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Готові списки джерел за темами / Éthique et arts du spectacle

Добірка наукової літератури з теми "Éthique et arts du spectacle"

Автор: Grafiati

Опубліковано: 22 червня 2023

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Зміст

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Книги
Частини книг

Статті в журналах з теми "Éthique et arts du spectacle":

1

Moulard-Delhaye, Estelle, Amandine Pilaudeau, Marion Guilloux, and Justin Winzenrieth. "Éthique et spectacle vivant." Revue française d'éthique appliquée N° 2, no. 2 (2016): 139. http://dx.doi.org/10.3917/rfeap.002.0139.

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2

Gibson, Timothy A. "La ville et le « spectacle »." Sociologie et sociétés 37, no. 1 (February 24, 2006): 171–95. http://dx.doi.org/10.7202/012282ar.

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Анотація:

Résumé Depuis un certain temps, le concept de « spectacle urbain » occupe une place centrale dans les études portant sur l’urbanisation postfordiste, mais ne fait pas l’objet d’un examen sérieux de leur part. En commençant préalablement par une courte revue de la théorie du spectacle de Guy Debord, cet article propose d’examiner comment le « spectacle urbain » a été utilisé pour analyser trois aspects émergents de la vie urbaine contemporaine : (1) la poursuite du redéveloppement spectaculaire, afin de projeter des images de vitalité urbaine au sein du marché international ; (2) la construction de nouveaux environnements spectaculaires pour une consommation « haut de gamme » et des loisirs ; et (3) ces épisodes de vie urbaine interrompus par la résistance spectaculaire. Enfin, la toute dernière section aborde la manière dont les chercheurs utilisent cette notion de « spectacle urbain » pour réduire l’ensemble de la critique politico-éthique à la ville spectaculaire, et conclut avec une proposition sur son usage futur.

3

Knee, Philip. "Agir sur les coeurs : spectacle et duplicité chez Rousseau." Articles 14, no. 2 (July 26, 2007): 229–327. http://dx.doi.org/10.7202/027015ar.

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Анотація:

RÉSUMÉ Le caractère complexe de la notion d'« opinion » chez Rousseau, qui est à la fois une soumission à l'estime des autres et un levier indispensable pour toute réforme des moeurs, est la base d'une discussion des enjeux de l'action qu'il prône sur les coeurs des hommes : d'abord par l'évocation de quelques thèmes de la Lettre à d'Alembert qui tente de définir les difficultés de cet « art » ; ensuite au niveau de l'action positive des grands réformateurs : le Législateur, le gouverneur d'Emile et surtout Wolmar dont l'échec dans La Nouvelle Héloïse jette un éclairage décisif sur l'ensemble de la démarche éthique de Rousseau.

4

Meyer, Christian, and Jean Jacquot. "Arts du Spectacle et histoire des idées." Revue de musicologie 71, no. 1/2 (1985): 195. http://dx.doi.org/10.2307/928605.

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5

Aubert, Laurent. "Du « bon usage » des musiques du monde. Questions sur une éthique de la diversité culturelle." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 11, no. 1-2 (November 21, 2018): 21–29. http://dx.doi.org/10.7202/1054020ar.

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Анотація:

L’ethnomusicologie a longtemps abordé les musiques du monde selon une perspective essentialiste dont on trouve les prémisses chez Platon. Mais force est de constater que les musiques de l’oralité font actuellement l’objet de transformations aussi rapides et radicales que les sociétés dont elles émanent. Certaines sont en train de disparaître, tandis que d’autres sont confrontées aux défis de la mondialisation et en particulier aux divers processus de métropolisation, d’interculturalité et de mise en spectacle qu’elle implique. Face à cette situation, un courant de patrimonialisation visant à la sauvegarde de pratiques musicales menacées se développe, notamment sous l’égide d’organisations comme l’UNESCO. Entre les deux pôles que représentent aujourd’hui l’« ethnomusicologie d’urgence » et l’ethnomusicologyof change, cet article propose quelques réflexions sur les nouveaux enjeux auxquels est soumise la discipline et les questions déontologiques qui en résultent pour le chercheur.

6

Oktapoda, Efstratia. "Éthique et Rupture Bouraouıënnes by Abderrahman Beggar." French Forum 42, no. 1 (2017): 167–69. http://dx.doi.org/10.1353/frf.2017.0019.

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7

Laks, Zoë Anne. "Excavating Animal Planet’s Lost Tapes: The Unruly Images of a Posthuman Counter-Archive." Canadian Journal of Film Studies 32, no. 1 (June 1, 2023): 61–86. http://dx.doi.org/10.3138/cjfs-2021-0040.

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Анотація:

Résumé : Cet article explore le point où la cryptozoologie, les études archivistiques et la recherche en éthique animale se rencontrent, pour tâcher de révéler le potentiel théorique de l’image animale soi-disant « rétive ». Relisant attentivement les épisodes de Lost Tapes, série de documenteurs présentée par la chaine Animal Planet (2008–2010), l’article soutient que les images d’animaux résistent aux modes archivistiques de l’utilisation (ou de la réutilisation) et de l’appropriation parce qu’elles résistent à l’activation archivistique. Par leur caractère obstinément factuel, ces images refusent l’appropriation métaphorique pour devenir des chimères animales – elles refusent de représenter davantage que ce qu’elles sont. En tant qu’images d’archives demeurant inertes et immuables, ces images indisciplinées s’opposent aux impulsions archivistiques, tant instrumentales qu’anthropocentriques, et ouvrent, en définitive, une voie vers l’évaluation de la fonction et du potentiel théorique d’une contrearchive posthumaine. Dans cette perspective, les matériaux archivés conservent une relation éthique avec leurs homologues du monde réel, vivants et morts, selon une éthique plus large du soin et de la responsabilité archivistiques.

8

Escande, Yolaine. "Authenticité, esthétique et éthique dans les arts visuels chinois." Noesis, no. 22-23 (June 1, 2014): 219–35. http://dx.doi.org/10.4000/noesis.1903.

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9

Brise, Pauline. "Mélusine 34 (2014). Le surréalisme et les arts du spectacle. Dir. Sophie Bastien et Henri Béhar." Voix Plurielles 12, no. 1 (May 6, 2015): 445–46. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v12i1.1215.

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10

Repertório, Teatro &. Dança Periódico. "Savoirs de la représentation et représentations du savoir [André Helbo]." REPERTÓRIO, no. 12 (July 20, 2012): 21. http://dx.doi.org/10.9771/r.v0i12.4340.

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Анотація:

Partcipant actif du débat espistémologique autourdes arts du spectacle, l'auteur présente un historique de lasémiologie du spectacle et de l'ethnoscénologie, tout endémontrant leurs dissemblances et proximités, pour en concluresur la necessité d'aprrofondissemnt du débat.

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Дисертації з теми "Éthique et arts du spectacle":

1

Gucciardo, Alfonso Gianluca. "La médecine des arts du spectacle vivant : Histoire, diffusion internationale, pensée, éthique et pratiques." Electronic Thesis or Diss., Montpellier 3, 2022. https://ged.scdi-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2022MON30057.

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Анотація:

Notre travail a pour objectif de traiter de la médecine des arts de la scène, et plus largement de la médecine des arts du spectacle vivant. En Europe et dans le monde, ce domaine médical n'est en effet pas toujours connu, compris, organisé ou reconnu. À partir d'une discussion sur la signification philosophique et épistémologique de ce sujet, et en nous appuyant sur notre pratique de médecin phoniâtre depuis vingt deux ans, notamment dans le domaine de la bioéthique et de la médecine de la voix, nous avons entrepris une lecture éthique et bioéthique visant à comprendre ses limites et ses possibilités, ainsi que ce qui est partageable et compréhensible par les professionnels susceptibles de l’exercer: médecins, rééducateurs, enseignants en art (de la voix, de la musique, de la danse ou du cirque), philosophes et, évidemment, artistes. Il nous est apparu que, loin d’appartenir aux thérapeutiques "complémentaires" ou "non fondées sur des preuves", la médecine des arts et du spectacle ne doit pas être comprise uniquement comme une médecine multidisciplinaire, mais comme une branche interdisciplinaire reposant sur des connaissances philosophiques et pédagogiques utiles à la santé physique, psychique et émotionnelle des artistes. En analysant plusieurs modèles internationaux, dont plusieurs auxquels nous contribuons, nous avons pu faire le constat que cette interdisciplinarité n'est pas toujours évidente. Nous avons enfin émis l’hypothèse que la médecine des arts et du spectacle vivant est une médecine non seulement pour l'artiste mais aussi et avant tout pour les arts du spectacle eux-mêmes qui, parfois, doivent également être soignés. Nous avons approfondi ce dernier sujet en conduisant une étude historique et éthique du phénomène du soin et de la cure de l'art et de l'interprète, des origines à nos jours
Performing Arts (PA) Medicine, meant as a "medicine for the art of living entertainment", is still not known and not well understood and framed and recognized, in Europe as well as in the other Continents. Starting from a discussion on the philosophical and epistemological meaning of this branch of medicine, we have arrived at a personal ethical and bioethical reading in order to understand its limits and strengths for doctors, rehab professionals, teachers of the arts of voice, music, dance and circus, philosophers and, obviously, artists. PA Medicine (whose name we also dealt about) is far from that medicine today called "complementary"/"not-Evidence Based", and is a branch of medical and philosophical and pedagogical knowledge useful to the artist's and art's physical, psychic and emotional health. PA Medicine is a Medicine not only for the artist but for the PA themselves which, at times, also need to be cured. We have deepened this last topic also starting from an historical and ethic study of the phenomenon of the “care and curing” of arts and of performers, from the origins to today

2

Ra, Jin-Hwan. "L'acte éthique dans le processus créatif du performer de P’ansori »." Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA083713.

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Анотація:

Cette thèse est une étude du processus créatif et artistique du « performer » de « p’ansori », une pratique performative spécifique issue de l'héritage coréen, prenant en considération à la fois le point de vue du praticien et du théoricien dans la perspective de l'ethnoscénologie. Cette étude montre le processus créatif du « performer » de « p’ansori » en prenant pour critère les quatre entités constitutives proposées par Sin Chae-Hyo et reprises par les maîtres de « p’ansori » aujourd'hui. À travers l'entretien des maîtres qui paraît proche des fondements théoriques, nous pouvons considérer le processus créatif du « performer » de « p’ansori » comme un acte éthique qui relève de la volonté morale, de l'intelligence et du comportement. C'est ainsi que l'entraînement corporel aussi bien que mental se poursuit durant la vie entière
This thesis is a study of the creative and artistic process of the "p’ansori" performer, a specific performance resulting from the Korean heritage, considering the viewpoint of ethnoscenology at the same time. This study shows the creative process of the "p’ansori" performer by taking as criteria the four constitutive entities proposed by Sin Chae-Hyo and shown by the masters today. Through the conversation with masters who appear to have the theoretical bases, we can consider the creative process of the "p’ansori" performer as an "ethical act" that concerns moral will, intelligence and behavior. Thus, the corporal and mental training continues during the whole life

3

Vialaret, Jimi Bernard. "L'applaudissement : claques et cabales /." Paris : l'Harmattan, 2008. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41266168j.

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4

Becquet, Alexandra. "Ford Madox Ford et les arts : peinture, musique et arts du spectacle dans l'oeuvre romanesque." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030166.

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Анотація:

Ford Madox Ford est un écrivain impressionniste qui se veut historien de son temps et paraît représenter la vie moderne grâce à un texte envisagé à partir du visuel pour faire voir. Il encourage ainsi le rapprochement de son écriture avec l’art des peintres français du XIXème siècle, mais il engage dans ses récits une multitude d’arts et d’esthétiques afin de produire son impression suivant sa pensée originale et singulière. Celle-ci soutient l’accumulation et l’association artistiques mises en œuvre dans les romans en brisant les cadres esthétiques établis pour fusionner arts et esthétiques dans une forme qui s’adapte au réel afin d’en structurer l’informe et de le révéler pour en offrir une expérience au lecteur. Soumis au pictural et au théâtral pour se donner à voir dans des tableaux et des scènes, le récit dévoile en fait comment la modernité résiste à l’illusion mimétique. Peinture et théâtre figurent donc non le visible mais sa perte, et les romans sont poussés par leur objet à la dé-figuration proprement moderne que l’esthétique fordienne promeut et que le cinéma porte. Celui-ci donne alors accès à la vision d’un monde fragmenté et en mouvement par sa totalisation dans la métamorphose continue du filmique, qui en outre invite l’identification visuelle. Mais le cinématographique n’ouvre pas à la totalisation du roman, ni à ce dialogue que l’auteur entend engager avec son lecteur sym-pathique pour lui transférer son œuvre. Ce transfert se fait bien par le texte et sa structure mais en définitive hors de la figuration, grâce à la musique du roman qui à la fois gouverne, rassemble et abolit la représentation, les arts et le texte pour faire com-prendre l’œuvre
Ford Madox Ford is an impressionist writer who purports to be a historian of his own time and seems to represent modern life in a text conceived visually to make you see. He thus encourages a parallel between his writing and the nineteenth-century French painters’ art to be drawn ; yet he draws on a vast array of arts and aesthetics in his narratives to forge his impression according to his original and singular conception of art. That conception supports the artistic accumulation and association exercised in the novels while it shatters established aesthetic frameworks to merge arts and aesthetics in a form which adapts to reality to structure its formlessness and reveals it to offer an experience of it to the reader. In obeying pictorial and theatrical norms to be seen as pictures or in scenes, the narrative in fact discloses how modernity resists mimetic illusion. So painting and the theatre do not represent visibility but its loss, and the novels are forced by their object to embrace a thoroughly modern de-figuration which Fordian aesthetics endorses and the cinema realises. The latter then grants access to the vision of a fragmented and moving world totalled by the continuous metamorphosis of film, which besides encourages visual identification. However the cinema does not lead to the totalisation of the novel, nor to the dialog which the writer intends to have with his sympathetic reader in order to transfer his artwork onto him. That transfer does happen by means of the text and its structure but ultimately without figuration, through the music of the novel which at once governs, unites and abolishes representation, the arts and the text so the artwork be com-prehended

5

Bonicel, Matthieu Genet Jean-Philippe Smith Darwin. "Arts et gens du spectacle en Provence (XIVe-XVIe siècles)." [S.l.] : [s.n.], 2007. http://www.enssib.fr/bibliotheque/documents/dcb/bonicel-dcb15.pdf.

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6

Jacobsohn, Ricardo Eduardo. "Sens et temps, instrument et support : esthétique comparée des arts du spectacle /." Lille : ANRT, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb392754790.

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7

Canova, Marie-Claude Viala Alain. "La politique-spectacle au grand siècle : les rapports franco-anglais /." Paris ; Seattle ; Tübingen : Papers on French seventeenth century literature, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35627798p.

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Анотація:

Texte remanié de: Th.--Lettres--Paris 3, 1991. Titre de soutenance : L'aulisme ou le regard paradoxal : l'image de l'Angleterre dans les divertissements littéraires de la cour en France au XVIIe siècle.
Bibliogr. p. 409-433. ndex.

8

Gabison-Crétenet, Martine. "La représentation de l'Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l'horreur." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30064.

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Анотація:

Le sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisies
Le sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisies

9

Felizardo, Mendes Evelise. "Esthétique des formes scéniques de rue : une approche théorique du caractère transgressif et des enjeux du (dés)ordre de la scène urbaine contemporaine." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0403.

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Анотація:

Cette thèse a pour objet l’étude comparée des pratiques scéniques de rue contemporaines, notamment des formes françaises de Marseille (cie. Rara Woulib, collectif Ornic’art) et brésiliennes de Porto Alegre (groupe Falos & Stercus, tribu Ói Nóis Aqui Traveiz). Ainsi les enjeux du travail de recherche procèdent de la problématique suivante : « sous quelles formes d’exploitation de l’espace urbain et du temps quotidien se donnent les pratiques politiques de la scène de rue d’aujourd’hui ». Prenant en compte les déterminismes qui s’exercent sur l’espace public réglé par des codes communs (cf. M. Santos, H. Lefebvre, M. Foucault, N. Canclini), il s’agit donc d’analyser et de théoriser les propositions artistiques qui se déploient dans l’espace public et vont « fragiliser » ceux-ci. Le propre de ces pratiques scéniques est d’y générer, a priori, du désordre (cf. G. Balandier), pour y faire apparaître un nouvel espace, inattendu. C’est pour cette raison que ces pratiques fondent et/ou refondent l’espace public : à travers l’actualisation de l’espace urbain (cf. G. Deleuze et F. Guattari), ces architectes du sensible produisent, en définitive, de nouveaux modes de « vivre ensemble » (cf. J. Dubatti), une nouvelle communauté, bref une dramaturgie de la vi(ll)e où la notion de passant voisinne avec celle de spectateur. Dans cette perspective qui met en évidence que le fait esthétique est articulé à une dimension politique, on se sert de la notion d’« anthropophagisation ». Ce mot emprunté au Manifeste Anthropophage d'O. de Andrade nous permet de penser à la fois aux phénomènes de dévoration qui apparaissent dans l’espace urbain ainsi qu’au rapport entre quotidien et œuvre d’art
The topic of the present thesis is a comparative study of the practices of contemporary street theatre of Porto Alegre, Brésil (groups Falos & Stercus and Ói Nóis Aqui Traveiz) and of Marseille, French (groups Rara Woulib and Ornic’art). The stakes of the research originate from the following question: "how do the current street theatre policies exploit the urban space and the everyday time frame?" Taking into account the determinism that applies over the public space regulated by shared codes (see M. Santos, H. Lefebvre, M. Foucault, N. Canclini), we aim at analysing and developing a theoretical framework for pieces of work that deploy in the public space "fragilising" them. These theatrical practices inherently generate, a priori, some (dis)order in the public space (see G. Balandier), so that a new, unexpected space can emerge. For these reasons, these practices found and refound the public space: through the renewal of the urban space (see G. Deleuze and F. Guattari), these architects of sensibility create, indeed, new ways of "living together" (see J. Dubatti), a new community, in short a dramaturgy of of life and of the city where the notion of pedestrian is close to that of spectator.Under this perspective that highlights the articulation between the aesthetics and the politics, we adopt the notion of "anthropophagisation". This word, borrowed from the Anthropophagic Declaration (see O. de Andrade), alludes to both the phenomena of devouring that occur in the urban space and the relation between real life and artistic expression, because it "blurs" the gap between everyday life and a piece of art

10

Doganis, Basile. "La pensée du corps : pratiques corporelles et arts gestuels japonais (arts martiaux, danses, théâtres) : philosophie immanente et esthétique incarnée du corps polyphonique." Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA082708.

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Анотація:

Dans un contexte de mondialisation, de relativisme culturaliste et de crise de la raison, l’étude de certaines pratiques corporelles et arts gestuels japonais (danses, théâtres, arts martiaux) montre qu’il existe une forme d’universalité par le corps, une pensée immanente, incarnée, fondant un espace de publicité et d’intelligibilité à même l’intuition, le mouvement, la sensation, la croyance. Cette pensée du corps est essentielle à la philosophie, au renouvellement et à l’affinement de ses formes. De même que l’art crée de façon immanente les conditions de sa réception, et porte en puissance une force réformatrice des goûts et des valeurs, ainsi, les pratiques du corps et les arts gestuels japonais instaurent un climat esthétique et philosophique propre, constituent un laboratoire où s’expérimentent les possibles philosophiques de la communauté. Cette recherche, en s’appuyant d’abord sur une série d’exemples, de « cas » significatifs permettant de tirer des conclusions sur le fonctionnement général des facultés mentales et physiques de l’homme, est une mise en lumière de cette philosophie incarnée et immanente, et de cette pensée du corps
In a context of globalization, of culturalist relativism and of rationality crisis, the study of some Japanese bodily practices and gestural arts (dance, theatre, martial arts) shows that a certain form of universality relies on the body and on an immanent embodied thought which create a sphere of publicity and intelligibility within intuition, movement, sensation, belief. This embodied thought is essential to philosophy and to the renewal and the refinement of its forms. Just as art creates immanently the conditions of its own reception and has the power to alter tastes and values, so do Japanese bodily practices and gestural arts institute a philosophical and aesthetic climate of their own, and work as a laboratory where the philosophical possibilities of the community are tried, tested and modified. By focusing on a series of examples and significant “cases”, which allow to draw some conclusions on the general functioning of human mental and physical abilities, this research brings to light an embodied and immanent philosophy, and its embodied thought

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Книги з теми "Éthique et arts du spectacle":

1

Yazbek, Elie. Images et éthique. Paris: Harmattan, 2010.

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2

Dejardin, Bertrand. L'art et l'illusion: Éthique et esthétique chez Freud. Paris: L'Harmattan, 2008.

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3

Dejardin, Bertrand. L'art et l'illusion: Éthique et esthétique chez Freud. Paris: L'Harmattan, 2008.

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4

(Firm), Drouot-Richelieu. Mode, arts & spectacle: Collections X et Y. Paris: Blanchet & associés, 2003.

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5

Poirson, Martial. Spectacle et économie à l'âge classique: XVIIe-XVIIe. Paris: Classiques Garnier, 2011.

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6

International Association of Libraries and Museums of the Performing Arts. Congress. Les collections des arts du spectacle et leur traitement. Bruxelles: P.I.E. Peter Lang, 2012.

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7

Schwartzbrod, Jean-Louis. Splendeur et misère du spectacle vivant: L'exemple de Grenoble. [Grenoble]: La Pensée sauvage, 1993.

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8

Urrutiaguer, Daniel. Economie et droit du spectacle vivant en France. Paris: Presses Sorbonne nouvelle, 2009.

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9

Béïs, Anne-Paule. Spectacle vivant jeune public: Réseaux et coopération internationale. Paris: L'Harmattan, 2009.

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10

Hennaut, Benoît. Théâtre et récit, l'impossible rupture: Narrativité et spectacle postdramatique (1975-2004). Paris: Classiques Garnier, 2016.

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Частини книг з теми "Éthique et arts du spectacle":

1

Zavattero, Irene. "Éthique et politique à la Faculté des arts de Paris dans la première moitié du XIIIe siècle." In Les débuts de l’enseignement universitaire à Paris (1200 – 1245 environ), 205–45. Turnhout: Brepols Publishers, 2013. http://dx.doi.org/10.1484/m.sa-eb.5.101384.

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2

Ferré, Rose-Marie. "Pour une lecture performative de l’œuvre de René d’Anjou? Le dialogue des arts dans le Livre du Cuer d’Amours espris de Paris : écriture, peinture, spectacle (autour des tapisseries de Vénus)." In René d’Anjou, écrivain et mécène (1409-1480), 135–57. Turnhout: Brepols Publishers, 2011. http://dx.doi.org/10.1484/m.tcc-eb.1.100024.

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3

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Détrie, Muriel. "II. Peintures et les arts populaires du spectacle." In Victor Segalen, 47–63. Hermann, 2019. http://dx.doi.org/10.3917/herm.camel.2019.01.0047.

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9

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