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Teses / dissertações sobre o tema "Auteurs dramatiques"
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Schmidt, Anne. "Le miroir de l'autre : une nouvelle generation de femmes dramaturges issue de la migration a paris au xxe siecle". Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030145.
Texto completo da fonteResumo:
L'impact de la migration culturelle, une migration d'elites, a paris au xxe siecle est demontre a partir d'un corpus de 52 femmes dramaturges francophones venues d'ailleurs, telles que fatima gallaire, andree chedid et autres ces voix migrantes feminines, regroupees d'apres leur pays d'origine(ou elles sont nees) sans tenir compte de leur nationalite, sont arrivees en trois vagues principales: les europeennes de l'est, les americaines expatriees et les femmes venues d'un pays lie a la (de)colonisation francaise. L'analyse de leur textes dramatiques - sous l'angle de la difference des sexes et de la multiculture - a permis de developper un modele theorique du theatre de femmes issu de la migration. Le vecteur cle de ce modele est un nouveau langage specifique. La dramaturge majeure du corpus etabli est fatima gallaire, porte-parole de sa generation, a savoir celle nee dans les annees 40. Le theatre de cette generation de femmes dramaturges transforme le theme de la difference sexuelle en cadre de reference des valeurs feminines et feministes au profit de la difference culturelle. Leur miroir de l'autre cree un theatre de la difference qui plaide en faveur du dialogue entre les sexes et du metissage culturelThe impact of cultural migration, a migration of elites, in paris of the twentieth century is illustrated through a corpus of 52 francophone women playwrights such as fatima gallaire, andree chedid and others. Grouped together according to the country in which they were born and not to their nationality, these female voices of migration came to paris in three major migration waves : east europeans , american expatriates and women coming from a country linked to french ( de )colonization the analysis of their plays focusing on gender and multiculture results in a theoretical model of women's theatre coming from migration. The key element of this model is a new specific language. Fatima gallaire is the key exponent of this corpus and spokeswoman of her generation (born in the 40s ) too. The theatre of this generation changes the issue of sexual difference into female and feminist standards to highlight the importance of multiculture. Their mirror of the other creates a theatre of the difference which argues in favour of a dialogue between men and women and a cross-cultura society
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Abdelmoumen, Dorra. "Les Goncourt auteurs dramatiques : édition électronique du théâtre des Goncourt". Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030020/document.
Texto completo da fonteResumo:
« Pour arriver, voyez-vous, il n’y a que le théâtre… ». C’est ce conseil, adressé par Janin aux frères Goncourt en décembre 1851, qui oriente rapidement ces jeunes écrivains vers le chemin épineux du théâtre et de la mise en scène. Le Journal des Goncourt raconte durant quarante-cinq ans la relation tumultueuse des écrivains d’Henriette Maréchal avec la scène. Néanmoins, l’œuvre dramatique d’Edmond et de Jules de Goncourt est très peu étudiée et attire rarement les éditeurs. En témoigne l’absence de toute édition moderne de cette œuvre. Ce travail propose une édition électronique de quatre pièces écrites par les Goncourt : deux pièces originales signées par les deux frères : Henriette Maréchal (1865) et La Patrie en Danger (1889) et deux adaptations de romans réalisées par Edmond de Goncourt : Germinie Lacerteux (1888) et Manette Salomon (1896). Il s’agit à la fois d’une édition critique enrichie par des notes et des fiches thématiques, lexicales et biographiques, d’un espace interactif où les chercheurs pourraient à la fois puiser des ressources relatives à l’expérience dramatique des frères Goncourt et compléter les notes et textes annexés à cette édition, et enfin d’une illustration de l’apport des nouvelles technologies à l’édition et à l’étude des textes littéraires. La recherche témoigne d’une expérience d’exploration assistée par ordinateur d’un corpus littéraire et d’une réflexion sur la particularité et les limites d’une telle expérience« To succeed there is only drama ... » This is how Janin advice the Goncourt brothers in December 1851, which quickly directs these young writers to the tricky path of theater and drama. The Journal des Goncourt tells for forty-five years the tumultuous relation of the writers of Henriette Maréchal with the stage. However, the drama of Edmond and Jules de Goncourt is little studied and rarely attracts editors. The absence of any modern edition of their work is a proof to that. This work suggests an electronic version of four plays written by the Goncourt: two original works signed by the broth-ers themselves: Henriette Maréchal (1865) and La Patrie en Danger (1889) and two ad-aptations of novels by Edmond de Goncourt: Germinie Lacerteux (1888) and Manette Salomon (1896).It is both a critical edition enriched by notes and fact sheets, lexical and bio-graphical. That is an interactive space where researchers could both draw resources for the dramatic experience of the Goncourt brothers and complete texts and notes attached to this issue, and finally an illustration of the contribution of new technologies to the edition and study of literary texts. It is a computer-based research of a literary corpus and a reflection on the particularity and the limits of such an experiment
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Charpentier, Geneviève. "L'accueil en résidence d'auteurs dramatiques : bilan et perspectives d'une aide originale (1981-1993)". Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100039.
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Afin de mettre en évidence les aides à l'écriture en faveur des écrivains en général et des auteurs dramatiques en particulier, nous avons examine une démarche historique qui a pris son origine dans un système de grands seigneurs, suivi d'un mécénat d'Etat, pour arriver a une institution d'Etat d'aide de la création, dont la bourse d'écrivain-résident mise en place a partir de 1981, en nous appuyant sur l'aide a la première pièce des 1947, et sur l'aide à la création dramatique, à partir de 1967. La résidence d'écrivain, que nous définissons comme le séjour effectif d'un auteur, dans un temps limite, et dans un lieu déterminé ou s'exerce une fonction d'écriture, a pour objectif de rompre l'isolement du bénéficiaire, de lui donner les moyens de réaliser ses projets personnels, et de collaborer a ceux de la structure d'accueil. Parmi les soixante-dix exemples de résidence recenses, nous distinguons la résidence de romanciers et de poètes, de la résidence d'auteurs dramatiques par le fait que cette dernière est davantage visible. A travers six structures d'accueil régulier d'auteurs dramatiques, sont mis en exergue la nature de l'hébergement, la qualité des séjours collectifs et individuels, les exigences de l'institution et de l'auteur, l'emploi du temps exerce, Les projets d'écriture et d'action envisages, et sont décelées les influences de la résidence dans les textes réalisés.
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Schmid, Heike. ""Gefallene Engel" : deutschsprachige Dramatikerinnen im ausgehenden 19. Jahrhundert /". St. Ingbert : Röhrig Universitätsverl, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb390126150.
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Adam, Michel. "Femmes dramaturges et actrices en Angleterre : 1660-1706 /". [Mont-Saint-Aignan] : Publications de l'Université de Rouen, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36210499r.
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Yon, Jean-Claude. "Eugène Scribe : La fortune et la liberté". Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010506.
Texto completo da fonteResumo:
Cette thèse retrace la vie et la carrière de l'écrivain Eugène Scribe (1791-1861 qui, grâce à une œuvre riche de 425 pièces, fut l'auteur dramatique du 19eme siècle le plus joué en France et en Europe. Le dépouillement des papiers privés de scribe - en particulier une correspondance de 2500 lettres - complète par celui d'autres sources d'archives et de sources imprimées a permis d'écrire une biographie très précise (origines, mode de vie, réseaux amicaux, etc). On a insisté sur la fortune de scribe, ce dernier jouant un rôle déterminant dans l'histoire de la propriété littéraire. L'étude de la réception de son œuvre - qui véhicule des valeurs bourgeoises - a montré qu'elle témoigne, autant que le répertoire romantique, d'un effort d'adaptation de la littérature dramatique à la nouvelle société née de la révolution. Par le fait qu'il était joué sur les scènes officielles (la Comédie-Française, l’opéra) aussi bien que dans les théâtres secondaires (le gymnase, crée pour son répertoire) et parce qu'il obtenait un égal succès dans quatres genres distincts (la comédie, le vaudeville, l’opéra, l'opéra-comique), scribe mit en évidence la caducité de la hiérarchie des théâtres et des genres sur laquelle reposait le système des privilèges invente par Louis XIV et rétabli par Napoléon 1er. Il prépara la liberté des théâtres décrétées en 1864. La thèse est complétée par d'importances annexes : une chronologie de nombreux tableaux sur l'œuvre et la fortune de scribe, une iconographie, des textes, un dictionnaire biographique comprenant 230 notices, le journal intime de scribe, inédit, reproduit in extenso, etc. Cette étude consacrée à un notable du monde des théâtres veut donc être, plus qu'une biographie, une contribution à la connaissance de la vie culturelle et sociale du 19eme siècle français et européenThis dissertation recounts the life and career of Eugène Scribe (1791-1861), the french author whose 425 plays were the most performed of any in 19th century France and Europe. The examination of scribe's private papers, in particular his correspondence of 2500 letters as well as other archival and published sources, enabled the writting of a precise biography (family origins, way of life, friendships). The author emphazises scribe's wealth as he played a decisive role in the history of literary property. The study of the reception of his work which incorporates bourgeois values testifies to the fact that scribe's production as much as the romantic repertoire tried to adapte dramatic literature to the new society born out of the french revolution. As a result of the fact that it was shown in official theaters like the comedie-francaise and the opera and in secondary theaters like the gymnase (created for his repertoire), in addition to his success in four distinct genres (comedy, vaudeville, opera and comic opera), scribe revealed the crumbling hierarchy of theaters and genres supported the system of privileges invented by louis xiv and restored by napoleon. He was a precursor to the freeing of the theaters decreed in 1864. This dissertation includes substantial appendices : a chronology, numerous illustrations of Scribe's work and fortune an iconography, texts, a biographical dictionary of 230 entries, scribe's personal journal, hitherto unknown (reproduced in its entirety, etc. This study of a famous figure of the theater world transcends a mere biography : its represents a contribution to the knowledge of 19th century france and europe
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Bonneau, Céline Ménard Gaëtan Maniez Dominique. "Mise en place d'une gestion électronique de documents à la SACD participation à l'élaboration du cahier des charges /". [S.l.] : [s.n.], 2007. http://www.enssib.fr/bibliotheque-numerique/document-1874.
Texto completo da fonteResumo:
Mémoire de master en sciences de l'information et des bibliothèques : services documentaires numériques : Villeurbanne, ENSSIB : 2007.Texte intégral. Résumé en français et en anglais. Bibliogr. f. 81-83. Sitographie f. 83. Glossaire.
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Murillo, Trejo Brígida. "Présence du théâtre français dans le théâtre mexicain, 1928-1960 : le cas des groupes de théâtre expérimentaux "Ulises", "Orientación", et "Proa Grupo" : une rencontre théâtrale entre le Mexique et la France". Perpignan, 2008. http://www.theses.fr/2008PERP0827.
Texto completo da fonteResumo:
Dans le théâtre mexicain du XX ème siècle, trois groupes de théâtre expérimental, « Ulises » (1928), « Orientación » (1932-1939) et « Proa Grupo » (1942-1960), mettent en scène un nombre considérable d’auteurs français des périodes de l’entre-deux guerres et de l’après-guerre. Ainsi, des auteurs comme : Claude Roger-Marx, Charles Vildrac, Jean Cocteau, Henri-René Lenormand, Jean-Victor Pellerin, Jules Romains, Marcel Achard, Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean-Paul Sartre, Georges Feydeau, Michel Durafour, Marcel Aymé, Marc Gilbert Sauvajon, Jean Guitton, Jacques Deval, Louis Sapin ou Eugène Ionesco sont traduits et représentés au Mexique par ces trois groupes de théâtre. Cette thèse propose un schéma d’analyse fondé sur les concepts de l’inter-culturalité et de la reconstitution des spectacles pour déterminer quelles sont les conditions qui favorisent la présence du théâtre français dans le théâtre mexicain de cette période (1928-1960). Dans un premiers temps sont repérés les contextes historique et théâtral de la France et du Mexique, les conditions dans lesquelles les groupes théâtraux apparaissent, leurs objectifs, leur répertoire, ainsi que l’accueil de leurs travaux par la presse mexicaine. Suit la sélection d’une pièce dramatique mise en scène pour chaque groupe (Le Temps est un songe, Jean de la lune et Les Mains sales), son analyse dramatique et le déchiffrage des messages de la dramaturgie française. Vient ensuite la comparaison des versions traduites. Sont abordés également, les traits de la mise en scène dans le contexte français : un bilan de la réception des pièces par la presse française précède l’analyse de la création du metteur en scène en France à partir du livret original. Le travail théâtral de « Ulises », « Orientación » et « Proa Grupo » permet de découvrir différents points de confluence entre les deux formes de manifestations théâtrales du Mexique et de la FranceThree groups of experimental theater arise in the Mexican theater of the 20th Century: « Ulises » (1928), « Orientación » (1932-1939) and « Proa Grupo » (1942-1960). These groups put on stage a great number of French authors who belong to the period between the Wars and the post war period. The plays of authors like: Claude Roger-Marx, Charles Vildrac, Jean Cocteau, Henri-René Lenormand, Jean-Victor Pellerin, Jules Romains, Marcel Achard, Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean-Paul Sartre, Georges Feydeau, Michel Durafour, Marcel Aymé, Marc Gilbert Sauvajon, Jean Guitton, Jacques Deval, Louis Sapin or Eugène Ionesco are translated and put on stage by these three theater groups. The present thesis put forward an analysis scheme based on the concepts of interculturality and the reconstitution of theater plays in order to determine the conditions that foster the presence of the French theater in the Mexican theater from 1928 to 1960. The first part is dedicated to the description of the historical and theatrical contexts in France and Mexico, the context in which these theatrical groups emerge, their objectives, their repertoire, as well as the way the Mexican press receive their work. Secondly, a play staged by each group is chosen: Le Temps est un songe, Jean de la lune and Les Mains sales in order to carry out an analysis of their dramatic qualities and later a comparison of the translated versions. Is also included a description of the staging within the French context and from the original script analyzing the creation of the stage director as staged in the French theater. The theatrical work of « Ulises », « Orientación » and « Proa Grupo » allows us to discover the different points of intersection between the theatrical forms in Mexico and France
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Doré, Antoine. "Le métier d’auteur dramatique : travail créateur, carrières, marché des textes". Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0079.
Texto completo da fonteResumo:
La thèse appréhende l’écriture dramatique non pas comme un genre littéraire, ni comme une simple pratique culturelle, mais comme un métier à la fois de l’écrit – sans obligation de littérarité – et du spectacle vivant. Malgré la grande incertitude qui pèse sur le territoire de compétence des auteurs dramatiques, l’étude des processus de création révèle l’existence de pratiques redondantes et de méthodes partagées. L’enquête sur les carrières individuelles montre que quasiment tous les auteurs occupent à côté de l’écriture une fonction de metteur en scène ou de comédien et/ou mènent une autre activité qui leur apporte un moyen de subsistance plus régulier que les droits d’auteur. L’assimilation de l’écriture théâtrale à une activité professionnelle a un sens si l’on admet la prévalence des critères de reconnaissance sur les critères de revenus pour juger du niveau d’intégration des créateurs dans les mondes de l’art. Ce travail s’attache à identifier les modes de régulation et les logiques arbitrant le choix des textes sur les principaux segments du marché de la production scénique (théâtres subventionnés, compagnies indépendantes, théâtres privés, troupes amateurs) ainsi que sur les deux autres types d’instances qui apportent une visibilité et une légitimité aux textes dramatiques : l’édition théâtrale et les comités de lecture. Cette recherche se fonde principalement sur une campagne d’entretiens auprès de 150 individus et sur la constitution et le traitement de plusieurs bases de données sur la démographie et les revenus des auteurs dramatiques (fichiers de la SACD, base Electre, base Didascalies, répertoire des comités de lecture)The thesis considers and explores dramatic writing as a profession belonging both to the creative writing and performing arts sectors rather than as a literary genre, nor as a mere cultural practice. Despite the complexity characterising the skills range of playwrights, studying their creative process reveals common practices and shared methodologies. The study of individual careers shows that besides writing, the majority of French playwrights also work as stage directors, actors and/or have another professional activity providing them with an income more regular than copyright fees and royalties. Therefore when evaluating the level of integration of the playwright as a professional into the art worlds, it is key to recognise the importance of recognition over income. This work attempts to identify the regulation modes and underlying logics in plays selection process by the publishers, by the reading committees and by the main segments of theatre production market (subsidised theatres, independent theatre companies, commercial theatres, non professional groups). This research is based on a series of 150 personal interviews with playwrights and professionals based in France and in Europe as well as on the constitution and statistical analysis of several demographic and economic databases (SACD database, Electre database, Didascalies database, reading committees directory)
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Gbouablé, Edwige Chalaye Sylvie. "Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d'Afrique noire francophone (1930-2005)". Rennes : Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210/fr.
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Padovani, Delphine. "Le théâtre du monde chez les auteurs dramatiques contemporains francophones. Valère Novarina, Pierre Guyotat, Didier-Georges Gabily, Olivier Py, Joël Pommerat, Daniel Danis". Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30029/document.
Texto completo da fonteResumo:
Cette thèse porte sur les caractéristiques du théâtre du monde telles qu’elles se manifestent dans différentes œuvres dramatiques contemporaines francophones. Il s’agit d’envisager sept pièces de ce répertoire comme autant d’images du monde, dans la mesure où elles convoquent les emblèmes de la vie terrestre : humaine, animale, végétale, et problématisent leurs interactions dans un espace-temps universel. Dans une partie introductive, on rassemble et commente les principales contributions universitaires à la réflexion sur la notion historique de théâtre du monde. Dans la partie principale, on observe les prolongements contemporains de la métaphore à travers l’étude des pièces du corpus. Une présentation générale des moteurs et motifs d’écriture des dramaturges introduit chaque analyse de texte, basée sur une grille de lecture calquée sur les catégories constitutives du drame : personnages, espace et temps, actions, didascalies. Le corps de la thèse est ainsi conçu comme l’exploration de sept déclinaisons du théâtre du monde, partant de la représentation la plus abstraite pour aboutir à la plus organique. Une synthèse boucle ce parcours en soulignant que les pièces dépendent de trois modèles de composition, déterminant autant de combinaisons des catégories dramatiques. Cette classification dévoile enfin l’ambition qui génère chaque projet d’écriture. En conclusion, il apparaît que le théâtre du monde dont on s’accorde généralement à penser qu’il est un topos daté évoquant la théâtralité de la vie humaine, est un cadre générique assez fort pour résister à la poétique du drame contemporain, assez vaste pour accueillir les inventions dramaturgiques les plus singulièresThis thesis deals with the characteristics of the theatre of the world metaphor, as they appear in several contemporary french-speaking plays. Seven plays have been selected as images of the world, since they summon various emblematic elements of life on earth: humans, animals and flora, and emphasize their interaction in a universal surroundings. Firstly, the principal academic contributions concerning the historical notion of theatre of the world are gathered and commented. The main part of the research consists of the demonstration of the metaphor's contemporary extensions, through the study of the corpus. The analysis of each play is preceded by a presentation of its author's writing motivations and motives. Then, the play itself is examined carefully with the help of a reading grid which focuses successively on the dramatic categories : characters, space and time, actions, stage directions. Thus, the thesis's body is built as an exploration of seven variations of the theatre of the world, beginning with the most abstract one and leading to the most organic one. A synthesis ends this journey, pointing out that the plays match three composition patterns, which induces many combinations of the dramatic categories. This classification unveils the ambition at the origin of each writing project. In conclusion, it appears that the theatre of the world, generally considered as an old topos which refers to the theatrality of human life, is a framework strong enough to stand up to the poetics of comtemporary drama, and vast enough to house the most singular dramaturgic inventions
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Marcon, Elisabeth. "Le Verbe "teucho" dans l'Iliade et l'Odyssée d'Homère et chez les auteurs tragiques du Ve siècle". Limoges, 2002. http://www.theses.fr/2002LIMO2001.
Texto completo da fonteResumo:
Il s'agit de cerner l'emploi du verbe archai͏̈que "teucho" dans les épopées homériques, puis sa survivance dans les écrits des connaisseurs et usagers des épopées homériques que sont les auteurs dramatiques du Ve siècle, afin de déterminer non seulement les liens sémantiques et sémiologiques que tisse ce verbe avec les autres verbes polysémiques signifiant faire, mais aussi le rôle que joue ce même verbe sur un plan lexicologique face à des notions qui apparaissent dès qu'on s'attache à son étude, à savoir la "technè", la "tychè" et la "mêtis"́. Par ailleurs, les divers emplois de "teucho" seront éclairés par l'étude des étymons du verbe, dont le subtantif "teuchos". Ce travail se présente sous la forme suivante : des analyses de chaque occurance du verbe "teucho", dans l'Iliade puis dans l'Odyssée amènent à la conclusion que "teucho" désignant essentiellement les actions de dieux ou de personnages métiques se distingue de ce fait même des autres verbes polysémiques synonymes, tant aux formes actives qu'aux formes médio-actives. Dans ce cadre-là, "teuchomai͏̈", largement usité dans l'une et l'autre épopée, se révèle plus qu'une simple copule, un outil phatique. Les occurences de "teucho" qu'on retrouve chez Eschyle, Sophocle et Euridipe, confirmant bien souvent l'emploi qu'en a fait l'aède, montrent toutefois, d'une part, le vieillissement d'un verbe qui est plus une mention qu'un terme lexical actif, d'autre part, une certaine stabilité de l'emploi de ce verbe dans le tissu dramatique, par exemple dans les répliques du Choeur. Mais surtout l'étude de ces textes permet de constater la rémanence des notions précédemment signalées autour de "teucho" : "technè", "tychè", "mêtis", souvent liées aussi aux mêmes cycles mythiques que ceux des épopées homériques.
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Hagley-Crampes, Collette. "Le théâtre féministe anglais contemporain". Montpellier 3, 1986. http://www.theses.fr/1986MON30051.
Texto completo da fonteResumo:
Deux pièces majeures de louise page, l'un des auteurs dramatiques contemporains parmi les plus connus et les plus représentatifs du théâtre féministe anglais, sont traduite en français : "propriété privée" (1984) et "filles d'or" (1984). Ces traductions sont accompagnées de notes explicatives sur les aspects de la civilisation britannique mis en scène dans les pièces. Louise page est présentée et resituée dans le courant féministe qui l'influence et qu'elle influence dans une introduction qui précède les traductions. Une lecture comportant trois aspects : une lutte idéologique, une pratique différente et un discours spécifique nous permet d'analyser, dans une certaine mesure, le théâtre féministe et nous pousse a nous demander si le théâtre de louise page n'est pas, déjà, du post-féminismeTwo major plays by louise page, one of the best known and most representative authors of contemporary british feminist theatre, are trabslated into french : "real estate" (1984) and "golden girls" (1984). These translations are followed by explanatory notes on various aspects of british civilisation found in the plays. The introduction preceeding the translations presents louise page and places her within the feminist wave which influence her and upon which she in thrn has an influence. A reading code made up of three aspects namely an ideological struggle, a different way of behaviour and a specific massage, allows us, up to a certain point, to analyse feminist theatre and to ask ourselves whether louise pag's theatre is not already post-feminist
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Balcerek, Alexandra. "L'existence d'une expression autobiographique au théâtre : la présence émouvante de l'auteur dramatique dans son oeuvre". Thesis, Lille 3, 2013. http://www.theses.fr/2013LIL30004/document.
Texto completo da fonteResumo:
L'autobiographie pose problème quand elle est envisagée dans le genre théâtral. Du fait que l'auteur dramatique s'exprime par la bouche d'êtres fictifs, la parole des personnages ne pourrait être assimilée à la sienne. Pourtant, il semble que, tant dans les dialogues qu'elles donnent à entendre que dans les situations, personnages et lieux qu'elles mettent en scène certaines pièces, en particulier à partir du XVIIIe siècle, qui constitue une étape majeure dans l'expression de soi, portent en elles les signes d'une expression autobiographique. Si l'autobiographie n'existe pas au théâtre dans les termes dégagés par des théoriciens comme P. Lejeune ou G. Gusdorf, nous étudions ici les modalités sous lesquelles elle se manifeste néanmoins, quasiment toujours de manière cachée, implicite, ambiguë, détournée mais affective. En plus d'une méthode qui permettrait, au lecteur d'une part, au spectateur d'autre part, d'identifier et d'attester cette expression autobiographique en dégageant certains aspects textuels et scéniques, nous nous attachons à réfléchir à l'expression autobiographique avec la relation qu'entretiennent les oeuvres de notre corpus avec le public, une relation toute entière épanouie dans l'émotion. Des sentiments qu'accompagnent des réactions physiques ressenties par le lecteur/spectateur sont donc générées par la reconnaissance de la voix de l'auteur dans un drame qui mêle autobiographie et fiction. Nous nous intéressons à l'expression autobiographique de l'auteur dramatique dans la perspective d'une relation particulière de celui-ci avec le public, relation qui contraste avec les principes brechtiens qui ont dominé la création théâtrale au XXe siècleThe autobiographical genre is a problem when it is considered inside the theatral genre. Because the dramatical author express himself through the mouth of fictional characters, the words of the characters could not be considered as the expression of the author himself. However, it seems that through the dialogues that can be heard, the situations, the characters and the places that are staged, some plays, especially since the 18th century, which represents a major step in self-expression, contains the signs of an autobiographical expression. Although the autobiographical genre as defined by P. Lejeune or G. Gusdorf does not exists in the theatre genre, we will study here how it nevertheless expresses itself, that is to say almost always in a hidden, implicit, ambiguous, diverted, but probable way. We will think of a method allowing the reader, but also the member of the audience, to identify and testify the presence of this autobiographical expression by emphazising some textual and scenic aspects. We will also work on connecting the autobiographical expression with the relationship that live the authors of the new work contained in our corpus with the audience. This relationship being fully opend up in emotion. Some feelings, coming with physical reactions felt by the reader/audience, are created by the recognition of the author's voice in a drama that mixes autobiographical and fiction. We will take an interest in the autobiographical expression of the dramatical author through the perspective of his particular relationship with the audience, relationship that contrasts with Brecht's principles, which have ruled the theatrical creation in the 20th century
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Chatar, Fatiha. "La dramaturgie de Sheridan : approche sémiologique". Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040089.
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L'analyse dramaturgique que l'on a suivi a servi peut-être à examiner la réalité projetée dans le texte dramatique de Sheridan. La question essentielle de notre travail consiste alors à demander : "à quoi sert réellement une approche sémiologique ? De nombreuses personnes remarquent que la sémiologie du texte est un moyen qui aide à découvrir les richesses des structures mieux qu'un travail de mise en scène ne pourrait le faire. C'est surtout cette absence d'étude sémiologique antérieure, qui nous a obligé à appréhender son œuvre, et nous sommes étonnés de ne pas trouver dans la masse d'ouvrages, d'étude consacrée exclusivement à cette œuvre. Nous avons étudié le personnage de Sheridan, son geste, sa parole et son silence. Sans négliger d'analyser le thème de l'ironie. Nous sommes dès le début conscients de la situation ironique qui prévaudra par la suite. L'ironie dans son texte est pour reformer et éduquer les gens d'une manière intelligible. En somme Sheridan n'a pas apporté de vues nouvelles sur l'art dramatique mais il a écrit ses textes pour un public universel cependant il manque une théâtralisation à son texte pour enfin déterminer la structure visuelle de ses personnagesIn our subject, we tried to analyze the reality and the "life" projected in Sheridan’s dramatic text. The main question will be then: "to what purpose or what use is really a semiological access to Sheridan’s dramatic works. Numerous persons notice that the semiology of the text is a means which helps the reader to discover the richeress of the structures better than a performed text could do. We studied also, Sheridan’s figures which are well defined by a set of distinguishing features. Malapropp for instance, is identified by the characteristically inflated view she has of her ourn intelligence. We didn't neither forget to study the dramatic irony and the gestures of the characters. To sum up, Sheridan’s text is still missing a real theatrical performance to determine the visual structure of his characters
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Guingané, Jean-Pierre. "Théâtre et développement culturel en Afrique : le cas du Burkina Faso". Bordeaux 3, 1987. http://www.theses.fr/1987BOR30009.
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La plupart des projets menes par les pays africains dans les domaines economique, politique et culturel, depuis les independances, se sont soldes par un echec avec, pour consequence, une situation de crise sociale generalisee engendrant la misere et la souffrance pour les populations. A partir de l'exemple du burkina faso, il s'agit ici, de montrer la place et le role du theatre dans les politiques mises en oeuvre. L'etude des conditions socio-economiques et politiques ainsi que celle de la politique de developpement (inspiree de criteres etrangers au milieu) permet de conclure que l'inadaptation de cette conception du developpement aux realites locales constitue la cause principale du "sous-developpement" parce qu'elle n'associe pas suffisamment les populations a la realisation des projets et ne prend pas en compte leurs besoins reels. Le theatre apparait comme un moyen de communication sociale capable d'aider a une prise de conscience politique chez les populations et de favoriser l'integration sociale. A ce titre, le theatre beaucoup plus que les autres arts, est un moyen de developpement. Si l'on ne reduit pas le developpement a la production et a l'accumulation de biens materiels, comme c'est le cas actuellement, il peut etre envisage une politique differente de celle qui existe, fonde sur l'enracinement dans les realites locales et l'ouverture sur le monde exterieur. Les resultats d'une telle politique pourraient etre moins spectaculaires, mais seraient plus propices a l'epanouissement des populationsMost of the projects carried out by african countries in the field of economics, politics and culture, since independence, are ended in failure with, as a consequence, a situation of a generalized social crisis engendering misery and suffering far the populations. The question here then, is to show, from the example of burkina faso, the place and the role of theatre in the implemented policies. The study of the social, economic and political conditions, as well as that of the development policy conceived from critera unknown to the social and physical environments, allows us to conclude that the maladjustment of that conception of development to the local realities constitutes the main cause of "under-developement", because it doses not adequately associate the populations to the realization of the projects and does not take into consideration their actual needs. The theatre appears as a means of social communication capable of helping the populations to be more aware politically and of aiding the social integration. For that reason, the theatre, more than the other arts, is a means of development. If one does not limit development to the production and accumulation of material goods as it is the case now, it is possible to envisage a policy, different from that which exists based on local realities and access to the world outside. The results of such policy would be less spectacular but more relevant to the advancement of the populations
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Scaviner, Isabelle. "Charles Méré (1883-1970) : itinéraire d'un homme du culturel (écrivain, critique dramatique, cinéaste, président de la SACD) à travers les pièces de théâtre, les films, les archives". Caen, 2013. http://www.theses.fr/2013CAEN1693.
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Cette thèse, qui s’inscrit dans une approche d’histoire culturelle, s'attache à retracer l’itinéraire de Charles Méré (1883-1970) à travers les archives. Il est aujourd’hui un auteur méconnu mais reste néanmoins une figure emblématique de la vie culturelle de la France des années vingt aux années cinquante. Charles Méré est un homme aux multiples activités : critique dramatique pour différents quotidiens parmi lesquels Comoedia, Excelsior ou Aujourd’hui, auteur dramatique, scénariste, réalisateur et enfin producteur (Minerva Film). Il occupera aussi de 1929 à 1940 la fonction de président de la SACD (Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques) dans laquelle il investira beaucoup d’énergie, en œuvrant pour la défense et la modernisation des droits d’auteurs. La fin de sa carrière sera marquée par sa participation à l’Union européenne des Sociétés d’auteurs et de compositeurs à travers laquelle il promeut les échanges culturels internationaux. Son œuvre, très éclectique, touche à différents genres théâtraux (pièces à thèses, mélodrames, pièces lyriques, Grand-Guignol). Côté cinéma, il collaborera sur des projets de cinéma muet puis sur des films parlants. Un intérêt particulier est porté au contexte historique politique et social d’écriture et de réception des œuvres de Charles MéréThis thesis, which falls in with cultural studies, attempts to redraw the route of Charles Méré (1883-1970) through archives. He is quite unknown today, but stays a very emblematic figure of the cultural life of France from the twenties to the fifties. Charles Méré had many activities: he was a drama critic for various daily papers as Comoedia, Excelsior or Aujourd’hui, he wrote plays, scripts, was film director and then producer (Minerva Film). He was also president of the SACD in which he works hard to defend and modernize copyright. At the end of his life, he still participates to the European union of the societies of authors and composers through which he promotes the international cultural exchanges. His work is very eclectic. About theater he tried Grand-Guignol, melodrama, lyric, didactic… Concerning cinema, he collaborates on silent films and on talking films. A particular interest is carried in the historical, political and social context of writing and reception of Charles Méré’s work
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Gbouablé, Edwige. "Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d’Afrique noire francophone (1930-2005)". Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210/fr/.
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La violence traverse la production théâtrale d’Afrique noire francophone depuis ses origines. Elle y est sujette à des mutations thématiques et esthétiques qui font évoluer sa nature d’une époque à une autre. On est ainsi passé du vase clos des théâtres de la violence assimilatrice où la forme constituait un moyen d’assujettissement à une écriture éclatée de la violence dans les œuvres contemporaines. Elle apparaît dans le théâtre de William Ponty (1930) sous forme de conflit culturel tiré des mœurs africaines. Devenue politique, la violence des années 70 embarque les catégories dramaturgiques dans l’affrontement colons/colonisés. Avec le théâtre de 1980, la violence, toujours politique, prend une autre configuration marquée par une tentative de rupture d’avec les canons classiques. L’association du burlesque au tragique, le court-circuit de la langue française, le dialogue entre tradition et modernité à travers une écriture endogène sont autant de réalités caractérisant l’expression des conflits du désenchantement. Dans la majorité des pièces d’après 1990, en revanche, les conflits revêtent une image plurielle qui convoque le monde et des modes d’expression distincts. C’est une écriture hybride dans laquelle la violence est portée par une désarticulation des catégories dramatiques et du sens pouvant en ressortir. De cette écriture dynamique de la violence, résulte un déplacement des enjeux théâtraux dans la mesure où les drames africains aujourd’hui se débarrassent des relents nationalistes pour épouser les réalités du monde. Aussi, l’ouverture des théâtres contemporains suscite-t-elle une diversité de formes dont la complexité remet en question la notion d’africanitéViolence comes across black african French-speaking theatrical production since its origins. It is prone to thematic and aesthetic changes which makes it evolve from one period to another. We have thus passed from confined theatres of assimilated violence where the form was a constraint to an outburst of writings dealing with violence in contemporary works. Violence appears in the plays of William Ponty (1930) under the form of cultural conflict drawn from African customs. Turned into political violence, it embarks the dramaturgic categories during the Seventies in the confrontation of the colonizer against the colonised. With the theatre of the 1980’s, violence, still political, takes however another form marked by an attempt to disrupt with classical theatrical canons. Associating the burlesque with tragedy, bypassing the French language, establishing a dialogue between tradition and modernity through an endogenous writing are as many realities characterizing the expression of conflicts about disillusionnement. In most of the plays following the1990’s, on the other hand, the conflicts take on a plural image which convenes the world through distinctive modes of expression. It results in a hybrid writing in which violence is voiced out through the dislocation of the dramatic categories and of the meaning that emerges out of it. From this scriptural dynamics of violence arises a displacement of the theatrical stakes in so far as African dramas today get rid of the nationalist inclinations to endorse the world’s realities. Thus the opening of contemporary theatres to the world creates a variety of forms whose complexity calls into question the concept of Africanity
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Issa, Souad. "Georges Schéhadé, auteur dramatique d'Avant-Garde : (personnage, espace scénique et langage)". Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999AIX10028.
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Cette these porte sur l'oeuvre dramatique de l'ecrivain libanais georges schehade, en tant que dramaturge d'avant-garde qui a de multiples points communs avec eugene ionesco, jean genet et samuel beckett. En etudiant le personnage schehadien, nous avons mis en evidence sa specifite : il est toujours a l'affut de l'innocence, du reve ou bien du merveilleux. Ce qui distingue le personnage schehadien c'est son aspect double, ses aspirations mystiques, et son aspect d'ombre. Ce personnage a un rapport etroit avec l'espace scenique. Le costume le transforme. Le travestissement joue un role cle dans le drame schehadien. Schehade met en valeur le role du decor sonore comme l'horloge, l'eclairage et le bruitage. L'horloge occupe une place de premier plan sur la scene schehadienne, elle reflete l'agonie de m. Bob'le, le danger de mort qu'argengeorge court et la folie qui envahit la scene des violettes. L'animal, present dans toutes les pieces de schehade, joue un role, qui est loin d'etre secondaire. Enfin, nous avons etudie la position du dramaturge sur le langage dans son amour des mots et son mepris des idees, dans l'importance qu'il donne au style et dans l'etude de sa nomination des personnages. Bien que poete il met en cause le langage et il condamne le role de la science et de la litterature. Il denonce egalement une fausse communication entre les humains, dans la mesure ou dans les situations emouvantes l'homme prefere le silence a la parole.
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Ruellan, Patrice. "Philippe Caubère, le roman d'un auteur". Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10065.
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Le théâtre de Philippe Caubère est à la frontière des genres : autobiographique, il se réclame du roman ; joué seul sur scène, il semble s'approcher du "one man show". Et surtout, il est répétitif : la même histoire, ou presque, est sans cesse réécrite et l'oeuvre tient des palimpsestes successifs. La présente recherche établit un état des lieux du rapport entre le théâtre et le récit autobiographique : elle analyse le mode complexe de production du texte, initialement improvisé par l'acteur, puis réécrit par l'auteur ; elle définit la présentation scénique comme un théâtre masqué où le corps et l'imaginaire s'imbriquent ; elle montre que l'oeuvre dépasse cette matière spectaculaire pour devenir littérature. Le théâtre de Caubère est un "vrai" théâtre. Il peut alors devenir livre, s'adresser à des lecteurs qui ne connaissent pas l'acteur, dépasser le compte rendu de l'éphémère pour qui voudrait se l'appropprier. Un théâtre à lire, à voir, à jouer par d'autres, aussi.
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El-Hajj, Bilal. "L' évolution du genre dramatique arabe au 20e siècle : (à travers l'oeuvre de trois auteurs représentatifs)". Strasbourg 2, 2007. http://www.theses.fr/2007STR20048.
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«L’évolution du genre dramatique arabe au 20e siècle» est l’objet de cette thèse qui s’articule autour de trois auteurs dont les sensibilités et les racines idéologiques et spirituelles diffèrent sur plus d’un plan : l’égyptien Tawfiq al-Hakim, le syrien Saādallah Wannūs et le libanais Jalal Khūri. Tous trois expriment, chacun à sa façon, d’une manière significative, l’évolution du genre. Ces auteurs ont développé un art coulé dans un moule occidental pour le façonner dans une forme et une esthétique propre à chacun d’eux. Ils ont procédé en maintenant une relation étroite avec le patrimoine artistique de leurs milieux, et ont élaboré des productions dramatiques singulières et représentatives. Pour situer le cadre de son sujet, cette thèse aborde, dans un premier chapitre, les débuts du genre au 19e siècle et passe en revue certains problèmes propres à la société arabe contemporaine avant d’analyser l’évolution de ce genre dans son ensemble“The evolution of Arab dramatic genre in the 20th century” is the aim of this thesis. It is centered on three playwrights of different sensitive and ideological and spiritual roots: The Egyptian Tawfiq Al-Hakim, the Syrian Saādallah Wannūs and the Lebanese Jalal Khūri, each of whom expresses in his own style a major approach to the advancement of the genre. These three authors created an art cast in a Western mould and sculpted in a distinctive shape for each one of them. They proceeded by maintaining a close correlation with the artistic inheritance of their environment and worked out particular and representative dramatic productions. To situate the framework of its subject matter, this thesis approaches, in its first chapter, the beginnings of the Arab theater during the 19th century and reviews a few problems specific to the contemporary Arab society before analyzing the evolution of the genre on the whole
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Tarnagda, Boukary. "Processus de création théâtrale contemporaine en Afrique subsaharienne francophone : vers une poétique de la relation". Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20009.
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Mus par la volonté de découvrir et d’exploiter les ressources de l’Afrique, les Occidentaux y ont apporté leurs cultures, et notamment la langue française. En s’intégrant au quotidien des habitants, cette langue a exporté les différents éléments de sa culture, dont le théâtre qui se place désormais au coeur des rencontres entre les artistes de France et d’Afrique subsaharienne francophone.Par le prisme d’événements artistiques majeurs comme les festivals, les artistes ont trouvé des espaces centraux d’expression sur les deux continents. Ainsi, ils ont pu nouer des relations de travail avec leurs pairs du reste du monde. A certains niveaux, les échanges qui s’en sont suivi ont permis des rencontres fructueuses lors de manifestations comme le Festival des Francophonies en Limousin, mais aussi le FITMO/FAB au Burkina Faso et le FITHEB au Bénin, tous événements émanant de l’Afrique subsaharienne francophone.Avec la mondialisation, les rencontres entre dramaturges se soldent parfois par des échanges au sein même des textes produits. Elles conduisent à des relations de travail qui conduisent à des hybridations et à des métissages qui transforment sans doute la teneur des productions dramaturgiques. En nous appuyant sur un corpus de textes d’auteurs contemporains, nous formulons ici l’hypothèse que les échanges entre artistes transforment les conditions de production comme les esthétiques en vigueur, cette dynamique générant l’émergence d’une poétique de la relationDriven by the desire to discover and exploit the resources in Africa, the westerners brought their cultures there and in particular the French language. By integrating with the daily life of the inhabitants, this language has exported the different elements of its culture, including the theatre which is now at the heart of encounters between French and French-speaking sub-Saharan artists.By the prism of major events such as festivals, artists have found central spaces of expression on both continents. So, they were able to build working relationships with their peers in the world. At certain levels, the exchanges that followed made it possible to have fruitful meetings during events such as Festival of Francophone in Limousin, but also FITMO/FAB in Burkina Faso, and FITHEB in Benin, all events emanating from French-speaking sub-Saharan Africa.With globalisation, encounters between playwrights sometimes result in exchanges within the texts produced. They lead to working relationships that lead to hybridization and mixing which undoubtedly transform the contents of the dramaturgical productions. Based on a corpus of texts by contemporary authors, we formulate here the hypothesis that exchanges between artists transform the conditions of production as the aesthetics in force, this dynamics generating the emergency of a poetic of the relationship
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Al-Jabur, Jabbar Hadi. "Recherche sur un auteur dramatique de la première moitié du dix-huitième siècle : Louis de Boissy, 1694-1758". Aix-Marseille 1, 1985. http://www.theses.fr/1985AIX1A026.
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Rizzoni, Nathalie. "Defense et illustration du "petit" : la vie et l'oeuvre de charles-francois pannard auteur dramatique et poete (1689-1765)". Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1996PA030065.
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Charles-francois pannard fut un auteur des plus celebres en son temps. Poete philosophe, observateur aigu et denonciateur perspicace des travers de son siecle, pannard a pose les conditions d'un art du bonheur dans l'ensemble de ses ecrits poetiques et dramatiques. Son ethique jouxte celle des epicuriens, n'est pas sans faire echo a montaigne ou a pascal et devance parfois la pensee de rousseau. Les valeurs esthetiques pronees par pannard s'affirment avec force a travers la defense et l'ullustration du "petit" et, par ricochet, du "simple", du "naturel" et du "vrai". Si la parodie dramatique est, chez lui, le vehicule le plus manifeste de la satire, on remarque que presque tout son repertoire comporte cette dimension critique : en mettant le theatre sur le theatre, en faisant du theatre le sujet meme de ses peices, il demonte la machine theatrale, denonce l'illusion dramatique, en appelle a la conscience critique du spectateur. Pannard a prefere le principe de plaisir et la liberte de creation a l'integration sociale et au souci de la posterite ; il a prefere la foire aux theatres privilegies, la liberte de l'ecriture et l'invention debridee, aux regles classiques. Par les choix esthetiques et litteraires qui la fondent, son oeuvre s'ancre dans la periode rococo qui, en france, couvre la premiere moitie du 18e siecle et comprend, dans le domaine pictural, les noms aussi bien de boucher que de chardin. Etudier le processus d'oubli dont cette oeuvre a ete frappee, revient plus largement a reevaluer des valeurs rejetees par la seconde moitie du 18e siecle neoclassicisant, et a poser la question de la place que pannard pourrait de nouveau occuper dans l'esthetique, la pensee morale et l'histoire des genres de la meme epoque. C'est surtout poser la question de la perennite de son oeuvre et de sa resonance possible aujourd'huiCharles-francois pannard was one of the most famous authors of his time. As a poet-philosopher, as a sharp observer and a shrewd denouncer of his century's failings, pannard set out an art of happiness in all his poetic and dramatic writings. His ethics is close to that of the epicureans, echoes montaigne or pascal, and at times anticipates rousseau's ideas. Pannard's esthetic values forcefully assert themselves through the defense and illustration of "smallness" and by rebound, of what is "simple", "natural" and "true". Granted that dramatic parody is the most evident vehicule for satire in his work, one notes that a critical dimension can be found in almost his entire repertory : by putting theatre on the theatre, by choosing the theatre itself as the subject of his plays, he dismantles the theatrical machine, breaks down dramatic illusion, and calls upon the critical conscience of the spectator. Pannad preferred the principle of pleasure and the freedom of creation to social integration and to recognition by posterity. He preferred the "foire" to the privileged theatres. He preferred liberty of writing and unbridled creativity to classical rules. The esthetic and literary choices made by pannard anchor his work in the rococo period which, in france, covers the first half of the 18th century and embraces such figures as boucher and chardin. Studying the process which has led his work to fall into oblivion amounts to reassessing values rejected by the neoclassic second half of the 18th century, and opens on to the question of the place pannard might once again occupy in the esthetics, the ethics and the history of "genres" in the same period. It leads one to raise the question of the perennity of his work and its possible resonance today
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Pelletier, Martine. "Histoires et histoire dans l'oeuvre dramatique de Brian Friel". Rennes 2, 1994. http://www.theses.fr/1994REN20004.
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Ce travail a pour objet l'étude de l'oeuvre de Brian Friel (1929-), dramaturge nord irlandais contemporain et co-fondateur de Field Day, la célèbre compagnie théâtrale de Derry, qui vient d'interrompre ses activités, peut-être définitivement, en 1993. Nous nous sommes attachés ici à analyser une tension perceptible dans son oeuvre, entre l'histoire individuelle et l'histoire collective. Les manipulations du passé obsèdent le dramaturge qui observe avec une lucidité souvent mêlée de compassion le fonctionnement erratique de la mémoire, la naissance et l'enracinement de mythes consolateurs mais aussi générateurs de fixité et de division. Mythe, fiction, mensonge et affabulation sont quelques-uns des termes autour autour desquelles s'articule notre analyse des pièces. Tout en continuant a privilégier le microcosme familial, Friel e st graduellement parvenu à intégrer une réflexion plus politique et historique, appuyée sur le contexte spécifique fourni par l'Irlande et la résurgence des événements tragiques d'Ulster après 1968. Sans jamais abandonner complètement les conventions du théâtre dit réaliste. Friel a su trouver des formes dramaturgiques variées et parfois novatrices pour mettre en scène le rôle crucial du langage dans toute représentation du passé, qu'elle soit filtrée par une conscience individuelle ou par la mémoire collective de la nation. Notre étude des rapports entre Friel et Field Day devrait permettre de mieux comprendre l'interaction entre le dramaturge et une compagnie qui s'était donné pour tache l'exploration des rapports souvent troubles et controverses entre politique et littérature en IrlandeThis research examines the works of Brian Friel (1929-), the contemporary northern-Irish playwright who co-founded field day, the famous Derry-based theatre company which announced in 1993 that it was putting an end to its activities. Our main object has been the study of the tension between story and history, between storytelling and history-writing. The dramatist is fascinated by the ways in which the past can be manipulated and he observes with lucidity but not without compassion the erratic workings of memory and the creation of myths that operate as consoling fictions but also generate fixity and division. Myth, fiction, lies and fabulation are some of the key words in our analysis of Friel's drama. Though he never stopped focusing on the private world of the family, Friel has gradually succeeded in integrating a more political and historical reflection, largely inspired by the tragic resurgence of violence in Ulster after 1968. Without ever discarding completely the conventions of the so-called realist theatre, but he has sought varied and often innovative dramatic forms that have enabled him to show on the stage the crucial role of language in any representation of the past, whether it be filtered by an individual conscience or by the collective memory of the nation. Our study of the links between Friel and field day will, we hope, shed some light on how the playwright operated within a company that had as its avowed aim, the exploration of the often controversial and complex interaction between politics history and literature in Ireland
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Zotti, d'Agostino Cinzia. "Adriano Banchieri, un auteur polygraphe entre Renaissance et Baroque : il Virtuoso ritrovo academico, Venise 1626 : édition, restitution et proposition d'une lecture dramatique". Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20112.
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Première partie : Adriano Banchieri : l'homme d'église, l'homme de lettres : analyse de quelques extraits de ses oeuvres et de ses Lettere Armoniche comparés aux maximes du jésuite Baltasar Graciàn. L'enseignement vu comme art de la prudence et de l'équilibre ; la pédagogie, la morale, l'esthétique musicale. Pour introduire la restitution du Virtuoso Ritrovo Accademico et en tracer une suggestion de lecture dramatique, j'ai souhaité retrouver les traits essentiels du profil de son auteur. Approcher l'esprit qui anime l'oeuvre de Banchieri, signifie considérer son état monastique, son éducation religieuse, son amour de la langue bolognaise et le regard ironique qu'il se plaît à jeter sur la société qui l'entoure. Deuxième partie : les madrigaux scéniques ou académiques : recueils pour fuir l'oisiveté. Il Virtuoso Ritrovo Academico : un recueil de canzonette qui suggère je jeu scénique. Proposition de lecture dramatique, le milieu littéraire du Virtuoso. S'il est nécessaire de se référer aux Recueils de Madrigaux pour mieux comprendre la Commedia Armonica, l'inverse est aussi vrai et l'analyse comparative de ces deux formes d'un même genre aide à une meilleure connaissance des unes et des autres. A la lumière des considérations qui précèdent concernant l'évolution du madrigal, d'une part, et le développement du poème pastoral d'autre part, on peut facilement conclure que Il Virtuoso Ritrovo Academico réunit de manière exemplaire les caractéristiques principales du divertissement académique. Annexe (troisième partie), Il Virtuoso Ritrovo Academico : édition, restitutionPart I : Adriano Banchieri : Man of the Church, Man of Letters ; an analysis of extracts from his works and Lettere Armoniche, compared to the Maximes of the Jesuit Baltasar Gracian. Teaching considered as an art of caution and balance. Pedagogics; morals, musical Aesthetics. By way of introduction to a restitution of Il Virtuoso Ritrovo Accademico, and in order to outline a suggested dramatic reading, I have attempted to recover the essential aspects of its author's profile. To seek the spirit which inspires Banchieri's work means considering his monactic conditions, his religious education, his love for the language of Bologna and the ironic regard he has for the surrounding society. Part II : Scenic or Academic Madrigals : collections to keep inactivity away. Ll Virtuoso Ritrovo Accademico : a collection of canzonettas which suggest a staged performance. Proposal for a dramatic interpretation. The literary world of the Virtuoso. While it is necessary to refer to the Madrigal collections for a better understanding of the Commedia Armonica, the opposite is also true and the comparative analysis of these two forms of one genre helps our knowledge of both. In the light of the preceding considerations concerning the evolution of the madrigal on the one hand and the development of the pastoral poem on the other, one can only conclude that ll Virtuoso Ritrovo Academico brings together in an exemplary way the main characteritics of the "Academic Entertainment" Annex Part III : Il Virtuoso Ritrovo Academico : édition and restitution
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Dumont-Lewi, Laetitia. "Portraits de l’histrion en auteur : Dario Fo ou les représentations d’un homme-théâtre". Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100114.
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Homme-théâtre, Dario Fo s’inscrit dans un continuel processus de définition de l’auteur comme acteur et de l’acteur comme auteur, qui passe par une affirmation de sa double place en scène et dans la vie publique. Il se fait ainsi le créateur d’une façon de faire du théâtre non pas radicalement neuve mais singulière et qui se distingue dans le panorama théâtral de son temps en envahissant d’autres domaines d’activité et de compétence, ce qui lui permet de conquérir une reconnaissance globale à la fois comme histrion et comme intellectuel. La première partie de la thèse analyse les processus de création pour voir comment Dario Fo se montre auteur en tant qu’écrivain, en tant que comédien et en tant que metteur en scène ou plutôt chef de troupe. La deuxième partie prend en considération la façon dont la figure d’auteur est présentée au public : dans la construction d’un réseau de sens qui donne une cohérence à l’ensemble de l’œuvre, dans la fixation de cette œuvre par des processus d’édition, de captation et d’archivage, et par la diffusion des spectacles en Italie et dans le monde, en présence de l’acteur-auteur ou non. La troisième partie, enfin, revient sur la construction d’une autorité intellectuelle, dans l’élévation de Fo au statut de porte-parole politique et de maître à penserDario Fo is a theatre-man whose work ceaselessly redefines the author as an actor and the actor as an author, in a process that claims his dual position on stage and in public life. He thus creates an approach to theatre that, though not radically new, distinguishes itself in the theatrical landscape of his time, by encroaching on other fields of activity and competency, earning him a global recognition as an actor and intellectual. The first part of this study analyzes the creative process and shows how Dario Fo stages himself as an author through writing, acting and directing. The second part considers how the authorial figure is presented to the public : as part of a larger network of references that lends coherence to his work as a whole, in the fixation of this work through publishing, audio and video-recording and archiving, and through the circulation of his productions in Italy and the world, with or without his presence. The third part analyzes the construction of his intellectual authority, his promotion to the status of political spokesman and mentor
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Fréri, Nathalie. "La place et le rôle de l'auteur dans le théâtre d'aujourd'hui : essai d'analyse socio-littéraire". Thesis, Bordeaux 3, 2012. http://www.theses.fr/2012BOR30065.
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Si le théâtre est le lieu de l’élaboration de la langue où le poète a naturellement sa place, force est de constater que l’auteur dramatique des années deux mille peine paradoxalement à trouver sa place dans le théâtre et la société de son temps. Confrontés à la frilosité institutionnelle, à la méfiance des publics et à une méconnaissance généralisée, les auteurs dramatiques actuels tentent de faire entendre leur voix et n’hésitent pas à revendiquer leurs droits auprès des instances publiques. Ce travail se propose de porter un regard actuel et transversal sur la place et la fonction de l’auteur dramatique, en le posant comme une entité humaine qui évolue dans un milieu artistique et social concret. Après avoir retracé le parcours de la figure de l’auteur et l’évolution de la conception du texte dramatique dans l’histoire du théâtre, notre principal intérêt portera sur les différents aspects qui composent aujourd’hui l’identité de l’auteur, qui définissent son profil socioculturel et qui déterminent sa place dans le théâtre. Nous nous pencherons tout d’abord sur l’image actuelle de l’auteur qui se présente comme un artiste combatif et comme un médiateur averti proche du public avant d’aborder la question de son statut professionnel. Nous nous focaliserons par la suite sur le phénomène récent du regroupement des auteurs dramatiques en collectif. L’étude de la place concrète et physique qu’occupe aujourd’hui l’auteur dans l’entreprise théâtrale, et surtout l’analyse des principaux modes de son intégration (direction-association) et des rapports qu’il entretient avec les autres partenaires de la création (metteur en scène, acteur, public) nous permettront de mesurer les avantages et les limites de sa présence au sein du théâtre. De même, la représentation de ses oeuvres dans le système théâtral subventionné, dans le théâtre privé et les compagnies amateurs, l’observation des structures, associations, festivals et manifestations divers qui mettent l’auteur de théâtre au centre de leur projet et enfin l’étude des différents moyens de diffusion et de valorisation (commandes, résidences, ateliers, comités de lecture) des écritures théâtrales contemporaines complèteront cette recherche. Dans un souci de dépasser le seul cadre théâtral, nous aborderons également la place qu’occupe actuellement l’auteur de théâtre dans l’espace médiatique, éditorial et scolaire. Enfin, l’exploration du geste d’écriture et l’analyse du processus de création des auteurs dramatiques, suivies par un aperçu des principales tendances esthétiques et formelles qui caractérisent les écritures contemporaines, offriront un nouveau regard sur la façon dont les auteurs conçoivent leur art et sur les moyens qu’ils déploient pour contribuer au renouvellement de l’écriture dramatiqueIf the theatre is a place where a language in which the poet naturally belongs is created, we cannot avoid noting that the dramatist of the 2000's, paradoxically, is finding it hard to locate his place in the theatre and in the society of his time. Faced with institutional lukewarm support, with a distrusting public and a general lack of understanding of their role, the dramatists of today are trying to make their voices heard, and do not hesitate to demand that public bodies support their rights. This work proposes to concentrate on a cross-disciplinary examination of the place and function of the dramatist. It will do this by positing that he is a human entity that is evolving within a concrete artistic and social milieu. After tracing the trajectory of the authorial figure and the evolution of the concept of the dramatist in the history of the theatre, we will concentrate on the various aspects that today make up the identity of the author, that define his sociocultural profile, and that determine his place within the theatre. We will initially focus on the current image of the author seen as a combative artist and as an enlightened mediating figure who is close to his public. Then we will take on the question of the author's professional status. We will then concentrate on the recent phenomenon which presents dramatists as a collective group. The study of the concrete and physical place occupied today by authors in the theatre, and above all the analysis of the principal modes by which the author is integrated (directing-associating) and of the relationships he has with his partners in theatrical creativity (director, actor, public), these will allow us to measure the advantages and limits of his presence within the theatre. Likewise, the representation of his works in the context of subsidized theatre, in the context of private theatre and of amateur companies, the observance of the structures, associations, festivals and other demonstrations that put the dramatist at the centre of their projects, and finally the study of the different ways to propagate and valorize theatrical writing (command performances, resident artists, play reading committees, writing workshops), these will complete this research project. Given our determination to go beyond the world of theatre, we will also examine the current place occupied by the dramatist as a mediating, editorial and scholarly force. Finally, the study of the writing and the analysis of the creative processes of dramatists, followed by an overview of the esthetic and formal tendencies that characterize modern writing, will offer a new way of looking at the way in which authors view their art and will offer a new perspective on the ways in which they contribute to the renewal of dramatic writing
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Ndome, Ngilla Sylvie. "Nouvelles dramaturgies francophones africaines du chaos". Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030076.
Texto completo da fonteResumo:
L’émergence de nouvelles dramaturgies africaines francophones depuis les années 1990 annonce un bouleversement dans le paysage littéraire africain. Cette génération d’écrivains contemporains de la diaspora africaine convoquent les notions de fragmentation, déplacement et instabilité qui suggèrent une reconfiguration du chaos dans la production littéraire africaine francophone depuis les indépendances. L’histoire des littératures africaines depuis l’indépendance en 1960 d’une majorité de pays africains colonisés, est marquée par le thème du chaos avec cependant des différences notables. En effet, entre les années 1960 et 1970, les écrivains du « désenchantement » dénoncent le chaos politique et social de l’Afrique à la suite des nouveaux gouvernements autoritaires de la post-indépendance. Les esthétiques théâtrales négro-africaines de la fin des années 1970 et 1980, élaborent en revanche une sortie du chaos africain à partir d’une revalorisation et contextualisation moderne des traditions et mythes africains. Les années 1990 marquent une rupture puisque les nouvelles écritures théâtrales africaines mettent en forme l’espace performatif d’un « chaos-monde » qui témoigne des réalités hybrides de la diaspora africaine à l’échelle locale et globale. Une lecture croisée des oeuvres théâtrales de cette génération dont font partie Caya Makhélé (Congo), Koffi Kwahulé(Côte d’Ivoire), Marcel Zang (Cameroun), José Pliya (Bénin), Kossi Efoui (Togo), et Dieudonné Niangouna (Congo) permet de mettre en lumière les nouvelles approches techniques et esthétiques d’un chaos énergétique. L’étude détaillée de ces nouvelles mises en forme du chaos engage la compréhension de l’enjeu diasporique et la perspective transnationale dans les dramaturgies contemporaines africainesA new type of African Francophone theater has emerged since the 1990s, which announced a breaking point within the African literary landscape. This generation of contemporary writers from the African diaspora engages with notions of fragmentation, displacement, and instability that suggest a reconfiguration of chaos in Francophone African literary productionsince the Independences. The history of African literatures since 1960, when a large majorityof former African colonies became independent, is marked by the theme of chaos with significant differences. Indeed, between 1960 and 1970, writers of the « disenchantment »denounce social and political chaos in Africa following the emergence of new dictatorships inthe post-independence period, African theatrical aesthetics by the end of the 1970s andthrough the 1980s, on the contrary, work on an exit out of the African chaos from the perspective of revalorization, providing modern contextualizations for African myths andtraditions. Since the early 1990s a rupture is established within new African theater that creates a performative space of « chaos-monde », which manifests the hybrid reality of the African diaspora at local and global levels. By reading accross theatrical works by this generation that include Caya Makélé (Congo), Koffi Kwahulé (Ivory Coast), Marcel Zang(Cameroon), José Pliya (Benin), Kossi Efoui (Togo), and Dieudonné Niangouna (Congo), Ished light on the new techniques and aesthetics of an energetic chaos. A close examination ofthese new settings of chaos allows for a better understanding of the diasporic nature and transnational perspective from contemporary African theater
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Souchier, Marine. "Le statut de grand dramaturge au XVIIe siècle : Corneille, Racine et Molière, figures vedettes d’une histoire littéraire en construction (1640-1729)". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL121.
Texto completo da fonteResumo:
Dès la fin du XVIIe siècle, Corneille, Racine et Molière se voient attribuer une supériorité indiscutable sur l’ensemble des autres dramaturges contemporains. Cette hiérarchie dont l’histoire littéraire actuelle a hérité continue à nous faire admettre comme une évidence la précellence accordée à ce trio de « classiques » et les études consacrées aux auteurs dits « mineurs » interrogent rarement le statut d’auteur « majeur ». Nous avons souhaité étudier le processus d’élaboration du statut de grand dramaturge. Cette thèse met ainsi en lumière les différents aspects et manifestations de cette construction, dont elle retrace les étapes du vivant des auteurs — des années 1640 à 1680 —, tout en identifiant les facteurs permettant de comprendre pourquoi ces trois dramaturges bénéficièrent d’un tel statut, au détriment de leurs confrères et concurrents. Ce travail observe ensuite l’immédiate postérité de nos auteurs — des années 1670 à 1720 —, afin de montrer comment la hiérarchisation et la classification à l’œuvre dans le double processus de majoration et de minoration desdramaturges posent les bases de l’histoire du théâtre français. Pour comprendre la constitution du panthéon des grands dramaturges, nous analysons les mécanismes d’écriture de l’histoire du théâtre dit « classique » et faisons émerger le processus de mythification qui préside à l’apparition de la « triade sacrée » Corneille- Racine-Molière. Nous expliquons alors comment l’histoire du théâtre français s’écrit à la gloire de ces auteurs, à partir et autour de leurs trois figures, classicisées et transformées en symboles du « siècle de Louis XIV »From the late 17th century, Corneille, Racine and Molière are given an undeniable superiority over all other contemporary playwrights. This hierarchy, from which current literary history has inherited, continues to make us consider the pre-eminence granted to this “classical” trio as obvious and the studies devoted to the so-called “minor” authors rarely question the “major” author status. Our goal has been to study the elaboration process of the great playwright status. Thus, this PhD thesis highlights the different aspects and manifestations of this construction, retracing its stages during the authors’ lifetime — from the 1640s to the 1680s — while identifiying the factors allowing to understand why these three playwrights were given such a status, at the detriment of their colleagues and competitors. Moreover, this work studies our authors’ immediate posterity — from the 1670s to the 1720s — in order to show how the hierarchy and classification at work in the “majoration” and “minoration” process lay the foundation of French theater history. To understand how the great playwrights’ pantheon was built, we analyze the writing mechanisms of “classical” theater history and bring out the process of mythification that leads to the birth of the “sacred triad” Corneille-Racine-Molière. We then explain how the French theater history is written in praise of these authors, from and around their three figures, classicized and converted into symbols of “the age of Louis XIV”
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Cousin, Marion. "L'Auteur en scène. Analyse d'un geste théâtral et dramaturgie du texte né de la scène". Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030158.
Texto completo da fonteResumo:
Cette thèse de doctorat en études théâtrales présente la pratique d'artistes que nous nommons auteurs en scène, et propose des outils pour l'analyse dramaturgique des textes qui naissent de celle-ci. Émergeant au tournant du XXIe siècle, et affranchis du débat sur la primauté du texte ou de la scène, les auteurs en scène réunissent les fonctions d'auteur et de metteur en scène, mais ne se contentent pas de les cumuler, il les enchevêtrent jusqu'à les rendre indissociables, jusqu'à ce qu'elles forment une seule activité. Ils conçoivent ensemble écriture textuelle et écriture scénique, mettant en cause la séparation des deux temps de la création théâtrale. Cependant, loin de nier la double existence artistique du théâtre, comme livre et comme spectacle, les auteurs en scène publient leurs pièces, leur accordant la possibilité de survivre à l'événement scénique, et permettant à d'autres artistes de s'en emparer. Identifiant l'empreinte laissée par la création originale sur ces textes, et interrogeant les conditions de leur devenir scénique, cette thèse définit le geste des auteurs en scène, et met en évidence les spécificités dramaturgiques des textes nés de leur pratique. Elle analyse comment la redéfinition de la relation entre le texte et la scène qu'ils opèrent engendre de nouvelles formes textuelles, dont les fondations dramaturgiques – l'espace, le temps, la fiction, l'énonciation et le personnage – sont entièrement structurées par la représentation. Le corpus principal de cette étude se compose d’œuvres de Rodrigo García, Jan Lauwers, Angélica Liddell, et Joël PommeratThis doctoral thesis in theatrical studies presents the practice of artists that we choose to call on-stage authors, and offers tools for the dramaturgical analysis of the texts it produces. Appeared at the turn of the 21st century, and freed from the debate on the primacy of text or of stage, the on-stage authors mingle the roles of author and stage director together into a single activity. They compose in a sole movement the text and the performance, thus invalidating the idea of theatre as a two-step art form. However, those artists do not deny the double artistic realization of theatre, as book or as performance. As they publish their texts, they give them the possibility to live beyond the performance and let other artists appropriate them. Revealing signs of the original creative process remaining on those texts, and questioning the conditions of their direction by others, this study defines the action of the on-stage authors, and emphasizes the dramaturgic properties of the texts produced by their practice. It reveals the way redefining the relationship between the text and the stage produces new textual forms dramaturgically based – regarding space, time, fiction, enunciation and the character – on the performance. The main corpus of this study is made of works of Rodrigo García, Jan Lauwers, Angélica Liddell, and Joël Pommerat
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Gaillard, Sophie. "Écrivains et metteurs en scène à l'école du Cartel. L'épreuve de la collaboration". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA178.
Texto completo da fonteResumo:
Les témoignages des écrivains et des metteurs en scène, largement relayés par la critique dramatique et universitaire, ont façonné des légendes sur le travail théâtral, réduit les compagnonnages de créateurs au conflit ou à la parfaite harmonie. En confrontant les enseignements de l’école du Cartel – depuis la fondation du Vieux-Colombier (1913) jusqu’à l’achèvement de son legs (1968) – et les collaborations engagées dans la salle et dans l’atelier d’écriture, on se propose de mettre en lumière les logiques qui déterminent les rapports de forces entre les créateurs et d’interroger leurs incidences sur la pratique et la poétique du fait théâtral.La première partie de l’étude éclaire, dans une perspective historique, les relations entre les écrivains et des metteurs en scène dans les deux premiers tiers du siècle et montre la place centrale qu’y joue l’école de Copeau. Elle examine la façon dont les collaborateurs se perçoivent et dont ils conçoivent leur travail au sein de la coopération.La deuxième partie se consacre à l’attelage de cinq héritiers du Cartel (Barsacq, Meyer, Serreau, Barrault et Blin) avec trois générations d’auteurs (Claudel, Gide, Anouilh, Couturier, Ionesco, Beckett, Schehadé et Keineg) et envisage, dans une perspective génétique, le rôle des écrivains dans la salle. Elle met en valeur l’effort des dramaturges pour faire valoir leur légitimité et elle questionne la place de l’argument écrit dans la joute des créateurs.La troisième partie de l’étude éclaire la déclinaison des fonctions du metteur en scène dans le cabinet d’écriture et interroge sa possible influence sur la poétique des dramaturges et sur l’imprimé de théâtreThe accounts given by writers and directors, widely reported by dramatic and academic critics, have given rise to legends concerning the theatrical work, and have reduced the partnerships between creators to one of either conflict or perfect harmony. By comparing the teachings of the Cartel school – from the foundation of the Vieux-Colombier (1913) to the achievements of its legacy – and the collaborations begun in the theatre and at the writer’s desk, we propose to bring to light the logic determining the balance of powers between creators and to explore its effect on the practice and the poetry of the theatrical.The first part of the study sheds light, from a historical perspective, on the relations between writers and directors in the first two-thirds of the century and shows the central role played by the Copeau school. It examines the way in which the collaborators perceive one another and the way they conceive their work within a collaborative setting.The second part is dedicated to the relationships of five heirs of the Cartel school (Barsacq, Meyer, Serreau, Barrault and Blin) with three generations of authors (Claudel, Gide, Anouilh, Couturier, Ionesco, Beckett, Schehadé and Keineg) and considers, from a genetic perspective, the role of the writers in the stage production. It highlights the efforts of dramatists to assert their legitimacy and questions the place of the text in the creators’ debates. The third part of the study examines the range of functions of the director during the writing process and explores the possible influence it has on the poetry of dramatists and on the printed work
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Gavalda, Elisabeth. "Les Cahiers de Prospero (1991-2002). Une revue d’auteurs de théâtre". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA119.
Texto completo da fonteResumo:
L’histoire de la revue Les Cahiers de Prospero est intimement liée à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon et à la double naissance en 1991 du Centre National des Écritures du Spectacle et de la revue Prospero, son aînée. La recherche décrit et analyse les conditions et les enjeux politiques, patrimoniaux, culturels et éditoriaux qui ont construit leur avènement et dont les deux étapes principales sont la réhabilitation du monument en un centre culturel de rencontre à visée européenne et le Compte rendu d’Avignon, vaste enquête dirigée par Michel Vinaver au sein du Centre National des Lettres. L’étude se concentre sur le passage d’une revue institutionnelle et spécialisée (1991-1992) à une revue conçue uniquement par des auteurs de théâtre (1994-1996) qui se transforme en une « carte blanche » confiée à un seul auteur - concepteur par cahier (1999-2002). La recherche se resserre sur les périodes qui anticipent la création de Prospero et des Cahiers de Prospero, l’étude de leur contenu, et la période charnière qui modifie la ligne éditoriale et ouvre un espace de confrontations auctoriales, recentré autour de l’écriture théâtrale. Michel Azama, rédacteur en chef de la revue, en accord avec les dirigeants de la Chartreuse, rassemble un comité d’auteurs : Eugène Durif, Roland Fichet, Didier-Georges Gabily, Philippe Minyana, Jean-Marie Piemme et Noëlle Renaude pour réaliser Les Cahiers de Prospero. Plus qu’un objet littéraire, la revue Les Cahiers de Prospero donne à lire le portrait de l’auteur de théâtre à l’aube du XXIème siècle et contribue, par la richesse de son contenu et l’invitation d’un peintre auteur par cahier, à inventer un objet uniqueThe history of the periodical Les Cahiers de Prospero is closely related to La Chartreuse of Villeneuve lez Avignon and to the birth, in 1991, of both the Centre National des Écritures du Spectacle (The National Playwriting Centre) and a former periodical named Prospero.This research describes and analyzes the conditions and the various contexts and issues (political, patrimonial, cultural and editorial) underlying the birth of Les Cahiers de Prospero, the two main steps being the rehabilitation of the monument into a cultural center with a European aim and the Compte rendu d’Avignon (Avignon’s Report), a wide study directed by Michel Vinaver within the Centre National des Lettres. The research will focus on the transformation of a specialised and institutionalised periodical (1991-1992), into a periodical conceived only by theater writers (1994-1996) then into a « carte blanche » given to a single author-designer for each publication (1999-2002).A modification of the editorial line allows the authors to find a space of communication and confrontation, centered around theater-writing issues. Michel Azama, editor-in-chief of the magazine, in agreement with the direction of the Chartreuse, gathers a commitee of authors: Eugène Durif, Roland Fichet, Didier-Georges Gabily, Philippe Minyana, Jean-Marie Piemme and Noëlle Renaude to realize Les Cahiers de Propero. More than a literary object, Les Cahiers de Propero offer a portrait of the theater writer at the dawn of the XXIst century. The richness of its contents and the collaboration of a guest painter author per issue turns it into a unique object
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Pirisino, Claudio. "Autour de la "regìa". La mise en scène en Italie : 1893-1943. Protagonistes, histoires, débats". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA153.
Texto completo da fonteResumo:
Cette thèse s'inscrit dans une dynamique de recherche qui seulement récemment a commencé à remettre en discussion une doxa de l'historiographie théâtrale un peu simpliste: dans le contexte italien, l'avènement de la mise en scène moderne serait un phénomène tardif, par rapport à d'autres Pays, comme par exemple l'Allemagne, la France, la Russie. Ce « retard » trouverait son origine dans la persistance d'une tradition autoréférentielle de l'acteur. Le système dans lequel il se produit - un système de troupes nomades, en l'absence d'un pôle théâtral hégémonique comme pouvait l'être Paris pour la France - serait inévitablement réfractaire à l'intrusion d'une figure artistique perçue comme étrangère: le metteur en scène. Il faudrait attendre l'après-guerre pour assister en Italie à l'affirmation de ce qu'on appelle la regìa. Ce lieu commun de l'historiographie a véhiculé une série d'équivoques et d'approximations qui aplatissent un phénomène comme l'affirmation de la mise en scène moderne, nourrissant ainsi un discours téléologique de progrès qualitatif.Une série de recherches menées à partir des années 2000 nous invite cependant à considérer la mise en scène comme un aspect de l'art théâtral dans toute sa complexité. Des concepts comme ceux de proto-regia (proto-mise en scène, Perrelli, 2005), de continuité/discontinuité (Sarrazac-Consolini, 2010), montrent les limites d'une définition univoque de cet art. Sous cette lumière, le contexte italien apparaît alors comme un terrain en friche. Une étude récente a justement montré la sensibilité du système italien envers l'œuvre des maîtres européens de la scène, en tournée dans la Péninsule entre 1911 et 1940 (Schino, 2008).Nous nous proposons alors de revenir d'une part sur la construction de l'idée du « retard », et sur les raisons qui ont fait de la mise en scène un véritable graal, d'une autre part nous souhaitons souligner de quelle façon cet art émerge en Italie justement à partir de la présupposée cause du retard: l'acteur. L'avènement de la mise en scène ne serait donc pas une épiphanie brusque, mais un art qui s'exprime de manière différente, selon le modus operandi des artistes et en fonction des caractéristiques du système théâtralThis doctoral thesis challenges the simplistic doxa in theatre historiography that views genesis of theatre direction in Italy as a late phenomenon in comparison to other countries such as Germany, France, and Russia. This “delay” is thought to be due to the actor’s persistent self-referential tradition. According to the doxa, the Italian theatre system would have been resistant to the introduction of the new role of director, which was perceived as extraneous. This situation would have been caused in Italy by the popularity of wandering companies and the absence of a dominant theatrical focal point such as Paris was in France. The phenomenon of a strictly speaking regìa would have only emerged after the Second World War. This view has led to a series of misinterpretations and misunderstandings that oversimplify the phenomenon of the development of modern direction, favouring a teleological argument of qualitative progress. However, a number of studies carried out from the 2000’s encourage us to consider the direction as a complex aspect of the theatrical art. Concepts such as ‘proto-direction’ (Perrelli, 2005) and continuity/discontinuity (Sarrazac-Consolini, 2010), show the limits of an univocal definition of this art. In light of these studies, the Italian panorama appears as an uncharted territory. A recent study of the European directors’ tours in Italy for the years from the 1911 to 1940, has actually demonstrated the Italian system’s responsiveness (Schino, 2008).My research investigates the origin of the concept of “delay”, and the reasons by which theatre direction in Italy came to be considered by scholars as some sort of grail. I also highlight how direction in Italy emerges from the main source of the supposed delay itself: the actor. Indeed, the appearance of theatre direction is not abrupt; but rather a multifaceted art, which changes according to artists’ modus operandi and is dependent on the characteristics of the theatrical system
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Gascon-Detuncq, Camille. "Le Centre des auteurs dramatiques (CEAD) : action structurante et trajectoire (1965-1980)". Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/23732.
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L’influence du Centre des auteurs dramatiques (CEAD) sur l’émergence et le devenir de la dramaturgie québécoise et franco-canadienne est indéniable. Pourtant, sa trajectoire de même que son action sur la dramaturgie n’ont jusqu’ici fait l’objet d’aucune étude approfondie. Ce mémoire propose donc, à partir d’une analyse détaillée des archives mêmes du CEAD, une première étude historique de ses quinze premières années d’existence, de 1965, année de sa fondation, à 1980. Nous tâchons de cerner, dans un premier temps, la conjoncture particulière à partir de laquelle a été créé l’organisme afin de mettre au jour sa singularité et de comprendre la façon dont les fondateurs, qui sont des auteurs dramatiques, ont réfléchi leur inscription dans le milieu théâtral. Nous proposons, dans un deuxième temps, une analyse de la trajectoire du CEAD durant la période courte, mais mouvementée, de 1968 à 1980, alors que l’organisme, aux visées plus corporatistes que politiques, devra conjuguer avec l’émergence fulgurante du théâtre engagé et du mouvement de la création collective qui rejette notamment la figure de l’auteur dramatique. Ce mémoire se veut une contribution aux recherches historiques sur le théâtre au Québec.The influence of the Centre des auteurs dramatiques (CEAD) on the emergence and future of Quebec and French-Canadian theatre is undeniable. However, its trajectory, as well as its action, have not yet been the subject of an in-depth study. This thesis therefore proposes, based on a detailed analysis of the CEAD archives themselves, a first historical study of its first fifteen years of existence, from 1965, the year it was founded, to 1980. We first try to identify the particular context from which the organization was created in order to reveal its uniqueness and to understand how the founders, who are all playwrights, reflected on their place in the theatre community. We then propose an analysis of the trajectory of the CEAD during the short but turbulent period from 1968 to 1980, when the organization, with more corporatist than political aims, had to deal with the dazzling emergence of the committed theatre and the movement of collective creation, rejecting in particular the figure of the dramatic author. This thesis is intended as a contribution to historical research on theatre in Quebec.