Dissertations / Theses: 'Adaptations cinématographiques – Histoire et critique'

1

Elkaissi, Abdellah. "Roman et cinéma : l'adaptation et ses problèmes." Toulouse 2, 1993. http://www.theses.fr/1993TOU20058.

Full text

Abstract:

Le cinéma est un grand consommateur d'histoires. Pour satisfaire son public, il n'hésite pas à faire des emprunts au roman. Quand l'adaptateur transpose un texte littéraire à l'écran, il le fait à partir de sa vision ou de son interprétation personnelle. A vrai dire, être fidèle à l'idée exprimée dans un texte ne peut être considéré qu'en des termes subjectifs. L'adaptation n'est pas la traduction. Elle est d'abord une lecture et une interprétation subjectives d'un auteur par un autre. De ce point de vue, l'adaptateur ne peut être fidèle qu'à sa propre lecture. La notion de fidélité paraît très subjective et très flottante. Le film ne peut être la copie conforme du roman, car il contiendrait toujours quelque chose de plus ou de moins que le roman. L'adaptation est à considérer comme une lecture subjective et un regard particulier d'un auteur sur un autre, ou comme un essai de reprendre les éléments romanesques dans un autre domaine et sous une autre forme. Dans de telles conditions, il est préférable de nuancer entre trois notions : l'adaptation passive qui cherche la conformité ; l'adaptation libre qui permet d'avoir une certaine distance par rapport à l'œuvre originale ; l'adaptation active qui pourrait fournir une équivalence à la signification générale de l'œuvre, à transposer, sans pour autant sacrifier les spécificités cinématographiques
Cinema is a great "swallower" of stories. To satisfy its audience, it draws copiously on the techniques of novel. When transcribing a literary text into a film, the film-maker prints his own personal reading of that literary that. As a matter of fact, the idea of faithfulness can be approached only in subjective terms. The passage from a literary text into a film implies no act of translation. This kind of adaptation is both a reading and a personal interpretation that bring into contact the film-maker and the novelist. Accordingly, the notion of faithfulness sounds subjective and hard to define. No film can be a faithful copy of the novel that has inspired it; for a film always has something more or less than the novel it has drawn on. However, it would be wise to point out three concepts that have a significant bearing to the passage from the novel to the stage: the first concept is the passive adaptation which seeks uniformity and faithful reproduction of the initial literary material; the second is the free adaptation which seeks to establish a shade of distance between the film and the literary text. Unlike these two concepts, active adaptation seeks a conspicuous detachment, without for that matter, overlooking the specifics of film-making

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

2

Villatte, Raphaël. "Enquêtes policières et enquêtes politiques : en France et aux Etats-Unis : en littérature et au cinéma de 1970 à 1995." Limoges, 2007. http://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/a7968ac4-f26b-4b9d-966a-980c751ba69e/blobholder:0/2007LIMO2014.pdf.

Full text

Abstract:

Le genre policier, volontiers qualifié de protéiforme, a donné naissance à de nombreux sous-genres, selon de nombreux processus. La variabilité semble infinie, tant le phénomène se renouvelle au fil du temps. A la fin des anées 1960, l'une des branches les plus engagées du genre reprend vigueur et se distingue du reste de la production. Le quart de siècle qui suit montre des répétions, des évolutions et l'apparition de traits poétiques récurrents et constitutifs de ce qu'il faut alors appeler un sous-genre : "le polar politique". Ce sous-genre a la particularité de se manifester tant en littérature qu'au cinéma, et de poursuivre une évolution presque commune. Il convient donc d'appréhender le phénomène de manière globale, et de tenter de comprendre les visions politiques qui le sous-tendent. Loin d'un policier divertissant, le sous-genre interpelle le lecteur, le prend à témoin, le met face à des visions parfois à peine distanciées de la réalité contemporaine. Il s'agit de tracer la cartographie d'un sous-ensemble artistique, en étudiant les différentes stratégies narratives qui mettent en oeuvre une authentique visée argumentative.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

3

Cortés, María Lourdes. "Lecture cinématographique de la narration latinoaméricaine." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1998PA030003.

Full text

Abstract:

Notre etude est une approche concernant la problematique de l'adaptation litteraire au cinema, en particulier, la prose narrative latino-americain posterieure aux annees 60 (le "boom"), avec des auteurs comme j. L. Borges, gabriel garcia marquez, jose donoso, carlos fuentes et manuel puig. Nous comprenons l'adaptation comme une lecture/ecriture d'un texte litteraire; une interpretation particuliere d'un texte de base, elaboree a partir de facteurs historiques, economiques, sociaux, cinematographiques, issus de l'encyclopedie personnelle de son realisateur; et qui se cristallise dans un produit nouveau, l'adaptation filmique. La these est divisee en trois parties. La premiere comprend l'etude du "paratexte", a savoir la peripherie du texte. Dans la deuxieme partie nous analysons les elements du recit que l'on considere fondamentaux : personnage, espace, temps et instance de narration. Dans la troisieme partie nous avons analyse des elements fondamentaux servant de support au texte filmique : la bande image et la bande son. Finalement, le dernier chapitre "la fuite de l'adaptation" propose une recapitulation des analyses faites, du point de vue de certaines figures du texte litteraire contemporain, qui semblent resister a toute transposition au cinema. Nous avons pu constater que les textes litteraires analyses appartiennent a une tradition caracterisee par la rupture avec les modeles de representation qui produisent des effets de realite. En revanche, les adaptations cinematographiques ne correspondent pas a ce type d'ecriture et suivent la tradition du roman du xixeme siecle, qui propose un recit en tant que centre et qui cree des effets de realite en essayant de se proposer comme un miroir du monde. La these demontre donc la rupture evidente entre le type d'ecriture de la litterature du "boom" et celui de leurs adaptations, ainsi que le type de lecteurs/spectateurs crees par les textes litteraires et filmiques, et de ce fait, le dephasage de reception
Our study looks at the problem of the litterary adaptation of film making, in particular, latin-american prose after the 60's "boom" with authors such as jorge luis borges, gabriel garcia marquez, jose donoso, carlos fuentes and manuel puig. We understand "adaptation" as a reading/writing of a litterary text; a particular interpretation from a main text, produced by historical, economical, social, cinematographical factors, based on the "encyclopedia" of its director; and which appears as a new product : film adaptation. The thesis is divided in three sections. The first include the study of the "paratexte" : the frame of the text. In the second part we analyse the main elements which are the pilars of the story : caracters, places, time and narration. In the third part we have analysed the main elements which constitute the film text : the soundtrack and the filmtrack. Finally, the last chapter concerns the study of certain caracters of the contemporary text, which seem to resist all cinematographic transposition. We have noticed that the analysed texts belong to a tradition which has caracteristics of breaking up with the representations which produces models of realism. On the other hand, the film adaptations do not correspond at this particular type of writing; they tend to follow the tradition of the 19th century novel, which offers a story as a base and which creates realism by trying to act as a mirror reflecting the world. The thesis demonstrates the division between the style of writing of the authors of the "boom" and the one of their adaptations, as well as the type of the readers/viewers created by the texts, both litterary and cinematographical, and the change of phase of their reception

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

4

Campeau, Marilène. "Répertoire des longs métrages d'adaptation destinés au cinéma au Québec de 1992 à 2010 : les causes d’un phénomène en croissance." Master's thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25975.

Full text

Abstract:

Ce mémoire traite de l’adaptation cinématographique au Québec, de 1992 à 2010. Dans un premier temps, il dresse le répertoire détaillé des longs métrages d ’adaptation destinés au cinéma produits au Québec entre 1992 et 2010. Chaque entrée du répertoire présente les informations suivantes : titre, réalisateur, scénariste, producteur, maison de production, année, langue, genre, source originale, auteur de l’oeuvre originale, année de publication, type de support, commentaires. Diverses analyses statistiques des résultats obtenus permettent ensuite d’obtenir un portrait juste de l’adaptation au Québec durant cette période et d’établir que le taux d’adaptations cinématographiques s’est accru depuis 1998. Dans un deuxième temps, ce mémoire examine divers facteurs pouvant expliquer cette hausse. Les hypothèses vérifiées sont groupées en trois catégories, qui correspondent aux chapitres de la seconde partie du mémoire, c’est-à-dire, les changements observés chez les cinéastes québécois, les facteurs financiers et économiques, et l’influence des autres industries culturelles.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

5

Costantini-Cornède, Anne-Marie. "Shakespeare à l'écran : esthétiques de la représentation dans les adaptations des pièces au cinéma dans les années 1980 et 1990." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030019.

Full text

Abstract:

Cette thèse propose une analyse des adaptations de certaines pièces de Shakespeare au cinéma dans les années 1980-1990. Les nombreux films de cette période offrent des lectures originales de ces textes cultes. Le volet thématique montre comment les cinéastes remodèlent les intrigues médiévales pour les présenter d'une façon convaincante à un public moderne. L'actualisation du contexte et des personnages fait ressortir la dimension universelle de l'œuvre de Shakespeare. Entre la déférence scrupuleuse envers le modèle et la multiplication des figures d'écart, le cinéaste peut choisir au sein de toute une gamme de possibilités dans son travail de transposition de l'œuvre. On distinguera ici cinq degrés d'adaptation différents au cours des deux dernières décennies du XXe siècle : le film réaliste et fidèle au modèle, qui obéit aux critères du cinéma narratif hollywoodien, comme le film réaliste poétique (l'adaptation déférente) côtoient tous deux l'adaptation libre (en anamorphose) qui n'hésite pas, elle, à bousculer les conventions pour mieux saisir l'esprit du texte. La modernisation ou le déplacement dans un contexte culturel autre que la Renaissance anglaise ou l'appropriation culturelle, le film transgressif, conceptuel ou réflexif, prennent alors le pas sur la clarté didactique. Le cinéaste opte également en faveur de diverses stratégies esthétiques. Lorsque les images verbales se trouvent transcodées par la rhétorique cinématographique, l'artiste adopte sa maniera propre et il souscrit à une logique de l'imitation dans la différence. La représentation cinématographique est un moyen privilégié pour établir une correspondance entre les images du réel et les images de Shakespeare
This thesis examines a number of film adaptations of the Shakespeare plays released in the last two decades of the twentieth century. The thematic aspect is considered first before showing how modern appropriation tends to " de-historicize " " Shakespeare's world and to make its characters universal types. The nature of cinematic representation is then given pride of place. Five degrees of adaptation are being considered. In the most conventional film, the artist mainly adopts the theatrical or realistic mode and he or she follows the conventions of the Hollywood style. He or she is mainly concerned with making the story clear and easily accessible to large audiences. The filmmaker also uses cinematic space and rhetoric in order to present the real world in a poetic light. The most original adaptations often respect the essence of the text more than the letter of the text itself: modern transpositions, daring cultural appropriations or transgressive films, conceptual and meta-artistic films or biographical extrapolations, show Shakespeare's world in an indirect (anamorphotic) manner. Finally, we will try to understand how the filmmaker adopts his own maniera or his own aesthetic strategies in order to transcode the images of the play

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

6

Goldie, David. "Les adaptations cinématographiques des romans de J. R. R. Tolkien, C. S. Lewis et J. K. Rowling." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3113.

Full text

Abstract:

L’adaptation existe depuis les débuts du cinéma. Dès lors, le nombre de versions filmiques d’œuvres littéraires ne cesse de croître et l’adaptation reste au cœur de la production cinématographique partout dans. Toutefois nous constatons que l’adaptation se trouve dans une situation quelque peu paradoxale. Ce qui motive sa conception est également à l’origine de la majeure partie des critiques. D’une part, le bénéfice économique est évident. La notoriété d’un roman à succès garantit un public nombreux. D’autre part, le contexte créatif se révèle difficile car, du point de vue ontologique, l’adaptation préserve la comparaison traditionnelle en s’appuyant sur un paradigme oppositionnel des arts où le film se doit de se justifier face au texte source. Se situant à la croisée des arts, l’adaptation focalise un débat sur une hiérarchie notionnelle des arts où la narration à travers des images serait toujours perçue comme inférieure aux autres formes. Dans cette thèse, nous étudions ce phénomène dans le contexte de la résurgence de la fantasy lors des années 2000. Ce fait culturel du monde anglophone atteindra un niveau inattendu au cinéma avec le succès des adaptations des romans de J. R. R. Tolkien et de J. K. Rowling tandis que la réception des versions filmiques des œuvres de C. S. Lewis peut paraître mitigée. À partir de ces constats, nous nous interrogeons parallèlement sur le processus et le produit de l’adaptation en plaçant notre corpus au centre du débat à travers une approche descendante de comparaison. Nous espérons ainsi pouvoir apporter quelques éléments de réflexion sur l’engouement du public pour ces histoires et sur l’adaptation comme domaine d’étude
Adaptation has been a part of cinema since its very beginning. Since then, the number of film versions of literary works which appear on screen has never ceases to increase and adaptation is still at the heart of cinematic production around the world. Adaptation actually exists in a rather paradoxical situation. What motivates its conception is also the source of the majority of criticism against it. On one hand, the economic advantage is clear. The fame of a popular novel guarantees a large audience. On the other hand, its creative context can prove to be difficult since ontologically adaptation serves to preserve the traditional comparison based on an oppositional paradigm of the arts where the film has to justify itself in front of the source text. Standing at a crossroads between the arts, adaptation is the focus of a debate on a notional hierarchy within the arts where narration through images could still be perceived as inferior compared to other forms.We wanted to study this phenomenon within the context of the resurgence of fantasy witnessed in the 2000’s in this thesis. In the English-speaking world this cultural event reached an unexpected level with the success of the adaptations of J. R. R. Tolkien and J. K. Rowling’s novels while the film versions of C. S. Lewis’ works were less well received. With these points in mind, we consider the process and the product of adaptation in order to situate our corpus in the debate through a top down approach of comparison. We thus hope to bring some elements of reflections on the craze for these stories and the domain of adaptation studies

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

7

Léandro, Anita. "Le personnage mythique au cinéma : étude des représentations de Carmen." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1998PA030012.

Full text

Abstract:

Cette these propose une definition du personnage mythique, analyse dans sa specificite cinematographique. L'etude se concentre sur le personnage de carmen, qui a inspire un nombre considerable de films. Creee par prosper merimee en 1845 dans la nouvelle homonyme, carmen devient personnage d'opera en 1875, dans l'adaptation de bizet. Trente ans plus tard, le cinema se l'approprie et ne cesse depuis de l'actualiser, en forme d'adaptations traditionnelles ou modernisees, de citations d'arias d'opera et de references plus ou moins explicites au celebre prenom du personnage et au type qu'il incarne. Plus qu'une comparaison des manifestations de carmen dans ces differents arts, cette etude se centralise prioritairement sur la variete des representations de ce personnage au cinema. Une recherche aupres de cinematheques et archives de films constitue le point de depart de ce travail. Les films sont regroupes selon leurs programmes de representation et l'analyse privilegie l'etude de la reproduction ou de l'effacement de stereotypes lies au personnage de carmen. La recherche s'etend au cours de six chapitres, dont un theorique et cinq d'analyse de films. Le premier chapitre fait la mise au point theorique de quelques notions qui sous-tendent la definition du personnage mythique dans sa valeur de recit, developpee au long des chapitres suivants
This study offers a definition of the mythical character, analysed in its cinematographic specificities. The study focuses upon the character of carmen, which inspired a great number of films. After being created by prosper merimee in 1845 in the homonymous short story, carmen became an opera character in 1875, in bizet's adaptation. Thirty years later, the cinema appropriated it and has constantly updated it since then, be it under the guise either of traditional or modernised adaptations, or of quotations of opera arias, or of more or less explicit references to the famous first name of the character and to the type it embodies. More than a comparison of the occurences of carmen in these different arts, this study centers mainly around the variety of the representations of the character in films. The stepping stone of this work was a research in film archives. The films have been grouped according to the ways they represent carmen and the analysis favours the study of the reproduction or of the obliteration of the stereotypes linked to the character of carmen. The research is divided into six chapters, including one theoretical and five of film analyses. The first chapter clarifies, from a theoretical point of view, a few notions which inderlie a definition of mythical character in its narrative value, as developed along the following chapters

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

8

Marty, Christophe. "L’aventure coloniale dans le roman britannique vue par le cinéma américain : King Solomon’s Mines (1950), Kim (1950), The Quiet American (1958 ; 2002), The Man Who Would Be King (1975), Apocalypse Now (1979 ; 2001)." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030125.

Full text

Abstract:

Portant sur six adaptations hollywoodiennes de récits de Rider Haggard, Kipling, Conrad et Greene, ce travail analyse la manière dont le cinéma américain retravaille divers aspects des supports littéraires à des fins esthétiques [attention aux détails exotiques, remaniements narratifs, jeu des acteurs, couleurs, décors] et idéologiques [réflexion sur l’impérialisme colonial]. En confrontant les films et les récits qui les précèdent, il s’agit d’examiner la manière dont le cinéma prend appui sur la littérature pour tisser un réseau où transparaît le regard que Hollywood porte sur la tentation impérialiste américaine
The study focuses on six adaptations of narratives by Rider Haggard, Kipling, Conrad and Greene. It addresses the way Hollywood worked over several aspects of the literary works for aesthetic [attention to exotic details, reshaping of narratives, acting, colours, setting] as well as ideological purposes [a reflection on colonial imperialism]. Comparing the films with their literary antecedents, the study analyses the manner cinema is backed by literature to weave a network of signs which reveal Hollywood’s approach to American imperialist temptation

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

9

Mellet, Laurent. "L'oeil et la voix dans l'oeuvre romanesque de E. M. Forster et ses adaptations cinématographiques par James Ivory." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030117.

Full text

Abstract:

Dans les romans de E. M. Forster, la représentation du corps révèle une ambiguïté désenchantée dans l’approche du monde et la conception de la littérature. Les figures corporelles sont a priori absentes de cette œuvre qui, par une esthétique de l’invisible et du silence, fait souvent l’économie de la description et préfère suggérer à travers le non-dit. Dans A Room with a View, Howards End et Maurice, il s’agit d’abord de donner à lire sans donner à voir, de commenter l’événement sans le raconter. L’œil et la voix renvoient alors au secret et aux différentes logiques de rétention du texte. Puis ces trois romans s’ouvrent à l’écriture du sensible pour laisser apparaître un corps d’essence idéaliste, qui se voit et se touche dans toute son immédiateté, qui devient l’objet et l’origine d’une voix au cœur d’une nécessaire complémentarité, presque phénoménologique, entre vision et visibilité. Le roman forstérien privilégierait alors la représentation dans l’espace au détriment du récit chronologique, témoignant d’une certaine modernité esthétique. C’est ce que les trois adaptations de James Ivory confirment par leurs propres figures de l’œil et de la voix, et leur questionnement de la narration cinématographique. Bien que ces films semblent d’abord passer sous silence la voix forstérienne, ils apportent aux romans un nouvel éclairage que vient encore modifier A Passage to India, où Forster renonce au corps comme à l’écriture, tous deux incapables de montrer ou de dire le monde
In E. M. Forster’s novels the representation of the body reveals an ambiguous view of the world and a disillusioned concept of literature. At first reading there appears to be no trace of the human body in Forster’s works, which focus on silence and the invisible, and prefer to suggest rather than describe. In A Room with a View, Howards End and Maurice, the event is commented upon without really being narrated, and the reader has to read between the lines. Here the eye and the voice point up a process of secret and retention in the text. The three novels then open out to write the senses and display an idealist body, that can be seen and touched in its immediacy, and is both the object and origin of a voice linking vision and visibility in a necessary, almost phenomenological, complementarity. The Forsterian novel would thus favour representation in space over chronological narration, showing some form of aesthetic modernity which is actually confirmed in the three film adaptations by James Ivory through their insistence on the eye and the voice, and the way they call into question narration on screen. Although the films first seem to silence the Forsterian voice, they shed new light on the novels. Forster’s last choices in A Passage to India invalidate these dynamics as the writer eventually renounces the body and writing itself, both equally unsuited to show or tell the world

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

10

Sawas, Stéphane. "Les classiques de la littérature néo-hellénique à l'écran de 1974 à nos jours." Paris, INALCO, 2003. http://www.theses.fr/2003INAL0016.

Full text

Abstract:

Cette thèse invite à définir le nouveau rapport qu'entretiennent les cinéastes grecs au patrimoine littéraire néo-hellénique depuis la chute de la dictature des colonels. La littérature grecque moderne à l'écran remplit deux fonctions complémentaires en fonction des oeuvres retenues : elle est à la fois vecteur d'un nouveau rapport à l'Histoire et vecteur de redéfinition de l'identité grecque. Les oeuvres de Vénézis, Kasdaglis, Valtinos, Plaskovitis, Franghias, adaptées par Voulgaris, Siopakhas, Makris, Koundouros, participent d'une nouvelle représentation de l'histoire grecque du XXe siècle à l'écran, en particulier du Désastre d'Ase Mineure et de la guerre civile et ses retombées dans les années 1950 et 1960. Ces oeuvres, majoritaires au début de notre période, disparaissent au début des années 1990, en écho à l'évolution du travail de mémoire réalisé par la société grecque contemporaine. Les oeuvres de Papadiamandis, Vizyinos, Théotokis, Cavafy, Lapathiotis, Roïdis, Prévélakis, adaptés par Ferris, Voudouzi, Hadzis, Papastathis, Marketaki, Smaradgis, Spetsiotis, Dimopoulos, participent d'un autre projet artistique. Promus en particulier au début de la période, par la télévision publique, ces films développent une quête esthétique qui dépasse la simple conjoncture historique. Les cinéastes ont recours à l'oeuvre littéraire pour en proposer une lecture personnelle. Ils réhabilitent le film en costumes, longtemps discrédité. Ils portent à l'écran les grands mythes littéraires de la littérature néo-hellénique. Ici c'est davantage l'oeuvre elle-même et en paticulier sa langue, souvent éloignée de la démotique standardisée, que les cinéastes entendent servir en vue d'exprimer une certaine grécité cinématographique, dans un contexte de mondialisation peu propice au développement d'un art coûteux dans un pays modeste
This doctoral thesis endeavours to define the new relationship that the Greek film directors are entertaining with the modern Greek literary heritage since the fall of the colonels' dictatorship. The modern Greek literature on the sceen performs two complementary functions according to the selected works : it is a vehicle of both a new relationship with History and a redefinition of the Greek identity

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

11

Gaberel-Payen, Sophie. "De la page à l'écran: David Lodge romancier et adaptateur." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040103.

Full text

Abstract:

Romancier, critique, adaptateur, les facettes de David Lodge sont multiples. Ce travail s'offre d'analyser les enjeux de l'adaptation littéraire dans l'œuvre de l'écrivain tout en démontrant que les procédés filmiques sont déjà présents dès ses tous premiers romans, notamment The Picturegoers (1960. ) Cette étude cherche à démontrer comment l'aspect résolument postmoderne de cet auteur (s'inspirant de la tradition réaliste mais lui préférant la notion de "réalisme expérimental" dès 1965) et son exploration d'une écriture métafictionelle et intermédiatique trouvent leur illustration dans le choix même du support filmique. Entre écriture romanesque et écriture filmique se crée alors un nouvel espace sémantique, support à partir duquel Lodge explore de façon différente les problèmes de la représentation, les relations entre art et réalité
Novelist, critic, adapter, David Lodge's talent is many-sided. This work offers to analyze the stakes of literary adaptation in Lodge's work while demonstrating that cinematic devices are already at work even in his earliest novels, especially The Picturegoers (1960. ) This study attempts to show how the resolutely postmodernist aspect of this writer (inspired by the realist tradition but favouring the notion of "experimental realism" as early as 1965) and his investigation of a writing mixing metafiction and intermediality are imparted by the choice of the film medium itself. Between novel and film writing, thus appears a new semantic space from which Lodge pursues the issues of representation, the relationships between art and reality

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

12

Breton, Justine. "Image du pouvoir et pouvoir de l'image : les représentations de la puissance dans la légende arthurienne, de l'écrit à l'écran." Thesis, Amiens, 2016. http://www.theses.fr/2016AMIE0017.

Full text

Abstract:

Depuis le Moyen Âge, la légende arthurienne fascine auteurs et lecteurs. L'autorité du roi Arthur, la force des chevaliers de la Table ronde, ou encore la puissance magique de Merlin constituent les éléments essentiels qui structurent les récits médiévaux et leurs réécritures modernes. Aux XXe et XXIe siècles, les cinéastes s'emparent du mythe et de ses enjeux historiques pour transmettre leurs propres attentes narratives et esthétiques. Cependant, une légende en expansion pendant plusieurs siècles ne peut manquer de s'altérer. En envahissant petit et grand écrans, les récits arthuriens sont profondément modifiés : si la trame héritée de la tradition médiévale est le plus souvent conservée, avec ses nombreuses variantes, la représentation du pouvoir évolue quant à elle pour se plier aux conceptions politiques et sociales nouvelles. Le cinéma et la télévision, vecteurs majeurs dans la formation de l'imaginaire collectif, reprennent la légende arthurienne en l'adaptant aux attentes modernes en matière de démocratie, d'égalité, de religion et même de relations humaines. L'évolution des représentations de la puissance traduit une appropriation des récits médiévaux par les réalisateurs et auteurs modernes, et se caractérise par quatre aspects principaux : insistance sur la dimension humaine du roi Arthur, valorisation de la force guerrière des chevaliers, mise à distance du religieux au profit du merveilleux, et émergence anachronique d'un pouvoir populaire. De Geoffroy de Monmouth à Guy Ritchie, de Chrétien de Troyes à Alexandre Astier, en passant par T.H. White et Walt Disney, la légende arthurienne ainsi conservée dans l'imaginaire naît d'une conception mouvante du pouvoir
The Arthurian legend has captivated authors and readers since the Middle Ages. King Arthur’s authority, the strength of the Knights of the Round Table, Merlin’s magic: these key aspects structure medieval texts as well as their modern rewritings. In the 20th and 21st centuries, filmmakers have employed the myth to convey their own narrative and aesthetic agendas. However, such a series of rewritings and adaptations necessarily distorts the meaning of the legend developed over centuries. When shifted from text to screen, the myth changes: while the narrative, with its variations inherited from the medieval tradition, is often kept, the representations of power evolve to resemble modern social and political ideas. Films and TV series play a key role in the collective imagination and the Arthurian legend has been adapted to fit modern views on democracy, equality, religion and even human interactions. The evolution of the images of power emphasises the authors’ and filmmakers’ appropriation of medieval texts, and results in the enhancement of Arthur’s humanity, the glorification of the Knights’ force, the removal of Christian authority in favour of fantasy and the supernatural, and the appearance of anachronistic popular power. From Geoffrey of Monmouth to Guy Ritchie, from Chrétien de Troyes to Alexandre Astier, via Thomas Malory, T.H. White and Walt Disney, the legend of King Arthur that reappears in the collective imagination is grafted onto a shifting image of power

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

13

Collette, Quentin. "Les oeuvres romanesques de Théophile Gautier à l'écran : un siècle de lecture filmique." Rouen, 2009. http://www.theses.fr/2009ROUEL026.

Full text

Abstract:

Après une phase de purgatoire critique, l'œuvre de Gautier fait l'objet d'une redécouverte par l'Université depuis les années 70 : qu'en est-il du grand public, qui ne lit d'ailleurs plus guère l'auteur ? L'étude de la réception de l'œuvre romanesque aux XXe et XXIe siècles par le biais des adaptations au cinéma et à la télévision, les deux grands media populaires contemporains, se révèle très fructueuse. À côté de l'exploitation commerciale de thèmes et de techniques relevant du mélodrame de cape et d'épée ou du vaudeville, nombre de problématiques posées par Gautier ont été réactualisées avec pertinence, de manière différenciée, tout au long du siècle dernier. La trentaine d'adaptations dessinent dans leur ensemble une vision philosophique du monde, qui va de la revendication libertine et libertaire du corps, à l'affirmation d'une exigence de réel dans les adaptations du Capitaine Fracasse, dans la lignée des Jeunes-France dont le « formalisme » (M. Crouzet) tend à inverser les signes du fictif et du réel. Aux premières œuvres succède en effet un rapport de plus en plus « inquiet » à l'Idéal, incarné par des mortes-vivantes qui ne se contentent plus d'amour pour alimenter leur existence factice, mais qui vampirisent physiquement et mentalement les vivants
After being sent to purgatory by the critics, the work of Gautier has been rediscovered by the University since the 70's: but what about the general public who, for that matter, hardly read the author? The study of how the novels in the XX and XXI centuries have been received through adaptations in the cinema and on television, the two major contemporary mass media, turns out to be a very fruitful one. Alongside the commercial exploitation of themes and techniques belonging to the melodrama of cloak and dagger and vaudeville, a number of issues raised by Gautier were brought up to date, with pertinence and in diverse ways, throughout the last century. The thirty-odd adaptations present a philosophical view of the world on the whole, which ranges from the dissolute and libertarian assertion of the body to the affirmation of the demand for reality in the adaptations of Capitaine Fracasse in the tradition of Jeunes-France, whose “formalism” (M. Crouzet) tends to reverse the signs of fiction and reality. Indeed, the early works are succeeded by an increasingly “uneasy” relationship with the “Ideal”, personified by the living dead who can no longer make do with love to sustain their artificial existence, but who physically and mentally suck the life blood from the living

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

14

Azizi, Meriam. "Le faire transformatif dans trois adaptations de La Recherche de Marcel Proust : analyse contrastive." Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0274.

Full text

Abstract:

Le présent travail porte sur les transformations inhérentes au passage du médium littéraire au médium cinématographique. Pour étudier cette question, un corpus double a été analysé, consituté d’un côté, de trois textes tirés de La Recherche de Marcel Proust et de l’autre de leurs adaptations filmiques respectives à savoir Un Amour de Swann de Volker Schlöndorff, Le Temps retrouvé de Raoul Ruiz et La Captive de Chantal Akerman pour La Prisonnière. Grâce à ce corpus, il nous a été possible de déterminer les types des transformations en jeu ainsi que les stratégies mises en œuvre et les mécanismes sous-jacents à celles-ci. De ce point de vue, la pratique de la transposition n’est plus affaire de fidélité ou d’infidélité mais la traduction d’une dynamique transtextuelle qui donne lieu à trois rapports intersémiotiques que sont la résistance, le détour et l’extension. De là, transposition filmique devient un langage et l’adaptation un genre de discours
This work relates to the inherent transformations to the transition from literary medium to cinematografic one.To study this issue, a double corpus was analysed, formed on one side of three textes taken from remembrance of the things past, on another side their respective film adaptations namely Swann in love of Volker Schlöndorff, The Time regained of Raoul Ruiz and The Captive of Chantal Akerman. Using this corpus, we were able determine the types of processing involved as well as the implemented strategies and the mecanisms underlying those latter. From this point of view, the practice of transposition is no longer matter of fidelity but a transtextuel dynamics that results in three inter semiotic links wich are resistance, deviation and extension. Thus filmic transposition becomes a language and the adaptation a kind of speech

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

15

Mottet, Annie. "Martin du Gard, Renoir, Lang et La Bête humaine : la fabrique d'une adaptation." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010572.

Full text

Abstract:

Cette thèse a pour but d’étudier trois adaptations cinématographiques du roman de Zola, la bête humaine : le scenario inédit (1933) de l’écrivain Martin du Gard, les films de Renoir (La bête humaine, 1938) et de Lang (Human desire, 1954). La thèse comprend deux parties. La première fait une analyse génétique des différents scénarios conservés. Le premier chapitre examine les conceptions cinématographiques de Martin du Gard. Le deuxième inventorie les différences entre les scénarios préparatoires et le film de Renoir pour déterminer ce qui a été réécrit. Le troisième montre comment les scénaristes (Hayes, Boehm) ont progressivement mis à distance le modèle de Renoir et comment par la mise en scène Lang a tenté d’imposer sa propre lecture du roman de Zola. La seconde partie propose une étude comparative des seules adaptations françaises. L’établissement des différences au niveau de l’histoire et du récit (premier chapitre) et des personnages (deuxième chapitre) permet de cerner les méthodes d’adaptation spécifiques à Martin du Gard et Renoir. Le dernier chapitre montre comment ces deux auteurs s’éloignent conjointement du modèle romanesque à la fin de leur adaptation pour mieux retrouver leurs propres conceptions esthétiques. Par le biais donc d’une étude de cas, cette thèse propose non une théorie de l’adaptation mais une analyse de pratiques d’adaptation et recourt à une double approche: gnentique et comparative
This thesis aims at studying three cinematographic adaptations of Zola' s novel, the human beast: Martin du Gard unpublished screenplay (1933), Renoir's film (The human beast, 1938) and Lang's (Human desire, 1954). The thesis consists of two parts. The first one is a genetic analysis of the different reamaining drafts. The first chapter deals with martin du gard's cinematigraphic ideas. In the second one, the differences between Renoir's drafts and his film have been listed to determine which scenes have been rewritten. In the third chapter we have shown how the scriptwriters (hayes, boehm) progressively distanciated themselves with renoir's model and how lang, through his film direction, tried to assert his personal vision of Zola's novel. The second part of the thesis is a comparative study of the french adaptations only. We have established the differences between the story and the narration in the first chapter and between the characters in the second chapter in order to find out the methods of adaptation characterising Martin du Gard and Renoir in the last chapter we have shown how both authors tool great liberties with the novel so as to be more faithful to their personal aesthetic ideas. Therefore, through a study of cases, the aim of the thesis is not to propose a theory of adaptation but to analyse different types of praxis, using to this purpose the. .

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

16

Janssens, Christian. "Maurice Maeterlinck, un auteur dans le cinéma des années 1910 et 1920: une approche historique, sociologique et esthétique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209632.

Full text

Abstract:

Si l’œuvre littéraire de Maurice Maeterlinck suscite nombre de recherches, ses activités dans le domaine du cinéma sont moins connues et moins étudiées. La présente thèse, qui s’appuie sur les concepts de la sociologie de Pierre Bourdieu, entend combler une lacune en analysant la trajectoire de l’auteur dans le champ cinématographique pendant les années 1910 et 1920, c’est-à-dire la période où il manifeste le plus d’intérêt pour le cinéma. L’étude comprend trois analyses. La première concerne le point de vue de Maurice Maeterlinck, son entrée et son déplacement dans le champ cinématographique. L’auteur consacré dans son champ d’origine développe, dans le nouveau champ investi, des produits dérivés orientés vers le public élargi et diversifié. La deuxième analyse concerne les transformations du champ cinématographique et le point de vue des autres agents, en particulier celui des maisons de production et de distribution. Celles-ci insèrent les adaptations de l’auteur dans une série de produits plus ou moins standardisés, qui leur permettent de se situer dans le champ. La troisième analyse concerne quelques films et projets de films datant des années 1910 et 1920, liés aux œuvres littéraires de Maurice Maeterlinck, comme The Blue Bird (Maurice Tourneur, 1918). Aussi bien les composantes externes (par exemple, la mise en place du projet, la production ou l’exploitation) que les composantes internes (par exemple, la mise en scène ou l’éclairage) sont les indicateurs de la position de l’auteur et les indicateurs du fonctionnement du champ dans son ensemble. / The researches on the literary works of Maurice Maeterlinck are numerous but his activity in the cinema is less known and less studied. The PhD thesis is based on the concepts of the sociology of Pierre Bourdieu ;its purpose is to bring new information by analyzing the trajectory of the author in the cinematic field during the 1910s and the 1920s, when he is the most interested in the cinema. The study includes three analyses. The first one concerns Maurice Maeterlinck's point of view, his entrance and his movement in the cinematic field. The author who is recognized in his first field develops in the new invested field several products who are directed to the widened and diversified public. The second analysis concerns the transformations of the cinematic field and the point of view of the other agents, e.g. the houses of production and distribution. These houses insert the adaptations of the author into a series of more or less standardized products, which allow them to be situated in the field. The third analysis concerns some films and projects of films of the 1910s and the 1920s, adapted from the literary works of Maurice Maeterlinck (e.g. The Blue Bird, Maurice Tourneur, 1918). The external components (the organization of the project, the production or the exploitation) and the internal components (the direction or the lighting) indicate how the author is situated and how the field is organized.
Doctorat en Information et communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

17

Monteilhet, Véronique. "Les représentations sociales du monde balzacien dans ses adaptations filmiques." Clermont-Ferrand 2, 2002. http://www.theses.fr/2002CLF20009.

Full text

Abstract:

Pourquoi Balzac, romancier français du 19e siècle, interpelle-t-il les réalisateurs français et étrangers depuis les débuts du cinéma ? Est-ce le monde imaginaire récréatif qu'il dépeint ou la représentation sociale réflexive et morale qui en découle qui intéressent ses adaptateurs ? Le personnage est le pivot de la critique des réalisateurs qui s'interrogent sur les comportements sociaux dans et hors de la sphère sociale. Ils exploitent tous les mécanismes de la mise en scène de la Société balzacienne : les représentations physiques et psychiques, les théories de la physiognomonie et du personnage-type, la peinture des désirs et des passions, etc. ; les thématiques balzaciennes participant à la représentation sociale, dont celle de l'enfer social ; le rôle et le fonctionnement des institutions religieuses, politiques, économiques, etc. ; les tonalités réaliste, parodique, comique et tragique de cette représentation ; l'espace et le temps dans lesquels prend place le jeu social ; la mise en scène des dialogues et des actions révélateurs de la problématique sociale fixée par les adaptateurs ; la place de l'histoire dans l'élaboration de la société balzacienne filmique. . .

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

18

Murru, Matilde. "L'image et la culture de la Sardaigne dans la filmographie italienne du deuxième après-guerre à la fin des années 70." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030100.

Full text

Abstract:

Terre de bandits ou paradis exotique pour y passer les vacances? Il semble que, dès ses premières apparitions à l'écran, la Sardaigne n'offre d'autre alternative que ces deux lieux communs. Ce travail se propose justement d'aller au-delà des clichés et d'examiner très précisément quelle image le cinéma, avec son langage et ses modalités spécifiques, a donné de la culture et de la réalité sardes. Tout au long de notre recherche, nous avons pris en considération les documentaires et les films de fiction concernant l'île à une période bien précise de l'Histoire, celle qui va du deuxième après-guerre à la fin des années 70. Les documentaires ont été divisés en six groupes thématiques correspondant aux phases historiques et aux problèmes les plus significatifs de la société sarde. Pour ce qui concerne la fiction, nous avons essayé de dresser un inventaire de tous les films qui, directement ou indirectement, évoquent la Sardaigne, depuis Cenere (1916) avec Eleonora Duse jusqu'à Chiedo Asilo (1979) de Marco Ferreri. Chaque type de production est analysé à partir de son contexte historique et politique. Cette problématisation sociale, qu'elle soit affichée ou occulte, apparaît en effet comme l'une des données constantes de cette cinématographie peu connue, appréhendée ici dans son ensemble pour la première fois. Il faut enfin signaler deux brefs entretiens avec Gavino Ledda et les frères Taviani, respectivement auteur et réalisateurs du film le plus connu à l'étranger, et probablement le seul qui ait montré un peu de la réalité sarde au reste du monde
Land of bandits or exotic holiday paradise ? It seems that from its first appearances on the screen Sardinia offers only these two clichés. This paper intends to go beyond the commonplace to precisely analyse the image the cinema has given to Sardinian culture and reality, with its language and its peculiar features. During our study, documentary films and fictions concerning the island have been considered from the Second Post-War to the end of seventies. The documentary films have been divided in six thematic groups relating to historic periods and to the most important problems of Sardinian society. In terms of fiction, we sought to draw up an inventory of all films which recall, directly or indirectly, Sardinia from Cenere (1916) with Eleonora Duse to Marco Ferreri's Chiedo asilo (1979). Finally we point out two short interviews with Gavino Ledda and with the Taviani brothers, respectively author and directors of the most famous film abroad and probably the only one which was able to portray clearly some Sardinian reality

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

19

Reyes, Josmar de Oliveira. "Le film comme lecteur du texte littéraire : L'Heure de l'étoile et Les Nuits du sertão." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030055.

Full text

Abstract:

Il s´agit d´une réflexion sur l´adaptation littéraire qui amène à penser différemment le phénomène sémio-narratologique transformationnel du passage du littéraire vers le filmique. Qu´est-ce que l´adaptation? Pourquoi le besoin de transformer un texte? Comment s´opère-t-il cette transformation, ce passage d´un médium à l´autre? Comment peut-on aborder la problématique de la transformation? Où et quand opère-t-il dans ses reconstructions, comment retravaille-t-il le matériau qu'il emprunte? Quel en est le résultat? Quelle en est la signification? Pour répondre à toutes ces questions, on a fait appel aux différentes théories du texte telles que le dialogisme, la réception textuelle, l´herméneutique, l´intertextualité, la lecture, la réécriture, la traduction etc. Pour répondre à la question de comment cette transformation s´effectue, c´est-à-dire dans une perspective analytique sémio-narratologique, on a choisi deux films brésiliens des années 80 (L`Heure de l´Étoile de Susana Amaral et Les Nuits du Sertão de Carlos Alberto Prates Correa) dont le point de départ explicite est un texte narratif littéraire, également d´auteurs brésiliens: Clarice Lispector et João Guimarães Rosa. Cette analyse a permit d´observer d´une façon plus aigüe la pertinence de diverses distinctions théoriques vis-à-vis de ce phénomène
This work is a reflexion on the literary adaptation. It brings to think differently the phenomenon semio-narratologic of the passage from the literary form towards the filmic one. What`s the adaptation? Why the need to transform a text? How does this transformation take place, this passage from one medium to another? How we can approach the problems of the transformation? Where and when does this text operate in these reconstructions, how does it rewrite the material it borrows? Which is the result? Which is the significance? To answer all these questions, we studied the various theories of the text such as the dialogism, the textual reception, the hermeneutics, the intertextuality, the reading, the rewriting, translation etc. To answer the question of how this transformation is carried out, i. E. From the semio-narratologic analytical point of view, we chose two Brazilian films of the Eighties (Susana Amaral´s L`Heure de l´Étoile and Carlos Alberto Prates Correa`s Les Nuits du Sertão) adaptaded from a literary narrative text, also of Brazilian authors: Clarice Lispector and João Guimarães Rosa. This analysis allowed to observe in an acuter way the relevance of various theories concerning this phenomenon

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

20

Azizi, Meriam. "Le faire transformatif dans trois adaptations de La Recherche de Marcel Proust : analyse contrastive." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0274.

Full text

Abstract:

Le présent travail porte sur les transformations inhérentes au passage du médium littéraire au médium cinématographique. Pour étudier cette question, un corpus double a été analysé, consituté d’un côté, de trois textes tirés de La Recherche de Marcel Proust et de l’autre de leurs adaptations filmiques respectives à savoir Un Amour de Swann de Volker Schlöndorff, Le Temps retrouvé de Raoul Ruiz et La Captive de Chantal Akerman pour La Prisonnière. Grâce à ce corpus, il nous a été possible de déterminer les types des transformations en jeu ainsi que les stratégies mises en œuvre et les mécanismes sous-jacents à celles-ci. De ce point de vue, la pratique de la transposition n’est plus affaire de fidélité ou d’infidélité mais la traduction d’une dynamique transtextuelle qui donne lieu à trois rapports intersémiotiques que sont la résistance, le détour et l’extension. De là, transposition filmique devient un langage et l’adaptation un genre de discours
This work relates to the inherent transformations to the transition from literary medium to cinematografic one.To study this issue, a double corpus was analysed, formed on one side of three textes taken from remembrance of the things past, on another side their respective film adaptations namely Swann in love of Volker Schlöndorff, The Time regained of Raoul Ruiz and The Captive of Chantal Akerman. Using this corpus, we were able determine the types of processing involved as well as the implemented strategies and the mecanisms underlying those latter. From this point of view, the practice of transposition is no longer matter of fidelity but a transtextuel dynamics that results in three inter semiotic links wich are resistance, deviation and extension. Thus filmic transposition becomes a language and the adaptation a kind of speech

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

21

M'hammed, Oubella Abdelkrim. "L'adaptation cinématographique des romans de Tahar Ben Jalloun: L'Enfant de sable, La Nuit sacrée et la Prière de l'absent." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2008. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210449.

Full text

Abstract:

L’Adaptation cinématographique des romans de Tahar Ben Jelloun :“L’Enfant de sable”, “La Nuit sacrée“, “La prière de l’absent”

Trois volumes, pp. 429 + 220 (Annexes).

Cette thèse porte sur l’analyse des tenants et des aboutissants de deux longs-métrages de fiction inspirés par l’œuvre de l’écrivain Tahar Ben Jelloun, à savoir La Nuit sacrée (1993) du Français Nicolas Klotz et La Prière de l’absent (1994) du Marocain Hamid Bénani.

Compte tenu du fait que le 7e Art s’est intéressé depuis toujours à tous les genres littéraires, l’auteur s’est attaché à explorer la dynamique intrinsèque des romans et des films qui font l’objet de ce travail, tout en mettant en relief les rapports que le cinéma entretient avec les représentations socioculturelles issues de ce croisement. Plutôt que se s’enfermer dans une seule démarche méthodologique, le choix a été opéré de s’ouvrir à plusieurs types d’investigation, de façon à mieux prendre en considération les spécificités des œuvres abordées.

Le premier volume de la thèse s’ouvre sur un survol de l’histoire de la littérature maghrébine d’expression française, en général, et marocaine, en particulier, et retrace son évolution, de même que les obstacles qu’il lui a fallu surmonter pour tenter de s’imposer, et qu’elle doit du reste encore surmonter de nos jours.

Après quoi, il est procédé à la définition des différents paramètres des trois romans de Tahard Ben Jelloun, à travers les fonctions et fonctionnements des composantes paratextuelles que sont les titres, les incipits et les clausules des corpus en question. Il s’agit, à ce stade, de démontrer qu’il existe une forte motivation entre ces éléments – souvent considérés comme marginaux – et le texte proprement dit.

Le travail se penche ensuite sur l’étude de chaque roman séparément, selon une approche correspondant à la nature particulière qui s’en dégage.

Après un panorama historique de la cinématographie marocaine et une brève présentation du parcours respectif des cinéastes Nicolas Klotz et Hamid Bénani, le deuxième volume se concentre, pour sa part, sur l’approche des films annoncés dans le cadre de cette étude.

L’analyse du travail d’adaptation débute par la distinction qui s’impose entre la littérature et le cinéma, aussi bien du point de vue productif que réceptif, via la mise en lumière des caractéristiques propres à ces moyens d’expression artistique. S’il apparaît légitime de confronter le cinéma et la littérature, il faut éviter de s’enfermer dans un comparatisme valorisant l’un au détriment de l’autre, sans jamais perdre de vue tout ce qui différencie ces deux formes d’écriture et les publics auxquels elles s’adressent.

Le moteur principal du travail étant l’étude du processus d’adaptation cinématographique, l’auteur s’engage par ailleurs à mettre en perspective les expériences adaptatives retenues dans ces pages, afin de les saisir sous plusieurs angles et divers niveaux de sens imbriqués, mêlant fait culturel et activité artistique.

Toute adaptation n’étant jamais que l’une des nombreuses interprétations possibles du texte originel, l’essentiel est ici d’observer, au-delà des convergences et des divergences existant entre le film et le roman, quels sont les enjeux et les objectifs de La Nuit sacrée de Klotz et de La Prière de l’absent de Bénani. À cet effet, l’accent est mis sur le concept de transfert historico-culturel cher à Michel Serceau, où le contexte sociohistorique et les conditions de fabrication jouent un rôle déterminant pour l’appropriation de l’œuvre littéraire.

Ainsi, parallèlement à l’élucidation des techniques de fabrication des films, une grande importance est accordée aux contextes historique, culturel et artistique dans lesquels ils ont vu le jour, afin de mettre en lumière la singularité du regard que chacun des réalisateurs porte sur la production du romancier. La thèse montre par là comment ces adaptations, qui émanent d’approches et de transferts bien distincts, au niveau du contexte comme des codes culturels, ont donné lieu à deux films aux différences très marquées, tant sur le plan thématique que qualitatif.

Outre la bibliographie, la filmographie et un index des noms figurant à la fin du manuscrit principal, les annexes qui composent le troisième volume offrent un fac-simile des scénarios originaux de La Nuit sacrée et de La Prière de l’absent, suivi du découpage séquentiel des deux films et de la transcription d’entretiens inédits avec les réalisateurs Nicolas Klotz et Hamid Bénani, ainsi qu’une sélection d’articles de presse.

Doctorat en Information et communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

22

Shi, Yeting. "L'adaptation des pièces comiques du théâtre français au cinéma." Thesis, Bordeaux 3, 2015. http://www.theses.fr/2015BOR30013/document.

Full text

Abstract:

Chaque année en France, les films adaptés des œuvres littéraires forment une partie importante des sorties cinématographiques, parmi lesquelles nous remarquons souvent les films adaptés des pièces de théâtre comiques. En effet, dès sa naissance, le cinéma est lié étroitement au théâtre, surtout aux pièces comiques. Les cinéastes ont puisé leurs inspirations aussi bien dans les pièces classiques (L’Avare, La Fausse Suivante, Cyrano de Bergerac, etc.) que les pièces modernes (La Cage aux folles, Le Dîner de cons, Le Prénom, etc.), en passant par les vaudevilles (Un Chapeau de paille d’Italie, Un Fil à la patte, etc.), les café-théâtre (les pièces du Splendid) et les pièces de Sacha Guitry et de Marcel Pagnol qui ont vécu la prospérité du théâtre filmé. Le théâtre et le cinéma, tous deux arts de spectacle, partagent énormément de points communs et gardent également de nombreuses différences. Ils se mélangent, s’influencent et se critiquent. Les spectateurs regardent la représentation théâtrale avec une vision « cinématisée » sans en avoir conscience. À l’inverse, nous déployons la théâtralité dans chaque séquence de film. Dans le cadre comique, quelle est donc la relation entre le cinéma et le théâtre ? Les ressorts du comique de théâtre sont-ils les mêmes au cinéma? Quels effets donnent-ils ? L’étude de l’adaptation des pièces comiques de théâtre au cinéma dans la période définie par notre corpus nous permet de voir les principes du travail de l’adaptation et de saisir le changement de la relation entre le théâtre et le cinéma au fil du temps. Ce changement nous laisse entrevoir la procédure de maturation d’un jeune art — le cinéma. Les valeurs esthétiques que nous avons dégagées dans ce travail nous aideront à comprendre d’une façon profonde les arts de spectacle, tandis que la valeur sociale du film adapté nous fera réaliser la nécessité de ce travail d’adaptation
Every year in France, plenty of new movies are adapted from literary works, among them, we can often notice the films adapted from comic plays. Indeed, since its invention, the cinema is closely related to the theater, especially to the comic plays. The filmmakers try to find their inspiration in classic plays (The Miser, La Fausse suivante, Cyrano de Bergerac, etc.) as well as modern plays (La Cage aux Folles, Dinner of Fools, The First Name, etc.) but also in vaudeville (Un chapeau de paille d’Italie, Love on the Rack, etc.), in dinner theater (the plays of the Splendid) and in the plays of Sacha Guitry and Marcel Pagnol, who experienced the boom period of « théâtre filmé ». As two performing arts, theater and cinema share a lot of common points but have also many differences. They influence each other. The audience, unconsciously, watches the theatrical performance with a « cinématisée » vision. Conversely, we deploy theatricality in each sequence of the film. In the comic plays, what is the relationship between cinema and theater? Are the comic elements of theater the same as those in cinema? What effects do they give? The study of the adaptation of comic plays to the cinema in the period defined by our corpus lets us see the principles of adaptation and know the change in the relationship between theater and cinema. This change shows us the maturing process of a young art —the art of cinema. The aesthetic values that we have reveald in this work will help us understand the performing arts in a deep way, and the social value of an adapted film will let us realize the need of this adaptation

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

23

Mahmoudian, Eléonore. "Etude de l'adaptation cinématographique des textes de Hayashi Fumiko par Naruse Mikio." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCF006.

Full text

Abstract:

Au début des années 1950, le cinéma japonais achève de se remettre des restrictions d'abord imposées par le régime militariste, puis entraînées par la défaite du pays. L'industrie cinématographique prospère rapidement et puise dans la littérature des histoires pour les films qu'elle doit produire à une cadence toujours plus élevée afin de répondre à la demande des salles de cinéma. C'est dans ce contexte que Naruse Mikio (1905-1969) a réalisé six films inspirés de textes de Hayashi Fumiko (1903-1951). Ces films sont représentatifs tout à la fois des relations que les institutions littéraires et cinématographiques entretenaient à l'époque où les films ont été réalisés, du rôle joué par la littérature dans la politique de production des studios de cinéma et de la façon dont l’adaptation était perçue par la critique de cinéma.Mais outre la présentation de ces aspects contextuels et historiques, l'objectif de cette thèse est de dégager des pistes qui aideraient à appréhender l'œuvre de Naruse Mikio à travers l'examen des choix qu'il opère lors du processus d'adaptation, que ce soit au niveau du sujet, de la construction du récit, ou encore de la mise en scène. Naruse parvient à trouver un équilibre entre ses ambitions formelles et les exigences du récit en élaborant avec virtuosité un style effacé ou « invisible ». Pour tenter d'en faire ressortir les particularités, notre effort s'est concentré sur l'analyse des éléments de notre corpus (films, textes et scénarios). Dans cette entreprise, les textes de Hayashi constituent un référent précieux qui aide à déterminer les rapports que le cinéaste entretient avec son sujet, avec le scénario ou encore avec les contraintes inhérentes au cadre dans lequel il travaille
In the early fifties, the Japanese film industry had almost recovered from the restrictions imposed first by the military regime and then from Japan’s defeat in the Pacific War. The industry then prospered rapidly and found in literature the stories needed in order to produce enough movies to comply to the always growing demand of the cinemas. It was in this context that Naruse (1905-1969) realized six movies inspired by Hayashi Fumiko's (1903-1951) works. These movies are exemplary of the relationship between literary institutions and the film industry at the time they were shot. They are also typical of the importance of literature in the production policy of the diverse film studios as well as the manner movie critics received these screen adaptations.Besides the presentation of the contextual and historical aspects, our objective is to identify ways which would help to discover Naruse Mikio's works through the filter of choices made by him at the time of the adaptation, be it when choosing the topic, the story construction or the stage direction. Naruse was able to find a balance between his formal ambitions and the requirements of the story by skillfully elaborating a subdued or “invisible” style. In order to highlight the singularities of his personal style, we have concentrated our effort on the analysis of the diverse elements of our corpus: the films, texts and scripts. In this endeavour Hayashi’s writings are a precious point of reference helping us to determine the precise nature of the relationship the film director had with his subject, with the script as well as the constraints imposed by the frame he was working in

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

24

Letort, Delphine. "Du film noir au néo-noir : mythes et stéréotypes en représentation : (1941-2001)." Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20020.

Full text

Abstract:

Les années quarante ont vu l'émergence d'un mouvement esthétique original que le film noir synthétise en se démarquant des conventions alors en vogue à Hollywood. Surveillé par la censure en raison du contenu subversif qui le caractérise, le film noir convoque une série de stéréotypes dont l'étude nous permet de mesurer l'influence du politique et de l'idéologique sur son mode de représentation. Structures narratives et mode de représentation travaillent de concert à la création d'une mythologie (la femme est fatale tandis que le héros est dit "hard boiled") que l'industrie cinématographique va abondamment exploiter dans sa stratégie commerciale. Le film noir révèle l'instabilité des codes qui servent à représenter le féminin et le masculin, suggère l'ambiguité des désirs qui poussent à l'acte meurtrier, fouille l'inconscient des êtres en proie à des pulsions morbides à travers les lumières contrastées qui composent l'espace. La criminalité apparaît comme le symptôme d'une véritable crise d'identité sociale et individuelle, semant dès les années cinquante les racines d'un mal que l'on voit exploser dans la violence du polar et du film néo-noir. Modernité et postmodernité ont affecté la relation de l'individu à l'espace social, à lui-même, comme elles ont transformé le statut de l'image dans la société. Le film noir et ses avatars trahissent les angoisses qui accompagnent une évolution incontrôlable, remplissent toujours une fonction politique à l'intéérieur du pays, invitant à un questionnement des valeurs individuelles et collectives à travers l'investigation de crimes dont l'horreur va croissante. Le film néo-noir interroge directement la culture et la civilisation postmodernes, s'amuse à déconstruitre les codes cinématographiques du film noir afin de mettre l'accent sur l'artificialité de la construction des images qui nous entourent et nous représentent, mais dont les enjeux nous échappent
Classical Hollywood narratives are characterized by a set of conventions which film noir shattered as it emerged in the 1940s. Not only did the newly born genre disrespect the realist effect that ruled representation in classical films while playing upon mise en scene, but it also proved quite subversive as far as content is concerned. It relied on a series of stereotypes (the femme is fatale while the hero is hardboiled) that need to be recognized and analyzed in order to understand why film noir was closely watched by censorship. No doubt the political power of film noir was enhanced by its narrative structure and its mode of representation, implicitly referring to mythological narratives and figures, which the film industry also endowed with a commercial purpose. Film noir plays on the expressionist quality of black and white in order to express the ambiguity of desires leading individuals to the margins of crime, thus emphasizing that instabilities of gender were already incipient in the forties. Violence has pervaded the genre while laying stress on the urban crisis and expressing the psychological conflicts undermining the individual's sense of identity. The study of crime and violence in film noir and neo-film noir allows us to understand how modernity and postmodernity have affected the relationship of the individual to his environment and to himself. Film noir echoes the troubles caused by the transformation of society into a modern world whereas neo-film reflects the social and identity crisis triggered by a postmodern state and a new cultural and economic order. Postmodern aesthetics questions the rules of cinematic representation while deconstructing the genre, thus demystifying the American set of values vulgarized by Hollywood films and cinema itself

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

25

Kremser-Dubois, Sabine. "Satire ou éloge – et de quoi ? Le théâtre de Carl Sternheim : 1910-1922, Écriture dramatique, pratique scénique, réception." Montpellier 3, 2005. http://www.theses.fr/2005MON30065.

Full text

Abstract:

Le théâtre de Carl Sternheim (1878-1942) a été longtemps considéré comme une satire de la bourgeoisie wilhelminienne. En 1963, se référant à l'auteur lui-même, W. Emrich affirma que ce théâtre serait " l'exact contraire de la satire " et un encouragement adressé à chacun à développer sa propre " nuance ". Depuis lors, ce point capital reste controversé. La thèse confronte ces positions à propos des sept pièces écrites entre 1910 et 1922 et regroupées en fonction de leur thématique – en étudiant leur genèse, leur schéma actantiel et les textes eux-mêmes. Elle y associe une analyse des pratiques scéniques à partir des comptes rendus parus dans la presse et des versions filmées. La thèse aboutit à la conclusion que ce théâtre est certes un éloge de l'individualisme – ce qui a suscité des interprétations divergentes et l'incompréhension fréquente du public ; il n'en a pas moins une dimension satirique visant non pas une classe sociale en particulier mais tout comportement stéréotypé
Carl Sternheim's drama (1878-1942) has long been considered as a satire of German bourgeoisie under Wilhelm II. In 1963, referring to the playwright himself, W. Emrich stated that this drama is “the very opposite of satire” and an incentive for everyone to bring out his/her own “nuance”. Since then, this major point has been much debated. This dissertation confronts those contradictory appreciations, through the analysis of seven plays written between 1910 and 1922 and studied together according to their themes, examining their genesis, their “schema actantiel” and the texts themselves. It also resorts to the analysis of staging practices presented in press reviews or to film adaptations. This dissertation concludes that these plays extol individualism – which has led to differing interpretations and to a frequent lack of understanding from the public; it nevertheless has a satirical dimension which is not directed at a social class in particular but at any stereotyped behaviour

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

26

Omer, Ibrahim Babiker Asia. "Écriture romanesque, écriture cinématographique : le cas du "Hussard sur le toit" de Jean Giono et de son adaptation au cinéma par Jean-Paul Rappeneau." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCC029.

Full text

Abstract:

La thèse porte sur l’adaptation cinématographique d’une œuvre littéraire considérée comme inadaptable, Le Hussard sur le toit de Giono, paru en 1951. Le roman de Giono et le film de Jean-Paul Rappeneau, sorti en 1995 et portant le même titre sont tous les deux une représentation fictionnelle d’un passé historique. Le roman et le film racontent l’histoire d’un exilé politique italien qui se conduit en héros généreux lors d’une épidémie de choléra au XIXe siècle en France, mais ils utilisent des codes différents et ont chacun des éléments constitutifs spécifiques. Notre démarche a eu pour but de savoir quelles sont les logiques respectives du récit romanesque et du récit cinématographique. Pour cela, après avoir défini l’adaptation, nous avons situé le roman et sa signification dans l’oeuvre de l’auteur, puis nous avons dégagé les caractéristiques de l’univers romanesque de Giono, qui écrit souvent à la manière d’un cinéaste. Nous avons étudié le film du point de vue des étapes successives de sa réalisation, du scénario au tournage et au montage, en montrant quelles étaient ses techniques et comment la diffusion a été faite. Nous avons ainsi montré qu’il y avait plusieurs transcodages du texte au film. Nous avons comparé les deux récits et nous avons trouvé que le cinéaste doit répondre à des contraintes techniques, et structurer en fonction du médium filmique. Rappeneau fait des transformations et met en valeur l’histoire d’amour du roman, en conservant son esthétique. Il propose donc sa lecture de l’œuvre et son interprétation. Le cinéma permet de découvrir de nouvelles œuvres, celles qu’il réalise et aussi celles qu’il adapte. Il permet ainsi d’initier à la culture. Ces aspects sont très importants dans la transmission d’une langue, en particulier le FLE dans le contexte soudanais. C’est pourquoi nous proposons une exploitation didactique basée sur notre expérience à l’université. L’analyse littéraire et filmique sont des moyens pour transmettre et comparer la langue et la culture, faire connaître une société et renforcer la motivation dans une ambiance de plaisir. Ce sont des sources de connaissance et de savoir-faire
The thesis is about the cinematographic adaptation of a literary work considered as inadaptable, The horse man on the roof published by Giono in 1951.The novel of Giono and the film of Rappeneau (released in 1995 with the same title) are both a fictional representation of a historical past.The novel and the film tell the story of an Italian political exile who behaves like a generous hero during a cholera epidemic in the nineteenth century in France. They use different codes and each have specific constituents.Our aim was to find out what are the respective logics of the fictional narrative and the cinematographic narrative. For this, after having defined the adaptation, we have located the novel and its meaning in the author's work, and then we have revealed the characteristics of the romantic universe of Giono, who often writes in the manner of a filmmaker. We studied the film from the point of view of the successive stages of its realization, from scenario to filming and editing, showing what were its techniques and how the diffusion was made.We thus showed that there were several transcodings of the text to the film. We compared the two stories and found that the filmmaker must respond to technical constraints, and structure according to the filmic medium.Rappeneau transforms and highlights the love story of the novel, while maintaining its aesthetic. He therefore proposes his reading of the work and his own interpretations. The cinema makes it possible to discover new works, those that it realizes and also those that it adapts. It allows initiating to culture. These aspects are very important in the transmission of a language, especially FLE in the Sudanese context.That is why we offer a didactic exploitation based on our experience at the university. Literature and film analysis are means to transmit and compare language and culture, to make a society known and it also reinforce motivation in an atmosphere of pleasure. They are sources of knowledge

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

27

Marguet, Damien. ""Traduire en images" ? poétiques du film et de la lettre chez Pier Paolo Pasolini, Danièle Huillet et Jean-Marie Straub, et Béla Tarr." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA053.

Full text

Abstract:

Lors de la préparation de L’Évangile selon Matthieu (1964), Pier Paolo Pasolini indique dans une lettre au théologien Lucio Caruso qu’il ne souhaite pas adapter le texte biblique mais le « traduire fidèlement en images ». Adapter une œuvre littéraire pour le grand écran consiste généralement à en extraire un « contenu » à partir duquel un scénario sera développé. Or, c’est à l’œuvre matthéenne que le cinéaste souhaite nous ramener, non à l’histoire du Christ. Il va ainsi s’attacher à traduire la poésie du texte au moyen du cinéma. Le concept de traduction auquel Pasolini fait appel ne désigne-t-il pas un mode de relation aux œuvres dont pourraient relever d’autres films réalisés à partir de sources écrites ? C’est ce que cette thèse entend vérifier en rapprochant l’expérience de L’Évangile du travail entrepris par Danièle Huillet et Jean-Marie Straub à partir de plusieurs textes et de la relation entretenue par le cinéma de Béla Tarr aux écrits de László Krasznahorkai. À travers ces démarches apparaît la possibilité d’une altération formelle du film par le texte. Elles nous font passer du régime de la translation, qui sous-tend la majorité des théories de l’adaptation, à ceux de la reprise et de la métamorphose. Que ce concept de traduction puisse éclairer certains aspects de la pratique cinématographique, c’est ce que je chercherai simultanément à démontrer. La vision d’un film tient d’une énonciation continue où s’éprouve la langue. Aussi, envisager le cinéma comme un espace traductif, c’est y voir un lieu possible de redistribution des positions et de reconfiguration des énoncés. Cette poétique du traduire est une politique, qui engage une conception de la création artistique
During the preparation of The Gospel According to Matthew (1964), Pier Pasolini stated in a letter to theologian Lucio Caruso that he did not want to adapt the biblical text, but wished to “translate [it] faithfully into images”. To adapt a literary work onto the big screen usually consists in extracting out of it a “content” from which a script can then be developed. But Pasolini’s intent was to take us back to the text of the gospel, not to the story of Christ – hence his endeavour to translate the text’s poetry by means of cinema. The concept of translation invoked by Pasolini denotes a certain mode of relationship to a given work. Could this mode pertain to other films derived from written sources? This is what will be investigated in this thesis, by bringing together the experience of The Gospel According to Matthew and two other approaches: on the one hand, the works by Danièle Huillet and Jean-Marie Straub based on various texts; on the other hand, the relationship between Béla Tarr’s cinema and László Krasznahorkai’s writings. Through these processes emerges the idea of a possible alteration of the film’s form by the text. From the rule of translation, which underlies most of the theories of adaptation, we move to the rule of reprise and metamorphosis. I will also try to demonstrate that this concept of traduction can shed light on some aspects of the practice of filmmaking. The viewing of a film is a continuous enunciation where the language is being experienced. Therefore, to consider cinema as a translative space is to perceive it as a place where positions can be dealt anew and utterances reshaped. This translative poetics is actually a politics, and one which affects our conception of artistic creation

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

28

Sebbah, Alain. "L'écran séducteur ou Le personnage du libertin et son adaptation à l'écran dans le cinéma européen des années 1960 aux années 1990." La Réunion, 1999. http://elgebar.univ-reunion.fr/login?url=http://thesesenligne.univ.run/99_17_Sebbah.pdf.

Full text

Abstract:

Qu'advient-il du libertin, personnage romanesque du XVIIIe siècle, adapté par le cinéma ? Le libertin, personnage littéraire, déborde les limites des textes où il apparaît. Jouant de son savoir pour entraîner sa victime à la faute il prétend, tout en cherchant l'impunité détruire et posséder l'innocence. Portant un masque qui dupe sa victime et donne le change à une société conformiste, tel un comédien, il déploie ses ruses et ses exploits sur des scènes diverses. Le libertin réunit donc en lui des postulations contraires. Il n'est pas surprenant de le trouver associé aux scénarios de l'initiation comme aux figures mythiques de la séduction ou Protée, modèle de l'être insaisissable. Personnage ambigu, polymorphe, pervers, qui se sert des armes d'Eros et remet en cause les représentations trop univoques de l'être humain, le libertin ne pouvait que toucher notre siècle et, par conséquent' le cinéma. Des années 1960 aux années 1990, Les liaisons dangereuses ont été adaptées quatre fois (R. Vadim, C. Brabant, S. Frears, M. Forman). Casanova apparaît dans trois films de notre corpus (Federico Fellini, Ettore Scola, Luigi Comencini), Pasolini met en scène Sade en interrogeant "l'anarchie du pouvoir" dans Salo, ou les Cent Vingt journées de Sodome. Louis Malle en 1958 (Les Amants, Tirés de Point de lendemain de Vivant Denon), Peter Greenaway en 1975 (Meurtre dans un jardin anglais) racontent de façon diamétralement opposée les rapports entre le libertin et la société. Si la lecture des cinéastes transforme le personnage du libertin (mais aussi l'Histoire, l'idéologie et les partis pris esthétiques), aucun cinéaste ne peut échapper à l'évocation des mythes dans les films qu'il adapte des œuvres libertines. La mythocritique est donc ici d'un grand secours. Ajoutons que, selon que la réception du cinéaste-lecteur opère ou non un traitement réaliste, le personnage du libertin meurt ou survit. Car il est essentiellement un être fictif, le sujet d'une fable, un protagoniste mythique que l'ancrage dans une réalité trop précise détruit. C'est donc essentiellement comme figure mythique qu'il se trouve investit par des cinéastes très divers.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

29

Flayeux, Jean-Pierre. "L'amérindien et ses représentations cinématographiques : du mythe à l'anthropologie ?" Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1996PA030041.

Full text

Abstract:

Des sa decouverte, christophe colomb a represente l'amerindien en l'interpretant, en y apportant de nombreuses modifications qui correspondaient a sa vision, a sa facon de penser. Celles-ci se sont etablies dans les ecrits, les dessins, les photographies et les films. A travers une etude anthropologique, l'indien et ses differentes images seront analysees afin de comprendre de quelles facons un personnage a pu etre transforme a ce point et se retrouver reduit a quelques signes, a quelques indices qui effacent toutes les autres caracteristiques. Ainsi, quelques tribus seulement sont utilisees au cinema afin de preserver cette image deja tronquee. De toute facon, le public prefere reconnaitre que connaitre cette image qui le fait rever meme si elle n'est pas authentique
As soon as christopher columbus discovered america, he described the native american but he miscontructed him, modified him according to his view, to his way of thinking. Those modifications have been established in writings, drawings, photographs and movies. Through an anthropological study, the indian and his different images will be analysed in order to understand how such a character could have been transformed to this level, how he gets reduced to some signs, to a couple of hints which erase all the other features. Only few tribes can be noticed in films in order to preserve this already mutilated image. Anyway, the audience would rather recognize than knowing it which makes the spectator dreaming even if the image is not genuine

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

30

Plana, Muriel. "La relation roman-théâtre des lumières à nos jours, théorie, études de textes." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030050.

Full text

Abstract:

Parcourant les deux derniers siecles de l'histoire litteraire europeenne, cette these apprehende theatre et roman a travers leur relation, d'un point de vue historique et anti-essentialiste. Synthese theorique et etude de textes-limites ; (de sade, ami radcliffe, alexandre duval, hugo, balzac, concourt, zola, dostoievski, camus, duras, aragon et vitez) ainsi que d'oeuvres theoriques problematiques (rousseau, mallarme, brecht), elle raconte et interprete la relation entre ces deux genres, qui se nourrissent l'un l'autre par des emprunts plus ou moins explicites de formes ou de normes (adaptation theatrale, dramatisation du roman, romanisation du theatre, epicisation brechtienne, theatre-recit). En effet, theatre et roman se pensent et se definissent sans cesse mutuellement, comme le prouvent maints exemples de theatralite romanesque ou encore la fascination croissante qu'exerce le roman sur le theatre ecriture et scene. Grace a la mise en rapport de concepts anciens (elabores par bakhtine, lukacs, szondi, barthes. . . ), plus recents (sarrazac) ou personnels et des oeuvres etudiees, ce travail defend l'idee que theatre et roman ne sortent des differentes crises formelles qu'ils traversent qu'en assumant la part de l'autre en soi - ce qui leur permet d'evoluer et de s'inscrire, malgre certaines resistances, dans la construction esthetique et ideologique de la modernite
Covering the two last centuries of european literary history, this thesis deals with theatre and novel through their relationship from a historical and anti-essentialist point of view. Theoretical synthesis and study of problematical texts (by sade, ann radcliffe, alexandre duval, hugo, balzac, goncourt, zola, dostoievski, camus, duras, aragon and vitez) and theoretical works (by rousseau, mallarme and brecht), it tells and interprets the relationship between two genres which provides each other with more or less explicit borrowings concerning norms and forms (theatrical adaptation, dramatization of the novel, novelistic influences on theatre, brechtian epic theatre) theatre and novel continually define each other; it appears in many examples of + theatrality ; inside the novel or in the increasing fascination that novel inspires to theatre, in writing and on stage. Confronting former (by bakhtine, lukacs, szondi, barthes), recent (sarrazac) or personal concepts to the works under study, this thesis tends to show that theatre and novel overcome the different formal crisis they pass through only by accepting the part of the other within what allows them to evolve and, despite some resistances, to take part in the aesthetic and ideological building of modernity

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

31

Blanchet, Alexis. "Les synergies entre cinéma et jeu vidéo : histoire, économie et théorie de l'adaptation vidéoludique." Thesis, Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100106.

Full text

Abstract:

L’étude des synergies entre cinéma et jeu vidéo révèle que l’adaptation de fictions cinématographiques en jeux vidéo est un objet majeur des relations entre les deux médias. L’adaptation interroge l’adaptabilité et le devenir des univers de fiction cinématographiques développés par les industries du divertissement sous forme de « gammes multimédias ». Cette thèse vise à montrer comment se mettent en place depuis les années 1970 des processus de diversification et d’industrialisation de la fiction cinématographique en jeux vidéo qui changent les manière de penser et de recevoir la fiction. L’analyse statistique de données recueillies sur les 469 films adaptés en jeu vidéo depuis 1975 fait apparaître les tendances de production de l’industrie cinéma dans ce type de synergies. Ainsi, avec la généralisation de ce type de développements simultanés, le déterminisme des récits cinématographiques est souvent mis à mal voire contredit par les trames narratives développées par les récits vidéo-ludiques et un même univers de fiction apparait désormais au public comme mouvant et toujours susceptible d'être redéfini. La notion de fiction quantique visera à donner un cadre de production et de réception à ces procédés contemporains d’industrialisation et de diversification de la fiction
Studying relationships between cinema and video game shows that video game adaptations of movies is a major fact of this kind of synergies. Adaptation question the adaptability and evolution of fiction film worlds developed by the entertainment industry as “multimedia ranges”. This Phd aims to show how the process of diversification and industrialization in the fiction film takes place since the early 1970’s. The analysis of statistical data on video game adaptation of 469 movies since 1975 shows some production trends by the film industry on such synergies. Thus, with the widespread use of such simultaneous developments, the determinism of film narratives is often undermined or contradicted by the video game plots. Fictional worlds now appear as shifting and undefined as ever to audiences. The notion of quantum fiction aims to provide a framework of production and reception to the contemporary processes of industrialization and diversification of fiction

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

32

Fortin, Maria. "De pré-textes en prétextes : Le cinéma d'Arturo Ripstein." Thesis, Littoral, 2015. http://www.theses.fr/2015DUNK0420.

Full text

Abstract:

Ce travail de recherche propose d'étudier le cinéma d'Arturo Ripstein, et se concentre plus particulièrement sur un corpus de films, tous élaborés à partir d'oeuvres préexistantes. La notion de "pré-texte" fait référence à ces dernières, dont l'origine est dans la plupart des cas littéraire, mais aussi cinématographique. L'analyse des réélaborations ripsteiniennes entend mettre en avant le prétexte qui se cache derrière le recours au pré-texte. En d'autres termes, il s'agit, pour chacun des huit films sélectionnés, de dévoiler le message que l'artiste a souhaité véhiculer, ou l'intention sous-jacente de l'acte créatif. La dialectique local/global traverse l'ensemble de la thèse. Elle est d'abord visible à travers son architecture , dans la mesure où notre travail part des pré-textes mexicains, puis s'intéresse aux productions du Tiers monde, pour terminer avec les pré-textes issus de la culture européenne. Mais nous avons aussi souhaité la mettre en évidence en évoquant, au sein des différentes parties, les phénomènes d'intertextualité, d'interfilmicité, et les stratégies de production, qui octroient au cinéma de Ripstein une dimension transnationale
This research explores Arturo Ripstein's cinema, and focuses more particularly on a corpus of films which are all based on pre-existent works. The notion of "pre-text" refers to the latter, whose originsare in most cases leterary, but also cinematographic. The analysis of Ripstein's reworking saims at highlighting the pretext hiding behind the use of the pre-text. In other words, for each of the eight selected movies, we try to reveal the message the artist wished to convey, or the underlying intention of the creative act. The local/global dialectic is present throughout the whole thesis. It is first visible in its structure, given that our work takes as its starting point Mexican pre-texts, then examines Third World productions, and finally the pre-texts originating in European culture. But this dialectic is also illustrated, in the different parts of our work, through the phenomena of intertextuality or interfilmicity, and the strategies of production give Ripstein's cinema a transnational dimension

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

33

Héricault-Mullaly, Laurence. "Julio Cortázar et Manuel Antin : littérature et cinéma argentins des années 60 : la problématique de l'adaptation." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2005PA040107.

Full text

Abstract:

Ce travail propose une analyse de trois longs métrages réalisés par Antin entre 1961 et 1964, adaptés de quatre récits fantastiques de Cortázar. L’analyse se fonde sur un recoupement des diverses méthodologies portant sur l’étude de l’adaptation d’une oeuvre littéraire au cinéma. Après une étude du contexte culturel de production de ces films et une approche de la spécificité de l’écriture cortazarienne, la thèse définit le pacte entre écrivain et réalisateur pour chacune des trois réalisations filmiques ainsi que le contexte de leur réception critique et publique. Cette étude permettra d’identifier les tensions éthiques et esthétiques qui marquent le passage d’un langage littéraire à un langage cinématographique. L’analyse se concentrera sur la progressive matérialisation de deux systèmes de pensées ayant en commun la fascination pour l’indicible. Julio Cortázar and Manuel Antin : Argentinian Literature and Cinema in the 1960's, the Problem of Adaptation
This work proposes an analysis of three feature films directed by Manuel Antin between 1961 and 1964, adapted from four of Julio Cortázar’s fantastic short stories. The analysis is based on the regrouping of various methodologies dealing with the study of the adaptation of a literary work to cinema. After a study of the cultural context of the production of these films and the approach to the specificity of Cortazarian writing, the thesis defines both the pact between the writer and director for each of the three films as well as the context in which the films were welcomed by the critics and the public. This study will allow us to identify the ethical and aesthetic tensions underlining the passage from a form of literary expression to a cinematographic expression. The analysis will concentrate on the progressive materialisation of two systems of thought that share a fascination for the ineffable

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

34

Guillaume, Astrid. "Ponthus et la belle Sidoyne et les rédactions a et b de Pontus und Sidonia : étude comparée." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040042.

Full text

Abstract:

La comparaison des variantes des manuscrits du roman en prose français Ponthus avec les variantes de deux de ses « traductions » allemandes du XVe siècle, Pontus und Sidonia A et B, a fait ressortir des différences linguistiques, syntaxiques, stylistiques, littéraires, religieuses, politiques et philosophiques ainsi que des divergences de mentalité qui ont permis de définir que les auteurs allemands n'avaient pas pu avoir pour modèle la même source, de préciser la sous-branche des manuscrits-modèles, de situer les ancêtres des modèles sur le stemma des manuscrits de Ponthus, de reconsidérer la datation de la rédaction B, d'esquisser le portrait des auteurs allemands et de leur public et de comprendre peut-être la raison de l'existence de deux « traductions » allemandes quasi simultanées du Ponthus français. De plus, cette étude comparée aura également montre que, tout en restant extrêmement fidèle au récit français, un « traducteur » parvient à orienter subtilement son texte, exprimant ainsi son originalité à des fins précises.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

35

Aidoudi, Wejdene. "Figures féminines dans l’œuvre de Zola : des romans aux films : lecture sémiologique." Thesis, Université de Lorraine, 2018. http://www.theses.fr/2018LORR0275/document.

Full text

Abstract:

Cette thèse de doctorat s’articule autour de trois axes. Elle a trait d’abord à la configuration de la sexualité féminine dans l’œuvre des Rougon-Macquart et dans son adaptation cinématographique. La recherche est ainsi centrée sur la représentation du corps féminin et de sa métamorphose dans l’œuvre romanesque zolienne ainsi que dans l’œuvre filmique correspondante. Quant au deuxième axe de recherche, il se rapporte à l’étude des photogrammes, des lexies au niveau de l’incipit et de l’excipit des romans zoliens et à partir de l’ouverture et du dénouement des adaptations qui en ont été faites. Les divergences entre les romans et leur mise en scène interrogent par ailleurs la question de la fidélité du cinéma à la littérature dont il s’inspire, qui reste jusqu’au jour d’aujourd’hui une question assez problématique. Une analyse des seuils filmiques et romanesques a été jugée ainsi fort utiles. Ces seuils s’avèrent un espace où le sens de la créativité et le don artistique du concepteur de l’œuvre filmique ou romanesque voient le jour. Au terme de notre recherche, nous avons constaté que la femme zolienne évolue dans un milieu où interfèrent le réel, l’imaginaire et le symbolique. Et c’est à à travers son rapport avec les lieux et les objets que cette femme accède au rang de figure. La métaphore animalière constitue ainsi l’essence même de la figuralité zolienne qui met en relief ces corps féminins et les dotent d’une présence mythologique. Finalement le naturalisme zolien est-il d’une veine expressionniste
This doctoral thesis is structered around three axes. It deals with the configuration Of the female sexuality in the work of Rougon-Maquart and it its film adaptation. The research is centered on the representation of the female body and its metamorphosis in Zola’s novel works as well as in the corresponding film works. As for the second axis of research, it relates to the study of photograms in the incipit and excipit of Zola’s novels and from the opening and settlements that have been made. The divergences between the novels and their staging also question the question of the film’s fidelity to the literature on which it is based , which remains a rather problematic issue until today. An analysis of filmic and novel thresholds was found to be very useful. These thresholds turn out to be a space where the creativitity and artistic gift of the designer of the filmic or romantic work are born . At the end of our research, we have noticed that Zola’s female evolves in a background where the real , imaginary and symbolic interfere. And it is through her contact with the settings and objects that she reaches the rank of a figure. The animal metaphor thus constitutes the very essence of Zola’s figurality which hilghlights these female bodies and endows them with a mythological presence. Finally is Zolian naturalism an expressionist vein ?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

36

Magalhaes, Catherine. "Fantasie et Théâtre : l'univers de Terry Pratchett en scène." Caen, 2013. http://www.theses.fr/2013CAEN1709.

Full text

Abstract:

Dans cette thèse, nous abordons les liens entre la fantasie, genre aux contours encore fluctuants et le théâtre en nous intéressant aux adaptations des romans de Terry Pratchett au théâtre. Terry Pratchett est un auteur britannique contemporain, réputé pour sa longue série de romans de fantasie, The Discworld Novels, qui comporte à ce jour plus d'une quarantaine d'ouvrages. Ses œuvres ont été adaptées de nombreuses fois, sous diverses formes : pièces de théâtre pour la scène mais aussi pour la radio, films, comédies musicales, dessins animés et même jeux vidéo. Cette recherche se concentre sur les dramatisations, dont le grand nombre de mises en scène ainsi que leur fréquence incitent à s'intéresser à ce phénomène. Notre analyse s'ouvre sur un examen des caractéristiques de ce genre, ainsi que des traits distinctifs de ce corpus, son ton humoristique, sa forte intertextualité et sa dimension satirique. Dans le passage de ce genre au théâtre, il lui faudra se plier aux codes scéniques sans perdre sa spécificité. Le processus d'adaptation apparaît comme une lecture sélective, une interprétation des œuvres originelles mais aussi comme une recherche théâtrale, l'élaboration d'une esthétique atypique
In this these, we tackle the links between fantasy, a genre with still fluctuating limits, and theatre, taking an interest in the adaptations of Terry Pratchett's novels to the stage. Terry Pratchett is a contemporary British author, famous for his longue series of fantasy novels, The Discworld Novels, consisting nowadays of more than forty books. His works were adapted several times to different supports: plays - for theatre and for radio - films, musicals, animated series and even video games. This study relies on the dramatizations, whose numerous and frequent stagings encourage the researcher to look into this phenomenon. Our analysis begins with the examination of the characteristics of this genre and of this particular a body of works, known for their humour, their high intertextuality and their satirical aspect. During the transformation from novels to plays, these works will need to take into account theatre conventions without losing their particularity. The process of adaptation appears to be a selective reading, an interpretation of the original works, but also a theatrical research and the construction of a atypical aesthetics

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

37

Preto, Antonio. "Manoel de Oliveira : cinéma et littérature." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070089.

Full text

Abstract:

Commencé du temps du muet et se poursuivant jusqu'à nos jours, le parcours créatif du réalisateur portugais Manoel de Oliveira a accompagné les plus importantes transformations de l'histoire du cinéma. Le rapport avec la littérature est une des dimensions les plus originales de cette œuvre ainsi qu'un des angles d'étude qui permet de mieux en dégager les aspects les plus originaux, sans pour autant réduire l'hétérogénéité des réalisations à un ensemble stabilisé. La multiplicité des interrogations esthétiques et épistémologiques qui guident l'approche oliveirienne des objets littéraires oblige à repenser la notion d'adaptation, à réévaluer les frontières entre théâtre et cinéma ainsi qu'entre documentaire et fiction
Started at time of mute cinema and coming until the present days, the creative course of Portuguese director Manoel de Oliveira has accompanied the most important transformations of cinema history. The relation with literature is one of the most original dimensions of this work and one of the angles of approach that permits to appreciate his most distinctive configurations, without reducing the heterogeneity of the realisations to a stabilized body of work. The multiplicity of aesthetical and epistemological interrogations that guide the approach of Oliveira to literary objects forces to rethink the notion of adaptation and to revaluate the boundaries between theatre and cinema, documentary and fiction

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

38

Kac-Vergne, Marianne. "La reconstruction de la masculinité hégémonique dans les genres hollywoodiens contemporains (1980-2005)." Poitiers, 2010. http://www.theses.fr/2010POIT5006.

Full text

Abstract:

L'étude des représentations de la masculinité de 1980 à 2005 dans cinq genres hollywoodiens contemporains (la comédie romantique, le film de gangsters, le film de guerre, le western et la science-fiction) révèle une volonté de reconstruction de la masculinité hégémonique qui passe par des stratégies différentes selon les époques. Si l'ère Reagan a largement initié cette reconstruction, celle-ci passe paradoxalement dans les années 1980 par la victimisation de l'homme blanc, qui adopte ainsi une stratégie propre au départ aux minorités et rejette le plus souvent la société qui l'entoure. Or, on assiste dans les années 1990-2000 à un changement dans les représentations de la masculinité : les hommes sont présentés comme « normaux », réintégrés dans une société dont ils sont des membres « comme les autres », un discours qui permet de masquer la domination de l'homme blanc dans la société américaine. Cependant, certains films de la fin de notre corpus remettent en cause la reconstruction de la masculinité par les genres et les modèles masculins que proposent ces derniers. Le lien étroit entre genres cinématographiques et identité masculine peut-il engendrer une masculinité alternative au modèle hégémonique ?
A close analysis of the representations of masculinity from 1980 to 2005 in five Hollywood genres – romantic comedies, gangster films, war films, science-fiction and westerns – reveals a drive to rebuild hegemonic masculinity. The strategies differ according to the context. Although the Reagan era triggered the reconstruction, 1980s public discourse tended to present the white male as a victim at odds with society, paradoxically applying a minority discourse to the hegemonic position. But in the 1990s-early 2000s, the strategy changed – men were now presented as “normal”, responsible and ordinary members of society, devoid of any specific privileges, thus masking the white male’s position of power in American society. However, a number of films released in 2005 call into question the generic drive to rebuild masculinity and the masculine ideals offered by Hollywood genres. Can the binding connection between genres and masculinity give birth to an alternative to the hegemonic model ?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

39

Hudelet, Ariane. "Images du corps et corps imaginaires : les romans de Jane Austen et leurs adaptations filmiques." Paris 7, 2003. http://www.theses.fr/2003PA070034.

Full text

Abstract:

Les années 1990 ont connu une multiplication soudaine des adaptations filmiques des romans de Jane Austen. Malgré la diversité de ces films (films de cinéma et de télévision, britanniques, américains et indiens, films en costumes et actualisations), un aspect semble les rapprocher : la place prépondérante accordée au corps, que cela se traduise par une attention au détail historique ou par la mise en avant des relations de désir et de séduction entre les personnages, voire d'une réelle sensualité. Cette thèse explore l'apparent paradoxe que représente cette insistance sur le corps dans des adaptations de romans réputés, au contraire pour leur " manque de corps ". L'étude du corps des personnages et de son rôle expressif ouvre sur la question centrale de la perception et de la connaissance dans les romans et dans les films, sur la dimension idéologique de ce traitement du corps, ainsi que sur les relations entre corpus et corps du lecteur / spectateur dans le processus de réception des œuvres
One of the main characteristics of the recent spate of Austen adaptations in the 1990s, in spite of their many differences, seems to be their emphasis on the body, through the attention to sensuous period details or to the desire relationships between the characters. This aspect becomes paradoxical if one takes into account the common idea that there is a genelal "lack of body" in the novels themselves. This dissertation focuses on this apparent contradiction, through the study of the characters's bodies and their communicative and expressive role, which leads to the central question of perception and knowledge in the novels and the films. The ideological and interpretative dimension of the treatmemt of the body is then considered, before analysing how the notion lies at the core of the reception process

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

40

Metzger-Rambach, Anne-Laure. ""Le texte emprunté" : étude comparée des adaptations du "Narrenschiff" de Sebastian Brant (1494-1509)." Amiens, 2004. https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=AmhMS01.

Full text

Abstract:

Le Narrenschiff (Nef des fous) de Sebastian Brant connut un tel succès lors de sa publication à Bâle, durant le Carnaval 1494, que cet ouvrage édifiant, composé en allemand, fit très rapidement l'objet d'une traduction en latin suivie de plusieurs adaptations en français et anglais, prenant pour texte source la Stultifera navis de Jacob Locher. L'étude comparée des Nefs met en évidence les liens entre traduction et création, à travers une analyse des pratiques de traduction adoptées par les "auteurs en second"; elle témoigne de la réflexion des adaptateurs sur l'efficacité de l'écriture édifiante et sa capacité à convertir les plus récalcitrants. L'analyse des adaptations établit le motif de la Nef des fous comme un sous-genre de la satire, les chapitres et les gravures sur bois fédérant les exhortations des auteurs autour de ce motif si évocateur pour l'imaginaire. Cette étude contribue ainsi à mieux cerner les pratiques d'écriture à l'aube de la Renaissance
Sebastian Brant's Narrenschiff (Ship of fools, 1494) published during the Carnival in Basel turned out to be such a success that it was quickly translated into Latin by Jacob Locher. His Stultifera navis was then the source of the French and English translations. Analysing the translative practices of the adaptators shows the relationships existing between the translative activity and creation. The adaptators reveal their great care of the efficiency of writing and the ability of each Ship to convert the most reluctant sinners. The suggesting motive of the ship of fools builds up a form of satire, united by the titles of the chapters and the woodcuts. This study contributes to establish more precisely the way of writing during the early Renaissance

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

41

Andersen, Peter Hvilshøj. "L'Alexandre du "Grosser Seelentrost", l'Alexandre" de Wernigerode, l'Alexandre de Wichbolt : trois adaptations allemandes du roman du Pseudo-Callisthène." Amiens, 2000. http://www.theses.fr/2000AMIE0014.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

42

Bussy, Amélie. "Reprise(s) de Harun Farocki, la possibilité d'une expérience : enjeux cinématographiques et historiques." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30040/document.

Full text

Abstract:

L’œuvre du cinéaste Harun Farocki permet de repenser les rapports entre cinéma et histoire et de dépasser l’habituelle conception selon laquelle l’historiographie serait une articulation compréhensible et analytique des événements passés entre eux. En reliant l’homme non pas tant à son passé qu’à sa condition historique actuelle, ses films se proposent d'écrire l'histoire comme une expérience, avec les moyens du cinéma. Ils annoncent les enjeux de diverses modalités d’écriture proprement filmiques de l’histoire, ce qui permettra d’interroger plus largement les pratiques qui cherchent réellement à employer et créer une forme cinématographique à même de rendre sensibles les interrogations historiques qu’elles soulèvent ou proposent. C'est en ce sens que cette thèse se donne pour projet de décrire quelles sont les « reprises » du cinéaste Harun Farocki qui concourent à écrire, au cinéma, une histoire dont nous pouvons en tant que spectateurs faire l'expérience. Il s'agit de voir comment ses reprises d'images posent, grâce à la mise en scène et au montage, des enjeux historiques et cinématographiques qui sont de réelles nouvelles manières de voir et d’entendre, et comment le cinéaste propose, avec les moyens inhérents à son art, de nouvelles écritures, de nouvelles lectures, une lisibilité inédite – pour l’histoire et pour le cinéma
The work of filmaker Harun Farocki helps us to think the relationships between cinema and History and go further the usual conception of historiography, where history would be an analytic and understandable writing of the past events. Because they are linking us to a present historical condition rather than simply binding man to his past, his films try to write history as an experience, with the means of cinema. They will allow us to observe the methods and ways of writing films which really search to create a cinematographic form able to read in a new and sensible way the historical questions films can sustain. That's why this research proposes to enlighten and describe what are the “retakes” (“reprises” in french which also means “sew on again”) of filmmaker Harun Farocki which contribute to write history which we can experience as spectators. It intends to examine how his editing of already existing images invents its own aesthetic to write history with film – and how an “experience” can be offered specifically by new ways of writing, seing and hearing films, and by doing so, deepening our reading of film and history altogether

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

43

Ternaux, Jean-Claude. "Lucain et la littérature de l'âge baroque en France : citation, imitation et création." Reims, 1995. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=JtxMS02.

Full text

Abstract:

L'objet de cette thèse est de montrer que Lucain est une référence obligée et un révélateur de l'époque baroque. Du point de vue de la réception les éditions savantes se multiplient, les commentaires abondent pour développer les aspects encyclopédiques de la Pharsale ou pour considérer le poète latin comme un historien et un défenseur des libertés a une époque qui voit le retour de guerres civiles semblables a celles de Rome. En outre, son style marque par l'enargeia est l'objet d'un débat qui avait commencé avec Quintilien. D'autre part, dans la création, son influence est considérable. Avec le centon, l'ode (Dorat), le sonnet (du Bellay), le roman (urbain chevreau) et surtout la tragédie (r. Garnier, p. Corneille), la Pharsale est l'objet de transformations génériques que rend possible l'irrégularité de l'épopée antique. Seuls les tragiques d'Agrippa d'Aubigné, la traduction de et, dans une moindre mesure, la parodie de Brébeuf imitent Lucain en restant fidèles au genre épique
The aim of this thesis is to show that Lucan is an essential reference and he reveals the baroque age. As for the reception, the erudite editions are more and more numerous, the commentaries are plentiful in order to develop the encyclopedic aspects in the pharsalia or to consider the latin poet as an historian and as a defender of the liberties at a time in which it seems that the civil roman wars come back. Moreover, there is a debate about the style caracterized by the enargeia, which had begun with Quintilian. On the other hand, in the creation, the influence of Lucan is very important. With the centon, the ode (j. Dorat), the sonnet (du Bellay), the novel (urbain chevreau), and above all the tragedy (r. Garnier, p. Corneille), the pharsalia is the object of generic alterations which is made possible by the irregularity of the antic epic. Only les tragiques of Agrippa d'aubigne, the translation and, to a smaller extent, the parody of brebeuf mitate Lucan while remaining faithful to the epic genre

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

44

Yakovenko, Indira. "Mondialisation et nouveaux marchés cinématographiques : le cas des films russes et des salles de cinéma ukrainiennes." Nice, 2011. http://www.theses.fr/2010NICE2024.

Full text

Abstract:

Dans notre recherche, nous nous intéressons à la production cinématographique russe présente sur les marchés internationaux audiovisuels comme MIPTV et MIPCOM à Cannes. Nous analysons l’influence de la mondialisation, les transformations dans l’esthétique et la promotion de nouveaux films russes à travers notre observation participante et une enquête auprès des producteurs et distributeurs russes, ukrainiens et internationaux. Notre travail se situe au croisement de plusieurs disciplines : sciences de la communication, industrie du film, marketing, anthropologie culturelle. Les données sont issues de l’analyse de 15 films russes, produits entre 2000 et 2005, de 15 entretiens de professionnels du film et de 159 questionnaires recueillis auprès des participants, venus de 33 pays, au marché international du film de Cannes en 2006. Dans les nouveaux films russes, nous observons le processus de la réévaluation des événements historiques et la révélation des tabous. Ils ont les points communs avec le cinéma américain ou européen comme l’ordre étant plus important que la morale ou la présence de héros de l’âge du narcissisme. Le nouveau héros russe est plus tragique et complexe que le personnage hollywoodien. Pour la plupart des participants du marché international, le cinéma russe est un cinéma européen. La mondialisation est considérée comme américanisation. Cependant, elle fait émerger d’autres identités cinématographiques. Les séries russes triomphent à la télévision ukrainienne et leurs personnages plus proches et compréhensibles remplacent les héros américains. Les films contemporains russes se placent comme un cocktail des modèles : soviétique, hollywoodien et indien
Dans notre recherche, nous nous intéressons à la production cinématographique russe présente sur les marchés internationaux audiovisuels comme MIPTV et MIPCOM à Cannes. Nous analysons l’influence de la mondialisation, les transformations dans l’esthétique et la promotion de nouveaux films russes à travers notre observation participante et une enquête auprès des producteurs et distributeurs russes, ukrainiens et internationaux. Notre travail se situe au croisement de plusieurs disciplines : sciences de la communication, industrie du film, marketing, anthropologie culturelle. Les données sont issues de l’analyse de 15 films russes, produits entre 2000 et 2005, de 15 entretiens de professionnels du film et de 159 questionnaires recueillis auprès des participants, venus de 33 pays, au marché international du film de Cannes en 2006. Dans les nouveaux films russes, nous observons le processus de la réévaluation des événements historiques et la révélation des tabous. Ils ont les points communs avec le cinéma américain ou européen comme l’ordre étant plus important que la morale ou la présence de héros de l’âge du narcissisme. Le nouveau héros russe est plus tragique et complexe que le personnage hollywoodien. Pour la plupart des participants du marché international, le cinéma russe est un cinéma européen. La mondialisation est considérée comme américanisation. Cependant, elle fait émerger d’autres identités cinématographiques. Les séries russes triomphent à la télévision ukrainienne et leurs personnages plus proches et compréhensibles remplacent les héros américains. Les films contemporains russes se placent comme un cocktail des modèles : soviétique, hollywoodien et indien

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

45

Groleau, Catherine. "Les genres cinématographiques comme clés de signification dans l'oeuvre de David Lynch : une étude de Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) et Mulholland Drive (2001)." Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/67160.

Full text

Abstract:

Le genre filmique – moteur par excellence de la cinématographie hollywoodienne – s’est imposé, au cours des dernières décennies, comme un champ théorique à part entière des études cinématographiques. Or, sa reconnaissance tardive au sein de la recherche universitaire témoigne du paradoxe structurant le champ cinématographique hollywoodien. En effet, la tension qu’entretient Hollywood entre l’industrie du divertissement et le cinéma d’art se révèle d’une façon particulière à travers la notion de genre cinématographique, qui s’avère à la fois un canevas de fabrication et un espace de création. Ce mémoire vise l’étude du genre filmique selon trois articulations : d’un point de vue institutionnel, d’abord, en questionnant les enjeux du champ cinématographique hollywoodien ; d’un point de vue théorique, ensuite, au moyen d’une plongée au sein des conventions et des procédés de trois genres filmiques ; et finalement, à travers l’analyse d’un corpus de films du réalisateur David Lynch. Ainsi, l’œuvre de Lynch, par son caractère marginal, inclassable et profondément étrange, donnera lieu à un parcours, certes, atypique, mais néanmoins significatif de ces trois niveaux de l’étude du genre filmique, dictant par le fait même une division en deux parties du travail. Dans un premier temps, le mémoire s’attardera à mettre en perspective la définition du champ hollywoodien et la trajectoire de Lynch, ce qui nous permettra d’identifier trois genres filmiques qui présentent un ancrage particulier au sein de la filmographie lynchienne, soit le thriller, le film noir et l’horreur. Dans un deuxième temps, nous procéderons à l’analyse filmique de Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) et Mulholland Drive (2001), trois films qui adoptent la logique de la trilogie en proposant, reprenant, puis aboutissant à un certain nombre de motifs issus des conventions génériques. Ainsi, les grilles de lecture des genres filmiques explorés par le cinéaste permettront d’observer la dimension à la fois classique et expérimentale de l’œuvre lynchienne par rapport à la cinématographie hollywoodienne tout en exposant les innovations du cinéaste à l’égard d’éléments génériques spécifiques.
The film genre – the driving force par excellence of Hollywood cinematography – has established itself in recent decades as a theoretical field in its own right in Film Studies. However, its late recognition within academia testifies to the paradox underlying Hollywood cinematography. Indeed, the tension that Hollywood maintains between the entertainment industry and art cinema is revealed in a particular way through the concept of cinematographic genre, which turns out to be both a canvas for production and a space for creation. This thesis aims to study the film genre according to three articulations: first, from an institutional perspective by questioning the challenges within the Hollywood cinematographic field from a theoretical point of view; second, by exploring the conventions and processes of three film genres; and thirdly, through the analysis of a corpus of films by director David Lynch. Thus, Lynch's work, by its marginal, unclassifiable and profoundly strange character, will lay the foundation for an admittedly atypical, but nevertheless significant analysis of these three levels of study of the film genre, thereby dividing this work in two parts. Initially, the thesis will focus on putting into perspective the definition of the Hollywood field and Lynch's trajectory, which will allow us to identify three significant film genres within Lynch’s filmography, namely the thriller, film noir and horror. In a second step, we will proceed with the filmic analysis of Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) and Mulholland Drive (2001), three films which adopt the logic of a trilogy by proposing, summarizing then culminating in a certain number of motifs from generic conventions. Thus, the analytical perspectives from the film genres explored by the filmmaker will allow us to observe both the classical and experimental style of the Lynchian work in Hollywood cinematography while exhibiting the filmmaker's contribution to certain elements of filmic genre.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

46

Dehayes, Thierry. "Marcel Pagnol adaptateur." Le Mans, 1999. http://cyberdoc.univ-lemans.fr/theses/1999/1999LEMA3003.pdf.

Full text

Abstract:

L'originalité de l'oeuvre cinématographique de Marcel Pagnol est qu'elle comprend près de 50% d'adaptations. Outre quatre livres de Jean Giono, Pagnol a adapté a l'écran des récits de Georges Courteline, d'Alphonse Daudet, Guy de Maupassant, Emile Zola, ainsi que des pièces de théâtre. Ce cinéaste qui déclarait que le sujet original lui faisait peur s'est pourtant rarement soucié de demeurer fidèle à l'esprit de l'ouvrage original. Il voyait dans les oeuvres adaptées l'occasion d'exercer son propre talent de dramaturge, qu'il concevait comme l'application de principes généraux, susceptibles de définir l'art dramatique. Il y a donc, comme l'écrivait André Bazin, un cas Pagnol. Non seulement parce que cet adaptateur a mené en parallèle une oeuvre originale, mais aussi parce qu'il fut le contemporain, l'ami et le rival d'un des écrivains les plus importants de sa géneration : Jean Giono. Cette rencontre entre deux talents finalement très différents, voire opposés, permet de se re-interroger sur le problème de la fidelite; d'une adaptation cinematographique à son modèle littéraire : on constatera paradoxalement que Pagnol a connu, dans son travail d'adaptateur, ses plus grands succès lorsqu'il a pris le plus de distance par rapport à l'oeuvre originale. Sans doute faut-il voir dans ce fait la preuve que l'art dramatique et l'art du roman obéissent, ainsi que le pensait Pagnol, à des règles bien différentes, et donc qu'il ne saurait y avoir d'adaptation réussie d'une oeuvre romanesque sans une nécessaire trahison ; leçon à ne pas oublier quand on s'efforce de juger le travail de Marcel Pagnol, qui fut le créateur d'une forme de tragédie populaire et, souvent, un remarquable peintre de caractères ; à la manière des auteurs classiques. Ce talent original, y compris dans ses travaux d'adaptation, lui assure une place non négligeable parmi les dramaturges et écrivains du XXème siècle, et il est regrettable que la critique ne l'ait généralement pas admis plus tôt
The uniqueness of Marcel Pagnol's film works resides in the fact that screen adaptation makes up nearly 50% of his work. In addition to four books by jean giono, pagnol adapted to the screen stories by Georges Courteline, Alphonse Daudet, Guy de Maupassant, Emile Zola, as well as some plays. Although Pagnol the filmmaker was fond of saying that an original theme terrified him, he rarely remained loyal to the spirit of an original work. He saw in the process of screen adaptation the opportunity to make use of his own talent as a playwright, which he considered to be the application of general principles capable of defining the dramatic arts. There is, consequently, as André Bazin wrote, a Pagnol case ; not only because his screen adaptations were original works, but also because he was the contemporary, the friend, and the rival of one of the most eminent writers of his generation : Jean Giono. This meeting of the proverbial minds, which in itself was an encounter between ultimately two very different talents, (even opposing ones) affords an opportunity to revisit the problem of loyalty ; of a screen adaptation vis-a-vis its literary model. In doing so, one notices, interestingly and paradoxically, that Pagnol enjoyed his greatest successes as a screen adapter when he distanced himself the furthest from the original work. Undoubtedly, one sees in this phenomenon proof that dramatic arts and the art of novel writing follow, as Pagnol believed, very different rules, and that there can never be a successful screen adaptation of a novel without the "requisite " betrayal of the literary work - a lesson to bear in mind when one attempts to study Marcel Pagnol's work ; he was also the creator of a popular tragedy genre, and often, sketched remarkable character portraits in the style of the classical authors. His unique talent, including that used in his screen adaptations, ensures him place among both playwrights and writers of the 20th century, and it is regrettable that this critique was not acknowledged earlier

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

47

Desbois, Laurent. "Un demi-siècle de cinéma au Brésil ou l’éternel retour : une incessante quête d’identités de l’Atlantide à la Cité de dieu : l’odysée du cinéma brésilien." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100115.

Full text

Abstract:

Le feuilleton du cinéma brésilien n’est guère connu à l’étranger hormis l’épisode du cinema novo. Analysons le parcours initiatique d’un cinéma d’apprentissage labyrinthique et cyclothymique, à la lumière de l’histoire socio-raciale et économico-culturelle d’un pays démesuré et disproportionné, géant aux pieds d’argile et éternel pays du futur. Sans cesse en crise existentielle, entre songes et désillusions, victime paradoxale d’un orgueil national et du manque d’auto-estima, il est fasciné par des modèles extérieurs (musical hollywoodien, néo-réalisme et nouvelle vague) et souffre d’amnésies chroniques, constamment en quête d’identité nationale. Après quatre décennies de balbutiements artisanaux naît à Rio de Janeiro la première grande compagnie Atlântida, créatrice de la chanchada, comédie typique locale. Les années 50 voient construire à Sao Paulo le plus grand studio d’Amérique du Sud : sous l’égide du cosmopolite Alberto Cavalcanti Vera Cruz se veut Cinecitta brésilienne. Utopie fracassante qui donnera cependant au pays son premier film primé internationalement : O Cangaceiro lance le nordestern. Face à ce cinéma d’imitation académique surgit le cinema novo dont la caméra du leader Glauber Rocha heurte les réalités du pays. Une génération s’exprime alors à travers un cinéma allégorique offrant une brasilidade séduisant la critique européenne. Depuis les années 60 le cinéma brésilien n’a jamais retrouvé ce souffle créateur. Pourquoi ? La dictature militaire a su réconcilier le public avec son cinéma (Dona Flor) mais la pornochanchada, vulgaire comédie érotique typique, l’a discrédité pour longtemps. Les années 90, après une crise gravissime, sont celles de la retomada : reprise couronnée par deux succès internationaux (Central do Brasil, Cidade de Deus-2002) mais comment lutter contre l’omnipotence de la télévision dans le pays et inventer des formes propres d’ expression ? Un certain cinéma de la cruauté semble aujourd’hui réactualiser le Manifeste Anthropophagique de 1928. Eternel retour ?
Except for the cinema novo, brazilian cinema is almost unknown in foreign parts. Fascinated by Hollywood, italian neorealismo and french nouvelle vague, it’s a cyclothymic and labyrinthic cinema whose importance is in disproportion with this country of future gigantism. Its story is full of crisis, disappearance and resurrection episodes, always looking for national and esthetic identities. Why brazilian cinema is’nt successfull intra and extra muros ? In the forties the first big studio, Atlantida, and the first kind of typic comedy, the chanchada were created in Rio de Janeiro. In the fifties in Sao Paulo the studio Vera Cruz, organized by cosmopolitan Alberto Cavalcanti, imitated Cinecitta for 4 years: it was a spectacular failure but the nordestern O Cangaceiro was a huge success at Festival de Cannes. Then the whole world discovered brazilian movies. In the sixties the cinema novo’s leader was Glauber Rocha who looked after brasilidade in allegoric and epic pictures. After him no one was able to choose original language. Militar dictaturship, represented by Embrafilme, has imposed national cinema whose big success like erotic Dona Flor announced the wave of vulgar sex comedy called pornochanchada: their bad quality discredits brazilian movies for 20 years. In the beginning of nineties all the production are stopped by President Collor’s decree. Only TV-Globo seems seduce the audience. But Central Station (1998) and City of God (2002) impulse new blood in the brazilian cinema after their Oscar nominations. Are they ocean’s drops ? From Atlantida to City of God, cinema odyssey in Brazil always begins at zero hour

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

48

Guieu, Julien. "Esthétiques de l'indice dans le cinéma américain des années 2000." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030141.

Full text

Abstract:

Plusieurs films américains des années 2000 (Mulholland Drive et INLAND EMPIRE de David Lynch, The Virgin Suicides de Sofia Coppola, Memento de Christopher Nolan, The Pledge de Sean Penn, Broken Flowers de Jim Jarmusch et Zodiac de David Fincher) opèrent une remise en question de la fonction, du fonctionnement et de la représentation des indices sur lesquels s’appuient tant la littérature que le cinéma policiers. Ces films, qui reprennent certains codes du genre sans être tous à proprement parler des « films policiers », ont pour point commun de mettre en scène une enquête qui n’aboutit pas et qui se retourne contre l’enquêteur jusqu’à ébranler son identité. Ils font ainsi écho aux récits de détection dits métaphysiques (The Crying of Lot 49 de Thomas Pynchon, City of Glass de Paul Auster...) : l’indice, loin de permettre la clôture du récit, devient le moyen de son ouverture. À sa juste interprétation succède le foisonnement des lectures et des histoires possibles. Autrefois transparent, il se fait opaque ; de fluide, sa circulation devient accidentée – ce à quoi correspondent de nouvelles manières de le filmer. Les codes du genre policier visant à marquer l’indice tout en favorisant sa lisibilité et l’identification avec l’enquêteur (insert en gros plan, raccord-regard, faible profondeur de champ…) sont détournés selon diverses stratégies : inversion, exagération, etc. Celles-ci ont pour effet de déjouer les attentes des spectateurs et de les rendre inquiets en rétablissant l’incertitude fondamentale de la littérature policière, que le cinéma policier tend à minorer, tout en la mettant au service de projets esthétiques par ailleurs très différents les uns des autres
A few American films released between 2000 and 2007 (David Lynch’s Mulholland Drive and INLAND EMPIRE, Sofia Coppola’s The Virgin Suicides, Christopher Nolan’s Memento, Sean Penn’s The Pledge, Jim Jarmusch’s Broken Flowers and David Fincher’s Zodiac) question the function, inner workings and representation of the clues on which detective fiction and film rely. These movies, which take up certain tropes of the genre without necessarily being detective films per se, all revolve around an investigation which is left incomplete and eventually turns against the investigator, to the point of shattering his or her sense of identity. They thus follow in the footsteps of metaphysical detective fiction (novels such as Thomas Pynchon’s The Crying of Lot 49 and Paul Auster’s City of Glass), in that the clue, instead of bringing about the closure of the narrative, becomes the instrument of its open-endedness. Its one correct interpretation is replaced by a proliferation of possible readings and stories. Once transparent, it turns opaque; once fluid, its circulation becomes problematic – which leads to new ways of filming it. The codes that detective films use to point out the clue, increase its legibility and foster identification with the investigator (close-up insert, eyeline match, shallow focus…) are subverted through a number of strategies such as inversion and exaggeration. These aim to deceive the spectator’s expectations and to unsettle him or her by reinstating the fundamental uncertainty of detective fiction, which detective films normally tend to repress, and which is here incorporated into aesthetic projects that otherwise differ widely

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

49

Parzysz, Élisabeth. "La production du sens dans quatre films de Joseph Losey : Eva (1962), The servant (1963), Accident (1967), The go-between (1970)." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030027.

Full text

Abstract:

Portant sur quatre films parmi les plus importants de Joseph Losey, cinéaste américain réputé pour son goût de la recherche formelle et son souci du détail mais parfois taxé d'esthétisme gratuit ou de didactisme pesant, ce travail analyse successivement la façon dont divers effets de sens sont produits par différentes composantes de l'expression filmique telles que l'image (décor, composition des photogrammes, mouvement, montage), les sons (musique, bruits et voix, interactions entre eux et avec l'image), et le travail d'adaptation du littéraire au filmique (procédés de remaniement narratif, dialogues du dramaturge britannique Harold Pinter surtout, et jeu d'acteurs). Il s'agit d'examiner dans quelle mesure ces significations partielles émanant de sources hétérogènes convergent - ou divergent - pour aboutir à la production d'un sens global cohérent qui légitimerait certains effets de style comme signifiants proprement cinématographiques
This study focuses on four major studies by Joseph Losey, the American film-maker renowned for his formalism and also his attention to detail, although sometimes criticised for his allegedly gratuitous aesthetics and his overly didactic approach. The analysis addresses the manner in which several meanings are produced by various aspects of filming technique such as image (setting, composition of the photograms, movement, editing), sounds (music, noises and voices, interactions between sound and image), and the task of adapting literary works to the film medium (reworking of narratives, dialogues by the British dramatist Harold Pinter, and acting). The study analyses the extent to which these partial significations may -or may not - converge so as to produce coherent general meaning which would legitimise certain stylistic effects as true cinematographic signifiers

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

50

Hatchuel, Sarah. "Shakespeare au cinéma : esthétique et interprétation : Henry V et Hamlet, de Kenneth Branagh." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040160.

Full text

Abstract:

Ce travail s'appuie sur la critique littéraire, l'histoire des mises en scène, la narratologie, la psychanalyse et la sémiologie, pour étudier la transformation des pièces shakespeariennes lorsqu'elles sont adaptées au cinéma par Kenneth Branagh. Celui-ci construit une trajectoire du regard par le montage et les mouvements de caméra, et compose un discours de mise en scène qui lève de nombreuses ambiguïtés. Par des images antérieures et intérieures, Branagh présente des personnages dotés d'un passé et de pensées. Ses adaptations oscillent entre l'exhibition forte d'interpolations et la création d'une diegese naturaliste, s'inscrivant dans une esthétique hollywoodienne qui privilégie les liens logiques et les rappels nostalgiques. Le caractère méta-dramatique du théâtre shakespearien tend alors à se dissiper au sein d'une fiction où la construction narrative prévaut sur la révélation de renonciation. Cette esthétique a des conséquences importantes sur l'interprétation de Henry V et de Hamlet. Les flash-backs, la musique, l'échelle des plans et les références à d'autres films s'ajoutent à la mise en scène et au jeu des acteurs pour opérer un brouillage générique. Chez Branagh, Henry V tend vers une tragédie du doute et Hamlet se transforme en épopée héroïque.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

Dissertations / Theses on the topic 'Adaptations cinématographiques – Histoire et critique'

Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles