Добірка наукової літератури з теми "Avant-garde (esthétique) – États-Unis"

La problématique de la peinture américaine dans son évolution entre les années 60 et 80, telle que la pratique picturale la reflète, définit le sujet de cette étude. Le plan en deux parties éclaire le processus d'enchainement chronologique d'une mutation de l'art qui, avec l'apport des sciences humaines et la méfiance généralisée vis à vis de l'idéalisme, est passé de la conception essentialiste du modernisme (1ère partie) à celle de la post avant-garde (2eme partie), moins préoccupée de la nature de l'art que de sa fonction. La mythologie choisie consiste à soumettre l'interprétation "profonde" à la caution donnée par la description analytique, non exhaustive mais significative, des oeuvres prises dans leur émergence chronologique. L'étude des mouvements et des tendances est dissociée de celle des peintres qui s'y rattache de façon à préserver l'équilibre entre le substrat théorique des oeuvres et leur valeur expressive. Cette analyse veut rendre compte de ce moment de l'art américain ou le besoin d'harmonie a cédé la place à une approche scientifique plus complexe mais potentiellement créatrice qui reflète la dualité de l'homme entre spiritualisme et matérialisme
The subject of this study is the issue of the evolution of american painting between the 60s and 80s in light of its pictorial practice. The work, in two parts, explains the sequence of events leading to the drastic upheaval of art at this time. It explains how the contributions of science and a general distrust of idealism transfer us from the essentialist concept of modernism (part i) to that of post-avant-garde (part ii) which is less preoccupied with the nature of art than with its function. Because american painting has played a major role in this evolution, the study tends to evaluate the influence of the singularity of american thought during this process. The method chosen for this evaluation consists of collating the analytic description of the works with the "deep" interpretation. This method is by no means exhaustive but is nevertheless significant. The analysis of the various movements and tendancies in this period is removed from the artists themselves so as to preserve a balance between the theoretical substrata of the works and that of their expressive value. This study would like to submit this epoch in american art, where the need for harmony has given way to a more complex yet potentially creative scientific approach, as the reflexion of the dualism of human nature; that of spirituality and materialism

Cette thèse traite des relations entre la masculinité de l'artiste et la culture de masse dans le contexte de l'avant-garde des années 1910. Les artistes européens, exilés à New York en raison de la guerre, font l'expérience d'une modernité industrielle, sociale et sexuelle qui les conduit à remettre en cause leur propre identité artistique. Marcel Duchamp a donné à cette crise son expression la plus radicale, dans un contexte dominé par le bouleversement des anciens paradigmes sexuels et la montée en puissance du capitalisme industriel. La mécanisation du travail, le développement de la consommation de masse et les modifications de la condition féminine affectent fortement l'avant-garde de ces années-là et conditionnent les différentes stratégies adoptées par les artistes dans la redéfinition de leur masculinité
This dissertation focuses on the relationship between the artist's masculinity and mass-culture in the context of the 1910s avant-garde. Exiled in New York because of the war, several European artists, experienced an industrial, sexual and social modernity that led them to call into question their own identity as artists. Marcel Dchamp gave his most radical expression to this artistic crisis in a context dominated by the upheaval of the old sexual paradigms and the rise of industrial capitalism. The mechanization of labor, the development of mass- consumerism and the transformations in the condition of women strongly affected the avant-garde of the years and determined various strategies adopted by the artists in order to redefine their masculinity

A la fin des années 1970, une profonde mutation historiographique est en jeu dans le monde de l'art occidental. La crise des avant-gardes apparaît comme le symptôme d'une crise idéologique générale. Une nouvelle ère est annoncée: elle serait postmoderne. Dans ce contexte de perte de repères, l'histoire de l'art du XXe siècle devient l'objet de multiples réévaluations. Critiques, historiens, commissaires d'expositions et artistes remettent en cause les récits qui avaient jusqu'alors prévalu. Au modèle linéaire et téléologique imposé par les avant-gardes veut être substitué un discours plus inclusif. Le modernisme de Clément Greenberg, qui voyait dans l' art abstrait la quintessence de la modernité, est pris pour cible. L'histoire de l'art abstrait est alors profondément remaniée, en France et aux Etats-Unis. Toutefois, comme par le passé, les nouvelles pistes esquissées sont conditionnées par les enjeux propres à la décennie - d'ordre théorique, mais également économique et politique

Cette monographie sur l’œuvre théâtrale de Charles Ludlam (1943-1987), dramaturge, comédien, metteur en scène et directeur de la Ridicoulous Theatrical Company (1967-1987) à new york, s’attache à mettre en valeur le fonctionnement poétique des pièces. A partir de l’étude de la réception, des archives et des commentaires de Ludlam, et surtout, des pièces elles-mêmes, il s’agit de réexaminer la validité des jugements critiques portés sur l’œuvre, qui n’a pas fait l’objet de réévaluation sérieuse depuis le contexte immédiat de la création des pièces. Prenant nos distances avec les classifications habituelles du dramaturge (théâtre gay, théâtre de divertissement, théâtre parodique), nous montrons que la compréhension de l’œuvre de Ludlam ne peut avoir lieu sans une confrontation à la tradition de la pensée du théâtre occidental. Ludlam entretient ainsi un rapport ambigu et ambivalent au milieu de l’avant-garde dans lequel il s’inscrit, qui explique en partie les contresens dont il a été victime
This monograph on the theatrical works of Charles Ludlam (1943-1987), playwright, actor, director and founder of the Ridiculous Theatrical Company (1967-1987) in New York City, aimes at exploring the poetic underpinnings of the plays. Based on the study of the works’ reception, of Ludlam’s archive an down commentaries, and above all, of the plays per se, our purpose was ton reexamine the validity of the critical judgements on works which have note been seriously reconsidered since their original opening. Distancing ourselves from the usual labels attached to the playwright (gay theatre, entertainment, parody) we show that any real understanding of Ludlam ought to rely on an confrontation with the tradition of and reflection on western theatre practices. Ludlam thus enjoyed an ambiguous and ambibalent relationship with the avant-garde milieu of which he was part, which accounts in part for the misundersandings to which his work has fallen prey

Cette étude analyse les évolutions pratiques et institutionnelles de la photographie d'art aux États-Unis, depuis l'ouverture de la Julien Levy Gallery (1931) jusqu'à la nomination de Steichen à la direction du Département de photographie du MoMA (NY, 1947). Elles permettent d'observer l'existence de conceptions multiples de la modernité photographique qui révèlent, tant dans leurs aspects formels que théoriques, des compréhensions diverses du rôle social du photographe dans une société en crise, en dehors de la pratique documentaire engagée. Si cette période est marquée par une prédilection pour l'approche photographique non manipulée (straight photography), on observe néanmoins une richesse d'expérimentations, qui démontrent l'influence des avant-gardes européennes. Le premier chapitre est consacré aux phénomènes de récupération ou de rejet de ces courants et du Pictorialisme par J. Levy, B. Newhall, A. Adams et A. H. Barr Jr. , avant la création du Département de photographie du MoMA (1931-1937). Le second traite du basculement du concept d' « art» photographique vers ceux de communication visuelle et de créativité populaire (\937-1947), d'abord à l'appui d'une analyse de l'art publicitaire au New Bauhaus de Chicago et au sein de la direction artistique de la Container Corporation of America, puis au moyen d'une étude des politiques d'exposition de B. Et N. Newhall et A. Adams au MoMA. Le dernier chapitre (1931 - 1 947) est consacré à un ensemble de propositions critiques de la modernité et résistant à l'approche artistique straight promue pendant les premières années de son institutionnalisation (W. Mortensen, W. Connell, B. Morgan, C. 1. Laughlin, F. Sommer, E. Weston).

Cette thèse analyse une série d'« histoires de l'art moderne» diffusées en France de 1900 à 1960 comme un « hypertexte» dont les mutations ne se comprennent qu'à la lumière des reconfigurations politiques d'une même question, à savoir la forme de la communauté qu'ils tentent de définir. Entre la nation et l'Europe, le peuple et les élites, les « ethnies» et les « races», ces « histoires» établissent jusqu'à la Seconde Guerre mondiale des liens complexes, et des distinctions tranchées. Le modèle organiciste testé par la III e République vers 1900 puis au Salon d'Automne structure durant trois décennies un récit qui, selon le cas, se réfère à la psychologie des peuples ou privilégie l'activité créatrice d’une élite, héritière, selon l'Action française, d'un Occident latin. Le modèle impérialiste de l'Europe française chère aux maurrassiens coexiste à la fin des années 1920 avec un récit mettant l'accent sur les caractéristiques « ethniques» de chaque « peuple européen ». Au début des années 1930; enfin, le mythe politique d'un Occident latin cède le pas à la vision biologique d'une Europe latine composée de groupes ethniques appartenant au même « type racial ». Une nouvelle « histoire de l'art» diffuse bientôt les mêmes mots d'ordre que les divers fascismes européens. L'« histoire de l'art moderne », centrée sur des avant-gardes internationales exprimant les valeurs du monde libre, que des groupes américains et européens tentèrent d'imposer au début des années 1950, ne pouvait dès lors qu'entrer en conflit avec les représentations de la nation mais aussi celles d'une Europe supranationale, ethno-raciale, qui avaient dominé l'entre-deux-guerres
This thesis studies a series of « histories of modern art », which circulated in France between 1900 and 1960, as a « hypertext» whose transformations can be understood as political reinterpretations of the same question, that is the form of the community they« describe ». Thus in the first half of the XX th Century, those narratives establish complex relations, and sharp distinctions, between «nation» and «Europe », «people» and «elites », «ethnic groups» and «races ». The organicist model the Third Republic favoured around 1900 and which triumphed al the Salon d'Automne would structure during three decades a narrative which referred either to the so-called psychology of the peoples or to the creative power of an elite, which according to the Action française, would save a Western Civilisation rooted in a Latin tradition. At the end of 1920s, the imperialist model of a « French Europe », dear to the maurrassians, coexisted with a narrative stressing the ethnic caracteristics of each « Europeân people ». Ln the early 30s, the political myth of a Latin Civilisation was at last dispeIIed in favour of the biological conception of a « Latin Europe » composed of ethnie groups belonging to the same « racial type ». A new « history of art» was designed to spread ideas similar to those of the diverse European fascisms. The «history of modern art », focused on international avant-gardes expressing the values of the « free world », that American and European groups tried to impose in the early 1950s, would then conflict not only with nationalist representations but also with the supranational, ethno-racial, « European » models of the interwar period