Academic literature on the topic 'Allégorie (littérature) – 17e siècle'

La censure et la littérature au Québec, Des vieux couvents au plaisir de vivre – 1920–1959., Pierre Hébert (avec la collaboration d'Élise Salaün), Québec, Fides, 2004, 229 pp.Dans cet ouvrage, l'auteur propose d'aborder la littérature au Québec en étudiant les cas de censure qui s'y rattachent. Un peu comme s'il voulait reconstruire l'histoire des idées au Québec sous un nouvel angle, celui de la fiction, et de l'interdit face à cette fiction. La censure et la littérature au Québec, Des vieux couvents au plaisir de vivre – 1920–1959 se veut la suite d'un premier livre du même auteur, paru quelques années plus tôt, et qui couvrait la période allant du 17e siècle jusqu'en 1919. Hébert reprend là où il s'était arrêté pour se rendre jusqu'au début de la révolution tranquille.

Si le corpus littéraire traditionnellement utilisé dans l’enseignement secondaire et supérieur du FLE emprunte le plus souvent à la littérature des 19e, 20e et 21e siècles, plus rarement aux œuvres du 16e, 17e et 18e siècle, que dire des textes plus anciens, ceux du Moyen Âge ? Les recensions montrent qu’ils sont totalement ignorés. Notre article voudrait défendre l’intérêt d’un enseignement de la littérature médiévale en FLE et soutenir les enseignant·e·s en leur fournissant des pistes d’activités efficaces permettant aux apprenant·e·s de dépasser les difficultés que suppose une lecture littéraire authentique. Pour ce faire, nous inscrivons notre démarche dans le sillage des méthodologies de l’approche globale des textes écrits (Moirand, 1979), et de la lecture interactive (Cicurel, 1991).

L a légende d'Orphée a eu un retentissement particulier dans la musique et dans la pensée musicale des temps modernes. Grâce à la transmission de la légende à travers la littérature et la théorie de la musique du Moyen Âge, le personnage d'Orphée se présente, surtout pendant le XVe, le XVIe et le XVIIe siècle, comme allégorie de la musique à laquelle se réfère aussi bien la musique que la théorie de la musique. Pour la théorie de la musique, la légende d'Orphée s'inscrit dans la tradition de la doctrine des effectus musices. Dans ce cadre, la légende, de même que tous les mythes antiques se référant aux effets de la musique, a une double fonction au début des temps modernes. La première est de livrer des exemples attestant la théorie. Ces exemples subissent un examen critique qui va de la réfutation des faits racontés jusqu'à leur interprétation au moyen de forces naturelles. La deuxième fonction est de fournir des points de repère pour la conception de la réalité musicale de l'époque. Cette fonction concerne le public des milieux de la vie musicale de la Renaissance et du début du XVIIe siècle et elle se manifeste plutôt dans l'historiographie galante que dans la théorie de la musique . proprement dite. Pour la création musicale, le personnage d'Orphée représente d'un côté l'allégorie de la force de l'homme, et de l'autre, à travers la dramatisation de la légende, la force de la musique et plus spécialement du chant — champ d'expression par excellence de l'opéra naissant. «A partir du XVIIIe siècle, avec la naissance de l'acoustique moderne, la référence aux légendes de l'Antiquité disparaît de la théorie de la musique. Par contre, dans la création musicale, la légende d'Orphée continue de susciter l'intérêt des compositeurs jusqu' à la fin du XXe siècle. Néanmoins, la place des premières œuvres musicales inspirées par cette légende au début des temps modernes reste unique dans l'histoire de la musique, parce que ces œuvres s'inscrivent dans une époque pour laquelle la référence aux légendes musicales de l'Antiquité constituait un lieu de convergence de la théorie de la musique, de la création musicale et de la conception que les contemporains eux-mêmes se formaient de la réalité musicale de leur temps.

RESUMENEl estudio histórico de la religiosidad islámica se ha encontrado tradicionalmente con el problema de la escasez de fuentes. Además, siempre se ha estudiado a partir de las fuentes islámicas, obviando las cristianas. Si es cierto que para la Edad Media las fuentes cristianas no ofrecen demasiada información y están además viciadas por su carácter polémico, también lo es que para la Edad Moderna, con el surgimiento de un tipo de literatura sobre el islam que está alejado de la tradición polémica, disponemos de un buen número de importantes fuentes cristianas que merecen ser tenidas en cuenta en cualquier análisis histórico de la religiosidad islámica. Es el caso especialmente de la Topographía e Historia general de Argel (1612), cuyas descripciones y observaciones resultan de una riqueza sin precedentes.PALABRAS CLAVE: Edad Moderna, cinco pilares del islam, religiosidad, España, Argel.ABSTRACTTraditionally, the historical study of Islamic religiosity has been faced with the problem of the scant amount of sources. Moreover, it has always been approached on the basis of Islamic sources, disregarding the Christian ones. If for the Middle Ages Christian sources do not present much information about the subject and this is tainted by its polemical character, for the Early Modern Age, with the emergence of a new kind of literature about Islam that does not belong to the polemical tradition, we have at our disposal a good number of sources of information. This is particularly thecase of the Topographía e Historia general de Argel (1612), with descriptions and observations of an unprecedented quality. It is an evident indication that, from the sixteenth century onwards, there are Christian sources that must be taken into account in any historical analysis of Islamic religiosity.KEY WORDS: Image of Islam, early modern Spain, five pillars of Islam, religiosity. BIBLIOGRAFÍAAfricanus, L., Descripción general del África y de las cosas peregrinas que allí hay, traducción y edición de S. Fanjul, Barcelona, Lunwerg, 1995.Alfonso, P., Diálogo contra los judíos, traducción de E. Ducay, Zaragoza, Instituto de Estudios Altoaragoneses, 1996.Berkey, J. P., The formation of islam: religion and society in the Near East, 600-1800, Cambridge, Cambridge University Press, 2003.Berque, J., Al-Yousi: problémes de la culture marocaine au XVIIème siècle, Paris, Moutin & Co., 1958.Bunes Ibarra, M. 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La thèse vise à mettre en évidence la part de la culture allégorique - i. E. Des modes de communication symbolique et figurée, et de l'intertexte ainsi défini - dans le développement poétique De la Fontaine. L'étude s'ouvre sur une vue générale de cette culture au XVIIe siècle: extension, usages sociaux, genres littéraires spécifiques; cohérence interne (culture de l'image de méditation éloquente et signifiante); dynamique créatrice ou "innutrition allégorique". On tente de resituer par rapport à cet ensemble la formation intellectuelle du poète, avant d'analyser son œuvre chronologiquement, pour y déceler une appropriation progressive de cette culture. Le corpus étudié comprend les grandes œuvres de la période 1638-69, hors les contes : Adonis, poème épique miniature, se lit comme une psychomachie amoureuse; allégorie encomiastique, Le songe de Vaux adopte la forme du songe visionnaire, structure son intrigue sur une énigme et figure un débat esthétique par une joute de personnifications; les fables de 1668 oscillent entre allégorie satirique (défense cryptée de Fouquet) et allégorie morale, selon la dialectique de l'universel et du particulier propre à l'emblème, auquel la fable se rattache. Psyché enfin conjoint tous ces aspects: réflexion esthétique, discours politique oblique et variation sur un mythe classique, l'œuvre constitue un pèlerinage allégorique et moral dont la fin est une méditation sur les passions. Apogée de l'appropriation des champs de l'allégorie, elle prélude aux fables de 1678, évoquées en conclusion. De ces analyses, il ressort que la Fontaine propose un usage souple et discret de l'expression allégorique: elle n'est pas pour lui un code, un medium didactique, mais un procédé expressif qui s'appuie sur le langage des passions; instrument de réflexion esthétique, elle lui a permis de penser le partage du sens avec le lecteur, et fonde en partie les effets de connivence, d'ironie et d'invite à la méditation caractéristiques de son œuvre
This study aims to point out how much the art of la Fontaine, in its development, owes to allegorical culture - i. E. Symbolic and emblematic reading and writing, as well as the vast literature it commands. The thesis opens with a general view on this field in 17th century France: in its extent, social uses and specific forms; in its inner coherence (as a culture of speaking and meaningful pictures leading to meditation); in its creative movement. The author tries first to establish the familiarity la Fontaine had with this culture during the time of his intellectual growth; he then studies his works chronologically in order to see how the poet gradually appropriates allegorical devices. The selection of texts analyzed encompasses the major works of the 1658-69 decade but the contes: Adonis, a tiny epic that can be read as a love-psychomachia; Le songe de Vaux, an encomtun-allegory which takes the form of a symbolic dream, based on an enigmatic plot, full of personifications fighting in an aesthetic paragon; the 1668 fables, halfway between satirical allegory (a cryptic plea for Fouquet) and moral allegory - according to the general/peculiar dialectic bound to emblematic forms, to which fable was related. All these trends mingle in psyche - at the same time a figurative aesthetic reflexion, an oblique political lesson, a variation on a classical myth, as well as an allegorical progress and a meditation upon passions. With this work, la Fontaine reaches an acme in its exploration of the allegorical field. These analyses show that the poet used allegorical writing in a very light and subtle way - by no mean as a rigid code, nor as a didactic medium, rather as an expressive device related to the eloquence of the passions, which enabled him to engage a reflexion upon his art, and to study the various ways to convey a meaning to his readers. As such, allegorical culture played a decisive role in the elaboration of his highly implicit, ironic and meditative poetry

Quelle fut la véritable influence de l''Iconologie' de Cesare Ripa et Jean Baudoin sur les peintres et les sculpteurs français du Grand Siècle ? La présente étude se propose de répondre à cette question et montre comment les artistes du règne de Louis XIV utilisèrent le célèbre recueil, qui leur offrait plusieurs centaines de combinaisons allégoriques personnifiant les concepts les plus variés. Les indications de l''Iconologie' étaient-elles suivies à la lettre ou le manuel ne représentait-il, au contraire, qu'une source d'inspiration dont les peintres et sculpteurs q'autorisaient volontiers à modifier, négliger, voire ignorer les recommandations ? Au-delà de ces constats formels, l'analyse entend dégager à terme des relations possibles, peut-être nécessaires, entre les impératifs discursifs du langage allégorique et les diverses orientations stylistiques de la période concernée : il va de soi que Laurent de La Hyre, fameux représentant de l'atticisme parisien, n'eut pas recours au code de la même manière que Charles de La Fosse, dont la facture déliée annonce les oeuvres du XVIIIe siècle. Quelques-uns des ensembles décoratifs les plus importants du Grand Siècle constituent la base de cette étude : les chantiers de Saint-Germain-en-Laye, des Tuileries et de Versailles sont analysés dans une première partie, tandis qu'une deuxième section est consacrée à l'étude de grands décros provinciaux, tels ceux du Parlement de Bretagne à Rennes et de Bourgogne à Dijon, de l'Hôtel de Ville et du Palais de Justice de Lyon. Une troisième partie est enfin consacrée à l'analyse d'oeuvres de chevalet
What was the actual influence of Cesare Ripa and Jean Baudoin's 'Iconologie' on French painters and sculptors of the age of Louis XIV ? This study intends to answer the question and shows what use the artists of that time made of the famous anthology that provided them with hundred of allegorical combinations personifying the most varied concepts. .

Les objets d’étude de cette thèse sont les livres imprimés, le roman libertin français du XVIIIème siècle et les gravures qui accompagnent ces textes. Nous explorons concrètement la dualité de la gravure libertine, établie entre l’aspect explicite de ses thèmes et la condensation tacite d’une idée. Cette étude part, dans le premier chapitre, d’une synthèse historique générale de l’utilisation de l’image depuis l’Antiquité jusqu’au XVIIIème siècle, en explorant aussi bien les usages du passé classique dans la manufacture de la gravure libertine, que son changement dans le temps et ses caractéristiques historico-culturelles particulières. Le deuxième chapitre approfondit ce même univers, mais en se centrant sur les rôles de genre attribués aux corps représentés sur les gravures, la notion de sexualité imprimée en elles et l’effet rhétorique et intimiste que les textes et les images établissent entre l’auteur et le lecteur. Dans le troisième chapitre, nous abordons la lecture des gravures allégoriques. Elles se trouvent dans les frontispices du roman libertin et représentent leur aspect le plus important. En effet, c’est en eux que se trouvent les empreintes permettant d’établir des continuités dans leur dimension esthétique, représentées par l’appropriation d’éléments stylistiques et thématiques de l’Antiquité Classique et la « condensation », caractéristique essentielle des images de ce type de gravures. Finalement, dans le quatrième chapitre, nous étudions la relation entre la gravure et l’Art, représenté particulièrement par la Peinture. Dans cette optique, et à partir d’un schéma d’analyse prédéterminé, divisé en sujets spécifiques, nous nous concentrons sur les singularités qui permettent d’établir ce qui était considéré, ou non, comme étant de l’Art au XVIIIème siècle
The objects of study of this thesis are printed books, the French libertine novel of the 18th century and the illustrations that go with these texts. We explore concretely the duality of libertine illustration, created between the explicit aspect of its topics and the tacit condensation of an idea. This study starts, in the first chapter, with a general historical synthesis of the use of picture since Antiquity until the 18th century, and explores the uses of a classical past in the manufacture of libertine illustrations, as well as its change in time and its specific historic-cultural characteristics. The second chapter goes deeper into this same universe but focuses on the gender roles given to bodies represented on illustrations, on the notion of sexuality printed in them and on the rhetoric and intimate effect that texts and pictures set up between the author and the reader. In the third chapter, we look at the reading of allegoric illustrations. These are found in the frontispieces of libertine novel and represent their most important aspect. Indeed, these frontispieces contain the traces that establish continuities in their esthetical dimension, represented by the appropriation of stylistic and thematic elements of Classical Antiquity and “condensation”, an essential characteristic of the pictures on this type of illustrations. Finally, in the fourth chapter, we study the relation between illustration and Arts, particularly represented through Painting. In this perspective, and from a predetermined analysis scheme divided into specific topics, we focus on the singularities that permit establishing what was considered, or not, as Arts in the 18th century

Cette enquête présente un tableau des songes dans les fictions narratives et discursives des Lumières françaises, du Diable boiteux (1707) au Manuscrit trouvé à Saragosse (1804). Elle présente d’abord les discours variés sur le phénomène onirique et la forme songe, puis la poétique du songe : expériences formelles parfois déroutantes et étonamment modernes, jeu avec les cadres, fonction de mise en abyme. Allégories et mythes trouvent parfois à s’y renouveler. Sont envisagés enfin les enjeux de la distribution générique du récit de rêve. Le siècle pressent les pouvoirs du rêve et prétend maîtriser le phénomène, mais aussi son écriture, dans des formes littéraires renouvelées (tandis que subsistent des songes traditionnels) : songes sylphiques (rococo), fantastiques, scientifiques inouïs (Rêve de d’Alembert), satires et utopies visionnaires (Mercier). A partir du rêve s’élabore une réflexion sur les limites de la libido sciendi, ainsi que sur les pouvoirs de l’imaginaire et leur articulation à ceux de la raison (dans leur quête de savoir et / ou de plaisirs) : lutte résolue en complémentarité
The purpose of this thesis is to investigate the status of dreams in 18thcentury narrative and discursive fiction, from Le Diable boiteux (1707) to Le Manuscrit trouvé à Saragosse (1804). After first presenting critical discourse on dream, both as a phenomenon and as a form, we will proceed to define the poetics of dream (relationship of the embedded dream to its framing story, use of allegory and myth, formal experiments) before showing how the function of dreams varies according to literary genres, renewing to the core a wide range of existing literary forms : (rococo) sylphic dreams, fantastic or unheard of scientific dreams (Le Rêve de d’Alembert), satires and visionary utopias (L. -S. Mercier). Dreams provide a reflection on the limits of libido sciendi, as well as on the power of imagination and its articulation with reason in the quest for knowledge and pleasure, their apparent contradiction finally giving way to complementarity

Les critiques sont conscients des ressources des variétés métaphoriques et allégoriques qu’offrent le roman épistolaire "Les Liaisons dangereuses" de Laclos et le roman-mémoire "Le Paysan parvenu" de Marivaux.Nous retrouvons dans ces figures la finesse des analyses psychologiques et la satire des rapports sociaux que développent plus globalement les deux romans. En choisissant le genre de l'autobiographie fictive, Marivaux se donne les moyens de jouer sur la dualité du personnage-narrateur. Les métaphores renvoient alors pour la plupart au « naturel » d’un personnage sans expérience, confronté à l'hypocrisie du monde dans lequel se jouent son éducation sentimentale et son ascension sociale. Mais il nous semble que dans "Les Liaisons dangereuses", Laclos sollicite méthodiquement la métaphore guerrière qu’il intègre dans le style épistolaire du roman. Cette métaphorisation guerrière, inscrite dans la tradition littéraire, est essentiellement le fait de la mise en scène du libertinage dans Les Liaisons
The critics were aware of the different resources offered by the metaphorical and allegorical epistolary novel "Les Liaisons dangereuses" of Laclos and the memory novel "Le Paysan parvenu" of Marivaux.Through these figures, we discover how the rigorous psychological analysis and the satire of the social relationships develop more generally the two novels. By choosing this type of fictional autobiography, Marivaux tries to have the means of playing on the duality of the character-narrator. The metaphors refer to the "natural" where a character without experience, confronted by the hypocrisy of the world in which he plays his sentimental education and his social cast as a peasant. But it seems that Laclos, in "Les Liaisons dangereuses", methodically used the metaphor of a warrior to incorporate with the epistolary style of the novel. The metaphor of a warrior, which is inscribed in the traditional literary, plays essentially a major role in producing the libertinism in Les Liaisons

Cette thèse essaie d'établir dans un premier temps que Mallarmé, Valéry et Reverdy accomplissent exemplairement la critique théorique des fondations romantiques (à la fois ontologiques et rhétoriques) de la littérature ; que cette critique conduit à une crise de légitimité, qui, sans donner lieu à une rupture violente avec la tradition (à la différence de ce qu'implique par exemple l'ethos dominant des avant-gardes), témoigne cependant d'une lucidité sans concession. On montre alors que cette lucidité s'inscrit dans l'écriture même des poèmes selon une poétique a-théologique et par le réinvestissement de formes (l'allégorie, l'écriture moraliste) susceptibles d'indiquer, contre la considération idolâtre d'une autonomie sans autre de l'œuvre, une transitivité rhétorique et non résolutoire de celle-ci. On explique ainsi que l'écroulement de la métaphysique romantique ouvre la voie, chez ces auteurs, à une reconnaissance de la discursivité de l'œuvre, à sa considération tout à la fois poétique et rhétorique. De cela on conclut à l'éviction d'un paradigme esthétique de la poésie et de ses implications indissociablement politiques et communicationnelles, au profit d'une reconnaissance des contingences rhétorique et factuelle du discours littéraire, celles-ci définissant, sans dogmatisme, une inquiétude humaniste.

Ce travail propose de lire un moment de l’histoire littéraire française à travers le prisme de l’animal, et plus particulièrement de ses représentations anthropomorphes. À partir de la littérature et de la pensée du xixe siècle, il s’agit de complexifier une définition restrictive de la notion d’anthropomorphisme en réfléchissant au statut de l’animal dans l’imaginaire romantique. L’anthropomorphisme est traditionnellement considéré comme une perception du monde naïve et spontanée et cette tendance à douer les choses et les êtres d’émotions, d’intentions ou de réactions supposées propres aux hommes repose sur un raisonnement analogique qui est à l’origine de genres littéraires aussi universels que la fable ou d’autres types d’apologues, qui héritent de ce préjugé de simplicité : l’anthropomorphisme serait ce mode de représentation non réaliste, divertissant voire comique, qui n’instruit qu’au prix d’une distorsion de la réalité. Au xixe siècle émerge une nouvelle conception de l’animal, en rupture avec celle de l’âge classique. L’histoire naturelle et la pensée romantique découvrent des parentés profondes entre l’homme et l’animal, qui donnent à l’anthropomorphisme un fondement épistémologique et philosophique, mais aussi affectif et politique, puisque l’idée d’une continuité entre les vivants est l’un des piliers de l’argumentation républicaine en faveur de la protection, puis du droit des animaux, depuis la période révolutionnaire. À partir d’un corpus littéraire, philosophique et scientifique, et d’une attention à l’histoire des animaux, de leur statut et de leurs traitements, ce travail voudrait dresser un panorama des paradigmes analogiques par lesquels les hommes ont pensé leurs liens aux animaux dans la première moitié du xixe siècle. Cette période apparaîtra ainsi comme un moment important de la reconfiguration du symbolisme animal, qui invente une forme d’allégorie réaliste, conciliant souci de l’animal et confiance en l’analogie
This work attempts to read a moment of French literary history through the lens of animals, and more specifically anthropomorphic representations of them. From the 19th literature and thought, it will put forward a less restrictive definition of the notion of anthropomorphism by considering the status of animals in the romantic imaginary. Anthropomorphism is traditionally perceived as a naïve and spontaneous perception of the world. This tendency to endow things and beings with emotions, intentions or reactions supposedly inherent to humans is based on an analogical thinking that underlies literary genres as universal as fables or other kinds of apologues, that are also seen as simple, as if anthropomorphism was only this non-realistic, entertaining and even comical, mode of representation, that educates only thanks to a distortion of reality. During the 19th century, a new conception of animals emerges, breaking with the classical era. Natural history and romantic philosophy discover deep similarities between men and animals, that provide anthropomorphism with an epistemological and philosophical basis, but also affective and political ones, since the idea of a continuity between the being is one of the pillars of republican thinking on animal protection and animal rights since the Revolution. Looking at literary, philosophical and scientific texts, but also at the history of animals, at their status and treatments, this work would like to provide an overview of analogical paradigms through which men have conceived their relationships with animals over the first half of the 19th century. This period will therefore appear as an important moment of the reconfiguration of animal symbolism, inventing a type of realistic allegory, combining the concern for animals and a faith in analogical thinking

La diversité thématique et stylistique de la Sepmaine est sous-tendue par un nombre restreint de structures logico-sémantiques récurrentes. C'est en leur combinatoire que consiste le dynamisme génératif tellement caractéristique pour le discours du poème bartasien. Ces structures logico-sémantiques sont fournies par la topique de l'inventio oratoire de la renaissance. Comme en témoigne le commentaire de Pantaleon Thevenin, la méthode dialectique fonde la cohérence compositionnelle du texte, en se substituant, dans cet hexameron du XVIe siècle à la démarche commentative des pères. Le style du poème entre avec sa structure logico-sémantique dans un ensemble de relations de clausule et d'ouverture, d'ordre et de variété. Une telle structure discursive conditionne l'épistémologie bartasienne: le refus nominaliste de motiver le mot par la chose isolée, l'analogie réaliste entre le discours et le monde, le doute protestant en la possibilité d'une théologie naturelle. C'est aussi le protestantisme de du Bartas qui lui dicte le refus de l'allégorisme patristique. Toutefois, la lecture selon les quatre sens pratiquée dans la septième journée, devient, grâce au jeu des métaphores, une relecture, une mise en abyme du poème, signe de l'exaltation toute ronsardienne de la "voix" poétique. Ambitionnant, comme les dialecticiens renaissants, à discourir de la "nature de toutes les choses", le poète maniériste juxtapose sa création à la création divine
A limited number of recurrent logical and semantic structures underly the thematic and stylistic diversity of la sepmaine. The combination of these structures is what engenders the dynamism so characteristic of the du Bartas’s poetical discourse. These logical and semantic structures are derived from the topical system of the renaissance inventio. As has been shown by pantaleon thevenin, the dialectical method is what gives the 16th - century hexameron its textual coherency, replacing the exegetic procedure of the church fathers. Different forms of relationships - opening and closing, variety and order - connect the style of the poem with its logical and semantic structure. Du Bartas's epistemology is conditioned by the dialectical form of the discourse: the nominalist refusal to motivate the word by the single thing; the realistic analogy between the discourse and the world; the protestant revocation of natural theology. It is because of his Protestantism that du Bartas refuses the church fathers' alle- goricism. However, thanks to the use of metaphors, his application of the four meanings in the seventh day becomes a rereading of the poem itself, testifying to the exaltation of the poetical "voice", so peculiar to Ronsard. The mannerist poet, motivated, like the renaissance dialecticians, by the ambition to talk about "la nature de toutes les choses", compares his creation to the divine creation

Les utopies publiees sous le regne de louis xiv correspondent-elles a un mouvement contestataire de la politique menee par le roi ? faut-il les considerer comme des textes porteurs de ferments revolutionnaires ? l'etude comparative des oeuvres de cyrano, tyssot, fontenelle, lesconvel, gilbert, foigny, vairasse, fenelon ou mlle de montpensier fait apparaitre qu'il ne faut pas negliger les enjeux purement litteraires de ces textes qui empruntent leur forme au recit de voyage fictif ou veritable, au roman de formation, parfois teinte de picaresque, ou au dialogue philosophique. Il n'y a pas de veritable "genre utopique" mais une matiere aux facettes multiples propice aux raffinements intellectuels les plus brillants qui expliquent, tout autant que l'aspiration au changement, le succes de ces oeuvres sous le regne de louis xiv. Ces raffinements installent le discours sous le signe de la figure, donc de la duplicite, et sont parties prenantes de la critique sociale, politique et religieuse. Celle-ci, souvent virulent (les textes denoncent la collusion entre pouvoir et religion, revendiquent la liberte de conscience, envisagent la suppression de la propriete ici, de la noblesse hereditaire la , du clerge ailleurs) n7est pourtant pas necessairement en opposition avec l'ideologie dominante. Elle reactive le libertinage mais le domestique dans un ideal "embourgeoise" qu'aucun determinisme historique ne suffit a analyser
Do the utopias published in the reign of louis xiv correspond with an anti-establishment movement against the royal politics ? may we consider them as revolutionary texts? a comparative study of cyrano, tyssot, fontenelle, gilbert, lesconvel, foigny, vairasse, fenelon or mlle de montpensier's works shows that their pure literary stakes do not to be sneezed at. These texts take their form from imaginary or real accounts of voyages, from education's novel, sometimes with a picaresque accent, or from philosophical dialogue. So there is no real "utopian genre" but a many-sided matter which favours the finest intellectual subtlety. This fact explains, as much as the aspiration for change, the succes of these works during this period. This subtlety puts the discourse under the sign of figurative, that means ambiguous, speech and belongs to the critical purpous (social, political or religious). The criticism is often virulent ( the texts denounce the collusion between power and religion, they demand liberty of conscience or envisage to abolish property, hereditary nobility or clergy) but it is not necessarily opposed to the prevailing ideology of that time. It reactivates some libertine philosophy's points by subjugating them in a "middle-class" ideal that no one determinism could totaly explain