Dissertations / Theses: '7 - Belles arts'

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Valle, Cordero Alejandro Javier del. "Primitivismo en el Arte de Ana Mendieta." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2015. http://hdl.handle.net/10803/387127.

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Abstract:

La carrera artística de Ana Mendieta se enmarca dentro de los movimientos estéticos de la segunda mitad del siglo XX. El primitivismo en el arte es uno de ellos. Esta investigación estudia en profundidad cómo fue su primitivismo, pasando por el análisis formal de algunas de sus obras con influencias directas del arte africano, hasta llegar a un desarrollo teórico sobre la performance ritual que amplía el primitivismo como un recurso del arte más allá del objeto estético. El contexto histórico durante la formación académica de Ana Mendieta y su paso por Nueva york son las claves que proporcionan una visión de sus obras hasta ahora inédita. La aplicación de una metodología comparativa ha permitido establecer conexiones entre el arte, la antropología, la arqueología, la historia colonial de España, la historia de las religiones y el feminismo.
The career of Ana Mendieta is part of the aesthetic movements of the late twentieth century. Primitivism in art is one of them. This research examines in depth how her primitivism was, from the formal analysis of some of her artworks directly influenced by African art, to developing a theoretical rationale of the ritual performance that extends primitivism as an artistic resource beyond the aesthetic scope. The historical context behind the academic training of Ana Mendieta and the time she spent in New York are the keys that provide a glimpse into her hitherto unpublished works. The application of a comparative methodology has allowed to establish connections amongst art, anthropology, archeology, colonial history of Spain, the history of religion and feminism

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Lupercio, Cruz Carlos. "Aleix Clapés (1846-1920) y Manuel Sayrach (1886-1937) : en los márgenes del modernismo." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2013. http://hdl.handle.net/10803/129415.

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Abstract:

The thesis shows the first monographs of Aleix Clapés and Manuel Sayrach, two important individuals of Catalonian culture, whose works were developed between 1880 and 1937; a long period which saw many importan historical events take place which were reflected in their work. These works on their merit alone, deserve a level of careful attention which they have never before received . This is the principal jusfitication of this thesis and the core reason why both bodies of work have been united within the scope of a single study. But there are other important parallels between them : Originality, anachronism, stylish ambiguity and extravagance; common characteristichs that allow us to understand a priori the problems faced by historians when trying to classify and interpret these works : They are such outsiders of the traditional catalogue of modern style that they are paid little attention. Nevertheless, there is another important connection between them : Antoni Gaudi. Competitor, close friend and colleague in important projects for Clapés; while for Sayrach, a mythical and inspirational figure , against whom he contrasted his works and architectural theories.lf we consider the difficulty with which the extraordinarily creative output of Gaudi was taken on board by the traditionally conservative local historiography, then the works of Clapés and Sayrach, being so close both formally and ideologically to those of Gaudi come up against a similar, but even greater, problem in that is not easy to place into the historiography of Catalonian art works that, while eccentric, are also "inferior" to those of Gaudi. For this reason , our theory distances its elf from the conventions of the traditional discourse of modernism with the ¡ntention of getting closer to the historical truth. This new perspective allows the works and their authors to be truly considered artistic productions of great value and worthy of protection. The abundance of mentions and commentaries about Clapés' work in the contemporary press demonstrates that our initial hypotesis was correct: Clapés' place in history is merely a pale shadow of the real individual in his time and in his world . On the other hand , ¡nterest is awakened more and more in "casa Sayrach", the main work of Sayrach which highlights the disconnect between the role given to him by history and the authentic dimension of the individual. Aleix Clapés (1846-1920) and Manuel Sayrach (1886-1937) were born and died in the province of Barcelona. They followed different reative, literary and cultural activities . Aleix Clapés with his pictures , advanced the local syrnbolism and he can be considered expressionist avant la lettre. The preflerence that Eusebi Güell and Pere Mila gave to his pictorial work, expresses de high esteem in which he was held by the Catalonian bourgeois. Clapés also designed the furniture for the entrance and living room for the Ibarz family (1902), the most powerful and beautiful of Catalonian syrnbolism, and in addition , bought and ran the influential magazine publication "Hispania" in its second period (1903). Manuel Sayrach, received the title of architect in 1917, when he had already reformed the family retreat known as "La Torre dels dimonis" (Sant Feliu de Llobregat, Barcelona , 1909-1913) and when he was finishing building the "casa Sayrach" (Barcelona, 1914-1918). Some years later, Sayrach built the "casa Montserrat" (Barcelona , 1926). He also conceived a dramatic project: "Els drames de la llum", from this project Sayrach published "Abelard i Eloïsa" (1919) and "Reigzel" (1920). He entered the field of political ideology with his work "República i Constitució" (1931).

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Rodríguez, Pomares Olga. "Técnicas y acabados de superficie sobre la escultura en piedra. Investigación práctica con tratamientos químicos y mecánicos en mármol." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2011. http://hdl.handle.net/10803/32047.

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Abstract:

En esta Tesis Doctoral, perteneciente a las materias aplicadas y experimentales, se ha realizado un estudio de las diferentes técnicas y tratamientos de superficie de la escultura en piedra, con el fin de determinar las metodologías y los procesos utilizados por los artistas que han realizado de forma plástica, un acercamiento a los sistemas desarrollados en la investigación. Este estudio de las distintas etapas de la escultura, nos han servido como referencia para establecer modelos, que tras un análisis comparativo, han podido ser utilizados en posteriores aplicaciones prácticas, en un trabajo propio artístico. De esta forma, bajo una propuesta de estudio teórico del relieve, el grabado y la talla directa, hemos desarrollado una Metodología basada en la planificación y ejecución de unos ensayos con diferentes técnicas como el grabado con ácido, la incrustación del metal, transferencia e impresión digital UVI y la acción de la naturaleza y los procesos industriales.
In this Doctoral Thesis that belongs to the applied and experimental matters, has been made a deep study of the different techniques and treatments of surface in the stone sculpture along the history, with the aim of determine the methodologies and processes used by the artists, who have made, in a fine form, an approach to developed system in the research. This study of the different sculpture stages, has served as reference to establish models that have been utilized in posterior practical applications. In this sense, under a theoretical study proposal of the relief, engraving and direct carving, having a large number of specific cases studies at our disposal, it has been developed a methodology based on the essays’ planning and implementation, like engraving with acid, encrusted metal, transfer techniques, digital print UVI, nature action and industrial processes.

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Vázquez, Rodríguez Gerardo. "Detrás del objeto de diseño y arte, silencio e Incertidumbre: El caso de Monterrey, México." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/129544.

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Abstract:

La conformación de los pueblos y ciudades estarían entrelazados entre varios sistemas de existencia permanentes; imaginarios y tangibles coinciden en un solo escenario que conjuga múltiples vidas.Niklas Luhmann menciona que la sociedad en sí no estaría formada por los individuos, sino por los vínculos de comunicación que de ellos emergen, estos lazos serían canales con abundante información y forjarían el entretejido social, de un individuos a otro. Así los sistemas de objetos serían el constante reflejo emergente de estos vínculos comunicativos e informativos, dando carácter a la organización de formas que rodean a un individuo y reafirmando la información que los genero. Las personas estaríamos permanente condicionados a moldear un mundo colectivo inherente a la identidad y la conformación de la misma. El configurar está colectividad estaría ligada inmutablemente a la decisión de rodear situaciones por medio de objetos determinantes del discurso identitario asignado a la misma. Asimismo la vida transcurre a través de los objetos que nos rodean y precipitan están situaciones, generando y reafirmando comunicación, identidad e información.Las ciudades se convertirían así en los grandes contenedores de situaciones enlazadas entre objetos, identidades e individuos, reafirmando y construyendo intangibles de comunicación e identidad. Los objetos que forman lo que conocemos como una ciudad o un entorno estarían referidos a estos elementos no físicos antes que a los medios matericos, reafirmando discursos imaginarios antes que esquemas propios de una función o la propiedad material.Así en esta investigación planteamos el supuesto de descubrir la condición de información y comunicación, inclusive en los objetos de arte y diseño que han determinado a través de los años a la ciudad de Monterrey, México, determinando el estudio del particular caso de hibridación que se daría entre los naturales de la región geográfica y sus objetos, a la par de la llegada de familias españolas de diversos orígenes. El desconocimiento de los imaginarios que entrechocan dentro de la mezcla suscitada de culturas nos lleva a plantearnos los términos de incertidumbre y silencio. También sería la metáfora prescrita por la diferencia de plataformas de idioma, desconocimiento de los otros, tanto culturalmente, como en su proceder permanente para autoconstruir un entornos significativo y de permanencia ante determinada geografía.
The conformation of the towns and cities would be intertwined between various systems of permanent existence, imaginary and tangible agree on one stage that combines multiple lives.Niklas Luhmann mentions that society itself would not be made by individuals, but by the communication links of them emerge, these bonds would be information-rich channels and forge the social fabric of an individual to another. So would object systems the constant reflection of these links emerging communicative and informative, giving character to the organization of forms which surround an individual and reaffirming that the gender information.People would permanently shape a world conditioned to inherent collective identity and shaping it. The set is community would immutably linked to the decision to surround situations by determining the identity discourse objects assigned to it. Life goes also through the objects around us are rushing situations, and reaffirming generating communication, identity and information.The cities would thus become large containers of situations linked between objects, identities and individuals, reaffirming and building communication and identity intangibles. The objects that make up what is known as a city or an environment would be related to these physical elements rather than materia media, reaffirming imaginary speeches before a characteristically function or material property.So in this investigation raised the event to discover the condition of information and communication, including objects of art and design that have determined over the years to the city of Monterrey, Mexico, private study determining the hybridization event is give between natural geography and its objects, on par with the arrival of Spanish families from diverse backgrounds.Ignorance of the imaginary clashing raised within the mixture of cultures leads us to consider the terms of uncertainty and silence. Metaphor also be prescribed by the difference in language platforms, ignorance of the other, both culturally and in its permanent proceed to self-construct one significant environments and permanence to certain geography.

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Gnezdilova, Anastasia. "Sculptor Nina Slobodinskaya (1898-1984). Life and search of creative boundaries in the Soviet epoch." Doctoral thesis, Universitat de Girona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/334701.

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Abstract:

Nina Konradovna Slobodinskaya - sculptor of Soviet epoch and space. Her creative work embraces more than 50 years and mirrors all artistic tendencies, actual subjects, main sculptural genres of the most contradictory, bloody period of XX century. Undoubtedly, the artist belongs to her time, sensitively facing and reacting at issues and challenges posed by the epoch, reflecting them in her artworks. However, the sculptor was able to become an independent master, choosing deeply human and supertemporal subjects in her creative work. Finally, following her proper artistic inclinations she contradicted the strict artistic rules of the Soviet reality. Hence, Nina Slobodinskaya opposed herself to the State’s demands, dooming her creative work to the social disregard and ignoration, and therefore was consigned to the oblivion. Noble by origin, being a part of Russian cultural intelligentsia (writers, artists, philosophers, scientists), she was capable to adapt and transmit her world vision’s beliefs into sculptures, enriching them with symbolical multi-level content. Accordingly, discovering a sculptor with a proper artistic vision and a developed individual style we also bring to light the philosophical and spiritual beliefs of Russian cultural elite, which by their system of values still belonged to the former Imperial Russia and, therefore, was condemned to the extermination by Lenin’s and Stalin’s policy.
Aquesta tesi doctoral estudia l’obra de Nina Konradovna Slobodinskaya (1898-1984), escultora a l’època soviètica. La seva obra creativa abraça més de 50 anys i inclou totes les tendències artístiques, temes actuals i tota classe de gèneres culturals en el període més contradictori i sanguinari de l’art rus del segle XX. Nina Slobodinskaya és una artista del seu temps, que va reaccionar als reptes del moment i que va saber reflectir-ho en les seves obres. No obstant, encara que es trobés immersa en plena era soviètica, va crear de manera independent, escollint temes humanistes i atemporals. Com que va seguir les seves pròpies inclinacions artístiques, va contradir les estrictes normes soviètiques, es va oposar a seguir els dictàmens artístics de l’Estat, i això va fer que se la menystingués i se la ignorés, i va caure a l’oblit. D’origen noble i pertanyent al cercle d’artistes, filosofs, esculptors i escriptors de l’ elit cultural russa, va saber captar i transmetre els seus valors i la seva visió del món a les seves escultures; les va enriquir amb un profund contingut simbòlic i espiritual. D’aquesta manera descobrim una escultora amb una visió artística pròpia i un estil individual que ens porta a entreveure creences espirituals i filosòfiques, inherents a la tradició russa, que pel seu sistema de valors encara pertanyia a la Rússia imperial que, per tant, va estar condemnada a l’extermini per les polítiques de Lenin i Stalin

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Benítez, Valero Laura. "Bioarte. Una estética de la desorganización." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/129126.

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Abstract:

Bioarte. Una estética de la desorganización se centra en cómo la relación biotecnología y prácticas artísticas ha dado lugar a preguntas sin precedentes sobre el concepto de cuerpo, de vida, sobre la relación entre arte, ciencia, sociedad, ética, estética, economía y política. El uso de la biotecnología y las entidades semi-vivas como partes esenciales de la investigación artística nos permite formular preguntar en torno cuál ha sido la evolución del concepto vida desde una perspectiva filosófica. Los proyectos artísticos presentados en esta tesis muestran la necesidad de re-evaluación de las taxonomías, así como permiten nuevos discursos a partir de las diferentes relaciones que establecemos con estas nuevas entidades, discursos sobre la humanidad y sobre la relación entre humanos y animales no-humanos. Este tipo de proyectos artísticos se pueden convertir en un conjunto de puntos desde los cuales analizar posibles cuestiones éticas sobre el uso de materiales biológicos con fines artísticos, o el rol de la filosofía en la investigación artística. Esta tesis establece una conexión entre una selección de proyectos artísticos y una selección tanto de conceptos como de problemas filosóficos, como las cuestiones éticas relativas al uso de material biológico con fines artísticos, el uso de animales no-humanos como parte de proyectos artísticos, el rol del arte en la investigación o el rol de la filosofía contemporánea en la investigación artística, así como supone un intento por mostrar cómo la innovación tecnológica y la investigación científica se están convirtiendo en cuestiones claves para la estética contemporánea. Una estética de la desorganización propone tomar las potencialidades de estas prácticas artísticas para desorganizar el cuerpo, desorganizar los códigos, las narrativas y las taxonomías. Supone la composición de un paisaje fractal, un collage que posibilita nuevas construcciones desde el extrañamiento, nuevas preguntas sobre el cuerpo, la vida, lo ético y lo político. Una desorganización que permite repensar- se en un plano extendido, una estética que nos permite huir de una organización unificante y jerarquizante.
Bioart. An Aesthetic of disruption focuses on how the relationship between biotechnology and artistic practises has raised unprecedented questions about body, life, about the relationship between art, science, society, ethics, aesthetics, economy and politics. The use of biotechnology and semi-living entities as an essential part of artistic research allows us to ask which has been the evolution of Life concept from a philosophical perspective. These projects show us the necessity of a re-evaluation of standard taxonomies, and can also enable new discourses on the different relationships we establish with these "new entities", about humankind and the relationship between humans and non-humans animals. This kind of artistic works can become a set of focal points from which to analyse possible ethical questions about the use of biological material for artistic purpose, or the role of philosophy in artistic research. This PhD dissertation connects some bioartistic practises with some philosophical concepts and issues, as the ethical claims of using biological material for artistic purposes, the ethical claims of using non-humans animals as a part of the artworks, the role of art in research, the role of contemporary philosophy in artistic research, and tries to show how technological innovation and science research are becoming key to contemporary aesthetics. An aesthetic of disruption proposes to take the potential of these artistic practises to disrupt the body, disrupting the codes, narratives and taxonomies. It involves the composition of a fractal landscape, a collage that allows us a new construction from the estrangement, new questions about the body, life, ethics and politics. A disruption that allows to re-think-us in an extended-plane, an aesthetic that allows us to escape from an unifying and hierarchic organisation.

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González, García Ainize. "Cuando el lápiz se detiene surge la imagen: Las artes visuales (y sus procesos) en la obra de Joan Brossa." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/117618.

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Abstract:

Se trata de un trabajo que estudia cuál es la relación de Joan Brossa con las artes visuales. En este sentido, la investigación transita a través de territorios diversos. Así, en el primer capítulo se analiza su poesía visual; en el segundo la aparente evolución diferenciada entre su creación y la de otros artistas de su círculo; en el tercero el supuesto punto de inflexión que se da en su obra con la publicación del libro Em va fer Joan Brossa en 1951; en el cuarto su gusto por lo onírico y lo cotidiano, la estructuración de la realidad a través de la fotografía o la aplicación de procesos propios de otras artes como el collage y el montaje cinematográfico en su producción poética; en el quinto el interés por el movimiento en su teatro de carácter más experimental y en el sexto la cosificación de su poesía a través de sus poemas-objeto. Finalmente, como conclusión, se resuelve hasta qué punto esa relación con las artes visuales determina el resultado final de su obra, al tiempo que se evidencia cómo dicho vínculo condiciona la percepción y teorización sobre su figura.
This PhD thesis studies the relationship between Joan Brossa and the visual arts. The work explores diverse fields and topics. In this way, the first chapter is devoted to the analysis of the author’s visual poetry; the second focusses specifically on the apparent differentiated evolution of his work and its linking with the work of other artists of his circle; the third investigates the turning point attributed to his work after the publication of Em va fer Joan Brossa in 1951; the fourth analyses Brossa’s taste for oneiric and everyday elements, his structuring of reality through photography, as well as the adoption of other arts’ techniques such as collage and film editing in his poetic production; the fifth deals with the author’s work with movement in his experimental plays and the sixth one studies the phenomenon of reification in Brossa’s poetry through his so called “object poems”. In the final conclusive chapter it is argued to what extent Brossa’s relationship with the visual arts determined the final result of his work and clearly conditions both the perception of and the theorising about the poet.

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Barniol, López Montserrat. "Sant Antoni Abat a Catalunya en els segles XIV-XV: relat, devoció i art." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/129074.

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Abstract:

Aquesta tesi estudia el relat, el culte i la iconografia de sant Antoni Abat a la Catalunya dels segles XIV i XV, tot i que aquestes limitacions geogràfico-temporals es traspassen quan la investigació ho requereix. Si bé en altres indrets aquest tema ha estat estudiat, no era així a Catalunya, de manera que la tesi pretén omplir aquest buit historiogràfic, tot i que amb un enfocament diferent als treballs d’abast més ampli o que se centren a Itàlia i a una part de França, posant l’èmfasi en les imatges del sant i en la seva iconografia però també al relat i al culte. Tot i tractar-se d’una tesi realitzada des de la història de l’art, aquesta interdisciplinarietat era inevitable: l’estudi de la iconografia –el propòsit inicial del treball- requeria també l’anàlisi del llegendari, al qual la historiografia havia prestat menys atenció de la que es mereix. Això ha permès poder arribar a conclusions de caire més general, però també a altres centrades en aspectes més concrets, siguin referents als textos, a la devoció o a la iconografia. Després d’un capítol dedicat a l’eremitisme, a la seva presència en la literatura medieval i al culte als sants eremites, que ens serveix per contextualitzar sant Antoni i el seu culte, la tesi aborda els tres aspectes citats: el relat, el culte i la iconografia del sant. Seguidament s’inclou el catàleg de les obres amb escenes narratives i les conclusions. L’estudi del relat antonià arrenca amb els textos escrits poc després del traspàs de l’eremita i la seva difusió a Catalunya. Això ha implicat analitzar alguns compendis hagiogràfics, entre els quals els diferents exemplars de la Llegenda àuria, que m’ha dut a replantejar algunes hipòtesis i afirmacions que havia fet la historiografia. Seguidament, es tracten els textos antonians escrits durant els segles medievals, que van enriquint el llegendari, així com la seva difusió en àmbit català. A més a més, es mencionen algunes notícies hagiogràfiques, incloses en textos de diversa índole. Amb tot plegat, queda palesa la vivacitat del relat. Quant al culte al sant, s’aborda el transcendent paper que va jugar l’orde dels antonians i la seva expansió en la potenciació del culte. Igualment, es tracta com n’ha estat de determinant per aquest culte la protecció que el sant ofereix als animals, que ve donada tant pel llegendari, com per la transcendència del porc per l’orde i per la situació de la festivitat del sant en ple cicle hivernal. Seguidament es posa en entredit una especialització que la historiografia havia donat al sant, la de protector de vaixells en alta mar, i s’analitza l’amplitud de la devoció i com aquesta es tradueix visualment. El següent capítol analitza la iconografia de sant Antoni així com les diferents escenes narratives que trobem a la plàstica catalana, des de les més recurrents fins a aquelles més minoritàries. A diferència del què passa en altres indrets, les dificultats que trobem a Catalunya per estudiar-la són destacables. D’entrada, perquè s’han perdut molts cicles dedicats al sant, entre els quals alguns d’especialment remarcables, i perquè desconeixem molta de la informació relativa a les peces. Aquesta, en cas que es conegui, es trobarà a les fitxes del catàleg raonat, on també s’inclouen imatges i la transcripció dels documents més destacats. Finalment, les conclusions recullen les aportacions del treball, constatant, d’una banda, com s’han resolt alguns aspectes i, de l’altra, com altres queden encara oberts, sense deixar d’apuntar possibles futures vies de recerca.
This dissertation studies Saint Anthony’s text, cult and iconography in Catalonia in the XIVth and XVth, although these geographical and chronological limitations are broken when necessary. This subject has been studied more in general or giving attention to other countries, but not to Catalonia. This is what this dissertation pretends to do, but with a different approach from what other studies did, focusing on images and their iconography but on text and devotion as well. Even if this is an Art History dissertation, the interdisciplanary approach was needed: studying the iconography implied analyzing the texts as well, in which historiography had paid less attention than the one it deserves. This allowed us to reach to general conclusions but also to other related to more concrete aspects, wheter about text, cult or iconography. After the first chapter dedicated to the heremitism, its presence in medieval literatura and the cult to hermitic saints –which contextualizes the saint and his cult- this dissertation studies saint’s text, devotion and iconography. Then, a catalogue compiles all the information related to the pieces and, at the end, we find the conclusions. The study of the texts starts with the ones written soon after saint’s death and their spreading in Catalonia. This lead me to analize some hagiographical compendiums, among them different Catalan Golden Legend manuscripts, which made me think about some hypothesis and statements historiography had defended. Then, we focus on the other text written during Middle Ages, which made saint Anthony’s hagiography richer, and on how they were well-known in Catalonia. Besides, some hagiographical news gathered in other codices are included. With all, the vivacy of the saint’s hagiography is clear. As far as the cult to the saint is concerned, the role that the order of Saint Anthony played in promoting it is studied here. Furthermore, the importance of the saint’s protection on the animals for the devotion is analized as well. This protection is justified by the text, the importance of the pig for the order and for the situation of the saint’s festivity during the Winter season. Then, I wonder about the saint’s speciallity of saving ships about to shipwreck. Finally, the wideness of the cult and its visual traduction is shown. The following chapter is dedicated to study saint Anthony’s iconography as well as the episodes represented in Catalan art, from those that are more famous to the ones that only appear few times. In Catalonia, studying these images is so difficult because of the lost of many relevant information, which does not happen in other countries. Besides, some of the greatest cycles are lost, too. Anyway, the known information about the different pieces is compilled in the catalogue, which also includes some images and copied documents, in case they are important. At the end, the conclusions gather the contributions of this dissertation, showing, on the one hand, how some aspects have been solved and, on the other hand, how others are still open. Some possible ways of future research have been indicated as well.

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Vega, Suriaga Edgar. "Eduardo Solá Franco, Wilson Paccha, Transtango: estrategias de las masculinidades en Ecuador." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/134831.

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Abstract:

La presente tesis doctoral titulada “Eduardo Solá Franco, Wilson Paccha, Transtango: estrategias de las masculinidades en Ecuador” plantea las dificultades, posibilidades y límites de la representación de las masculinidades en las artes plásticas y en el arte contemporáneo en Ecuador. Para ello, en un primer capítulo se propone un análisis de las masculinidades contemporáneas como resultado de la emergencia del sujeto masculino moderno decimonónico. En ese análisis, se plantea que en el siglo XIX surge una masculinidad hegemónica y dominante como resultado de la revisión cientificista de los discursos mítico/religiosos que dominaron y dieron sentido a lo que conocemos como occidente. En este capitulo se examina cómo en dicha masculinidad convergen las tecnologías de la visión, los dispositivos de clasificación social, los discursos que re-racializaron a las poblaciones de las excolonias, y los discursos médicos y psicológicos que legitimaron la negación y subordinación del cuerpo, del cuerpo de las mujeres, de lo femenino, de los cuerpos feminizados, y de la homosexualidad. En este gran marco referencial, este capítulo contextualiza el régimen de visión masculino y las políticas de representación artísticas de la masculinidad en Ecuador a lo largo del siglo XX. En el segundo capítulo, la investigación da cuenta de cómo la obra del ecuatoriano-catalán Eduardo Solá Franco (Guayaquil, 1915 - Santiago de Chile, 1996) propone una estrategia estética irreverente respecto a la representación del cuerpo y la masculinidad en el contexto local del momento. En este capítulo se revisa cómo la obra de este artista contravino el “deber ser” de las corrientes estéticas de la primera mitad del siglo XX en Ecuador, tan dominadas por el Indigenismo. Frente a ellas, la obra de Eduardo Solá Franco aquí estudiada nos presenta una masculinidad teatralizada y homoerótica que contradice no solo el ideal de corporalidad exigido a las representaciones estéticas en el mencionado contexto, sino a la configuración misma de la masculinidad como ideal cerrado, sólido y dominante. En este capítulo se propone además que esta masculinidad homoerótica, es un gran subterfugio que opera como reverso de las prácticas heteronormadas en las cuales el autor inscribió su homosexualidad. En el tercer capítulo, se presenta la obra del quiteño Wilson Paccha (Quito, 1972) como expresión de una teatralización extrema y estridente de la masculinidad en Ecuador. En ese sentido, en este capítulo se revisa cómo la parodia, el histrionismo, la estridencia cromática y el exceso dominan la representación de unos cuerpos masculinos que llevan inscrita la marca poscolonial. Justamente, este capítulo destaca que la acción del pintor quiteño cuestiona la preocupación por la identidad étnico-racial como lugar canónico y prevaleciente en las representaciones estéticas ecuatorianas a lo largo del siglo XX. A partir de este cuestionamiento, el sujeto masculino que propone la obra de Wilson Paccha se mostrará escéptico y burlesco frente a los discursos identitarios que no solo dominan la estética del país andino sino que además dan contenido al imaginario del Estado nacional. Como consecuencia de esta postura estético/política, este capítulo da cuenta de que la obra de Wilson Paccha deviene en una crítica a la masculinidad hegemónica y dominante, que además es blanco/europea, heterosexista, racista y sexista. A modo de apéndice, esta investigación analiza una expresión artística contemporánea que registra la actual crítica estética y política a los mecanismos de opresión generizada de los cuerpos en el Ecuador contemporáneo. En este apéndice se proponen las implicaciones del performance Transtango, en el contexto del activismo de las diversidades sexo-genéricas en el país andino, y como gesto de apertura al debate incipiente de la relación entre género y arte en la escena artística ecuatoriana.
This, the doctoral thesis entitled "Eduardo Solà Franco, Wilson Paccha, Transtango: Strategies of Masculinities in Ecuador" poses the difficulties, possibilities and limits of the representation of masculinities in the plastic arts and contemporary art in Ecuador. To this end, the first chapter puts forward an analysis of contemporary masculinities resulting from the emergence of the modern nineteenth century masculine subject. In this analysis it is proposed that in that century a hegemonic and dominant masculinity emerged as a result of the scientificist revision of the mythic/religious treatises which dominated and gave sense to what we know as the West. In this chapter is an examination of the convergence, in this masculinity, of the technologies of vision, the contrivancies of social classification, and the medical and psychological discourses which legitimise the negation of the body, of the body of the woman, of the feminine, of feminised bodies, and of homosexuality. In this wide referencial framework, this chapter contextualises the regime of masculine vision and the politics of artistic representation of masculinity in Ecuador throughout the twentieth century. In the second chapter, the investigation gives an account of how the work of the Ecuadorian-Catalan Eduardo Solà Franco (Guayaquil, 1915 - Santiago de Chile, 1996) propounds an irreverent esthetic strategy with respect to the representation of masculity and the body in the local context of the moment. In this chapter is a revision of how this artist's work contravenes the "ought to be" of the esthetic currents of the first half of the twentieth century, so dominated by Indigenism. In contrast, this work presents a theatricised homoerotic masculinity which contradicts not only the ideal of corporality called for in esthetic representations in the above-mentioned context, but also the same configuration of masculinity as a sealed, solid and dominant ideal. This chapter further proposes that this homoerotic masculinity is a great subterfuge operating in reverse of heteronormal practices in which the author inscribed his homosexuality. The third chapter presents the work of Wilson Paccha (born Quito, 1972) as the expression of an extreme and strident theatralisation of masculinity in Ecuador. In that way, this chapter examines how parody, histrionics, chromatic stridence and excess dominate the representation of certain masculine figures which bear the post-colonial footprint. Precisely, it emphasises that the action of this artist from Quito questions the preoccupation for ethno-racial identity as a canonic and prevalent position in the esthetic representations of Ecuador throughout the twentieth century. Starting from this questioning, the masculine subject which the work of Wilson Paccha puts forward is shown to be sceptical and burlesque facing identical discussions which not only dominate the Andean state, but also give substance to the imaginary of the national state. As a result of this esthetic/political posture, this chapter gives an account of how the work of Wilson Paccha evolves into a criticism of hegemonic and dominant masculinity which is furthermore white/european, heterosexist, racist and sexist. By way of appendix, this investigation analyses a contemporary artistic expression which records the current esthetic and political criticism of the mechanisms of opression of the body in contemporary Ecuador. The appendix puts forward the implications of the performance Transtango, in the context of the activism of the sexual diversities of the Andean state, and as a gesture of the widening insipient debate of the relationship between gender and art in the artistic scene of Ecuador.

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Matrán, Bea Casilda. "Arte y psicobiografía : un estudio de la obra gráfica de Hans Christian Andersen." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2015. http://hdl.handle.net/10803/307221.

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Abstract:

Esta investigación aborda por primera vez la psicobiografía de Hans Christian Andersen, desde su obra gráfica. La metodología empleada también es inédita en este tipo de estudios: análisis panofskyano contextualista y hermenéutica psicoanalítica. Los resultados nos han arrojado, a través del significado otorgado a las seis categorías elaboradas ad hoc: Complejo de Edipo, Eros, Thanatos, Represión, Sublimación y Fantasía, que nuestro autor tenía una personalidad egocéntrica y ególatra y de afectividad ciclotímica .Se ha concluido que existe en él una omnipresencia obsesiva de la muerte, frustración amorosa, y “temeroso servilismo” como "mediador" entre su "realidad traumática" y su "obra artística". Toda su obra es un egregio “retorno de lo reprimido” con un “reiterado empleo de la antropomorfización”. Existe un preámbulo del surrealismo. Aparece la catatimia del recuerdo y la pseudología fantástica como elementos que permiten a Andersen "fabular" y contrapesar el complejo de inferioridad que experimenta en sus relaciones sociales.
This research addresses for the first time psychobiography of Hans Christian Andersen, from his graphic work. The methodology is also unpublished in this type of study: panofskyano contextual analysis and psychoanalytic hermeneutical.The results have thrown us through the meaning given to the six categories elaborated ad hoc: Oedipus complex, Eros, Thanatos, Repression, Sublimation and Fantasy, that our author had a sel-centered personality and egotistical and cyclothymic affectivity. It has been concluded that there is in hi an obsessive omnipresence of death,loving frustration,and “fearful servility” as a mediator between his traumatic reality and his artistic work. All his work is an eminent “return of the repressed” with a “repeated use of the anthropomorphization”.There is a preamble of surrealism. It appears the catatimia of keepsake and the fantastic pseudologia as elements that allow Andersen “fabulate” and counterbalance the inferiority complex which experiences i their social relations.

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Sacarès, Taberner Miquela. "Vivat Ars Lul·liana. Ramon Llull i la seva iconografia." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/284949.

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Abstract:

La tesi és un estudi iconogràfic sobre el filòsof mallorquí Ramon Llull. En primer lloc s’estudia i analitza la codificació i l’evolució del tipus iconogràfic de Ramon Llull; en un primer moment s’inicia en l’anomenada primera generació de manuscrits dels segles XIV i XV fins arribar a les representacions del segle XIX. S’estableixen diferents models iconogràfics que abracen diferents processos i tècniques com miniatures, gravats, pintura i escultura. A continuació es tracta la iconografia narrativa dels diferents episodis de la vida de Ramon Llull, seguint els capítols de la Vita Coaetanea, primera biografia de Llull i altres biografies posteriors. El punt de partida de l’estudi són les cèlebres miniatures de Karlsruhe - primera manifestació plàstica que tracta les estacions més importants de la vida de Llull. A banda del cicle narratiu de Llull, un altre apartat està dedicat al beat envers la devoció mallorquina. Santa Pràxedis, santa Caterina Tomàs, sant Alonso Rodríguez o la venerable Anna Maria del Santíssim Sagrament són algunes de les santes i sants amb els quals el savi mallorquí es representa acompanyat. Un altre bloc rellevant tracta els diferents ordes religiosos en relació a Llull. L’orde franciscà amb sant Francesc d’Assís inicien el repertori d´imatges de sants franciscans amb Ramon Llull. La temàtica de la defensa de la Immaculada Concepció està encapçalada per la tríade dels franciscans Duns Escott, sant Bonaventura i el mateix Llull. L’orde dominicà amb l’entrevista de sant Ramon de Penyafort i el savi mallorquí, o la temàtica de les controvèrsies i els atacs a les imatges de Llull són les representacions més significatives d’aquest grup. La Companyia de Jesús també és un dels ordes religiosos que gaudeix de representacions lul·lianes. El P. Jeroni Nadal i el P. Andreu Moragues varen esser grans impulsors en el patronatge d’obres lul·lianes. El següent apartat tracta els grans programes iconogràfics que s’han dedicat al savi mallorquí. En primer lloc s’estudia el seu sepulcre del segle XV situat en la capella de la Puritat de Maria del convent de Sant Francesc de Palma de Mallorca, en segon lloc el retaule de la Santíssima Trinitat, obra de principis de segle XVI, en tercer lloc el retaule de la “capella nova del beat Ramon Llull” realitzada a principis del segle XVII, i finalment s’analitza les escenes de la vida de Ramon Llull del pintor del sis-cents Miquel Bestard. La redacció de la tesi es completa amb un apèndix documental en el qual s’ ha incorporat tota la documentació que s’ha pogut localitzar relativa a les obres artístiques. Contractes de retaules i pintures, testificacions notarials, i declaracions sobre peces artístiques lul·lianes són el contingut d´aquesta documentació. El catàleg és una altra de les parts importants de la tesis. La catalogació i la sistematització de les representacions del beat Ramon Llull ha estat una de les qüestions prioritàries. El criteri s’ha basat en dos elements claus: el tema o contingut de la representació i la cronologia. L’objetiu de l’estudi és aportar una visió diacrònica dels diferents models iconogràfics que s’han creat mitjançant l’ajuda de les fonts literàries, sobretot biografies de Llull i altres escrits, a més de fonts gràfiques com les còpies de gravats i altres repertoris plàstics amb els seus conseqüents canvis, transmissions, i permanències que s’han desenvolupat al llarg del temps.
The thesis is an iconographic study about the Majorcan philosopher, Raymond Lully. In first instance the codification and evolution of the iconographic origins of Raymond Lully are closely studied; commencing with the first set of manuscripts dating from the XIV- XV until the XIX Century. Different iconographic models are established by way of studying the different processes and techniques, such as miniatures, reliefs, paintings and sculpture. After which the close study of the iconographic narrative in all various stages of the life of Raymond Lully is observed, following the footsteps of "Vita Coaetanea" (Daily Life), the very first biography of Lully, as well as later biographies. The starting point of this study are the famous miniatures of Karlsruhe- the first plastic manifestation which treats the most important epoch in the life of Raymond Lully. Apart from the narrative aspect of Lully, another section is dedicated to the Majorcan Beatification and Majorcan Belief in general. St. Praxedes, St. Catherine Thomas, St. Alonso Rodriguez or the venerable Anne Marie of the Holy Sacrament are some of the Saints that accompany the wise Majorcan on his journey. Another relevant section deals with the various religious Orders. The Franciscan Order of St. Francis of Assisi as their leader start the repertoire of images of Franciscan Saints with Raymond Lully. The theme of the defense of the Immaculate Conception is headed by the triad of the Franciscans Duns Escotto, St. Bonaventure and the same Lully. The Dominican Order with the interview of St. Raymond of Peñafort and the wise Majorcan, or the theme of the controversies and the attacks towards the images of Lully are most significant representations. The company of Jesus is also one of the religious Orders that is involved in the Lullian representations. Father Jeffrey Nadal and Father Andreas Moragues were great pillars in the funding of Lullian works. The following section deals with the great iconographic programmes which have been dedicated to the wise Majorcan. In first instance the sepulchre of the XV Century situated in the Chapel of the Purity of Maria in the Convent of St. Francis of Palma of Majorca is studied, in second instance the altarpiece of St. Holy Trinity, work from the beginning of the XVI Century, and thirdly the altarpiece of the so-called “New Chapel of the Beatified Raymond Lully”, created at the beginning of the XVII Century, in fourth and last instance the scenes of the life of Raymond Lully are analized in the paintings of the 600's Michael Bestard. The edition of the thesis is completed by a documentation appendix in which all documentation that could be found in relation to the artistic works has been added. Contracts of altarpieces and paintings, notary accounts as well as declarations about artistic pieces by Lully are the content of this documentation. The catalogue is another of the important pieces of the thesis. The catalogisation and order of representations of the Beatified Raymond Lully has been one of the main concerns in this study. The criteria for the afore-mentioned catalogisation has been based on two elementary keys: the theme or the content of the representation and the chronology. The object of this study is to offer a diachronic vision of the different iconographic models that have been created via the help of literary sources, above all biographies of Lully and other writs, apart from other graphic sources like the copies of the reliefs and other plastic repertoires with their according changes, transmissions and remains that have evolved throughout the course of time.

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Alberú, Gómez María del Carmen. "RELACIÓN DE MICHOACÁN Y CÓDICE FLORENTINO: LA HUELLA MEDIEVAL EN DOS CÓDICES DEL SIGLO XVI." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/96171.

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Abstract:

El análisis de una selección de imágenes de la Relación de Michoacán (1541) y del Códice Florentino (1579) llevó a esta autora a sumarse a la opinión académica que valora como medieval el legado español a México en el siglo XVI. El objetivo del estudio se desprendió de la dicotomía historiográfica entre los estudiosos del descubrimiento, conquista y colonización de América consistente en considerar aquel decisivo episodio como la continuidad lógica de la época renacentista o bien, ver en él la proyección todavía medieval de la visión española del mundo, aunque estos acontecimientos se produjeran a partir de 1492, época ya moderna. Los frailes responsables de la elaboración de ambos manuscritos, Jerónimo de Alcalá y Bernardino de Sahagún, declararon como propósito principal de su tarea el conocimiento de estas culturas prehispánicas, la purépecha y la mexica, a partir de la memoria, las declaraciones y participación de los indígenas en cada uno de los libros, con la idea de detectar y erradicar las creencias autóctonas e implantar eficazmente el cristianismo. La interpretación de los registros cognitivos que detentan las imágenes demuestra por el contrario la supremacía de la mentalidad del medievo occidental allí donde se pretendía encontrar la mexicana. Las imágenes y la retórica que ilustran hablan tanto de la cultura colonizadora como de la colonizada. Ordené las reflexiones en cuatro capítulos en los se que precisa la filiación medieval de los dos códices y se sugiere sobre qué aspectos se puede continuar trabajando en futuras investigaciones. El capítulo primero es una síntesis de las cualidades culturales de signo medieval que aparecen en estos dos libros como el privilegio de la memoria sobre la observación; la verdad es tal en tanto fuese sancionada por la memoria a diferencia de la práctica renacentista de llegar a ella empíricamente. En el segundo capítulo me ocupé de la descripción de ambos manuscritos destacando sus diferencias y la identidad de ambos con la tradición libresca medieval con el objeto de revisar la manera en que la imaginería participa del legado pictórico usual en la ilustración de manuscritos durante la Edad Media. Mucho se ha escrito de la pervivencia de los denominados códices prehispánicos como una de las pocas manifestaciones que remontaron la conquista; aquí analicé las razones por las cuales ni la Relación de Michoacán ni el Códice Florentino forman parte de esa continuidad y, en cambio, se alinean con la tradición franciscana medieval de la elaboración de obras de carácter etnohistórico, didáctico y erudito. El capítulo tercero recoge una selección de los análisis iconográficos de ambas obras que resultaron más relevantes para esta tesis cuyos autores utilizaron diferentes aproximaciones metodológicas. Por último, el capítulo cuarto, lo dediqué al análisis de una selección de imágenes que explican el final de las dos culturas estudiadas y, más sorprendente, la asimilación de los nuevos esquemas impuestos para explicar gráficamente sus historias y el ocaso de las mismas. La idea fue poner de relieve la capacidad cognitiva de la imagen que demuestra que España y México en el siglo XVI no manifiestan la misma experiencia artística en la ilustración de libros. Palabras clave: historia social del arte, códices coloniales, códices medievales, arte medieval, iconografía, iconología.
This study establishes that while the discovery, conquest and colonization of México occurred in from 1492 onward (i.e., modern historical times), the sixteenth-century Spanish legacy there, was in fact medieval. I reach this conclusion through the analysis of images contained in the Relación de Michoacán (1541) and the Florentine Codex (1579). This supports the view that considers this decisive event as a medieval extension of the Spanish understanding of the world, as different to the logical approach of modern renaissance times. The friars responsible of the manuscripts elaboration Jerónimo de Alcalá and Bernardino de Sahagún declared that their projects main purpose was the knowledge of both Purépecha and Mexica pre Hispanic cultures based on the indians’ declarations, their memories of the events before and during the conquest and their involvement in the writing of the manuscripts. In doing so the friars would also be able to detect and eradicate idolatry in order to effectively establish Christianity. Nevertheless images interpretation in both manuscripts shows the supremacy of medieval mentality upon indigenous world view so that these books reflect the profound and quick acculturation lived in México as much as the lost vanquished cultures. The ideas are developed in four chapters. Chapter I summarizes medieval cultural signs that are to be found in both manuscripts as is the privilege of memory over observation: the truth is so as long as it exists in the memory not as a result of empirical verification. Chapter two deals with the description of the studied manuscripts in terms of their medieval codices strong similarities in structure and characteristics, specifically with Franciscan tradition manuscript making. Next chapter is a review of five iconographic analysis of these codices illustrations. The specialists approached their analysis from different methodologies useful to contrast the present thesis results. The fourth chapter is dedicated to the inquiry of an image selection that explains the end of both studied cultures, interestingly enough, through the assimilation of the new imposed paradigms: forms, significance and values of medieval image making. Key words: social history of art, colonial codices, medieval codices, medieval art, iconography, iconology.

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Pol, Rigau Marta. "Anàlisi de l’obra plàsticovisual i poèticotextual de Fina Miralles: L’arbre com a reflex de la seva cosmologia." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/107944.

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Abstract:

El present estudi s’ha analitzat com el pensament de Fina Miralles va fluctuar del corrent neopositivista i analític de la seva primera etapa conceptual (1972-1975) , sense entrar a l’etapa postconceptual (1976-1978) o els treballs de quadre concepte (1979-1983), fins a arribar a una obra textual i poètica vinculada a un pensament holístic espiritual (1981-1996). Del conjunt de l’obra de Fina Miralles es denota com l’encadenament d’idees que estan presents -algunes vegades latents i d’altres més evidents- en el procés de treball plasticovisual i poèticotextual de l’artista, formen part d’un tot que es va generant, no de manera lineal, sinó com a resultat de múltiples interaccions entre ells al llarg de tota la seva trajectòria vital artística, literària i filosòfica. Aquest estudi aporta una nova visió sobre la naturalesa de l’obra de Fina Miralles i revela que la seva forma del treballar s’ha fonamentat en la capacitat de l’artista de relacionar, interaccionar i traslladar l’essència dels materials, idees, vivències, així com els seus pensaments poètics expressats -tant en imatges com en paraules- a àmbits completament inesperats, fins i tot imaginaris, per atorgar-los una nova realitat ontològica, que queda recollida en la figura cosmològica de l’arbre.
The present article examines how Fina Miralles’ thought fluctuated from the analytical, neo-positivist current of her first conceptual stage (1972-1975) to her later poetic, textual work linked to spiritual holism (1981-1996), without taking into account her post-conceptual stage (1976-1978) or her concept pictures (1979-1983). Fina Miralles’ works show how the chain of ideas (at times latent and other times more manifest) present in her visual and poetic-textual work process is part of a whole body of work, generated not in a linear manner but as the result of multiple interactions between both, throughout her artistic, literary and philosophical life experience. This study contributes a new insight into the nature of Fina Miralles’ works. It shows how her artistic approach was based on her capacity to relate and interact, and to transpose the essence of her materials, ideas, experiences, and poetic thought (expressed in images and words), to completely unexpected and even imaginary spheres, in order to endow them with a new ontological reality, as captured in the cosmological figure of the tree.

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Molina, i. Giralt Glòria. "Art i ciència. Aportacions actuals de la ciència a la història de l’art i el patrimoni a Catalunya." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/298325.

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Abstract:

L’estudi dels materials del patrimoni cultural ens aporta informació sobre els corrents artístics i estètics. Però també ens dona una visió molt útil sobre la història, la societat i la tecnologia en les quals s’ha creat l’objecte d’art, tot sovint aportant dades noves o fins i tot rectificant les que es tenien per certes. A més, un cop elaborats, els materials dels quals estan composats els objectes artístics inicien processos d’alteració en contacte amb el medi que els envolta: ”el temps també pinta”. Tots els materials evolucionen i es transformen amb el temps. L’anàlisi i posterior interpretació dels materials que conformen l’obra d’art i les vicissituds que ha patit la peça (enterraments, restauracions anteriors, repintats, possibles falsificacions...) ens permetran afrontar amb coneixement de causa tant les accions encaminades a la conservació preventiva com les eventuals intervencions de restauració. En aquest sentit l’aportació de les tècniques físico-químiques a la Història de l’Art i al coneixement i la preservació del Patrimoni en general són inqüestionables, si més no en teoria. Però cal establir ponts que permetin als historiadors de l’art i als gestors de patrimoni comprendre les aportacions que aquestes tècniques fan al coneixement i la salvaguarda d’un Patrimoni que és de tots. Aquesta tesi pretén –a partir d’un exhaustiu anàlisi de la situació actual a Catalunya quan al coneixement de les aportacions que fa la Ciència– donar eines a aquests col·lectius perquè puguin comprendre una mica millor el mon de la caracterització de materials patrimonials. Amb aquest objectiu s’ha elaborat un complert Manual de tècniques físico-químiques dirigit a historiadors de l’art i gestors del patrimoni cultural; però també proposa accions de trobada entre historiadors, gestors, conservadors, restauradors i científics amb l’objectiu de generar un corpus de coneixement comú.
The study of cultural heritage materials gives us information on the aesthetic and artistic trends. But it also gives us a very useful on the history, society and technology which created the art object, often providing new data and even those had to rectifying certain. In addition, once processed, the materials of which are composed art objects initiate processes of change in contact with the environment around them, "the time also paints." All materials evolve and transform over time. The analysis and subsequent interpretation of the materials that make up the artwork and the difficulties suffered by the piece (burials previous restorations, repainting, possible forgeries ...) we will deal with knowledge of both actions to preventive conservation and eventual restoration interventions. In this regard the contribution of physicochemical techniques in art history and knowledge and the preservation of cultural heritage in general are unquestionable, at least in theory. But we must build bridges that allow art historians and asset managers understand the contributions that these techniques are knowledge and safeguard a heritage that belongs to everyone. This thesis aims -from a thorough analysis of the current situation in Catalonia when knowledge of the contributions that science does- provide tools to these groups so that they can understand a little better the world of materials characterization of heritage. With this objective has prepared a complete handbook Physicochemical techniques aimed at art historians and managers of cultural heritage; but also proposes actions meeting between historians, managers, curators, conservators and scientists with the aim of creating a common body of knowledge.

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Herrera, Ramírez Jorge A. "Diseño e implementación de un sistema multiespectral en el rango ultravioleta, visible e infrarrojo : aplicación al estudio y conservación de obras de arte." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2014. http://hdl.handle.net/10803/277543.

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Abstract:

Multispectral systems have several applications and there are different possible configurations in which they can be implemented. Different characteristics make them useful, but the basic one is the access to spectral information of a scene or sample with high spatial resolution. In this thesis , the main objective has been the design and implementation of a multispectral system that covers part of the UV, the visible, and part of theIR ranges of the electromagnetic spectrum to be applied to artwork studies. The main part of the thesis is dedicated to the design, characterization and application of a multispectral system based on multiplexed illumination using light emitting diodes (LED). This system comprises two modules : Module 1 UV-Vis, with a CCD camera sensitive between 370nm and 930nm , coupled to a source of LEDs with 16 different channels, i.e. 16 wavelengths of emission; and Module 2 IR with an lnGaAs camera with sensitivity between 930nm and 1650nm coupled to an LED source with 7 emission wavelengths. Thus , the complete system covers from 370nm to 1650nm with a total of23 channels obtained with LED illumination. The system elements were characterized and simulations were performed to assess their performance in the reconstruction of spectral reflectance under ideal conditions , and also under conditions of quantization noise and additive noise. Its performance was evaluated using the formula CIEDE2000 color difference, the mean square error (RMSE) and the goodness-of-fit coefficient (GFC) . The simulation results showed a good overall system performance, but with better results for module 1 UV -Vis due to the increased amount of LED channels in its spectral range. Computer programs with their respective graphical interfaces to control the hardware and processing the information provided by the system were implemented. For the spectral reconstruction we employed the method based on direct interpolation using splines , and the methods based on training set of samples with known digital system responses and spectral reflectances: the undetermined pseudo-inverse (PSE -1) and simple pseudo-inverse (PSE). The equipment was evaluated over real samples of the Color Checker Chart CCCR and a series of frescoes patches painted with pigments used in artworks. The results of the metrics CIEDE2000, RMSE and GFC showed that the methods ofthe PSE-1 and PSE have similar performance, with slightly better results for the second one. The interpolation method presented a slightly lower performance, but it has the practical value of not needing training. The results for the PSE method were similar to those obtained through simulation, and proved again that the module 2 IR has lower performance. lt was concluded that overall system performance was good with CIEDE2000 and RMSE average values for the methods based on PSE in the order of 1 unit. The developed system was applied to artworks in the museum ofPedralbes Monastery in Barcelona, and the churches of Sant Pere in Terrassa. Different images of murals of the chapel of San Miguel in the Monastery of Pedralbes were captured. The evaluation of the system performance for this museum application showed similar performance to the reported one in laboratory. We also captured a painting of large format, oil on wood named: La Virgen de la Leche. For this artwork the modular design and easy movement of the system was used to generate a complete picture by composition from several smaller images. At the churches of Sant Pere, we explored wall paintings dating from the Visigoth (VI-VII) and Romance times (XII -XIII) to assess whether there were features in the paintings that were not evident in the visible range, but in other spectral ranges. Enhancement algorithms were implemented for this task. The results obtained in this thesis demonstrate the potential of the developed multispecral system for obtaining spectral information in the ultraviolet, visible and infrared regions.
Los sistemas multiespectrales tienen la característica principal de proporcionar acceso a información espectral de una muestra con alta resolución espacial. En esta tesis, como principal objetivo, se ha diseñado e implementado un sistema multiespectral para aplicarlo al estudio de obras de arte. Este sistema comprende dos módulos: el módulo 1 UV-Vis, con una cámara CCD con sensibilidad entre 370nm y930nm, acoplada a una fuente de diodos emisores de luz (LED) con 16 canales diferentes, es decir 16 1ongitudes de onda de emisión; y el módulo 2 IR, con una cámara lnGaAs con sensibilidad entre 930nm y 1650nm, acoplada a una fuente LED con 7 longitudes de onda de emisión. Por tanto, el sistema completo abarca desde 370nm a 1650nm con un total de 23 canales. Se caracterizaron los elementos del sistema y se han realizado simulaciones para evaluar su rendimiento en la reconstrucción de reflectancias espectrales bajo condiciones ideales, condiciones de ruido de cuantificación y aditivo. Su rendimiento se evaluó empleando la fórmula de diferencia de color CIEDE2000, el error cuadrático medio (RMSE) y el coeficiente de bondad del ajuste (GFC). Los resultados de las simulaciones mostraron un buen rendimiento general del sistema, aunque con mejores resultados para el módulo 1 UV-Vis debido a la mayor cantidad de canales LED en su rango espectral. Paralelamente se implementaron los programas computacionales con sus respectivas interfaces gráficas necesarias para el control del hardware usado y para el procesamiento de la información proporcionada por el sistema. Para la reconstrucción espectral empleamos un método de interpolación directa basado en splines, y los métodos de pseudoinversa indeterminada (PSE-l) y pseudoinversa simple (PSE) que necesitan de un entrenamiento con un conjunto de muestras con respuestas digitales del sistema y reflectancias espectrales conocidas. El equipo se evaluó sobre muestras reales de la carta de colores Color Checker CCCR y sobre un conjunto de pinturas al fresco realizadas con pigmentos comúnmente presentas en obras de arte. Los resultados de las métricas CIEDE2000, RMSE y GFC mostraron que los métodos de la PSE-1 y PSE tienen desempeños similares, con resultados ligeramente mejores para el segundo método. El método de interpolación presentó un rendimiento ligeramente menor, aunque tiene el valor práctico de no necesitar entrenamiento. Los resultados reales para el método del PSE fueron similares a los obtenidos mediante simulación, y se mostró una vez más que el módulo 2 IR tiene un rendimiento inferior. Se concluyó que en general el desempeño del sistema era bueno, con valores CIEDE2000 y RMSE promedio para los métodos basados en PSE del orden de 1 unidad en ambos casos. El sistema desarrollado fue aplicado a obras de arte en el museo de Monasterio de Pedralbes, en Barcelona, y las Iglesias de Sant Pere, en Terrassa. En el Monasterio de Pedralbes se capturaron diferentes imágenes de pinturas murales de la capilla de San Miguel y se evaluó el desempeño del sistema para esta aplicación de museo, mostrando un desempeño similar al reportado en las pruebas de laboratorio. También se accedió a la obra “Virgen de la Leche” que es un óleo en tabla de gran formato. En esta obra se aprovechó el diseño modular y de fácil movimiento del sistema para generar por composición una imagen completa a partir de varias imágenes menores. En las iglesias de Sant Pere se exploraron pinturas murales que se estima datan de las épocas visigoda (siglos VI-VII) y románica (siglos XII-XIII) para evaluar si existían características en las pinturas que no fueran evidentes en el rango visible y que si lo fueran en otros rangos espectrales. Para ello se implementaron algoritmos de realce de la información. Los resultados obtenidos en esta tesis doctoral ponen de manifiesto las potencialidades del sistema multiespecral desarrollado para la obtención de información espectral en las regiones ultravioleta, visible e infrarrojo

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Greciano, Merino Alberto. "Imagen-Capoeira Una fenomenología hermenéutica de la Interfaz en las rodas de capoeiragem de la ‘maranhensidade'." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/382628.

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Abstract:

Esta investigación propone una reflexión sobre los procesos de conocimiento que la trama tecnológica comunicativa está introduciendo en nuestras sociedades. Para ello, recurrimos a los modos de exposición que se despliegan en las rodas de capoeira a través de un estudio transdisciplinar de la cultura maranhense. Pues, entendemos que la disposición relacional que ponen en marcha estos rituales puede representar un arquetipo metafórico de la fenomenología que se origina con la Interfaz. La capoeira viene proyectando una forma de organizar y pensar el conocimiento que no se corresponde con el reflejo de una esencia, sino con una red de relaciones formadas con otros individuos, otras comunidades y otras culturas. A través de la heterogeneidad cultural que confluye en este dispositivo social de comunicación simbólica, venimos a interpretar las circunstancias que la nueva interfaz tecnológica desencadena en el complejo entramado de la comunicación contemporánea. Ya que, los nuevos dispositivos visuales de comunicación digital han provocado que esta interfaz haya dejado de ser un mero instrumento para convertirse en una parte esencial de la estructura social. Esta disposición es la que nos lleva a reflexionar sobre el papel que cumplen los medios en la identidad mestiza de las representaciones culturales contemporáneas, así como, en el desarrollo del debate sobre el régimen híbrido de la imagen y la capacidad de representación epistemológica de los dispositivos tecnológicos de la visión. Al adoptar esta perspectiva entendemos que la representación que ponen en marcha estos dispositivos remite directamente a la disolución holográfica de las categorías segregadas (sujeto-objeto-imagen-conocimiento). Y, a su vez, que el movimiento recursivo de interpelación que se establece en estos espacios de actuación viene a representar una circulación imaginativa que coloca a los sujetos (usuarios y jogadores) ante el dilema de participar de un modo de conocimiento que es precisamente el que desean determinar.
This research proposes a critical reflection about the processes of knowledge that the technological communicative weave is introducing in our societies. For it, we resort to the manners of exhibition that deploy in the rodas of capoeira, through a transdisciplinar study of Maranhão culture. Because, we understand that the relational disposition that these rituals put in place can represent a metaphorical archetype of the fenomenology that originates with the Interface. The capoeira comes projecting a way of organizing and thinking the knowledge that does not correspond with the reflection of an essence, but with a network(net) of relations formed with other individuals, other communities and other cultures. Through the cultural heterogeneity that comes together in this social device of symbolic communication, we come to interpret the circumstances that the new technological interface unleashes in the complex maze of the contemporary communication. Since, the new visual devices of digital communication have provoked that this interface has ceased to be a mere instrument to turn into an essential part of the social structure. This disposition leads us to thinking about the role of media in the mixed identity of cultural contemporary representations, as well as, in the development of the discussion about the hybrid regime of the image and the epistemological representation capacity of the technological devices of the vision. On having adopted this perspective we understand that this devices set out a kind of representation which referred directly to the holographic dissolution of the segregated categories (subject-object-image-knowledge). And, in turn, that the recursive movement of interpellation that is established in these spaces of performance comes to represent an imaginative flow that places the subjects (users and players) facing the dilemma of taking part of a way of knowledge that is precisely the one that they want to determine.

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Zuloaga, Arisa Yolanda de. "Creatividad y no dualidad en el arte : una aproximación transdisciplinar." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2013. http://hdl.handle.net/10803/124171.

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Abstract:

Esta tesis explora el acto creativo y su relación con la experiencia de lo radicalmente desconocido tal como se describe en las primeras enseñanzas del pensamiento budista Chan. El estudio desarrolla una aproximación inmanente y no dualista basada en la estética de Gilles Deleuze y crea un marco teórico transdisciplinar con el objetivo de analizar dos cuestiones centrales en la creación de lo nuevo: la crítica a la subjetividad y la crítica al pensamiento representativo. Ambas críticas se estudian en la teoría de la creatividad de Deleuze y en la epistemología que informa las enseñanzas del budismo Chan. El examen muestra que la experiencia de creatividad es un tipo de conocimientoexpresión que transforma la idea de “yo”, así como la comprensión de lo que llamamos realidad. Finalmente, en los escritos autobiográficos de algunos artistas contemporáneos y ciertos pintores de paisaje en China (VI-XII), se encuentra la confirmación de que los conceptos a través de los cuales Deleuze interpreta el proceso creativo, basados en la inmanencia y la no dualidad, son una valiosa herramienta para interpretar la experiencia de lo radicalmente desconocido tal como describen los maestros Chan.
This thesis explores the creative process and its relationship to the radically unknown as it is described in the early teachings of Chan Buddhism. I develop a metaphysical approach based on the principles of immanence and nondualism accoring to the concepts developed in the aesthetic philosophy of Gilles Deleuze. This transdisciplinary framework is used as a lens to examine two central inquiries related to the creation of the new, a critique of subjectivity and a critique of representational thought, in Deleuze’s theory of creativity and in Chan Buddhist epistemology. The analysis shows that the experience of creativity is a kind of knowledge-expression that transforms our idea of self and our conception of what we call reality. I find support in the writings about their creative process in certain modern artists and some landscape Chinesse painters from Tang and Sung dinasty (VI-XI C.), concluding that Deleuze’s concepts are a valuable tool to interpret the experience of the radically unknown.

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Duran-Porta, Joan. "L’orfebreria romànica a Catalunya (950-1250)." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/378844.

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Abstract:

La tesi doctoral que aquí es presenta té com a objectiu fonamental traçar una panoràmica d’abast ampli sobre els fenòmens tant de la producció com de la recepció de l’orfebreria plenomedieval a Catalunya. Es tracta d’un tema de molt poc recorregut historiogràfic, en bona mesura condicionat per l’escassa categoria del corpus d’obres conservat. L’interès d’aquest corpus és certament discret, i només algunes peces singulars sobresurten d’un conjunt anodí protagonitzat per materials menors (coure i bronze, sobretot), i en el qual manquen completament les obres de més envergadura, que han desaparegut. Tanmateix, les fonts documentals antigues permeten superar la visió simple i tan poc esplèndida que ofereixen els objectes conservats. Gràcies als textos, coneixem una realitat catalana de notable potència i amb projectes artístics de gran ambició, tot plegat paranogonable al que s’esdevé en territoris similars de l’Occident medieval. La tesi s’organitza en un cos analític central, estructurat en vuit aproximacions distintes, i en una segona part que inclou una catalogació de les peces conservades i diversos materials auxiliars. Els vuit capítols que formen la base del treball ofereixen visions complementàries de l’orfebreria plenomedieval a Catalunya. El primer tracta dels materials emprats, de la seva provisió i característiques, i de la seva incidència en la producció, tant local com importada, a Catalunya. El segon és un voluntariós estudi dels artífexs que, de manera molt vaga, sabem que protagonitzen la producció catalana; els rastres són escassíssims, les notícies molt excepcionals. Cal tot sovint imaginar, doncs com eren aquests artistes i com organitzaven els seus tallers, de quins coneixements disposaven, quines tasques els ocupaven especialment, etc. El tercer capítol es dedica a les importacions, l’estudi de les quals és imprescindible per a completar la visió de la realitat orfebre catalana de l’època, on les aportacions exteriors (procedents del món islàmic, de l’Orient bizantí, de l’Occitània llemosina) són sempre importants. La quarta aproximació és especialment significativa dels interessos de la tesi; es dedica a l’estudi econòmic dels objectes sumptuaris. Es caracteritzen tant els seus promotors com els seus propietaris, i s’analitzen els usos diversos d’aquests objectes en el marc, complex i múltiple, del mercat financer plenomedieval. Els quatre darrers capítols del cos central de la tesi són aproximacions més directes a la realitat de les peces, a les obres artístiques pròpiament dites. Hi ha, en primer lloc, un estudi del gran mobiliari litúrgic de què disposaven les catedrals i les grans cases monàstiques, estudi de base documental ple de notícies i dades de gran interès històric. A continuació es tracta l’orfebreria religiosa, a partir d’una classificació tipològica de les peces conservades o documentades, i amb el mateix criteri s’analitza després l’orfebreria profana, que sol quedar generalment exclosa dels estudis orfebres però que tenia una importància fonamental en l’època, cosa que s’ha intentat reflectir. Un darrer capítol, el vuitè, inclou quatre estudis específics sobre quatre obres catalanes d’especial significació, a manera de petits articles. L’esmentada catalogació de les peces conservades serveix per a tancar la panoràmica oferta i a la vegada confirma la distància entre allò conservat, clarement menor, i allò molt més esplèndid que existia. Completen el treball un repertori documental notablement ampli, fet amb la voluntat de reunir el màxim possible de textos antics que tractin específicament d’orfebreria, un breu glossari i una bibliografia final, que s’ha volgut especialment completa i exhaustiva.
The main aim of this thesis is to describe the production and reception of Romanesque metalwork in Catalonia. This subject has largely been neglected by the Catalan historiography, probably due to the relatively low quality of the preserved corpus of works, mainly constituted by pieces of minor materials (as copper, bronze, among others). To overcome this limitation, documentary sources have been used in the present study as fundamental evidences. This allowed the identification of major and ambitious metalwork of the period, which places Catalonia at the same level of other similar territories of medieval Europe. The thesis has been organized in two volumes. The main theoretical body is in the first one, while the second includes a catalogue of the preserved pieces and several auxiliary appendices. The theoretical body comprises eight chapters that analyze from different perspectives metalwork in Romanesque Catalonia. The first chapter focuses in materials (provenance, characteristics, and relevance). The second covers the description of local goldsmiths, a subject difficult to approach due to the scarce evidences and reports of them that available. The third study describes the importations, a fundamental subject to complete the vision of Catalan metalwork, where objects coming from Islamic territories, from the Mediterranean East, or from the limousine region in central France, are certainly relevant. The fourth chapter focuses the economic value of sumptuary objects, analyzing the patrons, the owners of metalwork and its cultural and economic usages. The following four chapters are direct approaches to the objects. First, there is a description of the sumptuary liturgical furniture of cathedrals and major monastic houses, based on documentary sources, which are quite specific in this subject. Next two chapters analyses (in a typological classification) both religious and profane objects, the second having a fundament role in medieval times that is often neglected by modern historiography. Last chapter includes four in-depth studies of four specially relevant Catalan works (the silver baldachin in Ripoll –unfortunately lost–; an enameled censer preserved in the Museu Nacional d’Art de Catalunya; the so-called ciborium from la Cerdanya or “Barcelona ciborium” also in the MNAC; and the Missal of Sant Ruf in Tortosa cathedral’s treasure). The second volume of the thesis presents the above mentioned catalogue of preserved works, which clearly shows the difference between what was done in the time and what has last. It also includes a documentary repertory with documents related to Catalan metalwork, a glossary of terms and a complete bibliography.

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Rossell, Cigarrán Diana. "Antoni García Llansó, crític d’art, historiador i divulgador de la cultura japonesa (1854-1914)." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/322818.

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Abstract:

El Modernisme català, tenia en el Japonisme una de les seves fonts més rellevants d’inspiració, no només estètica, sinó també conceptual. Aquesta influència va arribar a conjuminar amb la societat barcelonina de les acaballes del segle XIX, sobretot amb els intel·lectuals i artistes, tal i com havia fet ja amb la resta d’Europa. El discurs entre la indústria, sinònim de modernitat i progrés i les arts tradicionals, havia fet palès la necessitat de no fer distincions entre les arts majors i les mal anomenades, arts menors; prenent el model japonès com a gran referent. En aquest sentit, trobem en la figura intel·lectual d’Antoni García Llansó (1854-1914), crític d’art, historiador i divulgador de la cultura japonesa, l’exemple perfecte de les inquietuds de l’època finisecular barcelonina. Tot i que alguns autors s’havien referit a García Llansó com a divulgador de la cultura japonesa i crític d’art, mai s’havia fet una revisió de tots els seus articles i escrits, ni tampoc un estudi en profunditat de totes les seves aportacions a l’àmbit artístic. Per això, en el primer capítol de la tesi hem optat per fer un panorama biogràfic sobre Antoni García Llansó com a home i intel·lectual. En un segon bloc, estudiarem la seva faceta de crític d’art a través dels seus articles publicats a revistes tant rellevants com La Ilustración de la mujer, La Ilustración. Revista Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; La Ilustración.Revista Hispano-Americana; La Vanguardia; La Ilustración Artística. Periódico Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; entre moltes d’altres. Gràcies aquestes publicacions podrem analitzar el contingut, tendència i evolució de García Llansó com a crític d’art. En tercer lloc, estudiarem la seva contribució com a historiador de l’art, juntament amb noms tant rellevants com Francesc Miquel i Badia (1840-1899), amb qui col·labora en la redacció del volum vuitè d’ Historia general del arte (1897) de l’editorial Montaner i Simón. Aquesta obra enciclopèdica ha estat considerada com la primera referencial en l’estudi de l’art a casa nostra. En aquest sentit, García Llansó destacarà, sobretot, com a estudiós de l’art del ferro, especialment, destacarem les seves aportacions en el camp de les armes i armadures i la forja, i sobretot, els seus estudis de dues col·leccions en concret, la de Josep Estruch i Santiago Rusiñol. En un quart bloc, estudiarem la relació de García Llansó amb la cultura japonesa. Ens centrarem en els motius de la seva elecció per l’imperi japonès com a jurat de l’Exposició Universal de Barcelona de 1888. I plantejarem diverses hipòtesis. Sobretot, aquest capítol, anirà centrat a la seva faceta com a divulgador de la cultura japonesa gràcies a la seva obra Dai Nipon (El Gran Japón) de 1905. Una font documental impressionant gràcies a la que podem conèixer col·leccionistes i col·leccions d’art oriental (Japonès i Xinès), a Barcelona. Finalment, aportarem el buidatge de les publicacions d’Antoni García Llansó, amb un resultat de 13 obres, 1 conferència, 5 discursos i 293 articles, es troben ordenats de manera cronològica a fi de facilitar l’estudi temàtic i l’evolució de l’intel·lectual. Així mateix, s’ha complementat la present investigació amb dos apèndix documentals, un d’arxivístic on hi ha una selecció d’epistolari conservat sobretot, a la Biblioteca Museu Víctor Balaguer i un altre de gràfic, amb les imatges de les peces artístiques que tenia García Llansó i que ara es troben conservades gràcies als seus descendents.
Catalan Modernism, had the Japonism one of the sources most importants for his inspiration, not only aesthethic but also conceptual. This influence had combinated with barcelona society in the end of XIX century, specially with intelectuals and artists, the same that happened in the rest of Europe. The disussion between the industry, synonimus of modernity and progress, and the traditionals arts had needed to not make any distintions between majors arts and the wrong named decorative arts; having the japanese art as a model to follow. In this sense, we can find the intellectual Antoni García Llansó (1854-1914), art critic, historian and japanese divulgator, representing a Barcelona nineteen centruy intellectual art knowledge. Even if some authors had mentioned the name of García Llansó as a japanese culture divulgator and art critic, it has needed to be made his first biography. That’s the reason why we want to show in the first part of this dissertation, a biographical view of the intelectual. In the second chapter, we are going to study his contribution like an art critic in various historical publications such as La Ilustración de la mujer, La Ilustración. Revista Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; La Ilustración. Revista Hispano-Americana; La Vanguardia; La Ilustración Artística. Periódico Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; among others. Thanks to this publicacions we can analyse the thoughs of García Llansó and his evolution like an art critic. In the third chapter we are going to study his contribution like an art historian with others intellectuals as Francesc Miquel i Badia (1840-1899), writing the eight volum of Historia General del arte (1897), published by Montaner i Simón. This encyclopedia is considerated the first one dedicated in the catalan art field. In this case, García Llansó contributed with his studies like the biggest specialist iron work studious, in weapons and armours and forge, specially in the collections of Josep Estruch and Santiago Rusiñol. In four position, we are going to study the relation of García Llansó with the Japanese culture, focusing in the reason or reasons, of his election by the japanese empire as a jury of Universal Exhibition in Barcelona 1888. Also, we are going to planning various hypothesis. This chapter it’s going to be mainly focus to study the García Llansó work Dai Nipon (El Gran Japón), 1905. This work was a very important documentary source thanks to we can know the oriental art collectors and collections (Japanese and Chinese) in Barcelona. At last, we made a research of his publications with the following result, 13 work, 1 conference, 5 speech and 293 articles, which are ordenated crhonologically, so we can study the preferences and the thinker evolution of García Llansó. Also we complement this disseration with two appendix. One is dedicated to show different documentation, as a collected letters that had been conservated in Biblioteca Museu Víctor Balaguer and antoher, it shows the graphic appendix with the artistic works García Llansó’s property, today preserved thanks his descendants.

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Lombao, Méndez Sonia. "El arte de acción en Catalunya. Jordi Benito y su contexto." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/286730.

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Abstract:

En esta tesis se ha planteado un nuevo estudio de las acciones realizadas por artistas catalanes en los años setenta, que no atiende únicamente a aspectos formales sino, sobre todo, al análisis de la situación cultural, política e intelectual en la que se produjeron. Para este análisis he utilizado diversas fuentes, como los artículos de Alexandre Cirici en la prensa local y publicaciones de la época como Le happening de Jean Jacques Lebel, en las que se pudieron inspirar los artistas, pero también fuentes posteriores de carácter secundario como las críticas de Teresa Camps, entre otras. Con esta información se ha tratado de asentar unas líneas generales entre las pautas de estudio del arte de acción catalán. Estas pautas confirman la existencia de unos referentes de las prácticas que apuntan a contextos como el neoyorquino, el alemán, el francés, cuyo ideario tiene una base común, que hunde sus raíces, por un lado, en la filosofía del lenguaje, y por otro, en la crítica a la idea de progreso -asociada al control ejercido por los gobiernos en la sociedades del capitalismo tardío- defendida por los situacionistas. El estudio de casos particulares como John Cage, Vito Acconci, Josep Beuys o Jean Jacques Lebel pone en evidencia una importante deuda con el exterior que será revisada en relación con otros aspectos que determinan las particularidades del caso catalán. Es decir, esta tesis ha sido planteada como una revisión de ideas expuestas en el pasado relacionadas con el arte de acción por autores que se ocupan del caso catalán como Pilar Parcerisas, pero también de otros que tratan el tema en general como Roselee Golberg. La novedad de este análisis, que atiende a la emergencia de la aparición del arte de acción, está inspirada en el método que propone Michael Foucault en el campo de la historiografía, ya que apuesta -como causa del origen de determinados movimientos sociales- por factores relacionados con el contexto inmediato - nacional e internacional- y no con movimientos similares de otras generaciones. Con este método de análisis se pone de relieve que, aparte de la deuda surgida de la admiración de las nuevas generaciones por los movimientos contraculturales extranjeros, el accionismo catalán responde también a circunstancias que envuelven a determinados sectores sociales que, con el tiempo, se vieron ampliados. Así, de unos círculos minoritarios conocedores de las novedades en el extranjero -representados en las acciones de Joan Brossa, los Gallots de Sabadell o Gonçal Sobré en la década de los sesenta- se pasó a una corriente protagonizada por centenares de jóvenes procedentes de diferentes sectores sociales que, sobre todo, buscaban contribuir a un cambio sociopolítico. Uno de los aspectos más interesantes de la investigación fue el estudio de las políticas culturales que se emplearon para difundir diferentes ideologías, y que radican, fundamentalmente, en una mayor o menor implicación en la lucha antifranquista. En este caso, el estudio no trató únicamente de la génesis de este movimiento, sino también su ocaso, asociado al cambio sociopolítico que tiene lugar al final de la década de los setenta. En el discurrir del mismo sobresale la figura de Jordi Benito porque evidencia en su trayectoria cambios discursivos que se apartan de las tendencias mayoritarias. Mientras que estos cambios en sus contemporáneos responden al proceso democratizador asociado a lucha contra el inmovilismo político, Jordi Benito muestra el desencanto que le producen la reordenación política que se está produciendo en la Transición, a partir de acciones que suponen un reto para nuestra capacidad de interpretación.
This doctoral thesis proposes a new study of the performances done by the Catalan artists during the seventies. I am not only interested on the formal aspects, but mainly, on the analysis of the cultural, political and intellectual context in which this performances where produced. For this analysis I have used various sources, such as the articles of Alexandre Cirici in the local newspapers and publications of the time, as J. J. Lebel’s Le happening, which worked as sources of the diffusion of the performance art in the Catalan context. I have studied as well later sources as Teresa Camps’ criticisms, among others. With all this information I have tried to establish a general patterns of study of the Catalan performance art. These guidelines confirm that the Catalan performances have a series of cultural reference points,which come from the North American, German and French contexts. These reference points have a common base, rooted, firstly, in the philosophy of language, and secondly, in the critique of the idea of progress -associated to the control exercised by governments in late capitalist societies - defended by the Situationists. I have attempted to explain the emergence of performance art following M. Foucault recommendation of focusing more in the immediate context - national and international –rather than establishing connections with previous movements. Among the Catalan artists stands out the figure of Jordi Benito. He started as one of the most radical and impressive actionists, but what results more interesting is that he evolved to move away from the main tendencies. I interpret this detachment as a demonstration of his disenchantment with the political realignment produced by the Transition process to democracy, which took place during this time. Performances produced by Benito during this time constitute a great challenge for art criticism.

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Bel, Oleart Tomàs. "Anàlisi de la respost a cognitiva i afectiva en la interacció amb una instal·lació d'art." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/133228.

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Abstract:

El model de Helmud Leder defineix i ordena els processos afectius i cognitius que es troben implicats en l´experiència estètica. Basant-nos en aquest model hem estudiat la resposta estètica d´una mostra de noies estudiants de disseny a qui s´ha proposat d´interaccionar amb una instal·lació d´art. Les participants cumplimentaven diversos qüestionaris pre-post mitjançant els quals es registraven aspectes de la valència afectiva, l´autoconsciència i l´ansietat. Posteriorment a l´experiència en la instal·lació es passaven altres qüestionaris per recollir els judicis sobre la qualitat de l´experiència i sobre la interpretació dels elements significants de la instal·lació, així com del grau de coherència de cadascun d´aquests elements amb el conjunt. Mitjançant la comparació de les dades obtingudes de totes les participants abans i després de l´experiència en la instal·lació, hem analitzat fins a quin punt es donaven tendències detectables en els canvis cognitius i afectius que poguessin ser depenents del material estimular. Per altra banda i per tal de contrastar la influència d´aportació prèvia d´informació sobre els continguts conceptuals de la instal·lació en la resposta de les participants vam definir dos sub-grups, un dels quals rebia informació suplementària sobre els continguts de la instal·lació, mentre que l´altre no en rebia. Els resultats obtinguts suggereixen que la instal·lació d´art “H1” té la propietat de generar canvis en algunes de les variables afectives i cognitives estudiades, i que l´aportació d´informació bàsica addicional sobre els conceptes representats en aquesta instal·lació afecta a determinats aspectes de la resposta de les participants, tant afectius com cognitius.
Helmud Leder’s model defines and orders the affective and cognitive processes involved in the aesthetic experience. On the basis of this model, we studied the aesthetic response of a sample of female design students, who were invited to interact with an art installation. The participants filled in various pre-post questionnaires to record aspects of affective valence, self-consciousness and anxiety. After the experience in the installation, they were given other questionnaires to find out their opinions on the quality of the experience and their interpretation of the significant elements of the installation, and the degree of consistency of each of these elements with the installation as a whole. By comparing the data obtained from all the participants before and after the experience in the installation, we analysed the extent to which there were detectable trends in cognitive and affective changes that may be dependent on the stimulating material. Meanwhile, in order to verify the influence of previously provided information on the conceptual content of the installation in the response of participants, we defined two sub-groups, one of which received additional information on the contents of the installation, while the other did not. The results suggest that the “H1” art installation has the property of generating changes in some of the affective and cognitive variables studied, and that the provision of additional basic information on the concepts represented in the installation affects certain aspects of both the cognitive and affective response of the participants.

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Daumal, Domènech Francesc. "L'Ambient acústic i el disseny arquitèctonic." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 1985. http://hdl.handle.net/10803/6128.

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Habes, Gloria. "In the In-Between: Chinese Experimental Art in the Third Space." Doctoral thesis, Universitat Internacional de Catalunya, 2015. http://hdl.handle.net/10803/291942.

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Abstract:

This thesis shines a light on the Euroamerican reception of Chinese experimental art from 1990-2004. A selection of twelve exhibitions held in the Euroamerican context on Chinese experimental art are analysed within this study and a elaborate look has been taken at the exhibition itself, the works on display , the exhibition catalogue and the reviews that have been generated. The study focusses on Chinese experimental artists overseas but gives a very good impression on how Chinese experimental art has been received in general in the Euroamerican context. Also an extensive part of this dissertation has been dedicated to explaining basic and more in-depth background information on Chinese experimental art in order to gain a better understanding of this art current. Here, special attention has been paid to the overseas artists, and concepts such as transexperiences, hybridity, third space, diaspora and exile, and the “East-West” dichotomy.

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Mongay, Batlle Cristina. "Persistencia de la Época Moderna. Una revisión del mundo académico de las Bellas Artes en el Madrid de los siglos XVIII y XIX." Doctoral thesis, Universitat de Lleida, 2017. http://hdl.handle.net/10803/565504.

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Abstract:

L'estudi aquí exposat te com a objectiu final desglossar el tractament que el món acadèmic madrileny de las Belles Arts donà a l'escola espanyola d'Època Moderna durant els segles XVIII i XIX. Això és, revisar les tesis segones les quals l'academicisme es fonamentà en el rebuig d'allò Barroc després de considerar casos que demostren la funció modèlica de l'esmentada escola espanyola a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando i en el gust dels segles que la succeïren.
El estudio aquí expuesto tiene como objetivo final desglosar el tratamiento que el mundo académico madrileño de las Bellas Artes dio a la escuela española de Época Moderna durante los siglos XVIII y XIX. Esto es, revisar las tesis según las cuales el academicismo se fundamentó en un rechazo al Barroco tras considerar casos concretos que demuestran la función modélica de la mencionada escuela española en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en el gusto de los siglos que la sucedieron.
The study exposed here aims eventually break down the treatment that academic world of Fine Arts of Madrid gave the Hispanic school Modern Age during the eighteenth and nineteenth centuries. That is, review the thesis that the scholarship was based on a rejection of the Baroque after considering specific cases that demonstrate the exemplary role of the Hispanic school mentioned in the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando and in the taste of the centuries happened.

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Gómez, Nora M. "Iconografía diabólica e infernal en la miniatura medieval hispana. Los beatos." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/386413.

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Abstract:

La investigación se ha centrado en la iconografía diabólica e infernal en el corpus de los Beatos hispanos, entre la segunda parte del siglo X y las primeras décadas del XIII. En una primera parte se ha indagado acerca de la conceptualización de la personificación del mal en la figura del Diablo y en cómo imaginaron el Infierno las culturas antiguas de la cuenca del Mediterráneo. Se ha dedicado particular interés a las Escrituras canónicas judeocristianas que determinarían la austeridad representativa de las primigenias imágenes de nuestro objeto de estudio, en consonancia con los planteos teológicos de la Patrística temprana. Debido a que las imágenes acompañan al "Comentario al Apocalipsis" de Beato de Liébana, se ha contextualizado la producción hispana dentro del panorama artístico europeo en lo referente a la ilustración del Libro de la Revelación; se han consultado y analizado los escritos apocalípticos extracanónicos y la tradición oral u escrita musulmana como posibles fuentes iconográficas a la hora de representar a los personajes y los lugares del más allá. El trabajo incluye el relevamiento completo de once escenas en que las fuerzas del mal operan en la era escatológica y luego son derrotadas y aprisionadas en la estancia punitiva, en todo el corpus de veintisiete códices. Su análisis demuestra que mientras la iconografía se mantiene fiel a la tradición hispana de sus primeros ejemplares, el estilo se va adaptando a los lineamientos formales del románico, en función de la internacionalización de dicho estilo. El apéndice fotográfico reúne por primera vez la totalidad de las imágenes diabólicas e infernales en el corpus beatiano.
The research has focused on the diabolical and infernal iconography in the corpus of Hispanic Beatus, between the second half of the tenth century and the first decades of the thirteenth. In the first part has inquired about the personification of evil in the figure of the Devil and how Hell was imagined in ancient cultures of the Mediterranean basin. It has devoted particular interest to judeochristians canonical Scriptures that would trigger austerity representative of the primordial images of our object of study, consistent with the theological proposals of the early Fathers. Because the images are accompanying the "Commentary on the Apocalypse" of Beatus of Liebana, it has contextualized the Hispanic production in the European art scene and has analyzed the apocalyptic writings extracanonical and oral or written Muslim tradition as possible iconographic sources when representing the characters and the places of the Other World. The work includes the full survey of eleven scenes in which the forces of evil operating in the eschatological age and then are defeated and imprisoned in punitive stay throughout the corpus of twenty codices. Their analysis shows that while the iconography is faithful to the hispanic iconography tradition of its first copies, the style adapts to the formal guidelines of Romanesque, depending on the internationalization of that style. The photographic appendix meets for the first time all the diabolical and infernal images in the twenty seven copies of the Beatus.

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Ortells, Nicolau Xavier. "Urban demolition and the aesthetics of recent ruins in experimental photography from China." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/288299.

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Abstract:

A la Xina de les reformes econòmiques, la demolició i la runa han esdevingut una presencia indefugible a la majoria de ciutats xineses. Reificant “l’amenaça a la ciutat i la seva memòria”, en paraules de Yomi Braester, la demolició ha atret una munió d’artistes i cineastes que l’han incorporada a les seves obres. Aquesta tesi doctoral contribueix a estudis recents sobre l’imaginari de les ruïnes a l’art i la cultura visual de la Xina, i al creixent nombre d’estudis sobre fotografia xinesa amb un anàlisi de fotògrafs experimentals que han treballat sobre el tema de la demolició urbana. La prevalença del tema de la demolició urbana respon, en primer lloc, al fet que la runa a les ciutat ha romàs ubiqua i duradorament. En aquest sentit, la tesi esbossa el marc legal i institucional del desenvolupament urbanístic xinès per a explicar les dinàmiques responsables de l’emergència i visibilitat dels paisatges ruïnosos. A la vegada, l’accent en l’experimentalisme artístic serveix per a emfatitzar les diferents maneres com els artistes, tot anant més enllà de la plasmació documental o activista de la demolició, l’han transformada en ruïnes. En aquest sentit, la tesi també participa de la revisió contemporània dels estudis sobre la ruïna, que de manera transdisciplinar ressalta el seu aspecte de construcció discursiva, així com el seu ús com a categoria crítica. Per a això, la tesi examina més de quaranta projectes de fotografia experimental de la Xina produïts des de les primeries dels anys 90 fins a l’actualitat. Després d’haver-ne detectat les principals estratègies estètiques i discursives, es presenten dividits en diferents capítols d’acord a una seqüència cronològica i a les característiques compartides en la seva aproximació a la demolició. A més del context directe de la fotografia contemporània de la Xina, la tesi també explora connexions entre les diferents obres i la tradicions i convencions estètiques de la Xina i d’Europa, amb particular esment al pioners de la fotografia conceptual de les dècades dels 60 i 70, els quals van endegar la crítica d’avant-guarda de la fotografia a través d’una revolució conceptual en què l’imaginari de la ruïna fou crucial. Després d’analitzar els diferents artistes i les seves propostes, la tesi destaca com a principals estratègies de creació de ruïnes el conceptualisme, la performativitat, i les tecnologies digitals. A més, planteja una evolució temporal en l’estil i l’actitud dels diferents artistes, culminada amb una exploració d’alguns projectes fotogràfics sobre demolició contemporanis a la redacció d’aquest treball.
In reform era China, demolition and rubble has become an unavoidable presence in most major cities. Reifying “the menace to the city and its memory”, in words of Yomi Braester, demolition has attracted many artists and filmmakers, who have incorporated it in their works. This dissertation contributes to recent studies of the ruin imaginary in Chinese art and visual culture, and to the emerging body of literature on Chinese photography with an analysis of experimental photographers who have engaged with urban demolition. The predominance of the theme of urban demolition responds, first and foremost, to the fact that urban rubble has been ubiquitous and enduring. In this sense, this dissertation sketches the institutional and legal framework regulating land development in China, to account for the particular dynamics responsible to the emergence and visibility of ruinous landscapes. At the same time, the focus on artistic experimentalism serves to focus on the ways in which the different artists analyzed have transformed demolition sites into ruins, going beyond a documentary or activist depiction of demolition. In this sense, the dissertation also partakes in the current transdisciplinar revision of ruins studies, which foregrounds the constructedness of ruins as a discourse and critical category. To do so, the dissertation examines over 40 photographic series spanning from the early 1990s to the present, detects their aesthetic and discursive strategies, and divides them in different chapters according to a chronological sequence, and commonalities in their approach to demolition. In addition to the immediate context of contemporary photography from China, the dissertation also explores the connections of contemporary photographic projects with aesthetic traditions and conventions in a comparative perspective between Europe and China, and in particular with the pioneering photo-conceptualist artists of the 1960s and 1970s who carried out the avant-garde critique of photography by means of a conceptualist revolution, a process in which the imaginary of ruination was key. After analyzing the different photographic works, the dissertation highlights conceptualism, performativity, and digital technologies as the main strategies for the creation of ruins. It also posits a temporal evolution in the style and attitude of the artists, with an exploration of the newest photographic works on demolition concurrent with the writing of this work.

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Marsé, Taltavull Amor. "El discurso del arte iraní desde la perspectiva de los exilios. (1979-2012) Síntesis entre tradición y contemporaneidad." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/110925.

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Abstract:

Esta investigación analiza el arte realizado por artistas iraníes entre 1979 y 2012 centrándose en las consecuencias producidas por la Revolución Islámica. La férrea censura, la ausencia de derechos y la falta de libertad impuesta por el ayatolá Jomeini, junto a la angustia producida por la guerra contra Irak (1980–1988), fueron algunos de los aspectos que provocaron la huída de muchos intelectuales persas: artistas de la literatura, la poesía, la música, la pintura, la escultura, la fotografía, el cine y la videocreación. Una espectacular fuga de cerebros que se integró en diferentes países de Europa y Estados Unidos formando una numerosa colonia iraní. Artistas que luchan por traspasar nuevas fronteras ideológicas, religiosas, sociales, culturales, étnicas, incluso de género, generalmente llenos de dudas, contradicciones e inseguridades, a menudo cuestionando sus propios valores y modos de comportamiento con un profundo deseo de afianzar su identidad cultural, tratando de desembarazarse de la imposición de unas determinadas formas de pensamiento y creencias religiosas, muy interiorizadas desde hace siglos. Ellos tienen la posibilidad de jugar un papel valiente y crucial al denunciar públicamente los hechos acaecidos en su país y, aunque sin duda es arriesgado, el hecho de que su voz pueda tener eco internacional les hace más fuertes y reivindicativos. El núcleo de esta tesis consiste en un estudio comparativo entre el arte realizado por artistas iraníes en el exilio, con el realizado por artistas que viven en Irán, que trabajan desde hace más de una década en nuevas disciplinas como el arte digital, el video, la instalación y la performance, así como una nueva forma de enfocar la fotografía, mucho más rompedora y reivindicativa que documental. Para ellos el fantasma de la hoviat o identidad se ha convertido en un bucle de su discurso artístico hasta configurar una nueva versión alternativa de identidad nacional. Mucho más implicados incluso que aquellos que están lejos, los artistas radicados en Irán se han visto obligados, por vivir las dificultades en primera línea, a trabajar partiendo de la metáfora, la alegoría y el doble lenguaje para evitar el riesgo de ser acusados de rebeldes, traidores y opositores al régimen. Han debido situarse entre los límites de lo que se puede decir y lo que dicen, entre lo sugerido y lo interpretado. Un juego simbólico entre realidad y ficción con el que han comunicado su malestar al mundo. Aunque viven en Irán, su mirada está puesta en Estados Unidos, Canadá, Gran Bretaña o Francia, los países donde más numerosa es la comunidad iraní. Esta investigación demuestra que el artista iraní siempre ha tenido una especial predilección por representar su auténtico pasado persa y, aunque existan ciertas diferencias entre el arte realizado por los que viven en el exilio y el que realizan los que permanecen en Irán, hay un aspecto importante que comparten: a pesar de las diferentes maneras que tienen de enfocar su discurso artístico, unos y otros suelen hacerlo partiendo de sus orígenes, de antiguas y tradicionales raíces culturales persas como la caligrafía, la mitología, la historia y la poesía.
This thesis examines the art produced by Iranian artists between 1979 and 2012, focusing on the consequences caused by the Islamic Revolution. It shows how the censorship imposed by Jomeini, provoked that artists in literature, poetry, music, painting, photography, cinema and videoart escaped from Iran and integrated in different United States and European countries, forming a large Iranian colony. An important number of intellectuals struggling to pass new ideological frontiers, religious, social and cultural, despite doubts and contradictions, questioning their own values and behavior with a deep desire to strengthen their cultural identity, trying to get rid of the imposition of thoughts and religious beliefs, deeply interiorized from centuries. They play a public role denouncing the events in his country, and although a certain risk, his voice may have international reverberation makes them stronger, safe and highly assertive. The thesis works a comparative study between art done by Iranian artists in exile, with art produced by artists living in Iran, beginning with new disciplines such as digital art, video, installation and performance, as well as a new approach to photography, much more disruptive and protest that documentary. They have been able to set up a new alternative version of national identity. Iran-based artists are obliged to work from the metaphor and allegory to avoid the risk of being accused of traitors or rebels. They need to be in the range of what they can say and what they say, between what is suggested and what means. An ironic game between reality and fiction used to communicate their displeasure to the world. Although living in Iran, their eyes look to the United States, Canada, Great Britain or France, countries where lives the largest Iranian community. This research shows too that although the differences between art made by Iranian artists in exile and those who remain engaged in Iran, and despite the different ways they focus their artistic discourses, it is shared an important aspect: they include in their work ancient and traditional Persian cultural roots as calligraphy, mythology, history and poetry.

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Martínez, Arias Leonardo. "De lo demoníaco a lo abyecto. Figuras de lo terrible en el arte moderno." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2015. http://hdl.handle.net/10803/387316.

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Abstract:

El presente trabajo de investigación parte del complejo miedo-terror como inherente a la condición humana, y pretende observar cómo dicho complejo se manifiesta en la historia del arte, especialmente en las artes visuales, desde comienzos de la modernidad hasta fines del siglo XX. La manifestación del complejo se lleva a cabo a través de tres figuras, las cuales surgen a partir de la desintegración de la figura medieval de lo demoníaco: lo sublime, lo siniestro y lo abyecto. Lo sublime alude a una amenaza proveniente de una fuerza situada más allá de la razón individual; lo siniestro a la amenaza que procede del inconsciente; y lo abyecto a la que proviene del propio cuerpo, trasladándose al cuerpo social. La reflexión sobre las tres figuras se construye primordialmente desde fuentes literarias, psicológicas, antropológicas y filosóficas, manteniendo como eje de la misma un atlas iconográfico que refleja la manifestación del complejo miedo-terror.
The present investigation of the complex fear – terror, as inherent in the human condition, aims to observe how this complex is manifested in the history of art, particularly in the visual arts since the beginning of modernity to late twentieth century. The manifestation of the complex is carried out through three figures, which arise from the disintegration of the medieval figure of the demonic: the sublime, the sinister and the abject. The sublime refers to a coming threat of force located beyond the individual reason; the sinister to the threat by the unconscious; and the abject which comes from the body, moving into the social body. Reflection on the three figures is constructed primarily from literary, psychological, anthropological and philosophical sources, maintaining the same axis as an iconographic atlas that reflects the complex manifestation of fear - terror.

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Nadal, Iniesta Javier. "Arte y contrarreforma en la ciudad de Murcia." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2013. http://hdl.handle.net/10803/128916.

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Abstract:

Los movimientos reformadores religiosos contra la Iglesia de Roma que se produjeron en la Europa del Quinientos y las voces discordantes dentro de dicha Iglesia propiciaron la Celebración del Concilio de Trento a mediados de la centuria. Tras la celebración del mismo y hasta el siglo XVIII se abrió una etapa en la Iglesia Católica y su entorno conocida como Contrarreforma. Dicho movimiento fue más allá de la religión y afectó a la sociedad, las costumbres y la cultura. Este espíritu reformador se hizo patente en numerosos y diversos programas artísticos que afectaron a los diversos templos que componían el patrimonio eclesiástico y a sus distintas comunidades repartidas por el orbe. Para esta labor el Vaticano se apoyó en los obispos otorgándoles los poderes necesarios para aplicar dichos cambios mediante los sínodos diocesanos y las visitas pastorales principalmente. Los objetivos fundamentales de esta investigación son los de estudiar las manifestaciones artísticas del siglo XVII desde un punto de vista más transversal, no analizando las obras de arte como si de un ente individual se tratara sino como la manifestación de un contexto histórico, social y religioso que respondía a unas nuevas necesidades litúrgicas y devocionales. Por tanto, este trabajo pretende suplir esa carencia articulando las distintas manifestaciones artísticas en su conjunto surgidas en Murcia por las necesidades de la época de forma integradora y no como una monografía de una disciplina concreta como se había realizado hasta el momento. Todo ello intentando alcanzar una visión profunda del arte regional barroco desde un prisma más trasversal que unifica historia, sociedad, cultura, mentalidades y religión. En cuanto a la metodología empleada, se puede cifrar en tres grandes fases. La primera de ellas se dedicó a establecer el estado de la cuestión y a la recopilación de la bibliografía necesaria para comenzar dicho trabajo. Posteriormente fue acotando el campo de acción a la centraba en la diócesis de Cartagena durante el siglo XVI y XVII. Tras dicha recopilación se fijó exactamente el área geográfica de estudio y el tiempo que abarcaría dicha investigación acotándola principalmente en la ciudad de Murcia como referente de dicha diócesis entre 1583, con la llegada del primer obispo claramente contrarreformista a la diócesis como Manrique de Lara, y 1705 con la toma de posesión del obispo Belluga, cuyo episcopado puede ser considerado un periodo de nueva contrarreforma. La segunda fase metodológica se empleó en la búsqueda documental por diferentes archivos locales, nacionales e internacionales ya fuese desplazándome hasta ellos o mediante el acceso a los fondos digitalizados. Tras la labor bibliográfica y archivística, llega la tercera fase que comprendió la reflexión sobre los datos obtenidos para, mediante un análisis profundo de los mismos y una sistematización de dicho proceso, dar lugar a la organización final del trabajo investigador y las oportunas conclusiones que muestran como Murcia fue un claro ejemplo de cómo se aplicaron las directrices trentinas adaptándose a las concretas circunstancias de la ciudad en la catedral, iglesias, conventos y ermitas, así como en las fiestas religiosas como la Semana Santa, la procesión del Corpus Christi ó las canonizaciones. Así, la Semana de Pasión estará protagonizada por las cofradías penitenciales que se vieron fomentadas y reguladas tras el Concilio de Trento quedando bajo la autoridad del obispo. Por otro lado, la fiesta del Corpus y su procesión aglutinó a los principales estamentos de la ciudad que pujaban ese día por tener mayor relevancia y notoriedad. Todo ello, evidentemente, ha sido contemplado desde una necesaria amplitud de miras, interrelacionando unos aspectos y otros gracias a una perspectiva interdisciplinar que ha permitido estudiar el fenómeno en toda su riqueza.A
Both the religious reforming movements against the Church of Rome arisen in the sixteenth century Europe and the dissenting voices of the above mentioned church led to the Council of Trent in the middle of this century. After the celebration of this council and till the middle of the eighteenth century the result was a new stage in the Catholic Church and its environment, widely known as Counter-Reformation. This movement went beyond the theme of religion and affected the society, traditions and culture. This reforming spirit was highlighted by many and different artistic projects taken place in the different churches from the ecclesiastic heritage and the religious communities around the world. In order to accomplish this task, the Vatican was supported by the bishops. In fact, they were given the necessary powers to apply the required changes mainly by means of the diocesan Synods and the pastoral visits. The main target of this research is to study the seventeenth century artistic works from a more cross-curricular point of view. It consists of analysing the works of art not as isolated items but taking into account their historic, social and religious context meeting new liturgical and devotional needs. Therefore, this study is intended to fill this gap considering the different artistic manifestations of Murcia because of the needs of that time as a whole and in a more inclusive way and not as a particular discipline monograph as it has been previously done. All that tries to provide a deep insight into the Baroque art of the Region of Murcia from a more cross-curricular point of view interconnecting history, society, culture, mindsets and religion. According to the applied methodology, it can be divided into three main stages. The first of them consisted of establishing the starting point and collecting all the required bibliography to deal with this thesis. Later on, the search was refined and it was basically focused on the Diocese of Cartagena during the sixteenth and seventeenth century. Once all this literature was gathered, it was possible to set the geographical area of the study and the time needed to be devoted. It was delimited to the city of Murcia as a reference of this Diocese. According to the timeframe, it began in 1583 when the first Counter-Reformist bishop arrived at the Diocese, well known as Manrique de Lara and it finishes in 1705 when the bishop Belluga took position of the Diocese, being his Episcopacy a period of new Counter-Reformation. The second stage was based on searching many documents in different local, national and international files either visiting the places where they are set or finding them on the digital and Internet files. Finally, the third stage of the methodology lied in a reflection about the obtained data in order to clearly organise the research through a deep analysis and a systemized process. The conclusions arisen shed light on the fact that Murcia was a very good example to learn how the guidelines of the Council of Trent were applied, adapting to the particular characteristics of the city in the cathedral, the churches, the convents, the hermitages and the religious celebrations as the Holly Week, the Corpus Christi procession and the Canonizations, as well. Thus, the penitential brotherhoods have the leading role in the Passion Week. They were encouraged and regulated in the Council of Trent under the bishop’s authority. On the other hand, the celebration of the Corpus Christi and its procession gathered the main high-ranking members of the city struggling to become more and more relevant and be noticed. Obviously, all of this has been seen from a necessary, broad and cross-curricular point of view, interrelating some aspects with others and providing a study of the issue in its full richness.

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Juanpere, Duñó Paula. "Ficcions del pluralisme. L’espai ficcional en les arts visuals contemporànies." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/132280.

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Abstract:

Aquesta tesi doctoral investiga el vincle específicament contemporani que estableixen certes pràctiques artístiques visuals amb la ficció, entesa com a simulació o il•lusió de realitat. Les creacions artístiques visuals dels darrers anys reposen en un context que els empara sota la diferència, sense imperatius apriorístics. En aquest nou paradigma els límits entre les arts es fracturen, es dilueixen i el denominador comú, paradoxalment, sembla raure en la diferència. Atès el trencament dels seu vincle exclusiu amb l’acte de la visió, les arts visuals han radicalitzat la seva dependència cap a l’esfera teòrica, a la vegada que s’hi instaura una funció central de la paraula; és a dir, la seva permanent tendència a la traducció al llenguatge verbal. El present treball parteix d’aquesta premissa per plantejar la hipòtesi d’una narrativització de l’art: defensem que aquesta inserció de l’obra en un relat és fruit de la necessitat d’investir de contingut una obra que presenta la realitat de forma literal. En constant diàleg amb aquesta “irrupció de la realitat”, evocarem les pràctiques artístiques que generen el que anomenem un espai ficcional, és a dir, les coordenades i els indicis que converteixen l’obra en un relat que es desplega, en una postura novel•lesca. Analitzem aquesta qüestió des d’una perspectiva integradora d’elements de naturalesa textual i naturalesa recepcional, a través dels diferents espais de configuració i refiguració travessades per la vivència de l’experiència i la noció de temporalitat. Aquestes ficcions que generen no són fixades, no es poden llegir en un ordre sintàctic i ni tan sols tenen un ordre, una trama composta tal i com s’entén en un text literari i la figura del narrador es dilueix entre l’artista, la veu projectada, i el públic. L’espectador –el passejant– és convidat a buscar el camí del sentit lluny d’allò factual, en la dimensió dels mons possibles. Situat en el lloc oblic que emergeix de les ruïnes de la representació i dins d’aquest marge del discurs narrativitzat, aquest dispositiu ficcional de certes obres es presenta amb la voluntat de reomplir de contingut i transmissió d’experiència l’espai de l’art visual, com una forma de superació del conceptualisme i la possibilitat d’un nou compromís establert amb l’espectador per establir una nova comunicació inesgotable i que superi el caos de les coses ordinàries.
This PhD research project analyzes the specific contemporary connection between fiction and visual arts. In the context of what Arthur Danto calls post-historical era the boundaries between arts have diluted. In this new paradigm, it becomes apparent that there are no stylistic or philosophical constraints. There is no special way works of art have to be. Since the breakdown of his relationship with the act of vision, visual arts have radicalized their dependence to theoretical sphere, establishing a central role of word. In this context and in constant dialogue with the "eruption of reality," some artists create fictions, works where spectators are invited to imagine beyond a factual fact. The focus of this research is to investigate what we call fictional space: the coordinates and signs that make emerge a story and that create a novelistic position. These are fictions that can not be read on a syntactic order, there is no plot composed and the figure of the narrator is diluted among the artist, the voice projected, and the public.

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Figueras, La Peruta María Laura. "El claustro de San Pedro el Viejo de Huesca Restitución y programa iconográfico." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/327874.

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Abstract:

La presente tesis estudia en detalle el proceso de restauración del claustro de San Pedro el Viejo de Huesca a finales del siglo XIX con el objeto de restituir la obra a su estado original tardorrománico. A través del análisis exhaustivo de las memorias, planos, dibujos y fotografías de la restauración y de otras fuentes anteriores a la misma, así como de la elaboración de un catálogo completo de todas las 75 piezas escultóricas (originales y modernas) asociadas al claustro, la mayoría de ellas inéditas, se reconstruye la disposición medieval de los capiteles en el claustro y se ensaya una interpretación iconográfica de conjunto. Además, se estudia sistemáticamente el entorno inmediato del claustro, es decir, sus muros perimetrales, puertas, arcosolios, capillas y necrologio, y se plantean diversas hipótesis sobre su secuencia constructiva y funcionalidad. Asimismo, se ha realizado una lectura completa del Cartulario del monasterio, compilado por un monje llamado Garín a finales del XIII, con el objeto de enriquecer con nuevas noticias, sobre todo constructivas, la historia del monasterio de San Pedro en general y de su iglesia y claustro en particular, lo que entre otras cosas ha permitido identificar un buen número de artesanos hasta ahora desconocidos y la ubicación original de los tres tímpanos románicos del monasterio todavía conservados.
This doctoral thesis studies in detail the restoration process of the cloister of San Pedro el Viejo monastery in Huesca at the end of the nineteenth century. The purpose of the restoration was to return the building to its original Late-Romanesque condition. The medieval arrangement of the capitals in the cloister is reconstructed through the thorough analysis of reports, plans, drawings and photographs from the restoration, as well as from previous sources. A complete catalogue of the 75 sculptural pieces (original and modern) associated to the cloister, most of them hitherto unstudied, is also used in the reconstruction. All of these sources are used to assay an iconographic interpretation of the ensemble. The immediate surroundings of the cloister are also systematically studied and researched, that is, its perimeter walls, doors, arcosolia, chapels and necrologium. Several hypotheses have been proposed on its constructive development and its functionality. In this doctoral thesis a complete reading of the monastery’s Cartulary, compiled by Garin, a monk who lived in the 13th century, aiming to provide new information on the history of the monastery in general, and of its church and cloister in particular, has been carried out. This has allowed the author to identify a good number of artisans heretofore unknown as well as the original location of three Romanic tympanums still preserved.

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López, Aguayo Josefina. "Instalaciones artísticas de interacción: el espacio de la metáfora." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/384322.

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Abstract:

Con origen en la experimentación y surgidas a principios del siglo XX, las instalaciones artísticas interactivas devienen una nueva forma de expresión. Recientemente, gracias a los avances en robótica, inteligencia artificial y neurociencia, tales instalaciones alcanzan un nivel de alta sofisticación en la relación humano-máquina. Para estos espacios 'inteligentes' uso el término: Instalaciones Artísticas de interacción performática (IAI-P). Lo novedoso de estos entornos ha hecho que no hayan estudios que los analicen desde la perspectiva del agente. Con el objetivo de explorar este problema, se revisan tres teorías cognitivas relacionadas: la metáfora conceptual (Lakoff y Johnson), los esquemas imaginísticos (Johnson) y la integración conceptual (Fauconnier y Turner) usando doce IAI-P seleccionadas. Para conseguir nuestro propósito se traslada en primer lugar el significado simbólico de las instalaciones a las metáforas lingüísticas, siendo éstas analizadas a partir del modelo lakoffiano. Mostrándose un modelo útil pero insuficiente. Se mejora la explicación de los proyectos mediante la teoría de la amalgama (Blending Theory), la cual requiere la mezcla de la información contextual del presente del agente y la información de su pasado. Se pone así de relieve la compresión de algunas relaciones vitales entre los inputs de entrada con las que se construye la amalgama. Se estudian los procesos sensoriales, principalmente los procesos sensomotores, características perceptivas, procesos metafóricos, y las reacciones emocionales del agente. Conclu-yendo que: (i) las reacciones automáticas sensomotoras causadas por buena parte de las IAI-P analizadas son relevantes para los procesos de significación; (ii) estas producciones conllevan cambios sensoriales y subsecuentemente perceptivos específicos para el agente en las IAI-P. Finalmente, se propone que la Teoría de la Integración Conceptual es un modelo funcional para interpretar las operaciones cognitivas en los agentes de las IAI-P.
Interactive art installations, a novel form of expression, have their roots in experimental art forms from the first decades of the XXth century. Thanks to recent developments in robotics, artificial intelligence and neuroscience, such installations have reached a new, highly sophis-ticated level of human-machine interactions. For such 'intelligent' spaces I use the term: Performative-Interactive Art Installations (P-IAIs). Due to the relative novelty of P-IAIs, there are no studies analyzing them from the human agent's perspective so far. For this purpose, I have reviewed the utility of three related cognitive linguistics frameworks: the Conceptual Metaphor Theory (Lakoff and Johnson), image schemas (Johnson) and the Conceptual Integration (Blending) Theory (Fauconnier and Turner) using twelve P-IAIs. The symbolic meanings of the analyzed P-IAIs have been converted into linguistics metaphors using Lakoffian models, which has turned out to be a useful but incomplete approach. The understanding of P-IAIs was subsequently improved by using tools from the Blending Theory (BT). BT combines present and the past contextual information of the agent, highlighting compression of vital relationships between these input mental spaces and producing so called blend. The study analyzes agent's sensorial processes (in particular: sensorimotor), perception, metaphor processing and emotional responses. The main results are: (i) automatic sensorimotor reactions invoked by the relevant subset of analyzed P-IAIs are important for understanding the implications of such P-IAIs; (ii) such installations induce sensorial and subsequent perceptive changes within the agent specific to P-IAIs. Finally, I propose that the Conceptual Integration Theory is an useful tool for interpreting agent's cognitive responses to IAI-P.

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Pérez, Mañosas Antoni. ""Mitad fábrica mitad convento" : la casa Tàpies." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2016. http://hdl.handle.net/10803/380899.

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Abstract:

El tema central del treball és la casa que l'arquitecte José Antonio Coderch va projectar per a l'artista Antoni Tàpies i la seva família, en un procés que va durar des de 1960 fins a 1963. Aquesta casa ha estat abastament estudiada com a objecte arquitectònic, i no és la meva intenció continuar exclusivament per aquest camí. S'aborda sovint l'estudi d'una obra arquitectònica (el procés de projectació i la seva materialització) com un objecte de coneixement aïllable en el temps, tot i que se'l situï dins d'un context històric. Aquí intentaré ampliar l'àmbit d'estudi, en el sentit de considerar la casa com un ser que té una vida pròpia, i no únicament com aquella obra fixada en les fotografies que Català-Roca o Casali van fer amb la casa tot just acabada; en el moment en que les obres d'arquitectura tenen una aparença d'objecte perfecte i nou. La vida a la casa i la vida de la casa
The central topic of this work is the house that architect José Antonio Coderch designed for the artist Antoni Tapies a nd his tamily, in a process that lasted from 1960 to 1963. The study of an architectural work (such as a design process and its execution) is often approached as an object of knowledge isolable in time,although placed within a historical context. Here we want to expand the scope ot the study, in the sense of considering this house with a life of its own, and not only as the published work in the photographs that Catala-Roca or Casali took when the house was brand new; at a time when a rchitectural works have this perfect look. Life of the house and lite inside the house. This thesis is organized into the following sections: 1. Prologue with genera l intentions. Design and contents of the thesis. 2. The Tapies house, as how it has been understood by the people who have known it. Ordered in increasing intensity. So: Occasional or regular visitors. Architectura l photographers. Customers. lnhabitants. Finally, we will consider issues of the project of the house. 3. All contextual facts relating to the house,in one way or another. Coderch's activities simultaneous with the design and construction of the house. Sorne examples of a rtists' houses and studios in the twentieth century. Other projects by the architect in urban consolidated areas (terraced houses). 4. lssues and project solutions present in the work of Coderch, in tapies that have sorne connect ion with the project for the Tapies house. Pick of a language based on a rchitecture of rural villages in a Mediterranean climate, and slow evolution. Functional issues regarding contemporary way of living, privacy and presence of servants. Architectural solutions. Working method in Coderch workshop. 5. Conclusions, constituted by sorne points: The continued relevance of the figure and work of Coderch, in a time that pays little attention to ethical, professional and personal values. The Tapies house and his qualities as a possible architectural model. The Tapies house towards the end ot its lite. 6. Bibliography.

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Martínez, Villegas Juan. "El videoarte expandido. Espacio de confluencia entre la Cinematografía y la Escultura." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/290271.

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Abstract:

En los procesos de creación que dan lugar a la práctica videoartística para sitio específico, o aplicada al objeto escultórico, la ¿expansión¿ no sólo sugiere la proyección de luz sobre superficie, sino que propone una confluencia de disciplinas, una integración de poéticas y métodos que se condensan en una misma acción. En el acto de extender la imagen en movimiento, está implícito un recorrido entre el relato que contiene la propia imagen, la relación que establece con el espacio o el objeto tridimensional y la narración resultante de este encuentro. En ese espacio de confluencia se generan múltiples cruces y dialécticas. De todas las posibles, se analizan encuentros entre tres áreas; el videoarte, la escultura y la cinematografía. En este estudio teórico-práctico, el marco de estudio ¿videoarte expandido¿ nos da la llave para navegar por el territorio difuso de los procesos de creación. Interpretamos así recorridos equivalentes al nuestro, partiendo de la intuición de que en primer y último término, lo que impulsa esos movimientos es la búsqueda común de una ¿imagen anhelada¿ que recoja el sentido profundo de la experiencia vital y la visión del autor. El videoarte expandido como medio de encuentro y síntesis de creación, puede generar un procedimiento adaptable e incluyente, en relación a la finalidad de cada proyecto en desarrollo. Con recorrido práctico y teórico facilita en su crecimiento, confluencias interdisciplinares, introspecciones íntimas, expresiones poéticas y acción política. A su vez es un marco de investigación óptimo para guiar el anhelo que impulsa el movimiento.
In the context of creation process occasioning video-artistic practice designed for a specific place or applied to a sculpture, the expansion broadens its meaning. It does not only suggest the light projection on a surface, but it gives as well room for a convergence of disciplines, integration of poetics, and merging of different methods into one action. The extension of an image to a movement implies an itinerary from a story possessing its own image, to the relationship which the story establishes with a place or a three-dimensional object, and through the narration resulting from the meeting of both. This point of convergence generates multiple bridges and dialectics. The thesis analyses three of possible areas: video art, sculpture, and cinematography.The framework of this theoretical and practical study on an expanded video art offers the possibility of navigation through vague territories of creation process. We thus interpret itineraries equivalent to the ours intuitively assuming that what impulses these movements in the first and last resort is a common quest for a longed for image which would reflect the profound sense of the author's vital experience and vision.The expanded video art as a medium of convergence and synthesis of creation can generate an adaptable and inclusive procedure in relation to the purpose of each undertaken project. Its practical and theoretical itinerary facilitates interdisciplinary convergences, intimate introspections, poetical expressions, and politic action. At the same time, it is an ideal framework of research in order to guide the longing which impulses the movement.

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Comelles, Allué Eduard. "Emplazar la Escucha / Emplazar Sonido. Un acercamiento a las prácticas de difusión y exposición de paisaje sonoro." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/133341.

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Abstract:

Esta investigación nace a partir de un descubrimiento. Es la historia de un viaje que va de lo aprendido en el campo visual a la vivencia a través de la escucha y al desarrollo de una carrera dentro de las prácticas denominadas como Arte sonoro o estudios aurales. Se estructura como la narración de un proceso de trabajo que transcurre entre 2009 y 2012 en la que el investigador y creador asimila lenguajes, sinergías y funcionamientos propios de lo que podemos denominaré Arte sonoro. Este texto pretende describir un proceso, un adentramiento en un mundo y una escena del Arte en los que, cada vez más, me he visto inmerso. Empieza con la voluntad de realizar un estudio tanto teórico como práctico de las distintas formas de situar, mostrar y distribuir paisajes sonoros en diversos formatos, entornos y espacios. Estas prácticas pueden ser interpretadas desde diversas disciplinas que abarcan desde el Arte de la instalación hasta la museografía aplicada a contenidos etnográficos. Teniendo en cuenta el marco académico al que se adscribe esta investigación es determinante señalar que, a pesar de la disparidad de enfoques posibles de la temática que nos ocupa, ésta será abordada principalmente desde el campo del Arte sonoro. Si el Arte sonoro será el punto de partida y el entorno de trabajo, cabe introducir un grado de especificidad mayor, asumiendo que éste concepto abarca actualmente muchas prácticas que se extienden desde la música electroacústica hasta el Circuit Bending (por introducir dos ejemplos dispares) y atendiendo a la poliédrica condición de esta categoría de Arte, tan joven y compleja, tal y como lo define Miguel Molina (2008). Por ello, investigaremos las prácticas que tienen que ver con el paisaje sonoro electroacústico como un material de registro reproducido después de su grabación (Rocha Iturbide, 2009). Este implica cierto grado de alteración del mismo, de hecho cuando capturamos y recortamos un fragmento de un paisaje sonoro ya estamos alterando uno de sus elementos principales, la duración. Su reproducción implica también cambios en su propia idiosincrasia. El paisaje sonoro reproducido es un paisaje sonoro electroacústico que depende de la tecnología para su existencia. Si bien podemos tomar el punto de vista de Rocha Iturbide también podemos acercarnos a la idea de la fijación sonora planteada por Michel Chion (1991). Esta se define como sonido fijado, la captura de un sonido y su condición de archivo con una temporalidad concreta. Así pues, podríamos abarcar aquí la fonografía y la ecología acústica aplicadas a las instalaciones, archivos o repositorios virtuales. A su vez mi motivación hacia el paisaje sonoro viene dada por dos aspectos fundamentales que dan sentido a esta investigación. Por un lado, la presunción de que el paisaje sonoro es el concepto paradigmático que ilustra la dicotomía entre sonido y lugar. En segunda instancia la que explicaría el creciente interés por la ecología acústica, Arte sonoro y demás prácticas artísticas de reciente cuño que implican sonido. Si lo primero estará ampliamente desarrollado en el cuerpo de la tesis, esta última presunción quedará para la parte final. Restaría pendiente de mención o estudio la cuestión temporal de la grabación de campo. Es determinante no obviar el factor tiempo, en este tipo de prácticas. Efectivamente, es el tiempo en el que se grabó un paisaje sonoro y el tiempo de duración que lo enmarca dos elementos clave para la comprensión y significado de un paisaje sonoro electroacústico. Sin embargo estas consideraciones no será exploradas en esta investigación pues aquí el interés radica en situar y resituar, y las situaciones que se producen entre sonido y lugar. ! Una vez asumida la actual coyuntura histórica nos sitúa en medio de un posible clímax de las prácticas en el campo del Arte sonoro y tomando consciencia del papel del paisaje sonoro en este complejo entramado, hemos decidido utilizar esta vertiente del Arte sonoro por su directa relación con el lugar. El paisaje sonoro mantiene una estrecha relación con el espacio en el que se recoge este tipo de documento y por lo tanto nos interesa en tanto en cuanto es un reflejo de un lugar o una marca identitaria del mismo. Este es un terreno pantanoso, pues muchos fonógrafos tratan de distanciar ese paisaje sonoro de la fuente del mismo, como ocurre en las reflexiones de Francisco López que tienden a situar el paisaje sonoro como un material físico, con el que moldear escenarios acústicos, tratando de alejarlos de su punto de origen o de los elementos que lo componen. Entendiendo sus motivaciones preferimos centrarnos en la vertiente que podría seguir más directamente los planteamientos fundacionales del término y encauzar esta investigación desde una perspectiva más cercana a Schafer (1977), Truax y The World Soundscape Project más que a los acercamientos más tangibles de Francisco López (2011). Desde la aparición del término paisaje sonoro acuñado por Schafer (1977) a mediados de los años 70 del siglo pasado, este ha sido expuesto de distintas maneras y bajo distintos pretextos divulgativos, científicos o artísticos. El término y sus connotaciones han sido ampliamente estudiados por una serie de autores que han procurado dotar de contexto y significación a un material con numerosas problemáticas formales. ! Schafer (1977) cimentó las bases de la ecología acústica y trató de encauzar un proyecto artístico personal a partir de los preceptos apuntados en The Soundscape donde estudia una variada serie de ejemplos prácticos y teóricos para comprender lo que es el paisaje sonoro tal y como lo entendemos en la actualidad. Si bien con anterioridad varios autores14 definieron conceptos similares fue Schafer quien de una manera más específica y determinante expone los elementos que forman parte de un paisaje sonoro y cómo estos en conjunto afectan a la identidad, cultura y tradición de un lugar. Sin embargo, existe una vertiente que necesita de mayor reflexión y que de hecho es el objeto de esta investigación. Se trata de la reflexión acerca de cómo situar, mostrar y distribuir el paisaje sonoro, independientemente de actitudes, estudios o experimentos. El objetivo es explorar cómo formalizar una puesta en escena de un material intangible, difícil de reproducir y sin un componente visual que lo apoye. A menudo, la exposición formal de materiales sonoros choca irremediablemente con la práctica sonora, los medios utilizados para atraer el interés del oyente pasan por representaciones visuales de ideas o conceptos asociados al sonido, sin embargo resulta complejo, como ya veremos, situar, sonido en un lugar y visualizar ese mismo acto. Por eso, trasladando el debate acerca de lo visual, es interesante acercarnos a los planteamientos que Augoyard (1991) miembro del grupo CRESSON, expone acerca del concepto de paisaje sonoro y su ligazón a la cultura visual. Expresa la necesidad de redefinir dicho concepto y encontrar nuevas formas de denominarlo. Pretende desligarlo de una experiencia meramente visual, en este caso, la contemplativa. Con ello pretende redefinir los puntos de vista analíticos sobre el paisaje sonoro, para alejarlos de los sistemas analíticos de la cultura visual. Sus preceptos fueron revisados en Catalunya por el grupo de investigación antropológica Ciutat Sonora (Alonso, Cantavella, Sánchez, Anítua, García López, Guiu, 2005). Cantavella y Sánchez (2008) desgranan la posibilidad de entender el paisaje sonoro, no como una consecuencia de una experiencia visual sino como el registro de una experiencia sensorial que poco tiene que ver con lo visual. Asimismo plantean el paisaje sonoro como un friso temporal ordenado por eventos consecutivos, paralelos y con distintas profundidades de campo. Todas estas consideraciones son las que nos llevan a plantearnos qué sistemas se utilizan, de qué forma el paisaje sonoro es dispuesto y cómo llega al oyente, al espectador o al internauta, y para tratar de situar todas estas prácticas hemos decidido encauzar esta investigación a partir del paradigma tecnológico que ha permitido la democratización y estandarización de los sistemas de escucha.

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Esteve, Marull Vanessa. "Representacions musicals en la pintura catalana dels segles XVII i XVIII." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/387422.

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Abstract:

Aquesta tesi doctoral té com a principal objectiu fer un estudi iconogràfic de diferents pintures, escultures i gravats catalans dels segles XVII i XVIII que tenen com a tema principal o secundari la música com a representació. A través l’anàlisi de les fonts documentals que parlen de música, es fa una descripció del context socio-cultural que va influir en l’elaboració d’aquests programes iconogràfics. Es tracta d’un anàlisi historiogràfic nou que reflexiona sobre la iconografia musical com a disciplina, i serveix per fer una aproximació inèdita al context de l’època que representen aquestes obres d’art i a les intencions dels seus artistes i mescenes. Per a la descripció d’aquestes imatges s’han manejat una seixantena d’imatges i s’ha reconstruit el paper de la música en diferents situacions i contextos socials. Divida en dues parts, la primera part fa referència a les imatges iconograficomusicals amb contingut religiós. S’han estudiat els àngels músics d’època barroca que es troben representats en alguns retaules catalans, representacions de sants amb atributs musicals i les representacions originals i úniques de l’Escolania de Montserrat. Per altra banda, la segona part de la tesi està dedicada a les imatges promogudes per la monarquia, la noblesa i la burgesia. S’han estudiat els principals temes on la música i l’art s’han desenvolupat com activitats d’oci i entreteniment. Es tracta tant d’esbossos i dibuixos de creació amb escenes de gènere com imatges al·legòriques que commemoren el poder polític. Per primera vegada es fa una lectura d’aquests programes iconogràfics, posant especial atenció a la simbologia, la organologia i les corrents artístiques que han circulat per Catalunya al llarg d’aquests segles. Això ens ha portat a descriure, de forma paral·lela, alguns esdeveniments històrics de Catalunya, com ara l’arribada de l’arxiduc Carles d’Àustria a Barcelona, la visita de Carles III i les primeres representacions operístiques catalanes. D’aquesta manera, aquesta tesi doctoral és un complement als estudis històrics i musicològics que s’han realitzat fins ara i esdevé una nova font documental per il·lustrar i entendre el paper de la música dins la societat catalana.
The principal aim of this doctoral thesis is to carry out an iconographic study of different Catalan paintings, sculptures and prints from the seventeenth and eighteenth centuries that have music as performance as their primary or secondary theme. A description of the socio-cultural context influencing these iconographic programmes is made following analysis of documentary sources which talk about music. This is a new historiographical analysis which reflects on musical iconography as a discipline and, for the first time, allows the context of the age which these works represent and the intentions of their artists and patrons to be addressed. Around sixty images have been used for the description which reconstructs the role of music in different situations and social contexts. It is divided into two parts: the first refers to the iconographical-musical images with religious content. The musical angels of the Baroque period found on some Catalan altarpieces, representations of saints with musical attributes and original and unique representations from the Escolania de Montserrat are studied in this section. The second part of the thesis is dedicated to the images promoted by the monarchy, the nobility and the bourgeoisie. The main themes in which music and art have become activities of leisure and entertainment are studied. In other words, the creative sketches and drawings with genre scenes such as allegorical images commemorating political power. For the first time a reading is made of these iconographic programmes, with a special focus on the symbology, organology and the artistic trends circulating around Catalonia during those centuries. This has led to a parallel description of some of the historic events in Catalonia, such as the arrival in Barcelona of Archduke Charles of Austria, the visit by Charles III and the first performances of Catalan operatic works. This doctoral thesis is therefore a complement to the historical and musicological studies that have been carried out to date and a new documentary source to illustrate and understand the role of music in Catalan society.

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Domínguez, Ruiz Manuela. "La colección de escultura clásica del cardenal Despuig en Palma de Mallorca." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/378663.

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Abstract:

La tesis que aquí se presenta trata sobre buena parte de la colección de escultura clásica que el cardenal Despuig reunió en el transcurso del siglo XVIII, inicios del siglo XIX en Italia y que hoy se conserva en el Museu d’Història de la Ciutat de Palma.Antoni Despuig desarrolló una fructífera carrera eclesiástica que lo llevó a establecerse en Roma a raíz de su nombramiento como Auditor de la Sagrada Rota en 1785 y que culminaría con la obtención de la púrpura cardenalicia en 1803 bajo el pontificado de Pío VII.Al igual que otros personajes de su condición social, Despuig recurrió a la arqueología como una entre otras vías para proveerse de una parte del fondo escultórico que habría de conformar su colección. Las excavaciones más relevantes tuvieron lugar en la antigua ciudad lacial de Ariccia, emplazada en los montes Albanos y llevaron a Despuig a dar con los restos de una lujosa villa romana, juzgada tradicionalmente como perteneciente al liberto de Plotina, Agatirso. Además de las piezas obtenidas mediante la arqueología, Despuig participó activamente en el fervoroso mercado anticuario acontecido en la época. La colección escultórica de Despuig, reunida primero en Roma, se trasladó a finales del siglo XVIII a Raixa, finca agraria transformada arquitectónicamente para albergar un museo abierto al público. Para la puesta a punto de la exposición museística, el mallorquín envió a Raixa a tres escultores desde Italia, Pascual Cortés, Luigi de Melis y Giovanni Trivelli, a los que más tarde se uniría Francesco Carlo Lazzerini.Aunque los herederos inmediatos del cardenal habrían continuado con los trabajos en el museo, que abrió sus puertas unos años después de la muerte del cardenal, desafortunadamente en 1897, el VIII conde de Montenegro, Ramon Despuig y Fortuny, entonces propietario de la colección, procedió a la venta de buena parte de la misma. Relevantes piezas fueron adquiridas por coleccionistas privados, entre los que el principal comprador fue el millonario cervecero Carl Jacobsen. Otro importante bloque de esculturas se subastó en el Hotel Drôuot el año 1900. Gracias a la intervención de algunos intelectuales mallorquines pudo frenarse la dispersión de lo que quedaba de la colección que, finalmente, fue adquirida por el Ayuntamiento de Palma en 1923 e instalada en el Castillo de Bellver en 1932. Allí resistió diversos avatares hasta que en 1995 se procedió a una nueva musealización y la colección se expone desde entonces en el patio de armas y en tres salas de la planta noble del castillo, sede del Museu d’Història de la Ciutat de Palma.A diferencia de las piezas que emigraron a colecciones europeas y norteamericanas, las cuales han sido objeto de recurrentes estudios, el grueso de la colección Despuig, aún en Mallorca, no ha corrido la misma suerte. Esta tesis nace ante la necesidad de conocer en profundidad también las piezas de Mallorca para poder llegar a establecer un planteamiento holístico de la colección y situarla e interpretarla correctamente dentro del encuadre histórico correspondiente. En consecuencia, el objetivo de este trabajo ha consistido en el estudio pormenorizado de las piezas escultóricas que integraron la colección Despuig, que se conservan actualmente en el Museu d’Història de la Ciutat de Palma, sitas en el Castillo de Bellver. El análisis crítico de las piezas ha permitido esclarecer aspectos sobre su origen, iconografía y función, así como aquellos que atañen a la historia de los ejemplares desde el momento de su creación, como pueden ser las restauraciones a las que fueron sometidos y las posibles reinterpretaciones de significado que hayan podido sufrir.
The PhD dissertation presented here relates the collection of classical sculpture that Cardinal Despuig gathered during the eighteenth century, early nineteenth century in Italy and is now preserved in the Museu d'Historia de la Ciutat de Palma.Antoni Despuig developed a fruitful ecclesiastical career that led him to settle in Rome following his appointment as Auditor of the Sacred Rota in 1785 and culminating with obtaining the cardinal's purple in 1803 under Pope Pius VII.Like other characters in their social status, Despuig turned to archeology as one among other ways to provide themselves with a part of the sculptural background that would shape his collection. The most important excavations took place in the ancient city of Ariccia, located in the Alban Hills and carried Despuig to give the remains of a luxurious Roman villa, traditionally judged as belonging to Plotina’s freedman, Agathyrsus. In addition to the parts obtained through archeology, Despuig actively participated in the fervid happened antiquarian market at the time.The Despuig’s sculptural collection, gathered first in Rome, moved to Raixa in late eighteenth century. There, Despuig created a museum open to the public. For the development of the museum exhibition, the Majorcan sent to Raixa three sculptors from Italy, Pascual Cortes, Luigi Melis and Giovanni Trivelli and later joined them Francesco Carlo Lazzerini.Although the immediate heirs of Cardinal would have continued to work in the museum, which opened a few years after the death of Cardinal, unfortunately in 1897, the eighth Earl of Montenegro, Ramon Despuig Fortuny, then owner of the collection. proceeded to sale the collection. Relevant pieces were acquired by private collectors, as the millionaire brewer Carl Jacobsen. Another important block of sculptures are auctioned at the Hotel Drouot in 1900. The intervention of some Majorcan intellectuals could slow down the spread of what remained of the collection that eventually was acquired by the city of Palma in 1923 and installed in Bellver Castle in 1932. Until 1995 collection is exhibited in the courtyard and three rooms on the main floor of the castle, headquarters to the Palma’s Museum of History.Unlike the pieces emigrated to European and North American collections, which have been the subject of recurring studies, the bulk of the Despuig collection, still in Majorca, has not suffered the same fate. This PhD dissertation is born from the need to know in depth also parts of Mallorca to get to establish a holistic approach to the collection and place and interpret it correctly within the corresponding historical frame. Consequently, the objective of this work consisted of a detailed study of the sculptural pieces that made up the Despuig collection, currently housed in the Museu d'Historia de la Ciutat de Palma, situated in the Bellver Castle. Critical analysis of parts helped to clarify aspects of its origin, iconography and function, as well as those pertaining to the history of the copies from the moment of its creation, such as the restorations which were submitted and possible reinterpretations meaning they may have suffered.

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Solà, Simon Teresa. "El poder de l'art. L'art com hermenèutica i la llibertat de l'artista." Doctoral thesis, Universitat Ramon Llull, 2016. http://hdl.handle.net/10803/350812.

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Abstract:

El treball és una aproximació antropològica de l’art a partir de l’artista. Dos són els eixos vertebradors d’aquesta tesi, a partir dels quals se’n deriven els punts restants: 1. Considerar l’art una activitat físico-psíquico-espiritual innata a la naturalesa humana; aspecte analitzat en el primer apartat del treball, en A. QÜESTIONS PRELIMINARS; 2. El poder de l’art: a) en la seva relació amb els poders fàctics, punt treballat en l’apartat B. ART I PODER; b) el poder que neix del propi dinamisme intern de l’art, punt treballat en l’apartat C. EL PODER DE L’ART Partint d’aquestes consideracions la tesi intenta respondre a la pregunta d’on prové aquesta força que neix del propi art fins a fer-lo un «mitjà» atractiu per els poders fàctics, especialment les ideologies polítiques i els totalitarismes. Alguns aspectes són treballats a través de dues figures contemporànies: Frida Kahlo i Marc Chagall. Temes no menys importants, que sense ser l’objectiu de la tesi, han sorgit necessàriament dels punts centrals, i que han hagut de ser estudiats en més o menys profunditat són: a) què s’entén per art i estètica avui, en un moment on la manca de definició és el que més prolifera en tots els camps; b) la subjecció i la llibertat de l’artista en el procés creatiu i de quina manera conviuen aquests dos aspectes en l’artista. Tant des de fora pel què fa a les pressions i condicionaments externs a les que està sotmès l’artista, com des de dins, pel propi mecanisme intern del procés creatiu i de la mateixa obra d’art; c) l’art com a «valor», en tant que activitat humana, mesura el grau d’humanització d’una societat però, a la vegada, pot esdevenir un mitjà d’humanització i recuperació de valors perduts o menystinguts. Així l’art és comprès, també, en el seu valor pedagògic i comunicativo-expressiu, i serà en aquest sentit que s’estudiarà també el poder de l’art i les seves relacions amb els poders hegemònics. Ja que per la seva capacitat comunicativa té una capacitat transformadora, la manipulació de l’art resulta un capteniment temptador en ordre a una actuació dirigida per l’home envers l’home mateix provocant, així, una desnaturalització de l’art i del propi ésser humà. Un aspecte significatiu de la tesi és la comprensió que es fa de l’art com a «mediació», i la «puresa» de l’art en tant que «genuïnitat». Quan l’art és «pur», és a dir, «genuí» no cerca finalitats manipuladores ni es sotmet a poders fàctics. És transformador i està obert a la possibilitat de l’«encontre» amb un «tu» i amb un «Tu« espiritual. Conscient que el tema és profundament infinit i obert, la tesi, per la pròpia naturalesa de la seva temàtica no pot deixar cap aspecte tancat però sí, suggerir nous plantejaments.
El estudio es una aproximación antropológica del arte a partir del artista. Dos son los puntos centrales de esta tesis, a partir de los que se derivan los restantes: 1. Considerar el arte una actividad físico-psíquico-espiritual que nace de la propia naturaleza humana; aspecto analizado en el primer apartado A. QÜESTIONS PRELIMINARS; 2. El poder del arte: a) en su relación con los poderes fácticos, parte B. ART I PODER; b) el poder que nace del propio dinamismo interno del arte, parte C. EL PODER DE L’ART Partiendo de estas consideraciones la tesis intenta responder a cerca del origen de la fuerza que emana del propio arte hasta hacerlo un «medio» atractivo a los poderes fácticos, especialmente las ideologías políticas i los totalitarismos. Algunos aspectos son estudiados a partir de dos figuras contemporáneas: Frida Kahlo i Marc Chagall. Temas no menos importantes, que sin ser objeto directo de análisis de la tesis, han surgido necesariamente de los puntos centrales, y han tenido que ser estudiados con más o menos profundidad. Estos son: a) qué se entiende por arte y estética hoy, en un momento en que la indefinición se extiende a todos los campos de la sociedad; b) la sujeción y la libertad del artista en el proceso creativo; cómo y de qué manera conviven estos dos aspectos en el artista. Tanto desde fuera, en lo que respecta a las presiones y condicionamientos externos a les que está sometido el propio artista, como desde dentro, por el propio mecanismo interno del proceso creativo, así como por la misma obra de arte; c) el arte como «valor», en tanto que actividad humana, mide el grado de humanización de una sociedad pero, a la vez, puede convertirse en un medio de humanización y de recuperación de valores olvidados o depreciados. Así el arte es comprendido, también, en su valor pedagógico y comunicativo-expresivo, y en este sentido será estudiado también el poder del arte y sus relaciones con los poderes hegemónicos. Por su capacidad comunicativa y, por tanto transformadora, la manipulación a que puede someter el hombre al arte, dirigida a una actuación sobre el hombre mismo, resulta un hecho evidente, provocando así una desnaturalización del arte y del propio hombre. Un aspecto significativo del estudio es la comprensión del arte cómo «mediación», y la «pureza» del arte, entendiendo por pureza la «genuinidad» del arte. Así, en este sentido, cuando el arte es «puro» huye de todo sometimiento a poderes fácticos. Es transformador y está abierto a la posibilidad del «encuentro» con un «tu» y con un «Tu» espiritual. Consciente que el tema es profundamente abierto, la tesis, por la pròpia naturaleza de su temática, no puede dejar el estudio como un todo cerrado, però sí, presentar nuevos y sugerentes planteamientos.
The thesis is an anthropological approach on the art in its different forms: Painting, music, literature and sculpture. And all these forms are examined starting from the artist. The axes vertebrating this study are two, on which depend the other points, as follow: 1. Considers the art as an innate physic-psychological-spiritual activity of the human nature. This point is analyzed in the first part of the work, specifically in the A. PRELIMINARY INTRODUCTION. 2. The second axis deals with the power of art: a) in its relation with the factual powers. This aspect is dealed to a large extent in the section B. ART AND POWER, and b) the power which comes out from the internal dynamism self of the art. This point is developed in the section C. THE POWER OF ART. According to the basis of these thoughts the doctoral dissertation intents to answer to the question from where comes the strength that is born in the art itself, even to become attractive to the factual powers, to the political ideologies to the political totalitarism. Some of these aspects are developed starting from tow wellknown contemporaneous artists: Frida Kahlo and Marc Chagall. There are some non the important subjects, which without being the direct matter of this thesis, have rose necessarily from its central points, and so they have been approached more or less deeply. These secondary aspects are: a) What do we understand today when we speak about art and aesthetics?; b) Subjection and freedom of the artist in the creative process and how both can live together in the artist (Unfortunately the tack of clear definition proliferates in this field). Both outside the external pressions and conditions to which is subjected and inside due to creative process itself and to the work of art; c) The art as «value» as human activity, measures the level of humanity of the society. In fact, the art can become means of humanization and recovery of the lost and despised values. And consequently the art is also understood in its pedagogical and communicating value. And is of course in this sense that our work approaches the power of the art and the relation between power and art. And the reality is so because its communicative strength is also transformating capacity. And precisely this capacity can become a man’s manipulation by the man, and consequently the perversion of the art’s nature and of the human being. A signification aspect of this thesis is the art’s presentation as mediation and the art’s pureness as genuineness. The pure art does not look for manipulating aims, and does not submit to the leading powers. The true art is transformer and open to the possibility of the meeting with a «you» and with the spiritual «You». The thesis is fully aware that the subject is deeply infinite and open, so the work according its own nature can’t close all the aspects, but can suggest new statements.

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Niñá, Jové Meritxell. "L'escultura del segle XIII de la Seu Vella de Lleida." Doctoral thesis, Universitat de Lleida, 2014. http://hdl.handle.net/10803/275936.

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Abstract:

La present tesi doctoral és un estudi sobre l’escultura monumental del segle XIII de la Seu Vella de Lleida (l’antiga catedral romànica que presideix aquesta ciutat), que constitueix un dels conjunts escultòrics més rics del panorama artístic del segle XIII català. La principal finalitat de la investigació és contextualitzar i comprendre les raons de la seva presència en relació amb el moment en què fou creat. L’aportació que es realitza rau en proposar una mirada inèdita, global i completa sobre aquest conjunt d’imatges fonamentada en materials de diferent caràcter: documentació, bibliografia, dades arqueològiques i les pròpies escultures com a fonts materials. Davant la insistència en determinats temes bíblics es planteja, com a punt de partida, la hipòtesi que una de les línies que va marcar el disseny general del conjunt de temes fos un ideari eclesiàstic de lluita contra de les heretgies, principalment l’Islam i el catarisme, que es va traduir en una notable presència de representacions relacionades amb l’Encarnació de Crist, que era negada per aquestes doctrines.
La presente tesis doctoral es un estudio sobre la escultura monumental del siglo XIII de la Seu Vella de Lleida (la antigua catedral románica que preside esta ciudad), que constituye uno de los conjuntos escultóricos más ricos del panorama artístico del siglo XIII catalán. La principal finalidad de la investigación es contextualizar y comprender las razones de su presencia en relación con el momento en que fue creado. La aportación que se realiza radica en proponer una mirada inédita, global y completa sobre este conjunto de imágenes fundamentada en materiales de diferente carácter: documentación, bibliografía, datos arqueológicos y las propias esculturas como fuentes materiales. Ante la insistencia en determinados temas bíblicos se plantea, como punto de partida, la hipótesis que una de las líneas que marcó el diseño general del conjunto de temas fue un ideario eclesiástico de lucha contra de las herejías, principalmente el Islam y el catarismo, que se tradujo en una notable presencia de representaciones relacionadas con la Encarnación de Cristo, que era negada por estas doctrinas.
This doctoral thesis is a study of the 13th Century monumental sculpture in the Seu Vella in Lleida (the old romanesque cathedral that presides over this town), which constitutes one of the richest sculptural bodies in the 13th Century Catalan artistic panorama. The main goal of the investigation is to contextualise and understand the reasons behind its presence in relation to the moment in which it was created. The contribution being made lies in offering an unprecedented, global vision of this body of images, based on various types of materials: documents, bibliography, archaeological data and the sculptures themselves as source material. Faced with the persistence of biblical themes, the starting point chosen will be the hypothesis that one of the approaches that influenced the general design themes was an ecclesiastic ideology of the fight against heresy, mainly Islam and Catharism, which resulted in the presence of representations of the incarnation of Christ, which was denied by those doctrines.

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Camats, i. Petanàs Jaume. "Autorretrato: la mirada interior." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/322078.

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Abstract:

Estudio de la capacidad del autorretrato para manifestar la genuina personalidad de su autor a los que lo contemplan, dando a conocer a los demás su manera de ser íntima y —referido a los alumnos de Bellas Artes— de la posibilidad de ser utilizado para alcanzar un mayor conocimiento propio mediante su realización. Para fundamentar esta tesis se recurre al análisis del proceso seguido por artistas de distintas épocas que, aún sin proponerse tal objetivo, con sus autorretratos establecen un precedente en el tema. En el autorretrato el artista trata de representarse no sólo tal como se ve, sino también como sabe que es por dentro. La experiencia de la propia personalidad se manifiesta al representarse, de ahí que al observar un autorretrato afloren aspectos de la manera de ser del autor que serían menos evidentes contemplando la realidad. Resultan de especial interés las variaciones que se aprecian con el transcurrir del tiempo en la forma de verse, de describirse y de comunicarse a través del autorretrato, tanto respecto a los artistas analizados como respecto a la experiencia personal del autor. Para que la observación del autorretrato permita un juicio propio lo más imparcial posible, se propone un método destinado a facilitar la acción de juzgar sobre sí mismo con la ecuanimidad de quien no es parte interesada.
Study of the capacity of the self-portrait to show the genuine personality of its author to those who contemplate, revealing to others their way of being intimate and —regarding students of Arts— from the possibility of being used to achieve greater self-knowledge through its realization. In support of this thesis it is used to analyse the process followed by artists from different periods, even without having that goal, with his self-portraits set a precedent on the subject. In the self-portrait the artist is represented not only as seen, but also as he knows it is inside. The experience of one's personality appears to represent the manifest, hence observing a self-portrait to surface aspects of the author's personality contemplating a less obvious reality. Of particular interest are the variations that can be seen with the passage of time in the way you look, been described and communicating through self-portrait, both as artists analysed as regard to the author's personal experience. To allow the observation of a possible self-portrait as impartial judgment, a method to facilitate the action of judging on himself with the equanimity of one who is not a party proposes.

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Larios, Ruiz Darshan Shaday. "De la poesía pictórica a la poesía escénica: la metafísica del objeto cotidiano de Giorgio de Chirico en Tadeusz Kantor." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/377771.

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Abstract:

La presente investigación trabaja en la abstracción del concepto “metafísica del objeto cotidiano” procedente de la obra del pintor griego Giorgio de Chirico (Volos, 1888-1978), con el fin de probarlo como herramienta de análisis para el teatro de objetos. Al final se obtiene la definición de un concepto formado por tres principios y un proceso de dos pasos entendido como una dinámica de poetización del objeto cotidiano en la escena. Se pone de ejemplo el análisis de la metafísica escénica del “objeto-armario” en la obra En la pequeña casa del campo (1961), del director de teatro polaco Tadeusz Kantor (Wielopole,1915-1990). Esta definición se puede aplicar a cualquier proyecto escénico que trabaje con objetos cotidianos, como instrumento para la comprensión de procesos creativos.
This research works in to get the concept "metaphysics of everyday objects" from the work of the greek painter Giorgio de Chirico (Volos, 1888-1978), in order to test as an analysis tool for object theater. At the end, the definition of a concept consists of three principles and two-step process understood as a dynamic of poetization from everyday objects in the scene. I put as example, the metaphysical analysis of one everyday object in the work of the polish theater director Tadeusz Kantor (Wielopole,1915-1990): “the wardrobe” inside In the little mannor house (1961). This definition can be applied as a tool for understanding creative processes at any stage project that works with everyday objects.

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Mariath, Belloc Marcio. "Homem-sem-história. A narrativa como criaçao de cidadania." Doctoral thesis, Universitat Rovira i Virgili, 2011. http://hdl.handle.net/10803/32220.

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Abstract:

La presente tesis de doctorado trata sobre la necesaria creación de ciudadanía, que se torna efectiva por la narración, cuando se eleva como contrapoder del sujeto en una posición de alienación, aquí definida como hombre-sin-historia. Tomando principalmente los procesos vinculados a la salud mental como medio de análisis de la configuración de tal condición, aquí se plantea la discusión sobre los caminos de acción para la disolución del hombre-sin-historia por medio de la narrativa política. El marco concreto es el proyecto cultural y de pedagogía social desarrollado en Barcelona y llamado Radio Nikosia. En la medida en que la narrativa se considera como la intervención efectiva para combatir esta condición, en este texto la propia narrativa se configura como la principal metodología de investigación. Palabras clave: narrativa; ciudadana; salud mental; presencia; pedagogía social.
The presently thesis is about the necessary creation of citizenship, made effective by the narration, when the rise of the subject in an alienation position, here defined as a man-without-history. Taking mainly the processes related to mental health as a way of analyzing the configuration of such condition, the deliberation about the ways of action for the dissolution of man-without-history pass by the political narrative, found here in the cultural and social pedagogy project developed in Barcelona named Radio Nikosia. The narrative is the intervention to combat this condition, the same narrative structures the research methodology. Keywords: narrative, citizenship, mental health, presence, social pedagogy.

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Bisbe, de la Fuente Luis. "Estrategias objetuales al margen de la representación. Hacia una experiencia artística emancipada y expandida." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/384003.

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Abstract:

Este trabajo se articula en torno a las posibilidades de la «presentación» en contraposición a la «re-presentación» en el ámbito artístico. Prestando atención al exceso de mediatización que se padece en todos los ámbitos, se dibuja, en primer lugar, un panorama general de la experiencia del mundo, para ir estrechando el punto de vista sobre el arte y sobre el sujeto, así como sobre el contexto en el que el individuo se encuentra con la obra de arte. Se describe lo que se viene a llamar crisis de la representación para indicar un nuevo y viejo camino a través del cual la “presentación” se abre paso. En sus líneas fundamentales, este trabajo analiza aspectos y estrategias dentro de la misma presentación, que tienen por objeto poner en duda la estabilidad aparente del edificio de la cultura, entrelazando obras de artistas a nivel internacional, a partir de los conceptos que de ellas emanan con aportaciones de interés a este ámbito de estudio. Se traza un recorrido de actuaciones en la configuración del hecho artístico a partir de la propia práctica artística del autor, que va desde la perturbación de la presentación a la presentación de la perturbación, para acabar valorando la capacidad de artistizar la mirada y cuestionar de ese modo el sistema jerárquico de legitimación del arte, a la vez que se aporta una nueva categoría experimental que he denominado «proto-arte», que revindica una concepción del arte más plural, expansiva y emancipadora.

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Fernández, Giraldo Alejandro. "La autonomía del arte como problemática común a la academia y al arte moderno. De la imposición de la norma a la imposición de la libertad." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/384308.

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Abstract:

En el estudio de la historia y desarrollo de las academias de arte y en el de su relación con la modernidad estética y sus diferentes tendencias, la mayoría de los autores ha centrado su análisis en dos ejes fundamentales: uno, el de las diferencias ideológicas entre el academicismo y la modernidad, y otro, el del difícil encaje de la práctica académica en las propuestas dominantes en el ámbito del arte moderno. Sin perder de vista ambos ejes, el estudio analiza desde una perspectiva histórica una tercera faceta que sólo se ha tocado tangencialmente frente a las dos previas: la relativa al peso que la academia y algunas de las teorías asociadas a ella han tenido en la configuración de diversas características del arte moderno, hasta tal punto que éste, desde sus orígenes en el Romanticismo hasta las tendencias contemporáneas, no podría entenderse en su totalidad sin su precedente. Para elevar la práctica artística al ámbito de las profesiones liberales los teóricos académicos tuvieron que valerse de criterios y argumentos que con los debidos matices se incorporarían al corpus teórico de los románticos, las vanguardias o a la modernidad tardía. Por otro lado, al superar el modelo gremial, en el que toda la actividad artística y el trato con el cliente estaban regulados por los propios artistas-artesanos, la academia potenciaría la incorporación al mundo del arte de toda una serie de mediadores que irían desde el funcionario al servicio del estado, hasta lo que más adelante, y ya fuera de su ámbito, serían los galeristas, críticos y demás promotores mediáticos. Esta situación, en la que a nivel corporativo el artista perdía el monopolio en la gestión de su oficio y entraba a depender de mediadores, no impediría la consolidación de una serie de teorías acerca de la autonomía del Arte, bien por depender éste de principios normativos universales y ajenos a todo desarrollo histórico, bien por hacerlo de la libre voluntad del artista, igualmente ajena a dicho desarrollo. Ahora bien, mientras en la academia la imposición de unas normas fue explícita en sus programas, en el arte moderno dicha imposición se ha producido de manera encubierta, infiltrándose incluso en el ámbito docente en lo que se ha dado en llamar “currículum oculto”. En ambos casos, se plantea también como cada sujeto de estudio ha adoptado usos y esquemas de funcionamiento que tradicionalmente se han considerado propios de su antagonista, demostrando así que paralelamente a la controversia entre la academia y el arte moderno, se han desarrollado también vínculos de influencia e interdependencia a los que hasta la fecha se ha prestado una atención sólo marginal.

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Ródenas, Garcia Juan Fernando. "Antonio Bonet Poblado Hifrensa, 1967-1975." Doctoral thesis, Universitat Rovira i Virgili, 2013. http://hdl.handle.net/10803/124099.

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Abstract:

El poblado HIFRENSA es un conjunto residencial formado por la agrupación de viviendas para alojar a los trabajadores de la central nuclear de Vandellòs-I. Cuenta además con una serie de equipamientos a escala de barrio. El conjunto está conectado mediante pasos para peatones con plazas públicas con esquema viario en cul-de-sac. Antonio Bonet recibe el encargo de la construcción del poblado en 1967, así como la realización de las dependencias administrativas y otros edificios de carácter técnico en el emplazamiento de la central nuclear. La tesis revela a Bonet como arquitecto investigador. En el poblado HIFRENSA no se puede establecer una línea clara que separe la arquitectura del urbanismo. Bonet busca una solución universal con la definición de un tipo o patrón, como elemento susceptible de ser perfeccionado, sistematizado y prefabricado. El patrón puede mutar, ya sea para adaptarse a un sistema constructivo o por necesidades topográficas, climáticas o programáticas. Particularmente en la obra de Bonet, también para satisfacer unos requerimientos de orden superior, su soporte urbanístico. La mayor dificultad radica en la definición de un criterio ordenador que permita dar forma superior a las unidades: ya sean viviendas o equipamientos sin que el conjunto urbanístico acuse monotonía y falta de identidad.
The HIFRENSA settlement is a residential complex built to accommodate workers of Vandellòs-I nuclear power plant. It also has a number of facilities at neighbourhood scale. The set is connected by pedestrian crossings with public squares and road scheme in cul-de-sac. In 1967 Antonio Bonet was commissioned to build the settlement, the administrative offices and other technical buildings on nuclear power plant site . The thesis exposes Bonet as architect researcher. At HIFRENSA settlement, a clear line between architecture and urbanism cannot be drawn. Bonet searches an universal solution. with a type or pattern definition as an element liable to be improved, refined, systematized and prefabricated. The pattern can mutate either to accommodate a construction system or for another needs, topographic, climatic or programmatic. Particularly in Bonet’s work, also to meet a higher requirement: its urban planning support. The greatest difficulty lies on the definition of an order judgment that can give a higher shape to the units, dwellings or facilities , with the intention of avoiding a monotonous urban complex and lack of identity.

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Laranjeira, José dos Santos. "Tránsitos Sonoros. El paisaje sonoro a partir de las tramas de la sincronicidad en el arte contemporáneo." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/285405.

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Abstract:

Esta tesis trata del paisaje sonoro en medio a las tramas de la sincronicidad como un potencial creativo proveniente del reposicionamiento del sonido como matriz de lenguaje y pensamiento artístico en el ámbito de la espacialidad contemporánea de las artes visuales. Se inscribe en el marco de las investigaciones que incluyen la experiencia sensorial auditiva (auralidad) como instancia cualitativa relevante para la cognición estética, la estructuración semántica y simbólica en el campo artístico.. En el marco teórico conceptual y metodológico se incluyen, desde aspectos de la problemática del conocimiento, hasta reflexiones sobre las intersecciones e inter-relaciones entre arte y ciencia. El paradigma sistémico y la semiótica sirven como instrumentales a servicio del proceso descriptivo, analítico y crítico-reflexivo de la producción artística. La fundamentación teórica de este trabajo se apoya, por lo tanto, en el pensamiento sistémico como una plataforma paradigmática y la teoría semiótica de concepción peirciana como un instrumental lógico que nos permite concebir el arte como universo simbólico, un sistema de signos visuales y sonoros. Los TRÁNSITOS SONOROS abordan el paisaje sonoro dentro del ámbito de creación e investigación académica a partir de experiencias y acciones colectivas y colaborativas, realizadas entre los años de 2010 y 2013, entre artistas investigadores de los grupos BR::AC/UB - Universidad de Barcelona e GIIP/UNESP Universidade Estadual Paulista “Julio de Mesquita Filho. TRÁNSITOS SONOROS constituye un breve testimonio de prácticas creativas realizadas dentro del medio académico universitario y afianzadas por la sincronicidad sistémica en la integración cualitativa de artistas investigadores. Una prueba cabal e incisiva de la creciente influencia e importancia que han ganado el sonido, la auralidad y el paisaje sonoro como experiencias sensoriales indispensables en el intrincado proceso de construcción contemporánea de narrativas y diálogos entre el arte, la sociedad, la cultura y el patrimonio cultural intangible.
The present thesis is the soundscape amid frames of synchronicity as a creative potential proceeding of the sound repositioning as a language matrix and artistic thinking in the scope of the contemporary spatiality of the visual arts. It forms part of the research include auditory sensory experience (aurality) as relevant qualitative instance for aesthetic cognition, semantic and symbolic structure in the art field. The conceptual and methodological framework include, from aspects of the problem of knowledge, to reflections on the intersections and inter- relationships between art and science. The systemic paradigm and the semiotics serve as instruments in service to the descriptive, analytical and critical-reflexive process of the artistic production. The theoretical foundation of this work is based, therefore, on systemic thinking as a paradigmatic platform, and the semiotic theory of Peirce’s conception as a logical instrument that allows us to conceive the art as a symbolic universe, a system of visual and audible signs. The SOUNDING TRANSITS addresses the soundscape within the scope of creation and academic research from collective and collaborative experiences and actions carried out between 2010 and 2013, including researchers artists of the both group BR : AC / UB - Universidad de Barcelona and GIIP / UNESP Universidade Estadual Paulista “Julio de Mesquita Filho. SOUNDING TRANSITS provides a succinct certification of creative practices within the university academic environment and warranted by systemic synchronicity in the qualitative integration of artist researchers. A clear and incisive proof of the growing influence and importance that sound, aurality and soundscape have gained as indispensable sensory experiences in the intricate process of contemporary construction of the narratives and dialogues among art, society, culture and intangible cultural heritage.

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Santos, Mariana Pinto dos. "Inventários, Narrativas, Fragmentos. (Im)pertinência da historiografia da arte = Inventarios, Narrativas, Fragmentos. (Im)pertinencia de la historiografía del arte." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/298715.

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Abstract:

Abordando alguns exemplos importantes da historiografia da arte portuguesa contemporânea, esta dissertação de doutoramento procura fazer uma reflexão crítica sobre a cristalização de modelos de interpretação em história da arte para além do caso português, com particular foco na história da arte contemporânea. Partindo de autores e conceitos específicos, contrapõem-se hipóteses operativas para a historiografia da arte. Por um lado, pela análise crítica do paradigma da cópia introduzido pela actualmente in.uente historiogra.a da arte norteamericana (criticism), que se a.rmou a partir dos anos setenta do século XX. Essa análise debruça-se sobre a importância que Walter Benjamin teve na consolidação desse paradigma. Por outro lado, contrapõe-se também o valor de uso do autor alemão para repensar a história da arte e o seu objecto, focando-se os seus textos sobre a infância e relações da infância com a história e a memória, em articulação com os seus conceitos operativos mais usados e citados. A re.exão que se apresenta, e que se socorre de outros autores além de Walter Benjamin, propõe a construção de uma história da arte que interpele as ordens dos discursos instituídas e que se autorize na própria construção quer a interpretação com recurso aos instrumentos do seu campo de saber (da sua própria história), quer a insubordinação a esses instrumentos. Uma selecção de pinturas de Eduardo Batarda serve de estudo de caso de uma prática em pintura que finta as classificações historiográficas e se estrutura em palimpsesto, com uma multiplicação infinda de sentidos, falsos sentidos e referências, tornando-se um exemplo eficaz para repensar a historiografia da arte e o seu objecto.
Abordando algunos ejemplos importantes de la historiografía del arte portugués contemporáneo, esta tesis doctoral busca hacer una reflexión crítica sobre la cristalización de modelos de interpretación en la historia del arte más allá del caso portugués, con un enfoque particular en la historia del arte contemporáneo. Partiendo de autores y conceptos específicos, se contraponen hipótesis operativas para la historia del arte. Por un lado, a través del análisis crítico del paradigma de la copia introducido por la actualmente influyente historiografía del arte norteamericana (criticism), que se consolidó a partir de los años sesenta del siglo XX. Este análisis se inclina hacia el tratamiento de la importancia que Walter Benjamin tuvo en la consolidación de este paradigma. Por otro lado, también se contraponen el valor de uso del autor alemán para repensar la historia del arte y su objeto, centrándose en los textos sobre la infancia y las relaciones de la infancia con la historia y la memoria, en relación con sus conceptos operativos más usados y citados. La reflexión que se presenta, y que se nutre también de otros autores además de Walter Benjamin, propone la construcción de una historia del arte que interpela el orden de los discursos instituidos y que se autoriza en la propia construcción ya sea de la interpretación que recurre a los instrumentos de su campo del saber (de su propia historia), o bien a la insubordinación hacia tales instrumentos. Una selección de pinturas de Eduardo Batarda sirve como caso de estudio de una práctica a través de la pintura que esquiva las clasificaciones historiográficas y se estructura en forma de palimpsesto, con una multiplicación infinita de sentidos, falsos sentidos y referencias, convirtiéndose en un ejemplo eficaz para repensar la historiografía del arte y su objetivo.
Starting with some important examples from the contemporary portuguese art history, this dissertation aims for a reflection about the crystallization of models of interpretation in art history beyond the portuguese situation, focusing especially on contemporary art history. Always resting on specific authors and concepts, counterparts are studied, on one hand by analyzing, critically, the paradigm of the copy introduced by the now very in.uent north-american art history or criticism, that started in the 1970's. This analysis focuses on the in.uence Walter Benjamin had in the consolidation of that paradigm. On the other hand, Walter Benjamin is also taken in account as a still very useful conceptual resource for rethinking art history and its object, particularly by reading his texts about infancy and the relations of infancy with history and memory, in articulation with his more well-known concepts. This re.ection, supported by other authors besides Benjamin, aims at a proposal of an art history written with the awareness of the pre-established orders of the discourses. And that authorizes itself either the use of the instruments of its field of knowledge, either the insubordination to those instruments. Finally a selection of Eduardo Batarda's paintings consists in an useful case-study, for it is the example of a practice in painting that avoids historical classi.cations and that structures itself as a palimpsest, with endless rami.cations of meanings, false-meanings and references, becoming thus a very effective tool for rethinking art history and its object.

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Gasol, Señorón Daniel. "Arte emergente: creación en Barcelona." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/285049.

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Abstract:

La presente tesis busca indagar acerca de las dinámicas de visibilidad y legitimación del Arte emergente poniendo desde el contexto Barcelona, las maneras de intervenir sobre las formas de subjetividad de los creadores. Se lleva a cabo una reflexión que, a nivel teórico, se mueve entre la “crítica Institucional” y el planteamiento generacional de los jóvenes creadores acerca de la Institucionalización que legitima su trabajo, concediendo a la obra una aprobación personal sobre su producción. La idea de producción cultural o creación de obra se basa en una lista de ítems que lo definen y lo contextualizan para poder convertirse en Arte. Estos ítems de los que hablamos se encuentran en varios elementos que parten desde el contexto donde se realiza dicha producción hasta la técnica de formalización. No obstante, con esta tesis pretendemos también instalarnos en la reflexión de ¿por qué es Arte aquello a lo que denominamos Arte? Es importante saber y estudiar de qué manera los sistemas de comunicación, y por tanto la mediatización, han configurado formas de ver y entender la realidad, han influenciado al Arte contemporáneo, y más concretamente al Arte emergente como un fenómeno de efervescencia que se compone de sujetos que ya han crecido con los medios de comunicación y han asimilado hechos comunicativos basados en la visibilidad y el poder.
This thesis seeks to inquire into the dynamics of visibility and legitimacy of the emerging art making from the context Barcelona, ways to intervene in the forms of subjectivity of the creators. It performs a reflextion theoretically, moves between the “Institutional critique” and generational approach to young artists about the Institucionalization legitimizing their work, giving the work a personal approval on its production. The idea of cultural production or creation of work is based on a list of items that define and contextualize to become Art. These items of which we speak are several elements that depart from the context in which this production is carried out, to the art of formalization. However, in this thesis we intentd to also settle on relfection whiy is Art and that what we call Art? It is important to know and study how communication systems, and therefore the media coverage have set ways of seeing and understanding reality have influencied the contemporary Art, and more specifically the emergint art as a phenomenon of effervescence consisting of individuals who have grouwn up with the media, and have assimilated communicative facts based on the visibility and power.

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Sanjurjo, Rubio Alejandro. "Vaivén. De la descomposición del sujeto al reencuentro con la perplejidad en el arte digital." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/290272.

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Abstract:

La descomposición del sujeto se aceleró con Descartes, la ilustración añadió impulso a la necesidad de dominar, controlar aquello impredecible; el exterior, el mundo, lo otro, reduciendo el margen de incertidumbre, hasta quedarnos arrinconados en la invalidez del escepticismo. Sin referentes a los que referirnos, fragmentados, al devaluarse el poder hablar, el poder significar, el sujeto es el último escollo, el último obstáculo que eliminar, que erradicar para vencer lo impredecible y así eliminar la duda, el consumo de la tecnología digital desencadena una seria de procesos conductuales y cognitivos que coronan el paradigma del control. Como alternativa a la sumisión del dígito, que nos convierte en objetos que hemos de encajar en una variable predeterminada, se plantea la metáfora, entendida como puente con una mirada que trasciende y prescinde del determinismo positivista actual, recomponiéndonos, no para encasillarnos de nuevo en el sujeto aislado, narcisista, vulnerable, sino para creer en la persona que experimenta e interactúa con lo otro. Plantearnos las consecuencias del uso de la tecnología digital, nos lleva a preguntarnos por aquellas prácticas artísticas que se sirven de la misma, y si con su difusión favorecen nuestra descomposición, convirtiéndonos en meros objetos a ser analizados, impidiendo una mirada metafórica, mirada intrínseca a cualquier práctica artística. La presente tesis pretende mediar el marco de diálogo que nos restituya como personas, garantizando la presencia de quien experimenta la experiencia, alejándonos del refugio digital.

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Grigoriadou, Parthena. "La geometría redefinida. Últimas décadas." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/363204.

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Abstract:

Esta tesis pretende reconsiderar la geometría, dentro del campo del arte contemporáneo, intentando analizar y definir un cambio en la naturaleza misma de su significado y valor, que en nuestra hipótesis de trabajo se inició en los años 60 del siglo pasado. El presente estudio aspira a poner en cuestión, de manera paralela, la concepción clásica de la geometría, dentro del arte más reciente, como orden ideal, representación de la forma “pura” y “neutra”, atribuciones ambas que pertenecen más a una lógica intemporal que al tiempo real de la experiencia. A través del desarrollo de esta tesis hemos estudiado cómo ha variado el significado proyectual del arte geométrico en las últimas décadas, dentro de la evolución de la pintura y la escultura contemporáneas, y cómo la puesta en obra de estas variaciones conceptuales tiene, consecuentemente, un sentido diferente de la recepción, los modos de presentación y la percepción de la obra también para el espectador. Para el desarrollo de la presente investigación he utilizado elementos de análisis formal en un conjunto representativo de obras pictóricas y escultóricas, y de sus intereses expresivos. Estas obras han renunciado a una concepción autonomista o ideal del arte y por el contrario, privilegian el efecto de la geometría en conexión física con el espacio real de la experiencia, social o cultural, diferenciándose así del marco representacional y mental propio del modelo idealista. A partir de esta perspectiva, examino inicialmente las obras de ciertos artistas norteamericanos de la década de los 80, para los que la abstracción geométrica, por su actitud crítica, es un nuevo dispositivo codificado, con base material, que organiza referencias a la sociedad y cultura contemporáneas, alejado de un lenguaje formalista «puro» que tratara de separarse de la cultura material. Si bien fue en los años ochenta cuando se planteó la discusión pública sobre la ‘crisis’ de la geometría, ya en las décadas de los 60 y 70 habían surgido los primeros indicios de esa ‘crisis’. En los Estados Unidos algunos representantes del minimalismo de ese periodo empezaron, de una manera más o menos consciente, a vincular la geometría a la producción material de la sociedad industrial de su tiempo, paralelamente, otros artistas desarrollaron un análisis crítico y social del poder cultural, implícito en sus significantes: formas, materiales, escala, etc. A partir de 1980, en la década de los 90 y hasta la actualidad, aquella imagen dominante de la geometría, a menudo agresiva o brutal, cambiará radicalmente con la aparición de un nuevo tipo de obras geométricas, producto en cierta medida de esta sociedad postindustrial, ligada al consumo, la tecnología digital y al espectáculo. En manos de esta generación de artistas, no tan vinculados como las anteriores a la experiencia industrial de los materiales, sino a la del ordenador y sus posibilidades como tecnología de la imagen- que permite proyectar y trabajar en campos característicos de las nuevas geometrías no euclidianas: fractales, topológicas o en la integración de modelos naturales- la geometría emerge, de esta manera, como una poderosa herramienta de experimentación artística generando espacios y formas de creciente complejidad en variaciones ilimitadas. Estas nuevas obras, ya se trate de instalaciones, proyectos algorítmicos o escultóricos, se constituyen ellas mismas en entornos dinámicos, interactivos y multisensoriales. La geometría se presenta así, como un proyecto y proceso creativo estimulante, capaz de movilizar un compromiso frágil, múltiple y abierto entre la obra como sistema material y experimental y un espectador que piensa, siente y actúa. Esta reconsideración global de la geometría operaría tanto sobre la base de códigos culturales, que son los registros representacionales que constituyen nuestra imagen de la realidad y definen nuestra experiencia, como sobre la base de una compleja y nueva instrumentalidad. En otras palabras: la geometría subyacente se plantearía como una experiencia artística diferente, con unas marcadas características y singularidades. El siguiente interrogante será, naturalmente, el de cómo debemos mirar y reconsiderar estas nuevas posibilidades de creación artística.
This thesis reconsiders geometry within the field of contemporary art, trying to analyze and define a change in the nature of its meaning and value that in our hypothesis of work began in the 60s of the last century. This study aspires to question, paralelly, the classic conception of geometry within the most recent art, as the ideal order, representation of the “pure” and “neutral” form, both attributes belonging to a timeless logic rather than real-time experience. Throughout this thesis we have studied how the projective meaning of geometric art has changed over the last decades, within the evolution of contemporary painting and sculpture, and how these variations in concept have, consequently, a different meaning in reception, the manner of presentation and the spectator’s perception of the work. To develop the present research I have used elements of formal analysis in a representative group of paintings and sculptures, and their expressive interests. These works have renounced an autonomist or ideal conception of art and, on the contrary, favour the effect of geometry in a physical interface with the real space of the experience, social or cultural, thus differing from the representational and mental framework of the idealist model. From this perspective, I initially examine the works of various North American artists from the 80s, for whom the geometric abstraction, for their critical attitude, is a new coded device, with a material basis, which organizes references to contemporary society and culture, far from a formalist “pure” language that tries to separate itself from material culture. Although it was in the eighties when the public discussion on the “crisis” of geometry was laid out, in the decades of the 60s and 70s the first indication of the “crisis” had already come up. In the United States some representatives of the minimalism of this period started, in a more or less conscious way, to link geometry to the material production of the industrial society of that time, in parallel, others developed a critical and social analysis of cultural power, implicit in their signifiers: shapes, materials, scale etc. From 1980, during the decade of the 90s and until the present day, that dominant image of geometry, often aggressive or brutal, would radically change with the appearance of a new type of geometrical works, to a certain degree the product of this post-industrial society, tied to consumption, to digital technology and to entertainment. In the hands of this generation of artists, not so tied as the previous to the industrial experience of the materials as to that of the computer and its possibilities as image technology –allowing the projection and work in the characteristic fields of new non-Euclidian geometries: fractals, topological or in the integration of natural models- geometry emerges, in this way, as powerful tool for artistic experimentation generating increasingly complex spaces and shapes in unlimited variations. These new works, be they installations or algorithmic or sculptural projects, are constituted within dynamic, interactive and multisensorial surroundings. Geometry is thus shown as a stimulating, creative project and process, capable of triggering a fragile, multiple and open engagement between the work as a material and experimental system and the spectator who thinks, feels and acts. This comprehensive reconsideration of geometry would work as much on a cultural codes basis, these being the representational registers which make up our image of reality and define our experience, as on the basis of a complex and new instrumentality. In other words, the underlying geometry would be considered as a different artistic experience, with marked characteristics and singularity. The next question will be then, of course, how we should view and reconsider these new possibilities of artistic creation.

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Dissertations / Theses on the topic '7 - Belles arts'

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