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Dissertations / Theses on the topic '1935 Tour'
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Ponsford, Megan. "Progressive rebels of Boy's Own Adventure? The 1935 Australian Cricket tour of India; breaking down social and racial barriers." Thesis, Federation University of Australia, 2016. http://researchonline.federation.edu.au/vital/access/HandleResolver/1959.17/154168.
Full textAbstract:
In October 1935, a touring party embarked on the inaugural tour of India by an Australian cricket team. To a great, and somewhat stereotypical, extent popular representations of IndianeAustralian relations are viewed through the lens of cricket – the national game in both countries. This dissertation about a significant, yet overlooked, chapter in sporting history examines the Australian cricketers’ response to the social, racial and political hierarchies of lateecolonial India. The experience of the touring party encouraged a reeimagining of ideological perspectives and this thesis identifies a uniquely Australian subjectivity to the British colonisation of India. The tour between the colony (India) and the dominion (Australia) can be interpreted as an antie imperial gesture. Both countries were attempting to forge relationships that would be independent from Britain. The role of cricket, itself experiencing a renaissance during the 1930s as it transformed from a largely amateur pursuit to an increasingly professional occupation is interrogated. As part of this transformation international cricket positioned itself as an increasingly politicised global entity within the broader turbulence of the firstehalf of the twentieth century. All those involved in the tour are now dead. However a close historical analysis of previously lost, highly personalised, primary material (letters, manuscripts, photographs and cricket ephemera) enables an interpretation of the players’ experience. This thesis argues that sporting events can be interpreted as cultural ciphers yet scholars and the wider sportsewriting community have neglected the historical significance of the 1935/36 tour. The unofficial status of the tour and its highly professional emphasis alienated it from the amateur ideals of Australian cricket. This transnational, multiedisciplinary approach addresses a lacunae in the professional trajectory of cricket. It also provides a new understanding and historical counter narrative of idetwentieth century IndianeAustralian sporting history and cultural exchange.Doctor of Philosophy
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Ducoulombier, Romain. "Régénérer le socialisme : aux origines du communisme en France (1905-1925)." Paris, Institut d'études politiques, 2007. http://www.theses.fr/2007IEPP0027.
Full textAbstract:
Le communisme en France est né d'une entreprise de régénération révolutionnaire du socialisme engagée par une jeune relève militante au sortir de la Grande Guerre, sous l'influence du bolchevisme arrivé au pouvoir en Russie en 1917. Mieux à notre sens que les arguments de la greffe et de l'accident d'Annie Kriegel, l'hypothèse de la régénération de l’idéal et des pratiques socialistes éclaire d'une manière renouvellée la création en France d’un nouveau type d’organisation révolutionnaire au prix du sacrifice de l’unité socialiste. Notre lecture s’appuie sur le triptyque formé par les concepts de régénération, d’ascétisme et de relève : ensemble, ils permettent de saisir la dynamique de la triple relève des hommes, des principes et des attitudes de vie socialistes qui préside à la naissance de la SFIC. Cet élan régénérateur suscité par la guerre ne peut cependant être appréhendé que dans la continuité des principes et des pratiques du mouvement ouvrier avant 1914. Le communisme puise en particulier dans le très riche imaginaire ouvriériste du mouvement ouvrier organisé français avant 1914, mais aussi dans toute la gamme des pratiques sacrificielles qu’il a inventées pour garantir la fidélité de ses membres. C’est dans la guerre pourtant que s’enracine cette aspiration forte, nourrie de la « trahison » d’août 1914 et réclamée par la dissolution de l'identité socialiste dans la rhétorique patriotique. L'histoire de la scission est indissociable de celle de la minorité de guerre. La scission de 1920 engage pour elle une nouvelle histoire : celle de la création d’un parti et de pratiques politiques inédites qui ont dès 1921 doté le Parti communiste de sa radicale originalitéThe creation of the French Communist Party in 1920 can be considered part of a decisive “time of split-ups” in post-war European socialism. It gave birth to a radically new type of party-form. The militant revolution that the communists called for can be regarded as a successful political “relief” operation : a new generation of young militants, financed and backed up in its rise by the Communist International, plain in its rejection of war and united by shared sociological caracteristics, was quickly carried to the head of these movements in an exceptional historical context. These militants despised the old “socialist” order and its oligarchs and called for a complete rejuvenation, a profound regeneration of socialist ideals and political practices. Considered from the French point of view, the stages and consequences of this Europe-wide crisis are central to the understanding of the general turmoil of the interwar years. This revolution will be scrutinized here through the concept of regeneration and of revolutionary asceticism, which imposed itself in the new Communist party in the beginning of the 1920s. Born from the rejection of the "treason" of august 1914, the will to regenerate socialism roots itself in workerism and ascetical practices peculiar to the French Labor movement before 1914. But it also gave birth to a radically new type of party, with its own new political practices unknown to the French Labor movement before the war
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Le, Pajolec Sébastien. "Tous les garçons et les filles de leur âge : jeunesse et cinéma en France (1953-1975)." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010704.
Full textAbstract:
"Cette recherche analyse les relations que le cinéma français a entretenues avec la question de la jeunesse du milieu des années 1950 au milieu des années 1970. La France découvre, ou redécouvre, sa jeunesse. L'industrie cinématographique participe à cet engouement médiatique. Les films sur les adolescents envahissent les écrans. Dans le même temps, le milieu cinématographique fait face lui aussi à une demande de rajeunissement. À travers plusieurs générations, celles de la Guerre d'Algérie, de Salut les Copains et de Mai-68, les cinéastes ont filmé l'évolution des comportements juvéniles: le conflit des générations, l'émergence d'une culture adolescente. Les films présentent des discours sur les adolescents et les réactions qu'ils ont suscitées dans la société. L'étude de ces réalisations met en lumière le désir d'émancipation de la jeunesse et sa constitution en une catégorie autonome. Cette recherche témoigne aussi de la modernisation de la France des " Trente Glorieuses ". "
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Bernot, Marine. "Ford Madox Ford (1873-1939) en quête d'identité : chroniques et vagabondages impressionnistes." Thesis, Toulon, 2017. http://www.theses.fr/2017TOUL3001.
Full textAbstract:
Madox Ford est une des grandes figures, non seulement de la littérature d’expressionanglaise, mais de la vie culturelle et artistique d’Europe occidentale dans le premier tiersdu XXe siècle. Il est très lié à Henry James et à Conrad (avec qui il écrit trois romans),joue un rôle de premier plan comme éditeur et contribue au développement del’impressionnisme littéraire et à l’instauration du « modernisme ». Cosmopolite par sesantécédents (anglais, allemand, français), grand voyageur partagé entre l’Angleterre, lesEtats-Unis et la France (surtout la Provence, sa terre d’élection et Toulon), Ford estl’auteur d’une oeuvre considérable qui compte plus de 80 ouvrages. Marine Bernot achoisi d’analyser plus particulièrement une dizaine de récits de souvenirs de toutes sorteset deux récits de voyage qu’il publie de 1904 à 1937. On y découvre toute une époque, unécrivain original et une personnalité d’une rare complexité – politiquement avancé,féministe et libertaire, écologiste avant la lettre, quelque peu visionnaire, un homme quiparle aux gens d’aujourd’huiFord Madox Ford is one of the most important figures, not only of English literature butof the Western European cultural and artistic world of the twentieth century. Closelyconnected with Henry James and Joseph Conrad (with whom he wrote three novels incollaboration), Ford played a vital role as editor, contributor to literary impression and aspioneer of “modernism”. Cosmopolitan by birth (English, German, French), this tirelessvoyager, torn between England, the United States and France (especially Provence, hischosen domain and Toulon), Ford is the author of a voluminous sum of publicationsmade up of more than 80 books and other items. The author of this thesis, Marine Bernot,has chosen to concentrate on a dozen or so memoirs covering the years going from 1904to 1937, focusing particularly on two travel ‘novels’, Provence and The Great TradeRoute. These works, which give an original insight into the first half of the twentiethcentury, introduce the reader to an original and complex personality – politicallyadvanced, feminist, non-conformist, ecologist ahead of his times, visionary –, a man inharmony with contemporary preoccupations
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Di, Pietro Antonietta. "Italianità on Tour: From the Mediterranean to Southeast Florida, 1896-1939." FIU Digital Commons, 2013. http://digitalcommons.fiu.edu/etd/1003.
Full textAbstract:
Italianità on Tour is a cultural history of Italian consciousness in Italy and Southeast Florida from 1896 to 1939. This dissertation examines literary works, folktales, folksongs, artworks, buildings and urban planning as imprints and cultural constructions of Italianità on both sides of the Atlantic, with a special emphasis on the transformations experienced on that journey. The real and/or imagined geo-cultural similarities between the Mediterranean and the Caribbean encouraged pioneers in Southeast Florida to conjure in their new setting an idea of Italianità, regardless of the presence of Italians in the area. Therefore, assessing Italianità, constitutes an important feature in understanding cultural constructions of identities in Miami and neighboring areas. This study, seeks to add Southeast Florida’s Caribbean-Italian identity to the existing scholarship on several Italian diaspora representations, whether from a cultural ethnic perspective or from a sense of national belonging. More generally, it will show that there was no quintessential Italian national culture, but only representations of it that élites in Italy and South Florida manufactured, and on the other hand, immigrants imagined and performed upon arrival to America.
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Watson, Brent Byron. "Far Eastern tour, the experiences of the Canadian Infantry in Korea, 1950-1953." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape9/PQDD_0001/NQ41363.pdf.
Full text
7
Aunoble, Eric. "« Le communisme tout de suite ! » : Le mouvement des communes en Ukraine soviétique (région de Kharkiv) de 1919 à 1935." Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00202394.
Full textAbstract:
En menant l'enquête au plus près des acteurs, cette thèse étudie toutes les formes de communes autour de la première capitale de l'Ukraine soviétique.En 1919, les communes sont des formes de mobilisation politique et sociale des plébéiens ruraux en interaction avec l'État soviétique. Cette « Kommuniâ » provoque une cruelle réaction pogromiste dans les campagnes.
Sous la NEP, des communes urbaines apparaissent sous la direction d'étudiants, d'artistes, de pédagogues... Ce « Nouveau Mode de vie » est aussi un laboratoire du contrôle social pour le pouvoir et les élites. Les communes paysannes n'occupent par contre qu'une place marginale socialement et idéologiquement.
Cela prépare la subversion de l'utopie par le pouvoir après 1929. « Collectivisation complète » et famine ont raison des communes rurales. L'opposition des communards ruraux et urbains est réelle mais peu audible. Grâce à la rhétorique révolutionnaire de la guerre civile, le pouvoir empêche toute expression des classes pauvres.
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Rischitelli, Victor Emanuel, and res cand@acu edu au. "Henry Cowell (1897-1965) and the Impact of His First European Tour (1923)." Australian Catholic University. School of Arts and Sciences, 2005. http://dlibrary.acu.edu.au/digitaltheses/public/adt-acuvp130.17052007.
Full textAbstract:
In 1923, American composer and pianist, Henry Cowell (1897-1965) gave his first highly successful concert tour of Europe, playing his own unique compositions. This thesis details this tour and discusses its impact. Considering the enormous impact of Cowell’s tour, it has only been discussed briefly. Cowell performed in many European cities, especially in Vienna, Berlin, Paris and London, achieving positive reviews and some notoriety. I discuss how and why he created such an impact, not only during the tour but also immediately following it, in relation to musical life in Europe and the differences between his piano music and the piano music that was being heard at the time. On his tour, Cowell showcased many new piano techniques he had invented, some of which he had discussed in his treatise New Musical Resources (1919). His clusters, string-piano technique and to some degree, his experiments with time and metre, were very new and influenced later generations of composers. His music created such passionate responses from the Europeans that when he returned to America, attitudes towards him and his music had changed for the better. In Europe, Cowell was also impressed by the various societies and publications devoted to new music and as a result he founded, in America, the New Music Society and the publication New Musical Quarterly. These promoted mostly American composers devoted to avant-garde developments in music, providing the foundation for the development of American music.
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Rischitelli, Victor Emanuel. "Henry Cowell (1897-1965) and the impact of his first European tour (1923)." Thesis, Australian Catholic University, 2005. https://acuresearchbank.acu.edu.au/download/22499f8178eef53694d86fa09101a2c739354d9e9c972a95eeede55759e24f24/5709117/65067_downloaded_stream_292.pdf.
Full textAbstract:
In 1923, American composer and pianist, Henry Cowell (1897-1965) gave his first highly successful concert tour of Europe, playing his own unique compositions. This thesis details this tour and discusses its impact. Considering the enormous impact of Cowell's tour, it has only been discussed briefly. Cowell performed in many European cities, especially in Vienna, Berlin, Paris and London, achieving positive reviews and some notoriety. I discuss how and why he created such an impact, not only during the tour but also immediately following it, in relation to musical life in Europe and the differences between his piano music and the piano music that was being heard at the time.
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Tuck, Alexander. "Spain's national cycling tour and the politics of regional and national identity, 1975-2000." Thesis, Cardiff University, 2015. http://orca.cf.ac.uk/73433/.
Full textAbstract:
This thesis examines the banal nationalism of La Vuelta Ciclista a España (Spain’s national cycling tour) in the post-Franco period. In light of recent work completed on post-Franco Spanish nationalism, this project provides a robust empirical analysis of four newspaper’s coverage of the race between 1975 and 2000. The object of this thesis is to provide empirical ballast to a number of hypotheses and suggestions that have been made, primarily as to the role of informal symbols such as sport in the immediate post-Franco period where formal national symbols suffered a delegitimisation. There are two major themes in this work: firstly, a theme that comprises Spanish national identity and nationalism in the post-Franco period, and secondly, a theoretical theme that looks to interrogate and develop Michael Billig’s theory of Banal Nationalism (Billig 1996). Utilising Billig’s original publication, as well as other work on Le Tour de France, this thesis constructs a mixed quantitative/qualitative content analysis of newspapers in this period, seeking to expand our knowledge of informal national symbols beyond areas, such as football, where analyses have already been done. Newspapers from the main territorial cleavage in the country, Spain and Catalonia, are represented in an examination of the growth of La Vuelta as a national symbol as well as how this has been mediated across political and territorial lines.
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Findlay, Robert Alexander. "Emperors in America: Haile Selassie and Hirohito on Tour." PDXScholar, 2011. https://pdxscholar.library.pdx.edu/open_access_etds/96.
Full textAbstract:
The imperial visits to the United States by Emperor Haile Selassie of Ethiopia in 1954 and Emperor Hirohito of Japan in 1975, while billed as unofficial by all parties involved, demonstrated the problematic nature of America's unstable Cold War political agendas, connected African and Asian Americans with alternative sources of race, nationality, and ethnic pride, and created spaces for the emperors to reinforce domestic policies while advancing their nations on the world stage. Just as America's civil and governmental forces came together during the imperial tours, in 1954 and 1975 respectively, to strongly promote Cold War ideological narratives to a global audience, African American and Japanese American racial and ethnic groups within the United States created their own interpretations of the tours. Likewise, the governments and imperial institutions of Ethiopia and Japan both appropriated American efforts in an attempt to renegotiate political relationships and produce imperial narratives for domestic consumption. However, fundamental contradictions arose during these tours as both Ethiopia and Japan simultaneously sought to embrace America and to expand their presence on the world stage. The full nature of the political, economic, and social ramifications of these two imperial visits, and the contradictions in American's Cold War policies revealed by the tours, has yet to be explored. Reactions to the emperors' tours demonstrated the connections and conflicts between race, nation, and identity. Further the narratives of Ethiopia's and Japan's role on the world stage, particularly during these "unofficial" imperial tours, have yet to be fully examined by historians. Only by examining the emperors' tours within a broader transnational context, taking multiple political, racial, and economic perspectives into account, can the consequences of these visits be fully observed and understood.
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Miyakawa, Wataru. "L'écriture chez Toru Takemitsu : situation, héritage, culture." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10117.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour but d'étudier le langage musical du compositeur japonais Toru Takemitsu (1930-1996), Si le corpus de son œuvre reflète un certain éclectisme (influence de compositeurs occidentaux comme Debussy, Messiaen ou Cage) et l'intérêt aussi bien pour sa propre culture que pour des domaines artistiques variés comme le cinéma, la peinture ou la poésie, ou encore l'assimilation de différents langages musicaux comme la musique sérielle, la musique concrète ou la musique aléatoire, on voit, néanmoins, toujours la même préoccupation du compositeur derrière cet apparent éclectisme : la quête d'un langage universel. Ayant vécu entre deux cultures très différentes, il s'aperçoit que la musique n'est pas un langage aussi universel qu'il le croyait. De ce fait, la question de la communication devient essentielle pour lui, et pour montrer que cette quête d'un véritable langage universel, nous examinons les caractéristiques de son langage musical, en nous appuyant sur des analyses précises et sur l'étude comparative des démarches d'autres compositeurs et d'autres musiques, afin de dégager la spécificité d'une œuvre aussi vaste que plurielle.
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Fučíková, Milena. "Pouvoir tout raconter : poétique de la narration, figure du narrateur et métaphore comme outil narratif : étude comparée des romans Levins Mühle et Litauische Claviere de Johannes Bobrowski et Solibo Magnifique et L'esclave vieil homme et le molosse de Patrick Chamoiseau." Aix-Marseille 1, 2010. http://www.theses.fr/2010AIX10030.
Full textAbstract:
En quoi les textes romanesques dépassent les classifications traditionnelles de la narratologie structuraliste ? Comment se construit la figure du narrateur ? Quel est le rôle fonctionnel de la métaphore pour la narration ? Telles sont les questions qui structurent notre réflexion. Ce travail est consacré à l'étude comparée de la notion du narrateur dans l'oeuvre romanesque de Patrick Chamoiseau : Solibo Magnifique (1988), et L'esclave vieil homme et le molosse (1997) et de Johannes Bobrowski : Levins Mühle (1964), Litauische Claviere (1966). Il aboutit à deux conclusions. D'une part, la comparaison de deux oeuvres romanesques différentes, l'une écrite en français et l'autre en allemand, met en évidence que "l'oralité" transposée et mise en scène dans un texte romanesque fonde un mode de narrativité originale et mouvante. D'autre part, la notion du narrateur permet non seulement une mise en scène d'une figure de l'autoréfléxivité de l'auteur, mais surtout une personnification d'un discours pluridimensionnel qui vise à explorer l'expérience humaine au monde dans sa relativité et sa pluralité. En ce sens, la métaphore devient ainsi un outil principal de narration. Pour Johannes Bobrowski, les images du mouvement fonctionnent comme une métaphore de réflexion sur sa propre narration. De façon similaire, les images de la métamorphose chez Patrick Chamoiseau sont au centre des réflexions sur sa propre poétique narrative. Du point de vue théorique, la question centrale est celle de la mise en épreuve du modèle narratologique structuraliste représenté par les travaux de Franz K. Stanzel, de Gérard Genette, Tzvetan Todorov et les formalistes russes. De plus, cette thèse est aussi une relecture des théories romanesques de Milan Kundera. Ce travail montre une double nécessité : 1) celle d'exploiter la notion de "mouvement" et de "métamorphose" comme base essentielle de la narration ; 2) celle des romanciers contemporains de "raconter" par la transposition romanesque ce qui reste "irracontable" ailleurs, car l'art du roman est avant tout un art humaniste.
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Mercier, Aurélie. "Le manuscrit composite « B. M. Tours, MS 193 » : codex majeur au sein du scriptorium de Saint-Martin de Tours." Poitiers, 2010. http://www.theses.fr/2010POIT5011.
Full textAbstract:
Le scriptorium de Saint-Martin de Tours fut un centre de production artistique prospère (architecture, sculpture, épigraphie, peintures murales, manuscrits), marqué par les années fastes alcuiniennes : le codex « B. M. Tours, Ms 193 » s'inscrit dans cette tradition scripturaire et iconographique. Manuscrit composite (Sacramentaire de 1180, Antiphonaire du XIIIe siècle, documents historiques des XIIIe-XIVe siècles), témoin des tâtonnements dans la constitution des missels, son étude révéla un héritage liturgique alcuinien. Son décor atteste d’une dévotion martinienne, apostolique, mariale, christologique, trinitaire, révélateur d’une affirmation de la communauté martinienne face aux pouvoirs présents dans la cité (Evêque, Bourgeois), plaidoyer pour une Ecclesia unie. Ce codex « B. M. Tours, Ms 193 » incarne la Memoria de Saint-Martin de Tours, glorifiant son lieu de réalisation, sa communauté, rétablissant, pour le XIIe siècle, un prestige passé sous silence après AlcuinThe scriptorium of Saint-Martin of Tours was a center of prosperous artistic production (architecture, sculpture, epigraphy, wall painting, manuscripts), marked by Alcuin’s years splendors : the codex « B. M. Tours, Ms 193 » joins in this scripturary and iconographic tradition. Composite manuscript (Sacramentary of 1180, Antiphonary of XIIIth century, historic documents of the XIIIth-XIVth centuries), witness of experimentations in the constitution of missals, its study revealed a liturgical alcuinian inheritance. Its ornementation gives evidence of a martinian worship, apostolic, marial, christologic, trinitarian, revelation of an assertion of the martinian community in front of powers present in the city (bishop, burgess), plea for united Ecclesia. This codex « B. M. Tours, Ms 193 » embodies Memoria of Saint-Martin of Tours, glorifying its place of realization, its community, restoring, for XIIth century, an untold prestige after Alcuin
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Tremblay, Sylvie C. R. "La marine royale canadienne, 1919-1936 : une progression relative envers et contre tout." Thesis, University of Ottawa (Canada), 1991. http://hdl.handle.net/10393/7832.
Full textAbstract:
Cette these examine la Marine royale canadienne (M.R.C.) pour la periode 1919-1936. L'auteure etudie d'une facon approfondie les objectifs a long terme de l'etat-major de la Marine. Le probleme pose est le suivant: quels etaient ces buts et comment l'etat-major comptait-il les atteindre tout en respectant les orientations tres souvent contraires a sa volonte que lui dictaient les gouvernements federaux de l'epoque? L'auteure est d'avis que par le biais des exercises et des activites entrepris, la creation de forces de reserve et l'entrai nement dispense aux hommes, l'etat-major de la Marine cherchait quatre choses: interesser la population et les hommes politiques canadiens a son sort; posseder une force composee de marins competents et efficaces; disposer d'une flotte convenable pour assurer la defense des cotes canadiennes; enfin, canadianiser la M.R.C. afin de plaire aux desirs d'autonomie de la population canadienne. (Abstract shortened by UMI.)
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Renaud-Chamska, Isabelle. "L'oeuvre poétique de Patrice de La Tour du Pin (1911-1975) : poésie et liturgie dans "Une somme de poésie"." Paris 4, 1989. http://www.theses.fr/1988PA040134.
Full textAbstract:
Etude synchronique d'une oeuvre ecrite entre 1933, date de la premiere parution de la quete de joie, et 1983, date de l'edition du dernier volume. De ce texte structure en trois parties: le jeu de l'homme en lui-meme, le jeu de l'homme devant les autres, le jeu de l'homme devant dieu, on essaye de degager les elements mis en tension, createurs d'un "jeu" dramatique et liturgique original; on s'applique aussi a montrer comment l'oeuvre de la tour du pin procede d'une ecriture neuve que son auteur appelle "theopoetique" ou se melent le gout pour la nature comme lieu de l'epiphanie du divin, les provocations du monde des autres comme lieu d'une solidarite a conquerir, l'attrait pour la connaissance de soi comme lieu "mortel" a feconder, et la familiarite passionnee avec dieu tout proche et absent. Le passage d'une enonciation singuliere a une parole plurielle, officiellement "autorise" par l'eglise catholique lorsqu'elle appela la tour du pin comme seul laic pour traduire le missel apres la reforme liturgique decidee par le concile de vatican ii, se laisse apprehender dans la somme de poesie avec la constitution d'un sujet competent capable d'acceder a sa propre parole puis d'y renoncer pour une priere commune. On analyse enfin les fonctions liturgiques au travail dans un texte qui se propose comme la priere d'un homme du xxeme siecle, une priere proprement liturgique, traversee par la blessure de son manque a elle-meme et trouvant l'efficacite.
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Chamska, Isabelle. "L'Oeuvre poétique de Patrice de La Tour du Pin (1911-1975) poésie et liturgie dans une somme de poésie /." Lille 3 : ANRT, 1990. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37617978p.
Full text
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Le, Han Marie-Josette. "Patrice de la Tour du Pin et la quête d'une théopoésie : étude d'une démarche créatrice." Brest, 1992. http://www.theses.fr/1992BRES1002.
Full textAbstract:
La somme de poésie de P. De la Tour du Pin est une vaste et persévérante entreprise pour constituer un univers verbal reflétant l'univers interieur du poète et sa vision du monde personnelle. Elle est aussi réflexion sur la création poétique, sur les pouvoirs du langage et la vocation de la parole. Au cours de cette double démarche, à la fois créatrice et critique, La Tour du Pin élabore la notion originale de théopoésie, qui ambitionne d'unir la recherche esthétique et la quête spirituelle. Notre étude a eu pour but d'essayer de cerner cette notion et de montrer comment La Tour du Pin a pu passer de sa conception à son accomplissement, à travers trois étapes majeures : le "jeu de l'homme en lui-même " marque l'épanouissement de la parole et de l'inspiration personnelle mais aussi une sorte de renoncement et de sacrifice final. Le "jeu de l'homme devant les autres " évoque l'epreuve du tarissement de l'inspiration, analogue dans le domaine poétique à ce que les mystiques nomment "nuit obscure". Enfin, le "jeu de l'homme devant dieu" voit la restitution d'une parole purifiée, écho du verbe divin. La quête qui anime toute la somme s'accomplit dans le service d'une parole venue d'ailleurs mais parfaitement intérioriséePatrice de la Tour du Pin's somme de poesie is a vast and relentless search for a verbal universe which reflects the interior world of the poet and translates his personal vision. It is also a constant reflexion on the power of language and on the role of the human word. During this joint creative and critical approach, La Tour du Pin elaborates the original concept of theopoesie which intends to unite the aesthetic search with the spiritual quest. In this work we have tried to circumscribe this concept and to show how La Tour du Pin proceeded from its origination to its realisation. This search for a theopoesie presents three major stages : volume I of la somme marks the flowering of speech and inspiration but also a sort of renunciation and final sacrifice. Volume II is caracterised by the ordeal of the failure of inspiration, similar in the poetic field to what the mystics call "la nuit obscure". And lastly volume III witnesses the resurgence of a purified word, echo of the divine verb. The quest which animates the whole somme is realised in the service of a word coming from elsewhere but perfectly undertaken and internalised
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Kendall-Bush, K. J. M. "Walking pictures : the ambulatory experience of London in walking tours and film, 1880-1939." Thesis, University College London (University of London), 2014. http://discovery.ucl.ac.uk/1427433/.
Full textAbstract:
“Walking Pictures” is about how tourists walk London. It studies two ways of walking the city: walking tours and film. My thesis demonstrates how each is implicated in the other’s practices. Combining historical research of the development of tourist walking between 1880 and 1939 with cinematic textual analysis of London-set non-fiction and fiction films of this period, I ask: how might the views and experiences of London’s walking tourists be imbricated within the city’s cinematic incarnations? I focus on a period between 1880 and 1939, when large numbers of tourists started arriving in London via new modes of mass transport. The development of walking tours for these tourists in the 1880s and 1890s runs roughly tandem to the early days of cinema. Though films taken aboard moving vehicles proved popular, early films were often taken on the ground, embodying a pedestrian view of the city. My first chapter therefore contextualises the thesis by telling a parallel history of tourists walking London’s streets and spectators experiencing those same streets in the cinema. Subsequent chapters follow thematic routes through the city, walking a literary London, landmark London, and an impoverished London. Each chapter asks a series of questions. What were the origins of these thematic routes? How and why did these routes become codified in the form of walking tours? What did tourists see and experience on these walks? How does cinema not only reflect the experiences of tourists, but enable those unable to walk the city’s actual streets to experience them fantasmatically in the cinema? Together these chapters seek to understand the cinematic city through its walks. Contributing to larger discourses in history, geography, and film studies, “Walking Pictures” addresses how representations of the city shape the way we perceive and move through urban space.
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Pasdelou, Sabine. "Du japonisme à l’asiatisme : une céramique de demi-luxe pour tous (France, 1861-1939)." Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100112.
Full textAbstract:
L'épanouissement économique des manufactures de céramiques françaises tout au long du XIXe siècle et au début du XXe siècle est propice à la revalorisation des valeurs industrielles au sein des arts décoratifs. Les industriels s’appliquent à fournir des produits de qualité à moindre coût, à toutes les classes, grâce aux améliorations techniques et à l'abaissement des coûts des techniques décoratives. À partir des années 1860, les productions japonisantes participant à ce phénomène se diffusent dans les intérieurs bourgeois et entrent dans un cadre plus général : celui des productions céramiques reproduites à grande échelle, mises en œuvre par des fabriques à Paris et en province tout au long de la période concernée, y compris durant l'entre deux-guerres. En privilégiant dans un même mouvement collectif tel style, telle forme et tel décor, les différents milieux fournissaient aux fabricants et aux créateurs de modèles une direction à suivre dans la production du japonisme en céramique. Les artistes industriels ont dès lors cherché à surmonter la fracture entre art d'élite et goût populaire. Ces nouveaux objets peu coûteux devaient correspondre à des critères esthétiques et pratiques très hétérogènes. La stratégie commerciale des manufactures de céramiques et des centres de distribution a de fait été façonnée en conséquence. Le bibelot en céramique, facilement manipulable, illustre par ailleurs les représentations d’un pays imaginé et appréhendé de manière collective grâce aux expositions, au cinéma, au théâtre et à la littérature. Ces images contribuent à l’émergence d’une culture populaire urbaine dont le caractère commercial est assumé ; en ce sens, cette céramique fait partie de l’univers du « kitsch » en tant que communication de masse utilisée par la classe moyenneThe economic growth of manufacturing earthenware and porcelain in the province triggered a flourishing industrial standard in the decorative arts. The Beautiful and Industry are the two new values inseparable, celebrated by the production of French ceramics until the end of the first half of the twentieth century. Manufacturers want to provide quality products at lower costs to all classes. Improvements in ceramic materials and technical casting, as well as lowering the cost of decorative techniques, have encouraged the opening up the hierarchy of decorative arts. These new technical processes took part in the improvement of living conditions of the bourgeoisie and smaller classes. Japanese style productions were large-scale diffused in bourgeois interiors since 1860’s. These works fall into a broader context: the large-scale pottery production, implemented by factories in Paris and the provinces throughout the period, including during the interwar period. Industrialization brings to market products that must seek the attention of all classes. These inexpensive items had to correspond to aesthetic and practical heterogeneous criterion. By focusing on the same style as collective motion, such as shape and decoration, the different environments provided producers a direction to follow in models making. Business strategy of manufacturing has been designed accordingly. The ceramics “curio”, easy to handle, illustrates the representations of an imagined and apprehended country in a collective way thanks to exhibitions, movies, plays and literature. These representations contribute to the emergence of an urban popular culture whose commercial character is clearly assumed. This ceramics is part of the universe of “kitsch” as mass communications used by the middle class
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Choukroun, Jacques. "Le Parti communiste en Algérie de 1920 à 1936 du congrès de Tours au Front populaire." Lille 3 : ANRT, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37594639q.
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Oliveira, Moura Monize. "Sarah Bernhardt vue du Brésil (1886- 1905)." Thesis, Université Paris-Saclay (ComUE), 2015. http://www.theses.fr/2015SACLV006/document.
Full textAbstract:
Cette thèse cherche à analyser les trois tournées de l’actrice française Sarah Bernhardt (1844-1923) au Brésil, précisément dans les villes de Rio de Janeiro et Sao Paulo. Les voyages datant de 1886, 1893, 1905. Cette étude a comme arrière-plan les réflexions autour de la circulation culturelle et de la mondialisation de la culture au XIXe siècle. On considère les voyages Sarah Bernhardt comme un exemple précieux du processus de diffusion du théâtre français et d’internationalisation des publics. Coté brésilien, on percevra que cette même période, marquée par une forte présence artistique étrangère, est aussi le moment où les Brésiliens (ou du moins l’élite lettrée du pays) cherchent à penser l’identité du pays, tout en édifiant l’art dramatique national. L’enjeu de cette thèse est alors de comprendre comment la présence théâtrale étrangère se place dans ce contexte. Plus qu’une étude sur une « influence théâtrale » française au Brésil, l’objectif des pages qui suivent est de réfléchir à la formation de la pratique artistique brésilienne dans le cadre d’un processus plus large de mondialisation de la culture au XIXe siècle – où le théâtre occupe une place majeure. En ce qui concerne précisément Sarah Bernhardt, cette thèse cherche à démontrer l’importance de l’actrice dans ce phénomène. Grande étoile médiatique de la période, Sarah est, dans le même temps, liée au grand théâtre français de répertoire. La question est alors de comprendre comment ce « grand théâtre » se diffuse internationalement, tout en s’imprégnant des stratégies commerciales de l’industrie théâtrale de l’époque. Dans ce sens, on se demandera comment l’actrice construit son image à l’étranger, plus particulièrement au Brésil, et quelle partie du « marché » culturelle cherche-t-elle à dominer, soutenue par ses imprésarios. En un mot comment la « Sarah Barnum* » se veut-elle également ambassadrice du génie français ? Référence à l’entrepreneur de spectacles américain Phineas Taylor Barnum (1810-1891). Il était connu pour ses affaires très prospères dans le domaine culturel. Le Cirque Barnum, fondé en 1871 est devenu l’un des plus connus de l’époque et a rassemblé des artistes provenant de divers pays. Dans le monumental ouvrage édité par Noel Daniel sur le cirque aux Etats-Unis entre 1850 et 1950, Linda Granfield remarque l’importance de Barnum : « Aujourd’hui encore, les hommes d’affaires du monde entier étudient la conférence donnée par Barnum en 1858 et intitulée The Art of Money Getting («L’Art de faire de l’argent »). Il y exposait sa vision de la réussite financière et déclarait : « Aux Etats-Unis où nous avons plus de terres que d’habitants, il n’est pas difficile pour une personne en bonne santé de prospérer ». (Granfield, Linda. « Un vent de folie souffle sur la ville » In Noel Daniel (ed.), The circus 1850-1950. New York : Éditions Taschen, 2008. p.53) Les titres des différentes parties de son discours comme « Quoique que vous entrepreniez, mettez-y toute votre énergie », « Lisez la presse » et, une des  clefs de sa réussite, « Faites de la publicité », continuent d’inspirer les entrepreneurs à ce jour. Le surnom « Sarah Barnum » a été employé par l’actrice Marie Colombier, dans un livre qui proposait de témoigner de la tournée de Sarah Bernhardt en Amérique. L’ouvrage paru en 1883, qui a fait scandale : « Les Mémoires de Sarah Barnum » cherchait clairement à donner l’image d’une Sarah Bernhardt cabotine et intéressée par le profit, tout comme le grand imprésario américain Taylor Barnum. Voir Marie Colombier, Voyages de Sarah Bernhardt en Amérique. Paris : C. Marpon et E. Flammarion Éditeurs, 1887This work proposes an analysis of the french actress Sarah Bernhardt's (1844-1923) three tours in Brazil, precisely in the cities of Rio de Janeiro and São Paulo in 1886, 1893, 1905. Taking the thoughts about the flow of artists and the cultural globalization of the 19th century as a background, the present study considers Sarah Bernhardt tours as a precious example of the French theater diffusion process and of the internalization of audiences. In what regards Brazil, it is noticeable that the referred period, marked by a strong foreign artistic presence, is also the moment in which the country’s literate elite reflected about a project of a nation and about the construction of a national dramatic art. The focus of this thesis is, therefore, to locate Sarah Bernhardt’s tours in this panorama. More than a study about French “theatrical influence” in Brazil, our main goal is to ponder about the construction of the Brazilian artistic practice in a context of a broader process of cultural globalization in the 19th century, in which theater played a fundamental role. In what concerns Sarah Bernhardt specifically, this thesis intends to demonstrate the actress’s relevance in this phenomenon. Sarah was a great media star and, at the same time, associated to the french theater erudite repertoire. It attempts, therefore, to understand in what way this “repertory theater” is internationally broadcasted, also impregnating itself with commercial strategies common to the period’s theater industry. In that sense, the construction of the actress’s image abroad, specially in Brazil, is questioned. Also, what part of the cultural “market” Sarah Bernhardt and her managers tried to dominate is evaluated. In other words, how did the actress became Sarah Barnum, with a flair of ambassador of the génie français ?
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Potvin, Louis. "Techniques cinématographiques amenant la distanciation et "On est tous à peu près au même point! On est tous à peu près aussi riches!" (film documentaire)." Master's thesis, Université Laval, 1995. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26274.
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Hohl, Thierry. "L'identité politique des courants et tendances de gauche de la SFIO du congrès de Tours aux débuts de la IVe République : étude d'une pratique." Dijon, 2001. http://www.theses.fr/2001DIJOL022.
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Joinnault, Brigitte. "«Faire théâtre de tout» : la mise en scène des textes non dramatiques chez Antoine Vitez." Rennes 2, 2008. http://www.theses.fr/2008REN20042.
Full textAbstract:
Cette thèse propose un parcours analytique des mises en scène de textes non dramatiques d’Antoine Vitez, afin d’éclairer, par l’examen des pratiques, les enjeux et les processus de la création chez un artiste qui a démontré de façon fondatrice que l’on pouvait « faire théâtre de tout ». Une première partie observe les mises en scène de textes documentaires. Elle compare la première réalisation de Vitez avec celles de Hochhuth, de Kipphardt, de Vilar et de Weiss ; puis elle montre comment il est passé, de l’avant 1968 au début des années 1980, d’une logique dialectique de montage de documents à une logique de mise en scène d’entités documentaires considérées comme des fragments exemplaires de réalité. Une deuxième partie revient sur l’histoire du théâtre-récit, de sa naissance dans des salles communes des quartiers de Nanterre en 1968, à son avènement en Avignon en 1975. Elle met en évidence l’importance primordiale des enjeux socio-politiques dans l’invention de cette nouvelle manière de faire du théâtre avec des textes narratifs. La troisième partie s’intéresse au rôle de la musique et des recherches musicales contemporaines dans l’ouverture du théâtre de Vitez à l’indicible, aux réalités du corps, et aux esthétiques de la répétition et de la variation. Apparaît le rêve vitézien d’un théâtre qui soit le pêle-mêle de l’intime et du politique, d’un auteur poseur d’énigmes, d’un metteur en scène oracle et inventeur derègles du jeu, d’un acteur maître de l’incarnation, et d’un corps microcosmeThis thesis proposes an analytical journey of the staging of non dramatic texts by Antoine Vitez (1966-1982 ), in order to throw light on the stakes and the creative processes of an artist who demonstrated in a founding way that we could "make theatre out of everything", by examining his practices. The first part observes the staging of documentary texts. It compares the first creation of Vitez with those of Hocchuth, Kippardht, Vilar and Weiss, then it shows how he envolved, since before 1968 to the early eighties, moving from a dialectical logic of assembling documents to a logic of staging documentaries entities considered as exemplary fragments of reality. The second part goes back to the history of narrative theatre, since its birth in communal halls in the districts of Nanterre in 1968, to its advent in Avignon in 1975. It brings to light the vital importance of the socio-political stakes in the invention of this new way of staging with narrative texts. The third part focuses on the fundamental role played by music and contemporary musical researches, in the opening of theatre to the unspeakable, the realities of the body, and the aesthetics of repetition and variation. Thus appears Vitez’s dream of a theatre which is a mixture of the intimate and the political, of a writer presenting enigma, of a director who is oracle and inventor of the rules of the game, of an actor who is a master in incarnating, and a body microcosm which is a microcosm
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Ferrier, Bertrand. ""Mais tout n'est pas littérature!" : Le concept de littérarité appliqué aux romans contemporains pour la jeunesse (1995-2005)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040010.
Full textAbstract:
Le succès de l'édition pour la jeunesse a entraîné la crainte que, dans ce secteur, la littérature disparaisse au profit d'une production obsédée par le profit. Qu'en est-il en 2005 de la littérarité dans les livres pour adolescents publiés ? En quoi cette littérarité est-elle spécifique aux jeunes lecteurs ? La première partie, consacrée aux fondements sociocritiques pour la définition d'une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse, montre comment la prise en compte de l'horizon de réception participe de la notion de littérarité. Mais peut-on créer des œuvres littéraires quand force critères stylistiques semblent s'imposer ? La deuxième partie rend donc raison des fondements linguistiques pour la définition d'une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse, autour de trois axes : un vocabulaire accessible n'est pas forcément pauvre ; une syntaxe intelligible n'est pas forcément normée ; et les procédés de littérarité peuvent se fonder sur la prise en compte les déficiences supposées des jeunes lectorat. La troisième partie s'intéresse alors aux fondements thématiques pour la définition d'une littérarité spécifique pour la jeunesse. Sont évoqués des thématiques traditionnelles et leur traitement littéraire : l'éducation, la famille, et l'univers du conte. Puis viennent les thématiques nouvelles ou en renouvellement : la sexualité et la mort. Les contraintes fortes (syntaxiques, génériques, thématiques. . . Et économiques) peuvent ainsi conduire les auteurs pour la jeunesse à remotiver les us et coutumes textuels de façon littéraire. En annexe, nous proposons un état des lieux précis de l'édition pour la jeunesse en 2005Le succès de l'édition pour la jeunesse a entraîné la crainte que, dans ce secteur, la littérature disparaisse au profit d'une production obsédée par le profit. Qu'en est-il en 2005 de la littérarité dans les livres pour adolescents publiés ? En quoi cette littérarité est-elle spécifique aux jeunes lecteurs ? La première partie, consacrée aux fondements sociocritiques pour la définition d'une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse, montre comment la prise en compte de l'horizon de réception participe de la notion de littérarité. Mais peut-on créer des œuvres littéraires quand force critères stylistiques semblent s'imposer ? La deuxième partie rend donc raison des fondements linguistiques pour la définition d'une littérarité spécifique aux livres pour la jeunesse, autour de trois axes : un vocabulaire accessible n'est pas forcément pauvre ; une syntaxe intelligible n'est pas forcément normée ; et les procédés de littérarité peuvent se fonder sur la prise en compte les déficiences supposées des jeunes lectorat. La troisième partie s'intéresse alors aux fondements thématiques pour la définition d'une littérarité spécifique pour la jeunesse. Sont évoqués des thématiques traditionnelles et leur traitement littéraire : l'éducation, la famille, et l'univers du conte. Puis viennent les thématiques nouvelles ou en renouvellement : la sexualité et la mort. Les contraintes fortes (syntaxiques, génériques, thématiques. . . Et économiques) peuvent ainsi conduire les auteurs pour la jeunesse à remotiver les us et coutumes textuels de façon littéraire. En annexe, nous proposons un état des lieux précis de l'édition pour la jeunesse en 2005
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Sokolowsky, Laura. "La psychanalyse pour tous, Freud et les Berlinois : du Congrès de Budapest à l'Institut de Berlin, 1918-1933." Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20001.
Full textAbstract:
Le découpage entre applications non médicales et médicales de la psychanalyse fut établi par Freud lui-même. Un moment du développement de la psychanalyse illustre le dilemme existant entre l'extension du champ de la psychanalyse comme thérapeutique et le danger de sa médicalisation à des fins d'adaptation. En 1918, Freud affirma la nécessité de créer des centres psychanalytiques pour traiter gratuitement les plus démunis. Quels étaient les enjeux de cette application de la psychanalyse aux masses ? Ce discours de Freud orienta l'action des psychanalystes européens pendant la République de Weimar avec la création de la première policlinique psychanalytique à Berlin en 1920, bientôt suivie par la mise à disposition d'un institut destiné aux analystes en formation. Centre mondial de la psychanalyse au cours des années vingt, les principaux standards de la cure-type et de la formation des analystes y furent progressivement mis au point. Lorsque les nazis accédèrent au pouvoir en Allemagne en 1933, Freud ne voulut pas quitter Vienne et s'opposa à la fermeture de l'Institut de Berlin. L'interdiction de la psychanalyse, que Freud redoutait tant, eut été moins tragique que la possibilité, offerte à certains analystes aryens, de tirer profit de la ségrégation à l'encontre de leurs collègues juifs. Dans les années brunes, le paradigme de la psychanalyse pour tous devint intenable. Il apparait enfin que la perspective de la disparition de Sigmund Freud suscita une série d'effets marqués par l'irruption d'un style surmoïque d'organisationThe division between medical and nonmedical applications of psychoanalysis was established by Freud himself. One moment in its development illustrates the dilemma that exists between the extension of the psychoanalytical field as therapeutic and the danger of its being medicalized to adaptive ends. In 1918 Freud asserted the necessity of creating psychoanalytical centers to treat free of charge the most destitute. What were the stakes in this application of psychoanalysis to the masses? This discourse of Freud’s oriented the action of European psychoanalysts during the Republic of Weimar with the creation of the first psychoanalytic policlinic in Berlin in 1920, soon followed by a institute for psychoanalysts in training. A world center for psychoanalysis during the 20s, the principal standards for the typical treatment and for psychoanalytic training were progressively developed there. When the Nazis came to power in Germany in 1933, Freud did not want to leave Vienna and objected to the closing of the Berlin Institute. The banning of psychoanalysis, that Freud so feared, would have been less tragic than the possibility offered to some Aryan analysts avid to take advantage of the segregation of their Jewish colleagues. During the years of the Brown Army, the paradigm of psychoanalysis for all became untenable. Finally, it appears that the perspective of Freud’s death incited a series of effects marked by a style of organization inspired by the super ego
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Orzech, Rachel. "“Un art universel, un art pour tous”? : La réception de Richard Wagner dans la presse parisienne, 1933-1944." Rouen, 2016. http://www.theses.fr/2016ROUEL036.
Full textAbstract:
Cette thèse examine la réception de Richard Wagner dans l’optique de la presse parisienne entre 1933 et 1944. Nous évaluons les façons dont les Français utilisaient Wagner pour discuter de nation, identité et culture pendant la période du Troisième Reich, et dans quelle mesure la réception de Wagner dans les années 30 et l’Occupation interagissaient avec la réception française de Wagner auparavant. Nous prenons aussi en considération les questions de la continuité et de la rupture, à la fois entre la période 1933-44 et des périodes précédentes, et entre 1933-39 et l’Occupation. Les questions suivantes sont posées : dans quelle mesure le changement dramatique dans le paysage politique français-qui eut lieu quand la France fut envahie par les troupes allemandes à l’été de 1940- a-t-il influencé la réception de Wagner dans la presse ? Que cela nous apprend-il sur la place de Wagner dans l’histoire culturelle française ? Et sur la façon dont la nation française se voyait et dont elle conceptualisait ses relations avec l’Allemagne ? Au travers d’un examen des thèmes qui émergent de la presse parisienne, nous verrons que les Parisiens utilisaient Wagner pour faire face au nazisme, pour se heurter à l’idée de rapprochement, pour situer la France dans une nouvelle Europe potentielle, pour se débrouiller dans la vie hebdomadaire de la France occupée, et pour composer avec la politique de CollaborationThis thesis examines the reception of Richard Wagner through the lens of the Parisians press between 1933 and 1944. It considers the ways in which the French used Wagner to discuss nation, identity and culture during the period of the Third Reich, and the extent to which Wagner reception from the 1930s and the Occupation interacted with earlier French reception of Wagner. The thesis also considers the question of continuity and rupture, both between the period 1933-44 and previous periods, and between 1933-39 and the Occupation. It examines the extent to which the dramatic change in the French political landscape-which took place when France was invaded by German troops in the summer of 1940-affected the press reception of Wagner, and what this can tell us about how the French nation thought about itself and its relationship with Germany. It argues, through an examination of themes emerging from the Parisian press, that Parisians used Wagner to confront Nazism, grapple with the idea of rapprochement, situate France within a potential New Europe, understand past Franco-German conflict, manage life under the Occupation, and come to terms with the policy of Collaboration
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Litzler, Pierre. "La poésie des rapports dans la conception de l'architecture de Le Corbusier : étude du projet du Palais du gouverneur et des trois signes architecturaux (main ouverte, tour d'ombre, monument au martyr) du Capitole à Chandigarh." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1997. http://www.theses.fr/1997STR20038.
Full textAbstract:
Cette recherche interroge certains fondements theoriques et pratiques de l'architecture; elle privilegie une approche "philosophique" qui definirait cet art comme pensee de l'espace. Cette reflexion tente de saisir ce qui serait a meme de fonder une "ecriture architecturale" permettant de construire l'intelligible a partir du sensible et de generer un mouvement de la pensee dans l'edification. La these questionne l'oeuvre de le corbusier, pour qui l'architecture se presente "comme un systeme de penser, permettant d'enoncer une pensee"; elle met en valeur un concept essentiel dans sa theorie: e rapport. Ce concept apparait comme le fondement meme de sa pensee architecturale, comme une notion normative essentielle permettant dans cet art de conduire l'invention. L'oeuvre se constitue par les liens que l'esprit mesure entre les elements et les parties; ces relations qui creent l'unite font apparaitre le rapport comme le veritable enjeu de la creation. Les determinants du projet - la qualification intensive et extensive des elements, la disposition des parties constitutives (aire, partition, structure, mur, percement, toit) - sont autant de rapports a creer qui fondent la pensee architecturale. Cette mise en jeu des rapports est une manifestation fondamentale de la connaissance et de l'apprehension du fait architectural: le rapport cree l'emotion, engage le mouvement de la pensee et le raisonnement. Cette puissance des rapports ne mettrait-elle pas en oeuvre la polesis, "l'action de faire" dans l'architecture? le rapport etant ce qui permet de deployer des qualites sensibles a partir de materiaux bruts, ne ferait-il pas advenir l'etre poetique dans cet art? le langage architectural ainsi fonde possede cette capacite d'enoncer une pensee et d'elever l'art de l'architecture vers des sommets d'eloquence. L'etude du palais du gouverneur et des trois signes du capitole nous instruit sur la mise en oeuvre de cette poesie des rapports dans la conception.
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Guy, Emmanuel. "« Par tous les moyens, même artistiques » : Guy Debord stratège : Modélisation, pratique et rhétorique stratégiques." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCD117.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d'étudier l'imaginaire guerrier et la pensée stratégique dans l'œuvre de Guy Debord (1931-1994). L'hypothèse qui sous-tend cette recherche est la suivante : la stratégie constitue pour Debord le lieu où réaliser l’exigence qui caractérise son projet révolutionnaire – réunir dialectiquement la théorie et la pratique, le sérieux et le ludique, l’artistique et le politique. Conçu dès le milieu des années 1950 et pratiqué jusqu'à la fin de sa vie par Guy Debord, le Jeu de la guerre fournit la matrice de cette étude. Lorsqu'il imagine le Jeu de la guerre, Debord agit en designer soucieux de créer une interface entre théorie et pratique ainsi qu'un outil d'émancipation. Ce jeu hérite autant des kriegsspiele militaires du 18ème siècle que des jeux développés par les avant-gardes artistiques au 20ème siècle. Il se présente à la fois comme projet de design critique, plateau de jeu, objet plastique, "situation" modélisée, marchandise, dispositif réflexif et mémoriel, et lieu d'un dialogue entre les lectures et la vie vécue. À l'appui des archives de Guy Debord et notamment de ses fiches de lectures, cet objet fournira également l'occasion de proposer des études de cas stratégiques tant dans l'action collective au sein des avant-gardes internationales lettristes (1952-1957) et situationnistes (1957-1972), que dans l'œuvre individuelle de Guy Debord. L'élection de la stratégie comme champ d'investigation à privilégier à partir de 1972, et la traduction de ce goût dans les œuvres ultérieures de Guy Debord, permettra finalement d’envisager l’autoportrait de l’artiste en stratège, ou du stratège en artiste, que propose Debord à la postéritéThis doctoral research studies war imagery and strategic thinking in Guy Debord's œuvre. It explores strategy as the field in which Debord's revolutionary project is best considered: dialectically uniting theory and practice, seriousness and play, art and politics. Conceived by Debord in the middle of the 1950s and played until the end of his life, the Game of War provides the matrix for this research. When developing the "Jeu de la guerre", Debord is using design-thinking to create an interface between theory and practice, along with an emancipatory tool. The game draws on both the military kriegsspiele and the numerous games developed by modernist avant-garde groups. It is at once a board game, a work of art and design, a paradigmatic situation, a commodity, an apparatus for reflection and memory, and a place where literature and life enter into dialogue. With reference to Debord's archives, and to his reading notes in particular, this object will also provide opportunities for strategic case studies in both the collective action of the lettrist (1952-1957) and situationist (1957-1972) avant-garde groups, and in Debord's individual work. Debord's choice of strategy as his main field of study from 1972 onwards, and the translation of this interest into his later works, ultimately allow us to draw the portrait of the artist-as-strategist, or of the strategist-as-artist, that Debord left to posterity
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Dell'olio, Aurélie. "La Croisière du Vanadis : sur les traces d'Edith Wharton." Thesis, Toulon, 2014. http://www.theses.fr/2014TOUL3003/document.
Full textAbstract:
Une trace est une suite d’empreintes, laissées par le passage d’un être ou d’un objet – c’est donc avant tout l’indice d’un chemin parcouru. C’est à ce déplacement dans le temps et dans l’espace qu’invitent mes travaux de recherche dont l’objectif est de suivre Edith Wharton « à la trace ». La trace, c’est d’abord, pour ce qu’elle nous apprend sur le voyageur et son rapport au monde, cette croisière en Méditerranée qu’elle entreprend en 1888 à bord du Vanadis. C’est également l’empreinte qui subsiste de cette expérience du voyage : un manuscrit dactylographié qui retrace le périple et rend compte du rapport particulier d’Edith Wharton à l’écriture.La trace – ce qu’on suit (« suivre à la trace ») – renvoie donc à une double activité : d’une part au voyage lui-même, d’autre part, à l’exploration de toutes les pistes que j’ai cru bon d’ouvrir à partir du document originel : sur la vie et l’œuvre d’Edith Wharton, sur son environnement socio-culturel et sur le genre de la littérature de voyage – toute une série d’empreintes, donc de signes conduisant à de nombreux signifiés. La question demeure toujours, en dernier ressort, de savoir si les signifiés que croit avoir découvert le chercheur sont bien ceux de l’écrivainA trace is both a material imprint and a trail or series of imprints, marking the passage of a being or an object in transit; it can therefore be understood as the material evidence of a path that has been pursued. In the particular context of this research, the term trace refers first and foremost to the record of a sea voyage. This unpublished journal, kept by Edith Wharton, gives an account of the various stages of the Mediterranean cruise she made in the yacht, the Vanadis, in the spring of 1888.This long book is of particular interest, insofar as it, not only gives a fascinating account of the response of a young nineteenth-century cultivated American to the different cultures discovered in the course of a voyage leading her from North Africa to the Greek Islands and the shores of the Adriatic, but also provides valuable insight into the early responses of an artist in the making.The term “trace” therefore refers to both these aspects: first the voyage itself, the places visited, their physical features and historical significance; secondly the traces left by the visitor who embarked on this adventure at a turning point in her life. The sentiment that the future artist is poised at the crossroads of her existence, leads the researcher – in an attempt to leave as few stones as possible unturned – on a trail leading back to her past and forward to her future. This investigation would not be complete without a survey of travel literature, as the particular genre Edith Wharton has chosen as her means of expression. All these traces unite to form a series of “signs” (in the Saussurian sense of the word), which the researcher endeavours to interpret in the hopes of understanding what is “signified” on a deeper level
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Bobinski, Clifton T. "The effectiveness of training river guides as an alternative interpretive approach in the New River Gorge." Thesis, Virginia Polytechnic Institute and State University, 1985. http://hdl.handle.net/10919/90916.
Full textAbstract:
The effectiveness of a guide training program was evaluated as a means of providing interpretive services to commercial boaters at the New River Gorge National River. Commercial river guides attended a National Park Service sponsored training program which provided accurate information and education concerning natural and cultural history of the New River, the national significance of the New River Gorge National River, the history and purpose of the National Park Service, and information and services available at the visitor centers. The emphasis of the training session was to increase the river guides’ knowledge base and to encourage their interpretive presentation of this information to their customers.
Customers of a commercial outfitter were administered a questionnaire before and after the guide training program. Significant differences in the amount of interpretation guides presented on the river, the amount of knowledge customers acquired during the trip, and the customers' overall trip rating were noted by empirical testing. Increases in the means of all three outcome variables occurred following guide training. Customers’ intentions to visit a New River Gorge Visitor Center did not significantly change following guide training. The validity and reliability of the instrument is discussed as well as potential biases and constraints of the study. Implications for management and further research are also discussed.M.S.
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Gustavsen, John Andrew. "Tension under the Sun: Tourism and Identity in Cuba, 1945-2007." Scholarly Repository, 2009. http://scholarlyrepository.miami.edu/oa_dissertations/298.
Full textAbstract:
My dissertation on Cuban tourism links political, economic, social, and cultural history to show how the development of tourism on the island between 1945 and 2007 has been crucial in helping to cultivate identities for Cuba and the Cuban people on multiple levels. I focus on three distinct periods - 1945 to 1958, 1959 to 1979, and 1980 to 2007. While significant shifts occurred within each of these three phases, this periodization best illuminates the relationship between tourism development and identity. The fall of the Soviet Union, for example, certainly altered the pace of the industry's growth. Arrivals soared beginning in the 1990s, yet much of the institutional framework for conditioning the relationships between touristic actors had been established years earlier. Cuban planners had begun to target a range of specific markets by 1980, over a decade before the economic strife of the 'Special Period' in the early 1990s virtually forced them to move in this direction. For the entire period between 1945 and 2007, tourism and Cuban identity were linked in two very important ways. Tourism provided a lens for foreign visitors to view the island, its people, and its culture; to know what it meant to be Cuban. As well, the industry offered a framework for powerful interests to control the behaviors of Cuban citizens; to instruct them on how to be Cuban.
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Colin, Hélène. "Les reformulations dans le débat politique : les procédés de reformulation mis en oeuvre dans les face-à-face précédant le second tour des élections présidentielles françaises de 1988 et 1995." Paris 5, 2007. http://www.theses.fr/2007PA05H025.
Full textAbstract:
Cette thèse tente de montrer que la reformulation peut être un outil pour l'analyse de l'argumentation (au sens rhétorique) à partir des face-à-face télévisés de deux élections présidentielles françaises. L'analyse des procédés de reformulation mis en oeuvre par les locuteurs a permis d'établir une typologie des procédés formels et fonctionnels de reformulation et de constater que les procédures de reformulation ont toutes une orientation argumentative sans qu'elles puissent pour autant être mises en relation bi-univoque avec telle fonction argumentative. Nous appliquons à titre expérimental le modèle d'analyse de la reformulation créé par MARTINOT (1994) qui définit la reformulation comme « tout processus de reprise d'un énoncé antérieur qui maintient dans l'énoncé reformulé, une partie invariante à laquelle s'articule le reste de l'énoncé, partie variante par rapport à l'énoncé source. »This thesis attempts to show that reformulation can be a way to analyse argumentation (in its rhetorical sense) in the two televised French presidential elections as a starting point. The analysis of the different processes of reformulation used by the speakers made it possible to work out a typology of reformulation formal and functional processes and find out that all reformulation procedures tend to argumentation without the possibility to be connected bi-univocally to such or such argumentative function. We are applying experimentally the reformulation analysis model devised by MARTINOT (1994) which defines reformulation as "any retell process of a previous statement that keeps in the reformulated statement a non variable part around -which the rest of the statement which is variable is articulated"
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Despax, Arnaud. "La question de la totalité dans la poésie française postérieure à la Seconde Guerre mondiale (André Frénaud, Patrice de La Tour du Pin, Pierre Emmanuel)." Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20007.
Full textAbstract:
On considère souvent que la modernité poétique se caractérise par une tension vers le silence, l’effacement, la fragmentation. Or certains poètes français de la seconde moitié du XXe s. Revendiquent explicitement le désir et le droit d’une confrontation au grand Tout, dans des œuvres élaborant, selon un héritage romantique, diverses stratégies de totalisation poétique : ainsi, en particulier, d’André Frénaud, Patrice de La Tour du Pin et Pierre Emmanuel. Sous cet apparent anachronisme de leurs œuvres se laisse en réalité lire une tension, où s'exprime la dualité sémantique de la notion de totalité – entre intensivité et extensivité : le Livre total prétend-il au pouvoir de ramener le multiple à un Tout homogène, ou s’ouvre-t-il à tout sans nier l’infini ? La rupture instaurée par la Seconde Guerre mondiale exacerbe cette incertitude : elle jette en effet le doute sur l’ambition de totalité qui, dans sa dimension intensive, court un risque d’ordre totalitaire – celui de la parole définitive qui nie le reste du monde. Loin de rester aveugle à un tel risque, les trois poètes en question l’exposent : la tentation du tout se trouve limitée par la singularité irréductible des êtres et des choses. Subissant alors une détotalisation due à la crise axiologique d’une posture énonciative compromise, les œuvres acceptent la blessure de l’altérité qui les fragmente. Parce qu’elle fonde sur une éthique de la relation la possibilité de jouer librement le jeu de la multiplicité extensive, la poésie réinvente son droit, sans doute précaire, à se développer comme dynamique de totalisation : l’œuvre existe dès lors pour aboutir au mondePoetic modernity is often said to be typified by its inclination towards silence, self-effacement, and fragmentation. Yet some poets belonging with the second half of the XXth century explicitly claim their desire and their right to confront the Great Totality. They do so in works that elaborate various strategies of poetic totalization in keeping with a Romantic tradition : that is particularly the case of André Frénaud, Patrice de La Tour du Pin and Pierre Emmanuel. In spite of their apparent anachronism, their works actually imply a tension that expresses the semantic dualism of the notion of totality, between intension (wholeness) and extension (allness) : does the whole-inclusive and self-contained Book ambition the fusing of multiplicity into a homogeneous whole, or does it open up to every thing without denying the infinite ? The breaking off induced by World War II enhances this problem, questioning the ambition of intensive totality and its inner risk of totalitarianism : that of the final Word which denies the rest of the world. Far from being blind to that risk, the three poets we study exhibit it. The temptation of totality is consequently checked by the irreducible singularity of beings and things. Undergoing a de-totalization caused by the axiological crisis of a compromised enunciatory posture, the works willingly suffer the injury of otherness that fragments them. Poetry is able to play the game of an extensive multiplicity : this capacity being grounded on an ethic of relationships, it thus reinvents its right to develop according to a totalizing dynamics. Therefore, the work exist by virtue of its issuing into the world
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Soukaï, Caroline. "De l’insularité en tant que mode de décryptage : Patrick Chamoiseau, Ananda Devi, V. S. Naipaul." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040208.
Full textAbstract:
Les littératures caribéennes et océano-indiennes des dernières décennies ont mis en lumière, par le trajet poétique, l’ambivalence inhérente à la circonscription de la réalité géographique insulaire qui permet d’accéder à la conscience îlienne. L’insularité s’impose alors comme le motif contenant le lancinement géographique mais également mémoriel. Lieu duquel surgit l’imaginaire, l’île est instaurée en tant que terreau commun des textes de Patrick Chamoiseau, Ananda Devi, V. S. Naipaul qui, à travers le déploiement poétique, exhibent le tiraillement de l’ancrage et de la fuite, de l’enfermement et de l’ouverture. Ainsi, dans une approche diachronique, le dessein est de saisir l’inscription de cet élément fondateur de la poésie et de sa praxis afin d’entendre le dépassement initié par ces poétiques de la Mondialité, concept-clé de la philosophie poétique d’Édouard Glissant. L’édifice de Glissant irrigue, en effet, les textes, tantôt dans la résonance avec l’oeuvre de Naipaul, tantôt par le legs perceptible dans celles de Chamoiseau et de Devi. La poétique de la Relation constitue alors l’arsenal exégétique qui permet d’accéder aux propositions de contemporanéité des auteurs. Le traitement de la malemort, la fondation de l’ouvrage total, la praxis poétique de la monstruosité désaliénant le corps protéiforme, sont alors les imprévisibles générés. La création tend ainsi à s’affranchir des catégorisations et assignations, car elle est un écho au mouvement du mondeThe Caribbean and Indian Ocean literatures of the last few decades has brought to light, through its poetic journey, the inherent ambivalence of the circumscription of island geographical reality, which allows access to the island consciousness. Insularity appears as the metaphor of a chronic pain caused by the torn between geographical and memory issues. The island, the place from which the imaginary emerges, is established as a common breeding ground for the texts of Patrick Chamoiseau, Ananda Devi and V. S. Naipaul who, through their poetic process, show the conflict of anchoring and escape, of confinement and openness. Thus in a diachronic approach, the aim is to grasp the inscription of this founding element of poetry and its praxis in order to hear the overtake initiated by these poetics of Mondialité, a key concept of Edouard Glissant's poetic philosophy. Glissant’s work echoes with Naipaul’s writing, as they are contemporaries, while Chamoiseau and Devi have inherited of Glissant’s poetic and philosophical thought. Then, the poetics of the Relation constitutes the exegetical arsenal that allows access to the authors'propositions of contemporaneity. The description of the malemort, the creating process of a memorial masterpiece, the poetic praxis of the monstrosity which release the body (physical, social, and literature), are the « unpredictable » generated. Creation thus tends to free itself from categorizations and assignments, because it is an echo of the movement of the world
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Dougnac, Bernard. "Paul Faure (1878-1960) : biographie." Bordeaux 3, 2006. http://www.theses.fr/2006BOR30041.
Full textAbstract:
Des hommes politiques de l'Histoire du XXème siècle, Paul Faure (1878-1960) est assurément l'un des plus oubliés. Ce doctorat d'histoire a donc pour objectif premier de combler une lacune historiographique. Voici, présentées succinctement, les grandes lignes de son action politique. Paul Faure incarne, avec intransigeance et talent, les idées de la tendance guesdiste au sein de la fédération socialiste de la Dordogne de 1901 à 1914. En 1915, il s'oppose cependant à son maître Jules Guesde en défendant le pacifisme et l'internationalisme des " minoritaires " qui, après une longue lutte intestine (1915-1918), finissent par l'emporter. Favorable alors à la révolution russe, il souhaite reconstruire l'Internationale sur des bases plus révolutionnaires mais refuse, au Congrès de la S. F. I. O. à Tours, les vingt-et-une conditions de Moscou (décembre 1920). Devenu secrétaire général de la S. F. I. O. , il est de 1920 à 1924 le fer de lance de la renaissance du Parti amoindri par la scission, luttant à l'extérieur, à la fois contre les gouvernements en place, contre les communistes et contre les marchands de canons – qu'il n'hésite pas à défier dans leur propre fief (Le Creusot) – et à l'intérieur, contre les participationnistes et les " néo-socialistes " (1929-1933). Sous le Front populaire (1936-1938), il est ministre d'Etat à trois reprises – un ministre très militant –, servant surtout de lien entre le gouvernement et le Parti, soutenant constamment la politique menée par Léon Blum. Munichois et pacifiste jusqu'au déclenchement du conflit, Paul Faure se sépare des Blumistes (à partir du Congrès de Montrouge, en décembre 1938), se contentant, sous l'Occupation, de faire partie du Conseil national de Vichy pour " garder la place " en vue d'une éventuelle reprise de l'activité socialiste autour de sa tendance. Jugé collaborateur par les socialistes résistants, il est exclu en 1944 du parti qu'il avait dirigé pendant vingt ans, militant jusqu'à la fin de sa vie (1960) au Parti Socialiste Démocratique qu'il a créé en 1945, défendant désormais, avec ses fidèles " paul-fauristes ", un socialisme humaniste très anticommunisteAmong all the French politicians, Paul Faure (1878-1960) is most certainly one of the most forgotten. This doctorate aims to fill an historical gap. Here are the broad lines of his political actions. From 1901 to 1914, Paul Faure embodied – with intransigence and talent – the ideas of Guesde's sympathies within the Socialist Federation of Dordogne. However, in 1915, he clashed with his mentor Jules Guesde and he chose to defend the pacifism and the inrnationalism of the “minority” who, after a long internal fight, won at last. As he was favourable to the russian revolution, he wished to rebuild the International according to even more revolutionary ideas. But, during the Congress of the socialist party (“SFIO”) in Tours, he refused to sign the twenty-one conditions of Moscow's treaty (December 1920). Then he became the secretary-general of the “SFIO” and he was, from 1920 to 1924, the leader of this reborn party that has been weakened by the split. Paul Faure was fighting outside his party against the present government, the communists and the arms dealers that he dared to challenge in their own kingdom (Le Creusot). He was also fighting – inside his party – against the “participationnists” and the “new socialists” (1929-1933) He has been by three times senior minister during the Popular Front (1936-1938). He was the link between the present government and the Socialist Party and he was always supporting Léon Blum's policy. As he was a man of Munich and pacifist until the beginning of the conflict, Paul Faure separated from Blum's ideas (during the Congress of Montrouge in December 1938). During the Occupation he contented himself with being a member of the National Council of Vichy, planning to keep the place in case of a probable return of socialist actions. Being considered as a collaborateur by the French socialist Resistance, he was expelled from his party which he has been the leader for twenty years. Until the end of his life (1960), he has been a militant of the Democratical Socialist Party that he created in 1945, always defending the ideas of a very anticommunist and humanist socialism
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Houle-Courcelles, Mathieu. ""Une grande union pour tous les travailleurs" : la One Big Union au Québec (1919-1929)." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30131/30131.pdf.
Full textAbstract:
La One Big Union (OBU) a marqué l’histoire du mouvement ouvrier au Canada. Associée au courant du syndicalisme industriel révolutionnaire, l’OBU s’est développée au Québec dès 1919, tout particulièrement à Montréal. Ce mémoire nous permettra mieux comprendre les stratégies d’implantation du syndicat dans la province jusqu’en 1929, en nous attardant sur ses objectifs et ses moyens d’action. Notre recherche mettra en lumière la culture politique de l’organisation et de ses militants, ses périodes d’avancées et de reculs, de même que ses rapports parfois conflictuels avec le reste du mouvement ouvrier.
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Falagán, David H. (David Hernández). "Tous & Fargas: optimismo tecnológico en la arquitectura catalana de la segunda mitad del siglo XX." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2016. http://hdl.handle.net/10803/384614.
Full textAbstract:
This research proposes the study of the architecture jointly developed by Barcelona architects Josep Maria Fargas Falp (1926-2011; t. 1952) and Enric Tous Garbo (1925; t. 1952) especially during the second half of the twentieth century. This must not be read as a monographic catalog of their projects but a contextualization of their works in the context of Catalan and international architecture, industry and culture contemporary to them. The architectural context in which their work is proposed, the progress of the technical means available to the architects, or the influence of the different trends of thought may have had in their work, are part of the scenario analyzed to interpret their different readings of architecture, and paticularly its technical expression.
Throughout the investigation, it is questioned the dominant historiographical reading of Catalan architecture of their time with regard to the technical possibilities. In a local context marked by the duality between the approaches to the architectural discipline from "realistic" and "idealists" positions -both considered as possible interpretations of the continuity of modernity the idealistic option, usually identified in the figure of Tous & Fargas, is virtually neglected by the existing historiography. This work aims to demonstrate the validity and timeliness of this vision of architecture, and in particular the methodology developed by Tous and Fargas. lt has a place a definition of architecture linked to its technical execution, which provides premises such as the modular coordination or the technological research. In turn, here it is demystified the purely idealistic conception of their work, noting the different versions and nuances of their applications.
Tous & Fargas' work is considered a paradigmatic case study of the possibilities of architecture from approaches strongly related to technique. The proposed relationships and interpretations of each model discussed in this paper makes a map of links between the architectural paradigms and the theoretical readings of technology in each case. The methodological approach recognizes an interpretation of the scientific activity as a result of the historical and social context in which it develops, accepting the evolutionary discontinuity argued by theorists like Thomas S. Kuhn. Thus, the technophile vision of Tous & Fargas architecture is addressed through different paradigms recognizable in their career. Such approaches correspond to different methodological approaches with which the architects focused construction processes.
In a specific manner, seven readings of technology are collected in the work of Tous&Fargas : technics as an industrial process, technics as an artistic expression, technics as an act of imitation, technics as experimentation, technics as an element of communication, technics as a factor of integration in a given context, and technics as an element of the market. In turn, the characteristics of the proposed analys is run through compositional, aesthetic, referential, instrumental, professional, historiographical or personal aspects. Thus, different reading techniques allow the composition of the different interpretations of technics.
This panoramic approach shows that technology has always been a tool used by Tous and Fargas as a premise -never as a juxtaposition- to the architectural definition. The motivation to do so has varied from the fascination to the need, through experimentation, showing the polisemy of an optimistic view of technology.La investigación propone el estudio de la arquitectura realizada de manera conjunta por los arquitectos barceloneses Josep Maria Fargas Falp (1926-2011; t. 1952) y Enrique Tous Carbó (1925; t. 1952) durante buena parte de la segunda mitad del siglo XX. No se aborda un catálogo monográfico de proyectos, sino la contextualización de sus obras en el marco de la arquitectura, la industria y la cultura catalanas e internacionales contemporáneas de su trabajo. El contexto arquitectónico en el que se plantea su obra, el progreso de los medios técnicos a disposición de los arquitectos, o la influencia que las diferentes corrientes de pensamiento pudieron haber tenido en su obra, forman parte del panorama analizado para interpretar sus diferentes lecturas de la arquitectura, y en particular de su expresión técnica. A lo largo de la investigación, se pone en cuestión la lectura historiográfica dominante de la arquitectura catalana de la época en relación a sus posibilidades técnicas. En un contexto local , marcado por la dualidad entre los acercamientos a la disciplina arquitectónica desde posturas "realistas" e "idealistas" -consideradas ambas como posibles interpretaciones de continuidad de la modernidad- la opción idealista, identificada habitualmente en la figura de Tous y Fargas, es prácticamente despreciada por la historiografía existente. Este trabajo pretende demostrar la validez y oportunidad de esta visión de la arquitectura, y en particular de la propuesta metodológica elaborada por Tous y Fargas. En ella tiene cabida una definición de la arquitectura muy vinculada a su ejecución técnica, que aporta premisas como la coordinación modular y la investigación tecnológica. A su vez, se desmitifica la concepción puramente idealista de su trabajo, apuntando las diferentes versiones y matices de su aplicación. La obra de Tous y Fargas es considerada como un caso de estudio paradigmático de las posibilidades de la arquitectura entendida desde planteamientos fuertemente relacionados con la técnica. Las relaciones propuestas y las interpretaciones de cada modelo abordado en este trabajo permiten trazar un mapa de vinculaciones entre los paradigmas arquitectónicos y las lecturas teóricas de la tecnología en cada caso. El acercamiento metodológico reconoce una interpretación de la actividad cientifica como resultado del contexto histórico y social en el que se desarrolla, aceptando la discontinuidad evolutiva argumentada por teóricos como Thomas S. Kuhn. De esta manera, se aborda la visión tecnófila de la arquitectura de Tous y Fargas a través de diferentes paradigmas reconocibles en su trayectoria. Tales aproximaciones se corresponden con los diferentes acercamientos metodológicos con los que los arquitectos enfocaron los procesos constructivos. De una manera específica, se recogen siete lecturas de la técnica en la obra de Tous y Fargas: la técnica como proceso industrial, la técnica como expresión plástica, la técnica como acto de imitación, la técnica como experimentación, la técnica como elemento de comunicación, la técnica como factor de integración en un contexto y la técnica como elemento de mercado. A su vez, las características del análisis trazado recorren aspectos compositivos, estéticos , referenciales , instrumentales, profesionales, historiográficos o personales. De esta manera, diferentes técnicas de lectura permiten componer las lecturas de la técnica enumeradas. De este acercamiento panorámico se deduce que la tecnologia ha sido en todo momento una herramienta utilizada por Tous y Fargas como premisa -nunca como yuxtaposición- para la definición arquitectónica. La motivación para hacerlo ha variado de la fascinación a la necesidad, pasando por la experimentación, mostrando la polisemia de una perspectiva optimista de la tecnología.
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Brooks, Cassandra M. "Cultural Exchange: the Role of Stanislavsky and the Moscow Art Theatre’s 1923 and 1924 American Tours." Thesis, University of North Texas, 2014. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc699929/.
Full textAbstract:
The following is a historical analysis on the Moscow Art Theatre’s (MAT) tours to the United States in 1923 and 1924, and the developments and changes that occurred in Russian and American theatre cultures as a result of those visits. Konstantin Stanislavsky, the MAT’s co-founder and director, developed the System as a new tool used to help train actors—it provided techniques employed to develop their craft and get into character. This would drastically change modern acting in Russia, the United States and throughout the world. The MAT’s first (January 2, 1923 – June 7, 1923) and second (November 23, 1923 – May 24, 1924) tours provided a vehicle for the transmission of the System. In addition, the tour itself impacted the culture of the countries involved. Thus far, the implications of the 1923 and 1924 tours have been ignored by the historians, and have mostly been briefly discussed by the theatre professionals. This thesis fills the gap in historical knowledge.
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Carrier-Lafleur, Thomas. "À tout prendre, un peu de temps à l'état pur : Jutra, Proust et l'autofiction." Master's thesis, Université Laval, 2010. http://hdl.handle.net/20.500.11794/21424.
Full textAbstract:
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011Peu d'études ont été consacrées au film À tout prendre (1963) de Claude Jutra. Le spectateur-lecteur qui parcourt les histoires du cinéma québécois est confronté à une réception problématique : souvent qualifié de premier film de notre cinématographie, À tout prendre est aussi taxé d'amateurisme et d'apolitisme. On reproche également à Jutra la dimension autobiographique de son film, sa tentation narcissique. À l'inverse, notre étude s'oppose à cette opinion commune, afin d'actualiser l'image d'À tout prendre. Pour y arriver, nous développons une problématique intermédiatique traçant une transversale entre l'oeuvre de Jutra et À la recherche du temps perdu de Marcel Proust sous le signe de l'autofiction, néologisme doubrovskien, car elle nous paraît bien plus adéquate que l'autobiographie pour éclairer la nature réelle d'A tout prendre. Ainsi, nous proposons une "synthèse des incompossibles" : Jutra, Proust et l'autofiction. Le côté de la Recherche peut rejoindre celui d'À tout prendre.
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Broborg, Sanna. "Förläggaren som medskapare : Om Harry Martinson, Moa Martinson och samarbetet med förläggarna på Albert Bonniers förlag 1928–1939." Thesis, Uppsala universitet, Avdelningen för litteratursociologi, 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:uu:diva-323872.
Full textAbstract:
Författare beskrivs ofta som ensamma skapare till sina verk. I många fall finns det dock betydligt fler som medverkar i produktionen av ett litterärt verk, däribland förlaget. I fallet med svenska författarna Harry Martinson och Moa Martinson är det sen tidigare vederlagt att de båda hade ett utbyte med sina förläggare på Albert Bonniers förlag och att de på olika vis fick råd och ändringsförslag gällande sina texter av sina förläggare Karl Otto Bonnier, Tor Bonnier och Kaj Bonnier. Uppsatsen undersöker på vilka vis förläggarna fungerar som medskapare genom att undersöka kommunikationen i brev mellan författarna och förläggarna gällande författarnas olika manuskript under perioden 1928–1939. Uppsatsen utgår från flera frågeställningar och undersöker mönster i förläggarnas kommunikation och deras synpunkter på författarnas manuskript, hur dialogen ser ut mellan de olika parterna samt vilken funktion förläggarna kan sägas ha i produktionen av de litterära verken, allt som allt i syftet att bidra till förståelse för hur relationen mellan de två yrkesgrupperna kan påverka produktionen av ett litterärt verk fram till dess att en originalutgåva publiceras. Av analysen framkommer det att det finns ett flertal mönster i förläggarnas kritik som berör allt från språket, innehållet och formen, manuskripten i relation till den tänkta mottagaren, förlagets angelägenheter samt vänskapliga relationer mellan författare och förläggare. Trots att förläggarna refuserar båda författarna vid ett flertal tillfällen ser relationen mellan dem olika ut och på så vis skiftar även kritiken från förläggarna och författarnas respons. Bland annat Harry Martinson och Tor Bonnier utvecklar en särskild vänskaplig relation, medan Moa Martinson förmodligen anser sig åsidosatt och att hennes författarskap inte tillskrivs lika stor vikt av förlaget. Harry Martinsons får även något mindre omfattande förslag om ändringar från förlaget och med tiden dessutom mer frihet, medan Moa Martinson in i det sista ombes göra omfattande ändringar och även av andra skäl, så som att hon måste göra ändringar för att hennes innehåll inte anses passande. Båda författarna visar tacksamhet för de kommentarer de får av förläggarna på sina manuskript men är till en början inte alltid villiga att göra ändringar, även om de i slutändan väljer att göra som förläggarna önskar för att på så vis kunna publicera sina verk. Uppsatsen konstaterar att förläggarna framför allt kan ses som medskapare i den litterära produktionen på så vis att de med sina kommentarer är med och formar författarnas åsikter om hur god litteratur ska skrivas och på så vis påverkar deras skapande i det långa loppet.Authors are often described as lone creators of their work. However, in many cases there are several others included in the production of a literary work, amongst them the publishing house. It is previously known that Swedish authors Harry Martinson and Moa Martinson both had an exchange with their publishers Karl Otto Bonnier, Tor Bonnier and Kaj Bonnier at Albert Bonniers förlag (a leading Swedish publishing house). This thesis examines in what ways the publishers’ acts as “co-creators” of the authors literary works by analysing the communication in letters between the publishers and the authors regarding numerous manuscripts written during 1928–1939. The thesis frames several questions and analyses patterns in the publishers’ letters and their comments of the authors’ writing, the dialogue between the five respective parties and what function the publishers can be said to have in the literary production. The overall purpose of the thesis is to further understand the relationship between the two professions and how that affects the production of a literary work, up until the original publication of the work. The analysis concludes that there are some distinguishable patterns in the publishers’ critique of the authors’ manuscripts regarding language, content and disposition, the recipient, the publish houses’ interests as well as the friendship between the authors and publishers. While the relationship between the authors and publishers changes, so does the publishers comments and the authors response to those comments. Harry Martinson and Tor Bonnier develops a friendship which affects their working relationship, while Moa Martinson presumably feels left out and treated less amicably by Albert Bonnier’s. There is a difference between how the authors are treated by the publishers in that Harry Martinson gets less critique and does not need to make as extensive changes in his writings whilst Moa Martinson on the other hand has to do the opposite. The publishers, especially Karl Otto Bonnier, also demands that Moa Martinson make changes regarding unsuitable topics in her writing. Both authors show gratitude for the publishers’ commentary, though they are at first often unwilling to make the suggested changes. In the end Harry Martinson and Moa Martinson tend to yield to the publishers wishes, possibly in order to get their works published. The thesis concludes that the publishers could be considered “co-creators” of the authors’ literary works mainly by contributing to and shaping the authors’ views on what literature is and how it should be written, thus affecting their writings in the long run.
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Vignon, Elodie. "Mère et fille - des relations en question, ou la liberté à tout prix." Thesis, Paris 3, 2013. http://hdl.handle.net/1974/7889.
Full textAbstract:
The mother-daughter relationship is dual, ambivalent, a hall of mirrors; it is at once the site of the womb and maternity, a veritable matrix of meaning. The mother-daughter pairing moves through the body, constantly calling attention to its origins and valorising a transmission au féminin even from within a patriarchal society. However, it can also prove catastrophic. Though the mother is the first person with whom the daughter identifies—her first link to life—the daughter not only reacts to her, but also pushes against her. It would appear that this confrontation is necessary, that it allows the child to detach herself from the mother even as she models herself on her. In order to avoid a destructive union, the daughter must become conscious of the maternal love from which she must take her distance if she is to become someone, and more precisely, a woman. In the novels analysed here, the daughter’s flight—her quest for independence from her mother—points to her need to create herself, to come into her own without destroying the mother-daughter bond. The notion of space is of the utmost importance in the discovery and (re-)establishment of this exclusive filial/maternal relationship. Space becomes the symbol of the mother and the antidote to filial solitude, a site of resistance, one to be conquered and understood, and thus an incentive to write the mother-daughter relationship. The symbolic matricide—depicted in these novels through the absence of the mother during the process of identification and the liberation of the daughter—ensures, a posteriori, the continuation rather than destruction of the filial/maternal relationship, as well as the affirmation of a female lineage. La relation mère-fille est duelle, ambivalente, jeu de miroirs. A la fois lieu de la matrice, lieu de maternage, et de matriçage. Le couple mère-fille en appelle en effet au corps, revenant à l’origine de cette relation qui valorise une transmission au féminin, et ce à l’intérieur-même d’une société patriarcale tendant à assujettir les femmes. Il peut toutefois aussi devenir désastre. La fille réagit face à sa mère, première personne à laquelle elle peut s’identifier, premier lien à la vie. La confrontation est, semble-t-il, nécessaire, elle permet à l’enfant de se détacher de la figure maternelle tout en s’en servant de modèle. Afin d’éviter une union destructrice, la fille doit prendre conscience d’un amour maternel envers lequel il faut qu’elle prenne ses distances de façon à être, à son tour, quelqu’un, et plus précisément une femme. La fuite des filles, ou du moins leur recherche d’indépendance face à leur mère dans les romans analysés indique cette nécessité de se construire soi-même sans pour autant détruire le lien à la mère. L’espace prend alors une place prépondérante dans la découverte et le rétablissement de cette relation maternelle exclusive. Il s’avère être symbole de la mère, antidote contre la solitude filiale, espace à conquérir et à comprendre, lieu de résistance, incitation à écrire cette relation mère-fille. Le meurtre symbolique de la mère, illustré ici par l’absence de celle-ci lors du processus d’identification et de libération de la fille assure a posteriori la persistance de la relation maternelle ainsi que l’affirmation d’une lignée féminine – et non leur anéantissement.Thesis (Ph.D, French) -- Queen's University, 2013-04-18 17:21:29.738
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Finnie, Jimmy W. (Jimmy Wayne). "The Keyboard Percussion Trios of Toru Takemitsu and Toshi Ichiyanagi, a Lecture Recital, together with Three Recitals of Selected Works of Cahn, Maslanka, Miki, Miyoshi, Ptaszynska, Schultz, Wesley-Smith, and Others." Thesis, University of North Texas, 1995. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc278139/.
Full textAbstract:
The purpose of this study is to examine the various signatures of compositional style as manifested in the keyboard percussion trios Rain Tree by Toru Takemitsu and Wind Trace by Toshi Ichiyanagi. Significant personal interaction between the aforementioned Japanese composers and American composer John Cage justifies an investigation of his influence on their compositional styles. Toru Takemitsu is currently one of the most prolific Japanese composers. In 1981, Takemitsu composed the percussion trio Rain Tree. Three years later (1984) the Japanese concert pianist Toshi Ichiyanagi composed Wind Trace using Rain Tree's identical instrumentation of marimba, vibraphone, and crotales. Rain Tree and Wind Trace are very similar in compositional style. Formally, both works are single-movement compositions employing rhythmic tension, harmonic dissonance, and visual imagery created by the use of polyrhythms, aleatory, nonfunctional harmony, and extra-musical references. This study investigates the Japanese philosophy of ma and its influence in Rain Tree and Wind Trace. Ma is the natural pause or interval between two or more phenomena occurring continuously. According to Takemitsu, ma is living space, more than actual space. Both compositions utilize space as an essential compositional technique to either connect compartmentalized activity or to complement melodic material. With the utmost respect for nature, Toru Takemitsu and Toshi Ichiyanagi have synthesized elements of Oriental and Occidental music into compositional styles that are unique yet universal. Functioning within both composer's strong personal aesthetics, the affective use of aleatoric and polyrhythmic structures reflect John Cage's influence. Takemitsu's decision to reevaluate the qualities of Japanese traditional music, and to consciously attempt to express the qualities of nature within his music, are attributable to his associations with John Cage. Rain Tree and Wind Trace are virtuosic vehicles of musical expression for which an understanding of the subtle elements within the Eastern and Western art forms is essential.
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Perrin, Julie. "De l'espace corporel à l'espace public." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082609.
Full text
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Clara, Christine. "La mise en pièces de l'héritage surréaliste après 1945." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA058.
Full textAbstract:
À son retour en France en 1946, André Breton reçoit avec enthousiasme des pièces de théâtre qui parviennent à renouveler les pratiques dramatiques de l'époque. Ionesco, Schehadé, Gracq, mais aussi Adamov, Arrabal, Audiberti, Limbour, Obaldia, Vian et Weingarten, créent entre 1945 et la fin des années soixante des pièces audacieuses qui ont tout pour séduire le chef de file du surréalisme.Même si la plupart des auteurs n'entretiennent qu'un lien tenu voire inexistant avec le mouvement surréaliste, ils héritent de certaines préoccupations du premier surréalisme par le truchement de dramaturges et théoriciens de théâtre (tels que Artaud et Jarry), de penseurs (philosophes ou psychanalystes) mais aussi de metteurs en scènes. Les vingt pièces étudiées ici questionnent l'existence humaine en analysant tantôt la perception de l'absurdité du monde, l'incapacité à communiquer, tantôt la perte des valeurs et de repères, poussant les personnages à s'interroger sur leur identité, leurs souvenirs et leurs désirs.Au-delà de ces réflexions caractéristiques de la production dramatique de l'après-guerre, les dramaturges de notre corpus explorent de nouvelles voies dramatiques. Les uns proposent un travail linguistique qui vise à retrouver la poésie au sein des conversations quotidiennes. D'autres interrogent les certitudes établies par le biais de l'humour et de l'ironie. Enfin, d'autres encore se tournent vers l'exploration de l'inconscient, des rêves et de la folie. Ces trois démarches nées d'initiatives individuelles des dramaturges s'inscrivent dans une esthétique surréaliste, mais il n'est pas sûr qu'elles suffisent à résumer la diversité des entreprises dramatiques ni à définir a posteriori une nouvelle conception du théâtre surréalisteWhen André Breton comes back to France in 1946, he's thrilled with theatre plays which manage to renew the dramatic practices of the time. Between 1945 and the late sixties, Ionesco, Schehadé, Gracq, and also Adamov, Arrabal, Audiberti, Limbour, Obaldia, Vian and Weingarten create daring plays which have everything to allure the leader of surrealism.Even if most authors only have a tenuous or even non-existent link with the surrealist movement, they inherit certain notions of first surrealism through playwrights and theatre theorists - such as Artaud and Jarry-, thinkers -philosophers or psychoanalysts- but also stage directors.The twenty plays studied here question human existence by either analyzing the perception of the nonsense of the world and the incapacity to communicate, or the loss of values and reference markers, leading the characters to wonder about their identities, their memories and their desires. Beyond these reflections characteristic of the dramatic production of the post-war period, the playwrights of our corpus explore new dramatic paths. Some propose a linguistic work which aims at finding poetry within daily conversations. Others question what we take for granted through humour and irony. Finally, others turn to the exploration of one’s unconscious, dreams and madness.These three approaches born of individual initiatives of the playwrights get close to a surrealist aesthetics, but they may not by themselves summarize the diversity of dramatic attempts nor define a posteriori a new idea of surrealist theatre
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Abdalla, Tarek. "L'art du 'ūd égyptien, de l'organologie à la performance : la virtuosité traditionnelle et son évolution à l'aune du 78 tours." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSE2076.
Full textAbstract:
L’autonomisation de l’art instrumental arabe et, plus particulièrement, l’éclosion de l’art improvisatif du taqsīm au ‘ūd, sont concomitants à l’avènement de l’ère discographique et du 78 tours (1903) en Égypte, notamment avec les enregistrements de Sayyid a-s-Suwaysī, tandis que l’apogée de cet art attendra les années 1920, avec les développements apportés à cette pratique par Muḥammad al-Qaṣabgī, surnommé Sultan du ‘ūd. L’émergence du 78 tours est anticipée par une véritable renaissance musicale, menée par des musiciens de génie attachés à la cour d’Ismaël Pacha et ses successeurs. Le développement du pendant instrumental de cette école (nommée la Nahḏa), qui est inhérent au ‘ūd, est lié notamment à l’apparition au cours du dernier tiers du XIXe siècle d’un nouveau modèle de cet instrument. Les caractéristiques géométriques de ce nouveau model (taille, rapport entre longueur de corde vibrante et longueur du manche etc.) le distinguent nettement de son prédécesseur tel qu’il est décrit par les auteurs occidentaux (Villoteau, Lane, Fétis) et orientaux (Maššāqa et al-Jundī). Aussi, sur la période 1902-1904, plusieurs théoriciens égyptiens ont-ils rendu hommage à cet instrument par une actualisation de la théorie modale arabe abbasside, conçue en fonction des doigtés du ‘ūd, et son application au grand ‘ūd égyptien. Ce faisant, ils affirment l’importance de l’instrument dans la théorie, la performance et la transmission. Cette thèse a pour but d’étudier l’évolution de la virtuosité traditionnelle inhérente à la notion médiévale du haḍaq (liée à la perfection artistique) au sein de la tradition musicale arabe, et ce, par le biais de l’analyse de l’évolution des formes jouées, de l’accordage, et des modes de jeu. Cet examen commence par une étude organologique et acoustique des modèles d’instruments employés dans les enregistrements du début de l’ère discographique, en tant que critères externes. Il se poursuit par la segmentation des énoncés enregistrés, à partir de critères internes, liés à la métrique poétique arabe, au mode de jeu et à la configuration du discours musical. Il se termine par une modélisation sémiotique modale de deux extraits et débouche sur une mise en exergue des apports de Qaṣabgī à l’art improvisatif du taqsīmThe autonomy of Arabic instrumental art and, in particular, the development of improvisational from (taqsīm) on the 'ūd, were concomitant with the advent of 78 rpm recordings in Egypt (1903), as represented by the recordings of Sayyid as-Suwaysī. Yet, the apogee of this art will wait until the 1920s, with the novelties brought to its practice by Muḥammad al-Qaṣabgī, dubbed Sultan of 'Ūd. The emergence of 78 rpm recordings is anticipated by a real musical renaissance, led by genius musicians attached to the court of Ismā‘īl Pasha and his successors. The development of the instrumental counterpart of this school (called the Nahḏa) which is closely related to 'ūd, is linked in particular to the appearance during the last third of the 19th century of a new model of this instrument. The geometric characteristics of this innovative model (size, ratio between length of the vibrating string and the neck length) clearly distinguish it from its predecessor as described by both Western (Villoteau, Lane, Fetis) and Oriental authors (Maššāqa et al-Jundī). Moreover, during the period 1902-1904, several Egyptian theorists expressed explicitly their appreciation of this instrument and presented it as an update of the Abbasid Arab modal theory, conceived according to the ūd's fingering, and its application to the large Egyptian ‘ūd. In so doing, they affirmed the importance of the instrument in theory, performance and education. This thesis aims at studying the evolution of traditional virtuosity related to the medieval notion of haḍaq (linked to artistic perfection) within the Arab musical legacy through the analysis of development of musical forms, tuning, and techniques. This examination begins with an organological and acoustic study of the different models used in the recordings of the early era (1904-1937) as an external criterion. It continues with the segmentation of performed sentences, based on internal criteria, related to Arabic poetic metrics, instrumental technique and the configuration of musical discourse. The study ends with a modal semiotic medialization
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Falcon, Cécile. "Théâtres en voyage : les grandes tournées internationales de la Comédie-Française, du Théâtre national populaire et de la Compagnie Renaud-Barrault, 1945-1969." Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30081.
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Après la Seconde Guerre mondiale, la France, affaiblie politiquement et économiquement, développe une politique culturelle extérieure qui utilise les manifestations artistiques, et en particulier les tournées théâtrales, pour assurer le rayonnement de sa culture et de sa langue. Par l’intermédiaire de l’Association française d’action artistique (AFAA), elle envoie de par le monde ses plus grandes compagnies, la Comédie-Française, le Théâtre national populaire de Jean Vilar, et la Compagnie Renaud-Barrault qui devient théâtre national en 1959. Dans un monde façonné par la Guerre Froide, les tournées les plus prestigieuses ont lieu aux États-Unis, en Union Soviétique et en Amérique latine. Le but de cette thèse est de déterminer dans quelle mesure les compagnies théâtrales, instrumentalisées par la diplomatie culturelle française, utilisent aussi ces tournées pour leur propre statut dans le champ culturel français, pour leur économie, ou pour l’affermissement de leur propre identité. La première partie explore les origines et le développement du cadre politique et institutionnel qui a permis la naissance de tournées théâtrales subventionnées et fait du théâtre français un produit d’exportation. Le deuxième mouvement se concentre sur la caractérisation de ce théâtre envoyé à l’étranger, sur son économie et son répertoire. Le troisième temps analyse les différents impacts du déplacement du théâtre à l’étranger. Quelles sont les conséquences possibles de cette situation sur la représentation elle-même et les attentes du public étranger ? Au-delà de la question de la réception, c’est la dimension politique, l’impact esthétique et le rôle symbolique des tournées qui seront mis en lumièreAfter World War II, a politically and economically weakened France develops a cultural foreign policy that uses artistic manifestations, and in particular theatrical tours, in order to ensure the influence of its culture and language. Thanks to the French Association for Artistic Action (AFAA), which was directly supported by the ministry of Foreign Affairs, France sends its greatest theatre companies all over the world, the Comédie-Française and the National Popular Theatre of Jean Vilar, as well as the Renaud-Barrault Company that becomes a national theatre in 1959. In a world shaped by the Cold War, the most prestigious tours take place in the United States, the Soviet Union, and Latin America. This thesis aims at determining to what extent these theatrical companies are not only exploited by the French government for cultural diplomacy, but manage themselves to benefit from the touring system, be that for their own status within the French cultural field, for their own economic solvency, or for the strengthening of their own identity. The first part explores the origins and development of the political and institutional frame that enabled the birth of this system of subsidized, international theatrical tours that made an export out of French theatre. The second part focuses on the characterization of French theatre abroad, on its economy and its repertory. The third section analyses the different impacts of the displacement of theatre abroad. What are the possible consequences on the performance itself and on the expectations of the international audience? Beyond the question of reception, the thesis will shed light on the political consequences, the aesthetic impact and the symbolic role of the tours
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Ollende-Etsendji, Tracy. "Littérature et musique : Essai poétique d'une prose narrative musicalisée dans Ritournelle de la Faim de Jean-Marie Gustave le Clézio, Tous les matins du monde de Pascal Quignard, Les ruines de Paris de Jacques Réda et Jazz de Toni Morrison." Thesis, Tours, 2014. http://www.theses.fr/2014TOUR2021/document.
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Les concepts de littérature et de musique ont toujours été liés depuis l'antiquité grecque. En effet, cette relation est le fruit de plusieurs affinités d'ordre esthétique qui les coordonnent dans la mesure où l’un structure et l’autre matérialise les données à exposer. Autrement dit, la littérature a toujours servi de structure ou de support au XX ème pour dire les phénomènes de langage qui incluent la mathématique, l’informatique et bien d’autres domaines. Aussi, l’esthétique musicale comportant essentiellement les codes rythmiques notamment les figures de silence, les codes acoustiques (notes de musique, instruments de musique), la fréquence des notes, leur hauteur et surtout leur amplitude; sous la forme musicale de la structure narrative, c’est-à-dire une articulation sémantique et discursive des mots et expressions qui cachent en réalité les codes de l’esthétique musicale se révèle une sorte de débordement de la diégèse....C'(est donc ce travail de correspondanc entre la discontinuité sémantique et discursive du texte du XXème siècle (contaminé par les codes de musique) et la constitution d'une partition musicale qui nous aidera à mieux cerner le lien entre littérature et musique... Notre étude prendra à cet effet appui sur quatre oeuvres : Tous les matins du monde de Pascal Quignard, Ritournelle de la faim de J.M G le Clézio, Les ruines de Paris de Jacques Réda et Jazz de Toni MorrisonSince ancient Greece, the music and literature concepts have always been linked. In fact, this relationship had started from the consequence of several aesthetic affinities that coordinate as much as one structure and one materializes the data to expose. In other words, literature has always served as a structure or support the twentieth century to say the language phenomena including mathematics, data processing and many other fields. Also, the musical aesthetics essentially containing the rhythmic codes including “figures de silence”, acoustic codes (music notes, musical instruments), the frequency of notes, especially their height and amplitude; under the musical form of the narrative structure that’s mean, semantic and discursive articulation of words and phrases that actually conceal codes music, reveals a kind of overflow of the literary text.....So, this work of correspondence between the semantic and discursive discontinuity text of the twentieh century (contaminated by the codes of music) and the creation of a musical game that will help us better understand the link between literature and music.... Our study supports on four works (books) : All the Mornings of the World Easter Quignar Ritournelle Hunger the JMG Le Clezio, The ruins of Paris Jacques Reda and Jazz bu Toni Morrison
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Peeters, Marc. "Discrépance et simulacre: la métaphysique de Kant dans la Critique de la raison pure et les systèmes logiques de Stanislaw Lesniewski (ontologie et méréologie)." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1998. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/212001.
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