à un peintre dont le style est étudié et l'œuvre inseré dans l'ensemble de la production étrusque à figures noires. L'évolution des ateliers, les rapports réciproques, les transferts possibles d'un centre à l'autre sont également envisagés. L'œuvre des peintres déjà identifies est enrichi, une demi-douzaine de personnalités nouvelles sont identifiées et étudiées. Parmi celles-ci, quelques-unes sont de première importance; ainsi, celle du peintre des visages anguleux qui, vers le milieu du sixième siècle av. J. -C. , fut vraisemblablement le fondateur de l'atelier de fabrication des vases de la tolfa, ou bien encore celle du peintre de la danseuse aux crotales qui occupait certainement une place de premier plan parmi les peintres de la première moitié du cinquième siècle. Un chapitre est ensuite consacré aux rapports existant entre céramique et grande peinture. On y démontre que le peintre des visages anguleux n'est autre que l'auteur des fresques de la tombe des taureaux de Tarquinia. Pour conclure, quelques pages intitulées "acculturation, imitation et créativité" évoquent à travers la production céramique les problèmes d'une culture mixte
In the descriptive catalogue, after a brief introduction to the history of the Etruscan black figure pottery collection of the louvre museum, there is a description and a critical analysis of the eighty five vases or fragments of vases recorded. The shape, decoration, figured representations are carefully examined on each vase. Then, whenever possible, it is attributed to a painter whose style is studied and works inserted in the whole Etruscan black figure production. The evolution of the workshops, the relation between them, the possibility of transfers from one center to another are also considered. Works are thus added to the existing ones of painters already identified and half a dozen of new personalities are identified and studied. Among the ltter, some are of major importance. This is the case of the angular face painter who very likely was the founder of the la tolfa vase production workshop towards the middle of the sixth century B. C. , and also the painter of the "danseuse aux crotales" who was certainly one of the first-rank painters among those living in the first half of the fifth century. Then, a chapter is devoted to the connection between pottery and the proper art of painting and it is demonstrated that the angular face painter and the author of the tarquinia tomba dei tori is the same person. As a conclusion, a few pages entitled "acculturation, imitation and creativity" evoke the problems related with a mixed culture through the pottery production

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Polack, Emmanuelle. "Le paradigme du marché de l'art à Paris sous l'Occupation 1940-1945". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H043/document.

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L'euphorie du marché de l'art sous l'Occupation est aussi le reflet d'un afflux de marchandises issues des spoliations artistiques des personnes de confessions juives ou de tout opposant du IIIe Reich. Le nœud d'exploration de la présente thèse se place volontairement sur cette question. Elle propose une analyse des paradigmes d'un marché de l'art en période de guerre sous contrôle d'État collaborationniste
The euphoria of the art market under the Nazi Occupation is also a reflection of an influx of goods resulting from the artistic spoliations of the Jewish community along with any opponent of the Third Reich. The main concern of this thesis deliberately places itself on this question. It proposes an analysis of the paradigms of an art market during a war period under the control of a collaborationist State

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Jouves, Barbara. "La conservation et la restauration des tableaux des collections privées à Paris (1789-1870)". Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H070.

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Préoccupés par la conservation de leurs collections de peintures, les amateurs d’art parisiens font appel, entre 1789 et 1870, aux restaurateurs de tableaux, ces derniers relevant d’une profession qui, à la même époque, se définit indépendamment de celles du marchand, de l’expert ou même du peintre. Si le restaurateur intervient sur les œuvres du particulier, il joue, par ailleurs, pour l’amateur, un rôle de guide dans sa connaissance, voire dans son apprentissage, des procédés picturaux. Progressivement, cette prise en compte de la matérialité de l’œuvre contribue à intégrer le collectionneur au sein des commissions muséales en tant que conseiller, avant qu’il n’acquière un statut privilégié au musée à partir des années 1860 par le legs de ses œuvres
Concerned about the conservation of their art collections, in the years between 1789 and 1870, Parisian amateurs called upon the services of painting restorers, who, at that time, belonged to a profession considered quite separate from that of art dealer, expert or even painter. While the restorer worked on paintings belonging to private collectors, he also acted as a guide for the latter, broadening their knowledge of Ŕ or even teaching them about Ŕ pictorial techniques. This understanding of the materiality of artworks gradually contributed to collectors being invited into museum committees as advisors, before they acquired a privileged status in museums, from the 1860s onwards, by bequeathing their collections

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Spanu, Fremder Silvia. "Le répertoire et la dramaturgie de la Comédie-Italienne de Paris durant la seconde moitié du XVIIIe siècle". Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040227.

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La seconde moitié du XVIIIe siècle est une période de recherche et d’expérimentation dramatiques qui se traduisent, au sein de la programmation du théâtre de la Comédie-Italienne de Paris, en la conception d’une soixantaine de canevas italiens inédits, mis en scène par les acteurs-auteurs de la troupe italienne du théâtre, entre 1760 et 1779, année de la « suppression » du genre italien. À travers le dépouillement des sources périodiques, contenant les résumés des soirées et les récits des performances, des registres du théâtre, ouvrant l’accès aux effectifs des troupes, cette thèse propose la reconstitution du répertoire de pièces italiennes d’acteur et l’étude de la dramaturgie de ce spectacle parisien durant la seconde moitié du XVIIIe siècle. À partir des années 1760, la pratique de la scène, les modalités créatives et représentatives de la commedia dell’arte migrent vers les dramaturgies adjacentes à l’intérieur d’un répertoire mixte, français et italien, en donnant lieu à des phénomènes d’« hybridation » permettant de pérenniser la dramaturgie italienne et la « pratique » scénique des comédiens italiens, à l’intérieur des comédies des dramaturges français qui écrivent pour ce théâtre : J.-F. Cailhava de l’Estandoux et de J.-P. Claris de Florian. Il sera donc question de relire la « suppression » du genre italien en 1779, en les termes d’une « réexistence », en étudiant la portée globale du répertoire et de la dramaturgie italienne du point de vue de leur évolution, durant la seconde moitié du XVIIIe siècle, au sein du contexte productif et de la palette représentative de la Comédie-Italienne
The second half of the eighteenth century represents a period of research and experimentation in dramatics that manifest themselves, within the theater’s programs of the Comédie-Italienne. These experimentations materialize in approximately sixty unpublished Italian plots, directed by the actors-authors of the Italian company between 1760 and 1779, year of the “suppression” of the Italian genre. Sorting through periodical sources, that include summaries of the evening performances and performances’s telling, and theater’s registers, which give the access to the acting company, this thesis intends to recreate the company’s repertoire of Italian plays. The intention is also to study the dramatic art of this Parisian show during the second half of the eighteenth century. From the 1760s, the experience of the stage, the creative and representative modalities of the commedia dell’arte slide towards closed dramaturgies inside a mixed repertoire French and Italian. It generates “hybrid” phenomena that give the possibility to preserve the Italian dramatic art and the scenic “technique” of the Italian comic actors, within the plays of French playwrights who have written for this theater: J.-F. Cailhava de l’Estandoux et de J.-P. Claris de Florian. This thesis will provide a rereading of the “suppression” of the Italian genre in 1779, in terms of “rebirth”. Then it will analyze the complete impact of the Italian repertoire and the dramatic art inside the productive context and the representative range of the Comédie-Italienne from the outlook of their evolution during the second half of the eighteenth century
La seconda metà del XVIII secolo è un periodo di ricerca e sperimentazione drammatica che sfociano,nell’ambito della programmazione del teatro della Comédie-Italienne di Parigi, nella creazione di unasessantina di canovacci italiani inediti allestiti e rappresentati dagli attori-autori della compagnia italiana delteatro, tra il 1760 e il 1779, anno della « soppressione » del genere italiano. Attraverso lo spoglio delle fontiperiodiche, che contengono i riassunti degli spettacoli e i resoconti delle performance attoriali, le ricerched’archivio effettuate nei registri del teatro, che permettono di accedere agli effettivi delle troupes, la tesipropone la ricostituzione del repertorio italiano e lo studio della drammaturgia di questo teatro parigino dellaseconda metà del Settecento. A partire dal 1760 la pratica scenica, le modalità compositive e rappresentativedella commedia dell’arte migrano verso le forme drammaturgiche ad essa vicine all’interno di un repertoriobilingue, francese e italiano dando luogo a fenomeni di « ibridazione » che permettono la fissazione delladrammaturgia italiana e della pratica teatrale degli attori italiani, nella produzione francese degli autori checompogono per questo teatro : J.-F. Cailhava de l’Estandoux e J.-P. Claris de Florian. Lo studio dell’ampiezzadel repertorio e della drammaturgia italiana, considerati dal punto di vista dell’evoluzione che subiscono inseno al contesto produttivo e all’offerta rappresentativa della Comédie-Italienne, permette di rileggere la« soppressione » del genere italiano avvenuta nel 1779 come « riesistenza » e « perennizzazione » di questogenere
Die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts ist eine von dramaturgischer Forschung und Experimentierfreudigkeitgeprägte Periode, was sich in den Jahren 1760 bis 1779, Jahr der ‚Abschaffung’ des italienischen Genres,innerhalb des Programms des Pariser Theaters Comédie Italienne in der Konzeption von ungefähr 60unveröffentlichten neuen italienischen Kanevas, die von Schauspieler-Autoren der italienischen Truppe desTheaters inszeniert wurden, ausdrückt. Durch die Aufarbeitung publizistischer Quellen, die neben Kritikenund Inhalten dieser Abende auch Theaterregister beinhalten, und somit einen Zugang zum Personalbestandder Truppe eröffnen, wird in der vorliegenden Dissertation eine Rekonstruktion des Repertoires deritalienischen Schauspielerstücke sowie die Untersuchung der Dramaturgie dieser Pariser Vorstellungen derzweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts vorgenommen. Ab den 1760er Jahren verlagern sich die Szenenpraxis,die kreativen und repräsentativen Modalitäten der commedia dell’arte hin zu benachbarten Dramaturgieneines gemischten, französisch und italienischen Repertoires hin und machen Platz für hybride Phänomene,was erlaubt, die italienische Dramaturgie und die Bühnenpraxis der italienischen Schauspieler innerhalb derKomödien französischer Dramaturgen, die für dieses Theater schreiben (J.-F. Cailhava de l’Estandoux und J.-P. Claris de Florian), zu einem festen Bestandteil zu machen. Es geht also darum, die „Abschaffung“ desitalienischen Genres 1779 hinsichtlich einer „Reexistenz“ noch einmal zu überdenken, indem man denglobalen Beitrag von „italienischem“ Repertoire und „italienischer“ Dramaturgie aus Sicht ihrer Entwicklungin der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts im Kontext der Produktion und der Darstellungspalette derComédie Italienne untersucht

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Martinez-Sève, Laurianne. "Les figurines hellénisantes de Suse : contribution à l'histoire culturelle de Suse aux époques hellénistique et parthe". Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010504.

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Cinq cent vingt-neuf figurines de terre cuite provenant du site iranien de Suse et datées des époques hellénistique et parthe sont étudiées dans le but de définir quel fut l'impact de la culture grecque dans une grande ville du proche orient hellénise et de déterminer les modes de contact entre populations grecque et orientale. Les caractéristiques techniques, iconographiques et stylistiques des terres cuites sont décrites et commentées dans un catalogue, conçu en fonction des derniers développements de la recherche en matière de coroplathie et qui prend en compte les procédés de reproduction de type industriel que permet le moulage des figurines. La thèse comprend aussi un volume de synthèse organise en trois parties. Les figurines sont d'abord replacées dans leur contexte archéologique de manière à en préciser la date et la fonction. Les travaux effectués par les missions archéologiques qui fouillèrent les niveaux récents de Suse n'ont pas toujours été publiés et c'est donc l'occasion d'en présenter une étude synthétique. La deuxième partie concerne les procédés de fabrication des figurines qui sont d'abord décrits. Une comparaison avec les méthodes de fabrication plus anciennes montre que les figurines ont été produites par des coroplathes orientaux. L'étude met aussi en évidence la circulation de moules ou de figurines entre plusieurs sites de la région. La troisième partie traite de l'iconographie et du style des figurines susiennes. Elle confirme d'abord l'origine orientale des coroplathes qui adoptèrent souvent une iconographie grecque mais qui la transposèrent dans un style oriental, montre l'originalité du répertoire susien par rapport à celui des autres sites de la région et met en évidence l'importance de la culture grecque à Suse
529 figurines of terracotta dated of the hellenistic and parthian periods, which are from the Iranian site of Susa, are studied. The aim is to determine the action of the greek civilization in a great city of the near east and to examine cultural contacts between greek and oriental populations. Technical, iconographical and stylistical characters of the terracottas are discribed and commented in a catalogue which takes the evolution of the research in consideration : the use of molds allows a mechanical and industrial production of terracottas. With the catalogue, another volume is divided in three parts. First, the figurines are replaced in their archaeological context for specifying their chronology and their function. The works of the archaeological expeditions which have explored the late levels of susa had even not been published. It was interesting to present their results. The second part is about the fabrication of the figurines. If we compare the technic with the ancient ones, we can determine that the coroplasts were oriental workers. It's also possible to prove the circulation of figurines or molds from on site of the near east to another. The iconography and style of the Susian figurines are examined in the third part. The oriental origin of the coroplasts is corroborate by the fact that the workers frequently adopted a greek iconography but worked in an oriental style. The originality of the Susa's repertory and the importance of the greek culture in Susa are also showed

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Germain, Floriane. "Les visites nocturnes, l’impact de la nuit sur l’expérience de visite : le cas de la cour Marly au musée du Louvre". Thesis, Avignon, 2014. http://www.theses.fr/2014AVIG1138/document.

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Cette thèse examine l’influence de la nuit sur la réception d’une visite de musée. Elle propose d’envisager le paramètre horaire comme participant de la construction de l’expérience et plus largement du sens donné à sa visite. Or, ce rapport de la nuit à l’expérience de visite est encore peu interrogé malgré les nombreuses occasions qui permettent de visiter de nuit des institutions culturelles telles que les musées ou les monuments historiques. L’analyse phénoménologique et sémiotique de cette situation de réception permet de comprendre ce que les visiteurs vivent et ressentent au cours d’une visite nocturne. Elle révèle une variation du sens qui se construit autour de l’émergence de la nuit à la fois comme donnée physique, naturelle, dans l’exposition et comme donnée mentale dans l’état d’esprit des visiteurs. À travers l’étude comparative de la réception de la cour Marly au musée du Louvre, de jour et de nuit, c’est l’univers du discours des visiteurs qui est mis en question. Les interactions entre la nuit, les visiteurs et l’exposition marquent, par rapport à la journée, un processus de transformation du sens donné par le message de l’exposition et du sens reçu par les visiteurs. Autrement dit, le changement lumineux intervenant entre jour et nuit influence la recomposition du discours de l’exposition par les visiteurs de nocturnes. La dimension émotionnelle ainsi que la fantasmatique de la nuit interviennent dans l’interprétation du discours de l’exposition et le transforment
The aim of this work is to analyse the impact of the night on the visitors’experience. Here, the time of the day is considered as a parameter of the processof meaning building within the visitor’s experience.The link between visitors’ experience and night has not yet been thouroughlyresearched although a lot of cultural events take place at night time and provideand occasion for visiting museums.The phenomenological and semiotic analysis of the night impact, and perception,lead to the understanding of the emotional experience of the visitors during anight time visit. It reveals a variation of the meaning created by the apparition ofthe actual night in the museum and of the idea of night in the visitors’ mind.A night and day comparison of the reception of the cour Marly, in the musée duLouvre, questions the visitors’ speeches. It shows a network of interactionsbetween the night, the visitors and the exhibition which initiates a transformationof the meaning given by the exhibition and received by the visitors.In other words, the lighting modification between night and day affects thereconstruction of the exhibition’s message operated by the visitors at night. Theemotional aspect as well as the night phantasmagoria partake in the interpretationof the exhibition’s message and change it.Key words: night - reception - visitors’ experience - interpretation - - - - - phantasmagoria - night visit

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Barreau, Joëlle. "Être architecte au XVIIe siècle : Libéral Bruand, architecte et ingénieur du roi". Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2003PA040271.

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Libéral Bruand (1631-1697) fut à la fois architecte, ingénieur du roi et l'un des premiers membres de l'Académie royale d'architecture. Son grand œuvre est l'Hôtel royal des Invalides qu'il bâtit de 1671 à 1676. Par ailleurs, il a bâti des maisons et des hôtels destinés à des commanditaires aisés (aristocrates ou financiers). Il a contribué à créer la typologie de la "maison de maître" en y introduisant les innovations techniques et distributives des hôtels des années 1630-1650. Son art privilégie le respect du programme, la clarté de l'ordonnance et la sobriété de l'ornement. Cette étude est la première monographie d'un architecte emblématique de la seconde moitié du XVIIe siècle ayant cumulé toutes les fonctions du monde du bâtiment de son époque. Elle est fondée sur de nombreuses sources et archives inédites provenant notamment du Minutier central des notaires. Outre l'étude systématique des quatorze ouvrages déjà connus de l'architecte, ces recherches ont permis de lui attribuer vingt-trois œuvres supplémentaires et d'en réfuter quatre
Libéral Bruand (1631-1697) was concurrently an architect, a Royal Engineer, and one of the first members of the Royal Academy of Architecture. His great work was the Hôtel royal des Invalides that he built from 1671 to 1676. In addition, he built houses and hôtels intended for a wealthy clientele (aristocrats and financiers). He participated in creating the typology of the "maison de maître" by introducing technical and distributive innovations in hôtels in the years from 1630 to 1650. His art is characterized by a close respect of the program, clarity in planning, and sober ornamentation. This study is the first monograph dedicated to an architect who is representative of the second half of the seventeenth century and who had all the professional qualifications of the builder's milieu of his day. It is founded on abundant source material and unpublished archives, in particular the notarial records of the Minutier central des notaires (Archives nationales, Paris). Beyond the systematic study of the fourteen works that were previously credited to the architect, this research has made it possible to credit him with an additional twenty-three works and to deattribute four

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Chen, Jie. "Le théâtre et le pouvoir au XVIIe siècle : le patronage en question". Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040076/document.

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Nous avons étudié dans ce travail les manières concrètes dont s’expriment les rapports entre le pouvoir et le théâtre au XVIIe siècle, époque où cet art était déjà associé au principe de diffusion de masse lui permettant de s’épanouir indépendamment du mécénat. Étant donné que le théâtre est à la fois une pratique et une littérature, notre enquête a été menée en deux temps. Nous nous sommes d’abord intéressés aux comédiens professionnels dont la plupart ont formé des troupes portant le nom d’un grand personnage. Cette réalité qui semble a priori évidente est pourtant révélatrice. L’histoire de la troupe royale de l’Hôtel de Bourgogne en constitue un excellent exemple. D’autres troupes de moindre importance peuvent, elles aussi, entretenir des rapports étroits avec leurs protecteurs. C’est par exemple le cas des comédiens du Grand Condé auxquels nous avons consacré la suite de nos réflexions. Mais la plupart du temps, ces troupes ambulantes ne sont pas à proximité de leurs bienfaiteurs. Elles sont plutôt en contact avec d’autres instances de pouvoir, le pouvoir municipal notamment. C’est ainsi que le premier volet de notre travail s’achève sur deux études de cas consacrées à Dijon et à Bruxelles, deux destinations favorites des troupes. Après avoir étudié les comédiens, notre investigation se poursuit en se focalisant sur les auteurs de théâtre. La question des rapports entre les dramaturges et les protecteurs s’inscrit dans un vaste sujet qu’est le patronage littéraire en général. Nous avons essayé de l’illustrer à travers l’exemple du patronage de Richelieu, précédé d’une enquête préliminaire sur la question des dédicaces qui a servi tout notre second volet
We studied in this work the concrete ways in which are expressed the relations between the power and the theater in the seventeenth century, when this art was already associated with the principle of mass distribution which allows it to flourish regardless of patronage. As the theater is both a practice and a literature, our investigation was conducted in two stages. We are primarily interested in professional actors, most of whom have formed theatre troops bearing the name of a powerful man. This reality seems a priori obvious is nevertheless revealing. The history of the Royal troupe of Hôtel de Bourgogne is a prime example. Other smaller companies maintain also close relations with their protectors. This is for example the case of the theater troop of Great Condé that we studied. But most of the time, these touring companies are not close to their patrons. Rather, they are in contact with other bodies of power, especially the municipal power. Thus the first part of our work ends with two case studies on Dijon and Brussels, two favorite destinations of theater troops. After studying the actors, our investigation continues by focusing on playwrights. The question of relations between playwrights and patrons is part of a vast subject that is the literary patronage in general. We tried to illustrate it through the example of the patronage of Richelieu, preceded by a preliminary inquiry into the question of dedication who served our whole second part

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Papiez, Katarzyna. "Préserver la polonité en exil : les formes de mobilisation politique de l’Hôtel Lambert en France et dans l’Empire ottoman (1831-1853)". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL166.

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Cette thèse montre le rôle de l’Hôtel Lambert, parti politique dirigé par le prince A. J. Czartoryski depuis Paris, et de son agence, fondée par Michał Czaykowski, à Constantinople, dans la lutte pour la liberté de la Pologne. À travers la comparaison des actions politiques menées par ces deux personnages depuis la France et l’Empire ottoman dans la première moitié du XIXe siècle, se dessine l’analyse des modus-operandi de l’Hôtel Lambert, guidé par l’espoir de reconquérir l’indépendance de la patrie opprimée et de préserver la polonité à l’étranger. Cette recherche est complétée par l’étude de la politique d’accueil de la Sublime Porte, vis-à-vis des réfugiés de la Révolution hongroise qui cherchent asile sur le territoire ottoman, dans laquelle la conversion à l’islam de certains de ces exilés tient une place importante. De plus, l’analyse du transfert culturel dans les deux pays d’accueil et de la situation socio-économique des réfugiés polonais dans l’Empire ottoman permet de donner une vision approfondie de la construction des interactions de ces exilés dans leurs nouvelles sociétés. Un autre versant de cette recherche est centré sur la création de la colonie polonaise dans l’Empire ottoman, laboratoire social de la polonité en exil
This thesis shows the role of l’Hôtel Lambert, political party led by Prince A. J. Czartoryski from Paris, and his agency, founded by Michał Czaykowski, in Constantinople, in the struggle for Poland’s freedom. Through the comparison of the political actions taken by these two characters from France and the Ottoman Empire in the first half of the 19th century, emerges the analysis of the modus operandi of l’Hôtel Lambert, guided by the hope of reconquering independence of the oppressed homeland and to preserve “la polonité” abroad. This research is complemented by the study of the reception policy of the Sublime Porte, vis-à-vis the refugees of the Hungarian Revolution who seek asylum on the Ottoman territory, in which the conversion to Islam of some of these exiles holds an important place. Moreover, the analysis of the cultural transfer in the two host countries and of the socio-economic situation of the Polish refugees in the Ottoman Empire gives an in-depth view of the construction of the interactions of these exiles in their new societies. Another aspect of this research is centered on the creation of the Polish colony in the Ottoman Empire, social laboratory of “la polonité” in exile

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Bordier, Julien. "Le musée national entre principe républicain et question démocratique". Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100028/document.

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Invention révolutionnaire, le musée d'art ouvert au public est une institution qui offre un espace contradictoire, cela à plusieurs niveaux : dans les origines conflictuelles du musée, dans la validation de ses relations avec un pouvoir institutionnalisé, dans la conceptualisation de sa dimension publique. Une approche croisée de l'histoire de l'institution et de l'évolution de la question politique nous fera relever précisément ces contradictions et mettra en évidence une tension entre deux pôles antagonistes, en dialogue constant, le principe républicain et la question démocratique. Cette tension s'avère pertinente pour évoquer les musées nationaux et les politiques culturelles de la Cinquième République. On voit alors en quoi le musée national est une institution républicaine et dans quelle mesure la « démocratisation culturelle » s'articule avec la question démocratique. C'est à partir de ces réflexions que l'on peut questionner l'évolution des musées nationaux à partir des années 2000 et leur vaste mouvement de réforme. La réforme des musées nationaux se présente comme la modernisation de leur mode de gestion. Nous en analysons les effets dans deux cas significatifs que sont les musées du Louvre et d'Orsay, à partir de la dimension législative de ces mutations, de déclarations publiques des directions des établissements et d'entretiens réalisés avec des personnels de ces musées. Après avoir contextualisé/caractérisé ce mouvement de réforme, celui-ci est interrogé à partir de la tension définie plus haut entre principe républicain et question démocratique. On verra comment cette tension se reconfigure et se déplace dans un nouveau type de musée, le musée-entreprise
As a revolutionary invention, art museum opened to the public in France is an institution that offers a contradictory space, in different levels: in the conflicts of the origins of the museum, in the validation of its relation of an institutionalized power, in the conceptualization of its public dimension. Mixing the particular history of this institution with an evolution of political issue, is a way to name these contradictions. This highlights a tension between two antagonistic poles, but in a constant dialogue, republican principle and democratic question. This conflictual dialogue has to be understood as an identification process and its crisis. This tension appears relevant to analyze national museums and cultural Policy during the french Fifth Republic. Therefore, national museum seems to be a republican institution and how “cultural democratization” enunciate itself with democratic question. From these reflexions, evolution of national museums and cultural Policy since 2000, and, the large amendments they know, are analyzable. Amendment of national museums presents itself as a modernization of their management and administration, by alleviating their ministerial tutelage. We analyze these amendments effects from two examples, Louvre and Orsay museums, by studying legislative dispositions, public statements of their directorate and interviews with employees in the museums. After this amendment movement has been contextualized and defined, it is analyzed from the tension between republican principle and democratic question. It is reconfigured and shifted in a new kind of museum appearing: company-museum

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Vivien, Béatrice. "Les demeures et collections d'un grand seigneur : René de Longueil, Président de Maisons (1597-1677)". Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040195.

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René de Longueil hérita de façon imprévue et presque simultanée de la seigneurie familiale de Maisons en 1629 et de l’héritage provenant de la famille de sa femme en 1630 qu’il sut par son habileté tourner à son avantage. Il entreprit dès lors la construction d’un château neuf, confié à François Mansart ainsi qu’à l’équipe de Jacques Sarrazin, célébré comme l’une des plus belles demeures de France. Mais il ne vit l’achèvement du projet que dix années avant sa mort, faisant de Maisons un chantier permanent, celui-ci ayant été conduit en plusieurs phases successives. A Paris, il habita rue de Béthisy, dans un hôtel hérité de Nicolas Chevalier, son oncle par alliance. Sa femme Madeleine, disparue très tôt, reste une figure mystérieuse, inspirant une partie du décor du nouveau château. Il eut également à coeur d’agrandir la seigneurie par l’achat de fiefs qui constituèrent un vaste territoire dans le Pincerais, entourant quasiment le domaine royal de Saint-Germain. Descendant d’une famille de robe, il acheta les charges de président de la cour des Aides, puis de président à mortier. Durant la Fronde, il joua un rôle important d’intermédiaire entre le Parlement et la Régence. Il eut l’honneur de servir le roi comme capitaine de ses châteaux de Versailles et Saint-Germain, avant d’être nommé surintendant des finances en 1650. Exilé quelques années en Normandie, il put, à son retour en grâce, accéder au rang de marquis en 1658 et recevoir le roi et la Cour. Ses demeures de Maisons et de Béthisy renfermaient un mobilier très riche et précieux, ainsi que de nombreuses oeuvres d’art. Homme de goût, dans l’esprit de son temps, il s’intéressa aux tapisseries, aux porcelaines et aux orangers. Les poètes célébrèrent les jardins de Maisons. Il fit de l’excellence une règle en n’employant que les meilleurs artisans et domestiques. Homme puissant, riche, célèbre, il transmit un patrimoine très important et son titre de marquis
In an unexpected manner, and in a short time, Rene de Longueil inherited to the family seigneury of Maisons in 1629 and the heritage of his wife’s family in 1630 which he took advantage by his cleverness. Ever since Rene de Longueil undertook the construction of a new chateau, trusted François Mansart and Jacques Sarrazin’s team, and celebrated as one of the most beautiful residence in France. But he saw the finishing of the project only ten years before his death: Maisons was an endless building site, done one stage at a time. In Paris, he lived at rue de Béthisy, in a town house, inherited from Nicolas Chevalier, his uncle in-law. His wife, Madeleine, dead too early, stays a mysterious person who inspired the decoration of the new chateau. He had one’s heart set on extending the seigneury with the purchase of fief which constituted a huge territory in le Pincerais, surrounding nearly the crown estate of Saint-Germain. Descendant of a noble family, he baught the charges of la Cour des Aides and Président à mortier. During the Fronde, he played an important role as an agent between the Parlment and the Regency. He had the honour of serving the king as captain of his chateau in Versailles and Saint-Germain, before he’s promoted Superintendent of Finances in 1650. He lived in exile in Normandy a few years. Back in favour, he could assent to rank of Marquis in 1658 and welcoming the king and the Court. His places of residence in Maisons and Bethisy contained sumptuous and precious furniture, as well as many works of art. Man with a lot of taste and moving with the times, he took an interest in tapestries work, chinas, and orange trees. The poets celebrated the gardens of Maisons. Excellence became his rule employing the best craftmens and the best servants. Powerful, rich and famous man, he transferred a considerable heritage and his title of Marquis to his descendants

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Rocher, Yves-Marie. "Le musée de l’Armée et ses collections sous la Troisième République". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL163.

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La création officielle du musée de l’Armée au sein de l’Hôtel des Invalides se fait en 1905 du regroupement de deux établissements préexistants, le musée historique de l’Armée et le musée d’Artillerie. Ce faisant, ce sont deux conceptions des collections d’objets militaires qui se regroupent sous une même tutelle. Alors que l’un est avant tout un musée des techniques, soucieux de retranscrire les évolutions de l’armement au fil du temps, l’autre cherche à transmettre au visiteur un sentiment de grandeur nationale intemporelle dont l’armée est le ciment et le reflet. Cette double ascendance va être au cœur des questionnements sur la muséographie et les choix relatifs à la collection durant toute la vie de l’établissement. La place de la mémoire va notamment être un enjeu permanent. Les premiers temps de mise en place de ce grand musée s’arrêtent avec la Grande Guerre qui voit à la fois le musée ralentir son activité et connaître une grande affluence avec l’exposition des trophées et des peintures réalisées sur le front. Cet épisode si particulier de la vie de l’établissement va initier la création de nouvelles salles dès 1915 et donner au musée l’ambition d’être un lieu phare de la mémoire du premier conflit mondial. Cette aspiration se heurte à la fois aux moyens limités du musée alloués par le ministère de la Guerre et à l’expression même de ces commémorations. L’obtention de l’autonomie financière du musée en 1928 va transformer l’établissement qui s’inspire alors des collections privées. Séparant nettement les parties consacrées à la mémoire de celles montrant la collection, l’établissement se donne alors une politique qui perdure au-delà du second conflit mondial
The official creation of the French Army Museum in the Hotel des Invalides occured in 1905, gathering two pre-existent establishments, the Army historic museum and the artillery museum. In so doing it is two conceptions of the collections of military objects that group together under the same administration. One was a museum of techniques, eager to retranscribe the evolutions of the armament over time, the other one tried to transmit to the visitor a feeling of timeless greatness of the french nation symbolized by its Army. This double ancestry is going to be the core of questionings on the museography and the choices relative to the collection during all the life of the establishment. The place of the memory is going to be a permanent stake. The first stages of implementation stopped with the Great War, which saw at the same time the museum slowing down its activity and knowing a big influx with the exhibition of trophies and paintings realized on the battlefield. This episode, so peculiar in the life of the establishment, is going to impulse the creation of new rooms from 1915 onward. Then the Army museum had the ambition to be a key place of the memory of the first world conflict. However this will had to cope with two major difficulties. First, the war ministry didn’t provide enough fees and furthermore the expression of these remembrances after 1918 left the Invalides for other places. In 1928, while the museum obtained its financial autonomy, all the display were changed in a way close to the private collections. Separating the parts dedicated to the memory of those showing the collection, the establishment gave itself a policy which continued beyond the second world conflict

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Esposito, Donato. "The artistic discovery of Assyria by Britain and France 1850 to 1950". Thesis, University of Plymouth, 2011. http://hdl.handle.net/10026.1/553.

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This thesis provides an overview of the engagement with the material culture of Assyria, unearthed in the Middle East from 1845 onwards by British and French archaeologists. It sets the artistic discovery of Assyria within the visual culture of the period through reference not only to painting but also to illustrated newspapers, books, journals, performances and popular entertainments. The thesis presents a more vigorous, interlinked, and widespread engagement than previous studies have indicated, primarily by providing a comprehensive corpus of artistic responses. The artistic connections between Britain and France were close. Works influenced by Assyria were published, exhibited and reviewed in the contemporary press, on both sides of the English Channel. Some artists, such as Gustave Doré, successfully maintained careers in both London and Paris. It is therefore often meaningless to speak of a wholly ‘French’ or ‘British’ reception, since these responses were coloured by artistic crosscurrents that operated in both directions, a crucial theme to be explored in this dissertation. In Britain, print culture also transported to the regions, away from large metropolitan centres, knowledge of Assyria and Assyrian-inspired art through its appeal to the market for biblical images. Assyria benefited from the explosion in graphical communication. This thesis examines the artistic response to Assyria within a chronological framework. It begins with an overview of the initial period in the 1850s that traces the first British discoveries. Chapter Two explores the different artistic turn Assyria took in the 1860s. Chapter Three deals with the French reception in the second half of the nineteenth century. Chapter Four concludes the British reception up to 1900, and Chapter Five deals with the twentieth century. The thesis contends that far from being a niche subject engaged with a particular group of artists, Assyrian art was a major rediscovery that affected all fields of visual culture in the nineteenth century.

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Houël, Bruno. "Les pays nordiques vus du quai d'Orsay : aspects diplomatiques et militaires, 1949-1962". Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100058.

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Dobbie, Leona. "Le Maintien de la Vie dans la Ville: Maintaining Life in the City". Thesis, 2009. http://hdl.handle.net/10012/4581.

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Streszczenie:

Paris’ population, throughout its modern history has sculpted a unique urban culture for itself. An ambiguous realm between the intimate and the public has evolved as a result of the political and economic influences experienced by the residents and immigrants in this city. Within this realm there is a typology and morphology that has a unique capacity to support both intimacy and privacy. This realm has the capacity to extend and restore a dimension of public space and experience that was eroded by the modern rushing stream. The morphology, while extending the public also frames the thresholds that are needed to maintain a sense of private and intimate space. My interest in historical typologies and the reuse of existing buildings for contemporary living led me to choose a vacant building in Paris as the site for a rehabilitation project. I began this project with a historical study of Paris. The trends in Paris’ residential architecture and urban development from 1528 to present day coupled with my experiences of living and working there, made up the background for this thesis. There was one dialectical theme that continually recurred throughout my research: The desire and necessity of public life contrasted by the yearning to retreat and protect the intimate, private life. The recognition of this theme helped me to form a better understanding of the individuals that make up the collective population of Paris and how their perceptions of personal space require certain thresholds to maintain their sense of comfort and security. The project that resulted was an attempt to mediate the distinct perceptions of this dialectic. The rehabilitation of the derelict building and the projected possibilities for rest of its block were meant to reconcile the display and retreat that characterized the renaissance period with the transparency that was introduced by modernity into Paris’ city centre in the 19th and 20th centuries.

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Rozprawy doktorskie na temat „Hôtel du Louvre (Paris)”

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