Дисертації: "Art (histoire de, philosophie de)"

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Saint, Girons Baldine. "Fiat Lux : une philosophie du sublime." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100017.

Анотація:

Avec le sublime surgit une certaine forme de réalité qui nous met en cause en nous éblouissant. Tenter une philosophie du sublime, c'est prétendre construire la définition d'un objet évanescent et rebelle à tout canon, en ressaisir les effets sur un témoin mortifié et rechercher l'enjeu qui lui est alors révélé. Seule, une théorie du risque nous a semblé pouvoir rendre compte à la fois des différentes formes de l'incertitude du sujet, suspendu entre le ravissement et l'angoisse des liens défaits. Le sublime outrepasse la forme, exhibe l'envers caché, brouille les repères et efface les traces de l'art. Aussi bien l'égarement du grand, la commotion du laid et le vertige de l'obscur tendent-ils à supprimer le beau, dont la simplicité a pour vocation d'assurer le retour en effaçant le soupçon du piège. Or, l'expérience de la déstabilisation du monde trouve son corrélat dans celle de la suspension du moi. L'enthousiasme antique emporte l'adhésion de tout l'être, l'étonnement burkien ébranle le sujet dans son intimité et le respect entraîne chez Kant hiérarchie et clivages. Si des effets l'on remonte maintenant aux causes, la confrontation au pouvoir, les souffrances de la passion et la volonté de vertu témoignent des efforts tentés par le sujet incarné pour accoucher d'un sublime, qu'il ne saurait revendiquer comme principe de création et d'action, parce qu'anonyme et transpersonnel
With the sublime a certain form of reality emerges which questions us while dazzling us. To attempt a philosophy of the sublime is to pretend to construct the definition of an object which is evanescent and refractory to any model, to grasp its effects on a mortified witness and seek the stake which is then revealed to him. It seemed to us that only a theory of risk could account both for the different forms of the wavering of the perceptible and for the uncertainty of the subject in suspense between rapture and fear of undone bonds. The sublime goes beyond form, displays the hidden reverse side, blurs the reference marks and blots out the traces or art. Just as the distraction of the great, the shock of the ugly and the dizziness of the obscure have a tendency to do away with the beautiful, the simplicity of which is bound to ensure its return while removing the suspicion of the pitfall. Yet, the experience of the destabilization of the world finds its correlation in that of the suspension of the ego. The longinian enthusiasm wins the adhesion of the whole being, the burkean amazement upsets the subject in its intimacy and respect brings out hierarchy and celavages in Kant. If we now go back from the effects to the causes, the confrontation to power, the sufferings of passion and the will for virtue indicate the efforts made by the embodied subject in order to bring forth a sublime which he would not be in a position to claim as a principle of creation and of action because it is anonymous and transpersonal

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2

Riout, Denys. "Histoire de la peinture monochrome : (l'invention d'un genre)." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010534.

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Анотація:

Longtemps réputé dernier tableau possible, le monochrome radical marquait l'ultime étape de l'art de peindre. Or, sur les cimaises, des monochromes nouveaux apparaissent, toujours plus nombreux, depuis le début du XXe siècle. Le récit élaboré dans cette thèse montre comment la peinture monochrome, sans cesse menacée de sombrer dans le poncif, est devenue un genre. La première partie décrit les efforts déployés par Yves Klein pour apparaitre comme l'inventeur d'un genre qu'il savait ne pas avoir créé, et elle analyse les œuvres dont il s'est démarqué pour mieux conforter sa place d'initiateur, ainsi que les monochromes de ses contemporains. La deuxième partie observe la destinée du genre, après que les coups d'éclat d'Yves le monochrome l'ont imposé à l'attention. Des lors, là ou prévalait une volonté de rupture, s'installe la convention acceptée. Le succès du genre, avéré dès les années 1970, suscite en retour une recherche de ses antécédents avant le XXe siècle. Ils font l'objet de la troisième partie. Toujours lies a l'impératif de représentation, alors indépassable, les monochromes d’Alphonse Allais, de ses émules et ses prédécesseurs, proposent une mimesis paradoxale, toujours comique. Au terme de ce parcours, la peinture monochrome échappe à toute tentative de définition ontologique. Aussi pouvons-nous, tout au plus, tenter de cerner les traits saillants de sa diversité
The radical monochrome was for many years considered the ultimate reduction of pictorial possibility, the final stage of the art of painting. And yet, since the beginning of the century, gallery and museum walls have exhibited an increasing number of such works. This thesis sets out to show how monochrome painting, though constantly threatened by cliché, has become a genre in its own right. The first part describes the efforts made by Yves klein to present himself as the inventor of a genre he knew he had not created. It analyses the works he rejected in order to consolidate his own inaugural position, and also looks at monochromes by his contemporaries. The second part follows the destiny of the genre after klein's tour de force had captured public attention. The noteworthy success of the monochrome since the seventies has in turn stimulated research into its pre-twentieth century forerunners. Their work is discussed in the third part. Given the prevailling artistic dogma of representation, the monochromes of Alphonse Allais, like those of his predecessors and followers, were invariably presented as paradoxical and comic works of mimesis. Having analysed its history, it becomes clear that monochrome. .

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Hoquet, Thierry. "Buffon, histoire naturelle et philosophie /." Paris : H. Champion, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb400957772.

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4

Borie, Mariane. "L' assujettissement philosophique du style : conditions pour une théorie non-esthétique du style." Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100012.

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Анотація:

Bien qu'ils diffèrent par leur projet et leurs ressources, l'art et la philosophie ont chacun besoin d'un concept de style, si l'on considère la première comme une pratique de langage et le lieu d'un savoir, et la seconde comme l'objet de l'esthétique et le matériau de l'histoire de l'art. Comme sujet du Logos, la philosophie est l'instance supposée garantir l'autonomie de sa théorie et en unifier le sujet. En supposant qu'elle y parvienne, comment est-il alors possible de définir le style philosophique si celui est compris à la fois comme l'invariant (le sujet) et la somme (l'objet) de chacune de ses déterminations singulières ? La difficulté résiderait dans la possibilité de séparer le style philosophique du mixte stylistique que constitue le sujet de l'oeuvre philosophique. Or, le découpage philosophique de la pensée constitue précisément un espoir pour l'analyse du style des philosophes en tant qu'il permet d'ordonner les différences de style intra-philosophiques autour d'un concept univoque. Mais si la philosophie est également le sujet qui organise le savoir en le structurant artificiellement autour de ces concepts, jusqu'à quel point ces différences peuvent-elles être abstraites puis synthétisées sous la notion de style philosophique selon une telle méthode ? C'est ce cercle qui oblige à repenser la notion de sujet et à inventer une pratique de style capable de surmonter cette aporie, pour remplir cet axiome : le style c'est le sujet
Although they differ by their purpose and the way to achieve it, philosophy and art require both a concept of style as we consider the first one either as an original practice of language or as the motherland of knowledge, and the second one either as the object of aesthetics, or as the stuff of a one way history. As we consider now philosophy as the guardian of Logos, it is the instance which is supposed to keep its subject free of mind and unify its theory trough history. Suppose that it could achieve such a concept, how is it possible to define philosophical style if this is understood as well as the invariant and the sum of each of its singular déterminations ? The point would first consist in succeeding to separate philosophical style from the stylistic "mixt" in which consist the subject of the philosophical opus. But the way in which thought is fragmented into concepts constitutes a hope for analyzing the style of philosophers as it allows to order intraphilosophical style differences around a stable word. But if philosophy is also the instance which organizes knowledge in this specific way, is it still possible to abstract and synthetize these differences as philosophical style is supposed to be elucidated, when following this method ? This circle is the point that orders to refound the notion of subject and to invent a practice of style which could bend this difficulty : how to define style thanks philosophy if this is the subject and if subject is style, as it's supposed to be in this particular case ?

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Moderno, João Ricardo Carneiro. "Art et contradiction : histoire critique de la philosophie de l'art : les conceptions de l'oeuvre dans ses rapports à la réalité, à la connaissance, aux valeurs, etc." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010528.

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Анотація:

Le présent travail a eu comme objectif principal de constituer le corps historico-critique de la contradiction esthétique, telle qu'elle était écrite depuis Platon jusqu'à Theodor W. Adorno. L'objectif, donc, fut de détacher à l'intérieur de l'histoire de la philosophie de l'art ou de l'esthétique, des moments significatifs capables de totaliser un ensemble cohérent et pleinement identifiable. L'intérêt d'une telle entreprise critique se centre surtout dans l'action théorique d'isoler la contradiction esthétique, de connaitre son itinérance à travers les siècles, ses particularités et ses implications politiques. Dans plusieurs cas, on ne peut comprendre les contradictions esthétiques qu'en fonction des catégories du goût, de l'imagination créatrice, du génie, de la raison etc. Le concept de contradiction esthétique n'étant pas seulement œuvre de contradiction absolue, nous intégrons les différences, non-contradictions, les conciliations, etc. La recherche présentée ici est partie de l'hypothèse qu'il y aurait une histoire singulière intérieure à l'histoire de l'esthétique, tendant à se structurer dans une unité conceptuelle: Platon, Diderot, Goethe, Schiller, Schelling, Hegel, Schopenhauer, Nietzche, Adorno, entre autres
The main object of this work was to build, from Plato to Theodor W. Adorno, the whole historical group of the aesthetic contradiction. We selected significative moments in the philosophical history of art or aesthetic, to constitute a coherent group. The interest of this critical work is centered at the theoretical action, to isolate the aesthetical contradiction, and to know its way through the centuries, its particularities, and its political implications. In many cases, one can only understand the aesthetical contradiction depending on the categories of taste, creative imagination, genius, reason, etc. Since the aesthetical contradiction concept was not only absolute contradiction work, we include differences, non-contradictions, conciliations, etc. This research starts from the assumption that there is an interior history, aiming at conceptual unity: Plato, Diderot, Goethe, Schiller, Schelling, Hegel, Schopenhauer, Nietzsche, Adorno, among others

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Dufour, Sophie-Isabelle. "Imaginem video : L'image vidéo dans l'"histoire longue" des images." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030054.

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Анотація:

Que vois-je devant la vidéo? Je ne vois pas une vidéo, mais de l'image. La présente étude propose d'interroger le statut de l'image vidéo dans l'"histoire longue" des images. Il s'agit de déployer des problèmes multiséculaires qui ont surgi bien avant l'invention technique du médium considéré. Notre présupposé est qu'il y a une différence entre l'image - en tant que notion - et les images: l'on pourrait dire que l'image, difficile à définir, ne peut être appréhendée que dans les différents médiums qui l'actualisent. Aussi la vidéo est-elle traitée, ici, en tant qu'elle questionne l'image elle-même. Priorité sera donnée aux œuvres d'art, considérées comme plus révélatrices du statut de l'image vidéo. Mais par delà l'esthétique, les pouvoirs de l'image dépasseront ceux de l'art. Si la première question qu'affonte la présente étude est celle de l'amour de l'image, posée exemplairement par le mythe de Narcisse, c'est que celle-ci fait ensuite surgir d'autres questions fondamentales. C'est ainsi que la notion de fluidité se posera comme le fil conducteur de notre réflexion sur la fantomalité de l'image vidéo et sur sa spatialité. Notre étude des rapports entre l'image vidéo et le temps sera, quant à elle, orientée par la notion de flux - celle de Bergson en particulier. Il s'agira en fin de compte de penser l'image vidéo dans toute sa singularité
What do I see when I look at a video? Actually, I do not see a video but an image. My purpose is to study the status of video image from the point of view of the so-called " long history " of images, dealing therefore with very ancient problems that occured long before the technical invention of the medium. A distinction must be made between images and the very notion of image : one could say that the difficult notion of image can be specified only through the various media in which it embodies itself. In this study, video questions image itself. Art works will keep their privilege, because through them the status of video image is best revealed; but my intention is to show that the powers of image go far beyond aesthetics. The first problem will be the one raised by the myth of Narcissus, as a lover of image(s), because it is seminal. It leads, for instance, to the notion of fluidity, which will prove essential in my study of the " ghostliness " of video image (as well as in my study of space in video). Last but not least, the relations between time and video image should be specified with Bergson's help, and I shall try to prove how useful can be this philosopher's notion of time when one hopes to understand the singularity of video image

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Fouquet, Gérard. ""Les arts martiaux" : histoire, aspects, rapports avec le sport et l'éducation physique." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010522.

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Анотація:

Etudier les "arts martiaux", c'est inévitablement se poser deux sortes de questions. Que faut-il entendre par "arts martiaux" ? Quels sont les rapports que l'on peut établir entre ces pratiques physiques de combat, le sport et l'éducation physique ? Pour définir les "arts martiaux", il convient de recourir à l'histoire. Celle du pays dans lequel ils se sont formés, le japon mais celle également de certaines sociétés occidentales qui les ont accueillis et transformés. C'est le cas de la France, par exemple. Bien que les références historiques permettent de lever certaines contradictions, il est beaucoup plus malaisé qu'il n'y parait de véritablement distinguer les "arts martiaux" du sport et de l'éducation physique. Les relations qu'ils entretiennent peuvent être analysées soit de façon formelle soit de façon concrète. Les "arts martiaux", le sport et les éducations physiques se sont réciproquement influencés. Ils sont en rapport également avec la morale et en reçoivent des fins mais ils contribuent aussi à les déterminer.

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Eggers, Françoise. "Forme et histoire Sur la théorie de l'art de Max Raphael (1889-1952)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040188.

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Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderne
The theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics

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Delerins, Richard. "Le goût des saveurs : art culinaire et philosophie à l'âge classique." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010667.

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Анотація:

A l'âge classique (XVIe - XVIIIe siècles) cuisine et philosophie ont entretenu des liens étroits; les cuisiniers ont emprunté aux philosophes leurs idées sur la nature et sur la « nature humaine»; les philosophes se sont interrogés sur l'alimentation et sur l'art culinaire. Que signifie lire et interpréter les recettes de cuisine anciennes : du Mesnagier de Paris (1393) à L'Art de la cuisine française au XIX siècle d'Antonin Carême (1832) ; la classification et le statut des aliments; les relations entre médecine, pharmacopée et alimentation; la diététique; les relations entre l'âme et le corps; la physiologie de la nutrition; les relations entre alchimie et cuisine; qu'est-ce qu'un aliment ?; la structure et la dynamique de l'« espace alimentaire» ; les principes de cuisson des aliments; La Varenne et l'invention de la cuisine française au milieu du XVIIe siècle; la réforme de la matière et des savoirs alimentaires; les représentations et les modèles du goût et des saveurs; les savoirs des grands chefs du siècle des Lumières : L. S. R, Massialot, Marin, Menon ; l'architecture du système culinaire français; la cuisine et son statut parmi les arts: peut-on parler d'une esthétique culinaire? Le goût et les saveurs ont-ils une histoire?

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Fuk, Giacomo. "Les premières formulations des problèmes théoriques de Louis Marin 1968-1975 : philosophie, sémiotique, histoire de l'art." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0057.

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La thèse porte sur la première partie de l'œuvre de Louis Marin (1931-1992) et notamment sur les thèmes de la signification et de l'interprétation. Le premier chapitre situe la pensée de Marin dans le contexte de la réflexion théorique dans l'historiographie artistique allemande au début du XXe. Le deuxième chapitre porte sur la « sémiologie picturale » que Marin propose à la fin des années soixante et sur son rapport avec la sémiotique de cette époque-là. Le troisième chapitre analyse certaines critiques adressées à la sémiologie picturale de Marin par des philosophes, des historiens de l'art, des spécialistes de littérature et des sémiologues, en se concentrant notamment sur les critiques de J. -L. Schefer, qui identifient chez Marin un paradoxe dans son ambition scientifique et une ambiguïté entre sémiotique et phénoménologie. Le quatrième chapitre vérifie et développe les hypothèses sur un texte de Marin de 1971 sur le « Paysage homme tué par un serpent » de Poussin, analysé en détail, où l'on montre la formation d'une réflexion plus librement philosophique et orientée vers des formulations moins strictement sémiotiques mais plus cohérentes. Le dernier chapitre déplace l'attention sur les écrits de Marin sur la Bible et sur Port-Royal pour montrer comment le problème de l'interprétation excède le domaine de l'art et implique une perspective historique encore plus vaste que celle du structuralisme et celle de la théorie de l'historiographie artistique, et surtout montre les développements fondamentaux du rapport de Marin avec la sémiotique dans sa monographie sur les Evangiles
My thesis is about the first part of Louis Marin's (1931-1992) work, especially about the themes of meaning and interpretation. The first chapter places Marin's thought in the context of theoretical reflection in German art historiography at the beginning of the 20th century. The second chapter deals with the « semiology of painting » which Marin proposes at the end of the sixties and with its relation to the semiotics of that time. The third chapter studies some of the critics that Marin's project of a semiology of painting met by philosophers, art historians, literary theorists and semiologists, with particular regard to the critics of J. -L. Schefer, who recognises in Marin's semiology a paradox concerning its scientific purpose and an ambiguity between semiotics and phenomenology. The fourth chapter tests and develops the hypothesis by a detailed analysis of an article of Marin on Poussin's "Landscape with a Man Killed by a Snake", and shows the shaping of a freer philosophical thought headed towards a less strictly semiotic, but more consistent, expression. The last chapter shifts the attention on Marin's writings on Bible and Port-Royal to show that the problem of interpretation exceeds the field of art and demands a larger historical perspective than that of structuralism and that of the theory of art historiography, and in particular shows the fundamental developments of Marin's relation to semiotics in his monograph on Gospels

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Zhang, Xuehui. "Peinture et philosophie dans la Chine du XVIIe siècle des Qing : Shi Tao et Zhu Da." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30080.

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Анотація:

Shi Tao et Zhu Da sont les deux plus importants des quatre bonzes qui vécurent à la fin de la dynastie Ming et au début de la dynastie Qing. En tant que membre de la famille impériale de la dynastie Ming, ou partisan de la dynastie précédente, ils ne voulurent pas suivre le gouvernement des Qing. Pour manifester cela, ils créèrent un nouveau style anti-orthodoxe exprimant leur personnalité. Ils connurent la chute de la dynastie Ming, et les bouleversements sociaux qui suivirent la prise du pouvoir par les Mandchous. Alors que certains peintres ont continué à prêter allégeance à la dynastie déchue des Ming, ils exprimèrent leur opposition à la domination des Mandchous en refusant de collaborer avec l'occupant. L'art de Shi Tao eut un impact important et profond sur l’évolution de la peinture chinoise, de la dynastie des Qing jusqu’à nos jours. Cet artiste aux talents très variés, écrit des poésies et des essais et pratique peinture et calligraphie. Il rompt avec les règles traditionnelles de la peinture quand il décrit des éléments de la nature comme les oiseaux et les fleurs, les chlorophytums et les bambous. Sa peinture émane du fond de son cœur. Sa manière de faire couler les encres et d’utiliser le pinceau varie selon son intérêt ou ses besoins. C’est là son originalité. De son côté, Zhu Da est maître dans l’art d’exprimer ses états d’âme par des images. Ses tableaux vigoureux, pleins d'exubérance, font preuve d'une adresse artistique élevée. Il atteint la perfection dans ses petits formats (fleurs, insectes, oiseaux, rochers, poissons) dont l'insolite simplicité repose sur une extraordinaire science de la composition, remarquable surtout par son usage dynamique des vides
Shi Tao and Zhu Da are two of the four monks lived in the late Ming Dynasty and early Qing Dynasty. As either a member of the imperial family of the Ming Dynasty, is a supporter of the previous dynasty, they would not follow the ruler of the Qing Dynasty, so they created a new anti-orthodox style emphasizing the expression personality. They experienced the fall of the Ming dynasty, in the social upheavals that followed the seizure of power by the Manchus, a number of painters continued to swear allegiance to the fallen Ming dynasty. Their poems and paintings, expressing their opposition to the domination of the Manchus and their attitude of non-cooperation with the occupier. Shi Tao is a significant and profound impact on the development of chinese painting, Qing Dynasty to this day. Shi Tao, artiste to strong in poetry and essays very versatile, also focuses on painting and calligraphy. It does not follow the traditional rules of painting when he describes the elements of nature, such as birds and flowers, and bamboo chlorophytums. His painting comes from the bottom of his heart. His way of spilling ink and use the brush varies according to their interests or needs. That is its originality. Zhu Da was a master in the art of expressing his feelings through pictures. His vigorous paintings, full of exuberance, demonstrate high artistic skills. Zhu Da reached perfection in its small format (flowers, insects, birds, rocks, fish) whose unusual simplicity based on an extraordinary knowledge of composition, remarkable mainly for its dynamic use empty space

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Bartalesi, Lorenzo. "Histoire naturelle de l'esthétique : remarques philosophiques pour une esthétique naturaliste." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0043.

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La thèse a pour objectif de questionner la possibilité d'établir un programme naturaliste dans le champ de l’esthétique et de présenter une hypothèse phylogénétique de la relation esthétique. Dans la première partie on parvient à repérer un modèle épistémologique de l'esthétique philosophique traditionnelle qui rend problématique toute avancée d'un programme naturaliste. A partir de l'analyse de ce modèle, on propose une définition éthologique de la relation esthétique comme relation cognitive homme-monde qui se régule au moyen d'une réaction affective intrinsèque. Le deuxième chapitre vérifie l'efficacité de cette description en présentant la relation esthétique comme un fait anthropologique ordinaire qui fait partie intégrante des pratiques culturelles et sociales. Un modèle du fonctionnement cognitif de la relation esthétique est donc proposé dans le troisième chapitre où, par l'adoption d'une notion minimale d'intentionnalité, on situe le programme naturaliste des faits esthétiques dans le débats sur les stratégies de naturalisation du mental. Dans le dernier chapitre, on parvient finalement à mettre en oeuvre une perspective généalogique évolutionniste sur les faits esthétiques et à supposer les ancêtres évolutifs ainsi que les causalités et les pressions sélectives qui ont conduit l'apparition de l'activité esthétique. Dans cette direction, la notion darwinienne de «sense of beauty » offre les coordonnées pour étudier les formes originaires de la relation cognitive à fonction esthétique et la façon dont elles ont évolué depuis leur apparition sur terre
The thesis has for objective to question the possibility of establishing a naturalist program in the field of the aesthetics and to present a phylogenetic hypotheses of the aesthetic relation. Ln the first part we succeed in locating an epistemological model of the traditional philosophic aesthetics which makes problematic any headway of a naturalist program. From the analysis of this model we propose an ethological definition of the aesthetic relation as a cognitive relation between man and world which regulates by means of an intrinsic emotional reaction. The second chapter verifies the efficiency of this description by presenting the aesthetic relation as a common anthropological fact, which is an integral part of cultural and social practices. A model of the cognitive functioning of the aesthetic relation is thus proposed in the third chapter where, by the adoption of a minimal notion of intentionality, we place the naturalist program of aesthetic facts in the debate on the strategies of naturalization of the mental. Ln the last chapter we finally succeed in implementing a genealogical-evolutionist perspective on the aesthetic facts, and in supposing the evolutionary ancestors, as well as the causalities and the selective pressures, which led to the appearance of the aesthetic activity. In this direction the Darwinian notion of “sense of beauty” offers coordinates in order to study the native forms of the cognitive relation with aesthetic function and the way they evolved since their appearance on earth

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Thibault, Alexandre. "La durée picturale chez les cubistes et futuristes comme conception du monde : suggestion d'une parenté avec le problème de la temporalité en philosophie." Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/24100/24100.pdf.

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Crescenzo, Richard. "Peintures d'instruction : la postérité littéraire des Images de Philostrate en France de Blaise de Vigenère à l'époque classique." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040011.

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Davila, Thierry. "De l'inframince : brève histoire de l'imperceptible dans l'art moderne et actuel." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0082.

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L'histoire de l'art est généralement conçue comme une histoire des formes parfaitement présentes, clairement et distinctement, devant tout spectateur potentiel. Il existe cependant des œuvres qui questionnent cette logique de la forme présente en s'annonçant elles-mêmes comme disparaissantes, imperceptibles. Une autre vision de l'art, du travail de l'art et de l'expérience sensible, découle. C'est cette histoire que tentent d'analyser ces pages consacrées à la période moderne et contemporaine (du début du XX siècle jusqu'à aujourd'hui)
Art history is generally supposed to be the history of shapes clearly and distinctly present in front of every potential viewer. Nevertheless, there're works which call into question the logic of the presence of the form because they're imperceptible. Another vision of art, of the work of art and of the sensible experience follows from these artistic creations. This Ph D tries to analyse this history in modern and contemporary art (from the beginning of the XX century to nowadays)

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Courtinat, Nicolas. "Philosophie, histoire et imaginaire dans le "Voyage en Orient" de Lamartine /." Paris : H. Champion, 2003. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb390083440.

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Vigne, Daniel. "La relation infinie : la philosophie de Lanza del Vasto (1901-1981)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040052.

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Lanza del Vasto (1901-1981), connu comme écrivain et homme d'action, l'est beaucoup moins comme philosophe. Il fut pourtant Docteur en Philosophie de l'Université de Pise (1928), et travailla toute sa vie à l'élaboration d'un système dont La Trinité spirituelle (1971) donne les lignes essentielles. Entre ces deux dates, l'auteur consigna dans des carnets des milliers de pensées restées inédites, et rédigea divers manuscrits de grande qualité philosophique, qui n'avaient jusqu'ici fait l'objet d'aucune étude. L'auteur de la présente Thèse, qui a personnellement connu Lanza del Vasto, a eu accès à ces archives et a traduit la plupart des textes de l'italien. Sa recherche synthétise un grand nombre de textes inédits, et offre une présentation complète de la philosophie théorique de Lanza del Vasto, en trois parties :I. Esthétique : La Sensibilité et les Arts. Cette partie valorise le fondement sensible de la vie spirituelle, propose un système ternaire des Arts et une étude sur l'Éros comme art d'aimer. II. Épistémique : L'Intelligence et le Savoir. Ces chapitres traversent le champ de la connaissance rationnelle et scientifique, depuis ses formes abstraites (Mathématiques, Espace, Temps, Mouvement) jusqu'à ses aspects concrets (Matière, Énergie, Vie animale et végétale), constituant par là une cosmologie complète et systématiquement unifiée. III. Métaphysique : L'Esprit et la Connaissance. Cette partie, la plus longue, porte sur la connaissance philosophique proprement dite. Elle en aborde successivement : le pôle interne ou subjectif (le Moi), le pôle externe ou objectif (l'Être), et leur lien " alterne " (la Relation). Elle inclut une discussion critique de la philosophie de Descartes, de Kant et de Hegel. Toute la philosophie de Lanza del Vasto, fondée sur une ontologie relationnelle et trinitaire, met en résonance les divers plans de l'être et de la personne. Elle s'exprime avec clarté et précision, dans une langue savoureuse. Elle est un témoignage important de la philosophie spiritualiste en France au XXe siècle
Lanza del Vasto, well known as a writer and a man of action, is not so much as a philosopher. And yet he graduated as a Philosophy Doctor of Pisa University (1928) and he worked all his life in order to build up a system the main lines of which are to be found in La Trinité spirituelle (1971). Between those two dates, the writer put down in notebooks thousands of thoughts which have not yet been published, and wrote various manuscripts of high philosophical trend, which have not yet been studied by anyone. The writer of the present Thesis, who has known Lanza del Vasto personally, has had an access to those archives and translated most of the texts from the Italian. His research amounts to a synthesis of great number of unpublished texts, and is a complete presentation of the theoretical philosophy of Lanza del Vasto, in three parts : I. Aesthetics. Sensitiveness and the Arts. This part gives value to the sensitive part of spiritual life, offers a ternary system of Arts, and a study on Eros as an art of loving. II. Epistemics. Intelligence and Science. Those chapters display the field of rational and scientific knowledge from its abstract forms (Mathematics, Space, Time, and Movement) up to its concrete aspects (Matter, Energy, Vegetal and Animal Life), thus making up a complete and systematically unified cosmology. III. Metaphysics. Spirit and Knowledge. This longest part deals with philosophical knowledge as such. It successively tackles the inner or subjective polarity (the Ego), the external or objective polarity (the Being), and their balancing link (the Relationship). It includes a critical discussion of the philosophies of Descartes, Kant and Hegel. The whole philosophy of Lanza del Vasto, based upon a relational and Trinitarian ontology, establishes a resounding pattern between the various levels of being and the person. It is and important witness of French spiritualist philosophy in the XXth century

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Pedroso, Anderson Antonio. "Vilém flusser : de la philosophie de la photographie à l’univers des images techniques." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL103.

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La pensée de Vilém Flusser (1920-1991) a donné lieu à une abondante bibliographie critique sur ses apports en matière de communication, où son pari d’une « nouvelle imagination » fait tenir ensemble l’art, la science et la technologie, sous l’égide de sa philosophie de la photographie. L’archéologie de sa pensée, proposée ici, a été construite en tenant compte de l’ancrage disciplinaire de ses travaux dans les théories de la communication et des médias : elle s’est intéressée à la notion de l’art que Flusser développe au cours de son parcours, afin de saisir le déploiement de cette dimension artistique, son statut et ses contours, aussi bien que sa portée. La notion d’art chez Flusser est indissociablement liée à l’histoire : l’expérience traumatisante de l’exil est devenue centrale dans sa pensée critique de tout totalitarisme. L’ensemble de pratiques et de savoirs qui fondent son rapport au monde et qui informent sur l’élaboration de sa pensée sont travaillés par une Kulturgeschichte, vue depuis la perspective d’une « post-histoire ». Mais il y a en particulier une pensée du jeu, ludique, où l’objectif est moins de jouer à l’intérieur des règles établies que de déjouer les règles, de « jouer pour changer le jeu ». Autrement dit, il s’agit d’une pensée radicalement dialogique et polyphonique, dont la Kommunikologie, façonnée comme métathéorie, représente l’essor de Flusser. Sa trajectoire historique et les savoirs qui lui sont associés contribuent à la construction d’une pensée cybernétique qui projette les lignes fondamentales d’une Kunstwissenschaft, dans laquelle il propose une sorte d’iconoclasme sans renoncer aux images
The thought of Vilém Flusser (1920-1991) has given rise to an abundant critical bibliography on his contributions in the field of communication, where his wager on a "new imagination" brings together art, science and technology, under the aegis of his philosophy of photography. The archaeology of his thought, proposed here, is constructed alongside this disciplinary underpinning of his work in the theories of communication and media: it involves the notion of art that Flusser developed during his career, in order to grasp the deployment of this artistic dimension, its status and its contours, in his thought. Flusser's notion of art is inseparably linked to history: the traumatic experience of exile becames central in his critical thinking regarding all totalitarianism. The practices and knowledge that underpin his relationship to the world and guide the development of his conception are worked on by a Kulturgeschichte, seen from the perspective of a "post-history". But there is, in particular, a playful thinking of the game, where the objective is less to play within the established rules than to thwart the rules, to "play to change the game". In other words, it is a radically dialogical and polyphonic way of thinking, whose Kommunikologie, shaped as metatheory, directs the development of Flusser's work. His historical trajectory and the knowledge associated with it contribute to the construction of a cybernetic way of thinking that sketches the fundamental lines of a Kunstwissenschaft, in which he proposes a kind of iconoclasm without giving up images

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Aron, Raymond Mesure Sylvie. "Introduction à la philosophie de l'histoire : essai sur les limites de l'objectivité historique /." [Paris] : Gallimard, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb34878890p.

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Teleanu, Constantin. "Art du Signe. La réfutation des Averroïstes de Paris chez Raymond Lulle." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040200.

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Cette investigation s’efforce de comprendre quel ressort philosophique amorce la dernière phase de l’incursion de Raymond Lulle dans les Facultés de Paris afin de débattre contre la faction des philosophants censés être dénommés Averroïstes catholiques. Le système de l’Art de Raymond Lulle connaît une dimension polémique prodigieuse, puisqu’elle résonne finalement aux échos retentissants de l’affrontement de Raymond Lulle avec des Averroïstes rencontrés dans les Facultés de Paris, mais qui peuvent être restitués par le biais des traités rédigés entre novembre 1309-septembre 1311 quelques années avant le déclin de son esprit prolifique. Il s’agit de la réfutation des erreurs attribuées par Lulle aux philosophants de Paris qui ne sont dénommés Averroïstes catholiques qu’en décembre 1310 après une quête intrépide de l’épithète des philosophants de Paris par laquelle Lulle apostrophe bien leurs erreurs répertoriées en diverses listes. Le contact de Lulle avec nombre de lettrés des Facultés de Paris suscite souvent la controverse doctrinale sans compromettre toute tentative de dialogue. C’est pourquoi Lulle lègue à l’historiographie du lullisme ou de l’averroïsme une fresque singulière de ce que la philosophie devient dans les Facultés de Paris au début du XIVe siècle, même s’il défend la vraie philosophie de tout dérapage averroïste. Il rénove la réfutation des Averroïstes de Paris, puisqu’elle ne dérive ni des censures ni des autorités de théologie positive, mais des outils dialectiques de son Art de raisons nécessaires
This investigation seeks to understand what philosophical spring begins the last phase of Ramon Lull’s incursion in the Faculties of Paris to discuss against the faction of the philosophers supposed be called catholic Averroists. The system of the Art of Ramon Lull knows a prodigious polemical dimension, because it resounds finally in the loud echoes of Ramon Lull’s confrontation with the Averroists encountered in the Faculties of Paris, but its could be reestablished by means of treaties drafted between November 1309-September 1311, few years before the decline of his prolific spirit. It is about the refutation of the errors attributed by Lull to the philosophers of Paris that are called catholic Averroists only in December 1310 after an intrepid quest of the epithet of the philosophers of Paris by which Lull apostrophe out well their errors itemized in various lists. The contact of Lull with many scholars of the Faculties of Paris often arouses the doctrinal controversy without compromising any attempt of dialogue. Therefore, Lull bequeathed in the historiography of the Lullism or the Averroism a singular fresco of what the philosophy becomes in the Faculties of Paris at the beginning of the XIVth Century, even if he defends the true philosophy of any averroist skid. He renews the refutation of Averroists of Paris, because it does not derive of either censures or authorities of positive theology, but of the dialectical tools of its Art of necessary reasons

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Bouchard, Anne-Marie. "Ce qui se passe réellement : à propos de la contribution du dadaïsme berlinois à l'histoire de la culture visuelle allemande." Thesis, Université Laval, 2005. http://www.theses.ulaval.ca/2005/23120/23120.pdf.

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Par le biais d’une analyse de la philosophie de l’histoire et de la théorie de l’art de Walter Benjamin, l’auteur explore les cadres conceptuels et historiques du mouvement Dada de Berlin en s’attachant plus particulièrement aux collages et photomontages et à leurs relations avec la culture visuelle allemande. Développant son étude à partir de considérations sur la Révolution dans la philosophie allemande, sur le contexte révolutionnaire de l’Allemagne, sur l’essor de la presse illustrée dans ce contexte et sur le rôle de la presse dans la constitution de la république de Weimar, l’auteur relève les principales caractéristiques des collages et photomontages dadaïstes et les sources théoriques et pratiques du mouvement.

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Gros, Gilles. "Histoire et épistémiologie de l'art dentaire." Thesis, Lyon 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO30007.

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L’épistémologisation de l’art dentaire se fonde sur l’évolution de deux concepts-clés des sciences de la nature : la matière, objet de la physique et de la chimie, et la vie, objet de la biologie. Elle est marquée par deux grandes discontinuités qui délimitent les trois grandes périodes de son histoire. La première discontinuité se situe au début du 18e siècle quand Fauchard, influencé par les idées de Galilée et de Descartes, fait de l’art dentaire une science de l’ingénieur et l’introduit dans la modernité. La seconde discontinuité a lieu à la fin du 19e siècle, après que l’art dentaire a intégré des concepts-clés énoncés par C. Bernard, Virchow et Pasteur qui accentuent sa biologisation et que des découvertes technologiques révolutionnaires le conduisent à instituer une alliance durable entre science et technique. Au 20e siècle, l’invention technique débouche sur l’affolement technique et la biologisation s’accélère. Alors l’art dentaire prend conscience de la nécessité d’atténuer la discordance entre valeurs organiques et valeurs mécaniques. Ce qui l’amène à renouveler son paysage disciplinaire, à se spécialiser et à adhérer à la pensée complexe. A la fin du 20e siècle, il accède aux mécanismes de la vie et se mêle d’ingénierie tissulaire, d’où de fortes présomptions d’une vaste réforme de son programme épistémologique et thérapeutique au 21e siècle
The epistemologisation of the dentistry is based on the evolution of two concept-keys of sciences of nature : matter, object of physics and chemistry, and life, object of biology. It is marked by two great discontinuities which delimit the three great periods of its history. The first discontinuity is at the beginning of the 18th century when Fauchard, influenced by the ideas of Galileo and Descartes, makes dentistry engineering and introduces it into modernity. The second discontinuity takes place at the end of the 19th century, after the dentistry integrated concept-keys stated by C. Bernard, Virchow and Pasteur who accentuate his biologisation and whom revolutionary technological discoveries lead it to institute a durable alliance between science and technology. At the 20th century, the technical invention leads to the technical panic and the biologisation accelerates. Then the dentistry becomes aware of the need for attenuating the discordance between organic values and mechanical values. What leads it to renew its disciplinary landscape, to specialize and adhere to the complex thought. At the end of the 20th century, it reaches the mechanisms of the life and is interfered tissue engineering, from where strong presumptions of a vast reform of its epistemological and therapeutic program to the 21th century

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Heinssen, Johannes. "Historismus und Kulturkritik : Studien zur deutschen Geschichtskultur im späten 19. Jahrhundert /." Göttingen : Vandenhoeck & Ruprecht, 2003. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41191976m.

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Besson, Olivier. "Histoires d'instants passés : le travail théâtral." Paris 10, 1993. http://www.theses.fr/1993PA100129.

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Tackels, Bruno. "Histoire d'aura. Benjamin, brecht, adorno, heidegger." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1994. http://www.theses.fr/1994STR20043.

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Des la premiere lecture du fameux essai de walter benjamin, l'oeuvre d'art a l'epoque de sa reproductibilite technique. J'ai percu une hesitation, un flottement, ou plutot un malaise a meme le texte. Au point que je n'ai jamais vraiment compris sur quoi se fondait sa celebrite. Je n'ai jamais vraiment pu me satisfaire des deux idees (parfaitement contradictoires9 qui structurent ce texte : la reproduction dans les oeuvres fait disparaitre l'art et l'on peut penser cette disparition comme un declin, le mal de l'occident. On en arrive donc a regretter l'age du "grand art" qui devrait etre imperativement restaure pour sauver l'humanite. Mais le texte permet aussi de lire cette disparition de l'art comme une chance (messianique) qui ouvre l'espace et le temps utopiques d'un monde nouveau, desenchaine. Ces deux visions contradictoires ne me paraissaient pas satisfaisantes ou, pour etre plus precis, il me semblait qu'a travers ces deux perspectives de lecture le texte disait tout autre chose : ni la nostalgie, ni l'utopie, mais une traversee de ces visions du monde, qui elabore une perspective veritablement politique. Cette intuition m'a donne l'idee de remonter aux sources du texte et de comparer les auatres versions successives que benjamin a

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Giroud-Fliegner, Olivier. "La peinture moderne et contemporaine : propositions pour une esthétique de l'erreur." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040198.

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On se propose dans un premier temps de faire état du contexte philosophique de notre projet. En effet, la peinture de ce siècle fait l'objet de critiques qui ont comme point commun la question de la mort de l'art. C'est là ce qui fait d'une esthétique de l'erreur un questionnement philosophique. Le choix du terme d'erreur est motivé par la nécessité d'envisager la modernité picturale selon des concepts adéquats. On trouve chez Gombrich et chez Nietzsche une dimension perceptive et opératoire de l’erreur qui va dans notre sens. On construit alors le concept sur la base des analyses de Kant sur le temps et la perception. A cette esthétique transcendantale de l'erreur fait suite une dialectique de la liberté en peinture, issue du statut de l'erreur comme fonction d'une perception erronée. La dernière étape de notre démarche met en perspective le fonctionnement de l'erreur. On voit dans l'art "contemporain" et l'esthétique d’Adorno la perte du sens de la modernité en art, à savoir une attitude spécifique vis-à-vis de la perception; cette perte est accentuée par l'orientation postmoderne de l'art, perspective qui ouvre l'esthétique de l'erreur sur la question du sens de la modernité en art
The first part of our problematics explains the philosophical context of an esthetics of error; indeed, most of the pictorial movements of this century has been criticized as a danger of non-sense in painting. The common point of the critics is also the question of death of art, as a danger to overcome by finding a concept able to establish a logic of modernity in art. We find in Gombrich's and Nietzsche’s texts already a statute of error which confirms our purpose, and makes us enable to build a concept of error, in the second part of our purpose. Thus, error is determined by Kant’s analyses of temporality and perception. And we can define error as a function of an almost "false" perception. As a function, error creates a dialectics of liberty in painting. In the last part of our purpose, we analyze Adorno's esthetics as the loss of the sense of error and modernity, as well as the postmodernist orientation of art, which opens our problem on the question of the sense of modernity in art

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Devulder, Catherine. "L'histoire en allemagne au dix-neuvieme siecle : methode et pensee historiques chez leopold von ranke, johann gustav droysen et karl lamprecht." Strasbourg 2, 1987. http://www.theses.fr/1987STR20012.

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Cette recherche, s'inscrivant dans le cadre de l'histoire du savoir scientifique, est un essai de determination du champ notionnel de l'histoire, de son historicite propre a partir de trois moments significatifs de la production historiographique du dix-neuvieme siecle en allemagne. L'histoire apparait comme mise en evidence des rapports entre nature et culture; elle montre une logique systemique (avec les notions de zusammenhang et de zustand) et une conception totalisante du monde. Cette recherche represente une genealogie de la notion actuelle d'histoire totale
This research, one element of the history of the scientific knowledge, tries to determine the field of the notions used in historiography, and his own time. The study interrogates three significant moments of the historiography in germany in nineteenth century history shows the relations between the nature and the culture this science is based on the system (with the notions of zusammenhang and zustand) and a total weltanschauung. This research presents a genealogy of the actual idea of "total history"

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Matte, Hélène. "Déjà, hélas, enfin, une fois pour toutes : l'immédiat en différé & deuil : romantisme, déconstruction, entre discours et discours de l'entre." Master's thesis, Université Laval, 2011. http://hdl.handle.net/20.500.11794/22418.

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Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011
La recherche-création présentée dans ce mémoire est conçue de détours. Le mémoire lui-même est un détour. La rétroactivité motive son actualité. Cheminant de la performance à la photographie, retournant à la photographie par le dessin, en passant par l'organisation d'événements sans cesser de penser et d'écrire la pratique : la problématique disciplinaire, par le biais de ce que j'ai nommé l'hyperdisciplinarité, y est poursuivie. C'est néanmoins notre relation à la philosophie et à l'histoire de l'art qui en émerge. Les deux projets principaux qui sont présentés, L'Immédiat en différé et Deuil, trouvent une résonance auprès des écrits de Derrida. Aussi, sans en être au diapason, ils ne dissonent pas avec le mouvement romantique. Posant les questions de l'art et du langage -à quoi répond celle de l'ironie- c'est finalement les notions de «l'entre» et du temps qui nous emportent. À la différence des temps de la chronologie et de l'immédiateté, Déjà, hélas, enfin. Une fois pour toutes suggèrent ceux de l'éphémère romantique et du posthume.

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Ning, Zhuo tao. "Chine-Occident : les transferts culturels entre idéologie et tradition." Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAG032.

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Faire une recherche sur l'histoire de l'art contemporain chinois implique la formation de deux questionnements essentiels. Tout d'abord, il est possible d'émettre un doute quant à la pertinence de l'emploi du terme contemporain. L'interminable débat sur la notion de contemporanéité a laissé place au second questionnement, d'ordre géographique. Existe t-il un art contemporain chinois ? De Ma Yuan à Dong Qichang, la première grande partie de cette recherche s'est employée à brosser le portrait de l'inclinaison prise par l'art chinois. Il sera intéressant d'observer comment les artistes actuels se sont emparés de la culture antique chinoise et l'ont ressuscitée à travers le prisme de leur réalité contemporaine. Il convient d'opérer une scission dans le schéma chronologique, matérialisée par l'avènement de la République Populaire de Chine. L'aversion pour l'art du Parti Communiste associée à la volonté d'asservir la production artistique de manière utilitariste fut la source d'une esthétique et de codes formels inédits, directement empruntés au réalisme socialiste russe et à la propagande nazi
The research on the history of the Chinese contemporary art implies two essential questions. First of all, we may question the use of the word "contemporary". The never-ending debate concerning contemporaneity has lead to the second question which concentrates on a more geographical point. Does a contemporary Chinese art really exist? From Ma Yuan to Dong Qichang, the first part of this research aims at tracing the evolution of Chinese art. It will be interesting to see how current artists seized the traditional Chinese culture and resurrected this art through the prism of their contemporary reality. It is necessary to link this ascension to the rising of the Popular Republic of China. The hatred of the Communist Party for art, associated to the will of producing a new utilitarian art, were the source of innovative aesthetics and formal codes directly influenced by the Russian socialist realism and the Nazi propaganda

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Coletta, Elisa. "Hubert Damisch : pour une perspective oblique dans la production d'un historien et philosophe de l'art." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0039.

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La recherche vise à esquisser le profil intellectuel d’Hubert Damisch, à travers une analyse de sa production et une description du milieu dans lequel il travaille et des rapports qu'il a établi avec d'autres savants de son temps. Après une analyse de sa formation qui vise à définir les matrices théoriques de sa pensée, la recherche décrit un parcours à travers ses textes voué à relever les traits spécifiques de sa pensée. Des premiers essais consacrés à l'art contemporain aux textes des années Quatre-vingt-dix placés sous le label de l'iconologie analytique, l'analyse reconstruit la recherche d'un auteur qui n'a cessé de mettre en perspective les disciplines différentes ; qui a fait de la conscience qu'il y ait une pensée au travail dans l'art le point de départ d'une série d'études où la considération du rôle que l'art joue dans l'horizon de la connaissance se noue à Ia conscience de la capacité des œuvres de signifier à travers la spécificité visuelle de leurs instruments ainsi que d'agir au-delà du temps dans lequel elles ont été crées. Le caractère oblique de la recherche indiqué le titre renvoie au point de vue sémiotique à partir du quel on a choisi de conduire l'analyse. L'exigence de vérifier la réception italienne de cet auteur -connu surtout dans le milieu sémiotique, c'est avec le label du sémioticien que l'histoire de l'art italienne circonscrit sa pensée -nous on induite à faire de la réflexion sémiotique de cet auteur le point de départ d'un parcours voué à dévoiler les matrices de sa position sémiotique, et dans une perspective plus générale à reconnaître les raisons et les racines du travail de Damsich en tant que historien et philosophe de l'art
The search is aimed at outlining Hubert Damisch's intellectual profile, through an analysis of his work and a description of the environment in which he works and the relationships he has established with other scholars of his time. After an analysis of his background that aims at defining the abstract matrices of his way of thinking, the search describes a path through his texts devoted to pointing out the particular features of his ideology. From the initial trials devoted to contemporary art in the texts of the Nineties given the label of analytical iconology, the analysis has recreated the search of an author who never stops putting the different disciplines into perspective; one who, so there was an ideology in the way of working art, made awareness the starting point of a series of studies where the reflection of the role that art plays in the prospects for acquiring knowledge takes shape from an awareness of works' ability to have meaning through the visual specificity of their instruments as weil as to act beyond the time in which they were created. The sidelong nature of the search indicated in the heading sends you back to the semiotic point of view from which you choose to conduct the analysis. The requirement to check how the Italians receive this author -known above ail in the semiotic milieu, it's with the label of semotician that the history of Italian art defines his way of thinking -leads us to make a semiotic reflection about this author the starting point of a path devoted to unveiling the matrices of his semiotic position, and in a more general outlook to recognise the reasons and the roots behind Damsich's work as an art historian and philosopher

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Lefebvre, Pauline. "Tracer des reprises du Pragmatisme en architecture (1990-2010). Penser l'engagement des architectes avec le réel." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2016. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/238132.

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Cette thèse porte sur les récents succès du pragmatisme en architecture. Elle s’intéresse particulièrement aux moments où le terme ‘pragmatisme’ prend un sens philosophique, lorsqu’une alliance est établie avec le courant de pensée entamé par Peirce, James et Dewey à la fin du 19ème siècle. L’objectif est de considérer à nouveaux frais la manière dont le terme a été discuté quand le milieu (principalement nord-américain) de la théorie de l'architecture s’est mis à aspirer à « un nouveau pragmatisme architectural » dans les années 1990 et 2000. Certains architectes ont commencé à réclamer une refocalisation sur les aspects pratiques de l’architecture, face à une discipline qui était devenue très théorique, surtout du fait des récents succès de la théorie critique allemande et du structuralisme et poststructuralisme français. Ils se désintéressaient de ces influences théoriques difficiles et mettaient surtout en cause la forme discursive que l’architecture s’était mise à prendre. Ils défendaient un retour à la pratique, à son aspect expérimental, projectif. Ce mouvement a soulevé beaucoup d’objections de la part de penseurs qui craignaient que ce tournant pro-pratique, anti-théorique ou encore « post-critique » ne prive les architectes des garde-fous assurés par la distance critique et ne les mène tout droit dans les affres de l’instrumentalisme, de l’anti-intellectualisme, et surtout de la complicité avec le marché ou le pouvoir. Mes recherches explorent les rares occasions où une philosophie alternative – le Pragmatisme – a été introduite pour tempérer ce mouvement anti-théorie. Dans ce contexte, certains ont considéré le Pragmatisme comme une alternative américaine secourable pour succéder aux philosophies continentales. Malgré ces tentatives, le Pragmatisme est très rarement considéré comme une véritable alternative à la théorie critique, du point de vue de la posture politique qu’il engendrerait :ceux qui redoutent les conséquences de l’attitude désinvolte des post-critiques n’admettent pas que le Pragmatisme puisse offrir des formes différentes d’engagement politique et de responsabilités morales, qui soient plus ancrées dans la pratique, sans être pour autant moins exigeantes. La thèse s’empare de cet angle mort, de ce manque de confiance face aux promesses du Pragmatisme. Elle met en évidence les contributions qui ont choisi le Pragmatisme comme alternative à la critique ou du moins comme moyen de repenser les engagements des architectes à nouveaux frais, loin du réquisit de distanciation et d’autonomie imposé par la critique. La thèse prolonge encore cette exploration par un travail spéculatif, sous la forme de « et si ». Au travers d’une lecture approfondie des premiers pragmatistes, une série d’essais ponctuent la cartographie des récents succès du Pragmatisme en architecture, afin de penser – avec cette philosophie – l’engagement des architectes avec le réel.
Doctorat en Art de bâtir et urbanisme (Architecture)
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Reinecke, Volker. "Der Wiederholungsprozess und die mythologischen Tatsachen in Shellings Spätphilosophie : eine religionswissenschaftliche Studie unter der Voraussetzung des Verhältnisses der "Weltalter" zu der Abhandlung "Über die Gottheiten von Samothrake /." Rheinfelden : Schäuble, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb34981031n.

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Métaux, Sandra. "La désinvolture : Esthétique et éthique de l'art (de vivre) postmoderne. L'art contemporain italien au regard de la "Sprezzata desinvoltura" de Baldassar Castiglione." Thesis, Pau, 2012. http://www.theses.fr/2012PAUU1001/document.

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L’Italie, berceau de la sprezzata desinvoltura de Castiglione, est assurément le pays où l’ambiguïté des relations entre art, politique et images médiatiques est la plus forte. Le pavillon Italien des biennales de Venise de 2009 et 2011 illustre ce jeu complexe des apparences, qui « fait des mondes » ou « illumine des nations ». En relisant l’histoire de l’art à travers le prisme du concept de Castiglione, la thèse nous donne à voir que le monde (de l’art) est lui-même l’effet de l’ambivalence de cette désinvolture. Loin d’avoir assujetti l’art à leurs concepts, les grands hommes, qu’ils soient rois, philosophes ou hommes d’affaires seraient des effets de cette désinvolture de l’art. Comme Monsieur Jourdain, ils feraient de l’art sans le savoir. Exit Machiavel ! Il est aujourd’hui urgent de penser cette « ruse de l’art » qui mène le monde. Tel est l’enjeu fondamental de cette thèse qui, s’appuyant sur le schème nietzschéen de l’éternel retour, distingue plusieurs figures de la désinvolture, historiques, philosophiques et esthétiques
Italy, the cradle of Castiglione’s sprezzata desinvoltura, is undoubtedly the country where the ambiguous relationship between art, politics and media is the strongest. The Italian pavilion of the Venice Biennale in 2009 and 2011 illustrates the complex game of appearances, which are “making worlds" or "lighting up nations." Reading again the history of art through the prism of Castiglione’s concept, the thesis shows us that the world (of art) is itself the effect of this “disinvoltura” ambivalence. Far from having subjugate art to their concepts, the great men, whether kings, philosophers or businessmen are the effects of this casualness (“desinvoltura”) of art. Like Monsieur Jourdain, they would make art without knowing it. Exit Machiavelli! It is now urgent to think this "ruse of art" that leads the world. These are the fundamental stakes of this thesis, that basing itself on the Nietzschean eternal return schema, distinguishes several casualness figures, historical, philosophical and aesthetic

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Merzeau, Louise. "Du scripturaire à l'indiciel : texte, photographie, document." Phd thesis, Université de Nanterre - Paris X, 1993. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00490006.

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C'est avec l'apparition de la photographie que coïncident les premières fractures d'un ordre symbolique où se joue l'autorité médiologique du texte. Matrice et symptôme d'un paradigme indiciel qui modifie notre expérience de la présence, de la mémoire et de l'altérité, la photographie inaugure une nouvelle économie des traces, qui ne s'est pas seulement déployée en marge du scripturaire, mais aussi de l'intérieur.

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Milly, Julien. "Voir le seuil : les visages de la disparition." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030140.

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Comment voir le seuil ? Comment lui découvrir une plasticité tant il échappe, par définition, à toute limite, à toute certitude ? Lieu d’où émane une puissance de métamorphoses, le seuil ouvre l’image au déséquilibre et au vertige, créant une aire significative au regard d’une économie et des formes et du sens. La recherche met en évidence les différentes identités de l’entre (artistiques, esthétiques, dramatiques, etc. ), chacune en appelant à une dialectique qui relie aussi bien la présence à l’absence, la figure à la défiguration, que l’apparition à la disparition. Sont saisies, en conséquence, des organisations spécifiques de l’intermédiaire : d’une topographie du non lieu ou du hors lieu aux temporalités de l’entre, et jusqu’aux phénomènes d’identités seuil –et cela à travers des champs artistiques variés : de la peinture (Vermeer, La Tour, Rembrandt, Music, Velickovic) à la poésie (Bonnefoy, Jabès), de la photographie (Alain Fleischer, Jeff Wall) aux installations (Christian Boltanski) et au cinéma (Bergman, Antonioni, Sokurov, Rohmer, Haneke, Claire Denis). Des écritures filmiques contemporaines (Kiarostami, Lars von Trier, Wong Kar-Wai) précisent les caractéristiques actuelles d’une écriture du seuil, toujours attachée à une crise de l’identitaire et à un effondrement du visage. Perçu comme un « lieu » à part entière, le seuil dévoile ainsi sept fonctions, de même qu’il devient un outil heuristique pour penser l’image
How is the threshold to be seen? How can plasticity be discovered in it when it eludes, by definition, every limit, every certitude. As the locus of a potential source of metamorphoses, the threshold opens the image to disequilibrium and vertigo, creating a meaningfull space with regard to an economy and forms and meaning. Research demonstrates the different identities of the between (artistic, aesthetic, dramatic, etc), each of them appealing to a dialectic wich links presence to absence, figure to disfiguration, as well as appearance to disappearance. Specific organisations of the intermediate area are apprehended, ranging from topography of the threshold of the surrounding area to the temporalities of the between, and even the phenomena of threshold identities, via various artistic fields : from painting (Vermeer, La Tour, Rembrandt, Music,Velickovic) to poetry (Bonnefoy, Jabès), from photography (Alain Fleischer, Jeff Wall) to installations (Christian Boltanski) and to cinema (Bergman, Antonioni, Sokurov, Rohmer, Haneke, Claire Denis). Contemporary films style (Kiarostami, Lars von Trier, Wong Kar-Wai) highlight the contemporary characteristics of a filmic representation of the threshold that is always linked to an identity crisis and a disappearance of the face. Perceived as a “locus” in its own right, the threshold thus reveals seven functions, and also becomes a heuristc tool for thinking about the image

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Choi, Jung Min. "Signification historique et signification stylistique dans l'art contemporain : (de la légitimisation historique dans l'art contemporain)." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010685.

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Dans ce travail, nous avons deux termes principaux : l’histoire et le style, mais le but que nous voulons atteindre est la légitimation de l’art ou la légitimation de la création de notre époque appelée, «l’art contemporain». Si l’on présente autrement la question de la légitimation, c’est pour chercher un chemin dans cette situation confuse de l’art contemporain. Ce travail commence à partir de deux termes que mentionne le titre de la thèse. Et de même que l’on tricote un tissu, ces deux termes «le style» et «l’histoire» disposés horizontalement se croisent avec le problème de l’image disposé verticalement. Cela signifie que la recherche sur«l’histoire» et «le style» couvre les aspects philosophique et sociologique. Nous allons donc à la fois évoquer la discussion sur les problèmes du sens de style et de l’histoire à l’aide de la théorie de Danto et chercher le lien avec l’art plastique. Ce dernier sera réalisé à travers la recherche sur «l’image» de Hans Belting. Nous trouverons une similarité dans les étapes historiques analysées par A. Danto et le point de vue de H. Belting
In this study, we have two principal terms : history and style, but the goal which wewant to reach is the legitimation of art or the legitimation of the creation of ourtime called, “the contemporary art”. If the question of legitimation is differently presented, it is to look for a way in this confused situation of the contemporary art. This work starts from two terms which the title of the thesis mentions. And just asone knits a fabric, these two terms “the style” and “the history” horizontally laidout cross with the problem of the image laid out vertically. It means that the research on “the history” and “the style” covers the philosophical and sociologicalaspects. We thus at the same time will evoke the discussion on the problems of the direction of style and the history using the theory of Danto and will seek the link with the visual art. This last will be carried out through the research on “the image” of Hans Belting. We will find a similarity in the historical steps analyzed by A. Danto and the point of view of H. Belting

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Quillien, Jean. "Problématique, genèse et fondements anthropologiques de la théorie du langage de Guillaume de Humboldt jalons pour une nouvelle interprétation de la philosophie et de son histoire /." Lille 3 : ANRT, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37617770c.

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Droin, Nicolas. "Paysage et dépaysement dans l’œuvre de Michelangelo Antonioni : de "Blow Up" à "Identification d’une femme"." Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100175/document.

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L’œuvre d’Antonioni constitue un champ privilégié pour initier une étude du paysage dans l’art cinématographique. Notre étude se focalise sur le dépaysement cinématographique d’Antonioni, de Blow up (1966) à son retour en Italie avec Identification d’une femme (1982). Notre étude vise à marquer l’importance d’une conception mouvante et cinéplastique du paysage, intégrant la question du montage, du mouvement (de l’image et dans l’image), pour dégager les forces rythmiques, métamorphiques et plastiques de l’image-paysage au cinéma. A partir de ces forces, nous souhaitons ouvrir la question du paysage à l’aune de la notion de dépaysement. Le dépaysement constitue un matériau opérant pour penser l’image cinématographique, sa déterritorialisation, son mouvement. Dépayser le paysage entraîne chez Antonioni un dialogue avec l’Histoire de l’art qui implique de repenser les questions esthétiques majeures du XXème siècle (de l’abstraction à l’art informel, en passant par le Land Art et la performance) dans le champ d’une étude cinématographique. La question du dépaysement nécessite de proposer de nouveaux outils pour penser le paysage au cinéma. Nous proposons de nommer « entre-paysage » la constitution d’un paysage qui intègre les processus propres à l’image cinématographique dans sa plastique, en nous appuyant sur les notions d’intervalle et d’entre-image. Un « entre-paysage » cinématographique, tel qu’il est possible de le définir dans l’œuvre d’Antonioni, ouvre une mobilisation plastique de l’image-paysage qui nous permet d’interroger en retour la pratique artistique contemporaine
The work of Antonioni is a fertile field to study landscape in cinematographic art. This study focuses on Antonioni's cinematographic disorientation, from Blow up (1966) to its come-back in Italy with Identification of a woman (1982). My work aims at showing the importance of a changing and cineplastic vision of landscape which integrates the question of editing, motion (of image and inside the image itself), in order to highlight the rhythmic, metamorphic and plastic strenghts of the image-landscape in the cinema. Having shown these strenghts, I intend to interrogate the question of landscape from the notion of disorientation. Disorientation represents an operating materiel to think the cinematographic image, its deterritorialisation, its motion. Disorientating landscape in Antonioni's work leads to a dialogue with art history, which implies to rethink the major aesthethic questions of the 20th century (from abstraction to informal art, by Land-Art and performance) in the context of a cinematographic study. The question of disorientation requires new tools to rethink landscape in the cinema. I suggest to name « inter-landscape » the constitution of a landscape which integrates peculiar to image in its plastic processes relying on notions suchs as interval and inter-images. A cinematographic « inter-landscape », as can be define from the work of Antonioni, offers a plastic mobilisation of the image-landscape which allows to interrogate, in turn, contemporary artistic practice

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Nobilio, Fabien. "Le souffle de l'Esprit dans l'évangile de Jean: influences culturelles, art littéraire, visée initiatique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2008. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210574.

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Анотація:

A partir d’une lecture exégétique et philosophique de l’évangile et de textes qui ont pu l’influencer, notre dissertation vise à démontrer que, selon Jean, l’Esprit est la puissance qui permet au Christ de s’étendre dans l’espace et le temps par l’intermédiaire de l’écrit et du rite. D’un point de vue synchronique, en effet, tout se passe comme si l’Esprit (PNEUMA) actualisait l’œuvre du Christ pour ceux qui ne l’ont pas connu, d’une part à travers une initiation textuelle, celle de l’évangile lui-même, d’autre part à travers une initiation sacramentelle que le texte laisse entrevoir. D’un point de vue diachronique, notre recherche conclut que la pneumatologie du quatrième évangile emprunte librement à la cosmologie de Philon d’Alexandrie, à la théologie sacramentelle de Paul, voire aux réflexions sur l’inspiration menées dans d’autres pièces du corpus johannique. En ce qui concerne la pneumatologie de l’évangile, nous défendons donc la thèse de la cohérence, qui tient à un référent culturel commun, le moyen platonisme, et à un processus de réinterprétation des parties plus anciennes du texte dans les plus récentes.
Doctorat en Philosophie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Kageura, Ryohei. "Walter Benjamin et la sécularisation." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00712074.

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Cette thèse de doctorat fournit une lecture cohérente de la théorie de l'art et de la théorie politique de Walter Benjamin, et elle montre que son idée de sécularisation est décisive. Par la lecture de Critique de la violence, le premier chapitre clarifie la méta-physique du droit selon laquelle dans la modernité, le droit est dialectiquement produit par la violence. Cette production s'appuie sur la sacralisation de la vie en tant que transfert du théologique dans la politique. Ce que veut Benjamin est la rupture de la dialectique de droit et de violence. Il clarifie que toute violence est hantée par sa dissolution lors de son exercice. Le second chapitre clarifie l'indissociabilité de la question du droit et de la question de l'art ou du langage chez Benjamin : dans la modernité, le langage ou l'œuvre d'art devient indissociable de la connaissance, laquelle est le jugement selon une loi extérieure. En refusant la sacralisation romantique de l'œuvre d'art, Benjamin trouve dans le Trauerspiel ce qui finit la dialectique du droit et de la violence. La sécularisation est alors redéfini comme l'exclusion absolue du théologique de la politique. Le troisième chapitre clarifie la vue de Benjamin sur le double mouvement de la modernité : le transfert du théologique dans la politique et l'exclusion du théologique de la politique. Ce que clarifie Benjamin est que l'œuvre d'art moderne est de nature à favoriser cette exclusion et à rendre le transcendant à sa place transcendante. La postmodernité sans le transcendant permet de rencontrer avec le transcendant en tant que l'autre.

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Bouté, Gérard. "Transparent, translucide, opaque : place du regard dans l'ordre pictural société, imaginaire." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080942.

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Quelle est la natrue du regard que posent sur le tableau le peintre et le spectateur? quelles sont les qualites propres a la peinture susceptibles d'en faire une oeuvre d'art? cet essai tente d'elaborer cette problematique et d'y repondre, en formulant l'hypothese qu'un desir inconscient, faconne par l'imaginaire social, determine le regard, conditionne la qualite de l'espace pictural et lui confere son pouvoir specifique. Dans une premiere partie, il s'agit de questionner la theorie lacanienne du regard, puis de conceptualiser trois instances : transparent, translucide, opaque comme ordonnatrices du champ pictural. Quels sont leurs roles? les categories du regard sont ensuite differenciees, analysees et les acteurs plastiques propres a l'oeuvre definis. Ces outils conceptuels sont mis a l'epreuve dans une seconde partie. Selon cette these, le translucide - "voile" ne a la renaissance - est l'une des instances qui symbolisent la loi dans l7espace pictural. Sans la reconnaissance de cette loi par l'artiste, sans le desir aussi de la subvertir, la peinture echappe a son pouvoir propre. Il semblerait que le translucide ait commence a disparaitre avec l'impressionnisme et qu'il ait completement cesse d'exister dans une partie de l'art contemporain. Quelles en sont les consequences? la peinture serait-elle conduite ainsi hors de l'art, non plus comme plus comme satisfaction substitutive d'un desir impossible a satisfaire dans la realite mais comme la satisfaction d'un besoin?
What nature of look do the artist and the beholder cast upon the picture? what are the qualities inherent in a painting that make a work of art? this essay attempts to analyse these questions and offer some answers based on the theory that an inconscious desire, shaped by social imaginary dimensions, predetermines the look, conditions the quality of the pictural environment and conveys its specific power. The first part of the essay questions lacan's theory of the look, then introduces three governing media - transparent, translucent, opaque - as controllers of the pictural framework. What roles do they play? the families of look are then differentiated and analysed, and the plastic ators specific to the work of art are defined. These conceptual tools are tested in the second part of the essay. According to this thesis, translucent - the "veil" created by the renaissance - is one of the governing media which symbolise the law within the pictural environment. If the artist does not recognise this law, if he doe not also try to subvert it, the painting will escape from his control. It would seem that the translucent starded to disappear with the immpressionist and that it has completely. Ceased to exist in a part of contemporary art

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Pacquet, Clara. "Signature et achevé en soi : esthétique, psychologie et anthropologie chez Karl Philipp Moritz (1756-1793)." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0001.

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Les écrits sur l'art de Moritz sont travaillés par une tension essentielle : d'une part, l'œuvre d'art y est pensée comme « un achevé en soi », c'est-à-dire comme un tout autonome, animé d'une finalité interne, d'autre part Moritz décrit et comprend l'œuvre d'art, ainsi que les rapports entre art et nature, œuvre et spectateur, à travers la métaphore de la trace, de l'empreinte ou de la signature, autant de signes donc, d'une incomplétude, d'une nature fragmentaire qui serait propre à l'œuvre d'art et aux relations qu'elle entretient avec l'extérieur, son créateur, son modèle et ses destinataires. Grâce à cette définition de l'œuvre d'art, Moritz fait dialoguer le spectateur et l'artiste en rassemblant une esthétique de la création et de la réception sur le terrain de l'interprétation
Moritz's writings on art are characterised by an essentiel tension : on the one hand, the work of art is considered to be "ein in sich selbst Vollendete", a self dependent whole, wich possesses an entirely internal purposiveness ; on the other hand, Moritz describes and understands the work of art - as well as the relationships between art and nature, work of art and beholder - through the metaphor of the trace, the imprit or the signature : All signs denote nothing but incompleteness. On the basis of this comprehension of the work of art Moritz establishes a dialogue between the beholder and the artist conjoining creation and reception on the field of interpretation

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Elalouf, Jérémie. "Arts, schématisme et conceptions du monde : le cas de la perspective : Philippe Descola, Erwin Panofsky, Ernst Cassirer, Robert Klein." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H316/document.

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Au XXe siècle, le problème de l’illusionnisme perspectif a posé d’importantes difficultés théoriques aux historien d’arts. En effet, la compréhension de la perspective induit une conception de l’histoire de l’art. Si la perspective est conforme à la perception, alors l’art peut être objectif et son histoire participe de l’histoire des sciences. En revanche, si la perspective n’est pas conforme à la perception, alors l’art, dans son histoire, ne peut être compris comme une quête de l’objectivité. Dans ce cas, deux autres questions se posent : comment penser le rapport entre art et rationalité, et comment définir la visée de l’art? Le premier problème appelle une réflexion sur le concept de schématisme, le second une réflexion sur le rapport entre l’art et les conceptions du monde. La Perspective comme forme symbolique, d’Erwin Panofsky, est le premier texte à avoir proposé une réponse générale à ces questions. Le concept de forme symbolique, emprunté à Ernst Cassirer, lui a permis de considérer la perspective comme une forme culturelle, et de mettre au second plan la question de l’objectivité. Cette position est à l’origine d’intenses polémiques, que les débats historiographiques ne sont pas parvenus à résoudre. En confrontant les travaux de Panofsky à ceux de Philippe Descola et de Ernst Cassirer, cette thèse explicite d’abord les attendus théoriques inhérents au rapport entre forme symbolique, schématisme et conceptions du monde. Elle propose ensuite une analyse des controverses liées à la perspective et met en valeur la pensée de Robert Klein. Cette pensée travaille la phénoménologie et amène à une conception de l’histoire différente de celle proposée par Panofsky
During the 20th century, perspective illusionism caused significant theoretical issues to art historians. That is because an understanding of perspective leads to a conception of art history. If perspective is true to visual perception, then art can be objective and its history is related to the history of sciences. On the other hand, if perspective is not true to visual perception, then art, in its own historical development, cannot be understood as a quest for objectivity. In this case, two further issues arise: how to conceive the relationship between art and rationality, and how to define the purpose of art? The first problem requires a reflection on the concept of schematism, the second a reflection on the relationship between art and different worldviews. Erwin Panofsky’s essay, Perspective as a Symbolic Form, was the first text to provide a comprehensive answer to these questions. The concept of symbolic form, borrowed from Ernst Cassirer philosophy, allowed him to consider perspective mainly as a cultural form, thus overlooking the issue of objectivity. This position has led to numerous controversies, which have not been overcome by historiographical discussions. By comparing Panofsky’s work with those of Philippe Descola and Ernst Cassirer, this thesis first clarifies the theoretical prerequisites for the relationship between symbolic form, schematism and worldviews. It then provides an analysis of several historiographical controversies and underscores the thinking of Robert Klein. His approach tackles phenomenology and leads to a different conception of history than the one proposed by Panofsky to overcome the issues raised by perspective

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Bert, Mathilde. "Lectures, réécritures et peintures à partir de Pline l'Ancien : la réception de l'"Histoire naturelle" en Italie, de Pétrarque à Vasari." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010624.

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L'étude examine la façon dont les informations que Pline l'Ancien livre sur la peinture antique dans son Histoire naturelle ont été perçues et exploitées dans l'Italie de la Renaissance, depuis Pétrarque (v. 1350) jusqu'à la seconde édition des "Vies" de Vasari (1568). Elle montre que les échos de Pline observables dans les textes et les œuvres constituent des clés pour comprendre les enjeux artistiques, théoriques et sociaux inhérents aux pratiques picturales de l'époque. Pour mener à bien cette enquête, plusieurs types de sources et d'éclairages ont été mis à contribution. Sont d'abord examinées les données propres à la transmission éditoriale de "l'Histoire naturelle". Le recours à Pline est ensuite abordé dans la littérature artistique et dans la pratique picturale. Enfin, l'émulation d'Apelle est considérée dans la pratique artistique à travers l'étude de la signature formulée à l'imparfait. Il s'agit en effet d'une façon de signer que Pline attribue au peintre grec et que les artistes de la Renaissance vont adopter à partir de la fin du XVe siècle. Outre de larges développements consacrés à Pétrarque, Alberti, Ghiberti, Castiglione, Pino, Dolce et Vasari, l'étude aborde également les échos pliniens présents chez de nombreux artistes et humanistes. Ainsi, l'enquête souligne la diversification des formes et des fonctions de l'emprunt à Pline, tout comme ses principaux accents, à savoir la valorisation culturelle et sociale de la peinture et la réflexion sur les genres et les styles picturaux (portrait, paysage, nu féminin, querelle du "disegno" et du "colorito" , "paragone" des arts).

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Giolito, Christophe. "Histoires de la philosophie avec Martial Guéroult /." Paris ; Montréal : l'Harmattan, 1999. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb370389998.

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Aubry, Hélène. "Postmodernité et bouddhisme zen japonais : d'une sémiotique de lieux, le cas du jardin sec Ryôan-ji." Doctoral thesis, Université Laval, 1991. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33546.

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Les phénomènes de polysémie et de transcodage des corpus culturels établissent une structure d'argumentation dialectique. Le transculturel et le transhistorique deviennent là des axes centraux dans l'application du pragmaticisme des systèmes en expansion et dans la coexistence des métadiscours actuels et anciens. Le criticisme du métasavoir sur la pluralité des dispositifs hypertextuels permet ainsi une double lecture, celle de la postmodernité et celle de la proto-philosophie bouddhique. De là, on convient d'une réversibilité historique, du structuralisme et du post-structuralisme comme lieux d'une confrontation de la fonction critique des modèles textuels. La postmodernité (fin des années 60 et début des années 70) indique alors, par la mise en place d'une prolifération des figures-discours, le statut des actes langagiers par rapport à une homologie des styles et des genres. On y note un questionnement soutenu des assises d'une grammaire visuelle pluraliste dont, entre autres, un arrêt sur le concept de champ élargi dans les discours critiques de R. Krauss sur l'installation. En fait, les définitions d'une syntaxe du lieu et de la praxis du landscape-gardener seraient comme les deux pôles d'une économie esthétique au fondement même de cette praxis installative.
Les conditions particulières du transhistorique réalisent encore une forme de consensus de l'historia entre les passages de frontière d'un tel corpus historique pluraliste et des séquences d'argumentation, dont notamment l'inclusion de modèles stratégiques. D'où l'intégration possible des champs de la postmodernité et de la proto-philosophie bouddhique japonaise, qui rejoignent un processus de montage et de démontage des ruines textuelles, en regard d'une dialectique opératoire de conformité et de non-conformité du sens. L'histoire du code, la protophilosophie et l'esthétique bouddhiques zen japonaises entre les 12e et 15e siècles, supposent ainsi une rhétorique et un métalangage dont les règles du savoir véhiculent des paramètres langagiers paradoxaux. Les kôans évoquent à cet égard un encodage communicationnel du texte qui exige une réceptivité de l'entendement hétérodoxe d'après les modèles langagiers performatifs. L'analyse du métasystème bouddhique japonais permet alors une validation critique des corpus textuels afin d'établir une spéculation hypothétique quant aux agrégats interprétatifs.
Le corpus textuel de cette recherche vise principalement les positions de Toshihiko Izutsu, Abe Masao, Martin Colcutt, Hebert V. Guenter, Chung-Ying Cheng, Philip Yampolsky, Robert D. Baird, Tom J.F. Tillemans; ainsi que celles de certains philosophes tels que Nishida Kitaro, Hisamatsu Shin'ichi, Hajime Nakamura, Jacques Masui, T.P. Kasulis, Sung Bae Park, David Appelbaum, et David E. Shaner. Dans ce contexte d'érudition, les approches méthodologiques et théoriques de Roland Barthes, Julia Kristeva, Linnart Mail, Ryôji Nakamura, René de Ceccaty et Gilles Deleuze sont aussi prises en considération comme valeurs d'interprétation de certaines problématiques soulevées en cours d'analyse.
En outre, l'étude d'un concept, celui de vide par exemple, soit le sunyata, réfère tant aux discussions sur la valeur symbolique du dispositif zérologique en psychanalyse, qu'à la mise en forme d'un espace de non représentation. Car dans l'état de crise actuelle du discours occidental, le statut même du silence comme de l'éthique remet en cause la conception du logocentrisme européen. En sémiotique des lieux, l'étude du jardin sec, le Ryôan-ji, serait en conséquence un tel recoupement synthétique de la tradition du système esthético-philosophique bouddhique zen japonais et des théories postmodernes. Cette grammaire in situ intervient sur des praxis actuelles en histoire de l'art: soit, a priori, sur les postulats du musicologue Daniel Charles dans ses «Gloses sur le Ryôan-ji» et au niveau du corpus critique sur l'oeuvre de John Cage.
C'est dans ce contexte que la philosophie cosmogonique et l'oeuvre «Atlas Eclipticalis» de Cage se définissent sémiotiquement avec le structuralisme, une logique triadique et une architecture des théories du jardin, ainsi qu'une application du corpus peircéen sur la trichotomie du signe. Là, un archétype topologique, le ma (1'espace-temps), permet de circonscrire les paramètres discursifs et cognitifs clés actualisés par l'architecte d'avant-garde, Arata Isozaki. Dans le modèle du jardin Ryôan-ji plus particulièrement, le fondement des propriétés cosmologiques comme valeur hypothétique du lieu architectural, concernerait dès lors hic et nunc les relations céleste/terrestre, diurne/nocturne, dans la redéfinition pragmatique d'une grammaire in situ.
Montréal Trigonix inc. 2018

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Hoquet, Thierry. "Buffon : histoire naturelle et philosophie." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100176.

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L'Histoire naturelle de Buffon réorganise les quatre composantes classiques des systèmes de philosophie (logique, physique, morale, métaphysique). Elle développe une logique de la comparaison et une ontologie de la relation, s'opposant aux classifications linnéennes et aux physiques mathématiques. Elle constitue une physique systématique et hypothétique, et non une simple histoire-collection d'esprit baconien. Cette physique bannit la curiosité et entend connaître les lois de la Nature comprises comme effets généraux. Buffon étudie trois problèmes classiques (Histoire et Théorie de la Terre, Formation des planètes, Théorie de la génération), où sa méthode procède par observations, inductions, et analogies. Cette physique exclut la morale des causes finales au profit des causes efficientes et secondes. Elle réélabore plusieurs concepts des théologies naturelles providentialistes (lois statistiques, circulation, monuments de la Nature). Enfin, Buffon présente une nouvelle métaphysique, qui décrit l'âme et le corps par la comparaison de leurs rapports. Ainsi, l'histoire naturelle occupe la place naguère occupée par la philosophie
Buffon's natural history offers an important revision of the four principal philosophical disciplines, namely: logic, physics, ethics and metaphysics. Buffon's work is based in a logic of comparison. Buffon is opposed to Linnean classification methods and he rejects the application of mathematics to the study of physics. The work constitutes a systematic and hypothetical physics, in no way reducible to the baconian method which depends on a more historical collection of data or facts. Buffon's physics, moreover, condemns vain curiosity and speculation, aiming instead at the discovery of general effects, such as the laves of nature. Observation, induction and analogy are the key methods Buffon relies on for his investigations. Buffon's physics, furthermore, refutes the validity of moral considerations and denies the importance of final causes or ends. Buffon, additionally, seeks to forge the way for a new metaphysics, describing the body and soul through mutual comparison. It is in these ways, among others, that Buffon redefines the four elements of philosophy

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Guerrero, Victoria. "Roberto Matta Echaurren : sa période new-yorkaise, 1938-1948." Master's thesis, Université Laval, 1993. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33527.

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Анотація:

Par l'analyse des tableaux et de sa propre théorie de 1938 à 1948 nous proposons une nouvelle exégèse de l'oeuvre de Roberto Matta Echaurren. Cette période se déroule principalement à New York devenue la nouvelle capitale de l'art. Un contexte particulier d'inquietude par rapport au destin de l'humanité et à la fois d'une grande prospérité économique précisaient les bases de la grande période de l'École de NewYork. Les écrits des notables critiques d'art de l'époque et le passage brusque à une nouvelle iconographie, de la part de Matta, nous montrent deux manifestations opposées de l'art. D'une part, une esthétique d'autosatisfaction et de l'autre, l'art engagé.
Montréal Trigonix inc. 2018

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Depew, Michael Lee. "The Tension between Art and Science in Historical Writing." Digital Commons @ East Tennessee State University, 2005. https://dc.etsu.edu/etd/1057.

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Анотація:

A perennial question in the philosophy of history is whether history is a science or an art. This thesis contests that this question constitutes a false dichotomy, limiting the discussion in such a way as to exclude other possibilities of understanding the nature of the historical task. The speculative philosophies of Augustine, Kant, and Marx; the critical philosophies of Ranke, Comte along with the later positivist, and the historical idealist such as Collingwood will be surveyed. History is then examined along side art to discuss not only the similarities but, the differences. Major similarities—narrative presentation, emplotation, and the selective nature of historical evidence—between history and fiction are critiqued. A word study of the Greek word ίστοριά will show the essential difference between history and literature. The essential nature of the historical task can best be revealed in the differences between history and art.

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50

Golden, Lauren. "An historical enquiry concerning the imagination in philosophy, art history and evolutionary theory." Thesis, University of East Anglia, 2001. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.249433.

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Дисертації з теми "Art (histoire de, philosophie de)"

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