Rozprawy doktorskie: „Théâtre (genre littéraire) écossais”

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Schaaf, Jeanne. "Lieux et non-lieux du théâtre écossais : constellations identitaires à l’ère postnationale". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL061.

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En tant qu’espace public, la scène théâtrale est le lieu de la construction et de la déconstruction de représentations de la nation, dans un dialogue incessant entre art et politique. En Écosse, la tension qui fragilise l’idée même de nation est exacerbée par le contexte géopolitique récent (référendum de dévolution en 1979, 1997 et référendum d’indépendance en 2014, puis Brexit en 2016). Miroir de cette instabilité, la scène écossaise réinvente ainsi son rapport à l’espace national en jouant sur les représentations spatiales et communautaires à différentes échelles, du local au global. Espaces et lieux, constamment problématisés, se changent en objets de représentations qui interrogent les multiples façons de faire, de montrer et de voir le théâtre. Ainsi, dans sa pratique comme dans son idéologie, le National Theatre of Scotland (NTS 2006) réinvente la nation : théâtre national sans espace physique de représentation, sans scène nationale, le NTS investit tous types d’espaces réels ou virtuels, qui donnent à repenser la présence et l’absence du corps en scène et font advenir de nouvelles communautés de « spect-acteurs » hors-frontières. Ce théâtre sans murs est métonymique de cette ouverture radicale du théâtre écossais, qui fait place à une représentation identitaire postnationale et horizontale. La scène écossaise offre donc un paradigme fécond pour rendre compte du renouvellement d’une pensée de la nation et des formes dramatiques contemporaines qui en émanent
As a public space, the theatrical stage is where representations of the nation are constructed and deconstructed, in an unceasing dialogue between art and politics. In Scotland, the tension that destabilizes the very idea of nationhood is exacerbated by the recent geo-political context (the referenda on devolution in 1979, 1997, the referendum on independence in 2014, and Brexit in 2016). Reflecting this instability, the Scottish stage similarly reinvents its relationship to the national space by playing with the very scales of space and community, from the local to the global. Space and place, constantly challenged on the stage, become objects of representation that question the multiple ways of doing, showing, and seeing theatre. Both in its projects and its ideology, the National Theatre of Scotland (NTS 2006) seeks to reinvent the nation. As a building-less national theatre, the NTS reinvests all types of spaces, be they real or virtual, asking us to rethink the presence and absence of the body on stage, and fostering new transnational communities of “spect-actors”. This theatre without walls is a metonymy for the radical opening up of Scottish theatre itself, which invites postnational and horizontal representations of identity. The Scottish stage thus presents us with a productive paradigm to explore new understandings of the nation and the contemporary dramatic forms it fosters

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Lochert, Véronique. "L'écriture du spectacle : formes et fonctions des didascalies dans le théâtre européen des XVIe et XVIIe siècles". Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040201.

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Cette étude explore les modalités de l'écriture et de la lecture du spectacle dans le texte dramatique, à travers les formes et les fonctions des didascalies, et leurs variations en France, en Italie, en Espagne et en Angleterre, du XVIe au XVIIe siècle. Elle met au jour l'émergence d'une notation spécifique du spectacle dans les pratiques des dramaturges, des acteurs et des éditeurs, en s'appuyant sur la théorie du théâtre. La didascalie est envisagée dans sa double fonction, au service de la représentation et de la lecture, à laquelle correspondent des formes stylistiques et typographiques qui lui assurent une efficacité simultanée auprès des acteurs et des lecteurs. Qu'elle soit redondante ou complémentaire, la didascalie joue un rôle essentiel dans l'économie du dialogue dramatique et la diversité de ses emplois en Europe révèle le statut conféré au texte dramatique dans les différentes esthétiques nationales
This study investigates the modes of writing and reading performance in the dramatic text through the forms and functions of stage directions and through their variations in France, Italy, Spain and England, from the sixteenth to the seventeenth century. It analyses the development of a specific notation of performance in the practices of playwrights, actors and editors, which are brought into light by the theory of theatre. Stage direction is approached in its double function, serving both performance and reading, in relation with style and typography which ensure its efficiency for actors as well as for readers. Whether redundant or complementary, stage direction plays an essential role in the economy of dramatic dialogue and the diversity of its uses in Europe reveals the status of dramatic text in the different national aesthetics

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Verdet, Bruno. "La crise symbolique du theatre : elements d'une critique sociale, politique et economique de la crise symbolique du theatre en france, a la fin des annees quatre-vingt". Reims, 1992. http://www.theses.fr/1992REIMD001.

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En depit des efforts accomplis par les pouvoirs publics en faveur du theatre et de sa democratisation, le theatre est, en france, depuis plus de vingt ans, l'objet d'une desaffection et d'une elitisation croissantes. Pour de nombreux observateurs, le declin social du theatre s'accompagne d'une crise symbolique, veritable crise d'identite de l'art theatral dont l'absence quasi-totale de textes dramatiques contemporains dans la creation theatrale de ces trente dernieres annees est le signe le plus marquant. Au-dela des raisons externes a cette crise (avenement des nouveaux medias), l'auteur s'interroge d'une part sur le lien entre le declin social du theatre et l'evolution contemporaine de l'art theatral, et d'autre part sur le role determinant que les pouvoirs publics, par le biais de l'ideologie et de l'economie politique ont, malgre leurs intentions initiales, joue dans la crise symbolique du theatre
In spite of the efforts accomplished by the authorities in favour of theatre and its democratisation, theatre is becoming, in france, for more than twenty years, always more impopular. For many observants, at this social decline of theatre, we must join a symbolic crisis, real identity crisis of the dramatic art. The most significant sign of it is the present lack of dramatic authors. The author of this thesis examines first the external reasons of this crisis (specially the new medias), then the connection between the theatre'social decline and the development of the contemporary dramatic art and finally the role played by the authorities, via ideology, economy and politics in the theatre'symbolic crisis, in spite of their initial purposes

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Kim, Young-eun. "L'héritage des formes traditionnelles dans le théâtre contemporain coréen". Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10020.

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Cette thèse vise à montrer l'héritage des formes traditionnelles du théâtre coréen aujourd'hui. Appréhendé selon le concept d'"unité-totalité", le théâtre traditionnel, en particulier le "théâtre de masques" et le "P'ansori", se construit par une harmonisation de ses différents composants et s'établit par une invention et un assemblage de ces relations. Toutes les unités ou éléments théâtraux (personnage, temps, espace, objets, action, acteur, spectateur, etc. ) sont à la fois autonomes et inter-dépendants, chaque unité existant en présence de chacune des autres et grâce à elle, et tous ls signes qui en émergent s'auto-activant. Les conceptions et pratiques dramaturgiques sont à l'orgine d'un spectacle "participatif et total". Deux pièces conmporaines, "Lune, lune, claire lune" de Choi In-hun et "Les membranes foetales" d'O. Taesôk, traduites ici, viennent revivifier les formes traditionneles dans la scène contemporaine soulignant plus les effets mélodiques et rythmiques que les effets littéraires, de façon à toucher directement les sensibilités.

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Coray-Dapretto, Lorenza. "Le théâtre communautaire sud-africain : théâtre intertextuel par excellence". Grenoble 3, 1995. http://www.theses.fr/1995GRE39017.

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Dans l'approche du theatre communautaire sud-africain des townships noires, nous avons privilegie l'etude de l'autre et de la communaute, qui utilisent cette forme de theatre comme moyen d'expression. Nous nous sommes basee sur une theorie dynamique et dialogique inspiree essentiellement de mikhail bakhtine. Nous mettons en evidence les composantes intertextuelles de ce theatre principalement oral, et qui incorpore presque toujours des chants, de la musique et de la danse. L'intertextualite concerne le rapport texte-representation, l'interaction avec le public et le contexte social. Chaque representation est un evenement unque et non reproductible. Differents autres concepts forts, comme la hierarchie et la lutte pour le pouvoir, la culture et la tradition, sont venus enrichir les reseaux de cette intertextualite, que nous avons etudies autant du point de vue du processus en oeuvre que de celui des pieces theatrales realisees. Plusieurs groupes artistiques sont examines de maniere detaillee, sur la base d'interviews et de cassettes audio et video que nous avons personnellement enregistrees sur le terrain
In our approach to south african community-based theatre in the black townships, we have focused attention on the study of the other and of the community, who use this form of theatre as a means of expressing themselves. We refer to a dynamic and dialogic theory, ssentially inspired from mikhail bakhtin. We point out the intertextual components of this basically oral theatre, which almost always embodies some songs, along with music and dances. This same intertextuality involves the link between text and performance, as well as the interaction with the audience and the social context. Every performance is in itself unique and non reproducible. Various other major concepts, like hierarchy and the struggle for power, the interpretation of culture and tradition, enrich these networks of intertextuality, which are investigated both with regard to the process at work and to that of the theatre pieces already completed. We have examined several groups of artists in detail, on the basis of some interviews and studio or video cassettes that we have personally recorded in the field

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Antoine, Fabrice. "Contribution à l'étude de l'œuvre dramatique de Sir John Vanbrugh (1664-1726)". Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100038.

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Gourg-Combres, Claude. "Le théâtre anglais de 1946 à 1956 : les racines de la colère". Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1991PA040160.

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L'insatisfaction chronique des milieux du théâtre, tout au long de la période 1946-1956, incite à rechercher les raisons du divorce théâtre société, à travers une double étude des domaines social et théâtral. Les mutations nées de la guerre plongent la nation dans une sévère crise, économique d'abord, d'identité ensuite, cristallisée en même temps qu'exorcisée par le festival de Grande-Bretagne de 1951. Le théâtre, quant à lui, souffre d'un double marasme : économique d'abord du fait de contraintes désuètes ; ce qui entraine - pour partie une crise de la création. Un examen synoptique de la production effective fait ressortir la part relative de la création anglaise. Une typologie des auteurs permet d'en situer vingt-deux. Par une démarche analytique ensuite, on dégage la tonalité dominante de ce théâtre et on repère des traces de modernité, c'est-à-dire d'harmonie avec l'époque. Ici, la notion de rôle. Se révèle opératoire, elle-même revue à la lumière des méthodes de l'analyse transactionnelle selon Éric Berne. L'intervention de l'État, la mise en place de structures d'avenir donnent lieu à des historiques. Enfin, une étude textuelle de Look back in anger, une comparaison de Now Barabbas. . . (W. Douglas-Home) et de The quare fellow (B. Behan) permettent d'identifier la spécificité d'un nouveau langage théâtral
The chronic discontent that pervaded the theatre world between 1946 and 1956 has led us to investigate the origins of the ever-widening gap between the theatre and society. Post-war socio-political transformations accounted for a severe economic crisis, reflected in an identity crisis that was crystallized and exorcised by the 1951 festival of Britain. The theatre itself, suffered from a two-pronged crisis: an obsolete system of financing, and what was felt to be a dearth of new playwrights. A survey of the plays actually staged has enabled us to pinpoint the comparative share of English creation. Twenty-two authors have been introduced. Using an analytical approach, we have attempted to capture the "tone" of post-war drama, as well as to spot criteria of modernism, that is, of relevance to the mood of the time. We have used the concept of role, together with Eric Berne's transactional analysis. A history of state intervention and of the creation of promising structures has been outlined. Finally, a textual analysis of look back in anger, as well as a comparative study of Now Barabbas. . . (W. Douglas-Home) and of The quare fellow (B. Behan), bring out emerging distinctive features

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Fandi, Siham. "Le théâtre syro-libanais et les influences françaises (1847-1914)". Aix-Marseille 1, 1992. http://www.theses.fr/1992AIX10017.

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La premiere partie est consacree a l'etude de la genese du theatre syro-libanais. La premiere oeuvre theatrale, ecrite et jouee, en arabe, est l'oeuvre de marun al-naqqach, ou l'influence de moliere et de la farce italienne est frappante. Le theatre suro-libanais arrive a son apogee, en egypte, grace a des auteurs tels que salim al-naqqach, qabbani et qirdahi. En effet, notre etude s'etend des premieres representations religieuses jusqu'a l'apparition de la premiere piece ecrite et jouee en arabe; elle porte, d'une part, sur le rapport entre le theatre syro-libanais et le patrimoine arabo-musulman, et, d'autre part, sur l'influence du contact occidental avec la syrie-liban dans l'apparition de l'art dramatique et dans la renaissance arabe moderne dans cette region, uniquement. La seconde partie est consacree a l'etude des influences etrangeres, notamment francaises, sur ce theatre. L'art dramatique classique francais, notamment celui de racine, corneille, moliere et hugo, est une source d'inspiration principale pour les dramaturges syro-libanais. Concernant les oeuvres traduites, les sujets sont tires de l'histoire greco-romaine et espagnole, quant aux oeuvres composees, elles puisent leurs sujets dans l'histoire arabo-musulmane. L'oeuvre de qabbani, et son influence, fera l'objet d'un chapitre a part. Le probleme de la traduction et de la creation des mots et des termes techniques a ete etudie en detail. Enfin, a partir de 1914, c'est l'influence anglo-americaine qui pendra la place de celle de la france. .
The first part of this study deals with the genesis of the syrian-libanese theatre. The first theatrical work written and played in arabic, largely influenced by moliere and italian farce, is that of marun al-naqqach. The syrian libanese theatre reached its climax in egypt through the works of salim al-naq qach, qabbani and qirdahi. Our study extends from the first religious presentations until the appearance of the first written arabic play which is a product of arabic islamic heritage, modern arabic renaissance and western drama. The second part of our study deals with foreign influences mostly french, like racine, corneille, moliere and hugo who were the major source of inspiration for syrian-libanese dramatists. These dramatists relied on the greek-roman and spannish histories for their subjects. The work of qabbin and its influences are presented in a separate chapter. And the problem of translation and production of technical terms and words are also studied in detail

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Kim, Seungmi. "Le chamanisme et le théâtre coréen". Paris 7, 1993. http://www.theses.fr/1993PA070029.

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Nos recherches portent sur le charnanisme, et plus precisement sur l'aspect theatral du chamanisme, qui influencait le theatre coreen traditionnel et inspire jusq'au theatre d'aujourd'hui. La premiere partie de notre etude est consacree au chamanisme. Il ressort de notre analyse que le chamanisme est un phenomene socio-religieux et culturel, et de plus le depositaire de la plus grande part de la tradition orale. Dans la seconde partie, nous analysons tous les elements theatraux du chamanisme. Pour cela, nous apportons deux exemples representatifs de la ceremonie chmanique : pyolsinut et chinogwikut. La troisieme partie traite des theatres traditionnels coreens : le theatre de danses masquees, le pansori et le theatre de marionnettes. Dans la derniere partie, nous abordons la question du theatre moderne coreen en presentant une troupe representative a la recherche de nouvelles methodes theatrales a travers le chamanisme. Dans le theatre coreen, l'influence du chamanisme s'est perpetuee jusqu'a nos jours, grace a la ferveur religieuse et au respect des traditions
Our research is based on the shamanism, and more precisely on the theatrical aspect, which influenced the korean traditionne theaters and inspires until today's theaters. In the first and second parts of our study, the shamanism and it's theatrical elements ore treated, and the third part represents the korean traditional theaters : theater of mask, pansori, and theater of puppet. In the last part, we treat the question of korean modern theaters and present a company in search of new theatrical method through the shamanism. In korean theater, the shamanistic influence is continued until today because of religious passion and respect of tradition

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Kondylaki, Dimitra. "L'édition théâtrale en France et en Grèce durant les années 1982-2000 : exemple des dramatiques contemporains". Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040108.

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Symptôme et moteur du " retour au texte " au théâtre, le développement de l'édition spécialisée en France dans les années 80 permet de s'interroger sur le texte dramatique contemporain, sur les politiques en sa faveur ainsi que sur le statut de l'auteur. En cernant l'apport des éditeurs à la recherche, la promotion et la diffusion de nouvelles écritures, ce travail analyse aussi les risques de la spécialisation. D'ailleurs, la confrontation de ce milieu, ayant soutenu l'apparition d'une nouvelle génération d'auteurs-praticiens, à l'édition de pièces en Grèce vise à sous-tendre l'hypothèse suivante : la conception de l'édition théâtrale reflète l'évolution de la pratique scénique. La crise de la représentation, n'ayant pas affecté l'écriture du théâtre en Grèce, l'édition - ni systématique ni subventionnée - y maintient sa fonction traditionnelle : seule est reconnue sa contribution à la sauvegarde du répertoire, non à l'émergence d'auteurs nouveaux
The development of specialized theatre publishers in France is the symptom and at the same time, the driving force of a tendency to "go back to the text" in the theatre of the 80's-90's. This allows a discussion on contemporary drama as well as on the status of the playwright and the contribution of specialized publishers in researching, promoting and diffusing "new dramatic texts". Confronting this practice, which has favored the emergence of a generation of "author-actors", to the edition of theatrical texts in Greece, aims at putting forward the following hypothesis : theatre editing directly reflects the evolution of stage practices. As the crisis of representation has not affected playwriting in Greece, the edition of dramatic texts, which is not systematic nor subsidized by the state, maintains its traditional function. The editor is primarily interested in safeguarding the repertoire, not facilitating the emergence of new authors

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Okoh, Julie Omoifo. "Théâtre et société : Femi Osofisan et S.A. Zinsou : étude comparée". Bordeaux 3, 1992. http://www.theses.fr/1992BOR30042.

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Entre le theatre et la societe existent des rapports dialectiques. Et notre but dans ce travail consiste a faire un rapprochement synthetique des oeuvres de deux dramaturges africains contemporains : femi osofisan, nigerian et s. A. Zinsou, togalais. Rapprochement qui permet de deceler des analogies ou des dissemblances dans leur vision du monde a travers leur theatre. Deux visions principales semblent caracteriser leurs oeuvres : pessimisme et optimisme. Le pessimisme ressort de l' evolution des faits sociaux et de la peinture des moeurs contemporaines. D'ou une satire de moeurs et mentalite. En revanche, l'optimisme s'affiche dans leur vision de l'avenir. Face a l' etat d anomie qui domine actuellement leur societe, ils lancent un appel a leurs compatriotes afin qu' ils conjuguent leurs efforts pour la reconstruction du pays. Tandis qie osofisan propose a son public une nouvelle societe de modele socialiste, fondee sur le recours a la raison, a l' esprit scientifique et a la philosophe du travail, excluant les croyances traditionnelles, zinsou preconise le retour aux sources et la rehabilitation de la culture traditionnelle togolaise
Between theatre and society eexist a dialectic relationship. The theatre gets its material from the society and sends back messages to the society. Our present aim is to make a comparative study of the image of the society in the plays of two african contemporary playwrights : femi osofisan, nigerian and s. A. Zinsou, togolese. Comparison that will enable us to point out the analogy and the dissimilarity in their visions and aldo in the way they try and use theatre to solve some current social issues. Their plays seem mainly caracterised by two antithetical visions : pessimim and optimism. Their evocation of social reality and their picture of contemporary norms ans conventions is couched in pesssimistic tones. On the other hand, optimism appears in their projection towards the future. They appeal to their compatriots to rally together to build their nation. Osofisan proposes a socialist system. Zinsou recommends the re-establishment of a traditional social set up

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Poirson, Martial. "Comédie et économie : argent, moral et intérêt dans les formes comiques du théâtre français (1673-1789)". Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100146.

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L'économie, et à travers elle, les représentations de l'argent, marque profondément pratique et théorie dramatiques de l'ensemble des répertoires depuis le dernier tiers du XVIIe siècle jusqu'à la Révolution française, en particulier dans les formes comiques et même pathétiques. C'est ce que révèle l'enquête menée à partir d'une sélection de plus de 330 pièces, manuscrites ou imprimées, pour la plupart représentées, et écrites par plus de 100 auteurs dramatiques entre 1673 et 1789. Et c'est ce que je propose d'expliquer par une interprétation fondée sur l'anthropologie littéraire qui croise les approches de l'économie, la sociologie, l'histoire, l'analyse littéraire et dramaturgique. Confrontés à une nouvelle économie du spectacle vivant qui s'organise autour de l'entreprise théâtrale en pleine expansion et dissimule de moins en moins le jeu libre de la concurrence ; mais aussi, plus que jamais soucieux d'acquérir un véritable statut socio-économique leur permettant de quitter la multiactivité et de jouir de plein droit de la propriété intellectuelle de leur travail artistique, les dramaturges se comportent et surtout se conçoivent, pour la plupart, comme des agents économiques. C'est une des raisons pour lesquelles ils se saisissent, dans leurs fictions dramatiques, de l'actualité économique et sociale, mais aussi du langage et des idées situés au centre des grands débats qui animent la science économique alors émergente, non pour les transcrire, mais pour les transposer au moyen d'une médiation symbolique à travers des fictions économiques qui mettent en jeu la relation d'équivalence entre signe monétaire et signe dramaturgique. L'argent s'immisce dans toutes les dimensions de l'univers comique de ces fictions, en particulier les intrigues amoureuses, matrimoniales et familiales, mais aussi les les relations domestiques et jusqu'aux liens sociaux. Les comédies s'orientent vers la dramatisation soit de la réalité des pratiques, soit de la portée imaginaire des conceptions économiques. Ce faisant, elles mettent en place un dense réseau de métaphores économiques qui place le corps et le langage au coeur d'un double système analogique. Elles constituent autant d'expérimentations fascinées des modesde fonctionnement de l'économie, que tantôt elles glorifient, tantôt elles stigmatisent. Elles relèvent surtout d'une poétique de l'intérêt fondée sur une dramaturgie d'économie qui place l'argent, sa circulation, son échange et la croyance économique elle-même au fondement du système de l'intrigue des personnages, mais aussi du genre comique en lui-m^eme, y compris sous ses formes pathétiques, au moyen d'une structure homologique entre comédie et économie. Elles épousent en outre, non sans contradictions, des idéologies aussi dífférentes que celle de l'intérêt privé universel, fondement d'une morale de l'individu, de la réalisation matérielle et celle du don secularisé et de la bienfaisance envers une humanité réconciliée, base d'une éthique collective ; mais elles peinent à adopter une position cohérente sur la question de la mobilité sociale, pierre d'achoppement d'un ordre nouveau.

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Chebli, Al Arbid. "Le théâtre contemporain en Syrie à travers la revue "Al Hayat al Masrahiyya (1977-1987)". Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030181.

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L'apparition de la revue al hayat al masrahiyya (la vie theatrale) en 1977 repond a un bes0in urgent a un moment ou le theatre syrien cherchait sa voie entre attachement au patrimoine ancestral et la culture occidentale jugee un peu envahissante. Sous l'impulsion de son redacteur en chef, saad allah wannus et a son image, la revue se veut le creuset de la recherche et de la creation d'un theatre engage d'avant garde et authentiquement arabe. Mais rattachee au ministere de la culture, elle n'a pas toute independance de publication, ce qui conduit son redacteur en chef a demissionner, et la revue devient plus un catalogue d'articles theoriques, eloignes de la preoccupation essentielle du lectorat arabe. Elle couvre cependant l'activite theatrale en syrie et ailleurs (tres important impact du theatre egyptien). En fait, la revue n'a pas de methode preetablie dans la publication de ses differentes rubriques, et globalement elle ne tient pas ses engagements initiaux, surtout apres le depart du grand dramaturge et ecrivain critique wannus, auquel le theatre arabe doit beaucoup
The apparition of the revue "al hayat al masrahiyya" (theatral life) in 1977 was a reply to the urgent needs of syrian theatre who was, in this period, in research of its way between ancestral patrimony or still depending of occidental culture inwide hegemony in the country. The revue has been marqued by the strong personnality of its chief-editor saadallah wannus, then it looked for deep researches to create an engaged, authentic and "avant-garde" arabic theatre. Edited by ministry of culture in syria, the revue couldn't have all its independance. Therefore its chief-editor had resignd, and the revue had changed in simple catalogue of theoric articles very far from the essential preoccupation of arabic readers. Although it continue to cover all theatral activities in and out of syria (egyptian theatre. . ). In fact, the revue hadn't a preestablished method in the publication of its differents articles and it couldn't still keeping its initial engagements, specially after the departure of the famous theatre writer wannus

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Lavatelli, Julia. "Les nouvelles dramaturgies argentines (1985-2000)". Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030099.

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La dramaturdie argentine de la période 1985-2000 se caractérise par la diversité et la multiplicité d'expressions. Grandes scènes de collectifs théâtraux et paroles minimales, textes-performances et recherche sur le langage d'objects, adaptations des textes contemporains européens et reprises des traditions théâtrales locales, sont autant des tendances diverses qui dessinent un espace théâtrale pluriel. A l'origine de cette prolifération de micro-poétiques il y a une transformation de l'activité théâtrale, issue des expériences périphériques de création, qui ébranle les rôles théâtraux traditionnels et postule une conception du travail dramaturgique qui se confond avec le travail scénique. Cette mobilité repérable dans l'activité théâtrale n'est pas sans conséquences dans la composition des pièces où ressortent la mise en question des catégories théâtrales de fable, de personnage ou d'action, l'incorporation de langages non-verbaux et l'hybridation de modes poétiques. Les oeuvres d'auteurs comme Daniel Veronese, Alejandro Urdampilleta, Federico León, Rafael Spregelburd, d'Alejandro Tantanian parmi d'autres sont des expressions de l'émergence des formes faibles dans la dramaturgie argentine. Au-delà des singularités propres de chaque auteur, les nouveaux dramaturges mettent en oeuvre des modalités dramaturgiques qui opérent par des variations sur les catégories théâtrales sans pour autant viser à établir un nouveaux modèle théâtral. Le débordement des dimensions publiques et privée du sujet dramatique, le métissage de genres et de motifs divers, l'approfondissement du caractère intrasubjectif des conflits et l'irrégularité dans l'agencement rationnel des événements représentés sont les principales variations abordées dans cette étude sur la nouvelle dramaturgie argentine
Diversity and multiplicity characterise Argentinean drama of the period 1985-2000. Mass scenes issued in collective creations and minimal plays, performances and research on the object's language, adaptation of European contemporary texts and use of local traditions in theatre are brought together into a plural space. A transformation of theatre activity is at the source of this profusion of micro-poetics. Ofen born of peripheral creation experiences, this transformation, which postulates a conception of drama that relies on the intimate links of writing and scenic work, has lead to a weakening of the traditional roles of theatre. The plays show the new conceptions of the activity through the questioning of the categories of story, character or action, the introduction of non-verbal languages and the hybridization of poetic modes. The works authors such as Daniel Veronese, Alejandro Urdampilleta, Federico León, Rafael Spregelburd and Alejandro Tantanian, amongst many others, arise as expressions of the emergence of weak forms in Argentinean drama. In spite of the singularities of each author, the new dramatist uses dramatic modalities which define variations on the theatre categories without aiming at constituting a new theatrical model. The mixing of dramatic subject's public and private dimensions, the crossbreeding of genres and multiple motifs, the more deeper intra-subjective nature of conflicts, and the irregularities in the arrangement of incidents are the main variations addressed in this dissertation about new Argentinean drama

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Pellegrini, Maria. "Fractures dramatiques dalla scena al testo : fondazione dello spazio teatrale : Storia del teatro dell'Oceano Indiano Madagascar, Maurice, Réunion". Cergy-Pontoise, 2006. http://biblioweb.u-cergy.fr/theses/06CERG0291.pdf.

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La production dramatique de l'Océan Indien est encore peu connue et fréquentée par les spécialistes de la littérature en prose et en poésie des îles de Madagascar, de Maurice et de la Réunion. Même si les poètes tels Malcolm de Chazal et Jacques Rabemananjara ont été les objets de nombreuses analyses, leur production théâtrale reste encore aujourd'hui inexplorée et ignorée par la majorité des critiques. Le but de notre étude est de compléter les articles occasionnels et lacunaires par un recensement ponctuel et une analyse sociocritique approfondie des auteurs des îles qui ont écrit pour les théâtres. Notre étude est divisé en deux parties : en une introduction historique dans laquelle on raconte l'établissement et la chute de l'empire colonial français dans les colonies de Madagascar, de Maurice et de la Réunion, suivi par l'approfondissement d'aucunes thématiques telles l'esclavage ou le marronnage, les années de la révolution française et la période postcoloniale. Le second chapitre, divisé en trois sections pour chaque île, est centré sur la mise au point de l'histoire du théâtre de l'Océan Indien pour la détermination et définition duquel on a institué chaque fois un parallèle avec les production et les expériences européennes et africaines
The dramatic literature of the Indian ocean's colonies is ignored by the specialist of the francophone narrative and poetry of the islands of Madagascar, Reunion and Mauritius. Even if Malcom de Chazal and Jacques Rabemananjara are largely known by the experts of the area, the analysis of the dramatic production is still defective. The purpose of our study is to complete the work of a few critics who have engaged on the exploration of the Indian Ocean's drama of the origins (Antoine Chelin for Mauritius, Michel Corvin for the Magalasy theatre) and the contemporary production. Our study is dividend into two parts : an historical introduction in which we consider the rising and the fall of the French colonial empire in the Indian ocean; the second chapter consists in the catalogue and analysis of various authors and styles that have dominated the indian ocean's production during the past century, trying to define the dramatic space of the islands comparing the local production with the european and african ones

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Pasquier, Marie-Claire. "Gertrude Stein, théâtre et théâtralité". Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040014.

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Ce travail analyse l'œuvre "théâtrale" de Gertrude Stein (théâtre "virtuel"), depuis les premières "pièces" (1913) jusqu'à l'opéra The mother of us all (1946). Il s'appuie sur une distinction non dogmatique entre deux pôles : le dramatique - construction d'une action, conflit - et le théâtral - conception picturale et symbolique de l'espace, temps suspendu, prééminence des images. Après un premier chapitre "panoramique" intitule "genèse et fortune", une analyse des textes eux-mêmes fait apparaitre : 1. La récurrence de certains mots privilégiés appelés ici "mots-figurants" (mean, yes ou may, par exemple). 2. Un jeu steinien sur les noms, appelé ici "Gertrude Stein onomaturge". 3. La corrélation entre théâtre et prière, ou théâtre et méditation ("des saints en actes"). 4. La prédominance d'un thème et modèle de fonctionnement : la guerre. Le théâtre "virtuel" de Gertrude Stein semble bien avoir influence directement ou indirectement des artistes de l'avant-garde des années 60 et 70 tels que Bob Wilson et Richard Foreman, mais on trouve aussi chez elle des traits qu'on trouvera en France ou en Angleterre chez des auteurs dramatiques tels que Beckett ou Ionesco, Pinter, Marguerite Duras, ou Nathalie Sarraute
This study of Gertrude Stein's theatre (from the first "plays" in 1913 to The opera the mother of us all in 1946) is based on the distinction between drama proper and theatricality, a quality which can be found in writings not designed for the stage. Drama is based on constructed action and conflict, while theatricality is the pictorial quality of language, framing devices, the visibility of speech, the dream-like quality of images. Gertrude Stein's "plays", which indeed play with language, are approached from various points of view: small units such as recurrent words (mean, yes or may, for example), nouns and titles, the symbolic vision of space (as in pre-renaissance paintings), an almost mystic suspension of time (for saints, "acting" means doing nothing), the theatrical as one dimension of war and war as one dimension of the theatrical. The innovations of Gertrude Stein, it is argued, have influenced the European (and European) avant-garde of the sixties and seventies: Beckett, Ionesco, Pinter, Duras, Sarraute, Bob Wilson, Richard Foreman, Sam Shepard

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Sivetidou, Aphrodite. "Le théâtre français contemporain en Grèce, 1945-1980". Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040315.

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Le centre d'intérêt de cette thèse est la présence du répertoire français contemporain dans les salles grecques entre 1945 et 1980. Vingt trois auteurs français y ont été introduits au cours de la période étudiée appartenant au théâtre considéré comme "sérieux". Ainsi le répertoire français contemporain transposé en Grèce a été établi par des pièces des dramaturges: A. Adamov, J. Anouilh, F. Arrabal, S. Beckett, F. Billedoux. . . Quatre-vingt douze pièces ont été l'objet de cent soixante douze programmes de représentations; beaucoup d'entre elles ont été souvent reprises. Les chiffres révèlent donc que la présence du théâtre français contemporain durant ces trente-cinq ans a été impressionnante et insistante à la fois. Enfin,ayant affronté la présence du répertoire français contemporain de divers côtés,cette thèse a pu éclairer la considération dont jouissait le théâtre français dans les activités dramatiques de l'époque
The basic objective of the thesis is the presence of contemporary french repertory into greek theatres between 1945 and 1980. During this period plays of twenty three french authors had been introduced in Greece belonging under the kind of so called "serious theatre". .

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Korjenevskaïa, Nina. "L'allégorie politique au théâtre : Vladimir Maäkovski et Romain Rolland". Paris, INALCO, 2001. http://www.theses.fr/2001INAL0015.

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L'allégorie politique apparaît au théâtre à l'Antiquité, dans des comédies d'Aristophane ("La Paix", "Lysistrate"), et évolue au sein du théâtre dramatique en général dans l'œuvre de Lope de Vega ("Fuente Ovejuna"), Calderon de la Barca ("La Vie est un songe"), dans le théâtre d'Alfred Jarry ("Ubu roi"). Au début du XXe siècle, elle réapparaît dans le théâtre de Vladimir Maiakovski, futuriste russe, (Vladimir Maiakovski. "Tragédie" et "Mystère-Bouffe"), dans la pièce de Romain Rolland "Liluli", ainsi que dans des travaux théoriques et le théâtre de Bertold Brecht. Malgré la différence des époques, des traditions nationales et des styles de chaque écrivain, l'allégorie politique conserve toujours certains traits spécifiques permettant de la considérer en tant que telle
Political allegory appeared in the theatre of antiquity in some comedies of Aristophanes ("Peace", Lysistratus"), and later, developed in dramatic works generally speaking, particularly in the works of Lope de Vega ("Fuente Ovejuna"), Calderon de la Barca ("Life is a dream"), Alfred Jarry ("Ubu King"). At the beginning of the XX-th century it reappears in the theatre of Vladimir Maiakovski, a Russian futurist writer ("Vladimir Maiakovski, Tragedy", "Comic Mystery Play") in the play by Romain Rolland ("Liluli") and also in the theoretical works and theatre of Bertold Brecht. In spite of the differences in periods, national traditions and styles of each writer, the political allegory keeps some specific features thanks to which can be recognised as such

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Danan, Joseph. "Transpositions du monologue intérieur au théâtre". Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030155.

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L'apparition du monologue interieur romanesque coincide, au theatre, avec celui d'une dramaturgie de la subjectivite dont on peut suivre les developpements a la fin du xixe siecle et tout au long du xxe. Peu d'auteurs ont exolicitement cherche ( comme o'neil ) a transposer au theatre le monologue interieur romanesque. Le detour par la theorisation ebauchee par eisenstein, qui se demanda comment transposer le monologue interieur au cinema, permet pourtant de mieux reperer, dans le foisenement des formes theatrales modernes, ces "monologues interieurs de sons et d'images" qui se donnent pour tache plus ou moins implicte de restituer, par le jeu du montage et du contrepoint, le mouvement de la pensee. De quelle pensee s'agit-il? celle, saisie, comme le voulait dujardin, "en son etat naissant", que le recours a l'image autorise a mieux reduire a ses aspects non rationnels, non logiques? ou bien le "monologue interieur" peut-il etre le creuset ou s'elabore, comme le laissait entendre eisenstein, une pensee plus "haute", eventuellement detachee de la subjectivite d'un moi conduit par beckett (comme le monde que ce moi reflete) au bord de l'extinction?
The apparition of the novelistic stream of consciousness coincides, in theatre, with a dramatur5gy of subjectivity whose developments can be witnessed since the end of the nineteenth century and throughout the twentieth century. Few authors have explicitly attempted (as o'neil did) to transpose the novelistic steam of consciousness within theatre. However. Turning for a time to the theorization initiated by eisenstein, who reflected on how to transpose stream of consciousness within film, helps identify among the proliferation of modern theatrical forms these "streams of consciousness of sounds and images" intended more or less implicity to restore the movement of thought through the interplay of montage and couterpoint. What form of thought is it? the one, as dujardin wished, captured "in its nascent state", where recourse to the image gives licence to further reduce thought to its non-rational, non-logical aspects? or rather, as eisentein suggested, can "streams of consciousness" be the crucible where "higher" thought is formed, and is then possibly detached from the subjectivity of a self driven (like the word that this self reflects) to the brink of extinction, as in beckett's work?

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Jeantroux, Myriam. "La structure du huis clos dans le théâtre de Samuel Beckett : un "art d'incarcération"". Besançon, 2004. http://www.theses.fr/2004BESA1027.

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La scène beckettienne se donne à voir tantôt comme un petit espace clos, tantôt comme un vaste espace béant, ces deux propositions inverses étant les lectures complémentaires d'un même huis clos que les personnages semblent impuissants à quitter alors que rien ne les retient véritablement prisonniers. Notre étude de l'œuvre théâtrale de Beckett - qu'enrichissent douze manuscrits dramatiques inédits -, entend révéler l'existence et la cohérence d'une structure du huis clos sur laquelle se fonde à la fois l'espace matériel de la scène, l'ambivalence du personnage, et l'accomplissement esthétique de l'écriture beckettienne. Une topographie de ce(s) huis clos scénique(s) permet d'abord de démontrer le paradoxe d'une claustration qui neutralise les tensions théâtrales dans une scénographie géométrique de la réduction, de la fragmentation et de l'épuisement des possibilités spatiales et dramatiques. Le huis clos est alors envisagé comme un espace de l'intervalle où s'annule la dialectique de l'ici et de l'ailleurs. C'est dans cet impossible lieu que tente en vain de s'incarner le personnage, lui-même paralysé entre la présence intolérable et l'absence refusée, entre l'émergence du soi et le refus du moi, entre l'obligation de dire et l'impossibilité de se dire. La structure du huis clos apparaît finalement comme une mise en abyme de l'écriture beckettienne qui se fait et se défait elle-même entre le texte et la scène, entre l'anglais et le français, dans cette création paradoxale d'un espace replié sur son propre vide : le huis clos théâtral, figure exemplaire de cet "art d'incarcération" défini par Beckett, représente un véritable accomplissement esthétique de l'écriture
Beckett's stage can be seen as a small closed space or as a large wide-opened space. Those two opposite readings prove to be two complementary facets of the same huis clos structure which Beckett's characters are unable to exit despite a lack of any form of entrapment. This study of Beckett's theatre - including twelve unpublished manuscripts - aims at showing that the physical space of the stage, the ambivalence of the characters and the aesthetic completion of Beckett's writing are all based on the very existence and coherence of a huis clos structure. A topography of the(se) stage huis clos shall first prove the paradox created by a confinement that encapsulates and neutralizes dramatic tensions by means of a geometrical stage strategy of reducing, fragmenting and exhausting of spatial and dramatic possibilities. Huis clos is then to be considered as a space of the "in-between" that invalidates the dialectics of the "here and there". Beckett's characters desperately try to take shape in that impossible space where they are frozen between constraining presence and seductive absence, between the coming out of the self and the rejection of the "I", between the compulsion to say anything and the impossibility to tell something. The huis clos structure appears finally as a mise en abyme of Beckett's writing which is constructed and deconstructed between the text and the stage, between the French and the English language, and within the paradoxical creation of a space hinged on its own vacuum. The dramatic huis clos, as it is considered as the embodiment of what Beckett coined the "art of incarceration", may thus represent the very aesthetic completion of Beckett's writing

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Ruset, Séverine. "Au-delà du naturalisme : les métamorphoses de l'espace et du temps dans les dramaturgies anglaises contemporaines". Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030128.

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La tradition naturaliste est solidement implantée dans les dramaturgies anglaises contemporaines, où de nombreux auteurs, soucieux de ne pas nuire à la clarté et à l’à-propos de l’examen critique auquel ils soumettent les problèmes de leur temps, s’attachent à reproduire scrupuleusement la réalité qu’ils observent. D’autres choisissent en revanche de la déformer, de la remodeler. Ils créent des espaces-temps étranges, hétérogènes et mobiles, non pour offrir une évasion aux spectateurs, mais au contraire pour dynamiser le rapport entre le monde de la fiction et le monde réel. Notre thèse interroge les modalités et les enjeux de la métamorphose de l’espace et du temps dans les dramaturgies anglaises contemporaines. A travers un corpus de dix-sept pièces postérieures à 1968, nous examinons comment le renouvellement des structures spatio-temporelles engagé par certains auteurs influe sur la représentation du réel et sur l’expérience spectatorielle. Le traitement du temps apparaît alors comme déterminant. Contrairement au chronotope naturaliste, qui donne la primauté à l’espace, les formes libres sur lesquelles nous nous penchons font du temps la variable de l’équation théâtrale
The naturalistic tradition is deeply rooted in English contemporary theatre, where numerous writers – anxious not to impede the clarity and the relevance of the critical examination to which they subject the problems of their time – attempt to reproduce scrupulously the reality they observe. Others choose on the other hand to distort and remould it. They create strange, heterogeneous and mobile space-times ; not to offer the audience an escape, but rather to energise the relationship between the fictional world and the real world. Our thesis investigates the forms and stakes involved in the metamorphosis of space and time in English contemporary drama. Through a corpus of seventeen plays written after 1968, we examine how the renewal of space and time structures undertaken by some writers influences the representation of reality and the spectatorial experience. Hence the treatment of time appears as a determining factor. Contrary to the naturalistic chronotope, which gives priority to space, the free forms which come under our scrutiny have made time the variable of the theatrical equation

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Itier, César. "Le théâtre moderne en quechua à Cuzco: (1885-1950) : étude et anthologie". Aix-Marseille 1, 1990. http://www.theses.fr/1990AIX10048.

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Entre les annees 1885 et 1950, la ville de cuzco (perou) a connu la floraison d'un theatre en langue quechua, elabore par et pour la classe dominante locale. Cette litterature, de thematique essentiellement incasique, presque inedite, n'ayant encore jamais ete etudiee nous tentons d'abord de reconstituer une histoire des representations. Puis, nous considerons ce qui, dans leur contexte social et ideologique, les a faites naitre, se developper et decliner, et sans la prise en compte duquel on ne saurait bien comprendre les textes : composition socio-linguistique de la societe cuzquenienne de l'epoque, expansion economique des secterus regionalement dominants, vif regionalisme de ceux-ci face au pouvoir obligarchique limenien, affirmations identitaires incaistes legitimant ces aspirations, conception relatives a la culture, la langue et la societe etc. . . Ce theatre est, enfin, heritier d'une tradition linguistique et poetique creole remontant au xvieme siecle et dont on peut suivre la trace a travers un vocabulaire et des caracteristioques poetiques propres et que nous analysons. Une anthologie de textes quechuas avec traductions occupe environ la moitie de ce volume
Between the years 1885 and 1950, cuzco city (peru) saw the flowering of a theatre in quechua language, developed by the local dominant social class. This literature, almost unpublished, with a mostly incaic thematic, has never been studied and we try first to rebuild a story of the performances. Then, we contemplate what, in their social and ideological context, favoured their birth, development and decline, and that we have to take into account to understand the texts themselves : sociolinguistic composition of the cuzquenian society of cvtime, economic expansion of the local dominant social class, their keen regionalism in facing limenian oligarchic power, incaist identity affirmation legitimating their aspirations, notions about culture, language anbd society etc. . . This theatre inherits from a creaole linguistic and poetic tradition which goes b2ck tot he xvie century and wghose traces can be followed through a specific vocabulary and poetic characteristics that we analyse. An anthology of quechua texts with translation takes up about half of this volume

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Agbe-Cakpo, Simon. "La problématique du théâtre populaire en Afrique contemporaine". Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1995PA030156.

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Contrairement aux theses de discualification alimentees par l'idee de l'inaptitude du theatre africain de la verite dite "litteraire" a resoudre les problemes lies a sa popularisation dans des situations sociohistoriques complexes, les discours enonces par les praticiens du "theatre" litteraire" recelent, tand au niveau textuel qu'au niveau sceniques, une multitude d'indices attestant d'une strategie coherente d'accessibilite au plus grand nombre possible de lecteurs et ou spectateurs africains
Contrary to these of disqualification articuled round the idea of the infitness of the socalled "literary" variety of african drama to resolve problems relating to its popularization in complex socio-historic contexts, the discourses enunciated by practioners of "literary drama" reveal, at both textual and stage levels, a whole net nork of signs attesting to a coherent strategy of accessibility to the greatest possible number of african readers and or spectators

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Poulain-Beaufils, Eliane. "Corps furieux, corps souffrants : violence et cruauté dans le théâtre contemporain de langue allemande". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040120.

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A l'origine de ce travail, il y a le constat d'une apparition de plus en plus fréquente de la violence sur les scènes allemandes et autrichiennes. S'agit-il d'un épiphénomène sans portée particulière, témoin d'une impasse idéologique et du besoin de faire concurrence aux arts audiovisuels ? Ou est-ce là le reflet d'une mutation plus profonde de notre vision de l'humain, intégrant une cruauté jusqu'alors reléguée au rang de tabou ? On assiste peut-être à une application spontanée des théories d'Antonin Artaud, lequel entendait dans les années 1930 promouvoir un théâtre de la cruauté, mais remettait également en question le vieil antagonisme entre culture et violence. Aussi nous nous attachons dans un premier temps aux pièces qui semblent relayer l'optique antagoniste traditionnelle en condamnant la violence qu'elles portent sur la scène, ce qui est le fait d'auteurs secondaires aussi bien que d'auteurs renommés comme Dea Loher ou Elfriede Jelinek. Nous présentons ensuite des œuvres qui s'abstiennent de tout jugement unilatéral sur la violence, chez des auteurs aussi variés que Dirk Dobbrow, Albert Ostermaier et surtout Werner Schwab. Si les préoccupations esthétiques paraissent plus importantes dans ces dernières pièces, la représentation de la violence s'accompagne toujours d'un questionnement sur ses modalités et sur la nature du théâtre. Ainsi, ce théâtre est révélateur des tensions qui traversent le monde culturel actuel, tant sur un plan intellectuel que sur un plan esthétique
We thought of undertaking this work after noticing the increasing appearance of violence on the germanspeeking stage in the 1990s. One can doubt whether it is a simple epiphenomenon that bears witness to the ideological impasse and the need to compete with audiovisual arts. It may reflect a more profound mutation of our vision from the human, that integrates a cruelty considered until then as a taboo. A spontaneous application of the artaudian theories may take place: Antonin Artaud promoted in the 1930s a theatre of cruelty which also brought into question the old antagonism between culture and violence. We therefore study playwrights that seem to rest on the traditionnal antagonist point of view, condemning the violence they produce: this occurs in works of secondary authors as easily as in those of renowned authors like Dea Loher or Elfriede Jelinek. We then present the playwrignts that avoid every unilateral judgment by various authors, so as Dirk Dobbrow, Albert Ostermaier and above all Werner Schwab. Even if aesthetic concerns seem more important in these last works, the performance of violence is always accompanied by a questionning about its modes and about the nature of theatre. So these works reveal the tensions going through the actual cultural world, on an intellectual plane as well as on an aesthetic one

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Soulé, Tholy Jean-Paul. "Le théâtre de Friedrich Maximilian Klinger". Toulouse 2, 1990. http://www.theses.fr/1990TOU20003.

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Chraim, Joseph. "La Fontaine et le théâtre". Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030115.

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Disciple de terence, ami et admirateur des grands dramaturges du dix-septieme siecle, et surtout moliere et racine, la fontaine tente sa chance dans le domaine theatral. Premiere piece, l'eunuque (comedie), est une adaptation presque totale de l'eunuque latin : "mediocre copie d'un excellent original". (avertissement). Cette oeuvre ne connait pas l'honneur de la representation. Clymene, conte dialogue et non destine a la representation : melange d'analyse litteraire et psychologique. Astree (tragedie) est une adaptation de l'astree d'honore d'urfe. Apres six representations, elle est saluee par des epigrammes et des chansons moqueuses. Galatee et achille, deux tragedies inachevees, considerees par le dramaturge comme des "essais theatraux". La premiere est empruntee aux metamorphoses d'ovide mais "habillee a la francaise". La seconde est tiree de l'iliade d'homere. Originalite des deux "exercices": recherches stylistiques et maitrise incontestee de la versification. Daphne est un opera dont le sujet est inspire aussi des metamorphoses. But : rivaliser avec quinault et plaire au roi. Echec: thesee de quinault l'emporte. Le ballet: les rieurs du beau-richard: petite farce inspiree de la vie quotidienne des habitants de chateau-thierry. Deuxieme partie: le fabuliste est un grand dramaturge: la fable ancienne a caractere didactique devient dramatique. C'est un drame en miniature. Le fablier comporte plusieurs comedies et tragedies. Conclusion generale: le theatre de la fontaine est une vocation manquee et un reve irrealisable. Parler de "theatre lafontainien" est une pure folie. Toutefois, la "theatralite" des fables compense son echec dans le domaine
Disciple of terence, friend and admirer of reputed greek dramatists of the seventeeth century: namely moliere and racine. La fontaine makes his first in the theatre. L'eunuque his first play, was a mere adaptation of the latin eunuque: "a bad copy of an excellent original". (in his warning). It was naver played. Clymene, a dialogue story, was not intended for representation: a mixed litterary and psychological analysis. Astree, a tragedy, is an adaptation of the astree of honore d'urfe. After six representations it was received with epigrams and mocked songs. Galatee and achille, two unfinished tragedies, considered by la fontaine as mere theatrical exercices. The former is inspired by metamorphoses of ovide but trenchised. The second one is drawn from the iliade of homere. Particularities of both essays: a stylistic effort and a mastering of versification. Daphne is an opera inspired by the metamorphoses. His goal was to compete with quinault and to please the king. Setbacks: thesee of quinault won the contest. A ballet play: les rieurs du beau-richard: a comedy inspired of the daily life of the inhabitants of chateau-thierry. The second part: the fabulist is a great dramatist: the old didactic fable becomes dramatic. It is a sort of a miniature drama. The fables book includes many comedies and tragedies. Conclusion: the theatre of la fontaine is a missed vocation and an unfulfilled dream. It is pure foolishness to talk about the theatre of la fontaine. However, le thatrical character of his fables compensates for his failure in this field

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Teixeira, Etienne. "Plutarque et le théâtre grec". Paris 4, 1989. http://www.theses.fr/1988PA040155.

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Le théâtre grec, inséparable de l'œuvre de Plutarque, exerce une profonde influence sur son style et sur sa manière. La langue théâtrale se confond, pour ainsi dire, avec le style de Plutarque, au point que l'on peut affirmer que rien de ce qui relève du théâtre grec n'est étranger à l'auteur des moralias et des vies. Par ailleurs, l'on est en droit de reconnaitre que l'influence de la tradition des tragiques et des comiques s'exerce non seulement sur le philosophe de Chéronée, mais aussi, par contrecoup, sur la société de son temps. En effet, force est de constater que cette influence, qui consiste donc surtout dans une imprégnation culturelle et qui permet à Plutarque de disposer d'un vaste vivier d'exemples et de modèles, s'exerce également dans le domaine moral. C'est dans ce sens que l'on peut considérer que le théâtre grec représente aux yeux de l'auteur une école qui lui permet d'expliciter certaines de ses vues psychologiques, philosophiques et morales
The Greek theatre, which is inseparable from the work of Plutarch, has a great influence on his style. So to speak, the theatrical language and the style of Plutarch are one and the same to the extent that it can be asserted that all that is the concern of the Greek theatre is known to the author of the moralia and of the lives. Besides, one is entitled to admit that the influence of the tradition of tragics and comics exerts not only on the philosopher of cheronee, but also as an indirect consequence on the society of his time. Actually, we are forced to notice that this influence, which lays mainly in a cultural impregnation and which allows Plutarch to have a large set of examples and models, exerts also on the moral field. It is to that effect that we can consider that for the author, the Greek theatre represents a school which allows him to clarify some of his psychological, philosophical and moral views

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Rollinat-Levasseur, Eve-Marie. "L' énonciation théâtrale : l'expression de la subjectivité à l'âge classique". Paris 7, 2000. http://www.theses.fr/2000PA070114.

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A travers une description analytique de son fonctionnement, nous interrogeons le statut de l'énonciation et de la subjectivité au théâtre dans les oeuvres de l'âge classique. Tout d'abord, nous dressons un bilan des études en sémiologie théâtrale : elles ont permis de montrer qu'il faut considérer la représentation du texte dramatique comme un collectif d'énonciation où se nouent des relations complexes entre de multiples instances énonciatives, réelles et fictives. Nous consacrons les deuxième et troisième sections de ce travail à l'analyse de la pièce de théâtre dans sa présentation sous forme de livre. Nous définissons les différents éléments de cet objet, développons l'étude des statuts énonciatifs de chaque ensemble périgraphique et, montrant que l'instance énonciatrice est à la fois une et composite, nous évaluons l'implication auctoriale dans l'oeuvre dramatique. Puis, examinant quel type de lecture le texte de théâtre requiert de façon spécifique, nous précisons quels sont les modes d'énonciation dans les éléments textuels que sont d'une part les didascalies et d'autre part les répliques attribuées aux personnages. Nous mettons en évidence que la voix du dramaturge est une voie oblique : il feint de s'assimiler à l'hétérogénéité des personnages parlant et laisse au lecteur le soin de déterminer son implication dans l'oeuvre. C'est pourquoi il y a un véritable engouement pour le genre théâtral à l'âge classique : si la société monarchique ne permet pas à ses sujets de s'exprimer directement, elle les autorise à se mirer dans les représentations que le théâtre donne des caractères humains. Enfin, nous étudions comment, de l'Antiquité au XVIIème siècle, le texte de théâtre a progressivement été pensé et conçu pour être destiné à la lecture
Through an analytical description of its working, we will be questioning the status of enunciation and subjectivity in Classical Age plays. We began by recapitulating on theatre semiotics studies : they have shown that the representation of any dramatic text should be considered as a collective process of enunciation where complex relationships arise between multiple instances of enunciation, wether real or fictitious. The second and third part of our work is devoted to the analysis of the theatre play as it appears in book format. We define this object through its different elements, develop the study of the enunciatory status of each paratextual ensemble, and by showing that the instance of enunciation is both unique and complex we evaluate the authorial presence in the work of theatre. Then turn to the type of reading that theatre specifically requires, thus detailing the modes of enunciation at work in such textual elements as directions and the lines attributed to the characters. We will show that the dramatist's voice is an oblique one : he makes as if he could be assimilated to the heterogeneity of speaking characters and leaves it to the reader appreciate his implication in the Classical Age : when monarchical society does not allow its subjects free expression, it leaves them read themselves in the representations theatre gives of human characters. Lastly, we study how from the Antiquity to the 17th century theatre text has been progressively conceived and eleborated for reaging

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Ngaodande, Reoutag Ilro. "Des mots de douleurs, des mots d'espérance : regards croisés, regards pluriels sur le théâtre tchadien". Orléans, 2008. http://www.theses.fr/2008ORLE1099.

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La problématique des regards croisés s'inscrit dans la dynamique de l'art dramatique français après la Seconde Guerre et du concours théâtral interafricain organisé par R. F. I. En Afrique, les écrivains s'approprient ce genre considéré jusque-là comme étranger aux cultures africaines et font naître de nouvelles expériences, de nouveaux concepts : théâtre de rue, théâtre rituel, kotéba, didiga, etc. Ce théâtre s'enracine sur le retour aux sources, sur les différentes manifestations traditionnelles africaines, s'appuie sur le théâtre moderne, antique grec et classique français. La recherche montre que le théâtre africain est basé sur deux cultures différentes, deux histoires antagonistes, deux peuples divers dans leurs langues de communication par rapport au théâtre français. Le travail s'inscrit dans une optique de comparatiste. La thèse se propose d'examiner les deux visions qui se sont exprimées à travers les différents textes pour décéler les similitudes, les divergences, les invariants et souligner les difficultés liées à la production, à la représentation et à la diffusion en Afrique et en France que ce genre rencontre. Dans ces textes, l'intertextualité joue un rôle important parce que les positionnements de Soi à l'Autre varient en fonction des points de vue. Dans ces regards croisés, les textes se parlent dans un dialogue en interne et en externe entre eux. De ce fait, le regard porté sur autrui est un échange. Car regarder sans être vu est un mythe. Et donc, de la manière dont on est reçu, refusé ou partagé, naît la première relation conflictuelle ou fructueuse. Les créateurs dénoncent dans leurs productions les différentes manipulations qui fondent le refus de l'Autre. Aussi proposent-ils des solutions : le théâtre est apte à dire nos douleurs, nos rires, nos espoirs, notre gestion de la réalité. Mais auparavant, il faut briser ces barrières qui font obstacle au dialogue pour que ces mots de douleurs se transforment en mots d'espérance
The problem of viewing from different perspectives is part of the dynamics of post-Second World War French drama and the Inter-African Theatre Contest organised by the R. F. I. In Africa, writers have taken on this genre which had until this time been considered foreign to African cultures. The result : new experiences and new concepts including street theatre, ritual theatre, koteba, didiga, etc. This theatre takes root in a return to basics in relation to various African traditions, and relies on modern, ancient Greek and classical French theatre. Research has shown that African theatre is based on two distinct cultures, two opposing histories, two diverse peoples in their language of communication with regards to French theatre. This work was written from a comparative perspective. This thesis examines both views expressed through the various texts to identy similarities, differences, and invariants, yet it also underscores the difficulties encountered pertaining to the production, representation and diffusion of this genre in Africa and France. Within these texts, intertextuality plays an important role because positioning of "Self to Others" varies according to different points of view. Within this exchange of views, the texts converse through internal and external dialogue. Correspondingly, observation of others is an exchange, as looking without being seen is a myth. Therefore, based on the manner in which we are received, refused or shared, the first conflictual or fruitful relationship is developed. In their writings, the creators expose various manipulations upon which are founded a rejection of the Other. In addition, solutions are proposed : Theatre is capable of recounting our sorrow, laughter, hope and the manner in which we cope with reality. However, the barriers that would impede dialogue must first be broken in order for our words of sorrow to be transformed into words of hope

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Zaccaria, Diego. "L'affiche de théâtre et l' "espace public" : la scène polonaise, française et italienne, des années 1960 à nos jours". Grenoble 2, 2006. http://www.theses.fr/2006GRE29029.

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Le graphisme, ou design graphique, désigne toute forme d'expression visuelle. L'affiche en fait partie. Qu'elle soit destinée à la publicité marchande, à l'expression politique, ou à la publicité d'un événement culturel, elle s'inscrit dans la société dans laquelle elle est réalisée et agit. Partant de l'affiche de théâtre comme lieu d'expression possible du débat public, ce que Jürgen Habermas nomme "l'espace public", la thèse propose une analyse en trois parties. La première partie dresse le portrait historique de l'affiche et explore la relation dialectique qui la relie à la société industrielle en particulier dans ses rapports à l'État-nation. La seconde partie est consacrée à l'affiche de théâtre proprement dite dans trois situations européennes: Pologne, France et Italie, des années 1960 à nos jours. Parce que le théâtre est la mise en scène de la vie de la Cité, l'affiche de théâtre recèle les éléments utiles à la compréhension d'une époque, d'une société. Elle est lieu de mémoire et d'histoire disponible à "l'espace public" dont elle utilise la faille culturelle. La troisième partie propose une mise en perspective de l'affiche de théâtre comme traduction graphique du mythe théâtral, dont l'impact historique, social et politique, est mis en question par les nouvelles conditions économiques et sociales de sa production. La thèse redonne des repères visuels au regard contemporain, souvent désemparé face à la profusion des images, réhabilite l'esprit critique nécessaire à leur compréhension. Elle montre que l'affiche de théâtre, loin d'être un phénomène négligeable limité à l'information immédiate s'avère utile à l'historien, de l'art en particulier. Sa multiplicité et sa volatilité informationnelle en font un objet riche de tensions qui ont ordonné sa création. Les référents culturels qu'elle emploie, ces "symptômes sociaux" dont parle Erwin Panofsky, lui donnent son véritable sens social et historique qu'il appartient à l'historien d'interpréter et d'analyser. L'affiche, plus que le reflet d'une société est la trace des diverses strates sociales qui se sont succédées. Elle n'en est pas la brillance, mais l'empreinte durable.

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Bérard, Stéphanie. "Au carrefour du théâtre antillais : littérature, tradition orale et rituels dans les dramaturgies contemporaines de Guadeloupe et de Martinique". Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10107.

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La très grande richesse et l'extrême hétérogénéité du théâtre antillais contemporain se manifeste dans la variété des matériaux utilisés par les dramaturges et metteurs en scène de Guadeloupe et de Martinique qui puisent leur inspiration dans des traditions multiples représentatives du métissage culturel de la société créole. Littérature, tradition orale et rituels profanes et religieux nourrissent la création théâtrale antillaise qui absorbe, assimile et transforme ces matériaux suivant différents processus de transposition formelle et sémantique. Le remodèlement de la tradition dramatique classique occidentale, de la poésie et du roman caribéens et africains, de la tradition orale et des composantes des rituels du carnaval, du vaudou et du "lewoz" contribue à la force et au dynamisme de dramaturgies qui se situent au confluent de différentes influences et font preuve d'audace et d'originalité créatrice en s'orientant vers des voies esthétiques nouvelles.

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Bernanoce, Marie. "La didactique du texte de théâtre : théorie et pratique, des enjeux pour le littéraire". Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030096.

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Englué dans une histoire contrastée, l'enseignement du texte de théâtre demeure le lieu d'un écartèlement non résolu entre scène et littérature. Il apparaît que manque une réflexion d'ensemble articulant théorie et pratique de ces deux champs. C'est à cette tâche que se consacre la présente thèse, à partir du questionnement suivant: en quoi la didactique du texte de théâtre peut-elle et doit-elle se différencier de la didactique du texte littéraire?Après une modélisation didactique qui construit leurs convergences, l'analyse des manuels scolaires met au jour des représentations qui les opposent artificiellement. S'y trouve en jeu le statut du texte didascalique. L'analyse approfondie d'un corpus d'œuvres, principalement contemporaines et du répertoire jeunesse, permet alors de préciser et de théoriser la notion de "voix didascalique", dans le sillage de Genette : les séquences didactiques construites avec ces outils confirment l'intérêt de cette notion et de sa typologie
Imbedded in a contrasted history, the teaching of drama as a text remains torned apart in an unresolved fashion between its stage existence and its literary status. It is clear that a reflective overview is missing that would articulate the theoretical and practical views of those fields. This dissertation is devoted to this very task beginning with the following question: in what way can the didactics of the drama script be differentiated from the didactics of the literary text? Following a didactic model aimed at converging them, the analysis of textbooks unearths some representations that artifically oppose them. At stake is the status of the didascalic text. The in-depth analysis of a body of works, mainly contemporary and from the children's literature repertoire, allows to circumscribe and conceptualize the notion of "didascalic voice" in the path of Genette: the didactic sequences which are built with these tools confirm the interest of such a notion and its classification

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Jaëcklé-Plunian, Claude. "L'historiographie du théâtre au XVIIIe siècle : la venue du théâtre à l'histoire". Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030091.

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L'historiographie du théâtre du XVIIIe siècle en France s'ouvre sur une série d'ouvrages ecclésiastiques qui font de l'histoire un instrument contre la danse et la comédie avec en réplique des apologies. À partir de 1730 paraissent plusieurs histoires du théâtre. Leurs auteurs, Brumoy, Riccoboni, Maupoint, Parfaict, Beauchamps, qui ne sont pas des savants, mais sont liés avec " la profession ", se livrent à des recherches dans des bibliothèques publiques ou privées, exploitant les collections de riches amateurs ou faisant appel, par l'intermédiaire des journaux, à l'érudition des particuliers. Fontenelle avait ouvert la voie avec l'Histoire du théâtre françois, qui sert de guide pour ses sources, son plan, son style ; et surtout sa lecture intelligente du passé rompait le fil des publications pour ou contre la comédie. Fort de ce précédent, nos historiens organisent leur matière selon des modèles connus : les bibliographies de la Renaissance leur fournissent le moule de leurs listes d'auteurs et de pièces. Ils publient des inédits, des extraits, des analyses. Ils font l'histoire de tous les spectacles. L'histoire du théâtre offre un espace neuf où peut s'attacher la réflexion sur la relativité des cultures par rapport aux valeurs morales et religieuses dominantes. Les dissertations des académiciens accompagnent ce mouvement. Leurs épigones sont journalistes, encyclopédistes ou " bohèmes littéraires " et multiplient les publications d'almanachs, dictionnaires : ils font la chronique de l'histoire de leur temps, amassant des matériaux qu'ils laissent aux générations suivantes le soin d'arrranger ; sollicités par les misomimes, ils mettent leur énergie dans la réforme du théâtre, utopie qui les absorbe et dans laquelle ils déploient une ingéniosité parfois ahurissante. Ils se nomment Mouhy, Du Coudray, Rétif ou Nougaret. Le siècle écoulé, Suard revient à l'Histoire du théâtre français de Fontenelle, introduisant Sainte-Beuve
The 18th century historiography of French theatre opens with a series of ecclesiastical works which make this history an instrument against dance and theatre, though there are some sharp retorts. Beginning in 1730 several theatre histories appear. Authors such as Brumoy, Riccoboni, Maupoint and Beauchamps, who are mainly not scholars but often have ties to professionnal theatre, engage in research in both public and private libraries, using collections of wealthy theatre lovers as well as the medium of press and the erudition of private individuals. Fontenelle had opened the door with his History of French Theatre which served as a beacon for its sources, framework, literary style and above all his intelligent reading of the past, whitch ruptured the thread of those publications that were either for or against the theatre. Empowered, our historians organize their material according to known models : Renaissance bibliographies give them the matrix for lists of authors of plays. Previously unseen original material as well as extracts and analyses are published. They create a virtual history of drama and theatre. This history offers them a new space where they can reflect on cultural relevance regarding the relationship of dominant moral and religious values. The essays of academicians accompany this mouvement. Their disciples are journalists, encyclopaedists or 'literay bohemians'. Publications of almanachs and dictionaries which chronicle the history of the times multiply, amassing materiel that will be left to succeeding generations to sort out. Solicited by the misomimes, they invest their energy in reforming a theatre which for them is an engrossing utopia , a place where they sometimes display astonishing ingenuity. They are called Mouhy, Du Coudray, Rétif or Nougaret. With the passing of the century, Suard returns to Fontenelle's History of French Theatre, paving the way for Sainte-Beuve

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Pezechkian, Djamchid. "La mort dans le théâtre de Montherlant". Paris 10, 1989. http://www.theses.fr/1989PA100075.

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Dans l'œuvre dramatique de Montherlant, la mort est plus qu'un thème. Elle constitue : -une prise de conscience (L'avant-mort: première partie); -une sorte d'héroïsme (la mort volontaire: deuxième partie); -une éthique et une esthétique dramatique (la mise à mort: troisième partie); -un compromis entre la libido et l'instinct de mort (la pulsion de mort: quatrième partie); -une philosophie, ou plutôt une vision du monde (la mort au monde: cinquième et dernière partie). La mort éventuelle ou imminente de soi ou de l'autre, est pour Montherlant et ses personnages l'occasion d'une prise de conscience pouvant aller jusqu'à une sorte d'illumination susceptible de déboucher sur une philosophie. La mort volontaire (une espèce de suicide) révèle une sorte d'héroïsme. La mise à mort répond à des impératifs éthiques (surmoi) impliquant une esthétique (inspire du rituel tauromachique). "La pulsion de mort" et la libido se dévoilent réciproquement. Chez Montherlant la libido "fonde l'existence face au néant" ("plutôt le non-être que le non plaisir"), l'image héroïque qu'il se forge de de lui-même (grâce à l'écriture) également: "je n'ai que l'idée que je me fais de moi pour me soutenir sur les mers du néant. " la libido montherlantienne va jusqu'au pansexualisme et la bestialité pasiphaesque (cf. Pasiphae) afin de déculpabiliser au passage l'homosexualité. Mais Montherlant échoue dans sa tentative "dionysiaque" et nietzscheenne de se situer au-dessus du bien et du mal, au-dessus des normes. Faute de normes, de modèle concret, ni l'image virile qu'il se fait de lui-même, ni son "libertinage" ne peuvent longtemps le "soutenir sur les mers du néant". D'ou son
In montherlant's drama, death is more than a theme. It is: -an awarness (the beforedeath: first part); -a form of heroism (the wanted death: second part); -an ethic and a theatrical esthetic (the putting to death: third part); -a compromise between the libido and the death instinct (the drive of death: fourth part); -a philosophy or rather a vision of the world (the mystic death: fifth and last part). The eventuality of an imminent death of self or other, can result to a kind of enlightment which can potentially become a philosophy. The wanted death (a sort of suicide) reveals heroism. The putting to death is the answer to an ethical requirement (super-ego) that implies an esthetic (inspired by bullfighting ritual). The drive of death and the libido unveiled each other. In montherlant the libido creates the existence facing the nothingness ("rather the no-being than the no-pleasure") and his heroical image too (created by montherlant from himself through the act of writing): "facing oceans of nothingness, my only support is the image that i created of myself. " the montherlant's libido goes as far as pansexualism and the pasiphaesian bestiality (pasiphae) in order to free from guilt of homosexuality. But montherlant fails in his "dionysiac" and nietzschean attempt to put himself above the good and the evil, above the norms. In absence of norms and a concret model, neither the male image that he made from himself, nor his "libertinage" are not able to support him on oceans of nothingness

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Autant-Mathieu, Marie-Christine. "Le Théâtre soviétique au "Dégel" (1952-1964)". Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030069.

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Le "degel" commence au theatre sovietique des 1952 par la relance des genres comique et satirique. Avec l'ouvertue sur l'occident et la redecouverte, meme partielle, des realisations des annees 20, une rehabilitation de certains auteurs et metteurs en scene a lieu. La reconstitution du patrimoine culturel s'accompagne d'une revision des valeurs (attaques contre le systeme de stanislavski). Face aux defenseurs de la theatralite, les fondateurs du theatre "sovremennik" prouvent la vitali te du realisme psychologique. Le besoin de purification morale eprouve par toute la societe amene une exaltation de l'humanisme. Les dramaturges abandonnent leur role de guides omniscients. Rozov, arbuzov, volatin expriment la revolte des jeunes contre les mensonges du systeme educatif et social. Les metteurs en scene choisissent des oeuvres sans heros positif ou l'homme ordinaire est montre au quotidien. De 1952 a 1964, on assiste a une releve de generation. Le realisme socialiste, par le biais de la theatralite, admet un decalage entre la realite et son image. Des rapports nouveaux s'instaurent entre le pouvoir et les artistes: a l'embrigadement force succede une politique de ralliement par la persuasion. Le "degel" constitue une periode de reference, riche d'enseignements pour les artisans de la perestroika a la fin des annees 80
The "thaw" starts in soviet theatre in 1952 with a renaissance of comedies and satires. With the openings on west and a restoration, though limited, of realisations accomplished in the twenties, comes a rehabilitation of some playwriters and directors. The reconstitution of cultural heritage is accompanied with a revision of values (criticism against the stanislavski's system). As opposed to the defenders of theatricality the founders of the theatre "sovremennik" prove the vitality of psychological realism. The need of a moral purification the whole society longs for, after the stalin period, shows itself through an axaltation of humanism. Playwriters won't play their role of omniscient leaders anymore. Some of them protest against lies in educational and social system. Directors choose plays without positive heroes but where ordinary people live their everyday life. From 1952 to 1964 a new generation of playwriters, directors, actors appears, socialist realism, through theatricality, admits a disjonction between reality and its image. A policy of persuasive rallying takes place of forceful enrolling between political authorities and artists. The "thaw" is a very useful period of rederence for those willing to implement the perestroika at the end of the eighties

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Anđelković, Sava. "Les comédies de Jovan Sterija Popović". Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040095.

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Jovan Sterija Popović (1806-1856), écrivain serbe originaire de Voi͏̈vodine, est le créateur de la comédie serbe. Cet ouvrage est le premier entièrement consacré à ses 13 comédies. La première partie est une introduction à sa vie et son oeuvre. La deuxième étudie la genèse des comédies, l'intertextualité (références culturelles, héritage littéraire et notamment Molière) et l'autointertextualité. La troisième examine les noms et les différents parlers des 80 personnages des comédies, dont elle propose un classement fondé sur le critère d'identité. La quatrième porte sur la technique théâtrale, analysant le texte secondaire et principal, les structures de l'action, les structures spatio-temporelles, et les procédés comiques. Ce travail, qui n'est pas basé sur la chronologie des comédies, permet cependant de montrer une évolution de J. S. Popovic, d'abord centré sur le lecteur, puis sur le spectateur, et enfin sur les deux
Jovan Sterija Popovic (1806-1856), a Serbian writer born in Voivodina, is the creator of Serbian comedy. This book is the first entirely devoted to his 13 comedies. The first part is an introduction to his biography and works. .

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Leclère, Basile. "Le théâtre sanskrit de l’Inde médiévale entre tradition et innovation : le "Moharājaparājaya" de Yas̓aḥpāla". Lyon 3, 2007. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2007_in_leclere_b.pdf.

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Les études sur le théâtre sanskrit ont été le plus souvent axées sur un même ensemble d’œuvres en nombre limité, les pièces classiques composées par des auteurs tels Kālidāsa, Harṣa ou Bhavabhūti. Bien que nombreuses, les pièces médiévales ont par contre rarement fait l’objet d’études ou même de traductions en langues occidentales, car elles sont communément considérées comme dépourvues d’une authentique inspiration dramatique. Pourtant, elles attestent que leurs auteurs entendaient se démarquer de leurs prédécesseurs. Ainsi les pièces écrites au Gujarat au temps des Caulukya reposent-elles sur des sujets originaux, les uns inventés, d’autres tirés de légendes jaina, d’autres encore adaptés d’événements contemporains. Pour étayer l’étude sur des analyses précises, une de ces pièces, le "Moharājaparājaya" de Yas̓aḥpāla, a été intégralement traduite. Bien que présenté comme un nātaka, ce drame se distingue par une intrigue originale, où des allégories se mêlent à des personnages historiques, et permet de s’interroger sur l’évolution des genres traditionnels. Comme la fonction esthétique du théâtre est compromise par la présence sur scène de personnages historiques, le "Moharājaparājaya" invite aussi à se demander si le spectacle ne remplit pas d’autres fonctions, de nature religieuse ou politique. Enfin, à travers son prologue et ses didascalies, le "Moharājaparājaya", comme les autres drames du Gujarat médiéval, donne des preuves de la mise en scène du théâtre sanskrit, que confirme également l’examen des autres genres littéraires en vogue à l’époque
Studies on sanskrit theatre have been focused most of the time on the same restricted set of classical plays composed by famous authors like Kālidāsa, Harṣa or Bhavabhūti. On the contrary, mediaeval plays, though numerous, have been rarely studied or even translated in western languages, being usually considered as bereft of genuine dramatic inspiration. Nevertheless, they attest that their authors wished to differentiate themselves from their predecessors : for instance, plays written in Gujarat under the Caulukya are based on original subjects, some invented, others borrowed from jaina lore or recent history. In order to enrich this study with precise analyses, one of those plays, the "Moharājaparājaya" by Yas̓aḥpāla, has been thoroughly translated. Though presented as a n̄ataka, this drama has an original plot, in which allegorical and historical characters are mingled, and leads to a reflection on traditional genres. Moreover, as the aesthetic function of the theatre is hindered by the presence on stage of an historical character, the "Moharājaparājaya" lets us wonder if the show fulfils other functions, as a religious or a political one. Lastly, all the dramas written in mediaeval Gujarat testify in their prologue and stage directions to their representation, as do the comparison of theatre with the other genres in vogue then

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Bayeul, Jean-Philippe. "Václav Havel, théâtre et politique ou Politique du théâtre, théâtre du politique". Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA082653.

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Partant du constat que Václav Havel est un homme de théâtre avant d’être élu Président de la République, cette étude tente de comprendre les différentes inter-dépendances ou les disjonctions possibles entre domaine théâtral et domaine politique, à partir de sa vie et de son œuvre. Pour nous immerger dans cette problématique, nous avons analysé en un premier temps ce qui serait de l’ordre d’une mise en contexte historique d’un processus politico-culturel répétitif. Nous avons observé les implications et les rôles joués par la culture et le théâtre dans l’histoire de la République tchèque, récemment constituée. Nous avons pris en compte ensuite les différentes répercussions que ces liens indissociables, qui caractérisent la nation tchèque, ont pu avoir sur le parcours biographique de Václav Havel. Ses écrits dramatiques, ses essais et ses discours politiques nous ont permis d’appréhender les différents réseaux et liens existant entre les deux sphères ainsi que les limites relatives à cette proximité
This study begins with the acknowledgment that Václav Havel was a man of theatre before being elected as the Czechoslovakian Republic’s president. By studying and encountering the author and his writings, it strives to understand the various possible inter-dependencies or separations between the field of theatre and the field of politics. In order to immerse ourselves in this research, our first analysis concerns angling out historical context of a repetitive political and cultural process. We have observed the impact of both culture and theatre within the history of the new Czechoslovakian Republic. We have then considered the various repercussions that these same inseparable links defining the Czech nation may have had on the biographical journey of Václav Havel. His drama writings, essays and speeches have allowed us to assess the different links and networks maintained between the realm of politics and the realm of theatre, and to measure the limitations related to this proximity

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Angel-Perez, Élisabeth. "Le retour des formes dramatiques médiévales dans le théâtre parallèle contemporain britannique". Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1990PA040111.

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Ce travail défend l'idée que les formes du théâtre médiéval ressurgissent dans le théâtre parallèle contemporain britannique qui dénonce la présence société capitaliste et son mode d'expression artistique : le "mainstream théâtre". A l'instar des mystères et des moralités du Moyen Age, le théâtre parallèle contemporain relève d'une triple conception du théâtre comme éminemment démocratique, totalisant (il s'agit de représenter le monde dans sa globalité), et enfin, essentiellement non naturaliste (il n'est jamais question de susciter l'illusion ni d'y entrainer le spectateur). Par cette conception ainsi que par la technique de scène qui en résulte, le théâtre médiéval apparait comme un modèle méthodologique du théâtre parallèle britannique contemporain
This thesis supports the idea that the forms of the medieval theatre reappear in contemporary British alternative drama that questions the present capitalistic society as well as its artistic mode: the mainstream theatre. Like the medieval mystery and morality plays, alternative drama results from a conception of theatre as eminently democratic, totalizing (theatre must represent society as a whole), and eventually non naturalistic (illusion should be banned). In its self-analysis as well as in the stage technique that stems from it, the medieval theatre seems to be a methodological model for the alternative drama of today's Britain

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Antoine, Vincent. "Théâtre et théâtralité du mouvement Dada : mise en scène d'une subversion". Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30041.

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Maurizi, Françoise. "Théâtre et traditions populaires chez Juan del Encina, et Lucas Fernandez". Aix-Marseille 1, 1991. http://www.theses.fr/1991AIX10009.

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Le discours theatral temoigne de l'apport important des pratiques rituelles, des actes et des categories carnavalesques, tels que les definit m. Bakhtine. La confrontation des textes cultures avec leur substrat s'avere necessaire et operante. Dans les eglogues 5 et 6 d'encina, le carnaval est objet de discours. Le texte est empreint jusque dans ses moindres signes de la vision carnavalesque du monde. L'"auto del repelon" renvoie au cycle des fetes hivernales. La rebellion des bergers brimes contre l'etudiant est placee sous l'egide du rire carnavalesque. Le caractere inoui de cet acte s'en trouve desamorce. Les anthroponymes deviennent un code dramatique. La dation d'un npm est un rite d'agregation. Sa problematisation tend a traduire une revendication ideologique. La "pulla" offre une multiplicite de niveaux de lectures. C'est, entres autres, un rite traditionnel de passage. Sa theatralisation sert a accentuer la rusticite du berger. Par le biais du jeu de l'amour courtois et des traditions populaires est recree la rencontre de l'homme et de la femme de categories sociales differentes. L'elaboration des textes et leur codification repondent chez ces deux dramaturges a des vecteurs ideologiques antithetiques.

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Leich-Galland, Claire. "La réception du théâtre français en Allemagne (1918-1933)". Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040287.

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Ce travail etudie la reception du theatre francais en allemagne pendant la republique de weimar et l'impact de ce repertoire sur la culture d'accueil. Les pieces importees massivelent comportent surtout des comedies de moeurs conventionnelles; le theatre francais moderne n'attire pas beaucoup l'attention. Le critere de choix consiste a divertir le grand public. La critique dramatique s'oppose a cette "baisse du niveau culturel" et cherche a influencer les auteurs allemands afin de s'affranchir de la dependance du repertoire importe. De fait, on voit apparaitre une nouvelle comedie allemande conventionnelle des 1925; elle permet de supplanter les pieces francaises. L'etude des phenomenes de reception interculturelle met en evidence l'importance de la comedie depuis 1918 avec l'expressionnisme et la concurrence seculaire entre les repertoires des deux pays. A l'inverse du grand public la critique adopte une position anti-francaise. Elle se plaint du retard des pieces importees sur le drame allemand. Or, l'etude du type de production du repertoire francais calque sur la "piece bien faite" revele que nous nous trouvons au coeur d'un phenomene moderne: "la reproductibilite de l'art", pour reprendre les termes de walter benjamin. Le repertoire importe prefigure la culture de masse. Voila la veritable raison pour importer ce theatre en allemagne de 1918 a 1933
This work analyzes the reception of french theater in germany during the weimar republic and determines the impact this repertory has on the receiving culture. The plays, massively imported consist mainly of conventional comedies of manners; french modern theater does not really interest the germans. The criterium for selecting plays in their entertainment value. Drama critics are opposed to this tendency which supposedly "lowers" the cultural level and try to influence german authors in order to liberate german theater from the french repertory. In fact, a new german conventional comedy breaks through in 1925, it starts replacing the french plays. The study of intercultural reception sheds light on the importance of comedy since 1918, with expressionism, and reveals a continuing competition between the repertories of the two countries. Unlike the spectators, the critics again take an anti-french stand. They complain about the outdatedness of these imported plays in comparison to german drama. Nevertheless close analysis of the type of production which makes up the french repertory, patterned on the "well made play", reveals that we are at the very core of modernism: "the reproducibility of art" , as coined by walter benjamin. The french plays are forerunners of mass culture. This is the true reason behind the importation of this repertory in germany from 1918 to 1933

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Aoki, Hiroko. "Le Japon à travers le théâtre en France 1860-1930 : étude de réception". Paris 10, 1998. http://www.theses.fr/1998PA100161.

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A partir de l'ouverture du japon, du xixe siecle jusqu'aux annees 1930 de nombreuses oeuvres d'auteurs francais ayant trait au japon ont vu le jour. Meme si elles sont presque toutes a present oubliees, il faut signaler que toutes ces oeuvres theatrales ont obtenu un grand succes. Le but de cette these est d'abord de chercher des temoignages authentiques relatifs a ces pieces et de les presenter pour ensuite tenter d'examiner comment les francais, dans leur theatre, ont apprehende l'extreme-orient et le japon. A partir des annees 1900, le japon cessa d'etre un pays de contes de fees. Les occidentaux ont du modifier leur vision du japon. Ils ont vu ce petit pays vaincre la chine et la russie. Ils ne se sont plus contentes de chercher simplement l'exotisme dans cet empire du soleil levant. Dans plusieurs pieces representees a paris pendant les annees 1910, les auteurs ont analyse le secret de ces victoires de plusieurs points de vue differents. Les occidentaux sont devenus plus attentifs au theatre japonais, non pas le theatre japonisant des auteurs francais, mais le theatre authentique et traditionnel tels que le kabuki et le ??? jacques copeau a meme tente de representer une piecede ??? avec des acteurs francais. Lugne-poe a monte plusieurs pieces inspirees du kabuki cette these se consacre a mettre en valeur leurs tentatives precoces.

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Rouquet, Christiane. "M. Bulgakov et le monde théâtral et littéraire de son temps". Aix-Marseille 1, 1989. http://www.theses.fr/1989AIX10029.

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L'oeuvre de m. Bulgakov nous parait fortement autobiographique. Notre premier but par l'etude du "roman theatral", des lettres "a un ami secret", du "maitre et marguerite", des pieces "moliere" et "l'ile pourpre", de "la vie de monsieur de moliere" est de demontrer l'ossature autobiographique de son oeuvre, de degager l'opinion de m. Bulgakov sur le monde theatral et le monde litteraire et de reveler sa conception de l'art. Nous nous proposons ensuite d'etudier les procedes, utilises par m. Bulgakov pour transformer des evenements d'ordre autobiographique en "faits litteraires" et de mettre en lumiere l'image symbolique de l'ecrivain aux prises avec le pouvoir. Dans la premiere partie, nous etudions les experiences de m. Bulgakov au theatre d'art en axant notre travail sur la problematique des rapports de l'artiste et du pouvoir, nous cherchons dans son oeuvre ("roman heatral", "l'ile pourpre") les traces de sa collaboration et examinons sa satire du milieu theatral. Dans la deuxieme partie, apres avor etudie le monde de l'edition (gudok, nakanune, rossia, nedra) a l'epoque de la nep, nous analysons dans "le roman theatral" la satire du monde des ecrivains. Nous examinons "le maitre et marguerite" en demontrant que le roman est en partie autobiographique et a travers la critique du massolit (rapp ou union des ecrivains) nous degageons la conception de l'art de m. Bulgakov. Nous achevons notre etude par l'analyse des procedes utilises pour transformer des evenements d'ordre autobiographique en "faits litteraires" (demarcation, absurde, fantastique, symbolique) et montrons que le roman est profondement autobiographique et s'avere une riposte a un
Mr. Bulgakov's work appears to be very autobiographic. Through the study of "theatrical novel", the letters "to a secret friend", "the master and margarita", the plays "moliere", "the crimson island" and "the life of monsieur de moliere", our first objective is to show the autobiographic frame of his work, to bring out mr. Bulgakov's opinion about theatrical and literary worlds and reveal his conception of the art. Then, we want to look into the different ways bulgakov transformed autobiographical events into "literary facts" and bring to light the symbolic image of the writer in his struggle with those in power. In the first part, we will investigate bulgakov's experience with the art theatre, focusing on the difficulty of relations between the artist and the authorities, we will look for traces of his collaboration (in "theatrical novel", "the crimson island") and examine his satire on the theatrical world. In the second part, after having studied the publishing trade (gudok, nakanune, rossia, nedra) during the nep period, we will analyse the satire on the literary world through "theatrical novel". We will end our study with the analysis of the different methods used to transform autobiographical events into "literary facts" (demarcation, absurdity, fantastic, symbolic); we will show that the novel is deeply autobiographic and proves to be a retort to a strictly materialistic society

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Forestier, Georges. "Le déguisement dans le théâtre français : (1550-1680)". Paris 3, 1986. http://www.theses.fr/1987PA030009.

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Entre la naissance du theatre francais moderne (1550) et la consecration que constitue la fondation de la comedie francaise (1680),quatre cents pieces de theatre - le tiers de la production totale de la periode - font usage de deguisements, notion que nous comprenons comme l'imposition d'une identite usurpee, consciente ou inconsciente; a egale distance, donc, de la mascarade et du mensonge. Le present travail retrace l'histoire, analyse les formes, etudie le fonctionnement et met au jour les structures thematiques des diverses modalites d'un procede dramatique majeur des xvie et xviie siecles. En premier lieu, considerant d'une part les facettes multiples sous lesquelles se presentent les deguisements (differences de forme, d'utilisation, d'importance), d'autre part les differents types de personnages susceptibles d'etre deguises (heros,heroines, valets et servantes, traitres et ridicules), nous avons tente de degager des lignes de force, en nous appuyant au depart sur des denombrements informatises. De la deux series d'analyses, la premiere (3 chapitres) consacree aux types de deguisements et a leur utilisation, completee par une etude des reflexions des theoriciens classiques sur les procedes de deguisement, l'autre (4 chapitres) consacree aux relations entre les differents types de personnages et le deguisement. En second lieu, du point de vue de son fonctionnement, le deguisement est a la fois un procede dramatique et un role; il reclame donc une etude de dramaturgie et une etude de semiotique. Le deuxieme volet de notre travail comprend donc lui aussi deux parties. D'une part, une etude du fonctionnement interne du deguisement : expression de l'apparence et du role fictifs, et reception du deguisement par les autres personnages qui en sont les victimes ou les complices (3 chapitres). D'autre part une etude de son fonctionnement externe : mode de designation du deguisement, fonctions du deguisement dans l'intrigue, dans la construction de l'action et dans la representation du spectacle, effets sur le public (ironie et surprise, etc. ) (2 chapitres). Enfin, il apparait que non seulement le deguisement peut se trouver au centre d'un certain nombre de structures thematiques, sur lesquelles reposent des pieces entieres, et qui se repetent de piece en piece, mais surtout que ces structures thematiques appartiennent a des schemas esthetiques qui les depassent et permettent de comprendre le sens de leur utilisation. Le dernier volet de notre travail est donc constitue par l'etude (synchronique et diachronique) des principes esthetiques qui fondent l'organisation thematique des deguisements (4 chapitres). On passe des "principes d'action" (action negative, action positive, action mediatisee) au "principe de l'action empechee", pour aboutir aux "principes de reception" des deguisements; notre travail se clot ainsi par une reflexion sur les formes particulieres d'illusion assurees par certains deguisements, auxquelles se sont precisement interessee les plus grands createurs dramatiques du 17e siecle, corneille, moliere, racine.

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Menet-Genty, Janine. "Théâtre et société en Italie (1860-1915) : un nouveau répertoire et de nouvelles structures théâtrales pour une société en mutation". Nancy 2, 1986. http://www.theses.fr/1986NAN21023.

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Le théâtre italien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle est peu connu et négligé par la critique. Pourtant, après la réalisation de l'unité politique de l'Italie, il veut contribuer au renouveau national. Par l'utilisation de la langue italienne, il s'oppose aux dialectes ; par une approche originale des problèmes sociaux contemporains, il veut se démarquer de l'influence alors prépondérante du théâtre français ou scandinave. Des centaines de pièces nouvelles sont écrites chaque année par des dramaturges professionnels ou amateurs, et créées par des dizaines de troupes itinérantes qui parcourent l'ensemble du territoire italien et font des tournées à l'étranger. Les principaux acteurs, selon la tradition, dirigent leur propre troupe. Cette période voit des tentatives de changements : des théâtres stables sont créés ; les auteurs, les acteurs et les directeurs de troupe s'organisent pour défendre leurs intérêts respectifs ; la presse spécialisée se développe et accentue l'impact du théâtre sur un public nombreux et passionné. Les sujets traités par les auteurs correspondent aux préoccupations de la classe bourgeoise en ascension rapide : la famille et l'argent sont des thèmes présents dans toutes les intrigues. Certaines pièces à thèse mettent en scène des problèmes de société tels que le duel ou le suicide ; d'autres illustrent les nouvelles lois, indiquent les difficultés que soulève leur application ou suggèrent des modifications qui apparaissent souhaitables à propos du mariage, de la séparation, du divorce, de l'héritage, etc. Toutes s'appuient sur une morale traditionnelle stricte, sans concessions. Notre travail relève de la littérature et aussi de la sociologie du théâtre : par l'étude des textes des pièces, des échanges épistolaires entre les auteurs et les acteurs et des archives des compagnies, nous montrons l'importance de ce théâtre qui donne une image souvent fidèle de l'Italie nouvelle, mais aussi révèle les phantasmes d'une société en mutation
The Italian theater of the late 19th c. And early 20th c. Is little known and neglected by critics, though it contributed to the national revival once political unity was achieved in Italy. Turning away from dialects it chooses the national Italian language ; through its original approach to contemporary social issues it takes an independent stand against the overwhelming influence of French and Scandinavian drama. Hundreds of new plays are written each year by professional or amateur playrights. The plays are produced by dozens of itinerant troups, travelling all over the Italian territory, and even going on tours abroad. Leading actors according to tradition direct their own troup. This period is also a time of experiments : "permanent" theaters are created ; playrights, actors and company directors organize themselves in the defence of their respective interests ; a specialized press develops and increases the theater's impact on a large and enthusiastic audience. Authors deal with subjects that reflect the concerns of a rapidly rising bourgeoisie. Such themes as family and money are part of all plots. Some problem plays stage familiar concerns on the contemporary social scene, like duels and suicide. Others illustrate the new laws, underline the difficulties implied by their enforcement and suggest necessary reforms in the fields of marriage, separation, divorce, heritage, etc. All plays rely on traditional moral standards. The present work pertains to both literature and the sociology of theater. As we study the texts of the plays, the letters exchanged by authors and actors as well as the archives of the theater companies we draw attention to a literary genre which often provides an accurate image of the new Italy while revealing the obsessions of a rapidly transforming society

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Gauthier, Brigitte. "Dramatisation de la psychiatrie en Angleterre et aux États-Unis de 1960 à 1990". Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040321.

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Shakespeare présentait la folie comme l'épreuve nécessaire de la lucidité. Cette analyse était représentative d'une époque où le poids des institutions ne permettait qu'au fou du roi ou à l'artiste de s'exprimer. Au vingtième siècle, on assiste à un déplacement d'intérêt. Les dramaturges anglais et américains des années 1960 à 1990 s'intéressent plus au traitement de la folie qu'à la folie elle-même. La dynamique générale de leurs pièces est celle de la dénonciation, sur un mode comique ou par une satire virulente. Ces dramaturges ont, en fait, exploite la psychiatrie pour incriminer le pouvoir totalitaire
Shakespeare presented madness as a necessary step towards awareness. This analysis was representative of a period during which the weight of institutions allowed only the king's fools or the artists to express themselves freely. In the twentieth century, we can witness a shift of interest. From 1960 to 1990, British and American playwrights were more interested in the treatment of madness, than in madness itself. The general dynamic of their plays is one of denunciation, thanks to a comical vein or to a scathing satire. Dramatists have actually exploited psychiatric issues to incriminate totalitarian powers

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Dumas, Catherine. "Du gracioso au valet comique : contribution à la comparaison de deux dramaturgies (1610-1660)". Paris 10, 2000. http://www.theses.fr/2000PA100124.

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Opposees par leurs canons esthetiques, la dramaturgie baroque espagnole et la dramaturgie classique francaise du xviie siecle n'en entretiennent pas moins des contacts. Les adaptations de comedias comicas realisees en france ont contribue a renover la comedie. Le traitement que le gracioso, personnage-type du theatre espagnol, recoit dans les comedies inspirees de comedias, ecrites par rotrou, d'ouville, boisrobert, scarron, pierre et thomas corneille, permet d'apprecier les apports de la dramaturgie d'outre-pyrenees. Entre le gracioso et le valet comique francais, les ressemblances sont multiples. Cependant, les differences entre les deux personnages laissent apparaitre de nouvelles exigences chez les dramaturges francais. La confrontation de neuf comedias et de leurs adaptations revele,par-dela les differences de style, que la majorite des fonctions dramatiques et des valeurs du gracioso ont ete transmises au valet comique francais qui devient, comme son modele, le reflet inverse et le faire-valoir negatif de son maitre. Le serviteur francais de comedie est neanmoins prive d'autres aspects specifiques du gracioso : ainsi l'usage des jeux de mots ou des contes fantaisistes, la virtuosite verbale et le recours a l'abstraction se rarefient dans son discours. Les ecarts psychologiques et sociaux se creusent avec le monde des maitres, le profil socio-culturel du subalterne est unifie et simplifie, le personnage devient plus fruste. L'efficacite comique du serviteur francais repose parfois sur des moyens tres simples, tels que la gestualite ou les injures adressees par le maitre. Les clins d'il du personnage au public sont moins frequents que chez le gracioso. Le souci de realisme, ou du moins l'etablissement de nouveaux criteres de vraisemblance, predominent dans la reconstruction francaise du valet.

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Heitz, Raymond. "Le drame de chevalerie dans les pays de langue allemande à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle : théâtre, nation et cité". Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040087.

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Le succès retentissant du drame de chevalerie dans les pays de langue allemande à la fin du dix-huitième et au début du dix-neuvième siècle n'a pas valu à ce "genre", de la part des chercheurs, l'intérêt qu'il mérite. S'appuyant sur une meilleure circonscription quantitative de ce type dramatique et sur un corpus de référence élargi, la présente étude invalide les thèses élaborées à partir d'un matériau fragmentaire. Point de convergence de questions d'esthétique, de réalités politiques et historiques, le phénomène est réinséré dans l'histoire du théâtre allemand à un moment qui coïncide avec la prise de conscience de la germanite, la réception de Shakespeare et le conflit des esthétiques. L'analyse du concept de patriotisme, indissociable de l'idée de "théâtre national", précise le point de vue, communiqué par ces drames, sur la vie de la cité et les pouvoirs établis et inscrit le "genre" dans le débat sur l'image de l'étranger et le jeu contrasté des stéréotypes. La mise au jour de métamorphoses de cette veine théâtrale s'inscrit en faux contre les positions admises jusqu'ici. En filigrane, sont abordées la querelle sur les niveaux de style et la question de la trivialisation
The resounding success of chivalric drama in German-speaking countries at the end of the eighteenth century and the beginning of the nineteenth has not secured for this "genre" the attention it deserves from researchers. Based on better quantitative survey of this dramatic from and a broader corpus of references, the present study invalidates the theses founded on fragmentary material. This phenomenon, as the point of convergence of questions of aesthetics and of historical and political realities, is reinserted in the German theatre at a moment which coincides with the awakening of a Germanic identity, the acceptance of Shakespeare and aesthetic conflicts. The analysis of the concept of patriotism, which is inseparable from the idea of a "national theatre", clarifies the point of view transmitted by these plays as regards the life of the city and the established powers and gives the "genre" its place in the debate concerning the image of foreigners and the contrasting effects of stereotypes. The metamorphosis of this theatrical vein, once revealed, rejects the positions considered acceptable until now. The dispute concerning levels of

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Julliard, Catherine. "La réception des théories esthétiques françaises par le théâtre allemand de la Frühaufklarung". Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040127.

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La période étudiée, domaine encore peu exploré jusque-là, s'étend sur les premières décennies du XVIIIe siècle et est caractérisée par diverses ruptures, philosophique, stylistique, esthétique, avec le siècle précèdent et notamment avec l'héritage formel et conceptuel de la seconde école silésienne. La situation psychologique de l'époque est définie par la conscience allemande de carences dans le domaine dramaturgique et culturel, accentuée par les réactions des étrangers raillant l'état de la littérature germanique. La conjoncture allemande spécifique, marquée par la perception d'une infériorité dans le cadre européen, est à l'origine d'un vaste phénomène d'accueil de théories théâtrales françaises. La réception, ou passage d'un espace culturel à un autre, apparait comme la réponse à une attente, les emprunts jouant un rôle capital dans l'élaboration d'un nouvel édifice théorique dramatique. Le modèle préconise par Gottsched, sur lequel est centrée l'étude, est la France, gardienne du legs antique, exemple réussi d'une culture nationale, idéale de théorie théâtrale reposant sur un ensemble de normes. Ces canons littéraires transmis par la France constituent des références majeures dans le théâtre allemand. La méthode observée consiste en une lecture des textes théoriques français et allemands à la lumière d'axes de réflexion. L'étude montre que Gottsched s'inspire de la tradition classique et néo-classique française. Elle décèle la cohérence des apports français que l'allemand intègre dans l'édification de son programme national
The period to be studied, a domain that has been until now little explored, extends over the first decades of the eighteenth century and is characterized by different ruptures with the previous century, particularly with the formal and conceptual heritage of the second Silesian school. The psychological situation of the epoch is defined by the German consciousness of deficiencies in the dramatic and cultural sphere, increased by the reactions of foreigners who mock German literature. The specific German situation is the origin of the reception of French dramatic theories. The reception, or the passage from one cultural sphere to another, meets German expectations, and the borrowings play a cardinal part in the elaboration of a new dramatic theoretical edifice. The model advocated by Gottsched, who is the focus of the study, is France, a successful example of a national culture, an ideal of dramatic theory which is based on norms. The method employed consists in a reading of texts in French and German theory with the consideration of major themes. The study shows that Gottsched is inspired by the French classical and neoclassical tradition. It attempts to reveal the coherence of the French contributions that the German writer integrates into the edification of his national program

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Rozprawy doktorskie na temat „Théâtre (genre littéraire) écossais”

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