Rozprawy doktorskie na temat „Rafael (1970-....)”

La collection “Espejo de España”, créée en 1973 par le directeur littéraire Rafael Borràs Betriu pour le compte des Editions Planeta, répond à une attente particulière du lectorat de l’époque. Cette collection survient dans le marché éditorial alors que la dictature franquiste vit ses derniers soubresauts et que s’annoncent des changements politiques majeurs. Dans ce contexte, après une dictature dont l’un des soucis fut la préservation d’une mémoire officielle univoque, les volumes de la collection « Espejo de España » apportent des éclairages plus équilibrés sur l’histoire immédiate du pays, ce qui est rendu possible par une censure moins sévère par la force des choses. De ce fait, le lecteur trouve dans ces ouvrages des éléments qui lui permettront de mieux appréhender l’instant historique de la transition démocratique. Cependant, cette collection est l’aboutissement d’un parcours intellectuel que Rafael Borràs débuta au milieu des années cinquante dans le monde du livre. Il créa tout d’abord une revue culturelle à l’esprit ouvert, La Jirafa, puis travailla successivement dans plusieurs maisons d’édition au sein desquelles il affina des projets tournés vers la récupération d’un passé proscrit par la dictature. En outre, l’aboutissement d’ « Espejo de España » ne peut s’entendre que par l’alliance objective de deux dynamiques complémentaires. La collection voit le jour aux éditions Planeta et bénéficie donc de toutes les facilités inhérentes à une maison d’édition prospère économiquement. Qui plus est, cette collection est portée de manière relativement autonome par son directeur Rafael Borràs qui trouve ainsi les moyens de la diffuser à une échelle assez large
The collection entitled “Espejo de España”, which was created in 1973 by literary director Rafael Borràs Betriu on behalf of Planeta Publishings, came up to the specific expectations of the readership of that time. This collection was issued in the publishing market while the Francoist dictatorship was drawing to a close and major political events were about to emerge. Within this context, in the aftermath of a dictatorship whose main concern had been the preservation of a one-sided official memory, the volumes of the collection “Espejo de España” shed a more balanced light on the immediate history of the country, which was made possible both by a less severe censorship and by force of circumstances. In this respect, these books provide the reader with a real insight into the democratic transition and allow a better grasp of its historical scope. However, this collection is the outcome of an intellectual path initiated by Rafael Borràs in the book world in the middle of the fifties. He first created “La Jirafa”, a cultural review with an open-minded outlook, and then went on to work successively within several publishing houses, which allowed him to refine his projects focused on the recuperation of a past proscribed by the dictatorship. Furthermore, the outcome of “Espejo de España” can only be fully grasped through the objective alliance of two complementary dynamics. The collection came to light in Planeta Publishing and was therefore furthered by a publishing house which was economically prosperous. What is more, this collection was supported in a relatively autonomous way by his director Rafael Borràs who was then able to issue it on a fairly large scale

La catástrofe ha sido un elemento central en el teatro clásico, núcleo de la producción de las emociones trágicas y estrategia conclusiva dentro de la estructura dramática. Sin embargo, en escrituras contemporáneas, parece haber quedado liberada de justificaciones derivadas del encadenamiento causal de los hechos de la trama, así como de sus dimensiones morales o políticas. En el teatro de Rafael Spregelburd, es un recurso para romper la causalidad, permitir la irrupción del azar y ensayar una dramaturgia no lineal. Precisamente, la inserción de elementos inesperados en el desarrollo del drama obliga al espectador a (re)preguntarse por la relación entre los hechos y a replantear sus interpretaciones de la realidad, pero, sobre todo, a indagar en el sentido de estos órdenes más complejos que parecen resistirse a ser nombrados por medio del lenguaje. De esa manera, la obra Todo (2011), por medio del juego de causalidades complejas y de estrategias tomadas de la parodia, revela cómo, con el devenir del tiempo, las ideas de Estado, arte y religión, discursos creados para interpretar la experiencia y organizar la sociedad, han entrado en crisis y se han vaciado de contenido.
Tesis

Que peut-il y avoir à penser entre jeu et politique ? A priori, peu de chose. Cette thèse questionne pourtant l’écart apparent entre le mode ludique et la perspective politique à l’heure où cette dernière est sommée de renouveler ses formes et ses moyens au théâtre dans le cadre d’un désaveu de l’activité politique plus général depuis la fin des années quatre-vingt. Dans un dialogue ouvert entre l’expérience latino-américaine et le reste de la scène internationale, il s’agit d’observer en quoi le modèle du jeu participe au travail de redéfinition d’un théâtre qui se voudrait politique aujourd’hui. D’une part, il permet d’appréhender les transformations du contexte théâtral latino-américain à la fin du XX° siècle qui voit son modèle de théâtre politique engagé remis en question. D’autre part, il devient un outil pour étudier les textes de Fabio Rubiano (Colombie, 1963) Rafael Spregelburd (Argentine, 1970) et Gabriel Calderón (Uruguay, 1982), dans leur articulation spécifique au politique. Se dessine alors une politique du jeu, dans les pas de Jacques Rancière et de sa « politique de l’esthétique », qui dispose la perspective politique, en tant que critique du présent et désir de transformation, depuis un rapport au réel, une production de sens et une conception du spectateur qui lui sont propres. Entre jeu et politique, deux dynamiques majeures s’établissent au sein du corpus. Le jeu s’offre d’abord comme un moyen paradoxal de critique. Il dispose des hétérotopies ludiques qui mettent à distance le présent pour mieux faire la peinture dystopique de ses failles et ses manquements. Dans un second temps ou simultanément, il brouille cette première interprétation critique par des expérimentations formelles et fictionnelles qui mettent l’accent sur la créativité elle-même. Si la portée utopique de ces expérimentations varie selon les textes et les auteurs, toutes participent à formuler les prémices de transfigurations à venir
At first glance, there is not much to be said about the relation between play and politics. And yet, this thesis questions the gap between playful mode and political perspective at a time when the latter is being asked to renew its theatrical forms and means in a more general context of disavowal of the political practice since the end of the 1980s. As part of an open dialogue between the Latin-American experience and the rest of the international scene, this work focuses on the ways in which the play model participates in a redefinition of a theatre striving to be political. First, it allows for the apprehension of transformations within the Latin-American theatrical context of the end of the 20th Century when its model of a politically engaged theatre was being questioned. Furthermore, it becomes a tool to study texts by Fabio Rubiano (b. 1963, Colombia) Rafael Spregelburd (b. 1970, Argentina) and Gabriel Calderón (b. 1982, Uruguay), and their specific articulation to the political. A politics of play, following Jacques Rancière’s “politics of aesthetics”, is being charted here, and it allows for the political perspective to exist as a critique of the present and as a desire for transformation, based on its own relation to the real, production of meaning and idea of the viewer. Between politics and play, two main directions can be drawn out within this corpus. Play first functions as a paradoxical means for a critique. It creates playful heteropias which distance themselves from the present to better outline the dystopic map of its flaws and failures. Subsequently or simultaneously, it complicates this first critical interpretation with formal and fictional experimentations which put forth creativity itself. Although the utopic impact of these experimentations varies according to the text and its author, they still participate in formulating the premise of a transformation to come
¿Qué relaciones podemos establecer entre juego y política? Supuestamente, muy pocas. Esta tesis quiere sin embargo cuestionar la aparente divergencia entre el modo lúdico y la perspectiva política cuando ella se encuentra con la obligación de repensar sus formas dentro de un contexto de sospecha general hacia la actividad política desde el final de los años ochenta. A través de un dialogo abierto entre la experiencia latinoamericana y los escenarios teatrales internacionales, este estudio observa como el modelo del juego participa en redefinir un teatro político para hoy en día. Por una parte, el juego permite entender las transformaciones experimentadas por el contexto teatral latinoamericano al final del siglo XX frente a las alteraciones de su modelo dominante de teatro político comprometido. Por otra parte, permite estudiar los textos de Fabio Rubiano (Colombia, 1963) Rafael Spregelburd (Argentina, 1970) y Gabriel Calderón (Uruguay, 1982), en su articulación especifica con lo político. Allí surge una política del juego, en los pasos de la reflexión sobre la “política de la estética” por Jacques Rancière, que dispone la perspectiva política, como crítica hacia el presente y deseos de transformación, desde una relación con lo real, una producción de sentido y una concepción del espectador que le son propios. Entre juego y política, dos dinámicas principales se desarrollan en los textos. Primero, el juego se presenta como una medio paradoxal para la crítica. Dispone heteropías lúdicas que se distinguen de la realidad para poder pintar de manera distópica las fallas y los mancamientos del presente. Después o simultáneamente, el juego desordena la interpretación critica inicial a través de exploraciones ficcionales y formales que subrayan la creatividad en sí misma. La dimensión utópica de estas experimentaciones va cambiando según los textos y los autores pero todas obran a constituir las premisas de unas transfiguraciones por venir

A partir de l'exemple de la politique d'armement de la France prise sous l'angle du programme d'avion de combat Rafale, la thèse se propose de mettre en évidence l'existence d'un rapport entre l'influence des acteurs réunis dans un réseau d'action publique et la force de la logique guide d'une politique publique sectorielle: plus la logique sectorielle est incertaine, c'est à dire que l'on se trouve dans une période de transition entre deux logiques, plus la capacité d'influence des réseaux et des acteurs non médiateurs de la logique émergente sera forte, en l'absence de médiateurs. Inversement, dés lors que la médiation se fait, les réseaux et acteurs non médiateurs voient leur capacité d'influence diminuer.

A partir d'un examen critique des sources primaires, la these analyse les conditions de l'apparition, du developpement puis de la disparition de la dictature dominicaine. L'occupation nord-americaine entre 1916 et 1924 permet la constitution d'une armee entrainee aux taches policieres. Trujillo peut ainsi s'emparer du pouvoir. Il organise un puissant appareil militaire, bureaucratique et politique et se fait le chantre de l'ordre panamericain. Le massacre de milliers d'haitiens en 1937 marque le debut d'une grave crise. Avec la deuxieme guerre mondiale la dictature retrouve sa place en amerique. Mais au sortir de la guerre, trujillo doit lutter contre divers perils : le departement d'etat nord-americain, l'opposition ouvriere et sociale et les exiles, soutenus par plusieurs gouvernements. Avec la guerre froide, la dictature atteint son apogee. Trujillo se veut le porte-drapeau de l'anticommunisme dans la region. La politique d'immigration, l'alliance avec franco, le concordat avec le vatican et le projet de phare a colomb sont celebres. Le degel reduit l'espace politique de la dictature. La maison-blanche donne la priorite a l'elimination de castro. L'eglise se desolidarise de trujillo qui menace l'ordre regional. Washington finit par rompre les relations diplomatiques. Un attentat est favorise en 1961. Le dictateur y trouve la mort. En s'effondrant, la dictature laisse une situation inextricable : en 1965, les marines debarquent a nouveau. Efficace relais de l'empire, le regime accumule les contradictions en son sein avant de les liberer brutalement, ebranlant l'ordre panamericain. Ni marionnette, ni independant, trujillo se definit comme un vassal de l'empire
Based on a critical examination of the primary sources, the doctoral thesis analyses the conditions of the rise and fall of the dominican dictatorship. The north american occupation, from 1916 to 1924, allows to build up an army trained to the police tasks. Thus, trujillo can take over the power. He organizes a strong military, bureaucratic and political machinery and sets himself up as the supporter of the panamerican order. The slaughter of thousands of haitians in 1937 marks the beginning of a severe crisis. Thanks to the second world war the dictatorship recovers its place in america. But a the end of the war, trujillo has to fight off several dangers : the north american state department, the labour and social opposition and the exiles, supported by several governments. After the cold war, the dictatorship reaches its climax. Trujillo presents himself as the standard bearer of the anticommunism in the area. His immigration policy, the alliance with franco, the concordat with the vatican and the planed lighthouse to columbus are glorified. The thaw reduces the political roop of the dictatorship. The white house considers castro's elimination as a priority. The church dissociates itself from trujillo who threatens the imperial order. Washington breaks the relations. An attempt is furthered in 1961. The dictator finds death. The fall of the dictatorship leaves an inextricable situation : in 1965, the marines land again. Efficient relay of the empire, the regime accumulates contradictions before releasing them roughly, shaking the panamerican order

És una tesi de caràcter monogràfic sobre Rafael Benet i Vancells (Terrassa 1889-Barcelona 1979), centrada en el periode anterior a la guerra civil. Atesa la seva intensa implicació, des dels anys de formació, amb els protagonistes i les directrius de la política cultural noucentista, el treball esdevé una aportació a l'estudi del Noucentisme.

La doble dimensió de Rafael Benet com a pintor i com a critic ha requerit que la investigació s'orientés en una primera fase a establir el catàleg de la seva obra escrita (Part II) i el catàleg raonat de la seva obra pictòrica (Part III). En el primer cas, una recerca exhaustiva ha donat com a resultat un conjunt extraordinari de treballs publicats que evidència la continuada i àmplia labor de Rafel Benet corn a critic d'art en publicacions periòdiques, molt especialment a "La Veu de Catalunya", diari en el qual comença a col.laborar el 1912 i on serà responsable de la secció d'art ininterrompudament des de 1912 a 1936. La constitució del catàleg de l'obra pictòrica i la corresponent anàlisi critica, amb la presentació per primera vegada de nombroses peces inèdites, permet de seguir l'evolució del pintor. Aquest catàleg juntament amb el dels seus treballs escrits són les dues fonts bàsiques per a l'elaboració de la Part l, on es reconstrueix la personalitat del pintor i la trajectòria del crític, protagonista destacat de la cultura artística de la Catalunya del primer terç del segle XX, dels anys de desenvolupament del Noucentisme.

La figura de Rafael Benet planteja molt particularment les relacions entre Noucentisme i avantguarda. En un primer moment al voltant de 1917, quan es generen a Catalunya una sèrie de manifestacions avantguardistes a partir de la recepció del cubisme, el futurisme i el dadaísme, que serà per a Rafael Benet el moment de l'Agrupació Courbet. El 1925, arran d'un viatge a París, s'inicia un procés de represa amb l'avantguarda que durà a Benet a una critica al conservadurisme imperant a Catalunya en art i arquitectura i a adoptar un paper impulsor del clima d'avantguarda que tindrà en Sebastià Gasch i Salvador Dalí els protagonistes més significatius. Paral.lelament es va plantejant el problema entre el Rafael Benet crític i el Rafael Benet pintor, amb orientacions de vegades contraposades.

Al fil de la trajectòria de Rafael Benet són tractats alguns temes amb deteniment, incorporant-hi nombroses aportacions, entre ells es poden citar: els relacionals amb els seus anys de formació a Terrassa, l'Escola de Francesc d'A. Galí, l'Agrupació Courbet i el paper de Joan Miró, o la relació amb Sebastià Gasch.

Esta tese pretende analisar as imagens de mulheres no semanário A Paródia (1900-1905) de Rafael e Manuel Gustavo Bordalo Pinheiro, tendo particular ênfase na ironia que perpassa em toda a obra gráfica de Bordalo. Para o efeito, dividimos a tese em três capítulos. No primeiro, fazemos a caracterização do nosso objeto de estudo: conceitos de jornalismo satírico, a integração da caricatura como género literário, as características da notícia satírica e alguns conceitos de sátira gráfica. Analisamos este jornal na história do jornalismo e do jornalismo satírico da época em que foi publicado, referindo alguns exemplos estrangeiros. Por fim, traçamos a biografia dos seus principais criadores. No segundo capítulo, contextualizamos a época em questão, tanto ao nível político como artístico e em termos da história das mulheres. Finalmente, referimos o papel que a imprensa desempenha na construção de género. No terceiro capítulo, temos especial atenção com as ferramentas que nos vão permitir fazer a análise: a iconologia, a literacia visual e aquele que pode ser considerado o código próprio da caricatura. Este código é subsidiário da Teoria Geral do Humor Verbal e da análise do discurso humorístico. O ato humorístico, segundo Charaudeau, utiliza tanto procedimentos linguísticos como discursivos e tem os seus efeitos de conivência. Após referirmos a importância da Imagologia, procedemos à análise de estereótipos de atrizes estrangeiras, à análise de imagens de outras mulheres que foram representadas n’ A Paródia, referimos a condição dos estereótipos detetados como redução do papel da mulher na época e, finalmente, procedemos a uma análise de estereótipos de representações femininas de personagens masculinos, que se podem considerar os travestimentos tão comuns em Rafael Bordalo Pinheiro; Abstract: This doctoral thesis aims to analyse women’s images in the weekly newspaper A Paródia (1900-1905) by Rafael and Manuel Gustavo Bordalo Pinheiro, with emphasis on the irony that spreads through the entire graphic work of Bordalo. With this purpose in mind, we proceeded to the division of the thesis in three chapters. In the first one, we characterize our object of study: concepts of satirical journalism, the integration of the caricature as a literary genre, the characteristics of satirical news and some concepts of graphic satire. We analyse this newspaper in the history of journalism and of satirical journalism until the time it was published, referring to some foreign examples, like French, Brazilian and North American. Finally, we refer to the biography of its main creators. In the second chapter, we contextualize the period in question, politically, artistically and in terms of women's history. Finally, we mention the role that the press plays in construction of gender. In the third chapter, we consider the tools that will allow us to develop the analysis: iconology, visual literacy and what can be called the caricature's specific code. In order to understand it we need to consider the contributions of the General Theory of Verbal Humor as well as humorous speech analysis. The humorous act according to Charaudeau involves linguistic and discursive procedures and has its own effects of connivance. After considering the importance of Imagology, we analyse the stereotypes of foreign actresses, as well as the images of other women represented in the newspaper, we refer to the condition of the stereotypes detected and which were determinant to reduce the role of women at the time, and finally we analyse female stereotypes representation of male characters, which can be called the travestisms that were so frequent in Rafael Bordalo Pinheiro.

L’avion de combat Rafale est l’aboutissement du programme d’armement le plus important jamais engagé par l’armée de l’air puisqu’il sera, à terme, l’unique avion de chasse en service dans les armées françaises. Par conséquent, il structurera les forces aériennes françaises au moins jusqu’en 2040. Le programme Rafale conjugue des enjeux opérationnels, politiques, industriels et financiers majeurs et constitue à ce titre la quintessence d’un programme d’armement majeur. Cette caractéristique fondamentale nécessite d’adopter une approche transverse afin d’appréhender le plus largement possible les différents enjeux relatifs à sa conduite. Le programme Rafale connaît une trajectoire singulière. Après une première phase de définition s’effectuant dans le cadre d’une coopération européenne, le besoin opérationnel est finalement revu et affiné dans un cadre uniquement national. Cette phase de maturation débouche sur le lancement d’un programme conjoint à l’armée de l’air et à la marine nationale dont la réalisation dans les années 1990 se heurte aux ajustements budgétaires post-guerre froide. Suite à sa mise en service opérationnel au milieu des années 2000, le Rafale est employé avec succès dans les opérations en Afghanistan et en Libye auxquelles la France participe. Parallèlement, l’avion français débute sa campagne d’exportation dont les enjeux sont particulièrement importants pour la politique de défense française. Celui-ci connaît une première consécration avec la décision indienne en janvier 2012 d’engager des négociations exclusives en vue d’acquérir le chasseur français
The Rafale fighter is the outcome of the most ambitious armament program ever engaged by the French Air Force. Projected to be the only fighter serving in the French military in the coming decades, it will shape the French Air Forces until 2040. The Rafale program intertwines military, political, industrial and financial interests at the highest levels of the French government and represents the essence of a French major armament program. This essential feature requires a comprehensive approach in order to meet this broad array of interests. The Rafale program has had a specific trajectory. After an initial definition stage which took place in the context of European cooperation, the operational need was finally reviewed on a national basis. This phase resulted in the official launch of the Rafale program both for the French Air Force and the French Navy. During the 1990s, it faced a severe budget constraint which hampered development and production. Following its initial operating capability in the mid-2000s, the Rafale fighter was successfully employed in operations in Afghanistan and Libya. Simultaneously, the Rafale began its marketing campaign to win international bids. The Rafale realized its first achievement with India’s decision, in January 2012, to purchase the French fighter

Le sujet poetique chez lorca et alberti s'inscrit dans l'heritage du symbolisme. La premiere partie etudie le modele orphique du sujet, et ses rapports avec la poesie cubiste. Le questionnement sur l'identite du "yo", a la fois heritier du sujet moderniste et symbole du poete, conduit a une crise du sujet, a la reintroduction du biographique, et a un decalage entre le sujet de l'enonce et le sujet de renonciation. La deuxieme partie est une analyse de renonciation, qui qui fonde selon k. Hamburger le sujet poetique. L'etude des marques de premiere personne, des deictiques, des temps verbaux et des modalites de la phrase montre la cadence rythmique qu'introduit l'inscription du sujet dans le langage poetique. La refondation du rythme par la syntaxe est a l'origine d'une transgression de renonciation. La polyphonie enonciative des oeuvres pose le probleme de la linearite du sujet poetique. La distinction entre discours cite et discours citant aboutit a l'analyse de l'interlocution : "iglesia abandonada" montre la complementarite de l'heterologie et de l'homophonie a travers un sujet poetique a l'identite complexe. La troisieme partie etudie les rapports d'intertextualite entre sujetet objet. L'orientation vers un "tu" fait du discours poetique un dialogue du sujet avec lui-meme et une introspection de l'autre. Le langage evocatoire et l'esthetique du fragmentaire dans sobre los angeles et sermones y moradas: le langage evocatoire questionnent l'heritage romantique. La deconstruction de l'univers symbolique de sa et la figure de l'homme inhabite correspondent a une critique de la societe, plus violente dans sm, marque par l'influence surrealiste. Dans poeta en nueva york, le point de vue, la multiplanearite du texte et les codes poetique, cinematographique et pictural ne remettent pas en question l'objet, dont l'influence de mire souligne le caractere metaphysique. Des concordances lexicales comparees des trois ~uvres figurent dans le deuxieme volume.

Spatialisation, forme ouverte, musique répétitive, théâtre musical, sérialisme, dodécaphonisme, diatonisme, chromatisme, géométrie fractale, électroacoustique et recherches sonores de la musique concrète, alliance musique-science-technologie, multiplicité stylistique, sont, globalement, les notions centrales qui caractérisent l'orientation musicale et esthétique de la musique portugaise des années 90. Ces notions sont illustrées par des exemples tirés des catalogues d'oeuvres de quatre compositeurs et ensuite exemplifiées par des analyses de quatre pièces pour piano : "Mirrors" d'António Pinho Vargas, "Réitérations" de João Rafael, "Pirâmides de Cristal" de João Pedro Oliveira et, "Estudos de sonoridades" de Filipe Pires. Des questions sur l'interprétation sont également soulevées. A travers la notion de geste musical, il nous a été possible par cette étude de confronter interprétation musicale et interprétation analytique. Cette confrontation, nous en rendrons compte succintement en postface. La place de cette réflexion répondant peut-être au choix d'un lien aujourd'hui établi qui aura permis ce travail - de l'exécution à l'analyse -, le même enfin - de l'analyse à l'interprétation
Spatialization, open form, repetitive music, music-theatre, serialism, dodecaphonism, diatonicism, chromatism, fractal geometry, electroacoustic and sound explorations of concrete music, alliance music-science-technology, stylistic multiplicity, are altogether the key notions that characterise the musical and aesthetic orientation of Portuguese music during the nineties. These concepts are illustrated by examples drawn from the work list of four composers and then exemplified by analyses of four piano pieces : "Mirrors", by António Pinho Vargas, "Réitérations", by João Rafael, "Pirâmides de cristal", by João Pedro Oliveira and "Estudos de sonoridades", by Filipe Pires. Issues on interpretation are also raised. Using the notion of musical gesture, the present study confronts musical interpretation and analytical interpretation, as discussed in the postscript. This reflexion resulted from the establishment of a new association, that ultimately made this work possible - from performance to analysis - or else - from analysis to interpretation

Le présent mémoire s’emploie à analyser la manière dont l’ironie supporte dans les trois romans de Rafaële Germain (Soutien-gorge rose et veston noir, Gin tonic et concombre et Volte-face et malaises) une parole métaféministe, soit un féminisme actualisé, en continuité avec les luttes passées et qui s’intègre à l’écriture plutôt que d’en être le motif. Il est vrai, ces romans, comme toute bonne série de chick lit, ont d’abord pour objectif de divertir leurs lecteur·rice·s. Fidèles au genre, l’alcool, les conquêtes et les relations amoureuses tordues s’y côtoient. Il n’en demeure pas moins qu’omettre d’interroger ces textes en raison de leur côté rose bonbon consisterait en une erreur : les sourires qu’ils provoquent sont souvent annonciateurs de l’ironie qui s’y terre. Ce qui n’est pas anodin puisque l’ironie, comme le constate Lucie Joubert, recèle souvent un potentiel dénonciateur. Ainsi, malgré ce que les préjugés entourant ce genre associé à la littérature de grande consommation laissent supposer, il ne se cache pas seulement une douce étourderie sous ces premières de couverture colorées. En prenant principalement en compte les relations interpersonnelles que les différentes héroïnes entretiennent avec leur entourage, c’est-à-dire avec leur mère, leur père, leurs ami·e·s, et leurs amoureux, ce mémoire exposera que l’ironie joue en quelque sorte un rôle de gardien qui les prémunit contre certaines constructions sociales particulièrement coriaces (par exemple qu’une femme doit absolument partager sa vie avec un homme, peu importe lequel, pour espérer être heureuse). Sans sombrer dans un optimiste débonnaire, puisque la chick lit reconduit, il faut en convenir, plusieurs stéréotypes de genre associés au féminin et au masculin, en même temps qu’un discours hétéronormatif restreignant, cette analyse démontrera que l’ironie permet aux romans de s’inscrire dans une trajectoire métaféministe, tout en prenant çà et là du recul vis-à-vis des discours plus conservateurs.
This thesis aims to analyze the ways in which irony supports a metafeministic voice, a contemporary feminism, in continuity with past struggles, which is integrated into the writing rather than being the motive in Rafaële Germain's novels (Soutien-gorge rose et veston noir, Gin tonic et concombre et Volte-face et malaises). Certainly, these novels, like any good series of chick lit, are primarily intended to entertain their readers. True to the genre, alcohol, conquests and twisted relationships rub shoulders. Nevertheless, omitting to analyze these texts due to their rosy-candy nature would be a mistake: the smiles they induce often herald the irony within these words. As observed by Lucie Joubert, this is not trivial since irony often conceals a potential whistleblower. Thus, despite the prejudices surrounding this genre associated with mass-consumption literature, look beyond the giddiness of their colorful covers. By mainly considering the interpersonal relationships that the various heroines have with their entourage, that is their mother, father, friends, lovers, this thesis sheds light on how irony plays, in a way, the role of a guard that protects them against certain particularly stubborn social conceptions. (For example, that a woman must absolutely share her life with a man, any man, if she wishes to be happy.) Always without indulging into a debonair optimism since the chick lit perpetuates many gender stereotypes associated to both, women and men – simultaneously a restrictive heteronormative speech – this analysis will demonstrate that irony allows novels to be part of a metafeminist trajectory, and take a step back, here and there, towards more conservative speeches.

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CAPES
Nesta dissertação, buscamos investigar os sentidos da existência humana à luz da filosofia de Sartre, mais especificamente em sua obra O Ser e o Nada (1943). Partimos da compreensão do filósofo de que, no que diz respeito à realidade humana, a existência precede a essência e, portanto, não é possível a este modo de ser contar com sentidos prévios ao seu existir. Procuramos, a partir disso, indagar as condições de possibilidade nas quais os sentidos da existência humana aparecem e se constituem. Afinal, se os sentidos não estão dados previamente, cabe questionar de que modo eles são feitos. Com o intuito de investigar os sentidos, portanto, procuramos, ao longo do texto, apresentar as condições de existência do Para-si e sua relação com o mundo – relação na qual o sentido se mostrará fundamental.
In this dissertation, we aim to investigate the meaning of human existence based on Sartre’s philosophy, precisely on his work “Being and Nothingness” (1943). Starting with the philosopher comprehension about the human reality, that the existence precedes the essence, thus, it’s not possible for this kind of being to depend on prior meanings before its existence. We’ll search, with this bottom support, to ask the conditions of possibilities which the meaning of human existence rises and its self-constituted. At last, if the meanings are not given previously, it’s proper to question how they are done. Intending to investigate the meanings, therefore, we’ll seek to show along this text, the conditions of existence of the Being-for-itself and its relation with the world – this relation will show itself extremely fundamental for the constitution of the meaning.

The topic of this diploma thesis is Argentine - U.S. bilateral relations during the rule of military junta in Argentina from 1976 to 1983. It deals with the most discussed topics such as human rights violations, grain embargo towards USSR, Falkland islands war, cooperation and competition in Central America, nuclear cooperation. It covers period from the fall of government of María Estela Isabel de Perón and the rise of military junta to the resignation of Leopoldo Galtieri and celebration of free elections in 1983 in Argentina. From the USA side it covers periods of the late Ford administration, entire Carter administration and first years of Reagan administration.

Une analyse de la situation des études italiennes sur la religion entre la fin du XIXème siècle et les années vingt du XXème fournit le cadre dans lequel Raffaele Pettazzoni a entrepris sa carrière. La biographie intellectuelle de l'historien italien est retracée à travers une enquête sur ses études et ses lectures, sur les rapports qu'il a entretenus avec les savants italiens et européens de son époque, sur les œuvres qu'il a publiées. Après avoir décrit sa conception de l'histoire des religions, qu'on peut qualifier d'"historiciste", on passe à l'étude de la formation de Mircea Eliade, dans laquelle on souligne l'importance du milieu culturel philosophique, religieux et politique roumain des années vingt et trente, de l'expérience indienne et de la lecture d'ouvrages "traditionalistes"; quelques thèmes centraux de la perspective historico-religieuse eliadienne sont ensuite abordés : l'analyse de la méthode comparative pratiquée par Eliade et de la notion d'archétype montre les liens entre la "morphologie" du savant roumain et la phénoménologie philosophique; l'étude du concept de symbole permet d'éclaircir la signification et les caractères de l'"herméneutique" qu'il a élaborée. Les conceptions d’Eliade et de Pettazzoni sont ensuite rapprochées, pour évaluer l'influence que les deux savants ont exercée l'un sur l'autre et pour montrer comment leurs différences d'opinions ont donné lieu à un éclaircissement de leurs positions respectives. Pettazzoni et Eliade peuvent être considérés comme les symboles de deux façons opposées de concevoir l'histoire des religions: le premier privilégiant ce qui est soumis aux variations de l'histoire, le second les éléments invariables; dans leur débat se reflètent les termes du débat plus général sur le statut épistémologique de l'histoire des religions contemporaine.

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FAPES
A galanina (GAL) é um peptídeo presente no SNC de vários mamíferos, inclusive do homem. Foram clonados 3 receptores diferentes para a GAL, GALR1 e GALR3, inibitórios, e GALR2, excitatório. A distribuição da GAL em estruturas envolvidas com o controle das emoções, assim como estudos comportamentais sugerem que a GAL esteja envolvida na neurobiologia da ansiedade. O seu efeito parece depender tanto do sítio de administração quanto do subtipo de receptor envolvido. O núcleo dorsal da rafe (NDR) destaca-se pela presença de neurônios serotoninérgicos, importantes para mediar o efeito antidepressivo de diversos fármacos. Cerca de 40 % dos neurônios do NDR co-expressam serotonina (5-HT) e GAL. A ativação de GALR1 pelo peptídeo nessa estrutura diminui a taxa de disparo dos neurônios serotoninérgicos no NDR. Resultado prévio do nosso laboratório mostrou efeito ansiolítico da GAL intra-NDR de ratos expostos ao Labirinto em T elevado (LTE), mas nenhum efeito na fuga, relacionada ao pânico. Uma das limitações do modelo utilizado é que a fuga (latência para deixar o braço aberto) normalmente ocorre em poucos segundos, de forma que detectar o efeito panicogênico (menor latência de fuga) pode ser difícil. Dessa forma, um dos objetivos do presente estudo foi investigar o efeito da GAL intra-NDR de ratos em outro modelo experimental de pânico, a estimulação elétrica da matéria cinzenta periaquedutal dorsal (MCPD), mais sensível à detecção do efeito panicogênico. Além disso, considerando a existência de diferentes subtipos de receptores galaninérgicos (GALR1 e GALR2) no NDR com mecanismos de transdução opostos, inibitório e excitatório, respectivamente, é possível que a ativação de receptores GALR1 seja responsável por mediar o efeito ansiolítico/panicogênico, enquanto a ativação dos receptores GALR2 induza efeito ansiogênico/panicolítico. Nesse sentido, testamos essa hipótese usando um agonista seletivo para GALR1 (M617) e um agonista seletivo para GALR2 (AR-M1896) no NDR de ratos expostos ao LTE. A administração de M617 intra-NDR facilitou a esquiva inibitória nas doses de 1,0 e 3,0 nmoles, sugerindo um efeito tipo-ansiogênico, enquanto a administração do AR-M1896 intra-NDR na dose de 3,0nmoles prejudicou a esquiva inibitória, sugerindo um efeito tipo-ansiolítico, ambos sem alterar a atividade locomotora dos animais testados no campo aberto. Esses resultados são contrários à hipótese inicial. Também não foi observado efeito dessas drogas no comportamento de fuga do LTE. Posteriormente, foi testado o WAY100635 com o objetivo de verificar se a administração prévia deste antagonista 5-HT1A seria capaz de bloquear os efeitos observados com o agonista GALR2 nos animais submetidos ao LTE. O efeito ansiolítico do AR-M1896 foi atenuado pela administração prévia do WAY100635, na dose de 0,18nmol. Portanto esses resultados sugerem uma relação entre o efeito observado com o AR-M1896, a liberação de 5-HT e a ativação de receptores 5-HT1A. E finalmente, a GAL, na dose de 0,3nmol, aumentou de modo significativo, mas discreto, os limiares de salto e trote dos animais submetidos à estimulação elétrica da MCPD, sugerindo efeito panicolítico. Os resultados, como um todo, apontam que a GAL no NDR participa da mediação de respostas comportamentais relacionadas à ansiedade e, de forma menos evidente, ao Transtorno de Pânico. Os resultados mostram, ainda, que o efeito da GAL na ansiedade nesse subnúcleo depende do subtipo de receptor galaninérgico ativado.
Galanin (GAL) is a peptide present in the CNS of various mammals, including human being. Three different receptors have been cloned for the GAL, GALR1 and GALR3, inhibitory, and GALR2, excitatory. The distribution of GAL in structures involved in the control of emotions, and behavior studies suggest that GAL may be involved in the neurobiology of anxiety. The effect seems to depend on both the GAL administration site as involved receptor subtype. The dorsal raphe nucleus (DRN) is distinguished by the presence of serotonergic neurons, important to mediate the antidepressant effect of several drugs. About 40% of the neurons of the DRN co-expressing serotonin and GAL. The activation of GALR1 in this structure decreases the firing rate of serotonergic neurons in the DRN. Previous results from our laboratory showed anxiolytic effect of GAL intra-DRN in rats exposed to the elevated T maze (ETM), but no effect on the escape, related to panic. One of the limitations of this model is that the escape (latency to leave the open arm) usually occurs within a few seconds, so that detect panicogenic effect (low latency escape) can be difficult. Thus, one aim of this study was to investigate the effect of intra-DRN rat GAL in another experimental model of panic, electrical stimulation of the dorsal periaqueductal gray matter (DPAG), more sensitive to detect panicogenic effect. Furthermore, given the existence of different subtypes of galaninergic receptors (GALR1 and GALR2) in the DRN with opposite transduction mechanisms, inhibitory and excitatory, respectively, it is possible that activation of GALR1 receptors is responsible for mediating the anxiolytic/panicogenic effect while activation of GALR2 receptors induces anxiogenic/panicolytic effect. Accordingly, we tested this hypothesis using a selective agonist for GALR1 (M617) and a selective agonist for GALR2 (AR-M1896) in the DRN in rats exposed to ETM. The administration of M617 1.0 and 3.0 nmol in the DRN facilitated inhibitory avoidance, suggesting an anxiogenic-like effect., while administration of AR-M1896 3,0nmoles in the DRN impaired the inhibitory avoidance, suggesting an anxiolytic-like effect, both without changing locomotor activity of animals tested in the open field. Also there was no effect of these drugs on the ETM escape behavior. Later, the pre-treatment with WAY100635 was tested in order to verify that administration of a 5-HT1A antagonist would be able to block the effects seen with GALR2 agonist in animals exposed to ETM. The anxiolytic effect of AR-M1896 was attenuated by the prior administration of WAY100635 at a dose of 0,18nmol. Therefore these results suggest a relationship between the observed effect with the AR-M1896, the release of 5-HT and activation of 5-HT1A receptors. And finally, the GAL 0,3nmol intra-DRN increased significantly the jumpping and trotting thresholds of animals submitted to electrical stimulation of the DPAG, suggesting a panicolytic effect. Together, the results show that the GAL in the DRN participates in the mediation of behavioral responses related to anxiety and, less clearly, to Panic Disorder. The results also shows that effect of GAL on anxiety depends galaninergic subtype receptor activated.

Cette thèse convoque dans un premier temps la notion d’intericonicité afin de pouvoir, ensuite, analyser avec précision les créations de l’Équipe et l’évolution du recours à différentes opérations au fil des années. Il s’agit de définir des concepts tels que la “parodie”, le “travestissement”, “l’allusion”, la “citation”, la « mise en abyme », entre autres, à partir de leur acception littéraire, afin d’en proposer une adaptation au domaine pictural. Ces considérations sont complétées par une réflexion sur les différents degrés de métaiconicité. Cette thèse s’attache ensuite à mettre en avant les points communs et les différences des deux peintres avec d’autres courants artistiques tels que le Pop Art ou la Figuration narrative. Ces analyses ouvrent alors une étude sur les questions de « chronique » et de « narration » à travers les six premières séries créées par l’Équipe, qui sont mises en perspective avec leur contexte de création. Enfin, à travers l´étude des neuf séries suivantes (créés jusqu’en 1977), ces recherches s’attachent à mettre en évidence la présence des concepts de Mémoire, d’Histoire et d’histoire de l’art à travers des créations qui s’inscrivent dans une époque politiquement intense pour l’Espagne. Il s’agit, finalement, de démontrer que les peintres valenciens s’inscrivent non seulement dans l’histoire de l’art, qu’ils l’utilisent comme matériau, mais qu’ils deviennent des historiens de l’art à travers les réflexions métaiconiques proposées dans leur peinture. La conclusion revient largement sur le concept de métaiconicité, puis évoque les séries créées entre 1977 et 1981 afin de mettre en avant leur particularité face au corpus de cette thèse
This thesis first tackles the notion of "inter-iconicity" so as to then scrutinize the creations made by Equipo Crónica and the way their use of technique evolved throughout the years. The aim is to try and define concepts such as "parody", "transvestement", "allusion", "quotation" and "mise en abyme" - among others -, and, starting from their literary meaning, to suggest an adaptation of such terms to the pictorial domain. Such considerations are further detailed through the exploration of the various stages of meta-iconicity. This dissertation considers the points of convergence and divergence between the two painters at stake and the other artistic trends such as Pop Art or narrative Figuration. These analyses pave the way to a study of the concepts of "chronicle" and "narration" through the first six series created by the Equipe, that are then put into the context of their creation. Finally, through the study of the nine following series (created up to 1977), this research tries to shed light on the presence of the concepts of "Memory", "History" and the history of art through works of art that were created in a politically-charged context for Spain. Eventually, the aim is to show how Valencian painters inscribed themselves in the history of art which they used as a material, and at the same time how they turn into historians of art themselves, through meta-iconic reflections suggested in their paintings. The conclusion dwells on the concept of meta-iconicity and alludes to the series of paintings created between 1977 and 1981 so as to emphasize their particularities when compared with the rest of the corpus

Par les analyses croisées de six recueils de la poésie hispanophone du XXe siècle, cette thèse se propose de définir l'écriture poétique à travers son rythme. Ce dernier est envisagé relation avec la notion d'espace. Partant de l'association traditionnelle du rythme et de la métrique, la première partie observe comment l'espace métrique de l'écriture versifiée, par sa structure, ses frontières, met en jeu la loi et sa transgression. En revanche, la seconde partie considère l'espace comme " substance ", c'est-à-dire qu'elle observe l'écriture dans son déroulement même, d'abord langagier et phrastique. Centrée sur la figure de la ligne, cette seconde conception du rythme implique également la temporalité, contenue dans les mots (les verbes), et engendrée par l'agencement des phrases. Dans les recueils, cependant, la linéarité est parfois disloquée par différents phénomènes ayant trait au langage (dissolution de la syntaxe), au vers (enjambements, échelonnement) et à la spatialisation. Le dernier chapitre de la seconde partie est donc consacré à la visibilité de l'écriture sur la page. Cette dernière, corps de l'écriture, révèle dans le poème le corps de l'écrivant. C'est sur le sujet et ses différents visages et représentations que se centre notre dernière partie. Le rythme apparaît, enfin, comme une mosaïque d'espaces du discours et d'espaces de sens (et d'images) qui implique tout autant le locuteur que le lecteur.

Par les analyses croisées de six recueils de la poésie hispanophone du XXe siècle, cette thèse se propose de définir l’écriture poétique à travers son rythme. Ce dernier est envisagé relation avec la notion d’espace. Partant de l’association traditionnelle du rythme et de la métrique, la première partie observe comment l’espace métrique de l’écriture versifiée, par sa structure, ses frontières, met en jeu la loi et sa transgression. En revanche, la seconde partie considère l’espace comme « substance », c’est-à-dire qu’elle observe l’écriture dans son déroulement même, d’abord langagier et phrastique. Centrée sur la figure de la ligne, cette seconde conception du rythme implique également la temporalité, contenue dans les mots (les verbes), et engendrée par l’agencement des phrases. Dans les recueils, cependant, la linéarité est parfois disloquée par différents phénomènes ayant trait au langage (dissolution de la syntaxe), au vers (enjambements, échelonnement) et à la spatialisation. Le dernier chapitre de la seconde partie est donc consacré à la visibilité de l’écriture sur la page. Cette dernière, corps de l’écriture, révèle dans le poème le corps de l’écrivant. C’est sur le sujet et ses différents visages et représentations que se centre notre dernière partie. Le rythme apparaît, enfin, comme une mosaïque d’espaces du discours et d’espaces de sens (et d’images) qui implique tout autant le locuteur que le lecteur
Through the combined analysis of six poem books of contemporary Spanish poetry, this thesis aims to define poetic writings and its rhythm. Rhythm is considered in relation with the notion of space. Starting with the traditional association of rhythm and meter, the first part studies how the metrical space of the writing of verses, with its structures and boundaries, involves the law and its transgression. On the other hand, the second part considers space as a “substance”: poetic writing is analyzed through its development in the language and sentences. Centered on the figure of the “line”, the second conception of rhythm also implies temporality, which is included in the words themselves (the verbs) and generated by the combination of the sentences. However, in the poem books, sometimes linearity is deconstructed by different phenomenon that deal with language (the dissolution of syntaxes), verse (the enjambment, the dissemination on various lines), and the page. The last chapter is dedicated to the visibility of writing on the page. As a concretization of the writing act, the page is also a revelation of the writer of the poem. Our third and last part is centered on the subject, its different faces and representations. Rhythm appears, at last, as a mosaic of discursive and semantic spaces that imply the speaker as much as the reader

The fundamental objective of this PhD dissertation is to analyze the architecture thanks to some strategies coming from recent theories developed inside and outside the traditional and usual disciplinary field of architecture. For example, the theory that to confront is to relate. As Paul Ricoeur proposes in one of his books on the theory of poetics, where poetics is the confrontation between the parts. Therefore, the dialogue generated between subjects and between objects from different historical periods through abstractions is the main objective of this dissertation. The concern started when the research intended to identify where is and how the relationship between different times and spaces in a building was carried out, what things remain and what are the innovations in this type of intervention. From the foregoing, I propose the hypothesis that the abstraction of references in the tangible and intangible vestiges of ancient buildings makes the intervention a historical synthesis that generates new relationships between subjects and objects from different eras. It is at this point that the intention to preserve memory is reinforced by the appreciation of the space where it can be found, from an object to a city. The controversy begins when we ask ourselves: what is the best way to intervene in an old building? Times and spaces are synthesized in the chosen cases of study, contemporary museums in coexistence with archaeological remains and historical architectures. The systematic way in which the projection process of a building is carried out is not simple, since it is necessary to establish a series of factors in an orderly manner to arrive at the best result. This order varies according to the architectural program that is intended to develop, so something that could seem a problem such as the fact that there is no single procedure is an advantage, because it allows you to turn to a specific strategy with a unique result. It is considered that having a specific strategy is to establish an ethical position regarding the history of the place and other conditions, so the order and hierarchy that are given to these factors will cause the result to vary from one building to another or from one author to another. History, conceived as a set of facts that can be synthesized by the architect when he manages to extract from those fragments crucial points that he considers important, helping him to materialize his work. Various concepts such as Specific Modernity, Time and Space, Memory, Abstraction, Metaphor, Relationship between subjects, Criticism, Phenomenology, Synthesis, Historical Multiplicity, virtual images, among others, are explored as relevant topics to study their relationship and carry out a theory that addresses the integration of contemporary intervention in a historical context. To get an idea of this complex phenomenon, three works are analyzed: Carlo Scarpa's Castelvecchio Museum, Rafael Moneo's National Museum of Roman Art and Peter Zumthor's Kolumba Museum. The interventions of these three case studies are different among them but have the common goal of preserving memory. These museums together with the written reflections of their authors, as well as the theoreticians upon whom I support myself, will describe the projectual mechanisms, defined thanks to references and practices as important aspects in their interventions and then the dissertation will explain the degree of innovation provided. The background of this research is dialogue and memory; I establish a link that starts from the collective to the individual memory, because the memory of a single building is permanently confronted with a wider context. Therefore, as an introductory theme to the cases of museums, I resolved to analyze theoretically and analytically the "Del Liceu al Seminari" project by Lluís Clotet architect in the Raval of Barcelona.
El objetivo fundamental de esta tesis es analizar la arquitectura a partir de estrategias provenientes de teorías recientes desarrolladas dentro y fuera del campo disciplinar estricto de la arquitectura. Por ejemplo confrontar para relacionar. Tal como propone Paul Ricoeur en uno de sus libros sobre teoría de la poética, la poética es la confrontación entre las partes. Por lo tanto el diálogo generado entre sujetos y entre objetos de diferentes épocas a través de abstracciones es el objetivo principal de esta tesis. La inquietud nace por identificar dónde está y cómo se llevó a cabo la relación que hay entre diferentes tiempos y espacios en un edificio, qué cosas permanecen y cuáles son las innovaciones en este tipo de intervención. A partir de lo anterior propongo la hipótesis que consiste en que la abstracción de referencias en los vestigios tangibles e intangibles de edificios antiguos hace de la intervención una síntesis histórica que genera nuevas relaciones entre sujetos y objetos de distintas épocas. Es en este punto donde la intención de preservar la memoria se ve reforzada por la valoración del espacio donde ésta se pueda encontrar, desde un objeto hasta una ciudad. La polémica empieza cuando nos preguntamos ¿cuál es la manera más adecuada para intervenir un edificio antiguo? Tiempos y espacios se sintetizan en los casos de estudio elegidos, los museos contemporáneos en convivencia con restos arqueológicos y de arquitecturas históricas. La forma sistemática en que se lleva a cabo el proceso de proyección de un edificio no es sencilla pues hay que establecer una serie de factores de manera ordenada para llegar al mejor resultado. Este orden varía de acuerdo al programa arquitectónico que se pretenda desarrollar, por lo que algo que pudiera parecer un problema como el hecho de que no existe un procedimiento único, es una ventaja, porque permite volcarse en una estrategia específica con un resultado singular. Se considera que tener una estrategia específica es fijarse una postura ética respecto a la historia del lugar y otras condicionantes, por lo que el orden y jerarquía que se le den a estos factores harán que el resultado varíe de un edificio a otro o bien de un autor a otro. La historia, concebida como un conjunto de hechos puede ser sintetizada por el arquitecto cuando éste logra abstraer de esos fragmentos puntos cruciales que considere importantes, ayudándole a materializar su obra. Se exploran diversos conceptos como el de Modernidad específica, tiempo y espacio, Memoria, Abstracción, Metáfora, Relación entre sujetos, Crítica, Fenomenología, Síntesis, Multiplicidad Histórica, imágenes virtuales, entre otros, como tópicos relevantes para estudiar su relación y llevar a cabo una teoría que aborde la integración de la intervención contemporánea en un contexto histórico. Para tener una aproximación de este complejo fenómeno se analizan tres obras: el Museo de Castelvecchio de Carlo Scarpa, el Museo Nacional de Arte Romano de Rafael Moneo y el Museo Kolumba de Peter Zumthor. Las intervenciones de estos tres casos de estudio son diferentes entre ellas pero tienen el objetivo común de preservar la memoria. Estos museos junto con las reflexiones escritas de sus autores, como de los teóricos en quienes me apoyo, evidenciarán sus mecanismos proyectuales, localizando en sus referencias y prácticas aspectos importantes en su intervención que explicarán el grado de innovación aportada. El trasfondo de esta investigación son el diálogo y la memoria, establezco un vínculo que parte de la memoria colectiva a la individual, pues la memoria de un solo edificio se enfrenta permanentemente a un contexto más amplio. Por ello como tema introductorio a los casos de los museos he resuelto analizar teórica y analíticamente el proyecto "Del Liceu al Seminari" de Lluís Clotet.

Esta tesis investiga la representación de la violencia en las obras de seis autores tijuanenses o que han tenido en Tijuana su centro artístico y productivo: Rosina Conde, Luis Humberto Crosthwaite, Heriberto Yépez, Regina Swain, Mayra Luna y Rafa Saavedra. Dichos libros tienen en común, además, el haber sido publicados en los últimos 30 años aproximadamente, hecho que permite situarlos en el marco de la posmodernidad y de una estética posmoderna. La hipótesis principal de la investigación es que en los trabajos de todos estos escritores se puede hallar una conexión entre violencia privada (familiar, de pareja etc.) y violencia pública (económica, política, social etc.). Por lo tanto, los conflictos personales —y las dinámicas de poder que a través de estos se dan— se sitúan en un contexto fronterizo donde lo local, lo nacional y lo global se solapan. Desde una perspectiva teórica que ha buscado una síntesis entre la biopolítica, los estudios poscoloniales y los estudios fronterizos, se han propuesto, para la obra de cada autor, específicos núcleos semánticos que conectan lo público con lo privado. En el caso de Rosina Conde, se trata de la familia; en el de Heriberto Yépez, la maquila y la familia; en la obra de Luis Humberto Crosthwaite se ha destacado la importancia del territorio, tanto los barrios como la frontera entre Estados Unidos y México. En los libros de Swain, Luna y Saavedra, se ha hecho hincapié en un desplazamiento de la atención hacia el sujeto. Por lo tanto, aunque ciertos elementos semánticos no pierdan su interés (la familia o la pareja), se ha subrayado la transformación de la mirada de estos artistas, cada vez más atentos al aislamiento de sus personajes. Los autores estudiados, además, desde el punto de vista formal, muestran una tendencia a romper ciertos esquemas narrativos, apostando por la fragmentación, por el uso del castellano y del inglés, o por una hibridación de los géneros literarios y por formas experimentales de conjugar lo literario con lo metaliterario, según los casos.
This thesis investigates the representation of violence in the works of six authors from Tijuana or who have had their artistic and productive center in Tijuana: Rosina Conde, Luis Humberto Crosthwaite, Heriberto Yépez, Regina Swain, Mayra Luna and Rafa Saavedra. What these books have in common —besides having been published in the last 30 years— is that this fact allows them to be placed within the framework of postmodernism and a postmodern aesthetic. The main hypothesis of this investigation is that in the works of all these writers a connection can be found between private violence (sexual, familiar etc.) and public violence (economic, political, social, etc.). Therefore, personal conflicts —and the power dynamics that occur through them— are situated in a border context where the local, national and global dimensions overlap. After looking for a synthesis among biopolitics, postcolonial studies and border studies from a theoretical perspective, specific semantic elements that connect the public dimension with the private one have been proposed for the work of each author. In the case of Rosina Conde, it is about the family; in the one of Heriberto Yépez, the “maquila” and the family; Luis Humberto Crosthwaite's work has highlighted the importance of territory, both the neighborhoods and the border between the United States and Mexico. In the books of Swain, Luna and Saavedra, emphasis has been placed on a shift of attention towards the subject. Therefore, although certain semantic elements don’t lose their interest (the family or the couple), it has been underlines how the outlook of these artists has changed, becoming more and more attentive to the isolation of their characters. From the formal point of view, then, a tendency to break certain narrative schemes has been shown, gambling on fragmentation, on the use of both Spanish and English, or on a hybridization of literary genres and experimental forms of conjugation of the literary with the metaliterary dimenson.

Dans la seconde moitié des années 1980, le champ littéraire allemand est marqué par l’apparition d’une nouvelle génération d’écrivains qui se définissent comme juifs et sont perçus comme tels par le public. Il n’est toutefois pas certain que cette appartenance religieuse justifie de les appréhender de manière conjointe. On se souvient en effet des classifications de sinistre mémoire effectuées par les études littéraires allemandes avant 1945. Dès lors, il ne s’agit nullement de rattacher l’ensemble des écrivains juifs de langue allemande contemporains à la catégorie difficilement définissable et parfois dangereuse de la « littérature judéo-allemande ». De façon plus modeste, nous vérifions l’hypothèse que trois écrivains emblématiques de cette génération – Barbara Honigmann, Rafael Seligmann et Maxim Biller – élaborent une « littérature du stigmate » dont le point d’ancrage est l’expérience de la judéité dans le « pays des meurtriers ». Fondée sur une méthodologie croisant la sociologie d’Erving Goffman (1922-1982) et d’autres approches, la réflexion s’organise en trois étapes. Tout d’abord, nous montrons que par le biais de la fiction et, d’une autre manière, l’essai, les trois écrivains identifient des moments-clés où l'individu réalise le déficit identitaire lié à la condition stigmatisée des Juifs allemands après 1945. Dans un deuxième temps, nous analysons les réponses (politiques, religieuses, etc.) que leurs œuvres proposent à la question de savoir s’il est possible d’échapper au stigmate. Enfin, nous examinons la réflexion de Honigmann, Seligmann et Biller sur les possibilités qu’offrent leurs stratégies d’écriture, leur positionnement au sein du champ littéraire et leur rapport à la langue en vue de conquérir une identité non stigmatique. Ce faisant, nous espérons montrer que loin d’enfermer les œuvres dans des classifications trop sommaires, la sociologie goffmanienne constitue une voie d’accès privilégiée à ce qui constitue leur singularité
In the second half of the 1980s, a new generation appeared in German literature; these writers have defined themselves and been perceived by readers as Jews. However, this common religious background may not in itself justify apprehending them together – as some infamous classifications made by German literary studies before 1945 should remind us.The idea, therefore, is not to put all contemporary Jewish German-writing authors in the ill-defined and sometimes dangerous category of “Judeo-German literature”, but rather, more modestly, to verify this hypothesis: three emblematic writers of this generation – Barbara Honigmann, Rafael Seligmann and Maxim Biller – have created a “literature of stigmas” anchored in the experience of being Jewish in the “country of the murderers.” Based on Erving Goffman’s (1922-1982) sociology, among other sources, the reasoning is organized in three steps. It first shows that, through fiction as well as non-fiction, all three writers have identified key moments when an individual becomes aware of the identity deficit that goes along with the stigma borne by post-1944 Jewish Germans. Then, it analyses the various answers – political, religious, etc. – found in their works to the question of knowing whether this stigma can be escaped. It eventually examines Honigmann’s, Seligmann’s and Biller’s reflections on the possibilities offered by writing strategies, their positioning in the literary field and their relationship to language so as to conquer a stigma-free identity. We thus hope to show that Goffmanian sociology, far from confining these works to simplistic classifications, offers privileged access to what makes them unique

Cette thèse porte sur le renouvellement du réalisme dans la production narrative espagnole des années 2000, à partir d’un corpus de quatre romans, et se demande : en quoi consiste l’esthétique réaliste actuelle, quelle est son épistémologie et quel lien entretient-elle avec d’autres discours de savoir ? Quel rôle jouent les récits réalistes dans la configuration des imaginaires sociaux, alors que sont remis en question l’héritage de la transition démocratique et le récit de la modernisation espagnole ? Sont d’abord examinées les conditions de possibilité historiques, socio-économiques et culturelles d’un renouveau du réalisme – cartographié dans le champ littéraire des vingt dernières années. Hypothèse centrale : le réalisme ressurgit du fait que les débats de mémoire historique depuis 2000 et la crise économique, sociale et politique depuis 2008 engagent une révision du mythe de la Transition et du projet de la modernité qui structurait les imaginaires sociaux espagnols depuis les années 1960. Trois parties proposent des études de poétiques réalistes, en diachronie et en synchronie, pour mettre en valeur l’évolution des modes de référentialité réalistes entre le début des années 2000 et le début des années 2010, avec la crise de 2008 et ses prémices pour point d’inflexion. La première partie porte sur deux romans (Antonio Muñoz Molina, Sefarad, 2001 et Ignacio Martínez de Pisón, Enterrar a los muertos, 2005) qui dialoguent avec la fabrication sociale de documents et l’historiographie pour réinterpréter la guerre de 1936, de la dictature et de la transition. Les deuxième et troisième parties (Rafael Chirbes, Crematorio, 2007, et Isaac Rosa, La mano invisible, 2011) analysent l’élaboration d’un récit collectif de l’Espagne développementaliste, à l’aube de la crise, par des romans qui dialoguent avec la théorie économique et la sociologie historique. Au carrefour du littéraire, des discours sociaux, de l’histoire et de la sociologie contemporaine de l’Espagne, cette thèse soutient que la réappropriation du réalisme dans les années 2000 participe à la remise en question d’une identité nationale démocratique et moderne, au resurgissement d’une réalité problématique et d’imaginaires sociaux paramodernes après l’écroulement du métarécit d’une transition modèle. Si les romans cherchent tous à prendre en charge le réel social selon ses représentations, ils se différencient par leur traitement de la question politique de ce que « réel » veut dire, par le choix du chemin selon lequel le décrire, et par l’évaluation de la nature des causes historiques et matérielles de la réalité qu’habitent les écrivains
This thesis studies new forms of realism in Spanish prose in the 2000s, from a corpus of four novels. It contemplates what makes the contemporary reality aesthetic, what its epistemology is, and what links it bears to other forms of knowledge. What roles do realist narrations play in the configuration of social imaginaries, when the heritage of the democratic transition and the narration of Spanish modernisation are called into question? We first examine the conditions of historical, socio-economic and cultural possibilities of a renewal of realism, which is mapped throughout the literary field of the last twenty years. The central hypothesis is that realism springs back up from the fact that debates around historical memory in the 2000s, and since 2008, the economic, social and political crisis prompt the revision of the transition myth and the project of modernity which had been structuring Spain’s social imaginaries since the 1960s. Three parts offer different studies of realist poetics, diachronically and synchronically, to highlight the evolution of the modes of realist referentiality between the start of the 2000s and the beginning of the 2010s, the crisis of 2008 and its beginning as an inflexion point. The first part tackles two novels (Antonio Muñoz Molina, Sefarad, 2001 and Ignacio Martínez de Pisón, Enterrar a los muertos, 2005), which discuss the social fabrication of documents and historiography to reinterpret the 1936 war, the dictatorship and the transition. The second and third parts (Rafael Chirbes, Crematorio, 2007, and Isaac Rosa, La mano invisible, 2011) analyse the elaboration of a collective narrative of developmental Spain, at the dawn of the crisis, through novels which interact with the economic theory of liberalism and historic sociology. At the crossroads of literary studies, social discourse, history and the contemporary sociology of Spain, this thesis argues that the appropriation of realism in the 2000s questions a national identity that is democratic, modern, and takes part in the reappearance of a problematic reality after the meta narration of a model transition collapsed. If the novels all try to tackle the social reality according to its representations, they differ through what « reality » means to them, through the nature of its historic and material causes, and through the ways they describe it

In the 1950s and 1960s, the Organization of American States (OAS), a multinational political organization headquartered in Washington, DC, attempted to mediate U.S.-Latin American political and cultural relations. This dissertation traces how, in the United States, Latin American art emerged as a field of art historical study and exhibition via the activities of the OAS. I center my analysis on José Gómez Sicre and Rafael Squirru, two prominent curators who influenced the circulation of Latin American art during the Cold War. Part I focuses on Gómez Sicre, who served as head curator at the OAS from 1946 to 1981 and who founded the Museum of Modern Art of Latin America in 1976. I offer an analysis of Gómez Sicre’s aesthetic tastes, contextualizing them in relation to his contemporaries Alfred H. Barr, Jr., Marta Traba, and Jorge Romero Brest. I also discuss his efforts to build a network of art centers across the Americas, indicating how his activities fed into a Cold War struggle around notions of the “intellectual.” Part II examines the activities of poet and art critic Rafael Squirru, who served as Director of Cultural Affairs of the OAS from 1963 to 1970 and who theorized Latin American art in terms of the “new man.” I reconstruct how the phrase “new man” became a point of ideological conflict in the 1960s in a battle between Squirru and his political rival, Ernesto Ché Guevara. Throughout this dissertation, I indicate how Gómez Sicre and Squirru framed modern art within different Pan-American dreams of future world prosperity, equality, and cooperation. By examining the socio-political implications behind those dreams, I reveal the structures and limits of power shaping their influence during the Cold War. My study concentrates on the period from the founding of the OAS in 1948 to the establishment of the Museum of Modern Art of Latin America in 1976, and I contend that the legacies of Pan-Americanism continue to affect the field of Latin American art today.
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Tese de mestrado, Desenho, Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas Artes, 2013
The dissertation made in the context of the Drawing Master Degree with the theme: Uma caricatura de país (Caricature of a country), wants to investigate the history of caricature and its protagonists in Portugal, to create a practical work about social and habits caricature and has the purpose to study caricature and humour as an artistic expression. The caricatures introduced in the personal project want to contribute to the portuguese social criticism, portraying the everyday of portuguese people, idealizing typical characters with humour like contemporary Zé Povinhos. With a basis in a bibliographic review and in the critical observation of the originals, we wanted to search informations about the history of caricature in Portugal since the 19th century until now, analyzing lives and works of the main Portuguese caricaturists. We also developed a study about the history and the various definitions of caricature, of phisiognomics and humour, with a basis in the theories of the most relevant authors from Aristoteles to Freud. In the drawing practice, has been used the Nicolaides method, The Natural Way to Draw, with the purpose of exploring new ways to represent caricated characters and situations, focusing this method in a personal graphic expression. During the study and the realization of the theoretical work, the conclusion was thatcaricature passed through various transformations in time, it evolved artistically, it started being spread not just through newspapers, it gained a new space in the artistic scenery, conquering values that were closer to the artistic status. A caricatura ou o desenho humorístico tem a importante tarefa de retratar e criticar os problemas de uma sociedade. A sociedade contemporânea necessita da caricatura, para se rir de si própria, justificando-se, assim, o projecto humorístico final. The caricature or the humorous drawing has the important objective of criticizing and talking about the problems of a society. The contemporary society needs caricature to laugh of itself, justifying the final humoristic project