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Artykuły w czasopismach na temat „Théâtre tout public”

Autor: Grafiati
Data publikacji: 31 sierpnia 2024
Data aktualizacji: 31 lipca 2025

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Villa, Julien. "Tout ce que le théâtre public…" Théâtre/Public N°252, no. 2 (2024): 52–56. https://doi.org/10.3917/thepu.252.0052.

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Sédouy, Louise de. "Les théâtres à ciel ouvert de Bordeaux au début du XXe siècle : des projets d’ampleur pour une exploitation éphémère." Horizons/Théâtre 18-19 (2024): 76–98. https://doi.org/10.4000/13a4z.

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Au début du XXe siècle, Bordeaux voit apparaître plusieurs lieux de spectacle identifiés comme ayant un lien avec la nature. Certains restent à l’état de projets, comme le projet de Théâtre de Verdure, proposé par l’architecte Louis Süe pour le Jardin Public, mais d’autres sont bel et bien construits et dans d’imposantes dimensions : le Grand Théâtre de la Nature du Sud-Ouest et le Théâtre des Vendanges. Le premier se situe à la frontière entre la ville et la banlieue peu urbanisée, sur le Boulevard Antoine Gautier. Le second, est placé dans l’extrême centre, sur l’espace qu’offre la place des
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Boisson, Bénédicte. "Les actualisations d’un idéal théâtral au Théâtre du Peuple – Maurice Pottecher." L’Annuaire théâtral, no. 49 (June 7, 2012): 13–31. http://dx.doi.org/10.7202/1009300ar.

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Cet article explore les liens entre activité mémorielle et construction d’une identité collective au Théâtre du Peuple, théâtre reconnu comme la plus ancienne entreprise de théâtre populaire en France et faisant preuve d’une longévité remarquable. En se concentrant sur l’histoire du théâtre depuis le décès de son fondateur en 1960, il montre comment la figure de Maurice Pottecher est restée une référence permanente, en même temps que son projet a fait l’objet de diverses relectures. Celles-ci ont permis de redéfinir les éléments identitaires forts de ce lieu, remplaçant le répertoire par le pu
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Spielmann, Guy. "Réflexions performatives sur la postérité du théâtre de Destouches(et de quelques autres)." Études sur le XVIIIe siècle 46 (2018): 201–11. https://doi.org/10.4000/13zrc.

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Que reste-t-il de l’œuvre de Destouches ? La boutique de la Comédie-Française nous en fournissait naguère un indice révélateur : trois maximes, connues de tout francophone – mais dont on oublie généralement l’origine –, inscrites sur des produits dérivés, tee-shirts et autres : « Chassez le naturel, il revient au galop », « La critique est aisée et l’art difficile », « Les absents ont toujours tort ». Las ! Même ces articles commerciaux ont disparu du catalogue, laissant craindre que Destouches s’efface tout à fait de la mémoire collective, sinon de celle des historiens du théâtre. En effet, l
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Pridmore-Franz, Milane. "La pratique du surtitrage en contexte minoritaire." Convergences francophones 2, no. 2 (2015): 57–67. http://dx.doi.org/10.29173/cf323.

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Depuis son essor au milieu des années 80, la pratique du surtitrage demeure une forme de traduction audiovisuelle peu explorée, malgré l’intérêt croissant qu’elle suscite chez certains traductologues et spécialistes. Si les études sur ce genre de traduction multidimensionnelle ou multisémiotique et ses enjeux sont encore à l’état embryonnaire, la perception et les attitudes des divers publics concernant les surtitres sont peu connues de la part des chercheurs. Il va de soi que, pour assurer le succès d’un spectacle surtitré, on doit bien connaître son public cible, comme le requiert tout acte
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Ladouceur, Louise. "De l’emploi des surtitres anglais dans les théâtres franco-canadiens : bénéfice et préjudice." TTR 28, no. 1-2 (2017): 239–57. http://dx.doi.org/10.7202/1041658ar.

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Cet article propose une étude du surtitrage dans les théâtres francophones de l’Ouest canadien afin de mettre en relief ce qui distingue ce mode de traduction dans le champ de la traduction audiovisuelle. Le théâtre étant un art vivant, les surtitres doivent composer avec la nature instable du texte source livré sur scène et les différents profils linguistiques des destinataires auxquels ils sont transmis pendant le spectacle. Mis en pratique depuis plusieurs années dans les théâtres franco-canadiens, le surtitrage offre plusieurs avantages aux compagnies théâtrales fonctionnant dans une langu
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KACHMAR, Rawan. "Chouchou, figure gravée dans la mémoire collective du théâtre libanais." Regards, no. 22 (October 10, 2019): 59–74. https://doi.org/10.70898/regards.v0i22.137.

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Chouchou est le surnom de l'artiste libanais Hassan Alâ’ed-dine (1939-1975). Il fonde le théâtre national libanais (1965-1975), premier théâtre quotidien à voir le jour au Liban. Durant dix ans, ce théâtre a produit vingt-six pièces comiques dont Chouchou est le protagoniste permanent. Qui est Chouchou et comment est-il devenu une vedette aux yeux du grand public du théâtre libanais ? Chouchou le beyrouthin au fort accent, le tourbillon aux mouvements extravagants, le sensible au coeur fragile et le rusé aux moustaches distinctives, s’est approprié des caractéristiques physiques, corporelles e
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Watteyne, Nathalie. "Tout comme elle." Dossier 34, no. 2 (2009): 87–96. http://dx.doi.org/10.7202/029468ar.

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Résumé Bien que Louise Dupré soit connue surtout comme poète et comme romancière, son texte pour le théâtre, Tout comme elle, mis en scène par Brigitte Haentjens en 2006, a été très apprécié par le public et par la critique. L’étude du texte porte sur les marques énonciatives chargées de rendre les rapports difficiles entre une mère et sa fille, puis entre celle-ci et sa propre fille. Dans les quarante-huit scènes tirées de la vie ordinaire des trois personnages, les échanges sont lourds de non-dits hostiles : regards perdus au loin ou obliques, sentiments haineux, colères inavouées et violenc
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حفيظة, بلقاسمي. "ترجمة النص الشكسبيري". Traduction et Langues 4, № 1 (2005): 90–100. http://dx.doi.org/10.52919/translang.v4i1.334.

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Le théâtre de Shakespeare est une source qui a marqué de son empreinte les caractéristiques artistiques du théâtre anglais en particulier et du théâtre mondial en général. Il a composé la plupart de ses pièces sous forme de poésie transmise, et le théâtre poétique s'appuie principalement du côté du dialogue sur la musique, le rythme, et la manipulation des mots. Shakespeare aimait les évasions et la manipulation des mots et des expressions, qu'il remplissait d'émotions intenses et d'idées lumineuses pour exprimer dans sa langue distincte les vérités profondes de l'âme humaine.Il est donc inévi
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Abou Soughaire, Tarik. "L’ironie du pouvoir féministe dans le théâtre de Tawfiq Al-Ḥakim cas de « La femme moderne »". Cercetări teatrale 4, Special (2023): 195–217. http://dx.doi.org/10.46522/ct.2023.s1.12.

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Tawfiq Al-Ḥakim est l’un des romanciers et des dramaturges les plus connus et les plus lus non seulement dans le monde arabe, mais aussi en Occident. La plupart de ses romans et de ses spectacles ont été traduits en plusieurs langues étrangères. Connu par le père du théâtre et le fondateur du Théâtre mental, il a su rédiger un grand nombre de pièces de théâtre dont le contenu essentiel visait à créer des acteurs des notions qui se meuvent sur scène en portant des vêtements des symboles. L’une des idées qui occupe une place majeure dans les écrits théâtraux de ce dramaturge, c’est l’ironie du p
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Sottocasa, Valérie. "« Rebelle ou brigand ? » Le baron de Saint-Christol (1748-1819) vu par lui-même et par ses juges." Annales historiques de la Révolution française 373, no. 3 (2013): 189–208. https://doi.org/10.3917/ahrf.373.0189.

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Les départements du Midi ont été agités par des troubles politiques précoces et souvent d’une violence extrême. La Provence a été le théâtre d’affrontements sanglants dès les premiers temps de la Révolution, la Terreur laissant place à une contre-révolution brutale qui s’essouffle sous le Consulat. Des « brigands » rouges ou blancs ont sillonné les routes, terrorisé les campagnes, mettant au défi l’ordre public dont l’État se proclame le garant. Parmi eux, le baron de Saint-Christol est dénoncé comme l’un des chefs royalistes les plus redoutables. Les autorités le dépeignent à la tête d’un rés
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Jacková, Magdalena. "Les compagnies ambulantes et le théâtre jésuite à Prague entre 1700 et 1763 : l’essoufflement du baroque ?" Études sur le XVIIIe siècle 50 (2022): 69–83. https://doi.org/10.4000/134pr.

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À Prague, il n’existe aucun théâtre fixe et on ne connaît que les troupes itinérantes professionnelles qui s’expriment principalement en allemand. Les jésuites sont les seuls à proposer des spectacles susceptibles de toucher un large public. L’ampleur et la diversité des productions sont impressionnantes : des dizaines de pièce de Kolczawa et de Pannagl sont publiées, auxquelles il faut ajouter de très nombreuses pièces manuscrites, souvent anonymes, et des centaines de programmes. Durant la première moitié du siècle, les thématiques traitées évoluent : les libertins corrigés, saints, martyrs,
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Killick, Rachel. "Quand Albertine parle anglais : la dramaturgie de Michel Tremblay en terres anglo-saxonnes." L’Annuaire théâtral, no. 50-51 (July 17, 2013): 51–70. http://dx.doi.org/10.7202/1017312ar.

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Le théâtre, comme art public, a joué un rôle d’une grande importance dans l’affirmation de l’identité québécoise au XXe siècle : dans un premier temps à l’intérieur du Québec où l’idée d’un théâtre national populaire, imaginée tout d’abord par Gratien Gélinas à la fin des années 1940, a été relancée avec brio par Les Belles-Soeurs de Michel Tremblay en 1968 ; dans un deuxième temps à l’extérieur du Québec où l’exportation de la dramaturgie de Tremblay fut le fer de lance pour le rayonnement de la culture québécois à l’étranger. Sa pièce, Albertine, en cinq temps, co-produite par le Centre Nati
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Turgeon, Alexandre. "Les femmes et la politique dans les caricatures de Robert La Palme, 1943-19511." Revue d'histoire de l'Amérique française 63, no. 2-3 (2010): 361–87. http://dx.doi.org/10.7202/044458ar.

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De 1943 à 1951, Robert La Palme présente sa vision caustique de l’actualité à travers des milliers de caricatures au sein du Canada, un journal d’élite. Ses caricatures paraissent alors que les femmes investissent l’espace public et obtiennent des droits politiques au Québec. Dans son théâtre, le caricaturiste fait intervenir une panoplie d’acteurs, dont les femmes, lesquelles sont représentées sous la forme de femmes ordinaires, de personnages symboliques, et de caricatures grotesques de responsables politiques. Pour rejoindre un lectorat d’élite, soit La Palme adopte leur langage, soit il ad
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Suciu, Silvia. "Piața de artă în Franța în sec. XVII-XVIII." Anuarul Muzeului Etnograif al Transilvaniei 33 (December 20, 2019): 171–205. http://dx.doi.org/10.47802/amet.2019.33.12.

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Conçu comme une continuation de l’essaye „L’affaire de l’Art. Le Marché d’Art aux Pays Bas, au XVIIe siècle” (AMET 2018), cette étude suit la création artistique et le destinataire de l’œuvre d’art en France, aux XVIIe et XVIIIe siècles. À la Cour du Roy Soleil, la possession d’un capital culturel (objets de luxe, tableaux, bijoux, calèches) était un moyen de montrer le rang, la vertu et la grandeur à travers la valeur associée à ces objets. Louis XIV a exercé un contrôle absolu de la production des œuvres d’art crées à Versailles, dans tous les domaines d’art : architecture, sculpture, peintu
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Ritter, Julia M. "Danse en tandem : étude du mouvement des spectateurs et des performeurs dans Sleep No More de Punchdrunk1." Tangence, no. 108 (May 30, 2016): 51–76. http://dx.doi.org/10.7202/1036454ar.

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La compagnie britannique Punchdrunk a créé plusieurs productions théâtrales immersives depuis sa fondation en 2000. Sleep No More se distingue de celles-ci puisqu’on y présente le drame de Macbeth de Shakespeare par le truchement de la danse, mais aussi en raison du succès critique et commercial du spectacle. À l’aide des explications de Maxine Doyle, chorégraphe et directrice artistique associée de Sleep No More et des réflexions des performeurs et des spectateurs de la version new-yorkaise, la chercheuse en danse Julia M. Ritter émet l’hypothèse que la popularité de ce théâtre immersif est d
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Müller-Schöll, Nikolaus, and Lise Devreux. "Un théâtre pour tous et pour personne." La Pensée N° 414, no. 2 (2023): 46–57. http://dx.doi.org/10.3917/lp.414.0046.

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Dans une note de son Journal de travail , Brecht révèle pourquoi deux de ses pièces ne le satisfont pas. Il les a rendues conformes aux attentes d’un grand public ou aux règles imposées du réalisme socialiste. Par « opportunisme », il a trahi ainsi ses recherches et convictions en matière d’art théâtral. Réfractaire, il a cependant laissé dans ces pièces « opportunistes » des indices témoignant de ses expérimentations pour un théâtre qui lui est resté impossible à produire de son vivant.
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Fantino, Luca. "La publicité futuriste, un nouveau domaine esthétique." ALTRALANG Journal 4, no. 02 (2022): 387–403. http://dx.doi.org/10.52919/altralang.v4i02.226.

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Futuristic Advertising, A New Aesthetic Domain
 ABSTRACT: Marinetti conceives his activity in the futurist movement as a global, living aesthetic practice, encompassing all artistic disciplines: poetry, theater, cinema, music, painting, sculpture, fashion, cooking, advertising, are the fields in which he gives free rein to his endless creativity. Among the different fields of action of the futurists, the one related to the art of advertising is one of the most interesting, since it is related to productive processes, to competition, to the dynamism of the economy. For the futurists, to pa
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Joinnault, Brigitte. "« Élitaire pour tous » : oxymore ou pléonasme ?" L’Annuaire théâtral, no. 49 (June 7, 2012): 77–92. http://dx.doi.org/10.7202/1009303ar.

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Cette étude porte sur le rapport d’Antoine Vitez avec les notions de théâtre populaire et de théâtre service public. Elle met d’abord en évidence la difficulté historique qu’il y aurait à vouloir distinguer, dans la confluence des grands mouvements qui ont influencé le metteur en scène (théâtre populaire, théâtre politique, théâtre d’art), une filiation qui relèverait spécifiquement du lignage populaire. Puis elle propose une analyse du cheminement de la pensée d’Antoine Vitez sur la politique culturelle et le rôle social de l’artiste au cours des années déterminantes qui ont précédé la naissa
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Melai, Maurizio. "Sylla d’Étienne Jouy, ou « le lendemain de Waterloo » : régimes tragiques de symbolisation de l’histoire." Études littéraires 43, no. 3 (2013): 41–56. http://dx.doi.org/10.7202/1016846ar.

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Résumé À partir d’un cas spécifique, celui de Sylla, pièce d’Étienne Jouy créée en 1821, cet article se propose d’analyser les modalités ou régimes de symbolisation de l’histoire qui permettent à la tragédie de la Restauration de contourner la censure et de transposer au théâtre de l'actualité sociocritique. Sylla constitue un exemple parfait non seulement de « textualisation » du présent collectif, mais aussi de sa « théâtralisation » à travers le recours à l’histoire : tous les moyens d’expression verbaux et non verbaux dont dispose l’art théâtral sont utilisés pour favoriser l’identificatio
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Musinova, Tatiana. "Retraduire à plusieurs les classiques russes : l’exemple d’André Markowicz." TTR 37, no. 2 (2024): 121–43. https://doi.org/10.7202/1116642ar.

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Si dans l’histoire de la traduction du russe nous devions chercher un nom de traducteur qui rime avec la retraduction à plusieurs, celui d’André Markowicz viendrait naturellement à l’esprit. En refusant de qualifier ses traductions de retraductions, il invite le public français à découvrir d’une nouvelle façon les oeuvres des classiques dans le respect des oeuvres originales, tout en revendiquant la subjectivité du traducteur et ainsi sa propre vision et interprétation du texte. De ce fait, l’idée qu’une traduction puisse être considérée comme définitive ne semble pas possible pour André Marko
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Addobbati, Andrea, and Francesca Bregoli. "Les esclaves livournais à Alger: La question juive et le théâtre politique en Toscane à la fin du xviiie siècle." Annales. Histoire, Sciences Sociales 76, no. 1 (2021): 7–45. http://dx.doi.org/10.1017/ahss.2021.54.

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Les esclaves livournais à Alger: La question juive et le théâtre politique en Toscane à la fin du xviiie siècleCet article analyse une pièce de théâtre française récemment découverte, Les esclaves livournais à Alger, écrite par François Gariel et publiée à Livourne en 1786. Le protagoniste de la pièce, qui fourmille d’allusions à des événements toscans et européens contemporains et de références subtiles à des classiques de la littérature française des Lumières, est un marchand juif vertueux d’Alger, avocat de la tolérance pour tous les peuples et toutes les religions et admirateur déclaré du
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Patureau, Mirella. "La culture pour tous, théâtre public, théâtre privé, les règles françaises du jeu." Studia Universitatis Babeş-Bolyai Dramatica 67, no. 1 (2022): 99–117. http://dx.doi.org/10.24193/subbdrama.2022.1.05.

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"The theater has always been a privileged partner of the political Power, to be protected and/or monitored, depending on each type of society. In France, the idea of having the arts and culture supported by the State had already germinated at the dawn of the French Revolution, but it was necessary to wait until the end of the 19th century to witness a real awareness and a new distribution of “roles” between institutionalization and democratization. After a quick historical review, following in the footsteps of André Malraux, Jean Vilar or Jack Lang, until today, we can identify the principles
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Fargeton, Pierre. "Georges Brassens antihéros de music-hall ?" Volume ! 22 : 1 (2025): 137–52. https://doi.org/10.4000/140pt.

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Seul en scène ou avec contrebassiste dans la pénombre, figé devant le micro pied sur la chaise, sans un mot ni un salut au public : l’image commune de Brassens montre une figure non seulement aux antipodes des codes usuels du music-hall mais aussi très à distance des habitudes élémentaires du tour de chant ou récital de chansons. Comment dans ces conditions expliquer le succès de Brassens sur les scènes de music-hall ? On fera l’hypothèse que toute la dimension théâtrale et spectaculaire des chansons de Brassens s’est déplacée vers l’intérieur, et ceci à double titre : dans les textes d’une pa
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Marquis, Emmanuelle, and Sophie Stalport. "Comment transmettre un patrimoine culturel par le théâtre… et sensibiliser aux arts les différents publics ?" Spirale N° 105, no. 1 (2023): 98–100. http://dx.doi.org/10.3917/spi.105.0098.

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La compagnie Carré blanc sur fond bleu – théâtre et arts visuels – propose des spectacles pluridisciplinaires, des lectures-spectacles et des ateliers contés à destination des tout-petits. Au fil de nos expériences, de nombreuses collaborations avec des structures petite enfance se sont mises en place. Ces interventions artistiques et sensorielles permettent de développer et enrichir le lien entre le tout-petit, les professionnel(le)s et les familles. Elles proposent aux enfants un accès à la culture dans des lieux qui leur sont familiers, les incitent à s’ouvrir au monde, à expérimenter à tra
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Cordier, Marine, and Chloé Langeard. "Les théâtres subventionnés face au New Public Management . Les cadres administratifs et techniques, acteurs de la rationalisation de la production artistique." Sociologie Vol. 14, no. 4 (2023): 413–29. https://doi.org/10.3917/socio.144.0413.

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À partir d’une enquête qualitative, cet article prend pour objet les cadres administratifs et techniques des organisations théâtrales subventionnées, afin d’éclairer leur contribution à la rationalisation de la production artistique. Le secteur du spectacle vivant n’échappe pas, dans un contexte de stagnation budgétaire, à la diffusion des principes issus du New Public Management (NPM), qui entraîne l’importation de représentations, de normes et de dispositifs gestionnaires d’inspiration néolibérale au sein des organisations théâtrales. Au croisement de la sociologie du travail et des professi
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Dubor, Françoise. "Le théâtre de Claudel : création vivante d’un répertoire." Les répertoires en concurrence, no. 53-54 (June 9, 2015): 187–200. http://dx.doi.org/10.7202/1031161ar.

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Paul Claudel, réputé auteur dramatique et poète catholique, est entré dans le répertoire sous la catégorisation de son obédience religieuse. Il y a là un malentendu qui entrave sa réception : son oeuvre n’est pas le lieu d’expression de ses convictions religieuses, en revanche elle tend à redéfinir les bases mêmes du théâtre dramatique, dans un mouvement novateur qu’il est temps de reconnaître. C’est ce qu’ont fait des hommes de théâtre comme Antoine Vitez ou Valère Novarina. Il faudrait que le public, profane et savant, en prenne à son tour la mesure.
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Koustas, Jane. "Tu faisais comme un appel : les enfants de Duplessis." Pratiques & travaux, no. 32 (May 5, 2010): 150–64. http://dx.doi.org/10.7202/041511ar.

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Cette étude se veut une analyse de la pièce Tu faisais comme un appel, signée Marthe Mercure, selon la théorie de récit post-traumatique élaborée par Cathy Carruth, Mieke Bal et Ross Chambers. L’auteur propose que, tout comme le docudrame qui se veut « vrai » tout en étant une création dramatique, la pièce de Mercure se situe à la frontière entre la fiction et la non-fiction. Il s’agit donc d’un événement théâtral qui met sur scène la « vraie » histoire de quatre orphelines de Duplessis et qui engage le public tant sur le plan théâtral que sur le plan social et politique.
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Deslauriers, Rosaline. "Quand l’homme et l’image se disputent le plateau : la compagnie de théâtre Les Deux Mondes et ses machinations." L’Annuaire théâtral, no. 42 (May 5, 2010): 107–22. http://dx.doi.org/10.7202/041693ar.

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Depuis près d’une trentaine d’années, la scène contemporaine confronte son public à d’étranges spectacles : tantôt le dispositif scénique prend l’allure d’une installation, tantôt la représentation s’approche du happening ou de la performance, tantôt écrans et technologie de pointe montent sur les planches aux côtés de comédiens devenus chanteurs, danseurs ou acrobates. Semblable mutation, tour à tour considérée comme un effet de mode ou une idéologie représentative de la pensée de notre temps, incite bon nombre de théoriciens à se pencher sur le brouillage des frontières entre théâtre, danse,
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Danan, Joseph. "Kiwi de Daniel Danis ou le vacillement des frontières." Dossier 40, no. 1 (2015): 93–101. http://dx.doi.org/10.7202/1028024ar.

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L’auteur considère quatre façons qu’a Danis de se jouer des catégories habituelles de la dramaturgie jeune public. Il explore d’abord la porosité entre théâtre et roman, qui débouche sur un traitement singulier de l’image et d’une temporalité aux contours flous. Puis, il s’attarde à la prise en charge par l’auteur de l’écriture scénique de son texte, avènement qui annonce une période d’expérimentation du côté de la performance. Il examine ensuite le tabou qui concerne les sujets légitimes dans le théâtre jeune public, et plus précisément la question de la sexualité des personnages, que Danis a
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Roubaud, Jacques, and Sophie Divry. "« Je veux que le lecteur m’accompagne »." Études Mai, no. 5 (2016): 75–86. http://dx.doi.org/10.3917/etu.4227.0075.

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Né en 1932 à Carcassonne, Jacques Roubaud est le fils d’un père agrégé de philosophie et d’une mère professeure d’anglais. En 1966, il passe une thèse de mathématiques. En 1967, il publie son premier livre de poésie, rencontre Raymond Queneau et entre à l’Oulipo. Depuis cinquante ans, il écrit une œuvre gourmande de tous les genres littéraires : la poésie ( Quelque chose noir, Churchill 40 ou, plus récemment, Ode à la ligne 29 des autobus parisiens ), la prose avec son grand cycle en six branches Le grand incendie de Londres , l’essai ( La fleur inversée , La vieillesse d’Alexandre ), le roman
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Stieg, Gerald. "De l'usage du français dans le théâtre de Nestroy." Austriaca 75, no. 1 (2012): 121–30. http://dx.doi.org/10.3406/austr.2012.4966.

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L’article pose la question de savoir si la présence massive de la langue française, qui caractérise le théâtre populaire viennois depuis le XVIIIe siècle, prend chez Nestroy une forme spécifique. La comparaison de quelques échantillons prélevés dans les œuvres de Kurz-Bernardon, Hafner et Bäuerle montre que Nestroy, dans des pièces de second ordre (comme Le Magicien Sulphurelectrimagneticophosphoratus, En vain ou l’adaptation d’Un serviteur cultivé), suit largement les usages de ses prédécesseurs. En revanche, dans Le Talisman ou Mon ami, il fait du français un moyen stylistique raffiné. Dans
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Choulet, Philippe. "Logique et politique de l'objet dans les théâtres de marionnettes." Móin-Móin - Revista de Estudos sobre Teatro de Formas Animadas 1, no. 29 (2024): 48–71. http://dx.doi.org/10.5965/2595034701292024048.

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L'article analyse la problématique de l'objet animé à partir de la relation qu'il établit avec le sujet qui l'anime et avec le public. À cette fin, il développe une réflexion philosophique sur comment et pourquoi l'objet apporte des significations à la scène théâtrale. Tout au long de l'écriture, des concepts pertinents à Platon, Husserl, Kant et Aristote, entre autres philosophes et artistes, sont évoqués.
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Balt, Christine. "“Doing Ecology” in the Chemical Valley: Pedagogies of Time, Scale, and Participation in The Chemical Valley Project." Theatre Research in Canada 42, no. 1 (2021): 26–44. http://dx.doi.org/10.3138/tric.42.1.a02.

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Dans cet article, Christine Balt examine comment la pièce The Chemical Valley Project, jouée au Théâtre Passe Muraille de Toronto en avril 2019, sert de modèle pour illustrer des méthodes et des pédagogies en théâtre qui permettent de stimuler une action climatique porteuse de sens en théâtre écologique. Plutôt que vouloir comme d’autres trouver une solution de rechange aux récits de « l’inévitable apocalypse » qui caractérisent le théâtre écologique, Balt se demande comment le Chemical Valley Project donne vie à l’idée exprimée par Carl Lavery de « faire de l’écologie » afin de promouvoir le
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Paulet Dubois, Françoise. "Humour, justice et terrorisme : Le Voyage d’hiver d’Amélie Nothomb et Les Justes d’Albert Camus." ALTERNATIVE FRANCOPHONE 2, no. 1 (2017): 37–55. http://dx.doi.org/10.29173/af29330.

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Zoïle, le héros du roman Le Voyage d’hiver qu’Amélie Nothomb publie en 2009, manifeste dès la première page son intention de détourner un avion et de l’écraser, avec tous ses passagers et l’équipage, contre la tour Eiffel. Après une curieuse histoire en rétrospective, il se met à l’œuvre à la clôture du livre et percute le monument avec le Boeing 747 qu’il a appris à piloter. Ce « voyage d’hiver » extrêmement criminel, le personnage nous le raconte à la première personne sur un ton humoristique, celui de l’humour noir. Après avoir étudié plusieurs caractéristiques du « terroriste » et de ses m
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Décarie, Isabelle, and Louise Frappier. "La tragédie du Jeune Latour dans Le Canadien : interférences textuelles et politiques." Études françaises 36, no. 3 (2004): 27–45. http://dx.doi.org/10.7202/009721ar.

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Résumé En 1844, Antoine Gérin-Lajoie publie sa tragédie du Jeune Latour dans le journal Le Canadien. C’est ce mode de publication, tout à fait rare pour une pièce de théâtre, et la lecture particulière induite par la configuration spécifique de l’objet-journal, qui font l’objet de cette étude. Ce type de lecture produit une interférence entre les divers discours qui émergent du journal, dont l’effet est, dans ce cas précis, une contextualisation de la tragédie et une mise en scène des informations. De cette reconfiguration du sens par la lecture émerge, dans les trois numéros où est publiée la
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Mast, Jason L., Antoine Gauthier, and Jonathan Roberge. "De l’essor de la performativité dans la politique-spectacle des démocraties de masse." Cahiers de recherche sociologique, no. 51 (March 26, 2013): 157–80. http://dx.doi.org/10.7202/1015002ar.

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Cet article traite de la montée de la performativité au sein de la politique-spectacle contemporaine. Il soutient qu’à mesure que les conditions sociales sont devenues fragmentées, les acteurs politiques ont été amenés à travailler de façon plus consciemment symbolique dans leur manière de communiquer et de convaincre leur public. Le concept de fragmentation (defusion) sera ici proposé. Celui-ci suggère que les acteurs politiques doivent désormais travailler de façon plus théâtrale pour incarner l’autorité dévolue à leurs charges. En examinant à la fois les changements dans les stratégies amér
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Ruffo, Sébastien. "La meilleure idée d’Edmond Rostand." L’Annuaire théâtral, no. 42 (May 5, 2010): 123–37. http://dx.doi.org/10.7202/041694ar.

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Cyrano de Bergerac d’EdmondRostand n’est pas une pièce « engagée » et sonauteur n’est jamais proposé comme exempled’« artiste-citoyen ». Par une étude de laperformance dans son contexte d’origine (Paris, fin1897) — une étude attentive à l oeuvre, à sesartisans (Rostand, Coquelin), à son public, et qui conjugue au vol des éléments del’histoire culturelle (l’éthos fin de siècle), del’analyse de la réception (critiques, traductions), del’analyse thématique et psychanalytique (le panache devenu mythecollectif) — le présent article propose une vision du théâtreoù l’importance sociale d’une oeuvre r
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Babayants, Art, and Nicole Nolette. "Présentation / Introduction Bousculer la scène unilingue / Defying the Monolingual Stage." Theatre Research in Canada 38, no. 2 (2017): 148–52. http://dx.doi.org/10.3138/tric.38.2.148.

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Au début avril 2017, la compagnie de théâtre Modern Times de Toronto a invité un groupe hétérogène d’artistes, de chercheurs et de critiques à échanger sur le thème de la diversité en lien avec les pratiques théâtrales au Canada. Une des tables rondes, animée par Marjorie Chan, directrice artistique de Cahoots Theatre, portait sur les langues et les accents représentés sur la scène. Chacun des intervenants a proposé une série de questions. Comment représenter une langue minoritaire sur les planches? Doit-elle être traduite? Quel est le rôle des sous-titres? Quels types de sous/surtitres doit-o
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Rizzoni, Nathalie. "Marivaux, Pannard et Le Chemin de Fortune." Revue d'histoire littéraire de la France o 98, no. 2 (1998): 215–30. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1998.98n2.0215.

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Résumé En 1734, Marivaux publie dans Le Cabinet du philosophe un canevas dramatique curieux à la tonalité éminemment morale, qu'il intitule Le Chemin de Fortune . Quatre ans plus tard, le Théâtre de la Foire propose à ses spectateurs Le Fossé du Scrupule , un opéra-comique dont la dramaturgie repose manifestement sur ce même canevas, renouant ainsi, contre toute attente à l'époque, avec la tradition médiévale des « moralités » et des figures allégoriques sur la scène : possédés par le désir d'accéder promptement à la richesse, plusieurs personnages représentant différentes classes de la sociét
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Errecart, Amaia, and Philippe Fache. "De la scène à l’écran : « La Comédie continue ! ». Un théâtre en réseaux par temps de confinement." Communication & langages N° 218, no. 4 (2023): 87–102. http://dx.doi.org/10.3917/comla1.218.0087.

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Lors du premier confinement de mars 2020 et de la paralysie du spectacle vivant qui en a résulté, la Comédie-Française, institution emblématique du patrimoine théâtral français, s’est particulièrement illustrée par sa capacité à innover et à maintenir une offre culturelle originale, couronnée d’un succès qui a dépassé ses espérances. S’appuyant sur l’analyse sémio-discursive d’un corpus constitué d’un ensemble de discours produits par la Comédie-Française sur différents supports destinés à assurer la promotion de l’opération « La Comédie continue ! », cet article vise à décrire et qualifier le
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Bernard, Marie Christine. "Chinook." Voix Plurielles 9, no. 2 (2012): 178–79. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v9i2.678.

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« [Là] où Marie Christine Bernard excelle, c’est dans la sobriété, le non-dit qui contraint le lecteur à combler le silence avec ses propres émotions, avec la douleur de ses cicatrices, avec les souvenirs secrets des blessures de tous ses âges accumulés. » — Christiane Laforge
 
 L’auteure enseigne les Lettres au collège d’Alma, au Québec. Plusieurs fois primés, ses livres sont connus au Canada anglais, aux Etats-Unis et en Europe. Elle écrit de la poésie, du théâtre, des chansons et des nouvelles en plus de ses romans grand public et jeunesse. Mademoiselle Personne, paru en 2008, lu
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Aventin, Catherine. "L’engagement du spectateur de théâtre de rue. Revivre l’espace urbain." Tangence, no. 108 (May 30, 2016): 95–105. http://dx.doi.org/10.7202/1036456ar.

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En tant qu’architecte, c’est par une approche pluridisciplinaire que Catherine Aventin étudie les arts de la rue, d’un point de vue spatial et sensible par le biais des ambiances architecturales et urbaines. Elle travaille entre autres sur la réception de ce type d’action artistique, où la scène peut être une rue, une place, voire une ville entière. Son article aborde la réception par les différentes composantes de l’espace public à l’oeuvre (physique, sociale et sensible) et montre quels liens peuvent se créer entre le lieu de représentation, l’événement artistique et les pratiques et représe
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Malavialle, Renaud. "Des arts et des affects dans la pensée pédagogique et politique de Juan de Mariana d’après le De rege et regis institutione." Rives méditerranéennes 65 (2024): 37–57. http://dx.doi.org/10.4000/12iwg.

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Au début du règne de Philippe III, le jésuite espagnol Juan de Mariana (1536-1624) est l’auteur du De rege et regis institutione (1599), une réflexion longuement mûrie sur le rôle des arts dans l’éducation politique du prince et pour l’exercice du pouvoir monarchique. Des passages de ce traité permettent d’examiner les cas emblématiques de la poésie, de la musique et du théâtre. La relation entre les arts, les affects et l’éducation politique du prince, la nécessité de pratiques artistiques, sont fondées par Mariana sur les traditions platonicienne et aristotélicienne. L’appréciation de l’aute
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Shuo, Yu. "Mise en scène des relations lors d'un banquet chinois." European Journal of Sociology 34, no. 1 (1993): 17–40. http://dx.doi.org/10.1017/s0003975600006548.

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Nourri de Mead et de Sartre, Erving Goffman affina la théorie de la « dramatisation ». Moins enclin que Sartre à l'indignation morale, il était plus précis que Mead qui s'arrêta au stade de la déduction abstraite. Poussant la logique de Mead, il proposa d'observer la vie sociale comme s'il s'agissait d'une scène de théâtre. À l'acteur et aux rôles définis par ses aînés, il ajouta la scène et la coulisse comme les régions où s'exercent les relations (interactions), la troupe et les spectateurs comme les personnages principaux dans les relations, le décor, les costumes et l'appareillage comme le
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Barrière, Mireille. "Pour une véritable histoire de la vie musicale du parc Sohmer de Montréal (1889-1919)." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 19, no. 1-2 (2020): 109–17. http://dx.doi.org/10.7202/1069880ar.

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Fondé en 1889, le parc Sohmer a habité le paysage culturel de Montréal pendant trente ans, mais n’a suscité jusqu’à présent que deux études d’envergure et quelques articles qui ne donnent qu’une idée vague de son activité musicale. On ignore à peu près tout de la nature et de la dimension véritables de son répertoire, de la part occupée par la « bonne musique » et la « musique à danser », les répertoires ancien et contemporain, national et international. S’appuyant sur un corpus encore mince, cet article décrit la méthodologie et les objectifs d’une étude qui permettra à l’auteure de détermine
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Laugée, Thierry. "Un Panthéon morbide : la naissance du Musée de la Société phrénologique de Paris." Études françaises 49, no. 3 (2014): 47–61. http://dx.doi.org/10.7202/1021202ar.

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Lors de la fondation de la Société de phrénologie, le renforcement des collections de têtes fut l’une des décisions principales de ses membres. Pour ce faire, il y eut une participation volontaire de nombreuses célébrités de tous domaines et de toutes disciplines. Une commission fut chargée de réaliser des copies de tous les plâtres importants présents dans les collections de province et à l’étranger, de visiter les bagnes pour faire mouler des têtes, ou d’obtenir des individus célèbres leur empreinte. Les collections s’enrichirent alors rapidement, on échangea, on surmoula les têtes dans les
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Foch, Delphine. "Le quadrille mis sous cloche ?" Volume ! 22 : 1 (2025): 79–90. https://doi.org/10.4000/140pp.

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À la lecture des programmes des spectacles donnés au Moulin Rouge tout au long du xxe siècle, on est frappé par la présence régulière du quadrille naturaliste – ou French Cancan – et ce, dès le début du siècle lorsque le bal cède la place au théâtre-concert ou au music-hall. Les noms des « célébrités chorégraphiques » du premier établissement – la Goulue, Grille d’Égout, Rayon d’Or, etc. – figurent parfois sur les programmes bien après leur départ ou leur disparition, tandis que certaines revues évoquent, le temps d’un tableau, le Moulin Rouge de la Belle Époque. Comment cette danse indocile i
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Roy, Roxanne. "Le voyage de la Reine d’Espagne : une nouvelle comédie galante ?" Tangence, no. 96 (April 20, 2012): 27–49. http://dx.doi.org/10.7202/1008850ar.

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Le voyage de la Reine d’Espagne de Jean de Préchac est une oeuvre marquée du sceau de l’hybridité générique. Cette nouvelle galante, qui prend la forme d’une relation de voyage et qui insère des genres mineurs tels que la promenade, les lettres et les billets galants, doit également beaucoup au genre théâtral, puisque plusieurs scènes se présentent comme de petites comédies à lire. Cet article entend mettre au jour la dimension dramaturgique de cette nouvelle en montrant comment Préchac, tout en s’inspirant du Cid, tragicomédie de Corneille, réécrit l’intrigue sur un mode plus comique et galan
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Fisette, Jean. "La représentation de la folie comme thérapie. À propos de Claude Gauvreau." Dossier 18, no. 3 (2006): 468–82. http://dx.doi.org/10.7202/201044ar.

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Résumé L'oeuvre de Gauvreau, saisie comme signe, est définie dans une perspective peircéenne. D'entrée de jeu, l'auteur affirme que Claude Gauvreau a rencontré sa folie, qu'il a constamment traversé, dans les deux sens, la frontière qui sépare le monde de la dite normalité de celui de l'immersion incontrôlée dans les fantasmes. À l'image de Nelligan, il a laissé sa folie transparaître dans le texte; pourtant, il est allé beaucoup plus loin, jusqu'à déconstruire la langue pour arriver à ce point utopique où le matériau langagier serait absolument isomorphe aux contenus de l'inconscient. Cette e
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