Literatura científica selecionada sobre o tema "Adaptaciones cinematográficas"

Resumen La aventura “apócrifa” de la cueva de Montesinos ocupa un lugar especial dentro del Quijote: es la única aventura del caballero que sobrepasa lo realmente posible, amén de la única de la que no tenemos ningún testigo. Este y dos otros episodios serán considerados en lo que sigue como relatos de sueños, a fin de mostrar cómo Cervantes se sirve de la indeterminación de lo onírico para establecer un diálogo intertextual con los debates barrocos en torno al sueño. Con la mirada puesta en la (inter)medialidad del cine, serán tratadas a continuación las dinámicas estéticas y semióticas desarrolladas por las adaptaciones cinematográficas más relevantes si se escribe así, se interpreta que son las adaptaciones cinematográficas del Quijote de los siglos XX y XXI, como si fuera el Quijote el de los siglos XX y XXI (y hubiera un Quijote de otros siglos). Si lo que quiere decir es que las adaptaciones cinematográficas son de los siglos XX y XXI, debería decirlo así: las adaptaciones cinematográficas más relevantes de los siglos XX y XXI del Quijote, en torno a la representación de tres episodios...o bien: las adaptaciones cinematográficas de los siglos XX y XXI más relevantes en torno a la representación de tres episodios de la novela.

El presente artículo tiene como objetivo ofrecer unaaproximación a las diferentes interpretaciones que se hanllevado a cabo del Quijote de Miguel de Cervantes, y versi estas son, en mayor o en menor medida, fidedignas altexto. Para llevar a cabo el estudio, tendremos en cuenta dosmedios de comunicación: Cine y televisión, y, a partir de ahí,analizaremos, por un lado, las adaptaciones más significativasde los diferentes países europeos y su fidelidad al texto y,por otro lado, las versiones españolas que consideramos quepresentan mayor afinidad al libro. Asimismo, se hará una brevemención a las primeras incursiones en el séptimo arte de laobra cervantina más universal.

Resumo O presente artigo constitui uma adaptação do Trabalho de Conclusão de Curso apresentado à Especialização em Teoria e Prática da Formação do Leitor, na Universidade Estadual do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre, em 2019. Este teve como objetivo compreender como o texto escrito pode ser transformado em imagens, ações ou diálogos, estabelecendo uma relação entre a arte literária e a arte cinematográfica, bem como elucidar algumas diferenças existentes entre as duas linguagens e como essa relação contribui para a formação de leitores. A análise se justifica devido à busca por comprovação de que adaptações cinematográficas de obras literárias contribuem para a formação de leitores. A metodologia adotada baseou-se em revisão bibliográfica e análise comparativa entre o livro da escritora Thalita Rebouças, Fala Sério, Mãe! e a adaptação cinematográfica homônima. Depois de fundamentar a análise acerca dos conceitos de linguagem literária (LAJOLO, 1996; MARTINS, 1986) e arte cinematográfica (COLODA, 1972; SANTAELLA, 2001; SOTTA, 2015), procurou-se elucidar algumas diferenças estabelecidas entre as duas linguagens. Os resultados sugerem que as adaptações cinematográficas de obras literárias contribuem para a formação de leitores ao divulgarem a existência de uma obra nas quais foram baseadas e auxiliam para que o leitor se sinta capaz de explorar diferentes formas de linguagens. Palavras-chave: Obra literária; adaptação fílmica; formação de leitores; linguagens. Abstract This article is an adaptation of the Course Conclusion Paper presented to the Specialization in Theory and Practice of Reader Education, at the State University of Rio Grande do Sul, in Porto Alegre, in 2019. It aimed to understand how written text can be changed into images, actions or dialogues, establishing a relationship between literary and cinematographic art, as well as elucidating some existing differences between the two languages ​​and how this relationship contributes to the formation of readers. The analysis is justified due to the search for proof that cinematographic adaptations of literary works contribute to the formation of readers. The methodology was based on a literature review and a comparative analysis of the book by writer Thalita Rebouças, “Fala sério, Mãe!” and the homonymous film adaptation. After substantiating the analysis on the concepts of literary language (LAJOLO, 1996; MARTINS, 1986) and cinematographic art (COLODA, 1972; SANTAELLA, 2001; SOTTA, 2015), some differences between the two languages should be elucidated. The results suggest that the cinematographic adaptations of literary works contribute to the formation of readers by disclosing the existence of a work on which they were based and helping the reader to feel capable of exploring different forms of languages. Keywords: Literary work; film adaptation; reader training; languages. Resumen Este artículo es una adaptación del Trabajo de Conclusión del Curso presentado a la Especialización en Teoría y Práctica de la Formación del Lector, de la Universidade Estadual do Rio Grande do Sul, en Porto Alegre, en 2019, que tuvo como objetivo comprender cómo el texto escrito se puede transformar en imágenes, acciones o diálogos, estableciendo una relación entre arte literario y arte cinematográfico, además de dilucidar algunas diferencias existentes entre los dos lenguajes y cómo esta relación contribuye a la formación de lectores. El análisis se justifica por la búsqueda de pruebas de que las adaptaciones cinematográficas de obras literarias contribuyen a la formación de lectores. La metodología adoptada se basó en una revisión de la literatura y un análisis comparativo del libro de la escritora Thalita Rebouças, Fala sério, Mãe!, y la adaptación cinematográfica homónima. Tras fundamentar el análisis en los conceptos de lenguaje literario (LAJOLO, 1996; MARTINS, 1986) y arte cinematográfico (COLODA, 1972; SANTAELLA, 2001; SOTTA, 2015), se buscó dilucidar algunas diferencias establecidas entre los dos lenguajes. Los resultados sugieren que las adaptaciones cinematográficas de obras literarias contribuyen a la formación de los lectores al dar a conocer la existencia de una obra en la que se basan y ayudar al lector a sentirse capaz de explorar diferentes formas de lenguajes. Palabras clave: Obra literaria; adaptación cinematográfica; formación de lectores; idiomas.

Este trabajo hace un análisis comparativo entre el cuento “El tercer invitado” (1950) de B. Traven y su adaptación cinematográfica Macario (1959) dirigida por Roberto Gavaldón. El artículo contextualiza la novela corta del autor alemán respecto al relato de los Grimm, la enigmática figura del escritor, su particular relación con el mundo del cine y las diferentes adaptaciones cinematográficas de su obra literaria. Se hace un estudio de la producción de la película y el trasvase del relato a la pantalla en el que se analiza la adaptación del texto a partir de los planteamientos coincidentes y divergentes. Finalmente, se relaciona la adaptación con los referentes temáticos e iconográficos y los nexos e influencias sobre los que se elabora la película.

Analizamos el impacto de Death Wish (1972) de Brian Garfield y de cómo sus adaptaciones cinematográficas la convirtieron en una obra de culto. Nos preguntamos por el fondo de la cuestión y otros aspectos que se han quedado al margen en los escasos trabajos académicos realizados hasta la fecha, con especial atención en la trascendencia moral y social de su legado.

Los cuentos populares han llegado hasta nuestros días gracias a la oralidad y a las versiones escritas, peor también forma parte de la tradición la capacidad de aprovechar nuevos lenguajes. Son muy numerosas las adaptaciones cinematográficas y televisivas de estas historias, que cuentan con la ventaja de que el espectador conoce previamente los temas y motivos y aprecia las variaciones y soluciones audiovisuales que las nuevas versiones ofrecen. De entre las muchas adaptaciones realizadas, hemos elegido la serie televisiva El Cuentacuentos (1987-1988) a fin de elaborar un análisis que determine si los mass media están o no a la altura cuando se trata de adecuar las grandes historias de los pueblos a los tiempos que corren.

En el periodo del cine silente, la adaptación de obras literarias es una de las maneras que el nuevo medio encuentra para legitimarse y, por supuesto, para abastecer de tramas a producciones que se consumen con gran rapidez en los países donde la industria florece. Latinoamérica también participa de estos pasajes intermediáticos, aunque en la mayoría de los casos lo hace precariamente. El presente artículo se ocupa de tres adaptaciones cinematográficas de textos literarios uruguayos realizadas en el exterior: Tabaré, de Juan Zorrilla de San Martín (Lezama y Canals de Homs, México, 1917), Los muertos, de Florencio Sánchez (Defilippis Novoa, Argentina, 1919) y Brenda, de Eduardo Acevedo Díaz (Martínez y Gunche, Argentina, 1921). Desde una perspectiva transnacional, se indaga en las zonas de tensión, alianzas y resistencias que esos cruces entre cine y literatura generaron en Uruguay. Se destaca que en todos los casos la recepción implicó una apropiación de esas obras extranjeras como nacionales o regionales, hecho que lleva a una redefinición de lo extranjero, asociado por lo general a la industria norteamericana. Palabras clave: intermedialidad, adaptaciones literarias, cine silente, Latinoamérica, Uruguay

En este trabajo se abordará la problemática existente a la hora de versionar al cine obras de Gabriel García Márquez, para lo que se analizarán seis novelas del autor colombiano con sus respectivas versiones cinematográficas, enfocadas al análisis literario y sociocultural, ya que es posible que el foco del problema en dichas versiones sea la falta de visión en cuanto a la realidad de Colombia. La coyuntura histórica es un factor clave en la narrativa y estilo de cualquier escritor. La Guerra de los mil días y la crisis social, moral y económica en la que se sumió Colombia son tan sólo algunos de los hechos que rodearon a Gabriel García Márquez. En obras como Eréndira, Crónica de una muerte anunciada, El coronel no tiene quien le escriba, El amor en los tiempos del cólera, Del amor y otros demonios o Memoria de mis putas tristes, se pueden notar muchos aspectos que reflejan la realidad que en ese entonces estaba viviendo el escritor, cuyo subtexto no deja de mostrar el permanente estado de inquietud, incertidumbre y desasosiego en la vida del ciudadano común de su país natal, donde se puede sentir el clamor de los más sometidos, de los que sufren bajo el yugo de los opresores más desalmados, tópico replicado en toda la novelística de García Márquez. Otros temas abordados en dichas obras son: el amor (fraternal, sexual e idílico), el matrimonio, la política, la pedofilia, la prostitución, la guerra, la religión, el machismo y las tradiciones familiares, entre muchos otros que caracterizan los problemas de una región inexplorada y desconocida para muchos, Latinoamérica. Muchas de esas obras de García Márquez han sido llevadas a la gran pantalla, unas con menos éxito que otras, aunque algunas hayan sido objeto de elogio como obras de arte audiovisuales. El fracaso comercial de la gran mayoría de estas adaptaciones responde al desacierto de muchos cineastas, que no han sabido complacer los gustos de los diferentes receptores a los que les ha tocado enfrentarse. Si queremos defender las adaptaciones cinematográficas, es necesario despojar de toda culpa al género de la adaptación como tal, recordando que toda adaptación debe ser valorada de diversas maneras, tanto a nivel de guion como a nivel de material artístico audiovisual, ya que la literatura y el cine emplean dos lenguajes completamente distintos. Este trabajo se enfocará también en el análisis de numerosos estudiosos y críticos que han brindado sus profundos trabajos e investigaciones sobre el tema de las adaptaciones, cuya visión negativa se ha visto difuminada con el tiempo. Bluestone, Elliot, Mc-Farlane, Cartmell and Whelehan, Casetti y Bazin son tan solo algunos de los críticos que han hecho referencia a la evolución de las adaptaciones cinematográficas hasta nuestros días, una evolución que no sólo se ha visto en la parte tecnológica, sino también en la parte ideológica de cada crítico y espectador que ve y juzga la obra. García Márquez ha trabajado con cineastas de renombre, como Ripstein, Guerra, Rosi, Newel, Hidalgo o Carlsen, entre muchos otros, que han tratado de llevar a la pantalla de manera satisfactoria el intrincado mundo del escritor colombiano, el cual se manifiesta en un incesante devenir de vivencias cargadas de colorido, fiesta y música, vivencias que, muchas veces, se han visto empañadas por momentos de desgracia y delirio. Durante los años ochenta, hemos visto, con sus aciertos y desaciertos, Eréndira y Crónica de una muerte anunciada. Posteriormente, en 1999, aparece El coronel no tiene quien le escriba, una obra digna de admiración, sobre todo por sus brillantes actuaciones. Y después, ya en el siglo XXI, se han podido disfrutar, con un mejor apoyo tecnológico, aunque no sin muchas dificultades, adaptaciones basadas en El amor en los tiempos del cólera, Del amor y otros demonios y Memoria de mis putas tristes.
The historical situation is a key factor in the fiction and style of each writer and Gabriel García Márquez cannot be an exception. Thousand Days' War, the social, moral and economic crisis, in which Colombia plunged in those days, had a decisive impact on his works. Despite the violent events and in contrast to the suffering of famine, disease and death among people, Colombia presented a marked boom in the economy, an aspect reflected in the novels of the Colombian Nobel. Additionally, in The Incredible and Sad Tale of Innocent Eréndira and Her Heartless Grandmother, Chronicle of a Death Foretold, No One Writes to the Colonel, Love in the Time of Cholera, and Of Love and Other Demons, many aspects of the reality of the time in which the writer was living can be noticed: the restlessness and uncertainty in people’s lives, love, sexuality, fraternalism, politics, prostitution, religion, war, male chauvinism and the eternal struggle between rich and poor and between exploiters and exploited, among others. Numerous scholars like Bluestone, Elliot, Mc-Farlane, Cartmell and Whelehan have analyzed the evolution of film adaptations. Regarding García Márquez, he collaborated with renowned filmmakers such as Ripstein, Guerra, Rosi, and Newel, who tried to bring his intricate world, a place full of colors and music tarnished by moments of misfortune and delirium, to the Silver screen. Many of Márquez’s works have been adapted for the screen. During the eighties, Eréndira and Chronicle of a Death Foretold and, in 1999, No One Writes to the Colonel were adapted. In the 21st century, adaptations based on Love in the Time of Cholera, Of love and other demons and Memories of My Melancholy Whores appeared. Although some of these adaptations have been praised as audiovisual works of art, the commercial failure of the majority of them is due to the filmmakers’ lack of success in pleasing their audiences. Defending the film adaptations, it is necessary to strip the blame of the adaptation genre. Also, it should be mentioned that since both literature and cinema use two different languages, all adaptations must be assessed in several ways.

Lo héroes trágicos son los seleccionados para llevar una vida extraordinaria llena de aventuras y retos. Sin embargo, hacia el cumplimiento de su objetivo, ellos deben seguir un camino dramático, uno que no pueden elegir, sino que estará impuesto por el hado. Es por ello que ningún héroe trágico es portador de la felicidad ni de la buena ventura, su final siempre ha de ser funesto. Por ello, nos preguntamos: ¿todos los héroes trágicos seguirán el mismo camino hacia la inevitabilidad de su desdicha? La muerte es la culminación del camino recorrido por el héroe trágico y es, al mismo tiempo, la redención de sus faltas, pues a lo largo de su camino dramático ha cometido muchas: es soberbio y tirano, y conoce el alcance de su poder y lo maneja a su conveniencia. Es así que la imagen de los héroes trágicos ha ejercido fascinación en nosotros, desde un comienzo con el mito de Edipo. Su representación teatral nos demuestran lo temible que es el destino. El hado está marcado y mientras más se alejen los héroes de su destino, más próximos estarán de encontrar su desgarrador final. Es así que Edipo se ha convertido en el arquetipo del héroe trágico por excelencia.
Tesis

My aim is to recreate from the texts and films the world which is shown, and then examine it in order to demonstrate a number of points. I hope to show that there is such a phenomenon as an English working class, and that this class has its own culture. This culture is different from, and in many ways opposed to, the “high” artistic culture of the elite, but is not a culture of lack, as in “lack of culture”. It is rather a creation of the working class themselves and serves as a positive force in their lives, which are again different from and frequently opposed to the lives of the upper and middle classes. It is also resistant to the mass culture and the ideology which this conveys, or is argued to convey, and these resistant attitudes form part of the working-class culture. Work plays an important part in the lives of Sillitoe´s characters, and this activity has been consistently neglected in English literature, at least as regards the working class. Despite views which represent the post-war working class in England as less cohesive and more individualistic, I argue that the way that Sillitoe´s characters live and think about their lives reflects the previous history of the working class, and the attitudes revealed had been developed over more than a century. Rather than being an isolated picture of two disconnected individuals, the works represent a point in a continuum of literature about the working class, a continuum which has been extended not least by Sillitoe himself. I include the films in this thesis for a number of reasons. The films are closely linked to the books not only through contemporaneity and the fact that Sillitoe wrote the screenplay for both, but also through the Free Cinema movement. This, I argue, can be seen as the cinematic counterpart to the Angry Young men in literature, and these two movements were and are closely interwoven in the cultural event of the late 50s/early 60s in England, and thus are considered from the same point of view as the books. The structure of this work is as follows: in the first part I give a brief outline of the Industrial Revolution in England, and the changes which it produced in society, especially in the political, educational and cultural fields. The key words in the title of this thesis, “work”, “culture”, “class”, are all complex, open to multiple interpretations, and all have their roots in the Industrial Revolution. This leads me to the development of the idea of culture and the development of cultural studies as a discrete field of enquiry. I examine the literature produced by and about the working class, with particular reference to the work itself. In the second part I look at the cultural production in wartime and post-war England, which includes the work of those writers usually grouped together as the Angry Young Men, to give the social and cultural background against which Sillitoe wrote the works to be studied. This takes me on to the books themselves, with particular attention paid to the role of work and culture, in its various meanings, which will include the ideology to which the characters are subjected. In the third part I examine the two films, both as a development of the Free Cinema movement and in the same terms as used for the books, namely in terms of the portrayal of the two main characters in their respective roles in society and their reactions to the ideology of that society, and also in terms of their portrayal of culture. Finally, some conclusions are drawn, in which the main point is that Sillitoe showed in these two works that the working class have their own culture and ideology, and that these are different from and opposed to the culture and ideology which are dominant in the society in which they live.
Mi objetivo es recrear desde los textos y películas el mundo allí mostrado, y examinarlo a continuación para llegar a demostrar algunos puntos. Espero demostrar que el fenómeno denominado clase obrera existe como tal, y que esta clase tiene su propia cultura. Esta cultura es diferente de, y en muchos sentidos opuesta a la “alta”cultura artística de la élite, pero no es una cultura de carencia, como en “falta de cultura”. Es más bien una creación de la propia clase obrera y sirve como una fuerza positiva en sus vidas, que son también diferentes de y con frecuencia opuestas a las vidas de las clases medias y altas. También mantiene una resistencia frente a la cultura de masas y la ideología que conlleva, o dice conllevar, y estas actitudes de fuerza forman parte de la cultura de la clase obrera. El trabajo tiene un papel importante en las vidas de los personajes de Sillitoe, y esta actividad ha sido continuamente negada en la literatura inglesa, al menos en lo que se refiere a la clase obrera. A pesar de las opiniones que presentan la clase obrera inglesa de la post guerra como menos cohesionada y mas individualista, sostengo que el modo en que los personajes de Sillitoe viven y piensan sobre sus vidas refleja la historia previa de la clase obrera, y las actitudes mostradas se han desarrollado a lo largo de mas de un siglo. Mas que ser un retrato aislado de dos individuos inconexos, las obras representan un punto en un continuum de literatura sobre la clase obrera, continuum que en buena parte se ha extendido por el propio Sillitoe. Incluyo las películas en esta tesis por una serie de razones. Las películas están estrechamente relacionadas con los libros no solo por la contemporaneidad y el hecho de que Sillitoe escribiese los guiones de ambas, sino también a través del movimiento del Free Cinema. Esto, sostengo, puede considerarse como el equivalente cinematográfico de los Angry Young men en literatura, y estos dos movimientos estaban estrechamente entretejidos en el evento cultural de finales de los 50/comienzos de los 60 en Inglaterra, y por tanto son considerados desde el mismo punto de vista que los libros. La estructura de este trabajo es la siguiente: en la primera parte hago un breve resumen de la Revolución Industrial en Inglaterra, y los cambios que produjo en la sociedad, especialmente en los campos de la política, la educación y la cultura. Las palabras clave en el título de esta tesis (“trabajo”, “cultura” “clase”), son todas complejas, abiertas a múltiples interpretaciones, y todas tienen sus raíces en la Revolución Industrial. Esto me lleva a desarrollar la idea de la cultura y el desarrollo de los estudios culturales como un campo distinto de la investigación. Examino la literatura producida por y sobre la clase obrera, con referencia particular al propio trabajo. En la segunda parte atiendo a la producción cultural en Inglaterra durante y después de la guerra, la cual incluye la obra de aquellos escritores que generalmente están agrupados como “the Angry Young Men”, para mostrar el ambiente contra el que Sillitoe escribió los libros examinados. Esto me lleva a los libros mismos, poniendo especial atención en el papel del trabajo, y la cultura en sus diferentes significados, lo cual incluye la ideología a la que los personajes están sujetos. En la tercera parte, examino las dos películas, como una evolución del movimiento del Free Cinema, y en los mismos términos usados para los libros, a saber, la descripción de los dos protagonistas en sus papeles respectivos en la sociedad y sus reacciones a la ideología de esa sociedad, y también en la descripción de la cultura. Finalmente, se sacan unas conclusiones, en las cuales el punto principal es que en estas dos obras Sillitoe demostró que la clase obrera tiene su propia cultura e ideología, y que éstas son diferentes y opuestas a la cultura e ideología dominantes en la sociedad en que viven.

This thesis aims to problematise the hegemonic set of relations that has been aligned to gender and sex within the framework of binary thought when reading Woolf’s narrative of gender. Woolf’s elusive and intense style, the plasticity and ambivalence of her language and her complex, polyhedric characters make of Virginia Woolf’s literature a literature of her own; a radical literature that is able to draw new undefined landscapes, unsettled territories, dislocating and challenging routes mapped out through her experimental method, her crossing of generic boundaries, and her fluid and limitless characterisations. This project focuses on Woolf’s male characters as a reaction to the constraints that gender studies have generally imposed upon her writings. Two main objections have been considered; on the one hand, much of the critical effort related to gender and Woolf’s writing has focused on femininity, by ignoring her radical male characters. On the other hand, despite vast female-centred studies and the small amount of studies focused on masculinities there is a number of scholars who have dealt with rigid and fluid male characters (studies that assimilate Woolf’s work on masculinities to the discourse of patriarchy, war, imperialism and fascism; psychoanalytic perspectives on gender; studies that focus on homosexuality; and studies that focus on androgyny). However, most of these approaches to masculinities in Woolf have inscribed gender/sex in rigid binary taxonomies. My reading of Deleuze’s and Guattari’s collaborative body of work (their fluid conception of individuation and their concept of difference-in-itself) together with my reading of Men’s studies (Connell, Kimmel, Segal) and Difference Feminism (Irigaray, Jardine, Braidotti, Grosz, Olkowski, Colebrook) constitute the theoretical framework for this thesis in order to explore Woolf’s masculinities beyond gender/sex binary oppositions. This thesis has aimed to contribute to the field of Woolf Studies with an analysis of both Woolf’s criticism of rigid discourses of masculinity and by proving Woolf’s radical concept of gender and her proposal of alternative gender behaviours. My two case studies have been Septimus Warren Smith and Orlando. I have proved these two novelistic characters to be polymorphous and multilayered figurations of gender and paradigmatic examples of the Deleuzo-Guattarian process of becoming-woman (Septimus as the empty BwO and Orlando as the full BwO). Finally, this thesis evaluates the impact that Woolf’s visionary narrative of gender has had on more contemporary narratives. In order to analyse a more contemporary response to Woolf’s narrative I chose to work with two cinematic texts. This project focuses on Marleen Gorris’s Mrs Dalloway (1997) and Sally Potter’s Orlando (1992) as new texts that extend, reread, implement and reappropriate Woolf’s work to respond to different social demands in relation to gender. It analyses the extent to which the gender narrative of these two cinematic texts fail or succeed in projecting radical figurations of masculinities beyond man/ woman, male/female, heterosexual/homosexual taxonomies. This thesis approaches literature conceptually, from a philosophical perspective. An interdisciplinary methodology has been used. The whole nature of the project is interdisciplinary in its focus on both different media, novels and film adaptations, and in the crossing of literature, film studies, philosophy, and cultural studies. The main focus throughout is Virginia Woolf’s novelistic narrative of gender and two late twentieth century approaches to Woolf’s gender narrative carried out by two film adaptations of Woolf. The analysis of Gorris’s and Potter’s adaptations has been purely narratological. Formalist devices of the cinematic media have been used in narrative terms. That is to say, I have analysed the transformation, adaptation, amplification, or re-evaluation that these two more contemporary cinematic narratives have carried out from Woolf’s complex narrative of gender at two specific contexts with given social demands.
Aquesta tesi analitza la narrativa de gènere que Virginia Woolf articula a partir de les seves novel•les i la compara amb la narrativa de gènere de dues adaptacions cinematogràfiques més contemporànies (Potter, 1992; Gorris, 1997), centrant-se en l’anàlisi dels personatges masculins. Aquest projecte explora la crítica que Woolf adreça a la representativitat rígida de la masculinitat, així com la seva proposta de construccions de gènere alternatives. Per tal d’atendre aquestes alternatives, la tesi defineix un marc teòric que combina la filosofia sobre el procés d’individuació de Gilles Deleuze i Félix Guattari, el feminisme de la diferència (Grosz, Olkowski, Colebrook) i la teoria i crítica de les masculinitats (Connell, Kimmel, Segal). La tesi postula la radicalitat de la visió de gènere de Woolf, en tant que demostra el seu trencament amb el pensament binari. Septimus Warren Smith i Orlando, els dos estudis de cas, representen exemples paradigmàtics d’una concepció de gènere polimòrfica, fluida, múltiple, i polisexual. És així com la tesi avalua l’impacte de la visionària narrativa de gènere de Woolf sobre narratives més contemporànies. Les adaptacions cinematogràfiques Mrs Dalloway (Gorris, 1997) i Orlando (Potter, 1992) són analitzades com a textos que extenen, rellegeixen, implementen i reapropien els textos de Virginia Woolf per tal de respondre a les demandes socials específiques del seu temps.

Un dels més reeixits descobriments nascut a les acaballes del segle XIX, el cinema, marcà definitivament la societat aportant noves formes de comunicació i de relació social. Aquest nou art esdevindria no sols una font de distracció i coneixement sinó que, com qualsevol producció artística de l’ésser humà, deixaria una empremta que amb el temps mostraria la seva magnitud com objecte patrimonial. Néta i filla de músics vaig aprendre a estimar la música, sense distinció. Per aquest motiu, lamentava el rebuig vers el conjunt d’un gènere centenari, la sarsuela, que tants esforços i lluita va comportar als seus autors, músics tan lloables com els que més, músics que s’hagueren de sentir-se titllats en to despectiu de “sarsueleros”. Hom pot comprovar que hi ha música de sarsuela de tan bona qualitat com la de les òperes; hi ha arguments de sarsuela absolutament refusables o excel·lents, com també n’hi ha d’òperes. Per aquests motius, el meu objectiu bàsic va ser l’intent de dignificar el gènere, reivindicar-lo com a espectacle popular, transformat i manipulat segons arbitri del poder dominant, com intentaré demostrar al llarg de la meva exposició. Per què una societat que encara avui conserva aspectes que provenen de l’assimilació interna generada a través de molts anys rebutjava aquest espectacle? Per què aquest sentiment que la música feta a l’estranger és millor? Quins havien estat els mecanismes que havien arribat a generar en el subconscient col·lectiu aquesta afirmació? Pel que fa al cinema, l’enorme interès desvetllat vers aquest camp d’investigació, de la que aquesta Facultat és un exemple, iniciat pel Dr. Miquel Porter i admirablement seguit per un important nombre de distingits professors i professores, alumnes ensems del doctor Porter, es presentava més planera. Però el problema es presentà en el moment en què vaig voler aprofondir a l’apartat de les sarsueles cinematogràfiques: en primer lloc –apart d’algun estudi posterior sobre una obra concreta – a la majoria de llibres d’història del cinema espanyol se solventava l’apartat dedicat a les sarsueles amb unes quantes línies. Hi havia una confusió enorme en relació a algunes obres que eren sarsueles, tipificades com a sainets, comèdies, musicals... Algunes d’elles, que provenien de sarsueles, ni tan sols hi figurava aquest origen. De moltes obres hi havia poques dades, només el títol i l’any de rodatge o estrena, amb unes línies sobre el contingut, però la majoria de vegades, res... En resum: la sarsuela hi era de pas. Vist l’estat de la qüestió, calia emprendre la tasca en vàries vessants: la investigació de la sarsuela en si, dels seus orígens i producció, i dels films que es feren d’elles, amb els mateixos objectius i la interrelació entre ambdós gèneres populars. La primera part de la investigació, la recerca dels llibrets originals, suposà una gran inversió de temps, donada la dispersió dels materials. Per a la segona part, calia cercar les realitzacions cinematogràfiques que es feren de les sarsueles, buscant-les a diverses filmoteques de l’Estat espanyol, feina gens fàcil, o cercar-les en col·leccions del mercat. La realitat fou molt colpidora: les obres dels primers anys del cinema s’havien perdut en la seva immensa majoria, ja no existien. Segons les dades que es donen a totes les estadístiques del cinema espanyol, de la primera etapa, corresponent al cinema primitiu, s’ha perdut prop del 98 % de la producció, dades susceptibles de desencoratjar vers l’obtenció d’una recerca acurada. Era necessari, doncs, fer un cens del que quedava a les filmoteques de l’Estat espanyol. Va ser enviada la demanda d’informació a totes elles i a les distribuïdores de cinema. Conseqüència d’aquesta tesi ha estat l’estudi de totes les productores i directors que es dedicaren a filmar sarsueles a l’Estat espanyol, així com també a l’estranger. La tesi albira proporcionar una relació de la gran quantitat de films que les productores dedicaren a aquest camp, analitzar les sarsueles produïdes, quina fou la versió escollida per a la seva versió cinematogràfica i esclarir els films que són en realitat sarsueles, no comèdies, ni sainets, ni musicals, qualificatius genèrics emprats habitualment a les filmografies de cinema espanyol. Una altra aportació de la tesi pretén destacar la primordial importància del teatre líric en la primera etapa del cinema primitiu espanyol deixant palès quines són les favorables interrelacions de dos gèneres populars, amb recursos a l’hora tan diversos, com són el teatre líric i el cinema que, no cal oblidar-ho, en els seus orígens no tenia so imprès al suport i per tant, depenia del so afegit, en directe o enregistrat.

Si bien el estudio del guión cinematográfico ha sido acaparado por el cine, el cual lo ha definido como un objeto inestable, se propone estudiar guiones latinoamericanos como textos estables que pueden ser sometidos a un análisis literario en general, y desde el punto de vista de los géneros literarios en particular. Trazar los contornos nítidos a este objeto de estudio requiere, por un lado, distinguirlo de la actividad cinematográfica y de las escrituras que se posicionan naturalmente a su lado prestándole ciertas herramientas y confundiendo sus límites. Para lograrlo se recurre a la noción de género literario cuyo estudio requiere abordar primero los textos concretos hasta llegar a comentar sobre la sociedad que los produce. Un procedimiento como este, ejercido sobre algunas adaptaciones de Manuel Puig y Ricardo Piglia, tendrá como guía dos hipótesis. La primera se refiere a la posibilidad misma de constituir un género, esto es, que un cierto tipo de textos con algunas características en común viene a conformar un género cuando exhibe, como un elemento de su composición, la conciencia de sus límites y su vínculo con la tradición. Una vez que se establece que esto sucede en el guión cinematográfico de ficción, se buscará revelar que éste es un género literario que toma prestadas características de otros dos géneros literarios que se encuentran próximos a él: la novela y la dramaturgia. Así concebido, el guión ostenta características y normativas propias debido a su particular superficie textual, sus convenciones semánticas y sus reglas pragmáticas.

El primer capítulo trata de la dificultad que supone encuadrar un tema de estudio por lo que comporta de excluir y se justifican múltiples opciones que no se siguen. Del capítulo dos, dedicado a la novela, se recoge el carácter iniciático que para el autor supuso este viaje al Sur, visto como un lugar anárquico, en busca del orden interno que lo sustenta. Y la identificación de Carmen con este Sur en el que el espíritu/intelecto del autor se aproxima a la materia/naturaleza, a la madre tierra que le atrae pero a la que no sabe dominar, y porque le da miedo, la destruye. Carmen representa el eterno enfrentamiento entre los pares de opuestos irreconciliables: Norte/Sur, Vasco/Gitana, Hombre/Mujer, Orden/Anarquía, y la constante búsqueda del individuo para encontrar su conciliación. En la base de la investigación está la elección de la pasión, la muerte, la libertad y el destino que, simbolizados por la flor, el cuchillo, el anillo y las cartas, recorren la mayoría de las reinterpretaciones. En el tercer capítulo, dedicado a la ópera, se recoge el efecto amplificador que la música y el libreto han proporcionado a la novela. En la traslación de códigos que supone el paso de la novela a la escena el elemento decisivo es el hecho de que se convierte en espectáculo: cada Carmen que canta está representando el rito y reviviendo el sacrificio, sacralizándolo. Los tres personajes alrededor de los cuales gira la novela: el viajero, Carmen y Don José se convierten en cuatro. Micaela y Escamillo aportan la dimensión espacio temporal en tanto que parejas ideales para D. José y Carmen respectivamente; si no hubiera aparecido la FATALIDAD alterando el orden del espacio social y provocando la tragedia. El elemento trágico equilibrado por otros cuatro secundarios, Frasquita, Mercedes, Remendado y Dancaire, aportando el elemento ligero y cómico, mientras que los coros confirman el carácter mítico y la dimensión social: Don José puede matar a Carmen pero no a las cigarreras que cantan al placer que sienten al fumar, ni a los bandoleros que exaltan su libertad en las montañas, ni a los niños que parodian a los soldados. La música de Bizet es un ingrediente importante en la popularización de la anécdota y en su devenir mítico. El capítulo cuarto está dedicado principalmente al cine. La colocación de la cámara, la ausencia/presencia de sonido y cromatismo, la utilización de una u otra música, son, junto con la estructura narrativa que se elija en cada caso, así como las respectivas presencias físicas de los protagonistas, elementos que tienden a diversificar la obra. Se demuestra que las inferencias sociales que se traducen en ciertas aportaciones anecdóticas traslucen mucho más de lo que en apariencia representan. La pasión amorosa para Carmen es su forma de vida, el Amor para Carmen no puede ser sino búsqueda y juego. Y como en todo juego, el riesgo forma parte de lo inevitable. La "infidelidad" de Carmen es libertad en el hecho de amar y por tanto fidelidad hacia su propia concepción del amor. Don José no entiende estos códigos y se siente víctima de un sortilegio, del que sólo podrá librarle el "sacrificio" de la culpable. El aire de libertad que respira Carmen, la mujer que no obedece, que no está sometida, es la destilación del aire de libertad colectiva de los pueblos que han aprendido a rebelarse contra la Monarquía en la Revolución Francesa y siguen haciéndolo contra Napoleón, la República, o la Comuna. Al ser esta tesis pluridisciplinar, ha sido acompañada por un trabajo videográfico que la ilustra y la completa.
A study of the novel Carmen by Prosper Mérimée and, more especially, of its protagonist and the subsequent transmutations she has inspired in other creative artists in various media. The thesis is divided into five chapters and also includes a bibliography and six appendices. The first chapter explains the concept and methodology employed. The second deals with the genesis of Mérimée's novel. It starts with a view on life and politics in Spain, from 1830 to 1870 and continues with an approach on Mérimée's life and interests and a description of the novel and its literary precedents. The third chapter refers to Bizet's opera. It starts with a view on the impressions left by travelers visiting Spain in the 1850's, presents Bizet and the librettists Meilhac and Halévy, a functional analysis of the opera and concludes with opinions and commentaries about the work by some of the artists who have interpreted it. The fourth chapter provides a panoramic view on the 50 films on the subject for which there are entries in the filmogra¬phy, and analyses 15 of them. There is a view on the productions by Peter Brook in Theatre and T.V., and on some of the known choreography in ballet, and the work in theatre of Antonio Gala in Carmen, Carmen. The fifth chapter is devoted to the conclusions. The appendices are: 1. The technical script and literary commentary on the videocassette which accompany and complete the thesis. 2. A discography of recordings of the opera from 1908 to 1984. 3. A filmography of over 50 films on the theme from 1904 to 1990. 4. Ephemera: a collection of articles from newspapers and magazines in French, English and Spanish from 1980 to 1990. 5. The text of Les Bohémiens by Pushkin in its translation into French by Mérimée, which is used in the thesis 6. The catalogue of two books illustrated by Picasso which relate to two editions of Carmen.

The purpose of this paper is to present in a first step two almost forgotten films, based on Calderón’s play El alcalde de Zalamea: Der große Schatten (Tobis, 1942) by Paul Verhoeven and Der Richter von Zalamea (DEFA, 1955) by Martin Hellberg. These two feature films are actually closer related than their different political framework seems to indicate. After the presentation of the fundamental data, the article analyses the political readings both feature films give to the character of the honourable peasant Pedro Crespo, who turns out to by the touchstone of the political implications: in Verhoeven's film he represents the Blut und Boden-ideology and in Hellberg's he is seen as an early hero of the class conflict.