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Dissertations / Theses on the topic 'Altérité (philosophie) – Dans l'art'
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Lambert, Xavier. "Le corps sans bords : identité / altérité dans l'image numérique et ses résonances dans la fiction narrative." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010591.
Full textAbstract:
Comment le corps dans l'art contemporain s'énonce-t-il sur de nouvelles bases du fait de sa confrontation aux enjeux conceptuels des technologies actuelles ? Il ne peut se concevoir que dans la permanence d'un corps in-fini parce que toujours en puissance, un corps sans bords. C'est par l'altérité du corps sans bords que l'artiste construit son identité, sa permanence, qui ne relève plus du stéréotype de la " mêmeté ", mais de l' archétype de la singularité. L ' artiste n'est pas l'individu, celui qui ne se divise pas, du corps organisé, il est la multitude de la singularité. Le corps sans bords est singulier, parce qu'antérieur à l'image, et que l'image inscrit déjà la reproduction. Mais il est multitude parce qu'il est puissance que l'œuvre d'art n'actualise que partiellement à chaque fois. Et l'outil numérique est l'outil technologique le plus approprié pour tenter d'inventorier les possibles qui naissent de la confrontation au réel que propose le corps sans bords.
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Roland, Céline. "L'autre de l'art : l'échange de rue comme mode d'intervention créatif dans mon quartier d'habitation." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010576.
Full textAbstract:
L'institution limite souvent l'art à une pratique culturelle et sociale divertissante, au sein de laquelle médiatisation et commercialisation vont de concert. Face à cette situation qui maintient selon Bourdieu, le clivage entre art et " non-initié" , j'envisage un autre de l'art, explorant la création faite par et pour la population, au sein de mon quartier d'habitation. L'intervention y opère dans la marge, questionnant la liberté d'expression en rapport à la législation de l'espace public. Influencée par les happenings, Fluxus ou l'art sociologique de Forest, l'intervention de rue interroge la notion d'altérité explorant notre identité en rapport à la territorialité et au tribalisme. Le passage d'une pratique picturale à l'intervention répond au besoin d'engager un contact direct avec le passant, acteur et auteur, dans l'élaboration collective de l'œuvre. " L'expérience du visage", définie par Levinas, instaure la rencontre dans une attitude martiale des corps. De l'ordre de l'art et de la sociologie. L'intervention de rue, opère dans " l'entre" comme pourvoyeur d'émotions, de communications, utilisant aussi bien la parole, le sondage que la carte postale. Art contextuel, l'intervention, préétablie dans le cadre d'une partition, agit dans notre réalité quotidienne, en tant qu'espace social transformateur. Ephémère, elle questionne notre besoin de survivance et la notion d'archivage. Récusant le prima du visuel, la trace se fait témoignage, privilégiant le vécu: c l'art comme expérience ", dans la lignée des réflexions menées par Dewey. Sorte d'ekphrasis enregistrée sur bande, la vidéo, fait renaître le conteur oublié au travers de la parole d'un vécu singulier. La pluralité des témoignages et la diversité des interprétations font alors de l'intervention "oeuvre ouverte" au sens où l'emploie Eco
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Rey, Mimoso-Ruiz Bernadette. "Le mythe du merveilleux barbare : aspects mythocritiques de Pasolini à Lounguine." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040092.
Full textAbstract:
L'expression de "merveilleux barbare", selon Pasolini, ouvre des perspectives de réflexion sur la remise en cause du concept de barbarie. Dans une approche comparatiste (littérature/cinéma) à travers les œuvres romanesques et filmiques, nous nous interrogeons sur une possible définition mythique du barbare et de sa représentation à partir des études mythocritiques réalisées ces dernières années. La figure du barbare s'impose à la fois dans le temps et l'espace, ce qui nous conduit à un rappel des conceptions antiques, et plus particulièrement helléniques des écarts entre "civilisé" et "barbare". Nous examinons les composantes de l'espace romanesque figuré dans le roman de Le Clézio (Procès-verbal) et dans ceux de Burgess (A clockwork orange) et de Quignard (La frontière) puis, nous étudions les caractéristiques particulières à la narration filmique de l'espace du barbare dans les films qui nous occupent (Accattone, Mamma Roma, Luna Park) dont nous avons réalisé les découpages plan par plan. Nous avons considéré en particulier les problèmes spécifiques de la transposition du roman de Burgess au film homonyme de Kubrick. En nous appuyant sur les irradiations mythiques d’Orphée dans ses composantes transgressives envers les lois de la cité, nous établissons des relations entre les personnages romanesques et filmiques et le mythe dont nous parvenons à démontrer dans une troisième partie les modalisations et les variantes. Ensuite, dans une quatrième partie nous nous penchons sur l'analyse des perceptions entre le masculin et le féminin qui conduisent à un réseau iconoclaste et transgressif vers une nouvelle poétique proche de Rimbaud. Enfin, dans une cinquième partie, nous nous interrogeons sur les prolongements contemporains du merveilleux barbare et de sa nécessaire existence comme instance dénonciatrice des idéologies destructrices. Nous en venons à établir un rapprochement entre le mythe du merveilleux barbare et la figure de l'artiste dans sa vocation éclairanteThe expression of the “marvelous barbarian” according to Pasolini opens to a reflection about the concept of barbarity. The novels and films of our corpus are examined in a comparative prospect. The mythic definition of the barbarian and its representation in literature and cinema is analyzed from the mythocritic essays of our days. The barbaric figure imposes itself in time and space. We quoted the antic conceptions, particularly in Greece where divergences appear between the civilized and the barbarians. The space of the novels (le Clezio's Procès-verbal, Aa clockwork orange by A. Burgess, Quignard's La frontière) are examined (part i) we study the particular characteristics of the filmic narration and the space of the barbarian in the films quoted (Accattone,Mamma Roma,Luna Park) through a shooting script presented shot by shot. We considered particularly the special problems of the adaptation from the novel of a. Burgess to the homonymous film of Kubrick. (part ii). Basing our analysis on the mythical irradiations of Orpheus according to his transgressive components towards the city, we correlated the characters of the novels and of the films to the myth which we demonstrated the modelisations and variations (part iii). We analyzed the peculiar perceptions of masculine and feminine linked to an iconoclast and transgressive network and a new poetic approach to Rimbaud (part iv). At last we examine the contemporary extensions of the marvelous barbarian and we ask the necessity of his existence which appears like a telltale proceeding of the destructive ideologies. We conclude with a links between the myth of the marvelous barbarian and the figure of the artist's enlightened vocation
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Enrègle, Christine. "Poïétique de l'altérité : vers une figure des lieux." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010598.
Full textAbstract:
Si par I'expression de poïétique du paysage nous entendons interroger la façon dont une pratique plastique s'articule avec les notions de lieu et d'espace, nous abordons cette question a travers d'autres notions et en particulier celle d'histoire comme donnant lieu a une parole qui ferait retour au cœur du processus de création. De quelle parole s'agit-i1 ? A quelle(s) image (s) donne-t-elle lieu? Quel est cet autre qui se profile à travers nos déplacements et qui apparaît comme le motif de notre recherche? A une époque éprouvée par la mondialisation, ou les pratiques artistiques s'hybrident au contact d'autres cultures, ou le travail in situ est revisite par un certain nomadisme (nous pensons aux oeuvres intégrant dans leur procès la marche), nous tentons ici de faire remonter à la surface ce qui peut apparaître comme certaines motivations profondes de ces déplacements.
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Duclos, Jessica. "Les archives du corps." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30240/30240.pdf.
Full textAbstract:
Le présent mémoire fait état de ma recherche-création qui se veut une prospection sur la connaissance de soi, comprendre comment les expériences transforment différents aspects de la réalité humaine tels notre corps, notre intimité, notre personnalité et nos émotions. Mon travail s’esquisse autour de la présence de l’autre, de ses affects, et joue sur les possibilités visuelles pour mettre en relief les ambiguïtés interrelationnelles. Mettre en exergue la notion de subjectivation par l’intermédiaire de dispositifs immersifs interactifs est le fil conducteur de ma démarche, cette notion qui fait de nous des êtres créés par les éléments extérieurs qu’il côtoie, qui fait de vous et moi, le même.
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Vial, Hélène. "La métamorphose dans les Métamorphoses d'Ovide : étude sur l'art de la variation." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040176.
Full textAbstract:
En exergue de cette étude figurent les vers 13-14 du livre II des Métamorphoses, où Ovide décrit les Néréides : facies non omnibus una, / Non diuersa tamen, qualem decet esse sororum : " sans avoir toutes le même visage, elles ne sont pas non plus très différentes. Elles se ressemblent comme il sied à des sœurs. " Ces vers peuvent être lus comme une définition métaphorique des passages consacrés à la métamorphose dans les Métamorphoses, passages qui, unis par une étroite parenté - due à leur sujet même, le miracle de la mutata forma -, sont pourtant tous différents. Cette étude porte sur l'équilibre subtil entre similitudes et dissemblances dans l'expression ovidienne de la métamorphose et tend, plus précisément, à démontrer l'existence d'un lien profond entre cet équilibre, le phénomène de la métamorphose - fondé, lui aussi, sur la tension entre identité et altérité - et la naissance de l'écriture. Pour cela, elle esquisse une réflexion sur les frontières de la métamorphose ovidienne, puis consacre une analyse individuelle à quatre-vingt-un récits de métamorphoses, avant d'explorer, dans un dernier temps, la relation complexe entre la uariatio, la métamorphose et la vocation poétique d'OvideThis study bears as an inscription lines 13-14, Book II, from Metamorphoses, where Ovid describes the Nereids as facies non omnibus una, / Non diuersa tamen, qualem decet esse sororum ("although they do not all have the same face, they are not so different either, as befits sisters"). Those lines can be read as a metaphorical definition of passages devoted to metamorphosis in Metamorphoses - passages which are closely related, due to their very subject (the miracle of mutata forma), and yet quite different from one another. This study concerns the subtle balance between similarities and dissimilarities in Ovid's treatment of metamorphosis; and more precisely, attempts to demonstrate a close connection between this balance, the occurrence of metamorphosis (seen as a tension between identity ad otherness), and the emergence of writing. In order to do so, the study reflects on the frontiers of ovidian metamorphosis, then proceeds to an individual analysis of eighty-one stories of metamorphoses, before exploring, in the last part, the complex relationship between uariatio, metamorphosis, and Ovid's vocation as a poet
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Seyedin, Marjan. "L'animal et l'animalité dans l'art actuel : recherches sur les fondements et les aspects d'une idée." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC001/document.
Full textAbstract:
Prenant pour point de départ l’omniprésence de l’animal dans l’art actuel, notre recherche s’attache à comprendre comment la question de l’altérité, souvent explicite dans le discours des artistes contemporains qui utilisent le thème de l’animal, se pose à travers ce dernier. En effet depuis le romantisme et suite à une crise propre à la modernité, l’homme, accablé par une mélancolie et la nostalgie de l’Harmonie et de l’Unité perdue, cherche à combler le fossé qui le sépare de « l’absolu ». C’est dans cette tentative de réconciliation que l’animal en tant qu’altérité prend une place importante. Ainsi dès le milieu du XVIIIe siècle l’attention de l’homme européen se tourne vers ces autres qui sont les « sauvages », les enfants et les animaux. Un nouveau type de rapport entre l’homme et l’animal s’instaure alors. Nous étudions ce changement de rapport en commençant avec Goya et sa descente aux enfers qui interroge la vérité de l’homme. Ensuite nous cherchons à comprendre comment se manifeste l’attrait pour l’« exotisme » chez les romantiques, peu à peu remplacé par la question de l’« éthique », pour enfin aboutir à une certaine forme d’ « animalisme »By taking into account the omnipresence of the animal in present art as a point of departure, our research seeks to conceive how the question of otherness, often explicitly articulated in the discourse of those contemporary artists who use the animal theme, has been put forward through it. In effect, since the romanticism and its successors have posed a real crisis to the modernity, the man, overwhelmed by melancholy and nostalgia of the past harmony and its lost unity, seeks to bridge the gap that separates her from the “Absolute.” It is in this endeavour of reconciliation that the animal as otherness holds an important position. Since the eighteenth century, the attention of the European man has turned to these forms of “others,” as the “wild,” the children and the animals. Then a new kind of relation has been developed between the Man and the Animal. Here we study this change of relation, inaugurated by Goya, and its descent into hell that queries the truth about Man. Afterwards we seek to understand how the attraction of “exoticism” among the romantics has been manifested, while gradually replaced by the question of “ethics,” that finally lead to a certain form of “animalism.”
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Bouratsis, Sofia Eliza. "Esthétiques et poïétiques du corps. Le Bioart en questions(s)." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010581.
Full textAbstract:
Ma recherche sur les esthétiques et les poïétiques du corps dans le Bioart se situe à l'interface de trois univers-limites : les images du corps, l'art et la science. Le Bioart, en explorant les limites du corps humain et du vivant animal et végétal, réactualise toute une série de questions philosophiques, esthétiques et scientifiques en ouvrant un horizon de possibilités insoupçonnées - du fantasme à la monstruosité en passant par le cyborg, le devenir-animal de l'homme ou le plantimal. Parce que la temporalité éphémère de ses œuvres s'inscrit dans la dialectique de la vie et de la mort, le Bioart questionne également nos rapports aux diverses altérités et altérations - humaines, non humaines, supra humaines. Nous sommes ici dans l'univers de l'art, ce qui implique d'abord une approche esthétique - qui pose la question du goût et du dégoût et interpelle la sensibilité. Il s'agit dès lors de dégager les idéologies et les figures du corps qui, dans toutes leurs nuances, provoquent la répulsion, l'angoisse, la fascination, la jouissance, la pulsion de savoir ou le désir d'expérimentation. Le Bioart, en utilisant de manière insolite les avancées biotechnologiques et les biomatériaux, permet d'interroger les images du corps véhiculées par les esthétiques et les poïétiques du corps contemporain - et donc de comprendre de manière critique le contexte socio-anthropologique, idéologique, philosophique et artistique qui les suscite. La méthode transdisciplinaire et complémentariste de ma recherche tient compte de la singularité même de la corporéité, qui fait constamment rhizome en échappant à toute assignation disciplinaire et à toute clôture conceptuelleMy research into the aesthetics and poïetics of corporeality within Bioart is situated at the interface of three bordered universes: images of the body, art and science. Bioart recapitulates a series of philosophical, esthetical and scientific questions about the limits of the human body and of animal and plant life, opening horizons to unsuspected possibilities, from phantasms to monstrosities, from Cyborgs to men becoming-animal or plantimal. As the ephemeral temporality of these artworks is inscribed in the dialectic of life and death, Bioart also questions our relationship to alterity and alterations - of the human, non-human or supra-human. We are here in a universe of art, which firstly implies an aesthetic approach, posing questions of delight and disgust and calling for sensitivity. We then have to extricate the ideologies and the figures of the body, which in all of their nuances provoke repulsion, fear, fascination or pleasure and stimulate an urge to experiment and to seek knowledge. By its unusual use of advances made in biotechnologies and biomaterials, Bioart facilitates the questioning of body images, as conveyed by the aesthetics and poïetics of the contemporary body, thus helping us understand critically the socioanthropological, ideological, philosophical and artistic contexts from which they emerge. The transdisciplinary and complementary method of my research takes into account the peculiarity of body awareness in itself, which is constantly expanding - as a rhizome -and so escaping ail disciplinary allocation and conceptual closure
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Chen, Weiyi. "L'hétérogénéisation et l'altérité : Guo Xi, Giuseppe Castiglione et Xu Baihong. Ou la modification dans la peinture chinoise." Thesis, Université de Paris (2019-....), 2019. http://www.theses.fr/2019UNIP7007.
Full textAbstract:
Les images, les peintures montrent davantage ce qu’il y a d’inattendu, de surprenant dans la pensée de l’autre, elles nous aident à voir et à comprendre l’altérité. Cette recherche se présente comme une rétrospective de la transformation de la pensée chinoise à travers les œuvres de trois peintres qui sembleraient marquer des jalons dans l’histoire d’une rencontre avec l’autre : Guo Xi, Giuseppe Castiglione et Xu Beihong. Les œuvres nous serviront d’appui pour discuter sur la culture et sa transformation. Dans ce sens Guo Xi nous permettra de discuter sur l’altérité de la peinture et la pensée chinoises, Giuseppe Castiglione et Xu Beihong nous aideront à montrer comment la peinture européenne, qui est un autre pour la Chine, a transformé le champ visuel en Chine. Pourtant, une rétrospective est inévitablement anachronique : en essayant de situer les peintres dans leur époque, nous les voyons toujours à partir de la situation actuelle. Mais cet anachronisme fait en même temps tout l’intérêt d’une recherche qui a pour objectif de décrire la rencontre, l’hétérogénéisation et la globalisation comme un processus dans la durée. L’hétérogénéisation est comprise comme un enrichissement incessant au sein de la culture et la globalisation est comprise comme un processus où les cultures, chinoise et européenne, se trouvent en confrontation l’une avec l’autre. Ces deux termes sont les facettes de la rencontre entre la Chine et l’Occident, qui a marqué profondément l’histoire moderne et qui est toujours en train de se réaliser. L’objectif de ce travail est de montrer par où la Chine entre dans ce processus de la globalisation et de montrer l’issue intermédiaire de la confrontation de la peinture chinoise avec la peinture européenneThe images, paintings show what is unexpected, surprising in the thought of the other, they help us to see and understand otherness. This research presents itself as a retrospective of the transformation of the Chinese thought through the works of three painters who seem to mark milestones in the history of encountering with the other: Guo Xi, Giuseppe Castiglione and Xu Beihong. The artworks serve as support for the discussion of culture and its transformation. In this sense Guo Xi will allow us to discuss the otherness of the Chinese painting and thought, Giuseppe Castiglione and Xu Beihong will help us to show how the European painting, which is the other for China, has transformed the visual field in China. However, a retrospective is inevitably anachronistic: by trying to locate painters in their own context, we always see them from the current situation. But this anachronism is at the same time the very point of interest of the research that aims to describe the encounter, heterogenization and globalisation as a long-term process. Heterogenization is understood as an enrichment of culture and globalisation is understood as a process in which cultures, Chinese and European, are in confrontation with one another. These two terms are the facets of the encounter between China and the West, which has profoundly affected modern history and is still ongoing. The objective of this work is to show where China is entering this process of globalisation and show the intermediate outcome of the confrontation of the Chinese painting with the European painting
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Pillaudin, Marine. "L'enfance dans l'art : espace transitionnel, transfiguration et transfert dans le dessin, la photographie et la vidéo." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010511.
Full textAbstract:
S'appuyant sur une pratique personnelle du dessin, du collage et de la photographie, cette thèse de poïétique explore le thème de l'enfance dans l'art. Conçue comme un " work in progress", elle part d'une recherche sur l'intimité du dessin afin de construire un regard singulier sur : l'exposition de photographies et de vidéographies témoignant de traumas d'enfants. Elle vérifie l'hypothèse selon laquelle l'artiste puise dans sa propre enfance et dans celle des autres afin de conquérir des territoires de créations ignorés, là où prend corps l'altérité intime. La première partie analyse notamment les œuvres de Louise Bourgeois, Mike Kelley et Rosemarie Trockel, pour comprendre comment leurs processus créateurs réactivent l'espace transitionnel et ses phénomènes en nous immergeant dans des souvenirs d'enfances perdus. Dans une deuxième partie, c'est la transfiguration et l'altération radicale des visages d'enfants photographiés par Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado, ou filmés par Gillian Wearing qui sont interrogées. La réflexion se poursuit autour d'enjeux esthétiques et politiques liés à l'utilisation de ces images par des artistes tels que Mathieu Pemot et Catherine Poncin. Enfin, la troisième partie est centrée sur l'œuvre de Gerhard Richter traitant du transfert en tant que processus permettant d'actualiser, par la répétition, les événements passés qui le hantent. Le faire-œuvre qui en témoigne fait corps, devenant ainsi capable de figer ces blessures. Notre thèse, c'est que l'expérience d'un« absorbement » total dans ces œuvres nous incluant et nous excluant simultanément permet à l'artiste et au regardeur de reconnaître l'histoire des autres en luiRelying on personal experience in drawing, collage and photography, this thesis on poiesis explores the subject of childhood in Art. Designed as a work in progress, it stems from the intimacy of drawing and aims at constructing a singular outlook from the display of photography and films depicting childhood trauma. It verifies the hypothesis stating that the artist peers into his own childhood and that of others in order to conquer creative fields hitherto ignored, at the threshold of the intimate other. The first section scrutinizes the works of Louis Bourgeois, Mike Kelley and Rosemarie Trockel striving to understand how their creative processes reactivate transitional space -and its associated phenomena- by immersing us in distant recollections of childhood. The second section questions the transfiguration and the dramatic alteration of children's faces filmed and photographed by Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado and Gillian Wearing. The thesis then pursues on to evaluate the aesthetic and political stakes bound to the use of these images by artists, the likes of Mathieu Pemot and Catherine Poncin. Ultimately, the third part is centred on the work of Gerhard Richter dealing with transfer as a means of resurfacing -through reiteration- past events that haunt him. The resulting product thus making it possible to set these wounds in stone. Mythesis is that the experience of total absorption/immersion in these works -simultaneously including and excluding us- makes it possible for the artist and the observer to acknowled e the narratives of ethers within themselves
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Pedroza, de Andrade Rosane. "La construction et la déconstruction du regard sur les corps exotiques brésiliens du XIXe siècle à nos jours." Paris 8, 2011. http://octaviana.fr/document/168102609#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose de dresser une généalogie du regard sur le corps humain, sur l’autre, « différent et qui vient de dehors », nommé et constitué au cours de l’Histoire occidentale à travers la découverte des Amérindiens et de la colonisation. Ce travail met en œuvre une analyse interdisciplinaire de l’image brésilienne en ayant recours à l’esthétique de la photographie, à l’anthropologie et à la psychologie afin d’interroger non seulement la construction d’une identité imaginaire, mais surtout de comprendre un (re)sentiment des peuples « exotiques » qui ont été représentés, exposés et exhibés par l’histoire comme des corps-spectacles. Il s’agit donc de réfléchir avec les images, les artistes et les penseurs qui dessinent ce nouveau concept de (re)(dé) construction du monde contemporainThe genealogy of look over a “different and exotic” human body was made up through occidental history of discovery and colonialism. The photography and the anthropology were utilized to analyse the Brazilian iconography en order to question not only a construction of a felling but also an imaginative identity. The images and the artists have been designed traces of a concept of deconstruction of world with their own stories inserted in the contemporary world
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Zarbout, Najah. "De l'autre côté du miroir : l'aventure plastique." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010582.
Full textAbstract:
L'exploration des deux œuvres littéraires "Alice au pays des merveilles" et "De l'autre côté du miroir" de Lewis Carroll, débouche dans cette recherche sur une exploitation plastique riche et variée à l'image d'Alice. En suivant cette petite fille dans sa traversée à travers le miroir ou dans sa descente dans le terrier du lapin, on découvre l'existence d'une contiguïté secrète entre la réalité et le monde merveilleux, deux univers qui germent l'un dans l'autre et qui se reflètent. Cette aventure se base sur le passage dans ses divers aspects qui s'avère à l'origine des différents rapports établis avec l'Autre, l'espace et le temps. Une série de problématiques, toutes liées à l'idée mentale de l'identité et de son rapport à l'altérité, furent soulevées développant les thèmes de limites et de frontière dans la première partie, du regard dans la deuxième et la féminité dans la troisième. Dans cette traversée artistique et poétique, le corps au féminin, dévoile ses devenirs et les concrétions qui le travaillent. Le devenir femme s'avère alors un acte de création. L'art serait-il un exercice pour apprendre à voir et à appréhender l'Autre et ce qui nous entoure en dehors des restrictions de la réalité ?
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Vallespir, Mathilde. "L'exorcisme produit par des oeuvres poétiques et musicales de la guerre et du direct après-guerre : 1939-1945." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040211.
Full textAbstract:
L'objet de la thèse est de circonscrire un agencement d'art particulier : l'exorcisme produit sur un récepteur actuel par des œuvres musicales et poétiques de la guerre et du direct après-guerre de R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. En consommant ces œuvres, le récepteur exorcise la violence propre à la guerre en opposant à la négation de l'autre propre à Auschwitz, lequel emblématise la guerre, l'avènement d'une entité autre surgissant de la perception conditionnée par ces œuvres. Une telle " altérisation " perceptive repose sur un fonctionnement contradictoire de la perception, qui s'effectue tout en s'auto-déconstruisant, et qui brouille la réception. Après avoir en une première partie posé les fondements théoriques de l'approche, et cerné la spécificité de la musique et du langage en s'appuyant sur une critique des rapprochements effectués entre eux, on analyse l'agencement d'exorcisme à proprement parler, en décrivant, en une deuxième partie, sa manifestation fondamentale, le brouillage. On détermine les sources sémiotiques spécifiquement langagières et musicales de ce brouillage, et on montre son pouvoir de déstructuration de la perception et de désimplication sur le récepteur. Le brouillage est ainsi défini comme agencement monstrueux. La dernière partie réinsère cet agencement local dans l'agencement général d'exorcisme. Ce brouillage peut en effet se muer en altérisation, la lecture de la métaphore se transformant en création d' hétéro-univers de croyance, le paradoxe en hétéro-doxe, quand l'écoute s'opère selon des repères marginaux par rapport aux attentes. S'ensuit enfin une modélisation générale de l'agencement d'exorcisme comme mécanisme de substitution de l'autre à soi, comme contre-violence à l'HistoireThe objective of this work is to circumscribe an "agencement" (arrangement) of specific art: the exorcism produced on a receiver by musical or poetical works from the Second World War and the immediate after-war period by R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. When encountering these works, the receiver exorcises the war-related violence by confronting the negation of the other characterising Auschwitz with the advent of another entity rising from the perception conditioned by these works. Such a perceptive "alterisation" rests on a contradictory functioning of perception, which de-constructs itself whilst happening, and which blurs perception. In a first part, we set the theoretical basis for our approach, by encircling the specificity of music and language based on a criticism of association usually made between both of them. We then analyse the mere "agencement" of exorcism by describing its fundamental manifestation - the process of "brouillage" (confusion) - in a second part. We define the semiotic sources for this process which are specific to language and music, as well as its manifestation more distinctively perceptive in both systems, through its power of de-construction and des-involvement. That way, we manage to define the "brouillage" as a monstrous "agencement". The last part of this work is dedicated to the reinsertion of this "agencement" into the more general "agencement" of exorcism. We show how the "brouillage" can change to "alterisation", with the reading of metaphor itself changing into the creation of a hetero-universe of belief, and the paradox into "hetero-dox", when listening operates along benchmarks which are marginal compared to expectations. To conclude, we propose a general modelling of the "agencement" of exorcism as a way of substituting to the other, as a challenge to the violence of History
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Lin, Yu-Ta. "Représentations des aborigènes de Taïwan au musée : entre art et ethnographie dans un contexte post-colonial." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA164/document.
Full textAbstract:
La représentation des aborigènes qu’elle soit due à des artistes aborigènes ou à un regard extérieur fait partie de la construction d’une identité, notamment lorsque l’acte de création est pensé comme un mode de transmission culturelle (afin de retrouver leurs esprits ancestraux), la première étape pour aborder les œuvres des artistes aborigènes consiste à multiplier les points de vue sur la question de l’identité culturelle (la dimension politique d’affirmation de soi) et à remettre en question leur intention d’être artiste. Le fait que l'artiste aborigène se pense comme artiste dénote déjà une tentative d’inscription dans un monde social non aborigène. Cette posture ne va cependant pas sans tensions. Après le tournant ethnographique (tournant contextuel et identitaire), l’artiste aborigène s’est obligé à réfléchir à son statut, à sa manière de créer et au pourquoi de ce choix de devenir un artiste. La voie choisie par les quatre artistes étudiés ici ne les a pas conduits à apprendre des choses (acte de construire ou se construire). Il s’agit plutôt d’un effort de désapprendre, afin d’exprimer la juxtaposition culturelle et la simultanéité de l’Autre dans un monde global et mobile. En conséquence, l’artiste en tant qu’aborigène-voyageur provoque un court-circuit des interprétations. Dans cette perspective, chaque présentation au musée noue une relation avec le visiteur ou le spectateur dans un espace temporaire ou parallèle à l’espace réel.Cette recherche s’appuie à la fois sur l’analyse de la situation socio-culturelle de quatre artistes aborigènes ( Rahic Talif, Walis Labai, Sapud Kacaw et Chang En-Man ), l’analyse esthétique de leurs oeuvres et l’analyse historique du contexte de production, de diffusion et d’exposition des œuvres aborigène en général entre 1895 et 2017. Elle tente de cerner une vision post-coloniale entre l’art et l’ethnographie et de développer une pratique de l’analyse qualitative bâtie sur trois questions fondamentales : comment les oeuvres des artistes aborigènes ont-elles été représentées et « encadrées » dans un discours identitaire ? Comment l’artiste aborigène met-il en lumière la traçabilité de son appartenance (comme identité traçable) à travers sa représentation ? Comment cette représentation introduit-elle un court-circuit des interprétations culturelles dans les modes de réception ?The representation of the aborigines, whether due to aboriginal artists or based on an outside perspective, is an integral part of the construction of an identity, in particular when the act of creation is conceived as a mode of cultural transmission (in order to find their ancestral spirits). The first step to approaching the works of the aboriginal artists consists of multiplying points of view on the question of the cultural identity (the political dimension of self-affirmation) and the questioning of their intent to be considered an artist. The fact that the aboriginal artist regards himself as an artist, had already been attempted in the non-aboriginal community. However, this position has not been without controversy. After the ethnographical turn (contextual turn into specific identity), the aboriginal artist is obliged to think about his/her status, the way to create and the reason why (s)he would become an artist. The approach chosen by the four artists studied here has not led them to learn anything (act of construction or building of themselves) ; it is rather a question of unlearning, in order to associate with the cultural juxtaposition and the simultaneity of the others in the global and mobile world. Therefore, the artist as an aborigine-traveler causes a short-circuit in the interpretations. In this perspective, each presentation at the museum builds a relationship with the ‘visitor-viewer’ in a temporary or parallel space as it relates to the real space.This research is based at the same time on the analysis of the socio-cultural situation of the four artists (Rahic Talif, Walis Labai, Sapud Kacaw et Chang En-Man), the aesthetic analysis of their works and the historical analysis of the context of production, diffusion and exhibition of the aboriginal works in general between 1895 and 2017. By relying on a sociocultural and artistic representation, our research is designed to build a strategic vision for the post-colonial studies between art and ethnography. Developing a practice of the qualitative analysis, we wish to focus on three fundamental questions : How were the works of the aboriginal artists represented and « framed » in a control of identity discourse? How does the aboriginal artist consider the traceability of his/her feeling of belonging (like a trackable identity) through his/her representation? How does this representation introduce a short circuit of the cultural interpretations in the different modes of expression, perception, evolution and reception?
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Lepin, Franck. "L'animalité dans l'art contemporain." Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20031.
Full textAbstract:
A une période où les valeurs prises par l'animalité ont été l'objet de profonds bouleversements, cette thèse offre une première étude de sa place et de son rôle dans l'art contemporain, depuis 1960 jusqu'à la fin des années quatre-vingt-dix. A partir d'une recherche historique et théorique inédite, elle analyse les pratiques engagées par une trentaine d'artistes parmi lesquels Joseph Beuys, Jannis Kounellis, Rebecca Horn et Rosemarie Trockel. Plusieurs axes de réflexion sont proposés à partir d'un plan thématique. Nous montrons d'abord comment certains artistes sont passés par l'animalité pour interroger la nature humaine, ses fondements et ses limites. Puis nous étudions l'usage de l'animalité dans des oeuvres questionnant l'art et la création. Plusieurs aspects de l'identité humaine sont ensuite abordés, au travers de la question de l'altérité, puis de celle de l'identité sexuée et de l'identité sociale du sujet. Enfin, cette étude s'intéresse à des oeuvres proposant, une nouvelle expérience du vivant par l'animalité, et à d'autres dans lesquelles il est question de notre rapport à la natureAt a time in which issues of animality have been the subject of many changes, this thesis provides a first study of his place and his part in contemporary art fro 1960 until the end of the nineties. From an unpublished historical and theoretical research, it analyses the work of about thirty artists among Joseph Beuys, Jannis Kounellis, Rebecca Horn and Rosemarie Trockel. Several topics are examined according to a thematic plan. It shows first how some artists have used animality to question human nature, his foundations and his boundaries. Then it explores the use of animality in works discussing art and creation. Several aspects of human identity are expanded afterwards, through the question of otherness, and next through gender identity and social identity. Finally, these survey comments on works offering a new experience of living and on others in which it is about our link to nature
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MARQUES, MARCELO. "L'autre et les autres : a propos de l'alterite dans le sophiste de platon." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1997. http://www.theses.fr/1997STR20095.
Full textAbstract:
Dans le sophiste, la quete d'une definition du sophiste envisage son activite en tant qu'action discursive qui implique une certaine pretention au savoir et des pretentions vis-a-vis des autres hommes. Pour etablir la possibilite du discours faux, l'etranger d'elee et theetete doivent depasser les antilogies des sophistes mais aussi les apories des discours des philosophes concernant l'etre et le non-etre. L'introduction du genre de l'autre rend possible le discours par la separation et l'entrelacement des formes, le non-etre etant compris comme une partie de la nature de l'autre. Ces trois elements structurent notre lecture du sophiste : les hommes, leurs discours et les formes intelligibles, dans la mesure ou ils sont tous des etres traverses par l'alterite. Ce sont les elements qui constituent la dialectique : une science humaine (des hommes libres) de la division (par les discours) des etres selon leurs genres (les formes). Ce que nous appelons l'alterite des hommes dans leurs rapports reciproques concerne la cite comme l'espace ou se confrontent differentes pratiques discursives, dont la sophistique et la philosophie. Des pretentions au pouvoir et au savoir qui se confondent en tant qu'elles se font par le discours, mais qui se distinguent par leur differents modes d'action et aussi par les modes comme elles justifient leurs pretentions. Le philosophe socratico-platonicien se distingue en ce qu'il propose un regard d'etranger envers les affaires de la cite : une perspective qui pretend echapper aux contraintes humaines par la reference a une mesure divine absolue qui relativise et renverse les valeurs usuelles des hommes. Nous envisageons la mise en dialogue par platon du probleme de l'autre comme une strategie rhetorique dont les elements principaux ne peuvent etre compris que par l'alterite qui les structure : le personnage de l'etranger, la methode de la division, les arts du sophiste, l'antilogie, la production d'images, l'aporie, la dialectique des formes, le genre de l'autre, le non-etre, la refutation, le discours faux et le genre du sophisteIn plato's sophist, the search for a definition of sophistry considers it as a techne, a kind of discursive action which implies certain pretentions towards knowledge as well as towards other men. In order to establish the possibility of false discourse, the eleatic stranger and theaetetus must surmount the sophists' antilogies as well as the aporiai in the philosophers' discourses on being and non-being. The introduction of otherness as an intelligible kind makes discourse possible by the separation and the interweaving of forms, non-being being understood as a part of the nature of otherness. These three elements structure our reading of the sophist : men, their discourses and intelligible forms, inasmuch as they are pervaded by otherness. These are the elements which constitute dialectics : a human science (of free men) of the division (by means of discourses) of beings according to their kinds (forms). What we call the otherness of men in their mutual relations concerns the city as space where different discursive practices confront each other, among which we find sophistry and philosophy. Both are taken as pretensions towards power and knowledge which tend to be seen as the same in that both are accomplished through discourse, but which in fact distinguish from each other by their different modes of action as well as by the way each one justifies its pretensions. The socratic platonic philosopher stands out from the others in that he proposes a stranger's outlook towards the city affairs : a perspective which aims at overcoming human constraints by referring to an absolute divine measure which shows the relativity of the usual human values. We consider plato's dialogue on the philosophical problem of the other as a rhetoric strategy whose main elements can only be understood if we focus on the otherness which structures them at different levels : the eleatic stranger, the method of division, the sophist's arts, antilogy, image-making, aporia, the dialectic of forms, the kind of the other, non-being, refutation, false speech and the kind of the sophist
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Jaffro, Laurent. "Shaftesbury et l'art d'écrire dans la philosophie morale." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100142.
Full textAbstract:
Cette étude prétend démontrer que le problème de l'autorité du philosophe est la meilleure manière d'articuler l'œuvre inédite et l'œuvre publiée (les characteristicks) de Shaftesbury. Que signifie devenir un auteur, pour un philosophe ? Le gouvernement des autres exige le gouvernement de soi et ce que Foucault appelle subjectivation. Le souci de Shaftesbury est d'habiliter par l'ascèse privée à la publication de la philosophie morale. L'essai sur le soliloque est la théorie publiée des askemata impubiables. L'enthousiasme est l'état primitivement indifférencie de la communication. Le développement de la communication implique la présupposition pragmatique du sensus communis, que Shaftesbury conçoit comme une forme de la civilité susceptible de grandeur et de décadence. La philosophie exige un art d'écrire, défini comme une théorie des styles et des genres, et l'art d'écrire au sens classique, comme technique de dissimulation et de communication indirecte. La foi déiste du philosophe ne peut être divulguée ouvertement. La communication de la philosophie suppose une pratique du secret et le repli du soliloque. Les relations entre espace public et autorité philosophique, communauté et foi privée, répondent a un même modèle. Ce modèle est théologico-politique. Il s'agit de la conformité occasionnelle. La philosophie morale de Shaftesbury est la tentative, dans les langues religieuses et politiques de son temps, d'une formulation de l'éthique de la communication de l'éthiqueThis study argues that the problem of philosophical authorship is the only way to unify Shaftesbury’s published (characteristicks) and unpublished writings. What does it mean for a philosopher, to become an author? The government of others requires self-government and what Foucault calls "subjectivation". The question is how to enable oneself, by the means of private askesis, to publish moral philosophy. The essay "soliloquy" is the published theory of the unpublishable askemata. Enthusiasm means a primitively undifferentiated state of communication. The development of communication implies the pragmatic presupposition of sensus communis, which is a form of civility open to improvement and decay. Philosophy necessitates an art of writing defined as a theory of styles and genres, as well as the classical art of writing: a technique of dissimulation and oblique communication. The private deist faith can't be openly published. Philosophy demands a practice of secret and the inward recesses of soliloquy. The relations between public sphere and philosophical authorship, between community and faith, are built to one pattern: that of the theologicopolitical scheme of occasional conformity. Shaftesbury's moral philosophy tries, through the religious and political languages of its time, to formulate the ethics of the communication of ethics
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Haghshenas, Leïla. "Ipséité et altérité dans l’œuvre littéraire de Leonard Woolf." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30066.
Full textAbstract:
La présente étude se propose d’examiner la notion d’altérité dans l’œuvre littéraire de Leonard Woolf. Notre thèse a pour ambition de tracer la trajectoire éthique de Leonard Woolf depuis ses premières expériences en tant qu’« impérialiste inconscient » jusqu’à celles d’un être hautement conscient des enjeux éthiques. Nous pensons que cette évolution dans la mentalité de l’auteur est reflétée dans son travail littéraire, politique et éditorial. L’analyse présentée dans ce travail de thèse porte sur les romans, les nouvelles et la pièce de théâtre de Leonard Woolf ainsi que sur son autobiographie riche de cinq volumes. La première partie de cette thèse a pour objectif de mettre en avant l’ouverture de Leonard Woolf aux autres cultures par le biais de l’analyse du mythe cingalais. Ce premier axe comprend une étude de son premier roman The Village in the Jungle, son deuxième roman The Wise Virgins et la nouvelle « The Two Brahmans » à la lumière de la mythologie. Dans la deuxième partie de notre étude, nous tentons de mettre en lumière la conception de l’altérité de l’auteur dans les œuvres suivantes : « A Tale Told by Moonlight », « Pearls and Swine », « Three Jews », The Wise Virgins et The Hotel. Nous pensons que ces œuvres dégagent une conception de l’altérité qui s’éloigne de plus en plus de celle exposée dans The Village in the Jungle, s’orientant vers une union avec l’autre. La troisième partie de notre travail est consacrée à l’étude de l’altérité dans l’autobiographie de Leonard Woolf. Dans cette dernière partie, nous essayons de montrer comment l’auteur tente d’intégrer l’autre à l’intérieur de sa propre ipséité. Mots-clés : Leonard Woolf, ipséité, altérité, modernisme, littérature et philosophie, mythologie, autobiographieThis study aims to examine the notion of otherness in Leonard Woolf's literary work. Our thesis means to trace Leonard Woolf’s ethical trajectory from his first experiences as an ‘unconscious imperialist’ to those of a being highly aware of ethical issues. We believe that this evolution in the author’s mentality is reflected in his literary, political and editorial work. Our analysis focuses on Leonard Woolf’s novels, short stories and play as well as his autobiography. The first part of this thesis aims to highlight Leonard Woolf’s openness to other cultures through the analysis of the Sinhalese myth. This first axis includes a study of The Village in the Jungle, The Wise Virgins and ‘The Two Brahmans’ in the light of mythology. In the second part of our study, we attempt to highlight the author’s conception of otherness in the following works: ‘A Tale Told by Moonlight’, ‘Pearls and Swine’, ‘Three Jews’, The Wise Virgins and The Hotel. We believe that these works reveal a conception of otherness that departs from the one presented in his earlier works and that moves towards a union with the other. The third part of our work is devoted to the study of otherness in Leonard Woolf’s autobiography. In this last section, we show how the author tries to integrate the other within his own ipseity. Key words: Leonard Woolf, ipseity, alterity, modernism, literature and philosophy, mythology, autobiography
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Yun, Dae-Sun. "Idendité et altérité chez E. Lévinas et dans la non-philosophie." Paris 10, 2001. http://www.theses.fr/2001PA100100.
Full textAbstract:
L'Eros paternel qui est immanent à la proximité d'autrui est lié au principe de la production de l'infinité dans le temps, la production qui est manifestée comme infiniment autre. Il est la nécessité métaphysique qui rend possible l'existence pluraliste en tant qu'unicité du moi constituée dans la séparation. Ethiquement, il suppose alors la responsabilité pour autrui. Ainsi, la paternité descendant en nous est comparable au désir métaphysique, qui ne se destine qu'à l'extériorité car l'idée de l'infini se manifeste comme absolument autre qui est l'expression de l'identité en tant qu'altérité. Enfin, "l'Eros paternel ", qui est le mot clef de notre thèse de façon à mettre en lumière la relation de Dieu présentée à l'homme, et qui évoque ainsi par la révélation le sens de l'identité de soi, est comme le désir métaphysique qui s'effectue sous la forme de "retour éternel à Dieu "The paternal Eros which is immanent of the proximity of the other is related to the principle of the production of infinity in time, the production which is expressed like infinitely other. It is the metaphysical need which makes possible the plural existence as an unity of the self made up in the separation. Ethically, it supposes the responsibility for the other. Thus, paternity going down in us is comparable with the metaphysical desire, which is intended only for the exteriority because the idea of the infinity appears as absolutely the other which is the expression of the identity as an alterity. Lastly, the paternal Eros, which is the key word of our thesis clarifying the relation of God presented to the man, and which thus evokes by the revelation the meaning of the identity of the self, is like the metaphysical desire which is carried out in the form of eternal return to God
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Kim, Hyeon-Suk. "L'esthétique du vide (空) dans l'art." Paris 8, 2007. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://www.harmatheque.com/ebook/9782343036670.
Full textAbstract:
L'origine du mot vide dans le bouddhisme est liée à l'idéogramme chinois 空, qui vient du sanscrit Śūnya. Śvi : la racine du mot Śūnya signifie à la fois enflé et vide à l'intérieur, comme une bulle de savon qui, formée d'un souffle, disparaît aussitôt qu'elle rencontre l'air. À la recherche de l'origine du vide, nous découvrons la spiritualité de la sagesse asiatique du confucianisme, du bouddhisme, du Tao (道) de Tchouang-tseu (莊子), du Tao de Lao-tseu (老者), du Yi-King (周易), du Juste milieu (中庸), et des Upanisads. Cette spiritualité de la sagesse asiatique évoque quelques autres notions de l’Occident : le Visible et l’Invisible de Merleau-Ponty, l’Etre et le Néant de Sartre, "l'Existence et le Néant" de Bergson, "ET, entre" de Deleuze, et "l'Origine" de Benjamin, etc. En Orient, depuis longtemps, les moines et les lettrés se livrent à la calligraphie, au poème Zen et à la peinture de paysage, comme pratiques de la méditation, tel le Mandala de Kalachakra, pour retrouver l'état de méditation et l'état du Zen qui conduisent à l'essentiel du vide. Cette réflexion peut se présenter dans l'analyse de quelque œuvres choisies, classiques, modernes et contemporaines, celles de l'Orient et celles de l'Occident, en rapport au thème de certains chapitres, à savoir le seuil du vide (空), le Zen (禪), le souffle et le poème Zen (禪詩), le souffle et la peinture du paysage (山水畵, 風景畵 : la peinture du paysage du vent), et le MandalaThe origin of the word for vacuum in Buddhism is related to the Chinese ideogram, 空, which derives from Sanskrit Śūnya. Śvi, the root of the word of Śūnya, means at the same time swollen and empty inside, like a soap bubble which forms by our breath and disappears at once when it meets the air. From research on the origin of the vacuum, we appreciate the spirituality of the Asian wisdom of Buddhism, Confucianism, Tao of Tchouang-tseu (莊子), Tao of Lao-tseu (老者), Yi-King (周易), Just medium (中庸), and the Upanishads. The spiritual aspects of Asian wisdom evoke some Western concepts as well : the Visible one and the Invisible one of Merleau-Ponty, Being and Nothingness of Sartre, “The Existence and Nothing” of Bergson, “And, between” of Deleuze, and “the Origin” of Benjamin. In the East, for a long time, monks and well-read men devoted themselves to penmanship, Zen poems, and painting landscapes, as a practice of meditation, like the Mandala of Kalachakra of Tibet, to find the state of meditation and the state of the Zen which lead to the essence of the vacuum. This way of reflecting can be found by analyzing some works -- traditional, modern, and contemporary, those of the East and those of the Occident – with attention to key topics : the threshold of the vacuum (空), Zen (禪), the breath of the poem Zen (禪詩), the breath and the painting of the landscape (山水畵, 風景畵: the painting of the landscape of the wind), and the Mandala
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Kim, Mi-Young. "Fluxus : une tentative d'insertion de l'art dans la vie." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081139.
Full textAbstract:
L'un des elements qui portent a reflechir tout au long de ce travail est le motif de la participation des divers artistes aux activites de fluxus. La plupart des artistes se reunissent par amitie et acceptent les sollicitations de george maciunas, qui est comme un missionnaire au service de la cause de fluxus. Mais pour autant, il ne se sentent pas membre officiel de fluxus. C'est donc grace a leur forte affinite qui n'est pas esthetique, mais existentielle, que fluxus peut exister en tant que tel. L'experimentation artistique abordee par les artistes de fluxus reside souvent dans le deplacement de l'art hors de ses reperes traditionnels, vers n'importe quel autre endroit dans le monde reel pour ainsi atteindre une fusion de l'art et la vie. Redefinissant l'art comme le processus de la vie, fluxus dissipe toute les limitations quant au genre de substances dont l'art peut etre constitue. Fluxus developpe certaines formes d'anarchie qui etaient limitees au domaine de la musique, vers un reve collectif dans la societe pour assurer la liberte des hommes. C'est cette liberte qu'il puisent de l'art que fluxus voudrait precisement accorder a la vie. Ainsi fluxus demontre la possibilite d'un changement d'attitude a l'egard de l'art et la vieOne of the main issues addressed by this work is the motivation of artists to participate in fluxus activities. Most of artists gather just for friendship when they are asked by maciunas. He is someone like a missionary for fluxus mission. Anyway, they do not feel nor think like an official member of the group. The great affinity between them is not aesthetic but existential; it is the only cement of fluxus. Artistical experiment by fluxus artists is located in the moving of art from its traditional place, towards anywhere else in the real world. It results into the fusion of art and life. As of this experiment, art works within real life circumstances. Fluxus gives a new definition to art that is life process while no boundaries are any longer recognized for art materials. Fluxus widens the anarchy spirit from its initial music aera, into a collective dream available for the whole society, allowing man freedom. This freedom coming from the art is wished to be raised up to entire life. So, fluxus gives a demonstration that changing attitude in front of art and life can come true
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Paillard, de Chenay Célio. ""L'art numérique" : un nouveau mouvement dans le monde de l'art contemporain." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010655.
Full textAbstract:
L'appellation «art numérique » s'impose dans le paysage artistique français au début du XXIe siècle. Dans quel contexte est-elle apparue, quels sont ses objectifs et espoirs? Cette thèse s'intéresse aux processus de constitution de ce nouveau mouvement artistique. Pourquoi prend-il la forme d'un art spécifique, qu'est-ce qui le distingue dans le paysage artistique actuel, comment le reconnaît-on ? Une fois installé, peut-on s'affranchir de ses règles pour épouser celles du monde de l'art contemporain ? Les approches historiques, esthétiques, sociologiques sont nécessaires pour étudier ce nouveau devenir - numérique - de l'art: ce n'est pas un évènement universel et univoque mais le résultat de circonstances particulières, et la rencontre de différents acteurs, concernés par un idéal commun sinon proche. Cette étude ne se résume donc pas à l'analyse des seules oeuvres, mais prend en compte tout le contexte de monstration, et singulièrement le bagage théorique qui les accompagne.
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Marchand, Yan. "Le passage problématique du retrait à la présence dans la pensée grecque." Rennes 1, 2005. http://www.theses.fr/2005REN1X001.
Full textAbstract:
Peut-on se rapporter au retrait sans le rendre manifeste ? Cette entreprise est la solution politique qui situe les individus dans l'épure de la relation qu'est l'égalité au sein d'une totalité. Le mobile de cette entreprise est le repos, lequel résulte d'une lucidité sur le rien, initiée par Héraclite et Parménide. Et nous pensons nous accomplir dans la réalisation de ce rien par l'égalité. Toutefois, l'individu ne fait pas partie de la solution politique et si retrait il y a, il faut l'éclairer comme tel pour comprendre la merveille d'être qu'est toute présence. Il faut répéter le retrait pour se faire un monde et ne pas le résoudre en système. C'est par l'Autre dans le visage d'autrui, l'être de l'étant, la mémoire, les législations particulières, les colosses grecs et le daidalon, que nous ferons l'expérience de l'Autre grâce auquel je demeure en retour dans la présence comme chez moi. Ces répétitions me mettent en garde contre l'objectivation d'autrui, la réduction des étants à un stock, le progrès ontologique, la cité égalitaire, l'art : toutes ces manières lucides de remployer l'homme dans le néant originaire ; ce à partir et contre quoi, pourtant, nous sommes individués : la mort.
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Ratié, Isabelle. "Le Soi et l'Autre : identité, différence et altérité dans la philosophie de la Pratyabhijñā." Paris, EPHE, 2009. http://www.theses.fr/2009EPHE5002.
Full textAbstract:
Cette étude offre une analyse des concepts d'identité, de différence et d'altérité dans les Īśvarapratyabhijñākārikā du cachemirien Utpaladeva (Xe siècle) et dans leurs commentaires par Utpaladeva lui-même et par son compatriote Abhinavagupta (Xe-XIe siècles). Selon les Ecritures (āgama) sívaïtes non dualistes, les divers sujets et objets ne sont que des aspects limités d'une conscience infinie et omnipotente, et se libérer consiste à recouvrer la pleine conscience de cette identité. Utpaladeva et Abhinavagupta, en s'engageant dans un dialogue rationnel avec des philosophes tant bouddhistes que brahmaniques, transforment ce dogme en un système philosophique. Les chapitres 1 à 4 examinent la manière dont les deux sìvaïtes démontrent la permanence du sujet conscient contre les bouddhistes - selon que l'identité personnelle est la projection d'une unité factice sur une multiplicité de cognitions instantanées - tout en exploitant la critique bouddhique des définitions brahmaniques du Soi(ātman) afin d'asseoir leur propre conception du sujet. Les chapitres 5 à 8 présentent une analyse de la stratégie complexe par laquelle ils établissent leur idéalisme tout en se démarquant de l'idéalisme bouddhique des Vijñānavādin, notamment par l'affirmation selon laquelle contrairement au Vijñānavāda, leur idéalisme fait place à l'altérité et à l'intersubjectivité. Enfin, le chapitre 9 examine le statut ontologique qu'ils accordent à la différence par le biais d'une analyse critique de l'ontologie moniste de l'Advaita Vedānta, et explore leur propre définition de l'identité comme dynamisme conscient capable d'inclure à la fois différence (bheda) et non-différence (abheda)This study examines the notions of identity, difference and otherness in Utpaladeva's ̄śvarapratyabhijñākārikās and their commentaries by their Kashmirian author himself (10th century) and by his fellow countryman Abhinavagupta (10-11th centuries). According to the Śaiva non dualistic scriptures (āgama), the various subjects and objects are nothing but limited aspects of a single and omnipotent consciousness, and liberation consists in recovering the full consciousness of this identity. Utpaladeva et Abhinavagupta, by entering into a rational dialogue with Buddhist as well as Brahmanical philosophers, transform this dogma into a philosophical system. Chapters 1 to 4 examine how the two Śaivas demonstrate the conscious subject's permanency against the Buddhists - according to whom persoal identity is the superimposition of an artificial unity onto a multiplicity of momentary cognitions - while exploiting the Buddhist criticism of various Brahmanical definitions of the Self (ātman) in order to sustain their own conception of the subject. Chapter 5 to 8 offer an analysis of the complex strategy through which they established their idealism while distancing themselves from the Buddhist idealism of the Vijñānavādins, for instance by claiming that contrary to the Vijñānavāda, their idealism is not contradictory with alterity nor with intersubjectivity. Lastly, chapter 9 examines the ontological status of difference in theyr system by analising their criticism of Advaita Vedānta's monistic ontology, and explores their own definition of identity as a conscious dynamism capable of including both difference (bheda) and non-ifference (abheda)
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Collet, Evelyne. "La création comme émergence du possible dans l'art et au dehors." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010559.
Full textAbstract:
La creation peut-elle etre entendue comme une emergence qui s'exprime par une actualisation qui ne s'epuise pas dans l'effectuation qu'elle produit ? l'emergence est-elle des lors celle de la creation ou bien celle-ci est-elle toujours interiorisee dans son produit qui en represente la possibilite? il semble que la relation creer - cree se marque de ce moment transitoi- re. La relation de l'artiste a son oeuvre instaure un espace tiers qui mediatise le mode de realite dans lequel il est implique ; en cela, il le produit. Le conflit subsistant entre monde connu et monde vecu releve-t-il d'une hierarchisation posee qui maintient la separation de realites des lors antagonistes et qui distribue ce qui est de l'ordre des valeurs de l'instance (la loi) selon une ligne verticale, tandis que ce qui est de l'ordre de la re-production est associe a une ligne horizontale, repre- sentant ce qui se joue a la surface, le represente? mais cette repre- sentation, si elle est sous-tendue par la pensee d'une origine une et statique, n'implique-t-elle pas que ce "represente" se situe lui-meme dans une position d'anteriorite par rapport a celle-ci? l'emergence du possible a-t-elle une valeur teleologique dont la resonance poursuit la determination de l'analogie etablCan creation be seen as a force ("what is possible") which expresses itself through an actualization which can't run out into the "effectuation" it produces ? therefore is emergence from creation or is it always internalized in its production which represents its possibility ? the relationship between the act of creation and creation itself may be marked by this transitory moment. The relation of the artist to his work establishes a "third space" which mediatizes the mode of reality in which it is implied ; he thus produces it. Does the conflict remaining between the known world and the "lived" world reveal a set hierarchical organization which maintains a separation of realities then antagonistic? is creation associated with what remains on the surface? if this representation is subtented by the thought of a one and static origin, does it not imply that the "represented" should be located in a position of anteriority in relation to it? furthermore has the emergence of "what is possible" got a teleological value, whose resonance seeks the determination of the analogy established between creation and the emergence of "what is possible"?
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Choi, Massart Young-Ju. "Perception et expression de la couleur dans l'art pictural moderne." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010718.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur la perception et l'expression de la couleur: y seront envisagées l'expression de la couleur par le peintre et sa perception par le spectateur, mais aussi la couleur telle qu'elle est perçue, envisagée et théorisée par le peintre, et les réactions qu'elle suscite chez le spectateur. Nous avons, pour dégager des constantes, points communs et/ou oppositions, étudié le regard porté sur la couleur par le philosophe, le physicien, l'opticien, le chimiste, le psychologue, pour ensuite envisager le point de vue croisé de l'artiste et du spectateur. La perception de la couleur d'une œuvre picturale s'effectue à partir des connaissances de l'artiste et du spectateur, de leurs émotions, leur histoire propre et de l'Histoire elle-même, au gré des progrès techniques, des modes et modèles dominants. La perception de la couleur apparaît comme un phénomène autant culturel que psychologique et physiologique. Notre perception du réel n'est pas neutre: la couleur n'est pas qu'une donnée s'imposant à nous de façon abstraite et purement physique, elle est aussi, pour le spectateur comme pour l'artiste, une construction intellectuelle et, pour ce dernier, l'expression d'un choix, le résultat d'une recherche, voire l'élaboration d'un système. La couleur nous stimule en permanence, génère de nouvelles interrogations et sensations et peut revêtir de multiples significations. D'où une approche pluridisciplinaire de la couleur, intégrant la science de la couleur, son histoire (vision objective) et sa perception (vision subjective), afin de comprendre et déterminer comment la couleur peut rendre un tableau signifiant et stimulant aux yeux du spectateur.
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Crémézi, Sylvie. "L'élaboration du sens dans la danse contemporaine." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040082.
Full textAbstract:
Depuis ces dernières décennies réapparait au premier plan du panorama artistique l'art scénique le plus archaïque qui recouvre sa fonction d'art majeur. La danse contemporaine, géologie de la psychè humaine et des états du corps exprime cette nécessite de renouer avec la sacralité cosmique le mouvement danse est non seulement générateur de sens mais aussi régénérateur - elle rappelle la vertu mythique de la scène, les pouvoirs de communication viscérale et métakinésique du corps dansant, pour que l'homme habite enfin son corpsFor these past ten years, the most archaic scenic art has been again in the fore ground of the artistic panorama and has regained its function of major art today's dance, the geology of the human psyche and of the states of the body expresses this necessity of being bound again with the sacred. The dance movement is not only generator of meaning but also regenerative. Dance reminds one of the mythical virtue of the stage, so that man finally inhabits his body
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Oh, Nam-Suck. "Le possible et la non-ressemblance dans l'art contemporain." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010553.
Full textAbstract:
L'art contemporain a pour l'objectif de se donner comme un faire impersonnel qui rompt avec toute représentation ressemblante. Telle semble être la ligne conductrice qui traverse les réalisations de Marcel Duchamp et de ses successeurs. Il est vrai que cette visée nouvelle de l'art à partir de la double négation à la fois du sujet et de l'être se manifeste sous diverses formes dont, avouons-le, la complexité elle-même nous laisse désemparée. Ce n'est pas pourtant notre propos de parcourir cette complexité comme pour faire une histoire de l'art contemporain. Nous nous sommes contenté dans la présente étude de nous interroger seulement sur cette idée même. La négation de la représentation ressemblante entraine par voie de conséquence la disparition du mode interrogatif du travail dans le domaine de l'art. Là où l'interrogation disparait, le possible apparait dans toute son étendue. En l'absence de ce qui en appelle le travail artistique à venir toujours sur le mode interrogatif, l'art contemporain élargit son champ dans le possible. Élaborant minutieusement la théorie du possible et donnant à voir la figuration du possible à partir de « à perspective de l'’étant donné », Marcel Duchamp ouvre du coup la voie au faire affirmatif. Resterait toutefois à demander si la question de l'art se pose en termes de possible. Il se peut que, n'ayant ni la conscience de l'apparence, mais se donnant comme le possible même, le faire affirmatif contracte le caractère factice.
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Doutabaa-Charif, Najia. "Art et altérité : l'intérêt en France pour les faits culturels et artistiques du monde arabe." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100093.
Full textAbstract:
En cherchant à comprendre la signification de l'intérêt en France pour les faits culturels et artistiques du monde arabe, l'auteur met en rapport l'art et l'altérité ou son traitement en tant que faits sociaux et historiques. La problématique retenue s'intéresse à l'un des aspects symboliques de la vie sociale : le traitement de l'altérité par le support de l'art. Le travail empirique est composé de deux enquêtes : l'une qualitative auprès des artistes arabes vivant à Paris et la deuxième quantitative puis qualitative donnant la parole aux visiteurs de l'Institut du monde arabe. Les résultats obtenus après analyses et interprétations des entretiens et des questionnaires mettent en évidence du côté des artistes une certaine "lutte pour la reconnaissance". Les résultats de l'enquête auprès des visiteurs révèlent une relation entre le processus symbolique, le traitement de l'altérité, et la pratique culturelle et sociale, la visite à l'Institut du monde arabe. Ils ont mis en évidence des motivations et des intérêts en rapport avec une " demande de connaissance " de l'autre et de sa cultureWhile seeking to understand the significance of the interest taken the cultural and artistic facts of the Arab world in France, the author relates art and otherness or its unveiling of treatment social and historical facts. The problems selected relate to one of the symbolic aspects of social life: the expression of otherness through art. The postulates of knowledge sociology, those of art sociology of and especially the cultural and artistic reception make up the theoretical frames of this study. The empirical work is composed of two investigations : the first one is qualitative amongst the Arab artists living in Paris and the second one quantitative and then qualitative by allowing the visitors of the Institute of the Arab world to give their opinion. The results res highlightobtained alter the analysis and interpretations of the interviews and the questionnai a certain "struggle for recognition" on the artists' side. The results of the investigation amongst the visitors reveal a relationship between the symbolic process, the treatment of otherness, and the cultural and social practice during the visit at the Institute of the Arab world
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Chen, Chiao. "Interactivité et dissolution de la structure Autre dans les environnements d'inerfaces transparentes." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010669.
Full textAbstract:
En s'appuyant sur douze situations de mise en oeuvre d'environnements à interfaces transparentes (EIT), cette thèse examine ce qui peut arriver à un individu, l'interacteur, plongé dans un environnement préparé où une machine analyse différentes données de sa présence en' même temps qu'elle suspend, ou subvertit, le modèle stimulus-réponse dans le rapport homme-machine. Quelles sont les conditions de la mise en relation interactive de l'homme avec cette machine? Quelle est la nature de l'altérité des EIT ? Comment cette machine, qui ressortit à la prothèse, ne s'intègre-elle pourtant pas complètement dans la double logique de' la prothèse ? Enfin, quid de la temporalité dans ces environnements où les trois registres du temps (passe, présent, avenir) s'interpénètrent et se télescopent de telle sorte que l'interacteur expérimente un certain ébranlement de la logique de causalité ?
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Sénac, Réjane. "Identités sexuées et altérité démocratique : les représentations des différences hommes-femmes dans la société française aujourd'hui." Paris, Institut d'études politiques, 2004. http://www.theses.fr/2004IEPP0010.
Full text
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Vauday, Patrick. "L'Image et le réel." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081468.
Full textAbstract:
L'image ne se reduit ni a son aura imaginaire ni a son eventuel sens symbolique, elle est pourvue d'une consistance propre qui lui vient d'un reel dont elle porte une empreinte resistante aux metamorphoses imaginaires et aux equivalences symboliques. Parce que contestee, il fallait etablir dans un premier temps l'autonomie de l'image par rapport au langage et sa tentative d'annexion via la semiologie et la psychanalyse. Cette autonomie ne se marque jamais mieux que dans la dependance des images envers d'une part leurs matieres et leurs modes de production dont s'engendre l'heterogeneite de la peinture, de la photographie et du cinema, ici pris pour appui, envers d'autre part le registre du temps dont elles declinent le reel selon un mode propre qu'on s'efforce de caracteriser. On montre que le rapport au reel du temps repond a la fois de l'unite et de la disparite des images. Mais qu'en est-il alors, dans un deuxieme temps, des rapports de l'image et du langage ? la reactivation de l'antique parallele entre les arts (paragone ) est le biais choisi pour traiter du differend entre l'image et le langage dont on decrit quatre figures majeures entre l'antiquite et la modernite. De ce qu'il ne s'ensuit nulle complementarite entre image et langage resulte un troisieme temps qui prend en charge le propre de l'image comme reste indelebile du reel. D'ou la methode consistant a produire le reel de l'image par soustraction de son habillage imaginaire (sartre) et de sa trame symbolique (freud) avant que d'en interroger le sens en compagnie de deleuze, pascal, lacan et baudelaireImage cannot possibly be reduced to its imaginary aura nor to its possible symbolic sense, it is endowed with a proper substance. The real gives it an imprint resisting the imaginary metamorphosis and the symbolic exchanges. In the first place, it was necessary to settle the autonomy of image against language that tries to invest image by means of semiology and psychoanalysis. This autonomy is nowhere so obvious than in the dependency of images, on the one hand, on their materials and their processes of production in which originates the heterogeneity of painting, photography and cinema, and, on the other hand, on the register of time whose reality gives them shape according to their own specificity. The relation to the realness of time explains both the unity and the disparity of images. But, in the second place, what of connections between image and language ? we have chosen to reactivate the ancient parallel between arts (paragone ) so as to deal with the dispute between image and language through four major figures produced by this dispute from antiquity to modernity. Because it does not result from their parallel a complementarity between image and language, it was necessary, in the third place, to set off the image as an indelible rest of the real, its very own property. Hence the method consisting in producing the realness of image by abstracting its imaginary cover (sartre) and its symbolic structure (freud) before examining it in company with deleuze, pascal, lacan et baudelaire
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Huang, Lue. "Médiation culturelle et manuel de FLE : altérité et identité dans Le français." Thesis, Université de Lorraine, 2015. http://www.theses.fr/2015LORR0085.
Full textAbstract:
Un manuel de langue étrangère est un produit, un produit commercial, social et culturel. La fabrication de ce produit dépend du sujet fabricant qu’est l’auteur, des clients que sont l’enseignant et l’apprenant, du contexte de production, notamment celui géopolitique. De même, il reste non seulement un support linguistique ou didactique, mais aussi un médium culturel. Le manuel fabriqué localement, par exemple, en Chine, véhicule à la fois la culture de l’Autre et la culture locale, vu l’identité de l’auteur et les contraintes du contexte de production. Ce qui est le cas de notre objet d’étude, Le français, une méthode de quatre tomes pour l’enseignement du français aux niveaux débutant et intermédiaire, largement utilisée à l’échelle nationale chinoise. Notre étude porte sur l’analyse de la place de la culture de l’Autre et celle du Nous tout en nous demandant comment se négocient les rapports de force entre elles dans ledit manuel. Notre recherche s’enracine dans des théories de l’anthropologie de l’éducation, de l’interculturel et de l’évaluation avec des notions clés comme culture/civilisation, représentation, identité, altérité, médiation (inter)culturelle, attitude... et se concentre sur le contenu socioculturel et le discours du manuel avec une macro-analyse des structures et une micro-analyse du discours par le biais d’une méthodologie appuyée principalement sur la théorie de l’Appraisal. Nos objectifs de recherche consistent à révéler les caractéristiques des représentations de l’Autre et du Nous dans ledit manuel et les stratégies de l’auteur pour équilibrer ces deux entités en concurrence, ainsi qu’à suggérer des pistes pour une harmonie entre l’altérité et l’identité dans la réalisation d’un manuel de langue étrangère, autrement dit pour une meilleure médiation interculturelle et la formation d’une compétence interculturelle des apprenantsSince foreign language textbooks are commercial, social and cultural products, their designs are influenced inevitably by textbook authors, consumers—teachers and students, the geopolitical environment especially and other factors. Therefore, foreign language textbooks are not only language teaching tools but also a kind of culture medium. Influenced by the Chinese authors’ identity and background, the French foreign language textbooks written by Chinese not only convey the foreign culture but also are involved in the local culture, which is shown in the textbook French edited by Ma Xiaohong. This set of textbook composed of four tomes is widely used and has an important influence in Chinese colleges and universities for the teaching of elementary and intermediate French. Based on the theories of anthropology of education, intercultural and evaluation, the present study focuses on the role of the foreign and native culture in the textbook, wondering how to negotiate the power relations between them in the textbook discourse. Focusing on the key concepts such as culture/civilization, representations, identity, otherness, (cross-) culture mediation, attitudes, etc., the paper analyzes the cultural and social connotations of the textbook in macro view as well as does the discourse analysis in micro view by using the appraisal theory in the functional linguistics in order to reveal the characteristics of the image construction of “We” (China) and “others”(France) in the textbook and the strategies for balancing these two competing entities. The paper also offers appropriate proposals to harmonize the relationship between foreign culture and native culture, especially in the culture mediation and the cultivation of the intercultural competence of learners, in the design of a foreign language textbook
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Trocnet, Dominique. "Identités et altérités dans l'image documentaire." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030011.
Full textAbstract:
Grâce à l'analyse de divers documentaires principalement ethnographiques, la recherche s'oriente autour de deux notions : l'altérité et l'identité. Ces notions se constituent en figures dont les mécanismes s'inscrivent dans des représentations cinématographiques spécifiques. Certains documentaires marquent une rupture du lien symbolique à l'autre. Ils développent un repli de la représentation sur le pôle identitaire. Les figures en présence éjectent la personne filmée de la sphère du même ou tentent de l'absorber par un processus d'assimilation. Réduire l'altérité du filmé à l'identité du filmant ou l'exclure et le condamner à une différence radicale, témoignent d'une pensée identitaire à l'œuvre dans certains films documentaires. D'autres films prônent le retour de l'altérité comme constitutive du même. Ils brisent ainsi le mythe d'une identité insulaire. Généralement dans l'image et dans l'acte de parole, ces documentaires laissent une possibilité d'expression aux personnes filmées. Certains s'interrogent sur la relation filmant/filmé. Ils mettent alors en jeu la représentation de la différence. Le point de vue s'organise autour d'une herméneutique qui s'avère nécessaire à toute compréhension de l'autre. Les référents des catégories identitaires du filmant se voient amoindris à la lumière de l'épreuve de l'autre. Porter un regard sur l'autre revient alors à s'interroger sur ce qui fonde nos propres catégories, à relativiser la toute puissance du concept d'identitéBecause of the analysis of several documentaries, mostly of ethnographic nature, the search focuses around two notions: alterity and identity. Those notions constitute figures whose mechanisms fit in specific cinematographic representations. Some documentaries bring a rupture of the symbolic link with the Other. They shrink the representation on the identity level. The depicted figures eject the filmed persona from the sphere of the Same, or try to absorb it thru an assimilation process. Reducing the alterity of the filmed persona to the identity of the maker, or excluding him and condemning him to a radical difference, betray an identity thinking in some documentaries. Some other films , thus breaking the insular identity myth. Generally un the image as well as in words, those documentaries leave to the filmed personas the possibility to express themselves. Some documentaries examine the relation between the filmed persona and the director. They bring different representations. The point of view get organized around the interpretation of alterity. Bring one's mind to bear on alterity come to examine our categories and sweeping
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Abdeljaouad, Firyel. "Les figures de l'autre dans l'oeuvre de romain gary et emile ajar ou comment le vif saisit le mort." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030034.
Full textAbstract:
L'autre prend plusieurs visages : l'homme precaire, le picaro, le comedien, le reveur, le pionnier, l'ecrivain. La figure du mort-vivant traverse l'ensemble de ces figures. L'etranger est defini par son identite. Le regard de celui qui vehicule la representation majoritaire definit l'etranger. Celui-ci porte la memoire douloureuse de sa communaute. Mais il se pose comme etre preoedipien qui desire vivre dans un univers indifferencie. Les motifs de la ventriloquie, de l'arbre et de l'oiseau composent le personnage. Il se definit aussi dans son rapport au monde. Homme precaire, il vit dans l'indetermine et la peur. Celle-ci devient une force de resistance au monde, notamment dans les rapports d'adoption. Picaro, il se dessaisit de toute maitrise et critique le monde. Puis, comedien, il s'enivre d'identites multiples. L'enchanteur ouvre les portes de la fiction. Il libere l'homme de la mediocrite de sa condition, notamment en representant l'absence de dieu. Ce faisant il propose a l'ecrivain une esperance poetique. Conscient d'appartenir a un monde ouvert il devient pionnier d'espaces horizontaux, qui ouvrent a la decouverte de l'autre infiniment divers. Cette volonte proteenne se traduit par la volonte de poursuivre le songe de la vie jusqu'au bout ; a travers l'affaire ajar, se manifeste le desir de poursuivre dans la demesure et le reel, la fiction nee d'une reverie de la volonte. L'ecrivain qui s'auto-engendre tente de "liberer l'impossible". Les figures du christ et de la femme lui ouvrent un infini de revolte. La critique du sujet unitaire, le desir de creer un sujet fluctuant qui porterait le flux essentiel du monde, se realisent dans la creation d'ajar. La langue meme s'altere. Gary a acheve son parcours imaginaire de deterritorialisation. La demarche heteronymique revele l'importance de la memoire, du masque et de l'ecriture pour gary. Gary instaure un devoir de fiction essentiel a l'homme qui ne se contente pas de sa condition.
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Yang, Yuh-Ming. "Le toi et le toi absolu dans la philosophie de gabriel marcel." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040140.
Full textAbstract:
L'homme se perd dans le monde des objets, et c'est a partir de son corps pris comme l'existant-type qu'il se retrouve et decouvre en meme temps que l'autre est comme le moi un sujet. Il ne s'agit pas d'une coexistence de sujets, mais de la creation d'une relation inter-subjective entre des etres. La rencontre et le le dialogue sont les moteurs d'une telle relation ; ils permettent de briser la coquille egocentrique ou le moi s'enferme et devient pour lui-meme un objet. Le moi des lors s'engage sur le chemin de l'etre. Le moi brise a besoin d'un toi pour etre vraiment, au sens marcelien de ce terme, c'est-a-dire un co-esse. L'amour et la fidelite alimentent la relation inter-subjective dans la presence et l'entiere disponibilite. Chez un etre fini, l'amour et la fidelite sont soumis a l'obstacle et conduits a l'echec, ils demandent un recours ultime qui ne peut venir de la volonte humaine creee, mais du toi absolu. C'est uniquement dans la priere et dans la foi que le rapport d'etre a etre est garanti. Et c7est ici, que la formule : j'espere en toi pour nous, prend tout son sens. Par cette voie gabriel marcel parvient a sauvegarder le mystere de l'etreMan is lost in the world of objects, and from his body he find and discover himself in the same time as the other is, like the ego, a subject. It doesn't mean that it is a coexistence of subjects, but the creation of an inter-subjective relation between beings. The reception and the dialogue are the motors of such relation; they permit to break the egocentric schell where the ego is enclosed and become for himself an object. The ego at that moment is engaged on the way of the being. The brocken ego needs the thou to be really, in the marcellian thought, it means an co-esse. Love and fidelity feed the inter-subjective relation in the presence and complete disponibility. For a finished being, love and fidelity are under the effect of obstacles and conduct to failure they need an ultime refuge that cannot come by the creating human will, but from the absolute thou. It's only by prayer and faith that the relation from being to being is sure. And here the sentence : i hope on thee for us, take all its meaning. And by this way gabriel marcel arrive to keep safe the mystery of being
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Dubray, Jean. "Les fondements anthropologiques et l'art social dans l'oeuvre de l'Abbé Grégoire." Aix-Marseille 1, 2004. http://www.theses.fr/2004AIX10090.
Full textAbstract:
L'action réformatrice de l 'Abbé Grégoire s'inspire d'une conception philosophique de la nature humaine. Cette dernière, à la lumière des convictions jansénistes qui animent notre auteur paraît profondément marquée par les séquelles de la faute originelle et donc dominée par le dynamisme puissant des concupiscences, orientée dans ses choix, par l'énergie incontrôlée des trois libido. Comment ce pessimisme foncier a-t-il pu engendrer une telle ardeur pour l'entreprise révolutionnaire et pour la conquête des libertés démocratiques? Initiateur important de la plupart des réformes politiques, culturelles et sociales de la Révolution française, promoteur de l'Art social, dénonciateur véhément du despotisme et de l'Inquisition, Grégoire pose, avec acuité, le problème suivant: comment peut-on être un optimiste de la culture, en demeurant un pessimiste de la nature? Artisan de la séparation de l'Eglise et de l'état, défenseur intraitable de la tolérance civile, il replace la conscience contemporaine devant le dilemme suivant: la démocratie peut-elle subsister sans la foi religieuse? A ses yeux, l'humanisme lai͏̈c, étayé par les vertus naturelles, dont il ne conteste nullement la légitimité, pour lequel il réclame une éducation renforcée, mais dont il souligne la fragilité, reste impuissant, sans l'appui des valeurs de la Caritas chrétienne, à se maintenir durablement et à protéger efficacement l'humanité de ses dérives potentielles vers toutes les formes de l'inhumain.
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Seyral, Frédérique. "Nouvelles fluidités dans l'art vidéo et la danse : contribution à une esthétique modale." Bordeaux 3, 2008. http://www.theses.fr/2008BOR30066.
Full textAbstract:
A l'image de la forme mouvante du Kata oriental où la manière et l'acte prédominent sur la forme close, certaines oeuvres privilégient le processus et la multiplicité des niveaux de réalité. Ces oeuvres vont à l'encontre du sentiment unitaire, uniforme et consensuel des images produites en grande masse par nos sociétés contemporaines. Dans cet univers du tout visible où l'accession aux biens de consommation rêvés est un nouvel objectif de vie, l'artiste interroge de plu en plus les fux eux-mêmes, questionnant tout autant leur surprenante rapidité, que les fluxions, épachements, stases et autre troubles de la circulation dont ils sont l'objet afin de modifier leur façon de capter et de restituer le monde et de revisiter les principes mêmes de la création. Ces approches fluidiques relayent une certaine pensée philosophique et scientifique, une pensée de la fluence qui voit, dans le mobilisme universel, dans les désirs, les agencements, la mobilité des affects, dans l'analyse des connexions et des conditions énergétiques, une critique de la substance et de la forme et nous amène à penser une esthétique qui serait à envisager en termes de modalité, d'intensité et de potentiel. A travers certains artistes, vidéastes ou chorégraphes, qui travaillent le fluctuant, l'aléatoire, le contingent, la mobilité ds points de vue, la forme en devenir, nous essaierons d'élaborer une topologie des flux en partant des essences vagues et fluentes, puis d'une cartographie nomade et intensive des flux, et enfin, en nous interrogeant sur la dimension temporelle des fluxIn the image of the changing form of Oriental Kata, where the way and the act prevail over the closed form, certain works privilege process and a multiplicity of levels of reality. These works go against the unitary, uniform and consensual sentiment of images that are mass-produced by our contemporary societies. In this all-visible universe, where access to dreamed-of consumer goods is a new life objective, the artist increasingly interrogates the flow themselves, questioning as much their amazing speed as the fluctuations, effusions, stasis and other circulation troubles that affect them, in order to modify their ways of capturing and restoring the world, and to revisit the principles of creation themselves. These fluid approaches relay a particular conception of philosophy and Science, a conception of fluidity that sees, in universal mobility, in desires, orderings, mobility of affects, in the analysis of connections and energy conditions, a critique of the substance and the form and lead us to conceptualise an aesthetic that would be envisioned in terms of modality, intensity and potential. Though the example of some artists, videographers and choreographers working with fluidity, randomness, the incidental, a mobility of viewpoints, and the form in process, we will try to elaborate a topology of flows starting with vague and fluid essences, then with a nomadic and intensive cartography of flows, and finally, by examining the temporal dimensions of flows
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Martinek, Claudia. "Les identités de genre dans la littérature camerounaise et française contemporaine : Images du "Soi", images de l'"Autre"." Cergy-Pontoise, 2004. http://www.theses.fr/2004CERG0226.
Full textAbstract:
Presque un demi siècle après la décolonisation officielle de la majeure partie du continent africain, nous observons actuellement la présence croissante des représentations de l'Afrique et des Africains en Europe. Parmi d'autres formes de représentations, la littérature africaine jouit d'un regain d'intérêt important auprès des lecteurs européens. À quoi cela correspond-il ? Quelles images des Africains sont transmises à travers la littérature africaine contemporaine ? Quel est le rapport des personnages au " Soi " européen présenté dans la littérature européenne ? Du point de vue européen, les personnages africains sont-ils vraiment tellement " autres " ? À travers la comparaison des identités de genre dépeintes dans la littérature camerounaise et française contemporaine, notre étude montre que dans leur présentation par les auteurs camerounais (Bassek, Beyala, Karone, Mpoudi Ngolle, Nganang, Njami) et français (Beigbeder, Darrieussecq, Despentes, Houellebecq), les images de l' " Autre " et du " Soi " rencontrées par les lecteurs français se rejoignent sur des questions liées au genre. De même, les personnages souffrent tous d'un douloureux malaise et entament de véritables quêtes en vue de le combattre. Dans un monde progressivement " globalisé ", les lecteurs français semblent ainsi retrouver certaines de leurs propres préoccupations dans la littérature camerounaise, ce qui constitue une possible explication pour le succès croissant de la littérature africaine en Europe aujourd'huiAlmost half a century after the official decolonization of the largest part of Africa, the number of representations of Africa and Africans is increasing in Europe today. Along with other forms of representation, African literature is becoming more and more popular among European readers. What are the reasons for this renewal of interest? This thesis investigates the literary images of Africans which are transmitted via contemporary African literature: How do the characters presented by African writers relate to the European “Self” as it is depicted in contemporary European literature? From a European point of view, is the “Other” really so different? Focusing on gender identities presented by Cameroonian and French novelists, our analysis shows that the images of the “Self” and of the “Other” overlap in gender-related issues. Moreover, all characters suffer from a painful discontent and engage in actual quests in order to fight it. In a progressively “globalized” world, French readers seem to recognize some of their own preoccupations in Cameroonian literature, which is a possible explanation for the increasing success of African literature in Europe today. The novels analyzed are: Philomène M. Bassek, La tache de sang (1990) ; Calixthe Beyala, Tu t'appelleras Tanga (1988), Maman a un amant (1993) ; Yodi Karone, À la recherche du cannibale amour (1988) ; Evelyne Mpoudi Ngolle, Sous la cendre le feu (1990) ; Patrice Nganang, La promesse des fleurs (1997) ; Simon Njami, African Gigolo (1989) ; Frédéric Beigbeder, Vacances dans le coma (1994) ; Marie Darrieussecq, Truismes (1996) ; Virginie Despentes, Baise-moi (1994), Les Jolies Choses (1998) ; Michel Houellebecq, Plateforme (2001)
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Choi, Jung Min. "Signification historique et signification stylistique dans l'art contemporain : (de la légitimisation historique dans l'art contemporain)." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010685.
Full textAbstract:
Dans ce travail, nous avons deux termes principaux : l’histoire et le style, mais le but que nous voulons atteindre est la légitimation de l’art ou la légitimation de la création de notre époque appelée, «l’art contemporain». Si l’on présente autrement la question de la légitimation, c’est pour chercher un chemin dans cette situation confuse de l’art contemporain. Ce travail commence à partir de deux termes que mentionne le titre de la thèse. Et de même que l’on tricote un tissu, ces deux termes «le style» et «l’histoire» disposés horizontalement se croisent avec le problème de l’image disposé verticalement. Cela signifie que la recherche sur«l’histoire» et «le style» couvre les aspects philosophique et sociologique. Nous allons donc à la fois évoquer la discussion sur les problèmes du sens de style et de l’histoire à l’aide de la théorie de Danto et chercher le lien avec l’art plastique. Ce dernier sera réalisé à travers la recherche sur «l’image» de Hans Belting. Nous trouverons une similarité dans les étapes historiques analysées par A. Danto et le point de vue de H. BeltingIn this study, we have two principal terms : history and style, but the goal which wewant to reach is the legitimation of art or the legitimation of the creation of ourtime called, “the contemporary art”. If the question of legitimation is differently presented, it is to look for a way in this confused situation of the contemporary art. This work starts from two terms which the title of the thesis mentions. And just asone knits a fabric, these two terms “the style” and “the history” horizontally laidout cross with the problem of the image laid out vertically. It means that the research on “the history” and “the style” covers the philosophical and sociologicalaspects. We thus at the same time will evoke the discussion on the problems of the direction of style and the history using the theory of Danto and will seek the link with the visual art. This last will be carried out through the research on “the image” of Hans Belting. We will find a similarity in the historical steps analyzed by A. Danto and the point of view of H. Belting
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Predescu, Ionela Magdalena. "Structuri Hibride în artă." Lyon 3, 2008. http://www.theses.fr/2008LYO31020.
Full textAbstract:
L'aire visuelle abordée dans ce travail est configurée du point de vue théorique par les diverses contributions de la philosophie postmoderne: les nouvelles théories de l'identité (le sujet compris comme processus de subjectivation - alternative à la mort textuelle de l'auteur); les nouveaux modèles temporels (la différance derridienne, le rhizome deleuzien) ; l'intertextualité généralisée, l'immanence et l'univocité comme alternatives à la fin métaphysique de I'art. D'autres concepts ont été empruntés aux travaux des critiques poststructuralistes américains (Rosalind Krauss, Craig Owens, Douglas Crimp): tendances allégoriques et indexicales, ruines du musée, informe, champ élargi de l'art. Le travail de recherche dans quelques archives de spécialité à Bucarest (Musée National d'Art Contemporain (MNAC), Centre International d'Art Contemporain (CIAC), Union des Artistes (UAP)) a déterminé ma familiarisation avec un certain type de culture visuelle et la sélection du matériel adéquat pour les analyses. J'ai retrouvé dans I'art contemporain roumain les tendances de l'art contemporain mondial : structures de type palimpseste, fragmentation, accumulation, durée, transgression des catégories esthétiques traditionnelles, marques indexicales, dissémination des signes, disparition du référent. Enfin, les travaux découverts dans quelques archives consultées et celles récupérées de - quelques expositions, me permettent des spéculations concernant l'existence dans I'art roumain contemporain d'un filon néo -conservateur du postmodemisme qui fonctionne par appropriation d'images de l'histoire de I'artThe visual area approached in this work is theoretically configured by the vanous contributions of the postmodem philosophy: new theones of the identity - the subject understood as process of subjectivation, altemative to the textual demise of the author; the new temporal models used for understanding the relation with the past - Denida's diffbrance, Deleuzian rhizome, travesty as pure temporal difference; the generalized intertextuality; the immanence and the univocity as altematives to the metaphysic end of arts; the diagrammatic functioning of images understood as relations of forces and not as stable forms, etc. Other concepts were borrowed from the works of the Amencan poststructuralist critics promoted by the October magazine: Rosalind Krauss, Craig Owens, Douglas Crimp: allegorical and indexial trends, the art built on the ruins of the museurn, the inform, the widened field of art. The research in some of the few specialty archives in Bucharest (Artexpo, National Museum of Contemporary Art (MNAC), International Center of Contemporary art (CLAC), Union of Artists (UAP)) allowed me to familiarize with a certain type of visual culture and the selection of the adequate material for this type of analyses. I have retrieved in the Romanian contemporary art the trends of the world contemporary art: structures of palimpsest type, fragmentarism, accumulation, duration, hybndization, transgression of the traditional aesthetic categones, indexial marks, reification, fragmentation and dissemination of signs, disappearance of the refrain. Finally, the works discovered in the few consulted archives, as well as those recovered from expositions, allow me to speculate with regard to the existence in the Romanian contemporary art of a neoconservative seam of postmodemism operating by appropriation of images in the history of art
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Peret, Amélie. "L'atelier nomade ou L'euphorie de la création." Amiens, 2007. http://www.theses.fr/2007AMIE0019.
Full textAbstract:
Le terme d’Atelier Nomade s’applique à un art entendu comme moyen d’investigation du réel : comment trouver autour de soi, dans l’environnement proche, les éléments et la matière nécessaire pour la création. Ma pratique traite davantage du processus de formation que de la forme. Avec des techniques de cuisson rudimentaire et les matériaux verre et terre, il a était mis en place un principe d'autoformation de la Matière. Ce processus est révélateur d’une transformation de la perception d’une mouvance de valeurs. J’ai examiné cette mouvance dans la sédentarité sur une période d’un peu plus de deux ans puis au cours d’un atelier nomade de France au Niger en vélo sur une période de neuf mois et en décembre 2005 au Burkina-faso. Le questionnement fondamental de cette recherche participe d’une connaissance accrue de la matière verre et terre orienté vers la thèse d’une expérience démiurgique de l’artiste au sein de l’atelier nomade qui, par un transfert ou plutôt un « trans-faire » de l’ordre de l’extase, le conduira vers une euphorie possible et un objet personnifié. La pratique artistique réside alors dans le processus de révélation où l’expérimentation devient une matrice où se pense et se crée l’œuvreThe terms Nomadic Workshop applies to an art as a way of investigating the reality : how to find around oneself in a nearby environment the materials and elements needed for a creation. My practice worries more about the creation process rather than the form itself. With rudimentary firing techniques applied to the glass and clay materials; a principle of self forming of material has been elaborated. This process reveals the transformation of the perception of changing values. I examined these changes during a two years period of sedentariness, then during a Nomadic workshop from France to Niger cycling during nine months, and finally in Burkina Faso in December 2005. The fundamental question of this research passes through an increased knowledge of the clay and glass materials aimed to a demiurgic experience of the artist within the nomadic workshop. By the meaning of a transference of perception through the work of the hand (trance-make) very close to ecstasy, this will lead the artist towards a possible euphoria and a personified object. The artistical process resides then in the revelation process in which the experimentation becomes the matrix where the work of art is thought and created
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Thomassen, Magdalene. "Traces de Dieu dans le philosophie d'Emmanuel Levinas." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040102.
Full textAbstract:
La thèse présente une relecture chronologique et systématique de la question de Dieu dans la philosophie d’Emmanuel Levinas : elle se propose d’examiner le mouvement plurivoque et ambiguë de la « trace » par lequel se dessine le sens du mot ‘Dieu’ dans cette philosophie. En identifiant l’enchevêtrement de trois champs de recherche qui se déploient à travers l’oeuvre – les foyers thématiques de la sortie, de la socialité et de la signifiance –, nous tentons de montrer qu’à travers eux se découvrent trois modalités de la notion de la « trace » qui pénètre la pensée de Levinas sur Dieu et sur l’homme inséparablement. Nous avons d’abord suivi l’émergence de la question de Dieu depuis les premières insinuations jusqu’aux textes parus entre Totalité et Infini et Autrement qu’être (1e partie) ; ensuite, nous avons exploré le déploiement autrement accentué d’une pensée de Dieu jumelée à une reformulation du sujet, au centre de la deuxième oeuvre maîtresse (2e partie) ; enfin, nous avons relevés les points culminants de la recherche de la signifiance du mot Dieu tels qu’ils ont été approfondis et affirmés dans les oeuvres de la maturité (3e partie). La complexité du travail de Levinas sur la question de Dieu en philosophie se lit dans la densité de la notion de la trace : inscrite (1) dans le visage d’autrui, (2) dans la passivité du sujet et (3) dans le dire prophétique, elle permet de penser Dieu comme l’absence-présence d’unetranscendance radicale, transcendance qui dans toute sa séparation absolue néanmoins affecte l’immanence ets’incarne comme intelligibilité premièreThe theses presents a chronological and systematic re-reading of the question of God in the philosophy of Emmanuel Levinas, and examines the ambiguous and equivocal movement of the “trace” through which is delineated the meaning of the word ‘God’ in this philosophy. By identifying three areas of research interweaving throughout his work – the three thematic clusters of ‘exit’, of ‘sociality’ and of ‘significance’ –, it is shown how three modalities of the notion of the “trace” are exposed through these areas: the “trace” in its equivocal formulation penetrates the thinking of Levinas on God and man inseparably. First we follow the emergence of the question of God from the first early suggestions through the texts appearing between Totality and Infinity and Otherwise than being (part 1); then we explore the more accentuate thinking on God in association with a reformulation of the subject, at the heart of Levinas’ second major work (part 2); finally we drawn attention to the culminating points of the research on the meaning of the word ‘God’ as deepened and corroborated in Levinas’ later works (part 3). The complexity of the work of Levinas on the question of God in philosophy may be read through the density of the notion of the trace: Inscribed in (1) the face of the other, (2) the passivity of the subject (3) the prophetic saying, it makes it possible to think God as the absence-presence of a radical transcendence, a transcendence that in all its absolute separation still affects immanence and incarnates itself as original intelligibility
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Chalard-Fillaudeau, Anne. "Rembrandt dans l'histoire de l'art, la littérature et la philosophie européennes depuis 1669." Paris, EPHE, 2002. http://www.theses.fr/2002EPHE4032.
Full textAbstract:
L'existence d'une mythologie Rembrandt et l'importance des significations rattachées au nom et à l'œuvre de l'artiste hollandais soulèvent la question de son inscription dans le paysage culturel européen ou encore la question de ses représentations en Europe. Aussi l'étude des références à Rembrandt dans l'histoire de l'art, la littérature et la philosophie européennes permet-elle de comprendre en quoi et pourquoi Rembrandt est un symbole culturel, et, partant, de comprendre dans quelle mesure le mécanisme de valorisation symbolique des artistes et des œuvres est déterminé par les différents champs culturels et par les différentes aires culturelles. Mais plus encore elle permet de dégager un phénomène culturel majeur, à savoir la reconnaissance et la représentation du génie en Rembrandt, et de faisant d'éclairer l'existence en Europe d'un univers de représentations culturelles qui s'articulent précisément autour des idées de création, de liberté, d'être et d'universalitéThe existence of a Rembrandt-mythology and the importance of the meanings related to the name and work of the Netherlandish artist arouse a certain number of questions about his belonging to the European cultural landscape, and more specifically about his representations. Thus, studying the way Rembrandt is referred to in European art history, literature and philosophy enables us to understand why Rembrandt is a cultural symbol; but it also reveals the extent to which the phenomenon of the symbolical -valorization of the artists and works is determined by the different cultural fields and by the different cultural areas; and, last but not least, it enables us to grasp the acknowledgment and representation of genius through Rembrandt, a major concept as it expresses a European specificity, a universe of cultural representations that revolves around the ideas of creation, freedom, being and universality
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Lelièvre, Samuel. "Image et sens dans l'herméneutique et la philosophie de l'art de Paul Ricoeur." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0078.
Full textAbstract:
Le projet philosophique de Ricoeur peut être défini comme celui d’une anthropologie philosophique. Dans ce cadre, un rôle central est accordé à l’imagination à partir des ressources de la phénoménologie, de l’herméneutique, et de la philosophie réflexive. La question de l’image demeure pourtant assez mal connue et a été peu explorée ; elle serait même dévalorisée dès lors qu’elle est ramenée au cadre d’une imagination reproductrice, par opposition à l’imagination vive de l’anthropologie ricoeurienne, et en raison de l’insistance sur le rapport langagier au sens. Or, plutôt qu’une opposition entre le plan de l’image et celui du sens, c’est bien une articulation de ces deux plans qui doit être considérée. La question du symbolisme ouverte par Ricoeur depuis sa Philosophie de la volonté sert de point de départ à notre investigation. De cette première herméneutique jusqu’à La mémoire, l’histoire, l’oubli, en passant par De l’interprétation. Essai sur Freud, La Métaphore vive, et Temps et récit, on peut également dire que l’image donne à penser. La question du symbolisme ne peut toutefois être séparée de celle de l’imagination. Il est ainsi nécessaire de relier deux cheminements de la philosophie ricoeurienne à partir de la question du symbolisme, l’un qui s’oriente dans la voie d’une herméneutique – le parcours jusqu’au positionnement fixé par Du texte à l’action –, l’autre qui relie le projet d’une anthropologie philosophique aux champs de l’art et de l’esthétique. Dès lors, notre recherche s’organise autour de quatre parties. Une première partie se concentre sur l’articulation entre la philosophie ricoeurienne de l’imagination et l’esthétique philosophique en abordant la perspective herméneutique comme la condition d’effectivité de cette articulation. Prolongeant cette orientation herméneutique, une deuxième partie cherche à établir un lien entre la conception ricoeurienne d’une herméneutique critique et la question de l’image. Parallèlement au cadre d’une herméneutique critique, une troisième partie s’attache à définir l’imagination comme le lieu d’une médiation entre le plan de l’art et celui de l’expérience en revenant sur la lecture ricoeurienne de la philosophie analytique et plus spécifiquement de la philosophie analytique de l’art. Prenant appui sur les précédentes parties, une quatrième partie considère finalement le champ du cinéma, en articulant des plans ontologique, narratif, et social à une herméneutique philosophiqueRicoeur’s philosophical project can be broadly termed as a philosophical anthropology. Within this context, a main role is given to the issue of imagination through the resources of phenomenology, hermeneutics, and reflexive philosophy. The issue of picture, however, remains quite unknown and has not been much questioned; it might even be undermined by being reduced to the context of reproductive imagination as opposed to that of productive imagination within Ricoeur’s anthropology, and due to the emphasis on the linguistic relationship to sense or meaning. Yet, instead of opposing the plane of picture to the plane of sense or meaning, an articulated connection between those two planes should be sought. The issue of symbolism opened by Ricoeur in his Philosophie de la volonté provides the starting point for our investigation. From that early hermeneutics on to La mémoire, l’histoire, l’oubli, via De l’interprétation. Essai sur Freud, La Métaphore vive, and Temps et récit, one could also consider that picture makes us think. But the issue of symbolism cannot be distinguished from that of imagination. One also has to link two paths of Ricoeur’s philosophy through the issue of symbolism, one that is orientated in the path of hermeneutics – the progression to the standpoint set by Du texte à l’action –, another that links the project of a philosophical anthropology to the fields of art and aesthetics. The research is thus structured around four parts. A first part is focused on the articulated connection between Ricoeur’s philosophy of imagination and philosophical aesthetics by addressing the hermeneutical prospect as the condition for the effectiveness of this connection. Extending this hermeneutical stance, a second part seeks to establish a bond between Ricoeur’s notion of a critical hermeneutics and the issue of picture. A third part, concurrent with the context of a critical hermeneutics, aims to consider imagination as mediating the plane of art and the plane of experience by referring to Ricoeur’s reading of analytic philosophy and, more specifically, analytic philosophy of art. Relying on the previous parts, a fourth part finally addresses the field of film, articulating ontological, narrative, and social layers to a philosophical hermeneutics
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Gorisse, Marie-Hélène. "L'art du point de vue : étude dialogique du pluralisme Jaïn dans le Prameya-kamala-martanda." Lille 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LIL30030.
Full textAbstract:
Développée dans la perspective des discussions contemporaines en philosophie de la logique, cette thèse est un travail sur la notion de contexte dans les théories jaïnes médiévales de la connaissance et l'argumentation. Le corpus sélectionné est le dernier chapitre du Prameya-Kamala-Martanda, le soleil qui fait fleurir le lotus que sont les connaissables, que Prabhâcandra a rédigé à la fin du dixième siècle de l'ère chrétienne. Cette thèse fournit une édition, ainsi que la première traduction française de ce passage. Ce chapitre a été sélectionné car son enjeu est de présenter trois approches de la notion de contexte. La première approche est celle de la théorie des points de vue, selon laquelle il est possible d'avoir une connaissance partielle, c'est-à-dire une connaissance qui dépend d'un contexte théorique donné et par conséquent n'exprime qu'une sous-partie ses aspects d'un connaissable donné. La seconde approche est celle de la théorie des modes d'assertion, qui permet d'expliciter les paramètres implicitement présents dans toute assertion. Et la troisième approche est celle de la théorie des inférences cryptées, qui est une méthode de présentation des énoncés d'inférence telle que comprendre un énoncé nécessite un travail sur sa forme linguistique qui va révéler un éventail de significations plus profondesThis dissertation investigates the notion of context in Mediaeval Jain theory of knowledge, within the perspective of contemporary discussions in the field of philosophy of logic. The selected corpus in the last chapter of the PrameyaKamalaMartanda, The sun that grows the lotus of the knowables, written by the end of the tenth century of Christian area by Prabhâcandra. This chapter has not been translated in a European language yet, and our work contains a edition as well as French translation of it. The aim of the translated chapter is to present three approaches dealing with the notion of context. Among them, the first is referred as the "theory of standpoint", according to which one might acquire partial knowledge, that is to say knowledge dependent on a theoretical context and hence express but a subset of the numerous aspects of a given object of knowledge. The second approach is the theory of the modes of assertion, which enables one to make explicit the parameters implicitly present in every assertion. And the third approach is the theory of "cryptic inferences", which is a method to present inferential statements in a hidden way. From this, the comprehension of the meaning of an inferential statement calls for a work on its linguistic for, which reveals a range of deeper meanings. The aim of this presentation is to provide with an understanding in contemporary terms of the notion of context in Jainism. We chose to develop this reading within the frame of Dialogical logic, since this logical frame enables one to handlea pluralitu of sets of norms
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Durante, Massimo. "Communauté et altérité dans l'œuvre d'Emmanuel Lévinas : le tiers, la loi, la justice." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040076.
Full textAbstract:
Cette étude vise à rechercher le sens de la relation entre communauté et altérité dans l'œuvre de Emmanuel Lévinas. Relation qui se construit autour de la question et de la figure du tiers. Dans la figure du tiers s'articule le rapport problématique entre synchronie et diachronie, entre le visible et l'invisible, entre la loi et la justice. Par cette analyse nous entendons envisager un principe de mesure commune qui ne traduit pas une forme d'altération de l'autre. La thèse principale de cette recherche consiste à dire qu'il ne peut y avoir un principe de mesure commune et extérieure, un lien humain, un principe d'intégration de la communauté faute de la formalisation d'une conception de la temporalité qui met en communication la diachronie de l'autre avec la synchronie du tiers. Nous entendons pour cela montrer que la question du tiers établit un a priori égal à celui de l'autre, que la diasynchronie du tiers renouvelle l'idée même de la rationalité. A cette fin il faut repenser la relation entre la temporalité et l'intelligibilité à partir de la question de la déformalisation du temps. Nous envisageons enfin arguer que la conception renouvelée de la relation entre justice et loi, entre responsabilité et liberté coopère à la définition de notions à travers lesquelles peuvent se développer un véritable lien humain ainsi qu'un principe d'intégration politico-juridique et qui soient en mesure de répondre à la mise en question éthique à laquelle la réflexion de Emmanuel Lévinas les a soumisOur thesis aims at researching the sense of the relation between community and otherness as it stems from Emmanuel Lévinas philosophical works. This relation is build up on the problem and the figure of the Third. This figure articulates the relation between synchronic and diachronic time, the visible and the invisible, law and justice. Through this analysis we intend figure out a principle of a common measure which does not imply a form of alienation of the Other. The thesis aims at showing that : there could be no principle of a common and exterior measure, nor a human bond, neither a principle of social integration, without the formalization of a concept of temporality that brings together the diachronic time of the Other and the synchronic time of the Third. For this reason we also intend to show both that the philosophical problem of the Third establish the same a priori of the Other does and that dia-synchronic time of the Third renovates the idea of rationality. To this end we must reconsider the relation between temporality and intelligibility starting from a radical critique of the traditional formalization of time. Finally, we intend to argue that the renewed conception of the relations between law and justice, responsibility and freedom, can cooperate to define a human bond and a principle of political and social integration, which could be capable of facing the ethical questioning they have been both submitted to by Emmanuel Lévinas philosophy
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Hammo, Rab'a. "Identité et altérité dans le recueil "Onze astres" de Maḥmūd Darwiš." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030010.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objectif d’analyser les poèmes du recueil "Onze astres" de Maḥmūd Darwiš et d’y étudier l’importance de la notion d’identité et d’altérité qui s’en dégage. Nous avons, par ailleurs, adopté une approche intertextuelle pour révéler les variétés des références textuelles. Ce recueil met l'accent sur les évènements tragiques de l’histoire arabe que le poète met en relation avec d’autres épisodes survenus sur d’autres continents et qui posent la même problématique identitaire. Les poèmes commencent par la chute de Grenade en 1492, puis se poursuivent par la "Catastrophe" la (Nakba) palestinienne en 1948 et se terminent par la deuxième guerre du Golfe et l'accord de paix entre Israël et l'OLP en 1991. Chacun des poèmes du recueil s’inscrit dans le genre épique. Nous avons abordé l’épopée comme un moyen d’exprimer l’identité nationale des Palestiniens : elle incarne en effet la tragédie de ce peuple, leur défaite dans le passé et leur fin apocalyptique dans l’avenirThis thesis aims to study the Identity and otherness in the poetry volume "Eleven planets" of Maḥmūd Darwiš. We have adopted an Intertextual approach to reveal the variety of the textual references in the poems. This volume is shedding lights on the tragic events in the Arabic history, which the poet bounded with the history of other nations who face an identity problem. The poems pursue a fixed and steady timing, which initially commencing with Granada falls tragedy in 1492, followed by the Palestinian "Catastrophe" in 1948 and finished in the events of the second Gulf war and the Peace Conference between Arabs and Israel in 1991. The whole volume based on epical genre. We have used the epic as a model to exprime the national identity of the Palestinians: it shows their tragedy, their defeat in the past and their apocalyptic destin in the future
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BRUNON, PIERRE. "L'oeil, la temporalite et l'enigme du tableau." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010679.
Full textAbstract:
Ma these place au commencement, fondateur, l'oeil : celui du peintre, celui du spectateur et le regard sur nous du tableau. Sur le tableau, deux regards se concilient : le regard erudit et celui de jouissance. Les deux regards doivent convoler dans une vision commune. Si on transcende la methode iconographique, alors le tableau mettra en mouvement tout notre etre, dans notre besoin de comprehension vers notre appetence de delectation. Le spectateur va d'abord reagir d'une maniere subjective. Par cette experience perceptive, il entre dans la sphere de l'intersubjectivite. Il y a un espace pictural qui se deroule, alors apparait l'interiorite, le temps, ce grand sculpteur, il en est de meme pour le tableau : son mouvement spatial genere son temps, est son temps. Il y a. Ainsi, un univers du tableau constitue par un espace et un temps. L'imagination cree un monde plus vivant. C'est la dynamique de l'oeuvre d'art, qui est son corps physique, corps physique etonnant parce qu'il n'est la que pour qu'emane de lui quelque chose de mysterieux, un apparaitre qui nous donnera et son acces et l'acces au monde. C'est "l'aura". L'enigme est la substance de l'oeuvre de l'art, elle en emane par une etrange metamorphose, comme un appel a soulever la visibilite pour faire apparaitre la trame de l'invisible, cette autre realite. L'art est la rencontre des libertes, liberte de l'artiste d'ou decoule l'oeil du spectateur et le regard du tableau. La receptivite et la connaissance peuvent alors epanouir l'oeuvre; c'est par sa liberte que l'artiste les engendrera. L'art moderne, l'art contemporain ne font qu'exprimer, souvent qu'exacerber, cette volonte d'initiative mais aussi cette necessite de changement. C'est precisement cette resistance pour son identite de l'artiste, qui va mettre en mouvement le tableau dans sa temporalite et faire que l'enigme lui est preexistante, comme l'est le mystere de l'etre humainThe base of my thesis is the eye : of the painter, the spectator and of the painting gazing at us. On the painting, two conciliatory looks : an erudite look and one of joy. The two looks have to wed within a shared vision. If one transcends the iconographic method, then the painting will move our very being, in our need towards understand to our appetite of delight. The spectator will first react in a subjective manner. Through this perceptive experiment, he goes into an intersubjective sphere. There is a pictorial space which unfolds, then the inferiority appears, the time, the great sculptor. It's the same for a painting : its' spatial movement, which generates its' time, is its' time. There is, in this manner, a universe of the painting composed by space and time. The imagination creates a more lively world. It is the dynamic of the art work, which is its' physical body, an astonishing physique because it's only there to enamate something mysterious, an apparition which gives us access to it and to the world. This is the 'aura'. The enigma is the substance of the artwork which is enamated by a strange metamorphosis, like a call which raises the visibility to bring out the web of the invisible, this other reality. Art is the meeting of freedoms, freedom of the artist, which flows through the spectator's eye, and the painting's gaze. The receptivity and the knowledge can then light up the work ; it's by this freedom that the artist generates them. Modern art, contemporary art only expresses, often exacerbates, this will of initiative and also this necessity of change. It's exactly this resistance, which moves the painting in its' temporality and makes the enigma pre- existent, like the enigma of the human-being
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Tsai, Lin Yen. "Le silence du désir : l'espace corporel dans l'art féminin." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083142.
Full textAbstract:
L'art, pour moi, c'est s'identifier à l'"Autre". La présente thèse est une recherche sur ma création, en rapport avec la féminité et la sexualité qui m'obsèdent, et que des femmes artistes m'ont révélées. Tout au long de mon travail, la problématique de la femme artiste a évolué suivant deux axes : la différence des genres, et leur interprétation de la sexualité. Dans cette évolution esthétique, le souci et le doute éclairent et orientent mon travail vers un changement de mentalité créative. La féminité, qui ne correspond pas à un critère artistique, et la sexualité, qui n'est qu'un tabou, se manifestent pourtant dans l'art féminin. Cette anamnèse renforce la négativité de mon vécu (le Chora), en me ramenant à la source de ma recherche, et me conduit à la frontière des révoltes. L'art, c'est finalement l'espérance de se dépasser soi-même. Mon espoir est que chacune de mes œuvres incarne une renaissance. Je suis à la recherche d'une pensée réflexive et d'une thérapeutique psychologique dans la "sculpture de Soi". A travers le miroir mimétique, l'image de l'art s'associe à celle du désir dans l'anamnèse du corps et s'adapte dans une "négociation" culturelle (entre tabou et sacré, entre modèle et obstacle). L'association par similitude est "un contact" au sens figuré qui est indicible. J'ai "faim du Mot" dans la création. Le silence du désir se situe dans l'épochè de la sexualité, dans le doute de la féminité. Je m'introduis dans l'espace interactif du « je-tu(e)-elle », dont la réconciliation marque la libération. A travers un désir paradoxal, la motivation de ma recherche est de légitimer et de rétablir mon corps. Le but, ici, est de révéler que l'art est aussi divers, marginal et subversif dans ses conversions, tout comme le sujet du désir qui se résoud par sa libérationFor me, art is identifying oneself with the “Other”. This thesis, then, is an introspective examination of my work from the standpoint of femininity and sexuality – an obsession of mine that I became aware of thanks to other women artists. Throughout my work, the whole issue of woman as an artist has evolved along two lines : the difference between genders, and their respective interpretation of sexuality. Within this aesthetic evolution, anxiety and doubt have been inspiring and guiding me towards a change in my creative mentality. Though femininity is not an artistic criterion and sexuality is merely a taboo, they are nevertheless manifest in women's art. This anamnesis gives an added dimension to the negativeness of my personal experience (Chora), bringing me back to the origin of my quest, and leads me on towards the frontier of revolt. Ultimately, art is the hope to go beyond one's own limits/limitations, and it is my hope that each of my works is actually a rebirth. Through "self-sculpture", I am searching for a reflective methodology as well as for a form of psychological therapy. The mimetic mirror is linking the image of art to that of desire in the anamnesis of the body, an image that adjusts itself as in a cultural “negotiation” (between what is taboo and what is sacred, between model and obstacle). Figuratively speaking, the association by similarity constitutes a “point of contact” that is inexpressible. Creation is an expression of my thirst after the Word - to paraphrase Roland Barthe’s “j’ai faim du Mot”. The silence of desire occurs within the épochè of sexuality, the doubt as to one’s femininity. I enter the interactive space combining “I-you-she” whose reconciliation can finally lead to liberation. Based on such a paradoxical desire, my research and quest aim at legitimizing and reasserting my body. The intent here is to show that art can be as diverse, marginal and subversive in its manifestations as the subject of desire, whose liberation depends on its materialization