Rozprawy doktorskie: „Psychanalyse et arts”

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Lageira, Jacinto. "Miscellanées esthétiques : psychanalyse, sémiotique, phénoménologie : de quelques influences sur les théories des arts plastiques". Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010605.

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Streszczenie:

Trois disciplines extérieures au champ de la pensée esthétique se sont intéressées tout au long du XXè siècle à l'art et aux théories de l'art : la psychanalyse, la sémiotique et la phénoménologie. Le présent travail est une démarche à la fois historique et critique qui cherche à évaluer quelles furent leurs incidences et leurs influences sur les théories de l'art (esthétique, histoire et critique d'art). Bien que partant le plus souvent des disciplines el,les-mêmes et des auteurs qui ont produit une réflexion sur l' art, ou encore d ' auteurs qui, sans provenir aucunement de ces disciplines, ont pu recourir à la psychanalyse, à la sémiotique ou à la phénoménologie, il s ' est agit de traiter de certaines problématiques communes (compréhension, interprétation, évaluation) du point de vue de l'esthétique, et de voir quels furent les apports ou les impasses de ces disciplines comparativement à l' esthétique. Le point de vue esthétique ici adopté est celui d'une " rationalité esthétique " prise comme le cadre théorique de référence à l'aune duquel sont mesurées les questions soulevées par les trois disciplines.

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2

Sciberras, Roger. "Psychanalyse et esthétique : recherches sur la pensée esthétique de Jacques Lacan". Paris 10, 1991. http://www.theses.fr/1991PA100057.

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Manifeste chez Freud, la théorie psychanalytique de l'esthétique est latente chez Lacan. Celle-ci doit donc être restituée par un travail de recherches. Ce dernier s'articule autour de l'idée freudienne que la création esthétique procède d'un manque, soit ici la libido prégénitale mise hors-circuit par le refoulement et que la sublimati0n convertit en jouissance artistique. A cet égard, quatre dispositifs théoriques sont isoles, qui scandent le parcours de Lacan. Le premier est celui de l'intersubjectivité, qui n'est pas porteur d'une esthétique : parce que la coupure ou il est pris entre l'imaginaire et le symbolique est une division qu'il surmonte, le sujet lacanien n'est pas, de structure, un sujet voue à la sublimation artistique. Le deuxième moment pris en compte est celui qui met l'accent sur la faille dont l'autre est affecté et où le sujet a sa place comme manque-a-être signifiant. Une esthétique de l'autre en est solidaire, qui revêt la forme d'une poétique qui ne doit rien à l'esprit du poète non plus qu'à son incarnation car la structure de l'autre suffit à la construire. Le troisième dispositif retenu est celui de la jouissance dont la déperdition est constitutive du sujet comme manque-a-être réel. Il débouche sur une esthétique de la jouissance qui s'ordonne autour d'un hors-signifie dont la constitution est le fait de la sublimation pulsionnelle. Enfin, il est montre comment la poétique de l'autre et l'esthétique de la jouissance se conjuguent autour de la double béance au sein de l'identité a soi qui caractérise le sujet
The psycho-analytic theory of aesthetics which is dovious in freud's work is less evident in lacan's. So it needs investigation to puit to evidence. This investigation takes the freudian : idea of lack as a basis, this lack being here pregenital libido inhibited by repression and tumed into artistic enjoyment. Four theoretical devioes must be distinguished in lacan7s work. The first one is intersubjectivity. It has not consequences on the field of aesthetics : as this device can overcome the division constituted by gap between imaginary and symbolics in which it is located, the lacanian subject is not, by structure, dooned to artistic sublimation. The second device puts the point on the other's defect where the subject takes place as a signifying "lack of being". The other's aesthetics takes place here as poetics. This poetics has nothing to do with the poet's mind neither with its incarnation because the other's structure is enough to build it. The third device is enjoyment the loss of which makes the subject as a reel lack of being. It drives to aesthetics of enjoyment which takes as a basis, the "out-signified" built by instinctive sublimation. Last, the research shows how the other's poetics and the aesthetics of enjoyment are combined in the double gap in self-identity by witch the subject is charaterized

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3

Dessus, de Cérou Marie-Agnès. "Le desir a l'oeil dans l'art pictural ou la question de "la femme" dans l'oeuvre de joan miro". Paris 7, 1998. http://www.theses.fr/1998PA070080.

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Visionner l'epoque surrealiste conduit au centre de la creation artistique ou le mouvement, les pratiques, les pensees liberatrices font partie d'une ideologie existentielle a la recherche du vrai desir. A paris, mira aura un "choc" en decouvrant avec emerveillement ce monde de l'art dont il pratiquera les methodes. Eternel revolte, toujours en lutte entre principe de plaisir et principe de realite, le peintre vit d'illusion dans la folie des grandeurs, et travaille sans cesse pour ne pas s'ecrouler. L'oeuvre a pour enjeu le phallus : eviter a tout prix l'angoisse de castration ou la rencontre avec la chose, revelatrice du manque d'objet. Du deni de la castration, miro recherche d'une facon obsedante la purete de "la forme-mere", tout au long de son oeuvre, qu'il consacre a "la femme" comme enigme du feminin, et qui pose la question : qu'est ce qu'une femme? la toile finie, par une injonction, miro appelle l'autre : "vois!" devant les veux qu'il captive, le regard est fascine. L'inquietante etrangete rencontree dans l'oeuvre ou se presentifie "l'oeil" semble se substituer a la chose maternelle, jusqu'a mettre le regard en souffrance comme dans l'experience faite avec des etudiants. Selon l'appartenance sexuelle, les reactions different devant l'oeuvre, support de la scene primitive. Comment se deroule la dynamique du regard a partir de l'experience du miroir ou deux personnes l'artiste et le spectateur ont pour enjeu l'objet a, le langage de la phenomenologie du visible et de l'invisible? quelle serait l'articulation du desir entre l'objet deja perdu et l'objet a, dans sa fonction de "piege a regard" lacanien? comment le regard pervers impose-t-il la jouissance esthetique de cet exces de reel? enfin, comment l'homme et la femme sont-ils determines par la fonction phallique et la loi de la castration, a la question du feminin?
Viewing the surrealist period leads to the centre of the artistic creation where changes, customs and liberating thought are part of an existential ideology in search of the real desire. In paris, miro is truly amazed discovering this world of art which methods he will practice. Everlasting rebel, he is always in struggle between two principles : pleasure and reality ; the artist lives on illusion in delusion of grandeur and constantly works in order not to collapse. Phallus is the stake of his works : avoiding at any price the castration's fear and the meeting with the thing which is revealing of the lack of object. By refusing castration, miro is obsessed by the search for + mother form ; purity. In his whole works, which is dedicated to + woman ;, regarded as an enigma, he asks the following question: + what's a woman? ;. Once his painting achieved, miro orders the other to see. This one is fascinated. The disturbing strangeness, met in miro's works where the eye is omnipresent, seems to replace the maternal thing and it goes so far as to put the glance in suffering, as it was already proved in an experiment made with students. Reactions to the works - support of fantasy- are different, depending on sex identity. How does the eyes react to the mirror experiment when two persons, respectively the artist and the spectator, have as a stake the a object which is the language of the so called phenomenology of visible and invisible? what would be the desire connection between the lost object and the a object, when it acts as a + glance trap ; (the principle elaborated by lacan, a french psycho analyst)? how does the vicious look impose the aesthetic pleasure of that over reality? at least, how are men and women determined by both phallic function and castration law to the question of feminine?

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Doremus, Laurence. "L'objet porteur de sens : les représentations symboliques de la culture matérielle". Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC023.

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La thèse que nous proposons ici articule psychanalyse et anthropologie culturelle dans leurs fondations. Les fondements épistémologiques de chacune des deux disciplines sont posés et les liens entre les deux disciplines questionnés. L'image occupe une place importante dans la psychanalyse, et nous proposons une méthode d'investigation d'analyse de discours monographique ayant lieu devant une image de nature ethnographique. Le discours et son analyse nous permettra de comprendre comment l'articulation entre les deux disciplines est réalisable dans une clinique contemporaine, et comment émergent des symboles et un inconscient de nature collective
This thesis proposes an articulation between cultural anthropology and psychoanalysis. The epistemological foundations and the links between each one of the two sciences are exhibited and questioned. The image has an important place in the psychoanalysis, and we propose in the methodological part, which is based on the analysis of one participant who talks in front of an ethnographical image. The knowledge extracted from the speech of this person allows us to understand how the articulation between the two disciplines is possible toward a contemporary clinical analysis, and how are growing symbols, and an collective unconscious

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Lidor-Izcovich, Anita. "Les mains et les manières". Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080809.

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Ce sont les mains et les manieres etudiees dans la peinture manieriste au 16e siecle, qui nous ont permis d'approcher la defintion de l'acte createur dans la psychanalyse, a partir des references de freud et lacan. Il nous est apparu une premiere question, celle de la puissance de l'image dans la peinture manieriste. Des axes de recherche se sont alors presentes : qu'en est-il de l'objet regard dans la pulsion scopique ? d'ou provient la fascination ? pourquoi la peinture fait-elle appel a la beaute, produit-elle des emotions, engendre-t-elle une croyance ? nous avons alors aborde ces questions a partir d'autres concepts, tels que la representation, le signifiant, le phallus et le semblant. C'est a partir de ces nouvelles notions, que nous avons alors decouvert un autre versant de l'acte createur, celui du reel. C'est ainsi que nous avons pu voir comment l'acte createur mettait en tension ces deux poles, a savoir, la puissance de l'image et le reel.

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Gobbato, Gilberto Genova. "Essai pour une clinique de l'objet art". Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081314.

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La these "essai pour une clinique de l'objet art" tente de demontrer l'equivalence entre l'objet petit a, enonce par jacques lacan, et l'idee de l'art. Pour ce faire, nous partons de l'approche freudienne de l'art, a savoir l'art considere en tant que formation de l'inconscient, pour, avec lacan, donner a l'art la valeur de l'objet de la psychanalyse. Considerer l'art en tant que formation de l'inconscient signifie qu'il peut etre dechiffrable au meme titre que les symptomes, les reves, les lapsus ou les mots d'esprit. En effet, au travers de la methode analytique d'interpretation nous pouvons estimer les forces psychiques mises en oeuvre dans la creation et les traits de la structure psychique de l'artiste. Lacan a aussi pratique l'approche de l'art par la voie du symbolique pris en tant que formation de l'inconscient. Toutefois, et particulierement dans la mouvance du seminaire "le sinthome" (1975) lacan, en partant de l'oeuvre de james joyce, accomplit l'inscription de l'art dans la categorie du reel.

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Pezzi, Parode Fabio. "L' art et les nouvelles technologies : une réflexion sur le pouvoir et les enjeux de domination sociale". Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010508.

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Dans le sillage de Spinoza, Nietzsche, Foucault, Deleuze, Guattari, Marcuse et Adorno, nous avons tenté une analyse du système de r art, avec pour problématique de fond le pouvoir, le capitalisme et la désublimation. Cette thèse questionne le processus de dématérialisation, mais aussi de virtualisation en phase avec les avancées technologiques et les nouveaux idéaux économico-politiques, ceux de la mondialisation. L'art affirmerait-il dans son discours contemporain dominant ]a négation du corps et celle du champ social, où jouerait-il de façon déterminante la division du travail et la formation d'une hiérarchie vis à vis de la structuration de la cité? On a conclu que le système de l'art est garant du renouvellement dans le plan imaginaire et perceptif de trois matrices dominantes: l'Œdipe, la sélection et la concurrence.

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Brunel, David. "Corps et visage de l'image photonique : (la photographie vue de dos)". Montpellier 3, 2008. http://www.theses.fr/2008MON30041.

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Le thème général de cette thèse relève d’un partage, d’un dédoublement de l’image photonique. Cette dernière est présentée comme une chose géminée prise en étau entre fond et forme, face et dos, surface et profondeur, répartie entre copie et simulacre, support (corps de l’image) et surface (visage de l’image). Cette dualité, positionnée à l’interface de l’apparence et de l’apparition, de l’imitation et de l’imagination, induit un incurable tiraillement esthétique, une résistance théorique, une tension dans la représentation dont nous avons tenté de rapporter l’expérience (et de récolter les fruits). C’est à partir de ces points de rencontre, d’achoppement, d’instabilité, que l’image a été réfléchie. La procédure employée, d’obédience phénoménologique, s’apparente approximativement à un transplant de la photographie au sein de divers champs esthétiques (diversement orientés par l’ontologie, la poésie, la mythologie, la psychanalyse…) pour en constater l’acclimatation et/ou le rejet. Les opérations qui en découlent orchestrent un profond réexamen, en même temps qu’une redistribution statutaire, des critères estimés intrinsèques et essentiels de l’image photonique. Le possible glissement de l’eidos qui en découle : de la chose représentée (référent), l’Idée de la chose à connaître se tourne vers la chose représentante (médium), nous a permis de spéculer sur une photographie en tant que métaphore d’elle-même. Ces rotations esthétiques nous ramènent sans cesse vers l’ultime et premier lieu de forge du rapport aux choses représentées, à savoir : la représentation elle-même (cf. Exégèses de fin). L’ensemble de notre recherche se déploie sur un fond thématique sporadiquement perceptible dont les caractéristiques sont pensées comme symptomatiques du médium, il s’agit du retournement, de l’inversion, de la répétition et, principalement, de l’ambivalence
The overall theme of this thesis relates to the division of the photonic image. The picture is seen as a twofold entity, caught between meaning and appearance, front and back, surface and depth, something halfway between copy and simulacrum, backing (body of the picture) and surface (face of the picture). This duality, interface of appearance and apparition, imitation and imagination induces an aesthetic questioning, a theoretical resistance, a tension in the representation that this work attempts to capture and analyse. It is from these obstacles, these unstable and stumbling encounters that the picture has been reflected upon. The process, in a phenomenological method, consists approximately in a transposition of the photography to the core of various aesthetics grounds (focused differently by ontology, poetry, mythology, psychoanalysis. . . ) stating its acceptance or rejection. The subsequent operations implies thorough re-examination, along with a statutory redistribution of the supposed intrinsic and essentials criteria of the photonic image from which a shift of the eidos is possible – the Idea of the element to be known moving from the represented element (referent) towards the representing element (medium). This swing has allowed us to speculate about a photography as a metaphor of itself. These aesthetic rotations endlessly take us back to the primeval place where the relations to the representations are created, i. E. The representation itself (see final exegesis). The whole of our research spans a sporadically perceptible thematic background, the characteristics of which are thought as symptomatic of the medium. It deals with reversal, inversion, repetition and above all ambivalence

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Peretti, Pascale. "La "ritualité héroïnomaniaque" : à propos d'un mode d'initiation à la négativité". Montpellier 3, 2008. http://www.theses.fr/2008MON30048.

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Streszczenie:

Loin de pouvoir être ramené à cet unique désir, mortifère, de retrait du sujet sur un narcissisme quasi-absolu, qui semble d'abord l'animer, le modèle d'expérience héroïnomaniaque pourrait se présenter comme une tentative, pour des individus placés dans des situations liminaires, d'interroger la question de leur appartenance à "la communauté des vivants". Comme dans le phénomène de la liminarité rituelle, c'est dans un mouvement de retournement subjectif et social vers leur simple "vie nues" - à travers cette épreuve désubjectivante et désidentifiante de "mort symbolique" que semble représenter la "descente aux enfers" - que les toxicomanes, fondamentalement exposés à la perte et au risque mortel, interrogent les fondements de la communauté dans laquelle ils tentent peut-être violemment de s'inscrire. Le rapport du sujet contemporain à sa "vie nue", par ses potentialités radicalement altérisantes, se présentant comme une nouvelle forme, postmoderne, du rapport au Sacré
The model of the heroin-addiction experience, far from reducible to this sole, death-bearing, desire of the subject's retreat to a quasi-absolute narcissism, that seems at first to motivate it, could appear as an attempt, for individuals in liminary situations, to question their membership in "the community of the living". As in the phenomenon of ritual liminarity, it is within a move of subjective and social reserval towards their simple "bare life" - through the de-subjecting and de-identifying experience of "symbolic death" that seems to be present in their "descent into hell" - that the drug addicts, fundamentally exposed to loss and mortal risk, question the foundations of the community that they are trying, perhaps violently, to join. The rapport of the contemporary subject with their "bare life", due to radically otherising potentialities, appears as a new, postmodern, type of connexion to the Sacred

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Hobson, Mary Daniel. "Blind insight : three routes to the unconscious in the photographs of Dora Maar /". Albuquerque : M. D. Hobson, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb392994452.

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Jang, Mee-Ran. "Passage entre rêve et réveil : l'intemporel de la mode entre arts plastiques et design". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010598.

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Streszczenie:

Cette thèse a pour objectif d'analyser et de définir une intemporalité de la mode en arts plastiques à travers mes médiums : la mode plus particulièrement, la robe. Considérant le caractère destructif temporel et la valeur d'anticipation de la mode selon W. Benjamin et le fait que la robe est la frontière mouvementée d'une femme avec l'Autre-femme selon D. Sibony, la mode semble issue d'un jeu : créer, transformer et détruire-reconstruire des images enchanteresses pour une réalité visible temporelle dans les passages du rêve. A partir de ce qui est défini comme manqué dans un vécu personnel comme processus mnémoniques ; si la mode joue le temps, élabore des images souvenir-souhait sur le corps et pour la conscience de la réalité manquée - comme le jeu de l'après sa perte inéluctable juste avant qu'elle n'arrive - ces manqués pourraient s'appliquer au domaine de la mode actuelle dans ses propres anticipations, par ses applications multiples et leurs fonctionnements dialectiques qui se rapporte ici à la robe. Ainsi la robe apporte une des réponses à la question d'un manque intentionnel du temps qui ouvre sur l'intemporel de la mode où les rêves engagent de nouveaux processus dialectiques. Pour combien de temps la mode peut-elle profiter de ces images enchantées du rêve ou de la mémoire du rêve? Comment une mode manifesterait ce moment intense [temps-dense : tendance] ? Avec la question de l'intemporel de la mode, il s'agit de construire et de multiplier le manque temporel jusqu'à l'atemporalité de ce manque dans une mise en scène élargie avec les images réelles des matières, dans le procès de création de la robe, des robes et des robes costumées.

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Bouvard, Émilie. "Violence de l'art des femmes, 1958-1978 : surréalisme, psychanalyse et féminisme". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H039.

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Streszczenie:

Notre recherche porte sur un corpus d' œuvres réputées violentes produites par des artistes femmes au cours des années 1960 et dans la première moitié des années 1970. Ces pièces marquent une entrée fracassante des artistes femmes dans l'art, alors qu'elles y sont largement marginalisées. La première pa11ie démontre qu'après des années 1950 qui voient s'épanouir des pratiques abstraites quelque peu ouvertes aux femmes, les années 1960 marquent une aggravation de leur condition et un moment de moindre visibilité, dans le contexte de succession rapide des mouvements et d'expansion du marché.La seconde partie pose la question de l'affect et de leur usage de la psychanalyse dans un esprit de dépassement du surréalisme. La troisième pa11ie montre l'importance de la figure d' Artaud et du fou à l'œuvre dans un lecture politique et anarchiste de l'art corporel. Enfin, la demi ère partie énonce un paradoxe : l'art féministe n'est pas violent et rejette la violence; les pratiques les plus agressives sont le fait, toujours, d'artistes isolées ou transféré du côté du para-artistique .. Mettant en valeur la persistance de courants« chauds» en parallèle de mouvements réputés froids, ce travail invite à un infléchissement dans la définition des grands courants des années 1960 et 1970. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …
Our research deals with a group of works produced by women artists between 1960 and the first half of the 1970s. These pieces constitute the impressive apparition of women in art, though they are still largely marginalized. The first part of our study shows that, whereas the 1950s were a time for abstract practices still relatively open to women, in the 1960s their position as artists become more difficult and they Jack more visibility in the context of the succession of new "avant-garde" movements and the expansion of the market. The second part deals with the issue of "affect" et of the use they make of it, and of psychoanalysis, in a challenging spirit with surrealism. The third part focused on anarchy, anti-psychiatry, the figure do the "fool" and Antonin Artaud in the context of happenings and body art. The last part enounces a paradox: feminist art is non-violent; the most aggressive practices are by isolated women or transfered I para-artistic actions. Showing the persistence of "warm" trends within "cool" "avant-garde" movements, this study advocates for a move in the characterization of the great art movements of the 1960s and the 1970s. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …

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Roose-Debut, Marie-Clotilde Wunenburger Jean-Jacques. "Désir d'être et parole poétique". Lyon : Université Lyon 3, 2006. http://thesesbrain.univ-lyon3.fr/sdx/theses/lyon3/2006/roose_mc.

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Borges, Fabiola Graciele Abadia. "Vers une rythmique des corps parlants : résonances entre psychanalyse et danse contemporaine". Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080045.

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Streszczenie:

Le corps est le thème central de cette investigation interdisciplinaire dévelopée entre la psychanalyse, référencée surtout dans Freud, Lacan et Dolto, et l’art, notamment la danse contemporaine. L’objectif est d’étudier comment la résonance entre les corps se produit, celle-ci évoquée comme l’adressage qu’un corps parlant fait à d’autres corps parlants, dans le contexte de malentendus propres au langage et ses restes irreprésentables. Par l’investigation des perspectives de corps saisies dans le cadre de la psychanalyse et la danse contemporaine, nous présentons que les deux domaines ont été responsables des opérations de déconstruction de l’individualité corporelle imaginaire, indiquant que le corps ne doit pas être pris comme quelque chose d’hermétiquement fermé sur lui-même, mais comme espace paradoxal pour la danse contemporaine et corps pulsionnel pour la psychanalyse. Ainsi, le corps ne se confond pas avec l’anatomie, ni se délimite par la peau ou l’etendue des mouvements, mais doit être abordé dès sa dimension relationnelle, comme quelque chose qui se construit et s’actualise dans l’espace de l’Autre. Dans cet espace, la psychanalyse évoque les mots et perceptions subtiles, et la danse contemporaine évoque le geste, comme des moyens par lesquels il est possible de reconnaître l’établissement d’un rythme, construit et capté par les corps en état de présence vivante, ouvert à l’imaginaire qui s’articule au symbolique et au réel. Notre thèse est que la résonance entre les corps concerne l’instauration d’une rythmique qui se fait par des moyens subtils, allant de la prosodie de la voix à l’évocation des sens présents dans les gestes, quand adressés à l’Autre
The body is the central theme of this interdisciplinary investigation between psychoanalysis, mainly referenced in Freud, Lacan and Dolto, and art, more specifically, contemporary dance. The objective here is to investigate how the resonance between bodies is processed. The term resonance is evoked in reference to the addressing that a talking body makes to others, in the context of the language’s own misunderstandings and its unrepresentable remnants. Through the investigation of the body perspectives learned in the context of psychoanalysis and contemporary dance, we present that both theoretical and practical fields were responsible for deconstruction operations of the imaginary body individuality, indicating that the body should not be taken as something hermetically closed but as a paradoxical space for contemporary dance, and as a pulsional body for psychoanalysis. In this sense, the body is not confused with anatomy nor is it bounded by the skin or range of movement, it must be approached from its relational dimension, as something constructed and renewed in the dynamic space of the Other. In this space, psychoanalysis evokes words and subtle perceptions, and contemporary dance evokes gesture, as a means by which it is possible to recognize the establishment of a rhythm, constructed and captured by bodies that are in a state of living presence, open to the imaginary that articulates to the symbolic and to the real. Thus, our thesis is that the resonance between bodies refers to the instauration of a rhythm that is processed by subtle means, that range from prosody to the evocation of senses present in gestures, when addressed to the Other

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Faucquez, Marie. "Les fables d'Ernest : sur les états-limites en art". Amiens, 2011. http://www.theses.fr/2011AMIE0005.

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Lavest-Bonnard, Audrey. "Proposition pour une analyse de la création chez Schönberg et Picasso : musique, peinture, psychanalyse". Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040198.

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Streszczenie:

Cette thèse propose de mettre en comparaison musique et peinture à travers l'analyse de l'acte créateur chez Schönberg et Picasso. Nos hypothèses s'appuient sur la description des trois phases de la création par le psychologue Anton Ehrenzweig dans son ouvrage "L'ordre caché de l'art" et sur le fonctionnement du travail de rêve explicité dans "L'interprétation du rêve" de Sigmund Freud. Ainsi, nous comparons d'une part, l'évolution de la création de Schönberg et de Picasso - notamment les courants cubiste et dodécaphonique sériel - en fonction des quantités d'élaborations primaire et secondaire entrant en jeu dans les mécanismes psychiques de la création. D'autre part, nous montrons l'impact que ces processus primaires et secondaires peut avoir sur les matériaux choisis pour exprimer leur intentions artistiques, ces processus variant tout au long de l'existence créatrice. Les mécanismes du travail de rêve permettent d'apporter un nouvel éclairage sur l'organisation de la structure interne de l'œuvre d’art moderne, tout en contournant les tentatives controversées d'équivalence entre les arts
This thesis proposes to compare music and painting through an analysis of the creative act as expressed by Schönberg and Picasso. Our hypotheses are based on the description of the three phases of creativity by the psychologist Anton Ehrenzweig in his work The hidden order of art and on the functioning of the dream work as set forth in Sigmund Freud’s The interpretation of dreams. We thus first compare how Schönberg and Picasso's creativity evolved - notably the Cubist and serial dodecaphonic movements - according to the extent of the first and secondary elaborations coming into play in the creative psychic mechanisms. Secondly, we show the impact that these primary and secondary processes can have on the materials chosen to express their artistic intentions, these processes varying throughout the creative life. The dream work mechanisms allow new light to be shed on the organisation of the internal structure of works of modern art, while circumventing controversial attempts to establish equivalence between the arts

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Guyonnet, Christian. "Analyse du mouvement pulsionnel dans la création picturale chez l'enfant et l'adolescent". Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20038.

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Streszczenie:

Ce travail a pour objectif de montrer que le fait de placer des enfants et des adolescents dans un cadre qui n'est plus celui du "dessin d'enfant", cadre ou nulle consigne graphique n'est donnee, amene ces enfants, dans une majorite des cas, a quitter le domaine de la representation. Nous entendons ici le mot representation comme ce qui evoque la realite exterieure dans l'art. En d'autres termes, qu'avec la peinture, mais une peinture un peu particuliere dont le modele n'est plus la figuration, l'enfant abandonne le domaine du recit, du discours de l'ecriture d'un fantasme, pour passer a une expression picturale beaucoup plus materiele. Cette expression se rattacherait non pas aux processus secondaires, c'est a la liaison d'une energie dans un systeme de lisibilite, mais aux processus primaires, dont elle serait un equivalent possible. Peinture energetique, elle n'a plus sa raison d'etre dans ce qu'elle represente, dans la realite dont elle est sensee etre le reflet, mais en soi, dans la figure elle meme. D'un point de vue economique, entendu au sens freudien du terme, cette peinture correspondrait a une decharge pulsionnelle dont la liaison ne s'organise pas a l'interieur d'un systeme discursif systeme de representation, mais sur un mode aleatoire selon la somme d'excitation ou "quatum" d'affect decharge dans une traduction picturale.

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Catoire, Marie-Paule. "Le choix des mots, leur sexe, et leur mélancolie : Monsieur Degas". Montpellier 1, 1990. http://www.theses.fr/1990MON11157.

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Coletta, Elisa. "Hubert Damisch : pour une perspective oblique dans la production d'un historien et philosophe de l'art". Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0039.

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La recherche vise à esquisser le profil intellectuel d’Hubert Damisch, à travers une analyse de sa production et une description du milieu dans lequel il travaille et des rapports qu'il a établi avec d'autres savants de son temps. Après une analyse de sa formation qui vise à définir les matrices théoriques de sa pensée, la recherche décrit un parcours à travers ses textes voué à relever les traits spécifiques de sa pensée. Des premiers essais consacrés à l'art contemporain aux textes des années Quatre-vingt-dix placés sous le label de l'iconologie analytique, l'analyse reconstruit la recherche d'un auteur qui n'a cessé de mettre en perspective les disciplines différentes ; qui a fait de la conscience qu'il y ait une pensée au travail dans l'art le point de départ d'une série d'études où la considération du rôle que l'art joue dans l'horizon de la connaissance se noue à Ia conscience de la capacité des œuvres de signifier à travers la spécificité visuelle de leurs instruments ainsi que d'agir au-delà du temps dans lequel elles ont été crées. Le caractère oblique de la recherche indiqué le titre renvoie au point de vue sémiotique à partir du quel on a choisi de conduire l'analyse. L'exigence de vérifier la réception italienne de cet auteur -connu surtout dans le milieu sémiotique, c'est avec le label du sémioticien que l'histoire de l'art italienne circonscrit sa pensée -nous on induite à faire de la réflexion sémiotique de cet auteur le point de départ d'un parcours voué à dévoiler les matrices de sa position sémiotique, et dans une perspective plus générale à reconnaître les raisons et les racines du travail de Damsich en tant que historien et philosophe de l'art
The search is aimed at outlining Hubert Damisch's intellectual profile, through an analysis of his work and a description of the environment in which he works and the relationships he has established with other scholars of his time. After an analysis of his background that aims at defining the abstract matrices of his way of thinking, the search describes a path through his texts devoted to pointing out the particular features of his ideology. From the initial trials devoted to contemporary art in the texts of the Nineties given the label of analytical iconology, the analysis has recreated the search of an author who never stops putting the different disciplines into perspective; one who, so there was an ideology in the way of working art, made awareness the starting point of a series of studies where the reflection of the role that art plays in the prospects for acquiring knowledge takes shape from an awareness of works' ability to have meaning through the visual specificity of their instruments as weil as to act beyond the time in which they were created. The sidelong nature of the search indicated in the heading sends you back to the semiotic point of view from which you choose to conduct the analysis. The requirement to check how the Italians receive this author -known above ail in the semiotic milieu, it's with the label of semotician that the history of Italian art defines his way of thinking -leads us to make a semiotic reflection about this author the starting point of a path devoted to unveiling the matrices of his semiotic position, and in a more general outlook to recognise the reasons and the roots behind Damsich's work as an art historian and philosopher

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Roux-Faure, Lydie-Camille. "Les "leçons des ténèbres" : Torah, identité, peinture". Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010609.

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Prevoteau, Sébastien. "L’œil post-moderne : pour une approche psycho-historique de l'oeuvre d'art contemporain". Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100191.

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Situé à l'articulation de l'art et de la psychanalyse, ce travail tisse des liens entre l'oeuvre de Marcel Duchamp et l'enseignement de Jacques Lacan suivant 3 axes. Selon des modalités propre à leur champ de pensée est repérée chez l'artiste et le psychanalyste une approche parallèle du langage en tant qu'instance préexistante à l'avènement du sujet parlant. La tentative d'un nouveau langage duchampien mise en oeuvre dans les ready-made rejoint les fondements lacaniens d'un inconscient structuré comme un langage. Le second axe est centré sur un parallèle entre le concept d'inframince chez Duchamp et celui d'objet a chez Lacan, s'originant tous deux d'une approche singulière de la Jouissance et d'une redéfinition du champ visuel. Entité interstitielle ou reste irreprésentable de la division subjective, ces notions pointent un espace vacant comme moteur du désir et conduisent à penser en termes nouveaux le rapport du sujet regardant à l'objet regardé. Rapport établi dans le dispositif d'Étant donnés 1 ° La chute d'eau 2° Le gaz d'éclairage qui positionne le spectateur non plus devant un tableau mais dans un espace qui le saisit, conformément à la notion de «tableau» lacanien selon des développements liés à la perspective, la géométrie projective et la topologie que le dernier axe se propose de coupler à l'oeuvre duchampienne. Duchamp expérimente ainsi un retournement de la vision qui offre les éléments d'une élaboration du fantasme tel que le théorise Lacan sous la forme d'une équation faisant se conjoindre le sujet et l'objet
Situated within the discourse of art and psychoanalysis, this work weaves links between the work of Marcel Duchamp and the teaching of Jacques Lacan following three lines of thought. With respect to the forms particular to their relative fields of thought, a parallel approach to language as instance pre-existent to the advent of the spoken subject, can be found in both the artist and the psychoanalyst. The tentative of a new duchampian language perfected in the ready-mades, rejoins the lacanian foundation of a structurel subconscious such as a language. The second line of thought centres on a parallel between the Duchamp's concept of inframince and that of Lacan's object a, both originating from a singular approach to Pleasure and a redefinition of the visual field. Interstitial entity or unrepresentable 'rest' of the subjective division, these notions point to an empty space as motor of desire and lead us to think in new terms about the relation of the subject to the object viewed. Relation established in the devices `Étant donnés 1 ° La chute d'eau, 2° Le gaz d'éclairage' which no longer position the spectator in front of the painting but in the space which seizes him, conforming to the notion of the lacanian 'painting' in the developments linked to perspective, projective geometry and topology that the last line of thought proposes to couple with the duchampienne body of work. Duchamp experienced a reversa) of vision which offers us an elaboration of fantasy such as Lacan theorises under the form of an equation linking the subject and the object

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Roussel, Noëllie. "Mike Kelley, stéréotypes et "the uncanny" : vers une anti-esthétique". Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010670.

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Ce travail présente le rôle et l'influence de l'artiste américain Mike Kelley sur la scène internationale de l'art depuis la fin des années 70 jusqu'au début du XXIe siècle. Il présente un panorama de l'atmosphère artistique à Los Angeles, ville où est basé l'artiste, ainsi que des différentes tendances de la critique et de l'art contemporain américain au cours de la même période. Cette thèse présente diverses stratégies utilisées par l'artiste comme l'emploi et le détournement de stéréotypes, ainsi que l'utilisation du concept flou de " l'inquiétante étrangeté " théorisée par Freud pour interroger les débats critiques contemporains tournés vers l'abject art et l'informe. De même, l'artiste critique les tendances identitaires et autobiographiques à l'oeuvre dans l'art d'aujourd'hui et redéfinit la pratique de l'art comme une anti-esthétique, en utilisant la provocation, l'ironie et la distanciation afin de mettre en évidence la notion de l'art comme espace symbolique de réflexion.

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Beaufils, Marion. "Filles d'Ariane. Pathosformel du corps abandonné dans les arts du XVe au XVIIe siècles". Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0125.

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La survivance de l’Ariane endormie dans l’art européen démontre l’existence d’une opération de migration expressive entre les formules gestuelles antiques et celles favorisées par les artistes de la Renaissance. Soutenant l’opérativité de la notion warburghienne de pathosformel, la thèse introduit la « pathosformel du corps abandonné ». L’analyse est consacrée aux modalités d’actualisation de la forme antique dans l’art italien, du Quattrocento jusqu’au XVIIeme siècle. Dans une approche désireuse de poursuivre les préceptes méthodologiques d’Aby Warburg et Jacob Burckhardt, lathèse vise à délimiter un contexte anthropologique conditionnant la polarisation genrée de la pathosformel, en interrogeant la traditionnelle association du corps féminin et des images dans la culture européenne
The resurgence of the Sleeping Ariadne posture in European art demonstrates the existence of an operation of expressive migration around gestures inherited from Antiquity and emerging in Renaissance religious or profane art. Arguing for the operability of Warburg’s notion of pathosformel, the thesis introduces the pathosformel of the abandoned body. The study investigates the modalities of these resurgences by detecting their underlying symbolic logics from the Quattrocento to the seventeenth century in Italian art. In an approach inherited from Aby Warburg and Jacob Burckhardt, this study delimits an anthropological context which determines the gendered polarisation of the pathosformel by analyzing the long-term association between images and the female body in european culture

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Troyas, Alain. "Le travail du deuil de la peinture abstraite". Montpellier 3, 1993. http://www.theses.fr/1993MON30046.

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Cette these s'articule autour d'une etude clinique de la peinture abstraite. Loin de participer d'une fonction cathartique et emancipatrice, la peinture abstraite reflete et transmet les conflits inconsients de l'esprit collectif du xxeme siecle en leur donnant une solution symptomatique. Dans la perspective des theories du reflet, cet examen veut montrer que son evolution - etroitement assujettie au contexte historique - manifeste les symptomes d'un deuil pathologique caracterise par la domination de la manie et de la melancolie l'exaltation expansive et l'auto-depreciation propre a ces psychonevroses s'exercent en effet principalement par une rememoration-commemoration reductionniste des traits particuliers de l'objet disparu. Soumis a un examen sociopsychanalytique, la peinture abstraite revele son incapacite d'achever le deuil impossible de l'aura propre a son passe. Sa complaisance narcissique se traduisant par un permanent desir de fusion avec son moi ideal qu'elle confond avec l'ideal du moi, l'excluent du monde exterieur et confirme ainsi la sentence hegelienne de la mort des genres artistiques propres a une civilisation declinante et a la necessite - possible ou impossible? de leur depassement
This thesis is based upon a clinic of the abstract painting. Instead of partaking of a cathartic and emancipatory function, the abstract painting reflects and conveys the unconscious conflicts of the xxth century collective mind, giving them a symtomatic solution. In the prospect of the reflection theories, t5his study is to show that its evolution - closely bound to the historical context - reveals the symptom of a pathological mourning, characterized by the domination of mania and melancholia. The over-excitement and the self-undervaluing which are the characteristic of these psychoneurosises are mainly in a reducing recalling-commemoration of the vanished object, studied through a sociopsychanalytic investigation, the abstract painting reveals its unability to accomplish the impossible mourning of the aura of its past. Its narcissic complacency translated by a permanent eagerness of merging into its ideal ego which it mistakes for the ego ideal, excludes it from the outside world and this corroborates the hegelian sentence of the death of all artistic styles, characteristic of a declining society and a need - possible or impossible - for surpassing them

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Roose-Debut, Marie-Clotilde. "Désir d'être et parole poétique : de la tentative phénoménologique à la tentation métaphysique : d'une lecture de Mikel Dufrenne à une lecture des poètes : Yves Bonnefoy, Philippe Jaccottet, François Jacqmin, Roberto Juarroz, Annie Reniers". Lyon 3, 2006. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2006_in_roose_mc.pdf.

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La thèse part d'une intuition : " la parole poétique jaillit-elle du paradoxal désir d'être ? " Pour y répondre, elle propose une 1ère définition des termes, justifie les approches méthodologiques (phénoménologie, herméneutique, psychanalyse) et les auteurs choisis. Elle interroge la phénoménologie de M. Dufrenne, confrontée à la lecture de poètes (20ème s. ) : Y. Bonnefoy, Ph. Jaccottet, R. Juarroz, F. Jacqmin, A. Reniers. Elle explore la description de l'expérience poétique par Dufrenne, qui en analyse les conditions de possibilité, et formule l'hypothèse de son origine, s'inspirant de Spinoza et Schelling. Ici " la tentation métaphysique " de passer du transcendantal à l'ontologique fait l'objet d'une critique, mettant en cause la spéculation " utopique ", outrepassant les limites de l'expérience et la parole singulière des poèmes décrits. La question vise alors l'éthique du désir du sujet, auquel répond l'éclairage de psychanalystes (J. Triol, D. Vasse, A. Didier-Weill,. . . ). Enfin, la nature du désir d'être se précise à l'écoute des textes des poètes. Tension entre éros et thanatos, le désir d'être est à la fois assomption d'une finitude et acquiescement au don infini de l'Autre.

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Bernard, Soizic. "Créations artistiques et subjectivité. Pour une psychopathologie différentielle des contraintes subjectives de l’art, Inventions et répétitions ; « Pousse-à-la-création » chez le sujet". Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2024. http://www.theses.fr/2024REN20027.

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Certaines œuvres d’art, plastique, littéraire, musicale ou autres, témoignent, dans leurs originalités comme dans les commentaires de leurs auteurs qu’elles résultent d’une « obligation » subjective qui les enjoint à créer. Elles marquent qu’elles peuvent faire solution, non pas contingente, mais nécessaire, lorsqu’elles fonctionnent comme résolution d’une tension intime. Quel statut et quelle logique tenter ici ? Nous poserons l’hypothèse que ces expériences esthétiques subjectives, dessinent les coordonnées d’une sorte de « pousse-à-la-création », à comprendre en référence au concept de « pousse-à-la-femme » de Lacan : il sera pourtant ici décalé quant à son objet et quant à sa fonction, et est appelé au titre d’une des élaborations, plurielles, du fameux « continent noir » freudien de la féminité. Nous nous réglerons sur les témoignages de l’artiste, qui toujours « précède » disait Lacan et nous étudierons en quoi ses commentaires bordent l’objet d’art qu’il a créé, mais aussi les modes subjectifs et conditions de sa réalisation. Nous viserons donc la genèse de cet objet, qui pour l’artiste ne conquiert son statut qu’à opérer au-delà de la simple reproduction ou répétition. À partir de l’acte de l’artiste, et de son produit, nouveautés toujours rejouées, nous interrogerons les logiques du singulier dans la création, et du sujet engagé. Nous avons choisi d’argumenter notre propos en partant d’abord des mécanismes freudiens ou lacaniens qui interrogent les modalités de son articulation avec la « position féminine ». Nous avançons ensuite une logique « sinthomatique » transversale, qui marque l’empan des approches psychanalytiques, depuis le désir et ses modes de traitement jusqu’au réel, dont le dernier enseignement de Lacan sur la corporéité en indique les coordonnées. Enfin, nous argumentons d’un hypothétique « pousse-à-la-création » et nous mesurons les incidences et effets de cette détermination singulière, conçue comme nouage serré au-delà du fantasme, et qui ouvre sur des modes de rectifications subjectives subséquentes à la création
Some pieces of art, wheter plastical, litterary, musical or others, testify in their originality as well as in their comments from their authors that they are the results of a subjective “obligation” to create. They point out the fact that they can provide a solution, which is non contingent, if in fact necessary, when they work at providing the resolution of an intimate tension. What sort of status and what logic should we have adopt here ? We will posit that these subjective and aesthetic experiences draw the coordinates of a sort of “pousse-à-la-création” [“push-to-creation”], are to be linked to Lacan’s concept of “pousse-à-la-femme”, here, however, it will be understood as shifted in terms of its object and function in that case, however it will be out of place as regards its object and function and as one of the many elaborations of the famous Freudian “black continent” about femininity. We will follow the artist’s testimonies which always pre-exist, as Lacan used to say, and we will study how his comments are related to the object of art he has created as well as to the subjective ways and conditions of its creation. We will therefore aim at the genesis of this art object which, for the artist, only gets its status when surpassing mere reproduction and repetition. From the act of the artist and his production, constantly renewed, we will examine the peculiar ways of reasoning of the committed artist into creation. We have chosen to support our argument by starting with the Freudian and Lacanian mechanisms that question the various ways of linking it to the “feminine position”. Then we will evolve towards a “sinthomatique” and transversal logic that shows the range of psychoanalytical approaches, from desire and its modes of treatment to reality, whose Lacan’s last tuition about corporeity points out the coordinates. Finally, we will argue about an hypothetic “pousse-à-la-création” and we will evaluate the incidences and effects of this peculiar determination, conceived as a tight knot that goes beyond fantasies, which opens the way to the subjective rectifications subsequent to creation

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Vandevelde, Pouliquen Béatrice Anne Sabine. "L’improvisation dramatique, étude clinique et psychanalytique d’ateliers théâtre en structures de soin". Thesis, Rennes 2, 2016. http://www.theses.fr/2016REN20027/document.

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Au XXIème, une psychologue clinicienne décide d’offrir à ses patients une scène de théâtre comme lieu d’exposition de leur inconscient. Elle constate un paradoxe : l’art dramatique qui fraye avec la folie aurait des vertus thérapeutiques.Ainsi peut se résumer l’intrigue de cette thèse en 3 actes dont les personnages principaux sont des patients, psychotiques pour la plupart, en mal de psychothérapie, et un artiste fou, grand homme de théâtre : Antonin Artaud.Par l’exposition de saynètes comme expression brute de l’inconscient, la présente thèse illustre le cheminement des réflexions de son auteure. Elle reprend d’abord la genèse d’une médiation singulière : l’improvisation dramatique. Ensuite, inspirée par le cas emblématique d’A. Artaud et à travers la psychanalyse, elle explore les mécanismes mis en jeu lors d’ateliers théâtre et leurs effets sur le psychisme des patients devenus comédiens. Enfin, en suivant le cheminement du noeud borroméen, elle conclut que l’improvisation dramatique, foncièrement inscrite dans le Réel, qui convoque l’Imaginaire et introduit le Symbolique, s’impose comme une activité sinthomatoire
During the 21st century, a clinical psychologist decides to offer to her patients a theatre stage as an exhibition space for their unconscious. She notes a paradox : drama, which has to do with madness, would have therapeutic properties.Thus can be synthesized the plot of this three-act PhD thesis, whose main characters are patients, mostly psychotic ones needing to undergo psychotherapy, and an insane artist, also great man of the Theatre: Antonin Artaud.Through presenting role-plays as raw expression of the unconscious, this thesis shows how its author’s thinking unfolds. It first draws on the genesis of a singular mediation: theatrical improvisation. Then, inspired by A. Artaud’s emblematic case and through psychoanalysis, it explores the mechanisms involved during theatrical workshops and their effects on the patients who became actors. Lastly, by following the path of the borromean node, it concludes that theatrical improvisation, which is deeply inscribed in the Real, which summons the Imaginary and introduces the Symbolic, emerges as a sinthomatic activity

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Prieto, Graciela. "Ecritures du sinthome : contribution à la construction d'une clinique borroméenne". Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070127.

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Le Séminaire L'envers de la psychanalyse marque un changement dans Paxiomatique de l'élaboration de Lacan qui passe de Taxe du désir à celui des jouissances. Jouissances multiples qui ne se laissent pas réduire à un couple d'opposés ; hétérogènes, elles ne s'excluent pas pour autant. La structure de la jouissance n'admet donc pas les principes de non-contradiction et de tiers exclu et implique une logique ternaire. Cette nécessité logique conduit Lacan à penser la structure selon une topologie borroméenne. La structure résulte de la prise du corps vivant dans le Symbolique, autrement dit de la façon dont se nouent Réel, Symbolique et Imaginaire. Pour qu'il y ait nœud, il faut que ces trois registres soient troués, la topologie n'étant jamais qu'un mode d'organisation du trou. Trou mis en jeu dans lalangue constituée des bouts de Réel transmis par des fragments déchiquetés d'écriture qui déterminent ce qu'il en est du savoir inconscient. Réel que Lacan cherche à attraper par le recours à l'écriture topologique, écriture autre qui ne dépendrait pas de la précipitation du signifiant. Selon Lacan cette écriture ne se produit pas sans des ratés. Pour que quelque chose puisse être articulé, la construction d'un quatrième terme, le Sinthome en tant qu'il est une fonction de nomination, est nécessaire. L'écriture de ce terme sous sa forme ancienne lui permet de multiplier les résonances. Toute création ou invention étant de l'ordre du Sinthome, c'est à travers l'étude de son rôle dans l'œuvre de trois artistes plasticiens : Van Gogh, Schwitters et Wolman, que cette recherche pose la question des conditions nécessaires à sa construction (Van Gogh), sa fonction dans la psychose (Schwitters) et celle distincte qu'il occupe dans la névrose (Wolman)
The Seminar "The Other Side of Psychoanalysis" marks a change in Lacan's development, shifting the emphasis from the axis of desire to the axis of jouissance. Jouissances are multiple and cannot be reduced to a pair of opposites; although heterogeneous, they are not mutually exclusive. The structure of jouissance is therefore not subject to thé principles of non-contradiction and the excluded third and instead implies a ternary logic. This logical necessity leads Lacan to rethink structure in terms of the Borromean topology. This structure depends on the fact that the living body is immersed in the Symbolic, in other words on the manner in which the Real, the Symbolic and the Imaginary are knotted together. In order for there to be a knot, the three orders have to be hollowed, as topology is nothing but a mode of organization of the hole. The hole is also at stake in lalangue, the latter being made of pieces of the Real, which are transmitted by the jagged fragments of writing and determinative of unconscious knowledge (savoir). It is this Real that Lacan is trying to capture by using topology as a type of writing independent of the hastiness of the signifier. According to Lacan, such writing does not occur without failure. This is so because in order for something to be articulated, a fourth term, the Sinthome, as a naming fonction, must be constructed. The archaic spelling of this term multiplies its echoes. Given that all creation and invention belongs to the realm of the Sinthome, this research raises its questions through the study of the sinthome's role in the work of three artists, Van Gogh, Schwitters and Wolman: the question of the necessary conditions for its construction (Van Gogh), its fonction in psychosis (Schwitters) and the distinct fonction it holds in neurosis (Wolman)

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Barrere, Sophie. "Le grotesque : petit traité anarchique sur les oeuvres d'art". Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30065/document.

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Sans souci de chronologie ou de catégories, cette recherche aborde les œuvres d’art sous la focale du grotesque, révélant une traversée de l’intime à l’universel qui les habite. Ceci débute par un franchissement au-delà du sens, pris dans l’espace du langage et de ses déterminismes. Le grotesque apporte par la contradiction systématique et le déplacement sémantique, une échappée. L’œuvre d’art fonctionne à partir et au-delà de cette illusion du sens à créer du commun, à travers l’anecdote. Une vigilance au « faire » plastique révèle les puissances qui travaillent le corps de l’artiste et mettent en jeu rythme, retournement et instant, où au-delà du visible s’articule l’apparaître, où la création se décrit comme un engagement vital vers ce point d’impossible autour duquel se décide le trait de pinceau, l’acte d’inscription. Dans cette compréhension, l’œuvre d’art est un surplus de fonctionnement, une coupure de la réalité qui origine l’histoire. Des réflexions psychanalytiques approfondissent l’enjeu de cette inscription, qui par le phénomène du transfert réactive la subtilité du processus d’identification. Ceci ouvre le rythme éthique où il est question de place occupée, d’une alternance vie, mort, dont le corps porte la dette séculaire comme sentiment archétypal du vivre ensemble. Ce processus de l’identification réactivé, relance le sujet face à son manque à être, castré, mortel, pris dans ce cycle de temporalité qui le précède et l’excède, face à ce grand Autre, ce « au moins un » qui y échappe.Voici une réflexion temporelle sur le poids du symbolique qui inconsciemment et indépendamment du pathologique peuple nos images et crée ce partage de l’intime à l’universel
Without regard to chronology or category, this research addresses the Art under the lens of the ludicrousness, revealing a crossing of intimacy to the universal that inhabits them. This starts with a crossing beyond the senses, taken in the space of language and its determinants. Ludicrousness brings the systematic contradiction and movement semantic, a breakaway. The Art works from and beyond the illusion of the senses to create the common, through the story. Vigilance to the "do" plastic reveals the powers that work on the artist's body and involve rhythm, reversal and instant, where beyond the visible articulated the show, where the creation is described as a vital commitment to this point of impossible around which decides the brush stroke, the act of register. In this understanding, the artwork is an operating surplus, a break from reality which origin the story. Psychoanalytic reflections deepen the stake of this registration, which the transference phenomenon reactive the subtlety of the process of identification. This opens up the ethical pace, where it comes to the space occupied, an alternation of life, death, whose body bears the secular debt as archetypal sense of living together. This process of identification reactivated revives the subject facing its lack of being, castrated, fateful, caught in this cycle of temporality that precedes and exceeds him, face to this big Other, this "at least one" that escapes. Here's a temporal thought on the significance of symbolism which people our images unconsciously and independently of the pathological and create this sharing of intimacy to the universal

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Vernier, Bernard. "Les karpathiotes - systeme de parente, echanges intra-familiaux et fonctionnement du marche matrimonial dans une ile grecque". Strasbourg 2, 1987. http://www.theses.fr/1987STR20008.

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Potherat, Fabienne. ""Dieu(x) et l'Un conscient" : une approche de la maladie mentale en art". Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30066.

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Notre étude fait suite à celle de notre D.E.A : « La ruine comme fondement », en traversant les champs croisés de la psychanalyse et de l’esthétique de l’art. Nous poursuivons le postulat analytique qui est que l’être se forme à travers la division de ses parties internes, inconscientes, ou peu conscientes et non à travers l’unité de son moi conscient. Notre étude consacre en deux parties, cette distinction fondamentale entre l’être social : “l’Unité idéalogique” et l’être créateur : « l’unité du conscient ». Nous convions les artistes et les poètes singuliers, tels que M. Rothko,Y. Reynier, J. Bosch, Arrabal, F. Pessoa, F. Kafka, L. de Vinci, F. Bacon, G. Bataille. Nous suivons la mise en forme de cette unité psychologique à l’épreuve de la création, de « la fantaisie » et de la réalité, et les limites frontalières à la toujours possible folie issue de la fragmentation. “Démembrer le corps de l’art” proclame Rothko juste avant de se trancher le bras. Nous nous sommes risqué à la tension inapaisable de l’être chez Pessoa par Heidegger pour qui, Etre, c’est être-étant hors de l’idéalité du dieu transcendental a-figural. Antigone et Œdipe ouvrent la schize … Moïse et Freud la referment. Entre ces figures mythiques, nous accompagnons « l’antre-soi » de Daniela, adolescente autiste du Mas de La Sauvagine de Vauvert et la bulle d’air de Renée, jeune patiente schizophrène de Marie Andrée Sechehaye. Ces « études de cas »nous permettent dans un premier temps de poser ce qui fait sens comme « unité » et de comprendre de façon dialectique comment cela s’articule à la notion de désir d’être et d’être de désir
Non communiqué

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Mabilon, Christine. "Figure, figuration : du rêve à la peinture". Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082618.

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Il s'agit de rechercher quelle place pourraient prendre, dans le champ lacanien, les processus de figuration du rêve mis en évidence par Freud. La définition freudienne du rêve comme rébus, comme rhétorique et comme peinture permet d'engager une réflexion sur l'image et le mot considérés comme signifiants. Dans le rêve comme dans la peinture, le va et vient entre l'image et le mot est assuré par des processus trans-systématiques qui ne sont autres que la condensation, le déplacement et la prise en considération de la figurabilité. Ce va et vient entre l'image et le mot trouve ses limites avec l'indicible et l'infigurable. La figure logique de la négation, possible dans le champ linguistique est un point irreprésentable dans l'inconscient comme sur le tableau. Elle apparaît comme un des noms de la catégorie du Réel
This dissertation attempts to determine what place can be attributed within the Lacanian field to the process of figuration in the dream, such as it was revealed by Freud. The Freudian definition of the dream as a rebus, as a rhetorical structure and as a painting induces a reflection on the image and the word considered as signifiers. In the dream as well as in the painting, the reciprocal movement between the image and the word is assured by trans-systematic processes that are no other than condensation, displacement and the consideration of figurability. This to and fro between the image and the word finds its limit with the un-utterable and the un-figurable. The logical figure of negation, possible in the linguistic field, is an unrepresentable point in the unconscious, as well as in the painting. It emerges as one of the names of the Real

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Braun, Sandra. "Arts du Cirque et remaniements psychiques : la piste comme Surmoi d'emprunt, ou le cirque comme pré-texte". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCC190.

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Dans les champs de la médiation artistique, la psychanalyse s'est peu intéressée au cirque comme médium thérapeutique. Le travail proposé ici en tente une articulation. La thèse avancée montre que la pratique du cirque peut être vecteur de remaniements psychiques, dans un dispositif sensible aux enjeux transférentiels.À partir des particularités du cirque, j'avance quelques spécificités psychiques pouvant se jouer dans cet espace, thérapeutique de surcroît.Le cirque apparait comme un espace subversif, hétérotopique (Foucault), où les équilibres sont rendus instables. Ce déséquilibre, inhérent au cirque, pourrait aussi concerner les instances psychiques : j'en viens ainsi à proposer la piste comme un surmoi d'emprunt. Un surmoi clément, comme celui décrit par Freud dans L'humour (1927), autorisant à expérimenter le monde comme un jeu d'enfant. Un surmoi réconciliateur avec le moi, permettant quelques mobilités, dans cet espace sensoriel. Car la piste, dans son étymologie, est le lieu de la trace. Surface marquée, elle permet l'empreinte, en s'approchant du sensoriel comme première matrice, par le corps éprouvé. Elle réactualise quelques échos originaires, que je propose de décrire, du côté du sentir, du regard, et de la contenance rendue possible.Le cirque est aussi l'espace du Réel, réanimé par la vivance de la part animale. En ce sens, il permet un espace de silence nécessaire à l'articulation du langage. Il est pré-texte, pré-verbal indispensable, et fait résonner un peu d'inquiétante-familiarité. La piste de cirque apparait alors comme un espace où l'imprévisible peut émerger, où une sortie de la stase est possible, pour qu'une dynamique subjective prenne forme
In the fields of artistic mediation, psychoanalysis has very rarely focused on the circus as a therapeutic medium. The hereby approach attempts to articulate this connection. The proposed thesis shows that the practice of circus arts can be a conveyor of psychological reorganizations, within a sensitive transferential framework.From the perspective of the distinctive features of circus arts, I bring forward psychological specificities that play a role in this therapeutic space.The circus appears as a subversive heterotopic space (Foucault), where balances are rendered unstable. This imbalance, which is inherent to circus arts, could also be a concern for psychological authorities. The circus ring could be considered as a borrowed superego. A clement superego, similar to the one described by Freud in Humour (1927), allowing to experience the world as a child's play. A superego that reconciles with the self, allowing movement in the sensory space. Etymologically, the ring is the place of trace, a marked surface, that aliows the notion of footprint, by approaching the sensory dimension as the initial matrix, through the experienced body. Thus, it generates the update of several native echoes that I describe from the perspective of feeling, sight and composure.The circus is also a real space, reanimated by the experience of animal nature. In this respect, it allows a space of silence, necessary to the articulation of language. It is an unavoidable pretext and pre-verb that resonates a somewhat worrying familiarity. The circus ring thus appears, where the unpredictable can emerge, and where an exit from the stasis is possible, so that a subjective dynamism takes shape

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Massoulier, Nathalie. "Les métamorphoses du temps et de l'histoire dans l'œuvre de fiction de Graham Swift : coming to terms with one's past". Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040258.

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Le présent travail s'attache à envisager le thème de la réconciliation avec le passé à l'ère postmoderne chez Graham Swift. Il s'agit d'envisager ce dernier thème en relation d'une part avec les métamorphoses des personnages (un des sens à donner aux métamorphoses de l'histoire dans mon titre) et d'autre part avec celles de l'histoire et du temps. Les aléas psychanalytiques de l'identité, les rapports de l'être à l'histoire et au temps sont analysés. S'il n'est pas vraiment question de statuer sur la réussite d'une telle réconciliation, on examinera ses stratégies et notamment quelques uns de ses versants narratifs. L'échelle individuelle est envisagée dans son aspect métonymique
This work examines how Graham Swift's works tackle the issue of a potential reconciliation with the past. Reconciliation will be analysed together with the character's metamorphoses over time (one of the meaning that has to be given to the metamorphoses of history in my thesis's title) and the fictional transformations of time and history. The psychoanalytic evolutions of identities and the relationships of the characters with time and history will be studied. If it is difficult to precisely assess the success of reconciliation, we will focus on some of its underlying strategies and narrative treatments. The individual level will serve as a model for the collective level

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Bélanger, Anne-Marie. "(S')Habiter, présence et passage ou Ma nature a horreur du vide". Master's thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/32267.

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Ce mémoire rend compte d’où j’en suis dans ma pratique artistique, à un moment où je tente d’articuler un questionnement sur l’habiter incluant la mobilité, avec sa matérialisation dans une œuvre statique. Dans ce texte comme dans ma production, vous trouverez des fragments provenant de lieux divers, personnels, publics, naturels, urbains, autant que d’univers de pensée variés. En effet, la philosophie, la géographie et la psychanalyse sont mises à contribution et assemblées tant bien que mal pour tenter de saisir comment se joue une présence au monde, dans le corps, le lieu, la pensée, le mouvement, les choses. Ces réflexions accompagnent un corpus d’œuvres tirées de l’exposition Ma nature a horreur du vide, qui ont été réalisées à la suite de déambulations, en ville et en forêt.

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Gledel, Matthieu. "Richard Wagner et l’Opéra de la Rédemption : contribution à la question de la créativité mélancolique". Rennes 2, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00481309/fr/.

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L’écriture poétique et musicale de Richard Wagner repose sur un certain nombre d’enjeux qui ne peuvent être ignorés et qui éclairent une création unique dont les implications dépassent le simple cadre de l’opéra. Toutefois, leur mise en évidence ne peut s’opérer qu’à la condition de prendre en compte la mélancolie de Wagner, tout en évitant les confusions qui persistent dans l’appréhension de cette psychopathologie. Aujourd’hui encore, celles-ci laissent en effet paraître une place bien problématique à la notion de créativité mélancolique. Pourtant, au sein d’une logique psychique particulière, le Maître de Bayreuth fit bien le choix de créer une musique qui allait être à même de supporter l’être de son sujet dans l’enfer d’un monde dont il percevait la décadence
Richard Wagner's poetic and musical writing involve stakes which cannot be ignored and which enlighten a unique creation the implications of which exceed the simple frame of the opera. However, their revealing can only take place if the melancholy of Wagner is taken into account, and if the confusions which still persist in the apprehension of this psychopathology are abandoned. The current considerations indeed let few hope to the notion of melancholic creativity. Nevertheless, within a particular psychic logic, the Master of Bayreuth chose to create a music which was going to be able to support the being of its subject in a world which was for him totally decadent

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Bouté, Gérard. "Transparent, translucide, opaque : place du regard dans l'ordre pictural société, imaginaire". Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080942.

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Quelle est la natrue du regard que posent sur le tableau le peintre et le spectateur? quelles sont les qualites propres a la peinture susceptibles d'en faire une oeuvre d'art? cet essai tente d'elaborer cette problematique et d'y repondre, en formulant l'hypothese qu'un desir inconscient, faconne par l'imaginaire social, determine le regard, conditionne la qualite de l'espace pictural et lui confere son pouvoir specifique. Dans une premiere partie, il s'agit de questionner la theorie lacanienne du regard, puis de conceptualiser trois instances : transparent, translucide, opaque comme ordonnatrices du champ pictural. Quels sont leurs roles? les categories du regard sont ensuite differenciees, analysees et les acteurs plastiques propres a l'oeuvre definis. Ces outils conceptuels sont mis a l'epreuve dans une seconde partie. Selon cette these, le translucide - "voile" ne a la renaissance - est l'une des instances qui symbolisent la loi dans l7espace pictural. Sans la reconnaissance de cette loi par l'artiste, sans le desir aussi de la subvertir, la peinture echappe a son pouvoir propre. Il semblerait que le translucide ait commence a disparaitre avec l'impressionnisme et qu'il ait completement cesse d'exister dans une partie de l'art contemporain. Quelles en sont les consequences? la peinture serait-elle conduite ainsi hors de l'art, non plus comme plus comme satisfaction substitutive d'un desir impossible a satisfaire dans la realite mais comme la satisfaction d'un besoin?
What nature of look do the artist and the beholder cast upon the picture? what are the qualities inherent in a painting that make a work of art? this essay attempts to analyse these questions and offer some answers based on the theory that an inconscious desire, shaped by social imaginary dimensions, predetermines the look, conditions the quality of the pictural environment and conveys its specific power. The first part of the essay questions lacan's theory of the look, then introduces three governing media - transparent, translucent, opaque - as controllers of the pictural framework. What roles do they play? the families of look are then differentiated and analysed, and the plastic ators specific to the work of art are defined. These conceptual tools are tested in the second part of the essay. According to this thesis, translucent - the "veil" created by the renaissance - is one of the governing media which symbolise the law within the pictural environment. If the artist does not recognise this law, if he doe not also try to subvert it, the painting will escape from his control. It would seem that the translucent starded to disappear with the immpressionist and that it has completely. Ceased to exist in a part of contemporary art

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Vasquez, Monica. "Le lieu de l’échange invisible entre le regard du spectateur et le tableau dans l’œuvre de Francis Bacon". Paris 8, 2013. http://www.theses.fr/2013PA083904.

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La bouche ouverte dans un cri représentée dans l’œuvre "Étude" d’après le portrait du Pape Innocent X par Vélasquez, 1953, est l’élément pictural par lequel nous nous sommes intéressés à l’œuvre de l’artiste peintre Francis Bacon. Elle a été aussi le moyen par lequel nous rentrons dans l’espace fictif du tableau. Elle apparaît de manière inattendue au regard du spectateur. Elle introduit une première énigme, car isolée par notre regard dans la toile, elle neutralise et laisse au second plan, les autres éléments picturaux. Elle est un élément essentiel, car elle convoque et capture notre regard, nous fixant dans la toile. Cette expérience insolite du regard, nous amène à penser à l’existence d’un point précis dans l’œuvre, à savoir, un lieu d’échange invisible entre le regard du spectateur et le tableau par lequel nous rentrons dans l’espace fictif des toiles. Nous l’avons appelé « le point d’accroche à l’œuvre ». Il a été le pivot, le fil conducteur dans cette recherche. Il a été articulé à trois axes également fondamentaux : l’étude de ce que l’œuvre donne à voir, notre regard de spectateur et artiste, et certains concepts de la psychanalyse. Cette articulation a permis de nous débarrasser de stéréotypes liés depuis longtemps à l’œuvre, car elle ne peut pas s’expliquer simplement aux sentiments d’effroi, et d’étrangeté qu’elle suscite. Cette articulation a permis d’approfondir, de contourner, de configurer, de réorienter, d’analyser et de regarder autrement les toiles de l’artiste. Pour ce faire, nous avons avancé quatre hypothèses afin d’aller à la rencontre du « point d’accroche à l’œuvre » et ainsi comprendre comment et pourquoi le spectateur est affecté par celle-ci
The screaming open mouth represented in the work Study after Velasquez’s portrait of Pope Innocent X, 1953, is the pictorial element which aroused our interest in the work of the painter Francis Bacon. It is also the means by which we enter the fictitious space of the painting. It presents itself unexpectedly to the spectator’s eyes. It introduces a first enigma as, isolated by our look into the canvas, it neutralizes the other pictorial elements and relegates them to a position of secondary importance. It is an essential element as it summons and captures our look and anchors us to the canvas. This unusual experience of the look brings us to think of the existence of a precise point in the work, namely, a place of invisible exchange between the spectator’s look and the painting through which we enter the fictitious space of paintings. We have called this place “the point that hooks one to the work”. It was the pivot, the vital lead in this research. It has been articulated according to three axes which are equally fundamental: the study of what the work offers to the sight, the way we look at it as spectators and artists, and certain concepts of psychoanalysis. This articulation has allowed us to get rid of stereotypes long linked to the work, as the latter cannot just be explained through the feelings of fear and strangeness it arouses. This articulation has made it possible to deepen, bypass, configure, reorient, analyze and watch in a different way the artist’s paintings. To do so, we have advanced four hypotheses in order to be able to meet “the point that hooks one to the work” and thus understand how and why the spectator is affected by this work

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Beaudet, Pascale. "L'effet Judith : stéréotypes de la féminité et regard de la spectatrice sur les tableaux d'Artemisia Gentileschi". Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20038.

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Artemisia Gentileschi est l'une de ces femmes artistes qui a failli disparaître de l'histoire de l'art. Un changement dans le goût ou une quelconque destruction complète des archives ne sont pas en cause ; c'est le système sexué (sex-gender system) qui sous-tend la discipline de l'histoire de l'art qui a contribué à son effacement. Le canon de l'histoire de l'art, parce qu'il est partie du système sexué, met les femmes artistes systématiquement à l'écart. Le cas de Gentileschi est exemplaire et subsume tous les autres cas dans la mise à l'écart des XIXe et XXe siècles. Il faudra attendre la deuxième moitié du XXe siècle pour que les historiens et surtout les historiennes de l'art féministes redécouvrent le femmes artistes du passé. Deux tableaux représentant Judith et Holopherne, qui ont été déterminants pour la connaissance de ce peintre, sont des oeuvres paradigmatiques notamment parce qu'elles ont provoqué des réactions extrêmes, de l'admiration au rejet. Gentileschi a traité ce thème baroque, la décapitation d'un homme par une femme, de façon paroxystique. Sur ces tableaux repose à la fois une réflexion sur la fortune critique de ce peintre et sur la place de la spectatrice. Et si l'ombre, qui occupe une grand place dans les tableaux de Gentileschi était la métaphore de la féminité? L'analyse de discours, de même que la psychanalyse et la sémiotique de l'image, sont les outils rhétoriques à la base de ce travail, qui appelle des modifications en profondeur du canon
Artemisia Gentileschi is one of those women artists who nearly disappeared from art history. It is the sex-gender system subTending the field that is responsible for this near disappearance, not a change in taste or a destruction of the archives. The canon, being part and parcel of the phallocentric system, systematically puts aside women artists. Gentileschi's case is typical and is representative of the fate that befell all other women artists in the 19th and 20th centuries. The world will have to wait until the second half of the 20th for art historians -especially feminist ones- to rediscover women artists. Two works representing Judith and Holofernes, which played a pivotal role in understanding this artist, are paradigmatic because they evoked extreme reactions, ranging from admiration to rejection. Gentileschi handled this baroque theme -the decapitation of a wan by a woman- in a paroxysmal manner. These works are the locii where a reflection on the critical corpus and the place of the female spectator meet. And what if shadow, which plays such a great role in Gentileschi's works, were a metaphor for women? Analyse de discours, psychoanalysis and image semiotics form the theoretical basis of this thesis which calls for a profound modification of the canon

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Malaval, Frédérique. "Figures d'Eros et de Thanatos à travers des oeuvres de Giorgione, Pierro della Francesca, Donatello et Léonard de Vinci : essai d'approche esthétique, philosophique et analytique de l'art du Quattrocento". Nice, 1999. http://www.theses.fr/1999NICE2002.

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Cette étude tente une approche de certaines oeuvres esthétiques à partir de plusieurs disciplines telles que l'esthétique, la philosophie et l'analytique, disciplines qui convergent et se rejoignent au mieux pour l'exploration fondamentale d'une oeuvre d'art. Dans cette ouverture nous proposons une problématique différente qui nous semble à l'oeuvre au coeur de certaines grandes oeuvres esthétiques. Celle-ci est portée par la figure archaïque du tenseur Eros/Thanatos dont l'origine immémoriale confère à ce dernier une valeur transdisciplinaire. Notre corpus s'établit autour de quatre oeuvres artistiques qui constituent les « pivots » de soutènement de notre étude, ainsi dans l'ordre des oeuvres analysées : la toile « la tempête » du vénitien Giorgione, la fresque intitulée « La Madone del Parto » du florentin Piero della Francesca, suivie de la sculpture en bois « La Madeleine » du baptistère de Florence exécutée par Donatello et enfin, l'oeuvre inachevée de Léonard de Vinci intitulée « Saint-Jérôme ». Notre méthode d'analyse consiste à retrouver et vérifier l'existence du tenseur Eros/Thanatos et le sens fondamental des oeuvres esthétiques dans le XVème siècle italien. Notre dessein est de parvenir à montrer qu'à travers l'art, c'est de l'homme et de son rapport à la naissance, à la vie et à la mort dont il s'agit

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Bergami, Goulart Barbosa Pablo. "Le malaise dans la culture à la lumière de la narrativité cinématographique contemporaine". Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070038.

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La présente thèse interroge l'actuel « malaise dans la culture » à partir d'une approche méthodologique centrée sur l'analyse de films. Les œuvres cinématographiques sont ainsi définies comme objets d'étude pour une anthropologie psychanalytique, en tant qu'éléments centraux de la construction d'une mythologie contemporaine. Dans ce cadre, une méthode d’analyse formelle, mettant en évidence l’émergence d’une narrativité cinématographique proprement contemporaine, permet de concevoir ce domaine audiovisuel comme outil de transmission de valeurs, d'idéaux et d'interdits culturels, mais aussi comme modèle d'énonciation balisant les processus de subjectivation individuels. Cette méthodologie est mise au service d'une critique de la notion de « sujet postmoderne » (corrélée à la thèse du « déclin du père »), qui est au cœur de grand nombre des travaux psychanalytiques sur l'état actuel de la culture occidentale. Cette position théorique est exposée dans son négativisme et dans son dualisme. En opposition à celle-ci, une conception multiple et dialectique de la contemporanéité, axée sur la continuité historique et la pérennité des structures anthropologiques de base est proposée. Cette perspective s'efforce de valoriser e potentiel créatif d'une culture qui se révèle riche, moins contraignante et moins unitaire que ce qu'elle a pu être par le passé, mais non moins structurante. Elle exige aussi la mise en question de la démarche de pensée aux fondements de la théorie psychanalytique de la culture, et appelle des développements de ce domaine théorique allant dans le sens le la complexité et de l'ouverture au dialogue interdisciplinaire
The present thesis questions the current «malaise» of western culture based on a methodological approach organized around film analysis. Cinematographic works are thus defined as objects of study for a psychoanalytic anthropology, as key elements in the construction of contemporary mythology. Within this frame of reference, a method of formal analysis which highlights the emergence of a specifically contemporary narrativity enables us to characterize this audiovisual domain as a tool for the transmission of cultural values, ideals and prohibitions, but also as a model of enunciation orienting individual subjectivation processes. This methodology serves a critique of the notion of "post-modem subject" (correlated to the thesis of the "decline of fatherhood"), which is at the heart of a great number of psychoanalytic works on the current state of western culture. This theoretical positions dualism and negativism are exposed. In opposition to it, a multiple and dialectical understanding of contemporaneity is proposed. This perspective tries to put forth the creative potential of a culture which unveils itself as rich, less constrictive and unified than it might have been in the past, but which is not less efficient in providing structure. It also demands that we question the basic ideas on which the psychoanalytic theory of culture is founded, and it calls us to develop such theory towards greater complexity and openness to interdisciplinary dialogue

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Campos, Luciene Jung de. "Imagens à deriva : interlocuções entre a arte, a psicanálise e a análise do discurso". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2010. http://hdl.handle.net/10183/27958.

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Dans cette recherche j’essaie présenter la discontinuité de l’image des médias de masse appropriée par les arts visuels. Ce qui est en jeu n’est pas « ce qui est vu », mais « comme est vu » dans l’image dans sa potentialité discursive. La construction de ce regard est faite par l’interface entre les domaines d’Art, de la Psychanalyse e de l’Analyse du Discours, en fessant des torsions d’un champ à autre. Dans cette imbrication des interventions subversives je cherche réfléchir sur les transformations esthétiques du langage commercial pour le langage poétique. Par le biais du dispositif théorique-analytique de l’Analyse du Discours Française j’ai pu observer que le regard est organisé par ce qui n’est pas vu, ce qui tombe hors du champ de la vision et qui n’acquiert que sens par rapport la culture et l’histoire, qui configure le déroulement du désir du sujet. L’image publicitaire est un langage qui ne dit pas tout, par cela étant un savoir incomplet se laisse approprier par l’art visuel. Le fait de ne dire pas tout est ce qui fait les artistes avoir choses à dire encore. L’Art en jouant avec le nonsens tisse l’équivoque et contamine l'idéologie dominante à travers des processus métaphoriques et métonymiques. La discontinuité de l’image apparaît dans cet espace de réel dans le symbolique, à travers les mécanismes de condensation et de déplacement où le point de l'existence du sujet est le point de séparation et des échanges entre la position-sujet et la formation discursive qui domine le tissu symbolique. La discontinuité est au-delà du symbolique, précisément, est la dimension du réel dans laquelle éclate et insiste dans le désir et résiste dans l'idéologie.
Nesta pesquisa procuro apresentar a descontinuidade da imagem de mídia de massa apropriada pelas artes visuais. O que se coloca não é “o que é visto”, mas “como é visto” na imagem em sua potencialidade discursiva. A construção deste olhar se dá na interface entre os campos da Arte, da Psicanálise e da Análise do Discurso, fazendo torções de um campo a outro. Nessa imbricação de intervenções subversivas busco refletir sobre as transformações estéticas da linguagem comercial para a linguagem poética. Através do dispositivo teóricoanalítico da Análise do Discurso francesa pude observar que o olhar está organizado por algo que não se vê, algo que cai fora do campo da visão e que só adquire sentido na relação com a cultura e com a história, onde se configura o desdobramento do desejo do sujeito A imagem publicitária é uma linguagem que não diz tudo, por isso, enquanto saber incompleto se deixa apropriar pela arte visual. O fato de não dizer tudo, é o que faz com que os artistas tenham a dizer, ainda. A Arte ao jogar com o non-sens urde o equívoco e contamina a ideologia dominante através dos processos metafóricos e metonímicos. A descontinuidade da imagem aparece nesse espaço de real no simbólico, por meio dos mecanismos de condensação e deslocamento em que o ponto de existência do sujeito é o ponto de separação e de intercâmbio entre a posição-sujeito e a formação discursiva que o domina na trama simbólica. A descontinuidade é o mais além do simbólico, propriamente, a dimensão do real na qual eclode e faz insistir no desejo e resistir na ideologia.

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Pereira, Medina Fernanda. "L’art conceptuel, la psychanalyse et les paradoxes du langage : un dialogue entre Joseph Kosuth et Sigmund Freud". Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20034/document.

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Streszczenie:

La thèse prétend discuter des analogies intimes révélées entre le travail de l’art conceptuel tel qu’il est conçu par Joseph Kosuth, comme un processus de production de sens, et le travail analytique tel qu’il est élaboré par Sigmund Freud. Elle travaille donc à partir de l’interface entre l’art et la psychanalyse comme deux expériences de production de signification. Elle interroge le sens à partir des particularités inhérentes à chacun des discours et des pratiques concernés, mais aussi à partir de ce qui semble les réunir, à savoir : les mécanismes impliqués dans la production de sens au sein de l’art conceptuel comme de la psychanalyse conduisent à une expression hybride relevant des rapports entre le langage et l’image, entre un discours qui se poste aux limites du dicible et une image qui se place aux limites du visible.L’hybridité du sens relève d’une incertitude intellectuelle, d’un franchissement des limites et d’une ambiguïté impliqués dans la notion de l’Unheimlich. Cette dimension singulière de l’expérience humaine concerne le sujet de l’inconscient et la création artistique. En suivant les déclarations de Joseph Kosuth lui-même, son travail relèverait de l’Unheimlich. La thèse analyse ainsi l’expérience procurée par l’art conceptuel à partir de cette notion qui apparaît dans l’oeuvre freudienne en 1919 dans le cadre d’une investigation sur l’esthétique.Freud ne parle de l’esthétique en tant que théorie du beau mais comme effet affectif procuré par l’oeuvre d’art. De notre côté, nous soutenons l’idée selon laquelle la création artistique relèverait toujours de l’affectivité, même si cette question peut s’avérer controversée dans le contexte de l’art conceptuel. C’est dans ce sens que nous analysons l’expérience procurée par le travail de Kosuth, c’est-à-dire comme une expérience affective de l’ordre de l’Unheimlich
This thesis proposes to discuss the analogies revealed between conceptual art work, as it is conceived by Joseph Kosuth, as a meaning production process, and the analytical work as elaborated by Sigmund Freud. We then work from the interface between art and psychoanalysis as two meaning producing experiences. We question the meaning from the particularities inherent in each of these discourses and practices involved, but also from what it seems to bring them together, namely: the mechanisms involved in the production of meaning in conceptual art as well as in psychoanalysis lead to a hybrid expression indicating the relationship between language and image, between a discourse that lies within the limits of the sayable and an image that is located within the limits of the visible.The hybridity of sense sends us to an intellectual uncertainty, a crossing of limits and an ambiguity that are related to the notion of Unheimlich. This singular dimension of human experience concerns the subject of the unconscious and artistic creation. Following the statements of Joseph Kosuth himself, his work fits into the dimension of Unheimlich. This thesis then analyzes the experience raised by conceptual art from this notion that appears in the Freudian work in 1919, in the context of a research on aesthetics.Freud doesn’t speak of aesthetics as a beauty theory, but as an affective effect promoted by the work of art. From our point of view, we hold the idea that artistic creation is always related to affectivity, even if it is a controversial issue with regard to conceptual art. It is in this sense that we analyze the experience promoted by the work of Kosuth, that is, as an affective experience of the order of the Unheimlich

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Pereira, Medina Fernanda. "L’art conceptuel, la psychanalyse et les paradoxes du langage : un dialogue entre Joseph Kosuth et Sigmund Freud". Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20034.

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La thèse prétend discuter des analogies intimes révélées entre le travail de l’art conceptuel tel qu’il est conçu par Joseph Kosuth, comme un processus de production de sens, et le travail analytique tel qu’il est élaboré par Sigmund Freud. Elle travaille donc à partir de l’interface entre l’art et la psychanalyse comme deux expériences de production de signification. Elle interroge le sens à partir des particularités inhérentes à chacun des discours et des pratiques concernés, mais aussi à partir de ce qui semble les réunir, à savoir : les mécanismes impliqués dans la production de sens au sein de l’art conceptuel comme de la psychanalyse conduisent à une expression hybride relevant des rapports entre le langage et l’image, entre un discours qui se poste aux limites du dicible et une image qui se place aux limites du visible.L’hybridité du sens relève d’une incertitude intellectuelle, d’un franchissement des limites et d’une ambiguïté impliqués dans la notion de l’Unheimlich. Cette dimension singulière de l’expérience humaine concerne le sujet de l’inconscient et la création artistique. En suivant les déclarations de Joseph Kosuth lui-même, son travail relèverait de l’Unheimlich. La thèse analyse ainsi l’expérience procurée par l’art conceptuel à partir de cette notion qui apparaît dans l’oeuvre freudienne en 1919 dans le cadre d’une investigation sur l’esthétique.Freud ne parle de l’esthétique en tant que théorie du beau mais comme effet affectif procuré par l’oeuvre d’art. De notre côté, nous soutenons l’idée selon laquelle la création artistique relèverait toujours de l’affectivité, même si cette question peut s’avérer controversée dans le contexte de l’art conceptuel. C’est dans ce sens que nous analysons l’expérience procurée par le travail de Kosuth, c’est-à-dire comme une expérience affective de l’ordre de l’Unheimlich
This thesis proposes to discuss the analogies revealed between conceptual art work, as it is conceived by Joseph Kosuth, as a meaning production process, and the analytical work as elaborated by Sigmund Freud. We then work from the interface between art and psychoanalysis as two meaning producing experiences. We question the meaning from the particularities inherent in each of these discourses and practices involved, but also from what it seems to bring them together, namely: the mechanisms involved in the production of meaning in conceptual art as well as in psychoanalysis lead to a hybrid expression indicating the relationship between language and image, between a discourse that lies within the limits of the sayable and an image that is located within the limits of the visible.The hybridity of sense sends us to an intellectual uncertainty, a crossing of limits and an ambiguity that are related to the notion of Unheimlich. This singular dimension of human experience concerns the subject of the unconscious and artistic creation. Following the statements of Joseph Kosuth himself, his work fits into the dimension of Unheimlich. This thesis then analyzes the experience raised by conceptual art from this notion that appears in the Freudian work in 1919, in the context of a research on aesthetics.Freud doesn’t speak of aesthetics as a beauty theory, but as an affective effect promoted by the work of art. From our point of view, we hold the idea that artistic creation is always related to affectivity, even if it is a controversial issue with regard to conceptual art. It is in this sense that we analyze the experience promoted by the work of Kosuth, that is, as an affective experience of the order of the Unheimlich

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Moizan, Julien. "Théâtre, psychanalyse et phénoménologie : des révélateurs de l'intériorité : un projet psychothérapeutique ?" Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070091.

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Une triple approche esthétique théâtrale, phénoménologique et psychanalytique étudie chacune de ces approches comme objet d'étude, respectivement depuis leur naissance et dans leurs développements historiques. Au théâtre qui est passage transgressif de l'intériorité du sujet (monde privé) vers l'extérieur (monde commun), la mimèsis (imitation) active l'imagination en dialectique avec la négation. Caractérisée par ses frontières psycho corporelles, l'enveloppe contenant le dedans ou le dehors est révélée par le processus introjectif. Le dehors est fondé dans la Spaltung (scission) perceptive, et institué par la projection d'intentionnalité. Le caractère fantasmatique et illusoire de l'intériorité est démontré. Dès lors, il s'agit pour l'analyste d'incarner les déterminants et processus psychopathologiques pour créer 'illusion du semblable et ainsi favoriser l'introjection
A three-fold theatrical aesthetical, phenomenological and psychoanalytic approach places each one of these approaches under consideration, respectively since their emergence and in their historical developments. In theatre, which is the transgressive passage of subject's interiority (private world) towards the exterior (common world), mimèsis (imitation) activates the imagination in dialectic with negation. Characterised by its psycho-corporal limits, the envelope encompassing the outside or the inside is revealed through the introjective process. The outside is founded on the perceptive Spaltung (splitting), and instituted by the projection of intentionality. The fantastical and illusory nature of interiority is shown. Henceforth, the analyst embodies psychopathological determinants and processes to create the illusion of similarity and thus promote introjection

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Farriol, Gonzalez Roberto Cristóbal. "L'inutilité de l'art comme corrélat culturel du sujet de la psychanalyse : analyse à partir de Freud et de Lacan". Electronic Thesis or Diss., Sorbonne Paris Cité, 2019. https://wo.app.u-paris.fr/cgi-bin/WebObjects/TheseWeb.woa/wa/show?t=5864&f=41303.

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En quoi la psychanalyse de Freud et de Lacan auraient quelque chose à dire concernant l’inutile dans l’art ? C’est la question centrale dans cette thèse. Une condition inutile qui caractérise les arts autant de nos jours qu’à certains moments dans l’histoire. L’argumentation montre en quoi cette condition est partagée avec la qualité paradoxale du sujet de la psychanalyse. Cette qualité paradoxale l’est, selon notre hypothèse, par rapport au sujet de la science et de la philosophie, raison pour laquelle le fil rouge de cet analyse sera le texte « La science et la vérité. En effet, si l’on suive les efforts de Lacan pour distinguer le sujet de la psychanalyse de celui de la science et de la philosophie, nous trouvons des éléments très propres aux poétiques. Ceux-ci sont constatés en parcourant l’histoire de l’art, l’esthétique et les théories utilitaristes de Bentham et Mill. Ainsi, l’hypothèse principale ici proposée c’est l’inutile dans l’art comme un corrélat culturel du sujet de la psychanalyse. Sans chercher ni à établir une définition de l’inutile, ni à décider si les arts le sont ou ne le sont pas, cette thèse propose une théorie psychanalytique qui par structure s’occupe de l’inutile, comme la règle fondamentale l’atteste. En le proposant comme un reste conditionné par la propre structure de l’être parlant, l’inutile apparaît comme un réel qui revient toujours à sa place. Si nous proposons un inutile dans l’art comme corrélat culturel du sujet de la psychanalyse, l’art vient être la manifestation privilégié au sein du lien sociale de ce qu’il y a de radicalement asociale et inutile chez le sujet
What can be said about the useless character of the arts? How does the condition of ‘uselessness’ which has permeated art across its history, resonate with the paradoxical quality of the Lacanian barred subject? This is the central question of this thesis. In ‘Science and Truth’, a key text for this work, Jacques Lacan makes a crucial distinction between the poetic dimension of the divided subject of psychoanalysis and the subject that philosophy and science presupposes. The poetic dimension that Lacan locates in this seminal text and the specific elements that distinguish its subject from the subject of philosophy and science can be traced in the history of art and aesthetics as well as in the utilitarianism of Bentham and Mills. It is precisely these resonances that lead us to think that the useless character of art is the cultural correlate of the subject of psychoanalysis. Such is the key hypothesis that orients this thesis.While purposely suspending the temptation to extract a closed definition of the term ‘useless’ and equally avoiding speculation around the question of how useless art is or isn't, this work proposes that Freud’s theory is forged and structured around the idea of the useless as suggested by the fundamental rule of free association. In disregard of the effort that the subject enlists to make life useful, they will unavoidably trip over a useless remainder. Freud’s observations imply that the structure of the speaking being produces an excess, a left over that Lacan called, jouissance - a useless real that always returns to the same place. If we accept the useless character of art, art manifests in the social bond as precisely this remainder: the privileged manifestation of a radical uselessness in the human subject

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Brunet-Georget, Jacques. "La modification du corps : pour une lecture critique de la psychanalyse". Bordeaux 3, 2010. http://www.theses.fr/2010BOR30057.

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Cette recherche a pour objet les modifications du corps, qu’elles soient présumées involontaires ou volontaires, telles que l’appréhende la psychanalyse,d’inspiration essentiellement lacanienne, dans ses dimensions tant théorique que clinique. D’un point de vue méthodologique, cet objet est pris dans une relation àdeux bandes entre philosophie et esthétique. D’une part, il s’agit de recourir aux outils critiques de la philosophie (Deleuze et Guattari, Judith Butler) pour interroger l’impensé et les présupposés normatifs du regard psychanalytique sur le corps ; et ce tout en laissant les catégories de la rationalité philosophique se modifier sous la pression de certains résultats de la psychanalyse. D’autre part, la référence à l’art (littérature, arts visuels, cinéma, performances corporelles) est utilisée comme une pierre de touche et un foyer de réinvention de la conceptualité analytique ;réciproquement, les investigations cliniques et leur formalisation amènent à redéfinir et à déplacer des cadres fondamentaux du discours esthétique (représentation, surface, forme, sublimation …). Comme fil directeur et hypothèse de recherche, nous déployons les harmoniques du concept de « sinthome », extrait par Lacan d’une réflexion sur l’art et l’écriture, pour cerner les conditions de l’invention subjective dans sa dimension corporelle
This research deals with body modifications, whether given as intentional or not, just as psychoanalysis, when essentially considered in its Lacanian stream, looks upon them in their as well theoretical as clinical meaning. From the methodological point of view, this issue gets involved in a twofold relation between philosophy and aesthetics. On the one hand, we intend to resort to the critical tools brought by philosophers (Deleuze & Guattari, Judith Butler) in order to question the unthought and normative presuppositions that underlie the psychoanalytical viewpoint on body ; in the same time, this process lets the rational categories evolve under the pressure of some specific psychoanalytical results. On the other hand, the reference to art (literature, visual arts, cinema, body performances) will be used as touchstone and source for the reinvention of the analytical conceptual network ; conversely, the clinical investigation and formalisation lead to redefine and to shift the basic frameworks of aesthetic discourse (representation, surface, form, sublimation…). As main thread and research hypothesis, we explore the harmonics of the « sinthome », a concept extracted by Lacan from his thoughts about art and writing, so as to comprehend the conditions of subjective invention in its bodily dimension

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Lamandé, Jocelyne. "Camille Claudel, de la création à la folie". Thesis, Rennes 2, 2013. http://www.theses.fr/2013REN20002.

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Camille Claudel, une artiste de génie au destin hors du commun a suscité de nombreux travaux. Les esthéticiens de l'art, les historiens, les psychanalystes ont tissé autour de Camille Claudel un réseau extrêmement dense d'interprétations autour de sa vie, de son art. Dans ce projet, il s'agit d'examiner le rapport qu'entretient cette artiste avec ses oeuvres et cela à partir de ses correspondances, de ses écrits. La sculpture semble avoir pour elle, une place particulière. Cette passion viserait elle à promouvoir un certain discours ? Il s'agit d'examiner les fragments de sens épars dans ce matériel écrit pour tenter d'analyser ce dont il est question pour cette femme singulière et de tenter de saisir l'artiste dans sa vérité. Ce travail vise à apprécier le sens de cette passion, de cette inscription dans le réel de cet acte de création au-delà de toute considération esthétique. Cette approche dans le champ de la psychanalyse permet la mise en oeuvre d'une clinique différentielle et de travailler sur un témoignage à partir des écrits de l'artiste
Camille Claudel, a genius artist with an unusual destiny, sparked off a lot of work. Estheticians, historians, psychoanalysts have woven around this women an extremely dense network of interpretations concerning her life and her art. This artist has a special connection with her pieces of art. This work aims to assess the meaning of this passion, of this inscription in the real of this act of creation, over and above all esthetic consideration.This work is about to examine from her correspondence, her writings, the scattered meanings of the fragments in this written material in order to try to analyze what it is about for this singular women and to attempt to understand the artist in her verity. This approach, in the field of the psychoanalysis, allows to do a reflection centered on the real of the artist and on her initiative to treat it

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Dannecker, Karin. "Kunst, Symbol und Seele : Thesen zur Kunsttherapie /". Frankfurt am Main ; New York ; Paris : P. Lang, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36971404x.

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Varenne, Katia. "Le fantasme de fin du monde. Etude psychanalytique du fantasme dans la clinique, l'art et la culture". Paris 7, 1996. http://www.theses.fr/1996PA070067.

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Le fantasme de fin du monde est pense comme projection sur le monde extérieur d'un chaos des investissements ou d'un désinvestissement objectal en quête de représentations. L'approche psychanalytique est privilégiée a partir des rêves et des délires. L'aspect économico-dynamique est aborde dans le contexte culturel; en particulier dans l'art ou dans différentes formes sublimatoires utilisant ce fantasme (par exemple dans l'œuvre graphique de Léonard de Vinci), ou manifestant d'une fin de la représentation objectale comme dans l'art abstrait, a partir des théorisations de Kandinsky); l'aspect dramatique de "perte de la culture" sera privilégié a partir de l'œuvre de S. Zweig et de son suicide ainsi qu'a partir de contextes culturels particuliers fédérés à des textes prophétiques ou apocalyptiques
The end of the world phantasm is thought as a projection on the outside world of a chaos of cathexis or a withdrawal of cathexis in quest of presentation. Psychoanalytic approach from dreams and delirium is favoured. The economic-dynamic aspect is considered in the cultural context particulary in art or in different sublimatory forms using this phantasm (i. E. In Leonardo da Vinci's graphic work) or pertaining from an ending of figurative representation as in abstract art (from Kandinsky's theories). The dramatical aspect of "loss of the culture" will be studied in view of S. Zweig's work and his suicide as welle as specific cultural contexts in relation with prophetic and apocalyptic writings

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Rozprawy doktorskie na temat „Psychanalyse et arts”

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