Journal articles: 'Adaptaciones cinematográficas'

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Reinstädler, Janett. "Los sueños de Don Quijote en el cine: dinámicas transmediales." Iberoromania 2019, no. 90 (November 5, 2019): 151–71. http://dx.doi.org/10.1515/iber-2019-0016.

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Abstract:

Resumen La aventura “apócrifa” de la cueva de Montesinos ocupa un lugar especial dentro del Quijote: es la única aventura del caballero que sobrepasa lo realmente posible, amén de la única de la que no tenemos ningún testigo. Este y dos otros episodios serán considerados en lo que sigue como relatos de sueños, a fin de mostrar cómo Cervantes se sirve de la indeterminación de lo onírico para establecer un diálogo intertextual con los debates barrocos en torno al sueño. Con la mirada puesta en la (inter)medialidad del cine, serán tratadas a continuación las dinámicas estéticas y semióticas desarrolladas por las adaptaciones cinematográficas más relevantes si se escribe así, se interpreta que son las adaptaciones cinematográficas del Quijote de los siglos XX y XXI, como si fuera el Quijote el de los siglos XX y XXI (y hubiera un Quijote de otros siglos). Si lo que quiere decir es que las adaptaciones cinematográficas son de los siglos XX y XXI, debería decirlo así: las adaptaciones cinematográficas más relevantes de los siglos XX y XXI del Quijote, en torno a la representación de tres episodios...o bien: las adaptaciones cinematográficas de los siglos XX y XXI más relevantes en torno a la representación de tres episodios de la novela.

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García Templado, José. "La homología estructural en las adaptaciones cinematográficas." Signa: Revista de la Asociación Española de Semiótica 6 (February 7, 2022): 259–71. http://dx.doi.org/10.5944/signa.vol6.1997.33012.

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Rodríguez Mosquera, María José. "El Quijote en imágenes: Adaptaciones cinematográficas y televisivas." TRANS. Revista de Traductología, no. 21 (December 16, 2017): 19. http://dx.doi.org/10.24310/trans.2017.v0i21.3630.

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Abstract:

El presente artículo tiene como objetivo ofrecer unaaproximación a las diferentes interpretaciones que se hanllevado a cabo del Quijote de Miguel de Cervantes, y versi estas son, en mayor o en menor medida, fidedignas altexto. Para llevar a cabo el estudio, tendremos en cuenta dosmedios de comunicación: Cine y televisión, y, a partir de ahí,analizaremos, por un lado, las adaptaciones más significativasde los diferentes países europeos y su fidelidad al texto y,por otro lado, las versiones españolas que consideramos quepresentan mayor afinidad al libro. Asimismo, se hará una brevemención a las primeras incursiones en el séptimo arte de laobra cervantina más universal.

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Monteiro Ribeiro Lemos, Ana Cláudia, and Luciane Sippert Lanzanova. "Fala sério, Mãe!: um estudo comparativo entre a obra literária e o filme e sua contribuição na formação do leitor." Revista Eletrônica Científica da UERGS 7, no. 3 (December 29, 2021): 293–302. http://dx.doi.org/10.21674/2448-0479.73.293-302.

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Abstract:

Resumo O presente artigo constitui uma adaptação do Trabalho de Conclusão de Curso apresentado à Especialização em Teoria e Prática da Formação do Leitor, na Universidade Estadual do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre, em 2019. Este teve como objetivo compreender como o texto escrito pode ser transformado em imagens, ações ou diálogos, estabelecendo uma relação entre a arte literária e a arte cinematográfica, bem como elucidar algumas diferenças existentes entre as duas linguagens e como essa relação contribui para a formação de leitores. A análise se justifica devido à busca por comprovação de que adaptações cinematográficas de obras literárias contribuem para a formação de leitores. A metodologia adotada baseou-se em revisão bibliográfica e análise comparativa entre o livro da escritora Thalita Rebouças, Fala Sério, Mãe! e a adaptação cinematográfica homônima. Depois de fundamentar a análise acerca dos conceitos de linguagem literária (LAJOLO, 1996; MARTINS, 1986) e arte cinematográfica (COLODA, 1972; SANTAELLA, 2001; SOTTA, 2015), procurou-se elucidar algumas diferenças estabelecidas entre as duas linguagens. Os resultados sugerem que as adaptações cinematográficas de obras literárias contribuem para a formação de leitores ao divulgarem a existência de uma obra nas quais foram baseadas e auxiliam para que o leitor se sinta capaz de explorar diferentes formas de linguagens. Palavras-chave: Obra literária; adaptação fílmica; formação de leitores; linguagens. Abstract This article is an adaptation of the Course Conclusion Paper presented to the Specialization in Theory and Practice of Reader Education, at the State University of Rio Grande do Sul, in Porto Alegre, in 2019. It aimed to understand how written text can be changed into images, actions or dialogues, establishing a relationship between literary and cinematographic art, as well as elucidating some existing differences between the two languages and how this relationship contributes to the formation of readers. The analysis is justified due to the search for proof that cinematographic adaptations of literary works contribute to the formation of readers. The methodology was based on a literature review and a comparative analysis of the book by writer Thalita Rebouças, “Fala sério, Mãe!” and the homonymous film adaptation. After substantiating the analysis on the concepts of literary language (LAJOLO, 1996; MARTINS, 1986) and cinematographic art (COLODA, 1972; SANTAELLA, 2001; SOTTA, 2015), some differences between the two languages should be elucidated. The results suggest that the cinematographic adaptations of literary works contribute to the formation of readers by disclosing the existence of a work on which they were based and helping the reader to feel capable of exploring different forms of languages. Keywords: Literary work; film adaptation; reader training; languages. Resumen Este artículo es una adaptación del Trabajo de Conclusión del Curso presentado a la Especialización en Teoría y Práctica de la Formación del Lector, de la Universidade Estadual do Rio Grande do Sul, en Porto Alegre, en 2019, que tuvo como objetivo comprender cómo el texto escrito se puede transformar en imágenes, acciones o diálogos, estableciendo una relación entre arte literario y arte cinematográfico, además de dilucidar algunas diferencias existentes entre los dos lenguajes y cómo esta relación contribuye a la formación de lectores. El análisis se justifica por la búsqueda de pruebas de que las adaptaciones cinematográficas de obras literarias contribuyen a la formación de lectores. La metodología adoptada se basó en una revisión de la literatura y un análisis comparativo del libro de la escritora Thalita Rebouças, Fala sério, Mãe!, y la adaptación cinematográfica homónima. Tras fundamentar el análisis en los conceptos de lenguaje literario (LAJOLO, 1996; MARTINS, 1986) y arte cinematográfico (COLODA, 1972; SANTAELLA, 2001; SOTTA, 2015), se buscó dilucidar algunas diferencias establecidas entre los dos lenguajes. Los resultados sugieren que las adaptaciones cinematográficas de obras literarias contribuyen a la formación de los lectores al dar a conocer la existencia de una obra en la que se basan y ayudar al lector a sentirse capaz de explorar diferentes formas de lenguajes. Palabras clave: Obra literaria; adaptación cinematográfica; formación de lectores; idiomas.

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Mancebo Roca, Juan Agustín. "Una macabra fábula fantástica. Macario (Roberto Gavaldón, 1960) a partir de “El tercer invitado” (1950) de Bruno Traven." Trasvases entre la literatura y el cine, no. 2 (October 14, 2020): 293–313. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi2.9013.

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Abstract:

Este trabajo hace un análisis comparativo entre el cuento “El tercer invitado” (1950) de B. Traven y su adaptación cinematográfica Macario (1959) dirigida por Roberto Gavaldón. El artículo contextualiza la novela corta del autor alemán respecto al relato de los Grimm, la enigmática figura del escritor, su particular relación con el mundo del cine y las diferentes adaptaciones cinematográficas de su obra literaria. Se hace un estudio de la producción de la película y el trasvase del relato a la pantalla en el que se analiza la adaptación del texto a partir de los planteamientos coincidentes y divergentes. Finalmente, se relaciona la adaptación con los referentes temáticos e iconográficos y los nexos e influencias sobre los que se elabora la película.

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Mas Aixalà, Enric. "Brian Garfield: la violencia como única solución." Trasvases entre la literatura y el cine, no. 2 (October 14, 2020): 325–35. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi2.8148.

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Abstract:

Analizamos el impacto de Death Wish (1972) de Brian Garfield y de cómo sus adaptaciones cinematográficas la convirtieron en una obra de culto. Nos preguntamos por el fondo de la cuestión y otros aspectos que se han quedado al margen en los escasos trabajos académicos realizados hasta la fecha, con especial atención en la trascendencia moral y social de su legado.

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Díez Villameriel, Paula. "Cuentos populares y mass media. Estudio a partir de la serie televisiva El cuentacuentos (1987-1988)." Notas Hispánicas 6, no. 1 (June 5, 2021): 44–60. http://dx.doi.org/10.24197/nh.1.2020.44-60.

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Abstract:

Los cuentos populares han llegado hasta nuestros días gracias a la oralidad y a las versiones escritas, peor también forma parte de la tradición la capacidad de aprovechar nuevos lenguajes. Son muy numerosas las adaptaciones cinematográficas y televisivas de estas historias, que cuentan con la ventaja de que el espectador conoce previamente los temas y motivos y aprecia las variaciones y soluciones audiovisuales que las nuevas versiones ofrecen. De entre las muchas adaptaciones realizadas, hemos elegido la serie televisiva El Cuentacuentos (1987-1988) a fin de elaborar un análisis que determine si los mass media están o no a la altura cuando se trata de adecuar las grandes historias de los pueblos a los tiempos que corren.

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Guarinos, Virginia. "La ficción monumental de la radio actual en España. Las adaptaciones sonoras cinematográficas." Revista de la Asociación Española de Investigación de la Comunicación 4, no. 7 (March 31, 2017): 138–47. http://dx.doi.org/10.24137/raeic.4.7.14.

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Perez Bowie, José Antonio. "Reflexiones sobre el papel del canon en las adaptaciones cinematográficas de textos literarios." Fonseca, Journal of Communication, no. 21 (November 27, 2020): 5. http://dx.doi.org/10.14201/fjc202021267271.

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Torello, Georgina. "El Parnaso en exilio: Adaptaciones cinematográficas de la literatura uruguaya durante el periodo silente." Dixit, no. 34 (May 27, 2021): 78–94. http://dx.doi.org/10.22235/d34.2297.

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Abstract:

En el periodo del cine silente, la adaptación de obras literarias es una de las maneras que el nuevo medio encuentra para legitimarse y, por supuesto, para abastecer de tramas a producciones que se consumen con gran rapidez en los países donde la industria florece. Latinoamérica también participa de estos pasajes intermediáticos, aunque en la mayoría de los casos lo hace precariamente. El presente artículo se ocupa de tres adaptaciones cinematográficas de textos literarios uruguayos realizadas en el exterior: Tabaré, de Juan Zorrilla de San Martín (Lezama y Canals de Homs, México, 1917), Los muertos, de Florencio Sánchez (Defilippis Novoa, Argentina, 1919) y Brenda, de Eduardo Acevedo Díaz (Martínez y Gunche, Argentina, 1921). Desde una perspectiva transnacional, se indaga en las zonas de tensión, alianzas y resistencias que esos cruces entre cine y literatura generaron en Uruguay. Se destaca que en todos los casos la recepción implicó una apropiación de esas obras extranjeras como nacionales o regionales, hecho que lleva a una redefinición de lo extranjero, asociado por lo general a la industria norteamericana. Palabras clave: intermedialidad, adaptaciones literarias, cine silente, Latinoamérica, Uruguay

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Hermosilla Álvarez, Maria Ángeles. "La transposición de códigos cinematográficos al cuento: un ejemplo de Ignacio Aldecoa." El Hilo de la Fabula, no. 20 (September 25, 2020): 213–27. http://dx.doi.org/10.14409/hf.v0i20.9648.

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Abstract:

Aunque la relación entre el cine y la literatura ha sido siempre muy estrecha, el estudio comparatista de ambos sistemas de signos, que ha sido muy fructífero en la cuestión de las adaptaciones cinematográficas de novelas o cuentos, apenas se ha desarrollado en el caso de la impronta que el cine ha dejado en obras literarias concretas. Con tal fin, en nuestro trabajo trataremos de mostrar cómo las categorías narratológicas del tiempo, el espacio y los personajes reciben, en el relato de Aldecoa, el influjo del discurso fílmico.

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Árva, Márton. "La lucha de clases en Coronación de José Donoso y sus adaptaciones fílmicas." Trasvases entre la Literatura y el Cine, no. 3 (September 29, 2021): 137–61. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi3.11201.

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Abstract:

El presente trabajo analiza la relación entre el texto y el contexto en el caso de Coronación (1957) de José Donoso y sus dos adaptaciones cinematográficas realizadas por Sergio Olhovich (México, 1976) y Silvio Caiozzi (Chile, 2000). Se observa la manera en la que el mismo argumento gana relevancia en diferentes ambientes socioeconómicos y se relaciona con distintos entornos discursivos, ajustándose al contexto de la modernización chilena a mediados del siglo XX, la desilusión con el poder estatal posrevolucionario en México tras 1968 y la transición a la democracia neoliberal en el Chile del nuevo milenio. Tras estudiar las actualizaciones y reacentuaciones de las adaptaciones fílmicas, el artículo argumenta que el motivo de la confrontación entre “maestros” y “sirvientes” sirve al propósito de abordar las consecuencias tanto psicológicas e individuales como colectivas y sociales que tienen las transformaciones socio-históricas en momentos y lugares distintos.

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Jimenez Gomez, Cristina. "Semias fílmicas en una novela policiaco-existencial de Mario Lacruz: El inocente (1953)." El Hilo de la Fabula, no. 21 (August 17, 2021): 10. http://dx.doi.org/10.14409/hf.v0i21.10568.

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Abstract:

La historia de las relaciones entre el cine y la literatura ha sido constante, prevaleciendo el estudio de las adaptaciones cinematográficas de obras literarias en el campo del comparatismo. Se ha desatendido, así, otro tipo de interferencias que se producen entre ambos medios como es el influjo de los códigos fílmicos en la literatura. Desde esta perspectiva, el propósito de este trabajo es demostrar cómo Mario Lacruz, en su novela El inocente (1953), recurre a las semias fílmicas para construir el punto de vista, el tiempo y el espacio narrativos.

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López Lizana, Alejandro. "Adaptaciones cinematográficas contemporáneas del 'Michael Kohlhaas' y la internacionalización de la obra de Heinrich von Kleist." Revista de Filología Alemana 28 (July 24, 2020): 107–24. http://dx.doi.org/10.5209/rfal.70051.

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Abstract:

Como resultado de la problemática recepción internacional de Heinrich von Kleist durante buena parte del siglo XX, la primera adaptación al cine de Michael Kohlhaas producida fuera de Alemania no llegaría hasta 1999, con el western Sin Piedad (The Jack Bull). No obstante, en los últimos años esta larga sequía se ha visto interrumpida con el estreno casi simultáneo de dos versiones del relato: la franco-alemana Michael Kohlhaas (2003) y la rusa Leviatán (2014). El objetivo de este artículo es el de abordar la relación entre estas películas y el proceso de revalorización de la obra kleistiana a nivel mundial. Para ilustrar dicho fenómeno, se propondrá además un diálogo entre el texto original y estas dos adaptaciones con el fin de examinar las implicaciones narrativas y estéticas de trasladar la historia a un medio y un contexto histórico y geográfico tan distintos.

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Maíllo Baz, Diego. "De la novela al cine: el punk en la adaptación de 'Historias del Kronen', de José Ángel Mañas y Montxo Armendáriz." Área Abierta 21, no. 3 (October 13, 2021): 437–50. http://dx.doi.org/10.5209/arab.77876.

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Abstract:

En la crítica de las adaptaciones cinematográficas, a menudo se ha tratado el cine como un medio subsidiario de la literatura. Como parte de una propuesta metodológica que considera que la subjetividad creativa del cineasta, al introducir cambios, enriquece el texto literario y produce un hipertexto que remite al hipotexto pero no lo refleja; este artículo estudia de qué manera trataron la estética y la filosofía de la contracultura punk ambos autores de Historias del Kronen y qué repercusiones tuvieron sus diferencias ideológicas a la hora de reflejar una generación con elementos propios como la obsesión por la violencia en los medios audiovisuales y la droga.

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Aertsen, Víctor. "De la línea clara al movimiento perpetuo: realismo y dinamismo en la adaptación cinematográfica de Las aventuras de Tintín de Steven Spielberg." Trasvases entre la Literatura y el Cine, no. 3 (September 29, 2021): 57–80. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi3.12153.

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Abstract:

Las aventuras de Tintín es una de las series más célebres en la historia del cómic. Entre las diversas adaptaciones audiovisuales de la obra del Hergé destaca la película Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (2011), dirigida por Steven Spielberg utilizando tecnología ‘motion capture’. Este artículo reflexiona sobre algunos de los retos y las soluciones cinematográficas utilizadas por el director norteamericano para adaptar el característico estilo visual y narrativo de Hergé a la gran pantalla. Partiendo de declaraciones de los propios creadores y de teóricos de ambos medios, la investigación analiza el proceso de negociación estilístico emprendido por Spielberg a partir de dos conceptos estéticos claves en ambas obras: realismo y dinamismo.

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MERINO-ÁLVAREZ, Raquel, and Olaia ANDALUZ-PINEDO. "Peter Shaffer en la cultura española." Creneida. Anuario de Literaturas Hispánicas 5 (December 30, 2017): 239–78. http://dx.doi.org/10.21071/calh.v5i.10374.

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Abstract:

Este artículo se centra en la integración de las obras del dramaturgo británico Peter Shaffer en las culturas españolas. Durante el franquismo, ayudaron a introducir temas tabúes en los escenarios, tales como la homosexualidad (Five Finger Exercise / Ejercicio para cinco dedos) o el desnudo integral (Equus). Las sucesivas representaciones, ediciones y adaptaciones cinematográficas de las piezas de Shaffer (en particular Amadeus) han consolidado su presencia en el decurso literario del país hasta nuestros días. Siguiendo la metodología TRACE, se analiza en primer lugar el catálogo de traducciones de los dramas de Shaffer, prestando especial atención al proceso de censura, y posteriormente se estudia el corpus textual disponible, utilizando la herramienta Taligner. De esta forma, se pretende ofrecer una visión de supervivencia en España desde 1959 hasta 2016.

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Touton, Isabelle. "Apuntes sobre el realismo en las narraciones visuales actuales. El ejemplo de la adaptación cinematográfica del cómic "María y yo" de Miguel Gallardo por Félix de Castro." Pasavento. Revista de Estudios Hispánicos 2, no. 1 (March 1, 2014): 77–99. http://dx.doi.org/10.37536/preh.2014.2.1.659.

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Abstract:

Se analiza primero la manera como se plantea la cuestión del "realismo" (sus dimensiones estéticas, sociológicas, pragmáticas, editoriales…) según los lenguajes narrativos y soportes artísticos involucrados (novela, cine, cómic). Luego, se parte de dos novelas gráficas de 2007 (Arrugas, de Paco Roca, y María y yo, de Miguel Gallardo) y sus adaptaciones cinematográficas (Arrugas, película de animación de Ignacio Ferrero, y María y yo, documental de Félix Fernández de Castro), para intentar mostrar en qué medida esta última obra, al mezclar acercamientos "realistas" o "idealistas", logra aprehender un objeto digno de interés desde varias miradas respetadas en su singularidad, llevar a cabo una reflexión acerca del estatuto de lo real (en el que incluye la imaginación utópica), y consigue influir en la realidad.

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Hernández Landa Valencia, Verónica. "Mujeres fatales desafían el statu quo. Estudio de tres novelas del mundo hispánico y su adaptación cinematográfica." Revista Valenciana. Estudios de filosofía y letras, no. 27 (November 5, 2020): 35–64. http://dx.doi.org/10.15174/rv.v13i27.539.

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Abstract:

La mujer fatal ha sido estudiada como un recurso del que se valió el arte para estigmatizar y someter a las mujeres que, a lo largo de la historia, se rebelaron contra el statu quo. Sin embargo, también a través de ella se han señalado las debilidades, hipocresías, decadencia y autoritarismos del orden patriarcal en el que se inserta. El presente artículo tiene como objetivo explorar esa ambivalente funcionalidad del personaje, por medio del contraste entre tres discursos novelescos en los que la mujer fatal se constituye en eje problemático de la trama, y las diferentes propuestas de resignificación del mismo que resultaron de las adaptaciones cinematográficas. Se trata de novelas hispanoamericanas publicadas en el último tercio del siglo XX, Pantaleón y las visitadoras, de Mario Vargas Llosa, Luna caliente, de Mempo Giardinelli, y Las edades de Lulú, de Almudena Grandes, y de las respectivas adaptaciones dirigidas por Francisco Lombardi, Roberto Denis y Bigas Luna. La comparación toma como unidad de análisis el tópico de la poderosa sexualidad que conduce a la perdición, y para alcanzar el objetivo del estudio se propone una conceptualización del tópico que permite visibilizar su función retórica y su capacidad de adaptarse y resignificarse en cada nuevo discurso. Con esta propuesta se busca no sólo resaltar la ambivalencia y el potencial transgresor de la mujer fatal, sino también promover el enfoque retórico en el análisis de los tópicos y de los personajes tematizados por la tradición literaria.

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Gonzalez Vaquerizo, Helena. "La adaptación de la Carta al Greco en el Kazantzakis de Smaragdís." Trasvases entre la literatura y el cine, no. 2 (October 14, 2020): 123–40. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi2.9422.

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La película de Yannis Smaragdís Kazantzakis (2017) se analiza en este trabajo como una adaptación de la novela autobiográfica de Nikos Kazantzakis Carta al Greco (1957). Asumiendo que el texto literario debe ser visto como un hipotexto susceptible de alteraciones, el estudio se centra en la comparación entre la versión novelística y la fílmica. Como sugiere el trabajo, Kazantzakis se basa extensamente en la Carta al Greco, y esta cercanía a la novela a menudo resulta en artificiosidad. Estudiar el trasvase de la novela a la película permite, por otra parte, entender mejor los procesos de adaptación, y de alusión y cita cinematográficas, ya que la presencia de las adaptaciones de novelas de Kazantzakis al cine de Jules Dassin, Michael Cacoyannis y Michael Scorsese es prominente en el Kazantzakis de Smaragdís.

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Villa Gracia, Alberto Daniel. "Configuración narrativa en la franquicia “crossmedia”de Berserk." Con A de animación, no. 9 (March 14, 2019): 132. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2019.11339.

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Abstract:

<p>La narrativa “crossmedia” en la industria cultural japonesa es un fenómeno que adapta una misma historia a través de distintos formatos, como el cómic, la animación o los videojuegos, entre otros. Aunque el contenido se unifica mediante una serie de elementos comunes, cada medio aporta unas características específicas. El manga es un medio gráfico, estático. El anime es un medio audiovisual, que crea una ilusión de movimiento. Sin embargo, ambos carecen de interactividad por parte de los lectores o espectadores. Los videojuegos, en cambio, ofrecen al público la posibilidad de interactuar con los personajes y elementos de dichas historias. Este artículo trata de averiguar las similitudes y diferencias del aspecto formal narrativo en un caso concreto: el manga de Kentaro Miura, Berserk (1988-en publicación), las últimas adaptaciones cinematográficas que han relanzado la franquicia y el videojuego que siguió a dicha trilogía.</p>

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Trigo Maldonado, Alvaro. "Glocalización y uso del espacio en las adaptaciones cinematográficas surcoreanas de obras literarias extranjeras. Los casos de Burning y La Doncella." 1616: Anuario de Literatura Comparada 11 (January 24, 2022): 203–18. http://dx.doi.org/10.14201/1616202111203218.

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Abstract:

El presente artículo analiza las estrategias narrativas utilizadas en dos adaptaciones surcoreanas al cine de obras literarias extranjeras. Las obras seleccionadas han sido los thrillers psicológicos Burning (Lee Changdong, 2018) y La doncella (Park Chan-wook, 2016) basados en obras literarias de Haruki Murakami y Sarah Waters respectivamente. A lo largo del ensayo se pone especial énfasis en la utilización de los espacios y los cambios narrativos para contextualizar la forma en que estos dos nuevos productos resultantes continúan articulándose en torno a un enfoque glocalizador que apela a la identidad colectiva de los coreanos dando así continuidad a una estrategia de consumer nationalism muy ligada tanto al desarrollo de la industria cinematográfica surcoreana como al de su nacionalismo. También se argumentará la manera en que las dos películas que surgen de lo que podríamos denominar traducción cultural no se limitan a una imitación de los materiales de origen, sino que añaden diversas dimensiones y profundidad nuevas convirtiéndose en obras de pleno derecho.

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Cabello Bustos, María Jesús. "Match point (Allen, 2005): a propósito del Tom Ripley de Patricia Highsmith." Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía, no. 20 (January 30, 2020): 387. http://dx.doi.org/10.24310/fotocinema.2020.v0i20.7616.

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Abstract:

Reconocido como uno de los directores más prolíficos en los últimos 30 años, Woody Allen presentó en 2005 su película Match Point. La característica principal que la define es el comportamiento de su protagonista, Chris Wilton, un tenista retirado del circuito profesional que llega a Londres con grandes aspiraciones. Este personaje arribista y amoral parece surgido de las novelas de Patricia Highsmith, más en concreto de su más famoso personaje, Tom Ripley. Ambos protagonistas comparten nexos comunes: ambición, asesinatos, crímenes sin castigo, facilidad para adaptarse al medio, falta de moralidad... El objetivo del presente artículo es abordar los paralelismos y conexiones entre Match Point y El talento de Mr. Ripley (The talented Mr. Ripley, Highsmith, 1955), tanto en la novela como en sus adaptaciones cinematográficas, centrándonos principalmente en la película que Anthony Minghella presentó en 1999 bajo el título homónimo de la novela de Patricia Highsmith, destacando el uso de la música como recurso narrativo fundamental.

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Peña Martín, Salvador. "El falso amanecer: un informe y una hipótesis urgentes sobre la recepción de Naguib Mahfuz en castellano." TRANS. Revista de Traductología, no. 2 (April 5, 2017): 121. http://dx.doi.org/10.24310/trans.1998.v0i2.2378.

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Abstract:

La concesión, en 1998, del Premio Nóbel de Literatura a Naguib Mahfuz ha desencadenado un proceso de recepción sin precedentes para la literatura árabe contemporánea y el castellano. El número de obras traducidas, que muchas hayan sido publicadas por editoriales poderosas o de prestigio, su repercusión en la prensa diaria o el hecho de que dos novelas hayan dado lugar a sendas adaptaciones cinematográficas (muy reconocidas) en México; todo eso parece estar en disonancia con el bajo nivel de calidad de muchas de las traducciones realizadas y con el trato crítico especializado de que ha sido objeto la obra de Mahfuz (incomprensión, menosprecio, instrumentalización para otros fines).Después de inducir una norma de traducción (con vigencia para los consumidores de literatura traducida) y ensayar un procedimiento de clasificación de desajustes en la traducción, proponemos para explicar la disonancia antedicha la hipótesis de que Mahfuz es un tratadista del agotamiento de la modernidad.

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Pintor Iranzo, Ivan. "Bajo el signo de un dios salvaje: escenarios contemporáneos del superhéroe." Ética y Cine Journal 9, no. 2 (July 19, 2019): 45. http://dx.doi.org/10.31056/2250.5415.v9.n2.25090.

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Abstract:

Más allá de su dimensión mitológica, las adaptaciones cinematográficas de los superhéroes Marvel ofrecen una completa pedagogía acerca de las concepciones contemporáneas sobre la relación entre cuerpo, tecnología y mutación. A lo largo de la historia del cómic de superhéroes, la transformación del mito ha evolucionado a través del desdoblamiento original del héroe, la necesidad de mantener doble identidad y la mutación hacia espacios narrativos vinculados, por una parte a lo onírico y por otra hacia un campo de tensión filosófica entre el transhumanismo y lo posthumano. El presente artículo realiza un recorrido histórico y conceptual a través del arquetipo superheroico para hacer hincapié en el ensamblaje entre las posibilidades del cómic y las del cine. Tanto las singularidades contemporáneas del mutante, por una parte, como los acercamientos heterodoxos al superhéroe por parte del cineasta Manoj Night Shyamalan constituyen una indagación filosófica, ética y mitológica de los dispositivos políticos, sociales y perceptivos que acompañan el legado de esta tradición nacida al mismo tiempo que el cómic de aventuras de los años treinta

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Durán Manso, Valeriano. "Los personajes fugitivos de las adaptaciones cinematográficas de Tennessee Williams: Dulce pájaro de juventud (Richard Brooks, 1962) y la crisis del Código Hays." ZER - Revista de Estudios de Comunicación 25, no. 48 (May 29, 2020): 127–46. http://dx.doi.org/10.1387/zer.21347.

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Abstract:

La construcción del personaje es uno de los principales rasgos de uno de los escritores más adaptados del cine clásico, Tennessee Williams. Marcados por el universo sureño, sus personajes se agrupan en damas al límite, jóvenes atormentados, progenitores dominantes, integrados en la vida y fugitivos, el más numeroso. Con el objetivo de tratar su impacto en un Hollywood determinado por el Código Hays, se analizan como persona y como rol los fugitivos del filme Dulce pájaro de juventud (Richard Brooks, 1962), quienes, además, representaron tres temas condenados por el código que propiciaron su crisis: la drogadicción, la prostitución y el aborto.

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García-Aguilar, Alberto. "Cifras: Ramón Gómez de la Serna como guionista." Castilla. Estudios de Literatura, no. 10 (March 16, 2019): 251–71. http://dx.doi.org/10.24197/cel.10.2019.251-271.

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Abstract:

Ramón Gómez de la Serna escribió diez guiones cinematográficos breves, publicados en la revista La Revue du Cinéma en 1930 bajo el título de Chiffres, que a su vez constituyen adaptaciones de textos suyos. Aunque en un principio fueron elaborados para la que iba a ser la primera película de Buñuel como director, el cineasta jamás los utilizó. Debido al interés que este texto suscita por permitir una mejor comprensión de cómo el escritor concebía el cine, este artículo intenta determinar el origen de este proyecto, cómo el autor adaptó sus propias historias a un formato cinematográfico y cuáles constituyen los principales recursos fílmicos que estos guiones presentan.

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España Arjona, Manuel. "Bibliografía sobre adaptaciones de la literatura española al cine en el nuevo milenio (2001-2020)." Trasvases entre la Literatura y el Cine, no. 3 (September 29, 2021): 281–316. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi3.13584.

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Abstract:

Como complemento al catálogo de adaptaciones publicado en este mismo número 3 de Trasvases entre la literatura y el cine, ofrecemos aquí un repertorio bibliográfico que recoge las aportaciones académicas (con algunas excepciones en forma de trabajos más divulgativoscuando su calidad y pertinencia lo han aconsejado) sobre dichas películas. Este listado, ordenado de forma cronológica en correlación con el corpus filmográfico, incluye solo los trabajos relacionados con las adaptaciones, no así los análisis centrados exclusivamente en los aspectos cinematográficos.

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Martínez Gómez, Raciel D. "El cine en Veracruz." La Palabra y el Hombre, revista de la Universidad Veracruzana, no. 45 (November 23, 2018): 88–92. http://dx.doi.org/10.25009/lpyh.v0i45.2655.

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Abstract:

Recorrido histórico de la participación filmíca veracruzana en el cine mexicano, mediante una recopilación de directores y títulos que han contribuido a la cultura del cinematográfica en nuestro país. Entre los más de 50 largometrajes están las adaptaciones de obras literarias como El coronel no tiene quien le escriba y Los funerales de la mamá grande.

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Monteiro, Maria Clara Sidou, Dulce Helena Mazer, and Sarah Moralejo da Costa. "“No soy fan, pero…”: lectores y audiencia cinematográfica de Tolkien." Significação: Revista de Cultura Audiovisual 45, no. 49 (April 27, 2018): 214. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-7114.sig.2018.138628.

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Abstract:

El artículo apunta las prácticas de recepción lectora entre fans de J. R. R. Tolkien y la percepción de las narrativas de las novelas a través de sus adaptaciones al cine. Es una investigación exploratoria cualitativa con visitantes de la 37ª Feria Internacional del libro del Palacio de Minería (FILPM) que señala las características de lectura entre los cinco entrevistados y apunta los factores que influyen en sus modos de leer y definirse delante de las ofertas culturales. Buscamos contribuir con las reflexiones en relación a sus prácticas a través de los vínculos entre estos lectores, el cine y sus repertorios interpretativos y subrayar la importancia de los estudios cualitativos de recepción lectora.

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Diez Puertas, Emeterio. "Modelos de feminidad de los años cuarenta: Ingenuas y pitucas en el intercambio cinematográfico Argentina-España." Anuario de Estudios Americanos 78, no. 2 (December 14, 2021): 661–90. http://dx.doi.org/10.3989/aeamer.2021.2.09.

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Abstract:

En la década de 1940, en un periodo de aislamiento internacional, Argentina y España coincidieron en intercambiarse un número importante de comedias sentimentales. En ellas podía observarse dos modelos de feminidad: la ingenua y la pituca. Ambos estereotipos eran adaptaciones hispanas de modelos narrativos hollywoodienses. El intercambio se hacía en virtud de la política autárquica española que era, a la vez, un control de la balanza de pagos y, en principio, una garantía del contenido de las películas, pues lo importado y lo exportado provenía de países afines por cultura, tradición o ideología.

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Herrmann, Blanca Aidé. "El papel del espía y la maleabilidad de la trama en Our Man in Havana, de Graham Greene." Trasvases entre la Literatura y el Cine, no. 3 (September 29, 2021): 163–80. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi3.11962.

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Abstract:

Tanto la novela Our Man in Havana (1958), de Graham Greene, como sus adaptaciones (cinematográfica en 1959, dirigida por Carol Reed; y teatral en 2009, escrita por Clive Francis) utilizan la sátira como medio para hacer una burla de la trama convencional de espías. El análisis de estas tres obras hará un estudio de la representación de la figura del espía en la novela y cómo el protagonista, Jim Wormold, es un móvil que enfatiza el aspecto histórico de La Habana en cuanto a la adaptación cinematográfica. El análisis de la representación teatral con respecto al protagonista y el espacio en el que se mueve expondrá qué cambios ocurren al nivel de la trama al suprimir aspectos importantes del contexto histórico. Así, se demostrará cómo las dos primeras obras exhiben, de forma remarcada, instancias diferentes que toman la sátira como base para hacer un comentario sobre los defectos de la sociedad inglesa en cuanto al espionaje y sobre cómo lo percibía la periferia. La tercera, aunque circunscrita en el mismo ambiente de la Guerra Fría, deliberadamente diluye el contexto para presentar una trama rápida que se acerca más a la farsa.

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Pinar, Alex. "Àngel Guimerà en el cine japonés: intertextualidad intercultural en la adaptación de Kenji Mizoguchi del drama Terra Baixa." Trasvases entre la literatura y el cine, no. 2 (October 14, 2020): 241–52. http://dx.doi.org/10.24310/trasvasestlc.vi2.9037.

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Abstract:

Desde los inicios de la industria cinematográfica en Japón se realizaron un gran número de películas basadas en obras literarias occidentales, especialmente durante las décadas de 1910 y 1920. El director que realizó el mayor número de estas adaptaciones fue Kenji Mizoguchi. Entre estas se encuentra Jinkyō (Este mundo polvoriento, 1924), basada en del drama de Àngel Guimerà Terra baixa (Tierra baja). Dado que la película está perdida, en este estudio se analiza esta adaptación intercultural a través de fotogramas y reseñas de revistas de cine publicadas en la época. Se describe cómo y en qué momento llegó a ese país la obra de Guimerà, cómo el cineasta la trasladó al contexto cultural japonés, y de qué modo influyeron el contexto histórico-social y la tradición cultural en el proceso de adaptación.

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Pérez Bowie, José Antonio. "La función paródica de las estrategias metaficcionales: apuntes sobre la adaptación cinematográfica de la zarzuela Doña Francisquita (Ladislao Vajda, 1952)." Anales de Literatura Española, no. 19 (December 15, 2007): 189. http://dx.doi.org/10.14198/aleua.2007.19.11.

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Abstract:

Se analiza la versión fílmica de la zarzuela como ejemplo de estrategia deconstruccionista, que el director lleva a cabo desde una mirada irónica, aplicada a un género anquilosado que había dejado de interesar al público. Esa mirada irónica y los procedimientos metaficcionales mediante los que se expresa permiten definir la lectura propuesta por Bajad como una arriesgada operación rupturista en la que se subvierten a la vez los esquemas genéricos en que se inscribía su adaptación, los criterios idealistas con que el cine español había abordado hasta entonces las adaptaciones de textos literarios y el modelo narrativo imperante en nuestra industria cinematográfica, caracterizado por un clasicismo convencional y retórico. La opción estética de Bajad es, además, inseparable de una opción ideológica, manifiesta en la crítica que el film plantea del conservadurismo de la pequeña burguesía española de fin de siglo.

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Lagos Gismero, Manuel. "'¡Bruja, más que bruja!': Cuando Fernando Fernán-Gómez escribió una zarzuela." Epos : Revista de filología, no. 36 (December 15, 2020): 91. http://dx.doi.org/10.5944/epos.36.2020.27585.

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Abstract:

La zarzuela siempre ha ocupado un lugar especial y señalado en la vida del cine español, desde los inicios de este; curiosamente en la etapa del cine mudo, coincidiendo con el esplendor del teatro lírico, son diversas las adaptaciones de grandes títulos del género a la gran pantalla. Pero existe una zarzuela que nace pensada para el cine y no para su representación escénica: ¡Bruja, más que bruja!Una película creada, dirigida y estrenada en 1977 por uno de nuestros más polifacéticos creadores, Fernando Fernán-Gómez, junto al compositor Carmelo Bernaola y al guionista Pedro Beltrán. Una creación artística que constituye un incuestionable hito cinematográfico y que a través de su estudio aportará importante información sobre la evolución de nuestra zarzuela en relación con la historia de nuestro cine musical.

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Pérez López, Patricia. "La traslación de la imagen a la gran pantalla en 'L’écume des jours': la “paraadaptación”." Revista de Lenguas para Fines Específicos, no. 27.1 (June 23, 2021): 9–22. http://dx.doi.org/10.20420/rlfe.2021.385.

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Abstract:

Muchos han sido los términos utilizados para hacer referencia a la adaptación cinematográfica en las últimas décadas y muy variadas las definiciones de cada uno de ellos. En obras literarias con rasgos surrealistas como L’écume des jours, de Boris Vian, llevar determinadas imágenes a la gran pantalla hace necesario un replanteamiento de los términos y, quizás, la creación de uno nuevo que englobe todo lo que esa traslación recoge. Para lograr este propósito, este artículo comienza, de manera general, con un análisis de la imagen y de los elementos que la componen, tanto en el cine como en la literatura, y continúa con las distintas acepciones del hecho de llevar una obra literaria al cine. Posteriormente, aplica dicha teoría a la mencionada obra de Boris Vian y a las “adaptaciones” de Charles Belmont y Michel Gondry. Como resultado de todo ello, se expondrá la importancia que tienen los contextos de producción en la creación de cada una de las obras y se propondrá una mención que se considera más apropiada para los casos estudiados.

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Kokalov, Assen. "Adaptaciones cinematográficas queer: dos ejemplos latinoamericanos." Mester 38, no. 1 (April 22, 2010). http://dx.doi.org/10.5070/m3381010078.

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Emilova Angelova, Stela. "Las adaptaciones cinematográficas de El alcalde de Zalamea." Quaderns de Cine, no. 16 (2020). http://dx.doi.org/10.14198/qdcine.2020.16.04.

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Fantoni, Andressa, and André Fagundes Pase. "Diálogos entre o cinema e outras formas de expressão artística: uma reflexão acerca das adaptações cinematográficas." Cadernos de Comunicação 20, no. 3 (November 2, 2016). http://dx.doi.org/10.5902/2316882x20128.

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Abstract:

O artigo discute as adaptações cinematográficas a partir de obras de arte da literatura, música, teatro, entre outras, considerando a tradicional crítica ao caráter impuro do cinema. Traz-se a fala dos teóricos Badiou, Bazin e Stam, em uma tentativa de confrontar tal perspectiva. Sugere-se que as adaptações cinematográficas não sejam avaliadas em termos de “fidelidade”, mas através de uma perspectiva que contempla o caráter intertextual dessa arte.Palavras chave: Comunicação; Cinema; Cinema impuro; AdaptaçõesDialogues between cinema and other forms of artistic expression: a reflection about film adaptationsAbstract: The article discusses film adaptations from literature, music and theater works of art, among others, considering the traditional criticism of the impure nature of cinema. It brings up the speech of Badiou, Bazin and Stam, in an attempt to confront such a perspective. It is suggested that the film adaptations are not assessed in terms of "truth", but through a perspective that considers the intertextual nature of this art.Keywords: Communication; Cinema; Impure cinema; Adaptations.Diálogos entre el cine y otras formas de expresión artística: una reflexión sobre las adaptaciones cinematográficasResumen: El artículo analiza las adaptaciones cinematográficas de obras de arte de literatura, música, teatro, entre otros, teniendo en cuenta la crítica tradicional de la naturaleza impura de cine. Se trae a colación el discurso de Badiou, Bazin y Stam, en un intento de hacer frente a esta perspectiva. Se sugiere que las adaptaciones cinematográficas no se evalúan en términos de "verdad", sino a través de una perspectiva que considera la naturaleza intertextual de este arte.Palabras clave: Comunicación; Cine; Cine impuro; Adaptaciones.

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Durán Manso, Valeriano. "La evocación del Old South en las adaptaciones cinematográficas de Tennessee Williams: el espacio como elemento narrativo / Evocation of the Old South in film adaptations of Tennessee Williams: the space as a narrative element." Revista de Comunicación de la SEECI, November 15, 2016, 82–103. http://dx.doi.org/10.15198/seeci.2016.41.82-103.

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Abstract:

El sur de Estados Unidos tiene un papel determinante en la obra literaria del dramaturgo norteamericano Tennessee Williams. Este universo, que está centrado en la principal ciudad de Louisiana, Nueva Orleans, y en la región del Delta del Mississippi, cuenta con una importante representación cinematográfica gracias a las adaptaciones de las principales obras del escritor, realizadas entre 1950 y 1968. Así, el espacio sureño tiene un notable protagonismo en estas películas, y en algunos casos adquiere el carácter de personaje, debido a su relevante peso narrativo y a la constante evocación que los seres de ficción hacen de él. Con los objetivos de poner en valor el Old South como espacio poético y romántico en el cine americano clásico, reflexionar sobre la relación de Williams con su lugar de origen, y realizar una aproximación a la representación del universo sureño en sus principales adaptaciones cinematográficas, se intenta reflejar cómo el sur influye en la construcción de los temas y personajes del dramaturgo. En este sentido, películas como Un tranvía llamado deseo, Baby Doll, La gata sobre el tejado de zinc, De repente… el último verano o Dulce pájaro de juventud, entre otras destacadas, comparten un mismo ámbito a pesar de desarrollarse en diferentes lugares meridionales de Estados Unidos. Desde estas consideraciones, este trabajo pretende reflexionar sobre cómo el sur heredero del Old South se erige como un elemento narrativo que determina la evolución dramática de las adaptaciones cinematográficas de Tennessee Williams.

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Valenzuela Moreno, Juan Ignacio. "Las adaptaciones cinematográficas de la obra de José Echegaray. El gran galeoto (Rafael Gil, 1951)." Ámbitos. Revista Internacional de Comunicación, no. 33 (2016). http://dx.doi.org/10.12795/ambitos.2016.i33.04.

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Cogollo Ospina, Sonia Natalia. "Cóndores no entierran todos los días: cuando matar se convirtió en “cuestión de principios”." Poiésis 1, no. 26 (December 11, 2013). http://dx.doi.org/10.21501/16920945.1004.

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Abstract:

Son muchas las controversias que se suscitan por las adaptaciones cinematográficas de obras literarias. Por lo general, los lectores resultan defraudados ante los resultados por la incongruencia entre lo que imaginaban y la puesta en escena realizada por un director y su equipo. Esta decepción bien puede evitarse si el director que realiza la adaptación tiene claro que debe capturar la esencia de la obra original pero que su misión es la de hacer otra obra, pues al fin y al cabo la literatura y el cine tienen lenguajes diferentes.

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Gil-Albarellos, Susana. "Teorías sobre el cine de Miguel Delibes." ACTIO NOVA: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, December 30, 2020, 1–21. http://dx.doi.org/10.15366/actionova2020.m4.001.

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Abstract:

De 1953 a 1999 Miguel Delibes publica en diferentes medios de comunicación una serie de artículos acerca del cine tratando diversos aspectos: reseña estrenos cinematográficos, reflexiona sobre géneros, sobre el cine español y europeo, sobre avances técnicos de la industria cinematográfica y sobre algunas de las adaptaciones de sus obras literarias al cine. Todos estos documentos, examinados actualmente y en conjunto, conforman una poética del arte cinematográfico escasamente señalado hasta la fecha y constituyen una importante aportación al estudio de la historia de la crítica cinematográfica en España. En esta investigación analizo y examino las principales contribuciones del escritor a esa poética del cine.

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Martínez Fabre, Mario-Paul. "Trasladar la partida: Modelos y estrategias de la industria cinematográfica frente a la adaptación de un videojuego." Miguel Hernández Communication Journal, no. 8 (July 31, 2017). http://dx.doi.org/10.21134/mhcj.v0i8.151.

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Abstract:

La ‘adaptación’ cinematográfica es un término que, hasta hace relativamente poco, el cine reservaba a la literatura, al teatro y a su propia “autorrevisión” en forma de remake. Hoy esta operación se ha impuesto con fuerza en el cine contemporáneo, especialmente en lo que respecta a la producción sustraída de los objetos de la cultura de masas: cómics, series de TV, atracciones de parques temáticos o, como este artículo analiza, videojuegos, se erigen también como una fuente importante de producción para las películas abanderadas por Hollywood.Resulta necesario examinar cómo estas adaptaciones de videojuegos han cobrado fuerza en el ámbito audiovisual (especialmente en el cine mainstream), cuál es su trayectoria, y como trasladan su narrativa y su lenguaje a la pantalla de cine. Una tarea que se llevará a cabo analizando a las principales precursoras, a las grandes apuestas de la industria del cine (alto presupuesto) y las adaptaciones de medio o bajo presupuesto (orientadas a un público más entendido), teniendo presente aspectos como las particularidades de la plataforma a adaptar, las diferentes condiciones del videojuego (acción, interfaz, algoritmo) u otros aspectos como la intertextualidad, la intermedialidad o la autorrenferencia que, de un modo u otro, también se entrelazan con las particularidades del cine espectáculo contemporáneo y sus fórmulas de rentabilidad y seriación.

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García Periago, Rosa María. "Rewriting King Lear in a Diasporic Context, Rewriting the Nation: Second Generation and Life Goes On." ODISEA. Revista de estudios ingleses, no. 17 (June 22, 2017). http://dx.doi.org/10.25115/odisea.v0i17.353.

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Abstract:

Abstract: this article explores two film adaptations of King Lear located in London in a diasporic community: Second Generation (Jon Sen 2003) and Life Goes On (SangeetaDatta 2009). This paper examines the ways in which King Lear has to be modified to suit Non-Resident Indians. Following a diasporic framework, this articlesheds light on the striking parallelisms and connections between both movies via the presence of a mother figure, two nostalgic Lears, the appearance of Muslim charactersand the transformation of an extremely tragic dénouement by a happy ending. The role of the mother is especially significant since it hints at the Indian nation and the long-held association between the mother figure and India in mainstream Hindi cinema. The main hypothesis of this paper is that Second Generation and Life Goes On use Shakespeare’s King Lear, which deals with the division of the kingdom, as a prism through which to approach partition. Both films relocate the action to the UK, more specifically London, since it has one of the largest Indian diasporic communities. Alluding to the colonial legacy of partition and Shakespeare and being made by diasporic filmmakers, they become postcolonial – or rather transnational works. Curiously enough, not only is King Lear rewritten and reinvented, but also Shakespeare, partition, and, ultimately, the nation,although the films offer different – and contradictory – perspectives and alternatives. Resumen: este artículo analiza dos adaptaciones cinematográficas del Rey Lear que tienen lugar en Londres en una comunidad diaspórica: SecondGeneration(Jon Sen 2003) y LifeGoesOn(SangeetaDatta 2009). El artículo examina las diferentes formas en las que El Rey Lear se tiene que modificar para adaptarse a la diáspora india. Gracias a un marco teórico de la diáspora, el artículo se centra en los paralelismos entre las dos películas a través de la presencia de la madre, dos “reyes” caracterizados por la nostalgia, la aparición de musulmanes y la transformación de un final trágico en uno feliz. El papel de la madre es especialmente relevante, ya que hace alusión a la India y a la asociación entre la figura materna y la India en el cine de Bollywood. La hipótesis principal es queSecondGenerationy LifeGoesOnutilizan El Rey Lear, que trata sobre la división del reino,como un prisma a través del cual aproximarse a la partición en la India. Ambas localizan la acción en Reino Unido, más concretamente en Londres, ya que tiene una de las comunidades diaspóricasindias más extensas. Las películas, al aludir al legado colonial de la partición y de Shakespeare y al ser realizadas por directores diaspóricos, se convierten en trabajos postcoloniales e incluso transnacionales. Lo curioso es que no sólo se reescribe y reinventa Shakespeare a través del Rey Lear, sino también la partición en la India y, en última instancia, la nación, a pesar de que las películas ofrecen perspectivas y alternativas diferentes – e incluso contradictorias.

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G-Pedreira, Rocío, and Olalla Cortizas Varela. "Adaptaciones 'stopmotion' de 'James and the Giant Peach' y 'Fantastic Mr. Fox' de Roald Dahl." Elos: Revista de Literatura Infantil e Xuvenil, no. 5 (February 2, 2018). http://dx.doi.org/10.15304/elos.5.4099.

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Abstract:

O obxectivo deste breve artigo é analizar o uso da técnica cinematográfica do stopmotion en dúas películas de animación baseadas en James and the Giant Peach (1961) e Fantastic Mr. Fox (1979), da autoría de Roald Dahl (United Kingdom, 1916-1990), profundando no proceso de adaptación ao formato audiovisual tendo en conta a retórica do relato fantástico. A primeira delas é unha película de Walt Disney Pictures, producida por Tim Burton e Denise di Nove, dirixida por Henry Selick e estreada en 1996; a segunda delas foi producida por Indian Paintbrush e Regency Enterprises, dirixida por Wes Anderson e estreada en 2009. Polo tanto, farase un pequeno marco teórico sobre a Literatura Infantil e Xuvenil fantástica, o cinema de animación e a influencia que a semiótica de ambas linguaxes ten na adaptación resultante da súa combinación.

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Rodríguez, Julio César. "La creación del equivalente audiovisual en la adaptación de la novela gráfica." Revista Nexus Comunicación 1, no. 11 (July 10, 2012). http://dx.doi.org/10.25100/nc.v1i11.798.

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Abstract:

La industria cinematográfica ha recurrido por varios años, dentro de sus posibilidades,a la representación de contenidos extraídos de otros lenguajes. El cómic y la novelagráfica han significado, en las últimas dos décadas, fuentes de inspiración para nuevasadaptaciones, así como productos rentables para el uso excesivo de las grandesproductoras. Dentro de esta tendencia, y gracias al avance tecnológico en la industria,nuevas adaptaciones de novelas gráficas han alcanzado niveles sorprendentes deparecido estético en relación a la plástica presente en el sustrato original de tintay papel. El presente artículo propone un acercamiento a las relaciones y factoreslingüísticos que intervienen en este fenómeno, creciente, mediático y comercial.

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Duprat de Montero, Arnaud. "Las dos adaptaciones de Waterloo Bridge (El puente de Waterloo, J. Whale, 1931 y M. Leroy, 1940): ¿crisis de la narración o narrativa de la crisis?" Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía, no. 8 (March 30, 2014). http://dx.doi.org/10.24310/fotocinema.2014.v0i8.5945.

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Abstract:

Se suelen conocer las dos adaptaciones de la obra de teatro Waterloo Bridge (Robert E. Sherwood, 1930) por parte de James Whale (1931) y de Mervyn LeRoy (1940) como un buen ejemplo de los cambios ideológicos y morales que sufrió Hollywood a partir de la aparición del código de censura Hays en 1934. Sin embargo, si la comparación de las dos películas pone de realce, en efecto, estos cambios que podemos asimilar a una crisis de la narración cinematográfica, al contar la historia de amor entre un soldado y una prostituta durante la gran crisis política que fue la Primera Guerra Mundial, estos filmes nos hablan sobre todo de su actualidad –la gran depresión en el caso de Whale y el principio de la Segunda Guerra Mundial con LeRoy– y pertenecen a la narrativa cinematográfica de la crisis. Más que el mero resultado de un compromiso político y social, estas películas son también auténticas obras de autores en simbiosis con su época. En este sentido, la versión de LeRoy marca el principio de una mezcla entre melodrama y cine negro que determinará este género a lo largo de las décadas de los cuarenta y de los cincuenta.Palabras clave: Guerra; Hays; Hollywood; J. Whale; M. LeRoy; V. Leigh Keywords: Guerra; Hays; Hollywood; J. Whale; M. LeRoy; V. Leigh

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Duprat, Arnaud. "La subversión de la adaptación literaria en Tristana y ese oscuro objeto del deseo de Luis Buñuel." UCOARTE. Revista de Teoría e Historia del Arte, December 20, 2012, 88–101. http://dx.doi.org/10.21071/ucoarte.v1i0.9651.

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Abstract:

Tristana y Ese oscuro objeto del deseo son las dos últimas adaptaciones literarias de Luis Buñuel. Aunque el cineasta se permita varios cambios –cortes, síntesis, añadidos– en estas historias al trasladarlas de la novela a la pantalla, produciendo así obras típicamente buñuelianas, los textos literarios de Benito Pérez Galdós y Pierre Louÿs parecen seguir presentes como una referencia reivindicada en las películas. Primero, los diálogos fílmicos se parecen mucho a los de las dos novelas. Se nota lo novelesco en varias réplicas que, demasiado literarias, suenan extrañas. Del mismo modo, si podemos reconocer en las heroínas fílmicas a sus antecedentes literarios como una referencia original, el director provoca este reconocimiento sólo para atraernos mejor en un universo que se vuelve inquietante y que interroga nuestras representaciones y creencias, gracias a sutiles desplazamientos de sentido. Estos textos resisten al proceso de la adaptación y permanecen en el filme bajo la forma de citas, como otro texto, de manera a priori inalterada. Tristana y Ese oscuro objeto del deseo plantean entonces la problemática de la función que puede asegurar la obra literaria adaptada en la escritura del texto fílmico y en la subversión que propone éste del discurso cinematográfico.

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