Academic literature on the topic 'Activités musicales'
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Journal articles on the topic "Activités musicales"
1
Barrère, Anne. "L’éducation à l’épreuve des activités juvéniles : de nouveaux défis professionnels." Phronesis 2, no. 2-3 (August 21, 2013): 4–13. http://dx.doi.org/10.7202/1018069ar.
Full textAbstract:
L’article s’interroge sur la manière dont l’institution scolaire est aujourd’hui mise en question dans son projet de formation par les activités juvéniles, dans une sphère extrascolaire où ils jouissent d’une grande autonomie. Ces activités électives (numériques, musicales, sportives…) réalisent une éducation informelle où les adolescents forgent leur caractère, alors même que l’école n’a plus de modèle lisible de projet éducatif. À partir d’une enquête qualitative réalisée auprès d’une centaine d’adolescents français, on dégagera différentes épreuves qui forment les adolescents dans cette sphère, avant de montrer comment elles mettent en question les finalités, mais aussi les modalités de fonctionnement de l’école.
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Tripier-Mondancin, Odile, and Frédéric Maizières. "Répertoires vocaux enseignés de la maternelle à la fin du collège, en « éducation musicale » en France." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 15, no. 1 (October 28, 2015): 19–32. http://dx.doi.org/10.7202/1033792ar.
Full textAbstract:
Dès les débuts de l’enseignement de la musique, dénommé « éducation musicale » dans l’école généraliste française, le chant apparaît comme l’une des deux activités principales. Même si aucun répertoire n’a jamais été véritablement imposé, des orientations institutionnelles successives ont pu mettre l’accent sur des idéologies politiques, morales, ou encore, sur la chanson en tant qu’outil au service de la langue (Alten 1995). Mais aujourd’hui, alors que l’on parle de culture commune au sein de l’école, qu’en est-il des répertoires enseignés en France ? Quel est l’impact des pratiques musicales sociales de référence et de la culture des enseignants sur le répertoire qu’ils choisissent ? Deux enquêtes nationales inter-académiques à visée descriptive/compréhensive adressées simultanément aux enseignants du premier degré (école primaire ; n=935) et du second degré (collège ; n=104) permettent de mettre en évidence, certaines caractéristiques du répertoire chanté dans les classes de la maternelle à la fin du collège. On relève notamment l’utilisation assez constante de la chanson française des années 1945-1968, soit celle des auteurs-compositeurs-interprètes de larive gaucheparisienne. Les résultats montrent également des liens entre l’école primaire et le collège : la récurrence de certains auteurs tend à montrer une certaine continuité de l’école primaire au collège. Des différences assez nettes, apparaissent notamment au niveau de certaines catégories musicales (chanson enfantine à l’école primaire, répertoire jazz et savant au collège). Les critères de choix (le texte à l’école primaire, la question de la faisabilité vocale dans les deux cas et les notions musicales au collège) témoignent à la fois d’enjeux différents d’un cycle à l’autre, mais aussi de la spécificité des enseignants qui ont en charge cet enseignement (enseignant généraliste à l’école primaire et enseignant spécialisé au collège).
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Andreatta, Moreno. "Une introduction musicologique à la recherche « mathémusicale » : aspects théoriques et enjeux épistémologiques." Circuit 24, no. 2 (August 13, 2014): 51–66. http://dx.doi.org/10.7202/1026184ar.
Full textAbstract:
Cette contribution se propose de présenter certains aspects théoriques et discuter quelques enjeux épistémologiques des recherches menées par l’auteur dans le domaine des rapports entre mathématiques et musique. Après une introduction générale sur le contexte de la recherche « mathémusicale » à l’Ircam et la place du projet misa (Modélisation informatique des structures algébriques en musique) au sein des activités de recherche de l’équipe Représentations musicales, nous discutons le problème de la formalisation algébrique de la théorie des ensembles de classes de hauteurs (Set Theory) et de la théorie transformationnelle (Transformational Theory), deux paradigmes analytiques dont nous avons étudié les aspects théoriques et computationnels à travers une démarche de modélisation informatique des structures et processus musicaux. L’analyse musicale basée sur les ensembles de classes de hauteurs et leurs transformations soulève des questions philosophiques intéressantes, notamment dans ses rapports avec la phénoménologie et les sciences cognitives. En particulier, en confrontant notre point de vue musicologique avec la phénoménologie, nous pouvons avancer l’hypothèse d’une pertinence de la catégorie de « structuralisme phénoménologique » dans une relecture/réactivation de la tradition structurale en analyse musicale.
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La France, Albert. "Les femmes musiciennes sous les Bourbon d’après les documents inédits de Marie Bobillier." Canadian University Music Review 16, no. 1 (March 1, 2013): 60–73. http://dx.doi.org/10.7202/1014416ar.
Full textAbstract:
À sa mort en 1918, Marie Bobillier (pseud. Michel Brenet) a laissé au Département des manuscrits de la Bibliothèque nationale à Paris un nombre impressionnant de notes, de citations et de relevés qu’elle avait accumulés au cours de sa carrière et qui, pour la plupart, demeurent inédits. Dans un dépouillement de ces volumes, l’auteur a extrait les citations, les rapports et les commentaires des auteurs des trois derniers siècles, tous sous le thème « femmes musiciennes ». Il en résulte un éventail assez étonnant des activités musicales des femmes de l’ancien régime sous les rois Bourbon, une espèce de sondage du passé à partir duquel tirer quelques conclusions plus éclairées. Malheureusement, le travail n’a servi qu’à confirmer ce que d’autres ont déjà conclu, à savoir que les femmes des XVIIe et XVIIIe siècles n’avaient qu’un rôle secondaire en musique, tout comme dans les autres aspects de la société, soit artistique, politique ou social. Il faudra attendre le XXe siècle pour que les femmes puissent commencer à prendre leur juste place dans les rangs de la profession musicale.
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Blackburn, Philip. "American Composers Forum." Circuit 14, no. 2 (February 15, 2010): 67–76. http://dx.doi.org/10.7202/902315ar.
Full textAbstract:
Philip Blackburn dresse un portrait de l’American Composers Forum, organisation fondée en 1973 et qui a permis la création d’un réseau de diffusion de la nouvelle musique aux États-Unis. L’ACF compte 1 700 membres et soutient des projets de création basés sur l’étroite collaboration entre les créateurs, les interprètes et la communauté. Il s’agit donc de soutenir la carrière des compositeurs en intégrant leurs oeuvres aux activités culturelles des communautés. Non seulement l’ACF permet aux oeuvres de circuler, mais elle assure leur création dans le cadre d’expériences musicales qui répondent aux besoins artistiques des communautés d’accueil. Il se crée alors un véritable marché de la nouvelle musique.
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Schumacher, Jérôme A. "L’intégration de sites web d’hébergement de vidéos dans l’enseignement de l’instrument : usages et pratiques pédagogiques." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 17, no. 1 (April 17, 2018): 61–70. http://dx.doi.org/10.7202/1044670ar.
Full textAbstract:
Alors que les sites d’hébergement de vidéos enregistrent de plus en plus d’utilisateurs de tous âges (Barry et collab. 2016 ; Sweeny 2009 ; Whitaker, Orman, et Yarbrough 2014), plusieurs travaux de recherche en éducation reconnaissent leur importance et leur influence dans le domaine de l’enseignement et de l’apprentissage (Buzzetto-More 2015 ; Dougan 2014 ; Whitaker, Orman et Yarbrough 2014). YouTube par exemple, fait depuis plusieurs années l’objet d’études et d’évaluations scientifiques tant au niveau de son utilisation que de son contenu (Kruse et Veblen 2012 ; Rudolph et Frankel 2009 ; Schumacher 2015 ; Waldron 2009, 2011 et 2013). Si les résultats de ces études mettent en évidence une valeur ajoutée non négligeable, notamment dans l’engagement des étudiants, la compréhension des notions, et leur satisfaction (Buzzetto-More 2015), peu de recherches se consacrent à l’influence de l’intégration de ces plateformes sur les pratiques pédagogiques des enseignants. La présente contribution porte sur les modifications des pratiques déclarées des professeurs d’instrument de différentes écoles de musique et institutions musicales de la Suisse romande suite à l’intégration de plateformes de vidéos dans leur enseignement. Cette recherche qualitative, basée sur une trentaine d’entretiens semi-dirigés et d’entrevues de groupe, met en évidence des modifications dans les pratiques d’enseignement à plusieurs niveaux : activités proposées à l’élève, organisation de l’espace, registres de la communication didactique, évaluation, et styles didactiques. Elle illustre que la progression didactique d’un tutoriel de piano (« Le blues au piano et aux claviers, les bases pour bien débuter ») est essentiellement linéaire et que de tels artefacts considèrent l’apprenant comme un sujet épistémique. Enfin, elle met en évidence les compétences nécessaires aux professeurs et aux élèves afin que l’intégration de cette technologie dans les salles de cours et studios de musique soit réussie.
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MARTÍNEZ-CASTILLA, PASTORA, RUTH CAMPOS, and MARÍA SOTILLO. "Enhanced linguistic prosodic skills in musically trained individuals with Williams syndrome." Language and Cognition 11, no. 3 (August 15, 2019): 455–78. http://dx.doi.org/10.1017/langcog.2019.27.
Full textAbstract:
abstractIndividuals with Williams syndrome (WS) present prosodic impairments. They are also interested in musical activities. In typical development, a body of research has shown that the linguistic prosodic skills of musically trained individuals are enhanced. However, it is not known whether, in WS, musical training is also associated with enhanced prosodic performance, a question this study sought to answer. We compared the performance on linguistic prosodic tasks among seven musically trained and fourteen musically untrained individuals with WS, and typically developing peers. Among those with WS, musically trained participants outperformed their musically untrained counterparts on the perception of acoustic parameters involved in prosody, the understanding of questioning and declarative intonation, and the comprehension of prefinal contrastive stress. The results suggest that musical training facilitates prosodic performance in WS. Our findings also suggest common processing mechanisms for acoustic parameters involved in both prosody and music, and that positive music-to-language transfer effects could take place in WS. We discuss the implications of these results for intervention purposes.
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Mili, Isabelle. "Créativité et didactique dans l’enseignement musical." Éducation et francophonie 40, no. 2 (February 5, 2013): 139–53. http://dx.doi.org/10.7202/1013819ar.
Full textAbstract:
Dans l’enseignement des arts, créativité et liberté de l’élève sont souvent associées. Le présent article s’interroge pourtant sur la fonction des contraintes dans les activités créatrices menées en classe, en particulier dans des activités d’improvisation et de composition. Le processus de dévolution, d’abord conceptualisé par les didacticiens des mathématiques, est ici examiné dans l’enseignement musical. Qu’implique ce processus, par lequel l’apprenant prend en charge des directions de recherche et des choix, de la part de l’enseignant, dans le cadre d’une séquence musicale consacrée à des productions originales? C’est une des questions centrales traitées ici.
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García Gil, Desirée, and Consuelo Pérez Colodrero. "Monográfico: Música y Educación: Una mirada femenina." Revista Electrónica de LEEME, no. 44 (December 4, 2019): 85. http://dx.doi.org/10.7203/leeme.44.16208.
Full textAbstract:
Resulta evidente que cualquier experiencia musical transmite significados relacionados con el género, de tal suerte que, desde la creación a la percepción, pasando por la interpretación, el aprendizaje y la enseñanza, todos los procesos musicales producen ideologías y transmiten connotaciones derivadas de esta perspectiva. La exploración de las relaciones de género a través de música, no obstante, no irrumpió en la investigación hasta la década de 1970, particularmente en el ámbito anglosajón, donde un reducido pero relevante número de especialistas, generalmente activistas del Feminismo, introdujo esta novedosa categoría de estudio como complemento y oposición al tipo de aproximación que sobre el hecho musical se estaba realizando por aquel entonces.
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Duchesneau, Michel. "« Critiques musicaux de jadis et de naguère ». Raymond Bouyer, la musique et l’art (« Anthologie du phem » / Musicographes, 1)." Revue musicale OICRM 4, no. 2 (February 8, 2018): 176–88. http://dx.doi.org/10.7202/1043227ar.
Full textAbstract:
Écrivain et critique d’art, Raymond Bouyer (1862-1939?) aura une activité de chroniqueur musical intense notamment au Ménestrel de 1898 à 1939. S’interrogeant notamment sur la pratique de la critique musicale, Bouyer publie dans Le Ménestrel en 1909 une série d’articles sur la situation de la critique musicale face à l’histoire de la critique d’art. Convoquant le monde grec qui occupe depuis un certain temps déjà l’esprit des musiciens, le critique se penche sur une généalogie de la critique pour en tirer un certain nombre de conclusions sur la critique moderne, rappelant qu’elle possède au moins une constante : l’autoréférentialité (« en dépit des progrès de l’érudition, chaque époque de l’art juge à son point de vue… c’est humain ! »).
Dissertations / Theses on the topic "Activités musicales"
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Romagnan, Jean-Marie. "Géographie, activités musicales et développement local : l'exemple des Alpes-de-Haute-Provence." Aix-Marseille 1, 2001. http://www.theses.fr/2001AIX10080.
Full textAbstract:
La musique, avec sa fête annuelle, ses festivals, avec le développement de l'écoute individuelle et de l'industrie du disque, des sorties concert comme de la pratique amateur, avec son poids dans l'imaginaire et dans le jeu des identités individuelles et collectives, est devenu (comme le sport notamment) un phénomène de société. Elle inscrit sa trace sur le territoire national depuis plus de trente ans. Les géographes ont intérêt à prendre les activités musicales, dans leurs diverses manifestations publiques sur le territoire, comme fil conducteur et géoindicateur des dynamiques territoriales. La prise en compte du rapport entre Musique et Lieu, Musique et Territoire, doit enrichir la réflexion géographique, en particulier dans l'étude des processus de métropolisation et de développement local. Dans son analyse des territoires en musique, à la croisée sensible de l'œil et de l'oreille, la géographie, outre les concepts et les outils spécifiques qu'elle possède, peut aussi bénéficier des apports de la sociologie de la musique ou de l'anthropologie du sonore. L'exemple des Alpes-de-Haute-Provence illustre comment l'analyse des territoires en musique permet de déchiffrer les dynamiques territoriales de ce département. Dans cette dynamique, deux types de force sont en présence. Les villes principales qui ont privilégié (jusqu'à présent) la compétition dans le développement culturel et musical. Au contraire, les structures éducatives et militantes ont valorisé le travail en réseau et en coopération. Une prise de conscience de l'importance du travail en réseau est en train de s'opérer entre les principales villes du département. L'activité musicale et culturelle peut devenir ainsi un outil fédérateur de liant social et de valorisation identitaire, en particulier pour compenser les disparités de ce département contrasté et écartelé par ses conditions territoriales "naturelles" et par les usages territoriaux qui en résultent.
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Fromager, Guy. "Musiques et nuisances sonores en Guadeloupe : le cas des activités d'écoute et pratiques musicales des "faiseurs de bruit"." Antilles-Guyane, 2009. http://www.theses.fr/2009AGUY0258.
Full textAbstract:
EN GUADELOUPE, LES PHÈNOMÈNES SONORES NOUS FONT ENTENDRE UNE MUSIQUE PRODUITE OU DIFFUSÉE A UN NIVEAU ÉLEVÉ SUR TOUS LES LIEUX DE VIE AVEC LES NOMBREUX AMATEURS DES SONS AMPLIFIÉS. AINSI, EN DÉPASSANT LE NIVEAU ADMIS PAR LA RÉGLEMENTATION EN VIGUEUR, LA MUSIQUE DEVIENT SOURCE DE NUiSANCES. POURQUOI UN NIVEAU SONORE AUSSI ÉLEVÉ DANS CERTAINES PRATIQUES MUSICALES EN GUADELOUPE? CELA EST-IL DÛ AUNE CULTURE DU BRUIT? LA MANIFESTATION DE CES COMPORTEMENTS BRUYANTS PAR L'ECOUTE OU LA PRATIQUE DE LA MUSIQUE EN GUADELOUPE SEMBLE S'INSCRIRE DANS LES COMPORTEMENTS INDIVIDUALISTES DES GUADELOUPEENS QUI TROUVENT LEUR JUSTIFICATION DANS LA FAIBLESSE ORIGINELLE DE LA COHÉSION SOCIALE QUI S'ACCENTUE. L' ENVIRONNEMENT SONORE DE LA GUADELOUPE EST EN REALlTÉ UN ESPACE CRÉÉ PAR LA JUXTAPOSITION DE COMPORTEMENTS BRUYANTS SE MANIFESTANT INDIVIDUELLEMENT CHEZ LES ADEPTES DE "LA CULTURE DE LA MUSIQUE AMPLIFIEE" ET "DES NOUVEAUX COURANTS MUSICAUX" QUI ÉMERGENT EN GUADELOUPE. CEPENDANT LA PRATIQUE DE LA MUSIQUE EN TANT QUE "MARQUEUR DE L'IDENTITE COLLECTIVE" QUI S'INSCRIT DANS UNE AUTRE DIMENSION QUE "LA PASSION MUSICALE" EST AUSSI PRODUCTRICE D'AMBIANCE SONORE A NIVEAU ÉLEVÉ. TOUTES CES DIFFÉRENTES PRATIQUES AUX SONORITÉS DIVERSES QUI SONT AUSSI DES EXPRESSIONS SOCIALES, SE COMBINENT EN TANT QUE PHÉNOMÈNES SONORES POUR DONNER UNE IMPRESSION DE CHAOS SONORE EN GUADELOUPE. EN FAIT IL N'Y A PAS UNE CULTURE DU BRUIT EN GUADELOUPE, CEPENDANT ELLE PEUT S'INSTALLER ET SE DYNAMISER SI NOUS NOUS RÉFÉRONS A" LA THÉORIE DE LA VITRE BRISEE" POUR MONTRER LE LIEN ENTRE L'APPARENCE DU DÉSORDRE ET LA CRIMINALITE A NEW YORK (WILSON ET KELLlNG, 1982)IN GUADLOUPE,THE SOUND PHENOMENES MAKES US PRODUCED OR SPREAD DIFFUSED MUSIC TO LISTEN A SAFE SURE HIGH LEVEL ALL THE PLACES OF LIFE WITH THE NUMEROUS AMATEURS OF THE AMPLIFIED SOUNDS. SO, SY EXCEEDING THE ACCEPTED LEVEL THERE REGULATIONS IN FORCE, THE MUSI DIVERT- SOURCE(SPRING) OF NUISANCES. WHY A SOUND LEVEL SO HIGH IN CERTAIN PRACTICES IN GUADELOUPE? IS IT TO A CULTURE OF NOISE? THE DEMONSTRATION ( APPEARANCE) OF THIS NOISY BEHAVIORY BY THE LISTING OR THE PRACTICE OF THE MUISE IN GUADELOUPE SEEMS TO JOIN THE INDIVIUALISTIC BEHAVIOR OF THE INHABITANTS OF GUADLOUPE WHICH FIND THEIR JUSTIFICATION IN THE ORIGINAL WEAKNESS OF THE SOCIAL COFESION WEACH BECOMES MORE MARKED. THE SOUND ENVRONMENT OF GUADELOUPE IS IN REALITY A SPACE CREATED THERE JUXTAPOSITION OF NOISY BEHAVIOR SHOWING IT SELF INDIVIDUALLY AT THE FOLLOWER OF" THE CULTURE OF "THE MUSIC AMPLIFIED" ANd "NEW MUSICAL CURRENTS" WITH APPEAR IN GUADELOUPE. HOWEVER THE PRACTICE OF THE MUSIC AS 44MARKER OF THE COLLECTIVE IDENTITY 44 WICH JOINS IN ANOTHER DIMENSION THAN 44 THE MUSICAL PASSION" IS ALSO APRODUCER OF SOUND ATMOSPHERE A HIGH lEVEL. ALL THESE VARIOUS PRATICES IN THE DIVERSE TONES WHICH ARE ALSO SOCIAL EXPRESSIONS, HARMONIZE AS SOUND PHENOMENA TO GIVE AN IMPRESSION (PRINITING) OF SOUND CHAAOS IN GUADELOUPE. IN FACT, THERE IS NO CIULTURE OF NOISE IN GUADELOUPE,HOWEVRSHE CAN SETTLEDOWNAND REALIZE IF WE REFER TO" THE THEORY OF TE WINDOW BROKEN" TO SHOW THE ENTERD LINK THE APPEARANCE OF THE DISORDER AND THE CRIME IN NEW YORK WILSON AND KELLING ON 1982)
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Sun, Chun-Yen. "La pensée sociale et la notion de tradition dans les activités musicales chez les Amei de Falangaw à Taïwan." Paris 8, 2008. http://octaviana.fr/document/135533929#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
Pour les musiciens de Falangaw, la technique de l'improvisation et le timbre de la voix de chanteur jouent un rôle de signature personnelle, c’est-à-dire, une sorte de l'identification. L'organisation et les activités musicales d'un groupe musical sont basée sur la relation humaine entre les musiciens. Souvent, les chanteurs de groupes, de générations ou de villages différents n'ont pas la même opinion concernant la "tradition" musicale. C’est parce que la "tradition" n'est qu'un résultat de la construction de connaissance et changera en suivant la situation sociale et politique au fils du temps. On a constaté des exemples qui indiquent les décalages entre les documents historiques et les points de vue des Amei de Falangaw d'aujourd’hui, ceux-ci insistent que leurs opinions maintiennent la "vrai tradition". À travers l'examen sur le rite de Nouvel An, on étudie la hiérarchie du système des classes d’âges, la relation homme et femme, afin de proposer de nouvelles interprétations concernant le lien entre la musique et la structure sociale. Les échanges musicaux avec les cultures extérieures reflètent non seulement le goût des habitants de Falangaw, mais aussi la construction de leur identité nationale. La clé du phénomène de la polyphonie dans la musique vocale de Falangaw réside dans une technique de l'improvisation. Cette technique rend la forme musicale instable et ouvre une possibilité du changement du style. Le système musical lui-même présente donc un caractère dynamique. Les musiciens cherchant consciemment un style musical conforme à la "tradition", la pratique réelle les conduit pourtant un sens contraireFor the musicians of Falangaw, the improvisation skill and the voice represent a personal signature, ie, a kind of identification. The organization and activities of a musical group are based on the relationship between the musicians. Often, the singers from different groups, generations ou villages do not have the same opinion on the musical "tradition". That's because the "tradition" is just a result of the construction of concept and will change with the social and political situation. It was found examples which show the differences between historical documents and the point of view of Amei of Falangaw today, they insist that their views maintain the "true tradition. " Through the examination on the New Year Ritual, we will study the hierarchy of the age-grade system, the relationship man and woman, to propose new interpretations concerning the link between music and social structure. The musical exchanges with external cultures reflect not only the taste of the Falangaw people, but also the construction of their national identity. The key to the polyphony in vocal music of Falangaw lies in the technique of improvisation. This technique makes the musical form unstable and opens a possibility of the change of style. Therefore, the musical system itself is dynamic. The musicians consciously seeking a musical style consistent with the "tradition", the actual practice, however, leads to the contrary
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Sauda, Eric. "François Gervais musicien au Front de 1914 à 1919 : affirmation identitaire, sociale et artistique." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040025.
Full textAbstract:
François Gervais né à Blois en 1885, reçu bachelier en lettres et philosophie, commença très tôt des études musicales, obtenant, dès 1905, le second prix de violoncelle au Conservatoire de Paris. Entré en 1913 à l’orchestre des Concerts Lamoureux dirigé alors par Paul Paray, il était en tournée aux Pays bas quand il apprit la déclaration de la guerre. F. Gervais fut d’abord mobilisé au 313ème régiment d’infanterie, puis au 329ème jusqu’à la fin de la guerre. Malgré le fait qu’il soit parti au front sans instrument, il se distingue comme musicien jusqu’à la fin de l’année 1914. Mais au printemps de l’année 1915, F. Gervais qui souffre de l’absence de pratique instrumentale réclame auprès de ses supérieurs la permission de réaliser un violoncelle. L’instrument, fabriqué à partir des rares matériaux collectés, s’avère de qualité étonnante sur le plan acoustique. Néanmoins, il a été conçu pour obvier à toute avarie due à la vie de soldat, peu sédentaire et exposée aux intempéries. Pendant les périodes de repos à l’arrière, F. Gervais anime les troupes (concerts, revues et spectacles) et ne tarde pas à gagner l’estime de ses camarades et de ses supérieurs. Le plaisir de la pratique musicale quasi quotidienne retrouvé, F. Gervais, seul ou en formation avec d’autres camarades musiciens, jouera tout au long de la guerre, pour la détente des soldats entre deux montées en ligne. Démobilisé, il rentre au foyer avec ses souvenirs et son violoncelle. Survivant de cette guerre, il réintègre l’orchestre des Concerts Lamoureux dont il sera violoncelle solo en 1920. Il enseignera, par la suite comme professeur indépendant, (P. Tortelier sera son élève) et dans ses dernières années, il sera professeur au Conservatoire de Tours. Après sa mort en 1956, sa fille aînée Françoise Gervais conservera pieusement à son domicile, documents et violoncelle avant d’en faire don en 1999 à l’Historial de la Grande Guerre de Péronne (80)François Gervais was born in Blois in 1885. High school graduated in literature and philosophy he early started musical studies and obtained in 1905 the second prize of cello at the Conservatoire of Paris. In 1913 he joined the ochestra of the Concerts Lamoureux directed by Paul Paray. He was on tour in Netherlands when he heard the declaration of war. F. Gervais was first mobilized at the 313th infantry regiment then at the 329th till the end of the war. Above the fact that he went to the front without instrument, he’s distinguished as musician till the end of the year 1914. But in the spring of 1915, F. Gervais who’s suffering of the absence of music pratical, demand to his superiors the permission to build a cello. The instrument carried out with few collected material, reveals it’s surprising acoustic quality. Nevertheless, it’s been designed to obviate all damages caused by soldier’s living, quite sedentary and exposed to bad weather. During rest time behind the lines, F. Gervais entertains the troups (concerts, revues and shows) and rise in his friends and superiors’s estimation. The pleasure of pratical music regained nearly dayly, F. Gervais alone or in group with others musicians buddies, will play all during the war for the soldier’s relax between two moves to first line. Demobilized, he goes back home with his memories and his cello. Survivor of this war, he returns to the orchestra of Concerts Lamoureux and will become soloist cello in 1920. Later on, he will teach as independant professor (P. Tortelier will be his student) and in his last years, he will be professor at the conservatoire of Tours. After his death in 1956, his elder daughter Françoise Gervais will piousely keep at her domicile, the documents and the cello before to do a donation in 1999 to the french great war museum : l’Historial de la Grande Guerre de Péronne (80)
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Zadrozny, Ilse H. "Herwarth Walden's musical activities." Thesis, McGill University, 1986. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=65531.
Full text
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Cerny, Frédéric. "Transcription, description et analyse fonctionnelle de l'activité musicale exploratoire d'enfants sur instrument de musique informatique." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040028/document.
Full textAbstract:
Cette étude de cas concerne des enfants âgés de 7 à 9 ans et demi, placés face à un instrument de musique informatique qu’ils n’ont jamais utilisé. Il s’agit de vérifier qu’un enfant, devant cet instrument, peut fabriquer une musique, sa musique, et d’étudier les vecteurs dynamiques orientant son activité musicale exploratoire. Nous émettons l’hypothèse qu’elle est bien évidemment musicale, mais surtout indépendante de l’instrument utilisé, et qu’elle s’appuie sur des pivots constitués à partir de l’instrument de musique ou de son utilisation, et non des seuls gestes effectués. L’analyse que nous menons est fonctionnelle. Pour l’effectuer, nous dressons de façon exhaustive le relevé des gestes observables et de la production musicale entendue. Nous décrivons ensuite le déroulement de chacune des séances observées, en tant qu’enchaînement de segments, caractérisés individuellement par un schème procédural particulier. Nous mettons en évidence la progressive évolution de ces schèmes, lesquels ont pour but de réussir, la réussite consistant dans la fabrication d’une musique, leur musique. Après avoir fractionné les séances en séquences, caractérisées par l’assimilation ou l’accommodation, nous confrontons les résultats obtenus pour en dégager la dynamique de l’activité musicale exploratoire et les pivots sur lesquels elle s’appuie, afin de définir la/les direction(s) musicale(s) empruntée(s) par les sujets lors de chaque séance. Nous terminons par une comparaison des résultats obtenus pour chaque enfant, afin d’en relever similitudes et différencesThis case study concerns children of 7;5 to 9;5 years old, without specific musical education, facing a musical computer instrument wich they have never used before. It is the matter of making sure that a child facing that instrument can make music, his music, and studying the dynamic vectors that direct the subjects’ exploratory musical activity. We put forward the hypothesis that these dynamics are of course musical, but, above all, independant of using the instrument. More, that they’re based on pivots made up from the musical instrument or the child’s use of it and not werely perpetrated movements Our analysis is functional. To make it, we draw up exhaustively, the statement of observable movements and heard musical production. We describe each studied session as a chain of segments, individually characterized by a particular procedural scheme. We underline these schemes’ progressive evolution. Their purpose is success; success consisting in this case of making music, the children’s own music. After dividing the sessions up into sequences, characterized by assimilation or accommodation, we look at the obtained results in order to bring out the dynamics of the musical exploratory activity and the pivots on which they are based, so as to specify the musical direction chosen by the subjects in each session. We finish by a comparison of the obtained results by each child, in order to note the similarities and the differences
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Redfern, Jane F. "Helping control Attention Deficit Disorder behaviour using musical activities." Thesis, Stellenbosch : Stellenbosch University, 2013. http://hdl.handle.net/10019.1/79996.
Full textAbstract:
Thesis (MMus)--Stellenbosch University, 2013.ENGLISH ABSTRACT: As a recent graduate, I feel that young educators are graduating from South African universities and are teaching in schools without adequate knowledge of the various learning disabilities and behavioural disorders that many children suffer from. In the context of the Arts & Culture or music classroom, educators especially suffer as they are taught to encourage creativity. However, how can one differentiate between creative behaviour and disruptive behaviour and be certain that bad behaviour is not a symptom of a behavioural disorder? Upon graduation and starting to teach in the southern suburbs in the Western Cape, the researcher was struck by the number of children diagnosed with behaviour disorders and taking the stimulant medication Ritalin. Yet the notion of medicating a child for a behavioural disorder is not agreeable to many parents and educators to whom the researcher has spoken while researching this topic. The general feeling seems to be that a child should be given space to be creative, but a teacher cannot control a class of at least twenty-five children who are all claiming their own creative rights. This research explores various steps that a music educator can take to control a class of both medicated and non-medicated learners. The effects of music on the behaviour of learners diagnosed with Attention Deficit Disorder (abbreviated to ADD) have been investigated in various ways over the years and these are described in this thesis. Likewise, information on various prescription medications and non prescription medications that are available in South Africa are presented to offer options to an educator/parent faced with a child demonstrating behavioural problems. There is also substantiation that by increasing the intake of essential fatty acids and adjusting a child’s diet, one can positively enhance behaviour and concentration. The researcher discusses the various foods that should be avoided and those should be enjoyed generously. The researcher observed learners who were considered problematic in the general classroom in the form of observation of behaviours before and after each musical activity. Class educators were asked to assist the researcher by further observing the selected children’s behaviour in the following lesson.
AFRIKAANSE OPSOMMING: As ‘n onlangsgegradueerde, voel ek dat jong onderwysers aan Suid-Afrikaanse universiteite afstudeer en onderrig in skole begin gee sonder voldoene kennis van die verskeie leergestremdhede en gedragsafwykings waaraan ‘n groot hoeveelheid kinders ly. In die konteks van die Kuns en Kultuur of musiekklaskamer is dit vir onderwysers besonder moeilik omdat hulle geleer is om kreatiwiteit aan te moedig. Die probleem is hoe om te onderskei tussen kreatief en ontwrigtende gedrag en hoe om seker te wees of slegte gedrag nie ‘n simptoom van ‘n gedragsafwyking is nie. Na graduering en die begin van haar onderrigloopbaan in die suidelike voorstede van die Wes-Kaap is die navorser getref deur die getal kinders wat die stimulant medikasie Ritalin gebruik. Tog sou die meeste ouers en onderwysers waarmee die navorser gepraat het gedurende haar navorsing nie die gebruik van medikasie vir gedragsafwykings verkies nie. Die algemene gevoel is dat die kind die geleentheid gegun behoort te word om kreatiefe te wees, maar ‘n onderwyser kan nie ‘n klas van minstens vyf-en-twintig kinders onder beheer hou wat almal hul kreatiewe regte eis nie. Hierdie navorsing ondersoek verskillende stappe wat ‘n musiekonderwyser kan neem om ‘n klas te beheer met leerlinge wat op en sonder medikasie is. Die effek van musiek op die gedrag van leerlinge wat gediagnoseer is met Aandagafleibaarheidsindroom (afgekort na AAS) is reeds in verskeie vorme oor die jare ondersoek en word in hierdie tesis beskryf. Inligting aangaande verskeie voorskrif en nie-voorskrif medikasie wat in Suid-Afrika beskikbaar is, word verskaf om opsies te gee vir ‘n opvoeder/ouer wat gekonfronteer word met ‘n kind wat gedragsprobleme demonstreer. Daar is ook bewyse dat deur om die inname van essensiële vetsure te verhoog en ‘n kind se dieet aan te pas, gedrag en konsentrasie positief beinvloed kan word. Die navorser bespreek die verskeie kossoorte wat vermy behoort te word teenoor dié wat vryelik geniet kan word. Die navorser het leerlinge waargeneem wie se gedrag as problematies in die algemene klaskamer beskou was, voor en na elke musikale aktiwiteit. Klasonderwysers is gevra om die navorser by te staan deur verdere waarneming van die kinders se gedrag in die volgende les.
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Jackson, Simon John. "The literary and musical activities of the Herbert family." Thesis, University of Cambridge, 2012. https://www.repository.cam.ac.uk/handle/1810/283892.
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Hickok, Stephen Clyde Walls Kimberly C. "The relationships of parental involvement, motivating factors, and socioeconomic status to high school all-state choir and band membership." Auburn, Ala, 2009. http://hdl.handle.net/10415/1587.
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Champion, Susan Michele. "The musical activities found in selected Orff-Schulwerk elementary music classrooms /." Full text available from ProQuest UM Digital Dissertations, 2006. http://0-proquest.umi.com.umiss.lib.olemiss.edu/pqdweb?index=0&did=1410676541&SrchMode=1&sid=5&Fmt=2&VInst=PROD&VType=PQD&RQT=309&VName=PQD&TS=1218549012&clientId=22256.
Full textBooks on the topic "Activités musicales"
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Fertier, André. Activités musicales pour détendre vos enfants. Paris: Ellébore, 1996.
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2
Poirier-Cox, Nathalie. À pas de loup !: Activités langagières et musicales : guide pédagogique. [S.l.]: Step by Step Productions, 2000.
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3
Takizawa, Tatsuko. Facets of musical activities in Singapore. [Singapore]: Dept. of Sociology, National University of Singapore, 1987.
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4
Pineau, Marion. Percevoir la musique: Une activité cognitive. Paris: L'Harmattan, 2001.
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5
Edge, Rhonda J. How to lead preschoolers in musical activities. Nashville: Convention Press, 1991.
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6
Amelia, Oldfield, ed. Pied Piper: Musical activities to develop basic skills. Cambridge: Cambridge University Press, 1991.
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7
Williams, Clare. Kitchen clutter!: Some musical activities with cross-curricular links. Birmingham: Curriculum Support Service, 1992.
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8
Show time!: Music, dance, and drama activities for kids. Chicago: Chicago Review Press, 2000.
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9
Nields, Nerissa. All together singing in the kitchen: The musical family. Boston: Trumpeter, 2011.
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10
Goodkin, Doug. Name games: Activities for rhythmic development. Miami, Fla: Warner Bros. Publications, 1998.
Find full textBook chapters on the topic "Activités musicales"
1
de Bruin, Joyce J., and Rebecca S. Schaefer. "Musical Activities and Cognitive Enhancement in Dementia." In Theory-Driven Approaches to Cognitive Enhancement, 273–80. Cham: Springer International Publishing, 2017. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-319-57505-6_19.
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2
Zagorski-Thomas, Simon. "Analysing the Product of Recorded Musical Activity." In The Routledge Companion to Popular Music Analysis, 117–32. New York: Routledge, 2018.: Routledge, 2018. http://dx.doi.org/10.4324/9781315544700-8.
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3
Morrissey, Joseph. "Musical Accomplishment in Frances Burney’s The Wanderer." In Women’s Domestic Activity in the Romantic-Period Novel, 1770-1820, 75–128. Cham: Springer International Publishing, 2018. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-319-70356-5_3.
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4
Catalá-Pérez, Daniel, and Gabino Ponce-Herrero. "Music for the Moors and Christians Festivities as Intangible Cultural Heritage: A Specific Genre for Wind Bands in Certain Spanish Regions." In Music as Intangible Cultural Heritage, 101–17. Cham: Springer International Publishing, 2021. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-030-76882-9_7.
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AbstractThis chapter makes a brief approach to the origins and evolution of both wind bands and the Moors and Christians festivals, especially in the Valencian Region, tracing the lines that connected both phenomena at a specific moment in history. The indissoluble relationship that has united them since then has created a musical genre that has not only become one of the most recognisable signs of Valencian society’s identity, but also a treasure of its intangible cultural heritage, and a fundamental part of the economic activity of musical societies in the context of what certain authors call “the ecosystem of the Moors and Christians cluster”. Moors and Christians festivals are linked to the hiring of bands for musical accompaniment in parades and for the celebration of other activities, such as concerts, recreational performances and recordings which make up an essential part of many musical societies’ funding sources.
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Pimenta, Marcelo S., Damián Keller, Luciano V. Flores, Maria Helena de Lima, and Victor Lazzarini. "Methods in Creativity-Centred Design for Ubiquitous Musical Activities." In Computational Music Science, 25–48. Cham: Springer International Publishing, 2014. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-319-11152-0_2.
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Drake, Carolyn, and Carine Rochez. "Chapitre 10. Développement et apprentissage des activités et perceptions musicales." In Les sciences cognitives et l'école, 443. Presses Universitaires de France, 2003. http://dx.doi.org/10.3917/puf.coll.2003.01.0443.
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7
Brown, Clive. "• Musical Activities." In A Portrait of Mendelssohn, 75–80. Yale University Press, 2003. http://dx.doi.org/10.12987/yale/9780300095395.003.0011.
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Theureau, Jacques, and Nicolas Donin. "Comprendre une activité de composition musicale : les relations entre sujet, activité créatrice, environnement et conscience préréflexive." In Sujets, activités, environnements, 221. Presses Universitaires de France, 2006. http://dx.doi.org/10.3917/puf.barbi.2006.01.0221.
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Wolf, Stacy. "Introduction." In Beyond Broadway, 1–34. Oxford University Press, 2019. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190639525.003.0001.
Full textAbstract:
Local musical theatre from high schools to community theatres, from summer camps to dinner theatres, is a thriving art form in the United States. Musical theatre provides a creative outlet, a way to make friends and build community, and a route to identity formation. Local musical theatre is a folk practice that is handed down from one generation to the next. The context of this book is the 2010s, a decade when musical theatre came into new visibility in the United States, building on the success of the television series Glee, reality performance competition shows, live televised musicals, and successful film musicals. Though Broadway is a global brand, musical theatre is a local phenomenon, embedded in its community and in conversation with local issues. Technology enables musical theatre through the proliferation of YouTube clips and online sites but is also anathema to it, as musical theatre is a face-to-face, live practice for both creators and audiences. Local musical theatre production both depends on and feeds the global licensing industry. Local musical theatre blurs the line between amateur and professional, as many people do musicals solely for fun and yet take their activity as seriously as work. The book relies on a feminist, empathetic ethnographic method, which incorporates participant-observation and interviews as well as an open exchange about how subjects are represented. The structure of the book is a journey across America to visit many sites and types of musical theatre production.
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Hallam, Susan, and Andrea Creech. "Engagement in musical activities." In The New Dynamics of Ageing Volume 1. Policy Press, 2018. http://dx.doi.org/10.1332/policypress/9781447314721.003.0006.
Full textAbstract:
This chapter sets out the findings from the Music for Life project. This explored whether participation in community music making enhanced the social, emotional and cognitive well-being of older people. 398 people aged 50+ completed questionnaires that included two measures of well-being, prior to and following nine months of active engagement with music. A control group (N=102) completed the same measures. In- depth interviews were carried out with participants, observations of musical activities, focus groups and interviews with the music facilitators. Higher scores on the measures of well-being were found consistently amongst the music participants, in comparison with the control group. Interviews revealed that music participants attributed significant social, emotional and health benefits to their music making.
Conference papers on the topic "Activités musicales"
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Vyshpinska, Yaryna. "Formation of Creative Personality of Students Majoring in «Preschool Education» in the Process of Studying the Methods of Musical Education." In ATEE 2020 - Winter Conference. Teacher Education for Promoting Well-Being in School. LUMEN Publishing, 2021. http://dx.doi.org/10.18662/lumproc/atee2020/38.
Full textAbstract:
The body of the article goes on to discuss the creative models of a student’s personality’s development in the process of mastering the course «Theory and methods of musical education of the preschool children». In general, the teacher's profession accumulates a big number of opportunities for the creative improvement of a would-be teacher's personality. All types of activities used while working with children in the process of mastering the artistic competencies (like fine arts, modeling, designing, appliqué work or musical activities) require not only technical skills, but also sufficient creative imagination, lively idea, the ability to combine different tasks and achieve the goals. Achieving this task is possible if students are involved into the process of mastering the active types of musical activities – singing, musical-rhythmic and instrumental activity, development of aesthetic perception of musical works. While watching the group of students trying to master the musical activity, it is easy to notice that they are good at repeating simple vocal and music-rhythmic exercises. This is due to the young man's ability to imitate. Musical and instrumental activities require much more efforts and attention. It is focused on the types and methods of sound production by the children's musical instruments, the organization of melodic line on the rhythm, the coherence of actions in the collective music: ensemble or the highest form of performance – orchestra. Other effective forms of work include: the phrase-based study of rhythmic and melodic party, the ability to hear and keep the pause, to agree the playing with the musical accompaniment of the conductor, to feel your partner, to follow the instructions of the partiture. All the above-mentioned elements require systematic training and well selected music repertoire. Students find interesting the creative exercises in the course of music-performing activities which develop musical abilities, imagination and interpretive skills of aesthetic perception of music, the complex of improvisational creativity in vocal, musical-rhythmic and instrumental activity. The experiments in verbal coloring of a musical work are interesting too. Due to the fact that children perceive music figuratively, it is necessary for the teacher to learn to speak about music in a creative and vivid way. After all, music as well as poetry or painting, is a considerable emotional expression of feelings, moods, ideas and character. To crown it all, important aspects of the would-be teacher’s creative personality’s development include the opportunities for practical and classroom work at the university, where they can develop the musical abilities of students as well as the professional competence of the would-be specialist in music activity. The period of pedagogical practice is the best time for a student, as it is rich in possibilities and opportunities to form his or her creative personality. In this period in the process of the direct interaction with the preschool-aged children students form their consciousness; improve their methodical abilities and creative individuality in the types of artistic activity.
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Newbold, Joseph W., Nadia Bianchi-Berthouze, and Nicolas E. Gold. "Musical Expectancy in Squat Sonification for People Who Struggle with Physical Activity." In The 23rd International Conference on Auditory Display. Arlington, Virginia: The International Community for Auditory Display, 2017. http://dx.doi.org/10.21785/icad2017.008.
Full textAbstract:
Physical activity is important for a healthy lifestyle. However, it can be hard to stay engaged with exercise and this can often lead to avoidance. Sonification has been used to support physical activity through the optimisation/correction of movement. Though previous work has shown how sonification can improve movement execution and motivation, the specific mechanisms of motivation have yet to be investigated in the context of challenging exercises. We investigate the role of music expectancy as a way to leverage people’s implicit and embodied understanding of music within move- ment sonification to provide information on technique while also motivating continuation of movement and rewarding its completion. The paper presents two studies showing how this musically-informed sonification can be used to support the squat movement. The results show how musical expectancy impacted people’s perception of their own movement, in terms of reward, motivation and movement behaviour and the way in which they moved.
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Luque Álvarez, L., and T. Nagy. "Music therapy for human spaceflights: Psycho-physiological responses of musical stimulus under hypergravity stressors." In 3rd Symposium on Space Educational Activities. University of Leicester, 2020. http://dx.doi.org/10.29311/2020.02.
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Pimenta, Marcelo, Rodrigo Schramm, and Marcelo Johann. "LCM-Ufrgs Research Group Report: What are we doing in Computer Music?" In Simpósio Brasileiro de Computação Musical. Sociedade Brasileira de Computação - SBC, 2019. http://dx.doi.org/10.5753/sbcm.2019.10442.
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5
Costalonga, Leandro, and Marcelo Pimenta. "Cognitive Offloading: Can ubimus technologies affect our musicality?" In Simpósio Brasileiro de Computação Musical. Sociedade Brasileira de Computação - SBC, 2019. http://dx.doi.org/10.5753/sbcm.2019.10427.
Full textAbstract:
An interaction design that lean towards musical traits based on and constrained by our cognitive and biological system could, not only provide a better user experience, but also minimize collateral effects of excessive use of such technology to make music. This paper presents and discuss innate abilities involved in musical activities that - in the authors´ viewpoint - could be considered in design guidelines to computer music technologies, especially those related to ubimus.
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Živkovič, Nataša, and Barbara Kopačin. "Encouraging Speech through Musical Activities." In Developing Effective Learning. University of Primorska Press, 2020. http://dx.doi.org/10.26493/978-961-293-002-8.40.
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Costalonga, Leandro, Daniel Coura, Marcus Vinícius Das Neves, Fabiano Costa, and Helder Rocha. "NESCoM Research Report (2019)." In Simpósio Brasileiro de Computação Musical. Sociedade Brasileira de Computação - SBC, 2019. http://dx.doi.org/10.5753/sbcm.2019.10437.
Full textAbstract:
The NESCoM is a multidisciplinary research center formed by musicians, engineers and computer scientists. The main research interest lies with sonology, audiotacticle musical analysis, ubiquitous music, interactive multimedia installations, and the design of computer music technology in general. Overall, the common ground for the NESCoM projects lies with the human-aspects, both cognitive and motor, behind a musical activity. This can come, for instance, in the shape of an audiotactile analysis of musical interaction applied to a new digital musical interface designed to overcome human physical constraints or the composition of a cinema soundtrack based on perceptual models of the audience. In this paper, it is reported a short description of the ongoing projects of the NESCoM and the future works.
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Marques, Lucas. "A chord distance metric based on the Tonal Pitch Space and a key-finding method for chord annotation sequences." In Simpósio Brasileiro de Computação Musical. Sociedade Brasileira de Computação - SBC, 2019. http://dx.doi.org/10.5753/sbcm.2019.10435.
Full textAbstract:
Music Information Retrieval (MIR) is a growing field of research concerned about recovering and generating useful information about music in general. One classic problem of MIR is key-finding, which could be described as the activity of finding the most stable tone and mode of a determined musical piece or a fragment of it. This problem, however, is usually modeled for audio as an input, sometimes MIDI, but little attention seems to be given to approaches considering musical notations and musictheory. This paper will present a method of key-finding that has chord annotations as its only input. A new metric is proposed for calculating distances between tonal pitch spaces and chords, which will be later used to create a key-finding method for chord annotations sequences. We achieve a success rate from 77.85% up to 88.75% for the whole database, depending on whether or not and how some parameters of approximation are configured. We argue that musical-theoretical approaches independent of audio could still bring progress to the MIR area and definitely could be used as complementary techniques.
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Carvalho, Fabio, Flávio Luiz Schiavoni, and João Araújo. "Per(sino)ficação." In Simpósio Brasileiro de Computação Musical. Sociedade Brasileira de Computação - SBC, 2019. http://dx.doi.org/10.5753/sbcm.2019.10456.
Full textAbstract:
The bell’s culture is a secular tradition strongly linked to the religious and social activities of the old Brazilian’s villages. In São João del-Rei, where the singular bell tradition composes the soundscape of the city, the bell’s ringing created from different rhythmic and timbral patterns, establish a language capable of transmitting varied types of messages to the local population. In this way, the social function of these ringing, added to real or legendary facts related to the bell’s culture, were able to produce affections and to constitute a strong relation with the identity of the community. The link of this community with the bells, therefore transcends the man-object relationship, tending to an interpersonal relationship practically. Thus, to emphasize this connection in an artistic way, it is proposed the installation called: PER (SINO) FICAÇÂO. This consists of an environment where users would have their physical attributes collected through the use of computer vision. From the interlocking of these data with timbral attributes of the bells, visitors would be able to sound like these, through mapped bodily attributes capable of performing syntheses based on original samples of the bells. Thus the inverse sense of the personification of the bell is realized, producing the human “bellification”.
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Wardani, Indra K., Djohan, and Phakkharawat Sittiprapaporn. "The difference of brain activities of musical listeners." In 2018 International ECTI Northern Section Conference on Electrical, Electronics, Computer and Telecommunications Engineering (ECTI-NCON). IEEE, 2018. http://dx.doi.org/10.1109/ecti-ncon.2018.8378307.
Full textReports on the topic "Activités musicales"
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Cox, Jeremy. The unheard voice and the unseen shadow. Norges Musikkhøgskole, August 2018. http://dx.doi.org/10.22501/nmh-ar.621671.
Full textAbstract:
The French composer Francis Poulenc had a profound admiration and empathy for the writings of the Spanish poet Federico García Lorca. That empathy was rooted in shared aspects of the artistic temperament of the two figures but was also undoubtedly reinforced by Poulenc’s fellow-feeling on a human level. As someone who wrestled with his own homosexuality and who kept his orientation and his relationships apart from his public persona, Poulenc would have felt an instinctive affinity for a figure who endured similar internal conflicts but who, especially in his later life and poetry, was more open about his sexuality. Lorca paid a heavy price for this refusal to dissimulate; his arrest in August 1936 and his assassination the following day, probably by Nationalist militia, was accompanied by taunts from his killers about his sexuality. Everything about the Spanish poet’s life, his artistic affinities, his personal predilections and even the relationship between these and his death made him someone to whom Poulenc would be naturally drawn and whose untimely demise he would feel keenly and might wish to commemorate musically. Starting with the death of both his parents while he was still in his teens, reinforced by the sudden loss in 1930 of an especially close friend, confidante and kindred spirit, and continuing throughout the remainder of his life with the periodic loss of close friends, companions and fellow-artists, Poulenc’s life was marked by a succession of bereavements. Significantly, many of the dedications that head up his compositions are ‘to the memory of’ the individual named. As Poulenc grew older, and the list of those whom he had outlived lengthened inexorably, his natural tendency towards the nostalgic and the elegiac fused with a growing sense of what might be termed a ‘survivor’s anguish’, part of which he sublimated into his musical works. It should therefore come as no surprise that, during the 1940s, and in fulfilment of a desire that he had felt since the poet’s death, he should turn to Lorca for inspiration and, in the process, attempt his own act of homage in two separate works: the Violin Sonata and the ‘Trois Chansons de Federico García Lorca’. This exposition attempts to unfold aspects of the two men’s aesthetic pre-occupations and to show how the parallels uncovered cast reciprocal light upon their respective approaches to the creative process. It also examines the network of enfolded associations, musical and autobiographical, which link Poulenc’s two compositions commemorating Lorca, not only to one another but also to a wider circle of the composer’s works, especially his cycle setting poems of Guillaume Apollinaire: ‘Calligrammes’. Composed a year after the ‘Trois Chansons de Federico García Lorca’, this intricately wrought collection of seven mélodies, which Poulenc saw as the culmination of an intensive phase in his activity in this genre, revisits some of ‘unheard voices’ and ‘unseen shadows’ enfolded in its predecessor. It may be viewed, in part, as an attempt to bring to fuller resolution the veiled but keenly-felt anguish invoked by these paradoxical properties.