Dissertations / Theses on the topic 'Antigone (Sophocle)'

Les problèmes scéniques propres à la tragédie grecque (traduction, espace scénique, personnages, chœur, etc. ), ainsi que le message du théâtre antique aujourd'hui, constituent les thèmes principaux de cet ouvrage. A travers des représentations contemporaines d’Antigone, d'Œdipe roi et d'Electre de Sophocle, l'auteur s'efforce de suivre et d'analyser l'évolution du phénomène de la mise en scène de tragédies grecques, en France, de 1960 à 1986. Dans la première partie de sa thèse, il expose et critique les réponses apportées par les différents metteurs en scène de cette période aux questions que soulève le genre tragique, dans l'intention de donner un aperçu général de la situation et de proposer une typologie des représentations de pièces antiques. Enfin, il consacre la seconde partie de son étude aux spectacles de trois metteurs en scène français de Sophocle : Jean Vilar, Jean-Paul Roussillon, et Antoine Vitez, leurs positions envers la tragédie grecque lui paraissant comme les plus représentatives dans la période et dans le domaine examiné, méritant donc un traitement monographique
Theatrical problems related to Greek tragedy (translation, scenic space, characters, chorus, etc. ), as well as the ancient theater's 'message' today, are the essential themes of this essay. Through contemporaneous directions of three Sophocles's plays: Antigona, Oedipus rex, Elektra, the author strives to follow and analyse the evolution concerning the way Greek tragedies have been directed in France from 1960 to 1986. In his thesis's first part, the author considers, emiting some critics, the solutions suggested by the directors from this period to solve the problems brought up by the tragic repertoire, intending to give a general vision of the situation and to propose a typology of antic drama's scenic treatment. Finally, the second part of this study is dedicated to the work of three French directors on Sophocles's opera: Jean Vilar, Jean-Paul Roussillon, Antoine Vitez, as the author considers their point of view on Greek tragedy as the most relevant according to the period and domain herein studied, therefore deserving a monographic treatment

Comment un auteur réécrit une histoire déjà publiée? De plus, quels moyens emploierait-il pour rendre justice à l’œuvre originale tout en y insérant sa part de créativité? Dans notre thèse en création littéraire nous avons tenté de répondre à quelques aspects de ces questions. La présente étude est divisée en trois parties. La première est une pièce de théâtre intitulée Persona, seras-tu… où nous utilisons le mythe d’Antigone comme point de départ mais avec une perspective contemporaine où Ismène, pour la première fois, tient la tête d’affiche. Nous avons aussi donné une grande place au chœur. Le deuxième chapitre est consacré à l’étude des Antigone modernes, soit celles de Cocteau, d’Anouilh et de Brecht, comparées à celle de Sophocle. Grâce en grande partie à une analyse textuelle, nous étudions comment ces auteurs ont réécrit les caractéristiques et l’évolution des personnages d’Ismène et du chœur. Finalement, le dernier chapitre est consacré à une réflexion sur notre démarche créative et à quel point les analyses du chapitre précédent nous ont aidée à construire notre chœur et notre Ismène.

Chez Sophocle, la tragédie ne résulte pas d'une conciliation impossible. Elle est provoquée par une inimitié qui ne peut recourir aux institutions et qui donne une dimension politique à des formes originales de contestation. La défense de normes importe moins que la volonté de triompher, constitutive du politique. Les aspects idéologiques sont éclipsés par des stratégies d'affrontement, que différencie chaque fois leur interpétation de l'impératif éthique traditionnel "aider ses amis / nuire à ses ennemis". En préalable à la recherche est mise en évidence la flexibilité de cette éthique trop souvent uniformisée, puis sont étudiées successivement cinq pièces dans lesquelles l'hostilité a une importance manifeste :"Ajax", "Antigone", "Electre", "Philoctète" et "Oedipe à Colone". L'objectif est de expliciter des logiques conflictuelles spécifiques et de montrer comment l'origine de l'action est à chercher dans leur interaction : entre l'hostilité initiale et la péripétie s'élaborent ou se dévoilent des stratégies d'attaque ou d'esquive qui, en se démarquant l'une de l'autre, donnent leur signification aux évènements dramatiques. La conclusion rapproche ces stratégies selon leur dynamique et envisage le problème de la fonction du choeur à l'intérieur de l'affrontement, et celui de l'articulation des conflits divin et humain. Enfin, l'évolution dd la structure des pièces est réexaminée : la spécificité des stratégies, isolées dans la forme du diptyque, perd de l'importance au profit de leurs rapports et de leur détermination réciproque, par mimétisme ou différenciation, qui, échappant aux personnages conduisent à s'interroger sur les mécanismes des conflits.

L'étude comparative des tragédies de Sophocle et des drames d’Anouilh montre l'évolution des mentalités sur le problème obsédant du mal. Ces deux pensées antinomiques que sont la foi et l'athéisme révèlent l'angoisse de l'homme qui s'interroge sur la douleur. Les héros de Sophocle et d’Anouilh sont remarquables car ils échappent à la paralysie de l'être souffrant. Leurs itinéraires nous éclairent sur l'âme héroïque et son altruisme. Loin de se laisser dominer par le mal, ils composent avec lui pour en chercher le sens, voire le remède dans leur essence même. Malgré la souffrance inscrite dans ces pièces, la fascination du public pour leurs représentations théâtrales est restée la même depuis l'antiquité. Le spectateur y expérimente tous les possibles face au mal, et peut également y mesurer sa propre capacité à dominer ses angoisses en assumant sa profondeur grâce à l'expérience esthétique
The comparative study of the tragedies of Sophocles and the dramas of Anouilh points out the evolution in the mentalities concerning the obsessive problem of evil. These two antinomic thoughts that are faith and atheism reveal the distress of man questioning himself about pain. The heroes of Sophocles and Anouilh are remarkable because they escape the paralysis of the suffering being. Their routes bring a new light on the heroical spirit and its altruism. Far from letting themselves dominate by evil, they compose with it in order to look for its meaning or even how to help it in their own essential being. In spite of the pain included in these plays, the fascination of the public for their theatrical performances has remained the same since antiquity. The spectator experiments there all the possible in front of evil and can also evaluate his own capability to dominate his anguishes its depth thanks to the aesthetic experience

Pénélope et Antigone, deux faces indissociables du féminin. A partir du poème d'Homère (vers 850 av. J. C. ), et de la tragédie de Sophocle (entre 496 et 494-406 av. J. C. ), ces deux figures mythiques et exemplaires rencontrent la psychanalyse. En appui aux textes de Freud (1856-1939), et de Lacan (1901-1985), l'étude dénoue les incompréhensions et les impasses, à la fois originelles et actuelles de notre temps : de la dissociation entre pensée et action, entre le pouvoir et la responsabilité, de la rencontre problématique de l'homme et de la femme à cause du « non rapport sexuel ». Pénélope par sa ruse interroge la texture féminine de l'attente, et par son tissage la forme féminine de la parole. Trame et drame de sa vie, la seule certitude de la femme, est que son attente peut être sans objet. À ce point d'assurance se fixe le refus. C'est un choix qui implique la mort. Fantasme d'un tissage infini, tissage sans chiffrage, la femme sait moins d'un temps chronologique que d'un temps logique. Antigone fascine les hommes et parle aux femmes. Sa fascination tient à son acte et à la limite où elle se campe, entre la vie et la mort. Antigone, la femme l'éprouve, comme elle éprouve les lois non écrites. Elle se révolte lorsque les lois humaines dérivent au nom du Souverain Bien confondu avec le désir criminel. S'il n'y a pas de signifiant universel pour Lα femme, qui la fonde « pas toute », Antigone se présente comme signifiant du pur désir, qui est un désir de mort. Antigone et Pénélope affirment une vérité individuelle contre le pouvoir humain où l'oubli semble constitutif du politique. Ayant en commun : l'excès, la solitude, elles sont garantes d'une mémoire infaillible
Penelope and Antigone, two inseparable faces of the feminine. From Homer's poem (850 B. C. ) to Sophocles' tragedy (between 496 and 494-406 B. C. ) two mythical and exemplary figures meet psychoanalysis with the help of Freud's (1856-1939) and Lacan's (1901-1985) texts to unravel the misunderstandings and dead ends of the problematic meeting of man and woman because of the "nonsexual relationship". Both original and well-printed in our time they dissociate thinking and action, power and responsibility. With her guile Penelope questions the feminine texture of waiting and with her weaving the feminine form of speaking. The fabric and drama of her life, the only certainty of woman is her waiting can be objectless. To this anchor is set her refusal. It is a choice which implies death. Phantasm of an infinite weaving, weaving without numbering, woman knows less from a chronological time than from a logical time. Antigone fascinates men and relates to women. Her fascination comes from her act and the limit where she stands, between life and death. Woman feels Antigone as she feels non-written laws. She rebels when human laws deviate in the name of the "Souverain Bien", mistaken with criminal desire. If there is no universal signifier for Lα woman, which founds her "pas toute", Antigone presents herself as a signifier of pure desire, which is a desire of death. Antigone and Penelope assert an individual truth against human power where oblivion seems to be part of politics. Having excess and solitude in common they guarantee a flawless memory

Cette thèse porte sur les réflexions théoriques et pratiques à propos des différentes versions de traduction en français et en chinois de l’extrait en grec ancien de la tragédie sophocléenne Antigone. Le but de cette recherche consiste à découvrir la nature de la traduction, à exposer les problèmes rencontrés en traduisant, ainsi qu’à montrer les distinctions entre les communautés linguistiques différentes. Cette étude est réalisée sous les aspects traductologique et linguistique, sur un corpus littéraire ancien mais riche, avec une approche à la fois interlinéaire et contrastive. Afin d’enlever les doutes et d’exposer les difficultés au cours de la traduction, d’une part les principes et les processus développés dans la partie théorique sont utilisées dans les commentaires et les pratiques traductionnels, d’autre part les méthodes synchronique et diachronique sont utilisées dans les comparaisons des versions différentes de traduction. De cette recherche sont tirés les résultats tels que : une méthode pour traduire le texte littéraire antique; les problèmes linguistiques, textuels et contextuels dans la traduction du grec ancien en français et en chinois; les solutions ≪ universelles ≫ pour la traduction littéraire et enfin les particularités de l’activité traductionnelle en Chine. Cette étude clarifie les distances spatiotemporelle et linguistico-culturelles entre ces trois civilisations et propose les solutions selon le contexte concret pour surmonter l’impossibilité apparente de traduire; ces résultats suggèrent que la traduction est une science interdisciplinaire qui enrichit l’hétérogéneité culturelle et dans laquelle le traducteur joue le rôle de médiateur
This thesis is a theoretical and practical reflection on different versions of French and Chinese translation of Antigone - a Sophoclean tragedy of ancient Greek. It intends to discover the nature of translation, expose the problems in translation and show the distinctions between different language communities. The study is conducted on the basis of an old but rich literary corpus from the perspectives of translation studies and linguistics, by using interlinear and contrastive approaches. Principles and procedures that developed in the theoretical part are used in the commentary and practices of translation in order to remove doubts and expose the difficulties in translation. Moreover, both synchronic and diachronic methods are employed in the comparisons of the different versions of translation. As a result, the study firstly generalizes some methods of translating ancient literary texts, and then discovers the linguistic, textual and background problems in the translation of ancient Greek in French and Chinese; in the last part it identifies the universal solutions to literary translation as well as the particularities of translation activity in China. The study clarifies the spacio-temporal and lingo-cultural distances among these three civilizations and offers solutions to overcome the untranslatability according to the specific context. These results suggest that translation is an interdisciplinary science, which enriches the cultural heterogeneity and in which the translator plays the role of a mediator

Depuis plus d'un siècle, la Grèce antique ne cesse d'éblouir philosophes et hommes de lettre en Occident. La tragédie occupe une place éminente dans cet émerveillement venu de l'Athènes du Ve siècle avant Jésus-Christ. C'est pour matérialiser cette fascination que ce théâtre a donné lieu à des interprétations de tout genre : philosophique, humaniste, politique et morale... Il s'agit de lectures idéologiques dont la tragédie en général et Sophocle en particulier a fait l'objet. Dans cette perspective, il importait d'effectuer un panorama des lectures de cette tragédie devenue un mythe contemporain. L'oeuvre de Sophocle a servi d'illustration à la visée idéologique d'un théâtre qui s'intégrait à l'origine dans le cadre des manifestations culturelles en l'honneur de Dionysos à Athènes. Y avait-il lieu d'universaliser et d'immortaliser ces interprétations, fruits de l'imaginaire occidental ? Fallait-il continuer la réincarnation des personnages de Sophocle qui aurait avec son Antigone et son OEdipe-roi réussi à élaborer des modèles inimitables de la tragédie et de l'existence de l'homme ? C'est pour questionner cette vision de Sophocle qu'il semble nécessaire d'exploiter les éléments esthétiques (chant, musique) de cette tragédie qui offrent de nouvelles pistes de réflexion en porte-à-faux avec la lecture idéologique observée dans la critique contemporaine.

"Exclusion in Sophocles" dass Exklusion als Motiv sich durch alle erhaltenen Sophoklesstücke zieht nebst einiger der längeren Fragmente. Auffällig ist die Vielfalt des Motivs, welches sich auf einen Ausschluss aus der Familie (Elektra), der Stadt (Ödipus-Dramen), der Armee (Philoktet), der Gemeinschaft der Menschen (Tereus) und noch vieles Weitere bezieht. Diese Arbeit sammelt, ordnet und analysiert sophokleische Exklusionsszenarien. Insbesondere wird der Gebrauch von Tropologien des Un/Menschlichen in der extrinsischen Charakterisierung der tragischen Protagonisten herausgestellt sowie damit verbundene Metaphern des Pathologischen, Monströsen, Bestialen und sog. Primitiven als Marker und Auslöser von strukturellen Exklusionen. Dabei wird das Exklusionsmotiv nicht als vollendete Tatsache erfasst, sondern als dynamischer und sich teilweise über ganze Plots hinweg erstreckender Prozess, als Narrativ eines ehemals gut Eingegliederten und von der Gemeinschaft nach und nach Exkludierten. Gleichwohl diese Entwicklung vom tragischen Protagonisten in eloquenten und selbstdarstellerischen Reden vehement kritisiert wird, erwächst im Bereich der Metaphern und rhetorischen Bildsprache der Gemeinschaft eine regelrechte Ausradierung und Neuzuweisung seiner Identität. Durch eine vergleichende Gegenüberstellung beider Standpunkte stellt sich heraus, wie tiefgreifend die als Exkludierend handelnde Gemeinschaft in das Vorantschreiten des tragischen Geschehens involviert ist und die Dramen eben nicht nur—wie in zahlreichen Forschungsstandpunkten festgehalten—die Manci des Exkludierten Protagonisten als moralische Fabel vorführen.
Social exclusion as a literary theme is common to all of Sophocles' fully extant plays as well as some of the longer fragments. The variety of settings is wide, between exclusion from the family like for example in Electra, exclusion from the city as in the case of Oedipus, from a regiment of the armed forces like in Ajax or Philoctetes, or even humankind, like with Tereus. This inquiry sets out to present, taxonomize and unpack Sophoclean discourses of exclusion and their attaining literary tropes of the pathological, the bestial, the brutish, the monstrous, and the so-called uncivilized. The aim is to demonstrate how deeply implicated the whole cast of characters and their language are in the process of a tragedy unfolding, rather than the causes of tragedy being lodged in the doings of one protagonist alone. One key point argued here is that, instead of taking 'the isolation of the tragic hero' as fait accompli, exclusion is a dynamic process that often takes up the entire plot arc of a tragedy. In the space of extrinsic characterization, it is argued that a process of rhetorical erasure and overwriting of identity takes place, where peer groups gradually dismantle a formerly well-established identity and re-assign a new and undesirable one. It is shown how the protagonists seek to resist, lament or somehow negotiate this process through long and expansive speeches of futile self-reinstatement. In the synthesis of both, it is argued that Sophocles' deployment of the theme puts a critical spotlight on the rhetorics of exclusion and its discourses of the bestial, the brutal, and especially the pathological, which embed and frame the work's overall literary, cultural and dramatic effects.

Most people place their sincerest hopes for emotional fulfillment on a rewarding family life. The "loved ones" that constitute our nuclear and extended familial worlds are the primary beneficiaries of our affections and of the fruits of our labors. In return for the primacy we accord our family members, we expect their behavior to demonstrate their loyalty to the clan. However, at a certain point obligations to the family can conflict with the needs of the individual. In this thesis I examine how filial duties influence the plights of the tragic heroines in Sophocles's Antigone and Shakespeare's King Lear. Both Antigone and Cordelia organize their lives around the virtue of family honor, and yet the strength of these commitments is not sufficient to spare them from their respective, calamitous ends. Their unwavering dedication to the sanctity of family bonds leaves them susceptible, as individuals, to great harm.

The costume design for the University of Central Florida Conservatory Theatre's production of Seamus Heaney's The Burial at Thebes: A Version of Sophocles' Antigone took an ancient Greek classic by Sophocles and infused it with influences from avant-garde theatre. This thesis documents the process of designing the costumes from academic, artistic, and technical aspects. Through this process, I explored how to communicate abstract ideas about humanity into actual costumes and how multiple cultural heritages can be intertwined in a united visual which pushes the audience to think more critically about the story. The recurring themes of duality are central to the final costume design: silk chiffon chitons draped over seemingly nude tattooed bodies, representing the ever-present competing allegiances to the will of the gods or to the law of man. Working backwards through the process, this thesis discusses the avant-garde aims of the production and how they were achieved in design. The historical and cultural research, and how it directly influenced the costume design, is discussed for both Seamus Heaney and The Burial at Thebes, as well as for Sophocles and Antigone. Moving through a thorough script analysis and text-to-text comparison of Antigone and The Burial at Thebes illuminates the character and situation traits that are expressed in the design. Script-to-script comparisons reveal the heightened political language Heaney has created to make a story readily accessible to modern audiences. This gives Creon more humanity, thus magnifying the conflict, which is analyzed using conflict theory.
ID: 029809291; System requirements: World Wide Web browser and PDF reader.; Mode of access: World Wide Web.; Thesis (M.F.A.)--University of Central Florida, 2011.; Includes bibliographical references (p. 139-143).
M.F.A.
Masters
Theatre
Arts and Humanities

The complicated issues surrounding translation studies have seen growing attention in recent years from scholars and academics that want to make it a discipline and not a minor branch of another field, such as linguistics or comparative literature. Writ large with Antigonick, Carson showcases the recent Western push towards translation studies in the American academy. By offering up a text that is chaotic in its presentation, she bypasses the rigid idea of univocality. By giving the text discordant images, she betrays the failed efficacy of sign and signification, and by choosing a text to be performed and mutually participated in, she exceeds ideas of the individual subject as the site of authorship. Ultimately, Carson enacts a theory of translation that critically deconstructs translation itself.

La première partie de ce mémoire consiste en une réécriture en prose, sous forme de roman, de la pièce Antigone de Sophocle. Antigone habite, sous le nom de Marie-Ange Gobeil, une résidence pour personnes âgées, en compagnie d'une aide-ménagère, Geneviève. Le récit commence avec le retour de Hémon, qui emménage dans un immeuble près de chez elle. Réapparaissent ensuite les personnages qui entouraient Antigone dans la tragédie. Ces retours n'ont cependant pas d'importance pour Antigone puisque la réapparition des siens ne change rien à la mort de son frère. Le retour d'Ismène, toutefois, a cela de particulier qu'il ramène non le passé mais le présent; ainsi la sœur d'Antigone lui apparaît toujours jeune, croyant que la prise de Thèbes et la mort de leur frère se sont produits le jour précédent. Le roi Créon réapparaît pour justifier sa rancœur et déployer contre Antigone sa hargne. Prise entre une souffrance renouvelée et la mort passée de son frère, Antigone ne choisit ni l'une ni l'autre. La seconde partie prend la forme d'un essai tenant compte de l'apport du travail créateur dans une réflexion sur l'écriture. Ainsi, en premier lieu, j'aimerais proposer une réflexion méthodologique sur ce que peut représenter un essai réflexif en lien avec une pratique de création, de façon à ce que l'essai puisse éclairer la nature même de sa démarche réflexive. En second lieu, j'aimerais envisager une interrogation plus grande qui remet en question l'indépendance, en création littéraire, de la poièsis et de la mimésis, c'est-à-dire des activités de fabrication et d'imitation. En rapport avec ces deux théories, je développerai ce que mon propre travail m'a appris sur l'imitation en fonction de la réécriture. Ce travail me permet d'avancer trois thèses : a) l'écriture est essentiellement une suite de choix, b) en écriture, l'imitation porte sur un modèle absent et intérieur et c) l'écrivain est toujours seul avec l'écriture. Ces trois thèses seront au centre d'un travail réflexif qui interrogera la théorie littéraire sur les notions d'imitation, de réécriture et de solitude. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Antigone, Hémon, Tragédie, Réécriture, Théorie de la création littéraire, Imitation, Mimésis, Solitude.

Contrairement à la lamentation rituelle, les lamentations tragiques sont réalisées dans un large éventail de situations. En effet, elles peuvent avoir lieu avant l’événement déploré, porter sur d’autres malheurs qu’un décès, ou encore lamenter le sort de la personne même qui mène la lamentation. Cette variété de contextes est vraisemblablement à l’origine de la grande diversité de formes et de contenus des lamentations que l’on trouve dans le corpus tragique. De quelle façon les tragédiens modifient-ils la forme traditionnelle de la lamentation ? Ces modifications dépendent-elles d’éléments contextuels particuliers ? Pour répondre à ces questions, j’examinerai trois passages : Cassandre dans l’Agamemnon d’Eschyle, Créon dans l’Antigone de Sophocle et Polymestor dans l’Hécube d’Euripide. Ces trois lamentations ont lieu dans des contextes très différents, notamment en ce qui concerne l’identité du lamentant (genre, âge, statut social, ethnicité) et la relation que celui-ci entretient avec le Chœur. De surcroît, elles ont été composées par des auteurs et à des dates différentes, ce qui permettra de prendre en compte l’évolution de la forme au cours du Vème siècle avant J.-C. L’analyse suggère que la forme de la lamentation du personnage s’adapte surtout à son ethnicité et à son genre, tandis que la participation du Chœur dépend directement de sa relation avec le lamentant. Parfois, la stylistique est également influencée par le style propre à l’auteur ou par la date de composition de la pièce. Quant au contenu, les thèmes abordés sont principalement déterminés par la position et la fonction du passage dans la tragédie. Puisque les fonctions d’une lamentation tragique sont différentes de celles d’une lamentation rituelle, le modèle de la lamentation funèbre est insuffisant pour guider à lui seul l’analyse du contenu d’une lamentation tragique.
Unlike ritual laments, tragic laments take place in a wide range of situations. Some are made over troubles other than an actual death, over events that have not happened yet, or over the mourner himself. This seems to be why we find such a huge diversity of both forms and contents of laments within the tragic corpus. How do the tragic poets modify the traditional form of the lament? Do these changes depend on specific contextual elements? In order to answer these questions, I will examine three laments: Cassandra’s in Aeschylus’ Agamemnon, Creon’s in Sophocles’ Antigone and Polymestor’s in Euripides’ Hecuba. These three passages show major contextual discrepancies, especially when it comes to the identity of the mourner (gender, age, social status, ethnicity) and their relationship to the Chorus. Moreover, they were composed by different authors at different times, which accounts for the evolution of the literary form during the 5th century B.C. These contextual differences allow us to identify specific ties between the context and the lament itself. The form of the actor’s part depends mostly on the mourner’s ethnicity and gender, while the Chorus’ part suits its relationship with the mourner. The stylistics of the lament may also result from the author’s personal preferences or from the date of composition. As for the content, it is heavily determined by the position and the function of the passage within the play. As the functions of a tragic lament differ from those of a ritual lament, the model given by ritual lament cannot serve as the only basis for the analysis of a tragic lament’s content.

碩士
中國文化大學
英國語文學研究所
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Antigone, according to Marxist feminism, admits the truth that the oppression of women results from a gender / biology system, a marriage system, male violence, and false consciousness in Sophocles' Antigone. In Antigone-Ismene's scene, Ismene will not help her to bury their brother Polyneices because she must submit to Creon's order. Submission is described as Ismene's femininity and aggression as Creon's masculinity. In a gender / biology system, masculinity and femininity are constructed by male-ruling ideology. A series of negative female values are imposed by men. Femininity equates with submission and irrationality, but masculinity with aggression and rationality. Creon's exposing the dead is rational; but, Antigone's burying her brother Polyneices is irrational. As Creon's aggression means that man is the creator of state, so does Ismene's submission that woman is the subordinate of man's order. Antigone does not accept marriage because she hopes that her reproduction will not be a tool for the transfer of Haemon's future throne. The relationship between husband and wife is not equal. Husband is the oppressing and wife the oppressed. In Third Choral Ode, the Chorus praise the greatness of love. Marriage, as to men, is a peaceful harbor. Men has kept women convinced that mothering is their job. In accordance with Marxist feminism, marriage is based not on love but on property. In marriage, women's reproduction serves as a vehicle for the transmission of a father's private to children. The relationship between Mother and Child is isolated. Speaking of motherhood, men encourage women to be mothers. Antigone refuses to be the tool for the heritage of Haemon's future throne. The princess seems to be the dominant woman. But, wife means having no Self and must be obedient to man's order. There is no personal freedom for her if she gets married. Creon's punishment on Antigone-burial alive-is a violence to prohibit women from going into the public sphere. Burial is a public activity. Women are associated with the private sphere and men with the public one. If women have been limited in the private sphere, they are the captives in a man-made institution. Antigone's burial for her brother Polyneices calls for women's equal rights to enter the public sphere. Male violence devalues women as subordinate. The Chorus and Teiresias are the representatives of the public sphere. Although they admit the fidelity and piety of Antigone's burial for Polyneices, they blame Antigone for her having offended against the state's law. Burial is held by men, not by women. Women must keep themselves in the private sphere, not try to go into the public one. At the beginning of the play, Antigone acknowledges that she and Ismene, destined to be the princesses, have no equal right with Creon, the king. The princess seems superior to the common people. But, if she does not obey the king's order, she will be punished like the common people. Therefore, her "superior" is false consciousness. At the end of the play, Eurydice, the queen, protests against Creon's authority through her death. On the surface, the queen has an equal stance with the king. As a matter of fact, she is inferior to him. False consciousness is that men the oppressing deceive women the oppressed into thinking they have equal rights with men and are able to act as men. True consciousness is based upon sex class and reproduction. Sex class means that when women recognize themselves as a class and work together, then they will have an equal stance with men. To respect reproduction is to respect the ties of blood, the maternal lineage. Antigone's brotherly love for Polyneices belongs to reverence for those of the same womb. Eurydice grieves over her dead son Haemon. To lose Haemon is to lose her maternal lineage, her reproduction. True consciousness allows women to perceive reality with their eyes, not with those of the man-ruling class. Antigone's acceptance for burial alive, Ismene's willing to share with Creon's punishment on Antigone, and Eurydice's protesting against Creon through suicide mean that in order to acquire true consciousness, they must get rid of false consciousness through sex class and reproduction. They, however, are not in fear of man the oppressing class any more because death is a resource of rebirth

The Chorus in the Ajax are both soldiers and sailors, completely dependent on their leader, Ajax, and strongly affected by developments in the action. They provide commentary on Ajax directly, by ascribing various adjectives to him, and by contrasting his former and present states, and indirectly, by remaining loyal to him. They are used to express various emotions, such as anxiety and distress, melancholy and despondency, excitement and joy, grief and mourning, and they generate tension and a sense of danger during much of the play. The respect and concern they show toward Tecmessa, their steadfast support of Ajax, and their involvement in a dangerous situation not of their making make them a sympathetic Chorus. Their description of Ajax's grieving mother in the first stasimon, their illogical excitement in the second stasimon, and their attempts at mediation between Teucer and the Atreidai do not emanate from their personality but exist for dramatic purposes. Although they do not unify the two parts of the play, they mold our assessment of Ajax. The Chorus in the Antigone are pious, elderly men, who embody community wisdom and show deference to power. Their support of Creon, however, is not whole-hearted, but because they fear him, they do not speak candidly. Toward Antigone, they are both sympathetic and critical, but differences of age and gender prevent a close association with her. In their songs they introduce or develop ideas which often impart a certain sense of disjunction, because the connection to the previous episode is not immediately apparent. Nevertheless, the ideas are relevant to important themes in the play. The Chorus also convey various emotions, such as joy and thanksgiving, marvel and horror, pessimism (about human powerlessness in relation to the gods), apprehension and (false) hope. Their lyrics are suggestive of secondary meanings, which are often applicable to Creon, but of which they are not fully cognizant. Their relationship to Antigone creates interest because we wonder why, other than their fear of Creon, they are not more supportive of her.

Thesis (Ph.D.)--York University, 2007. Graduate Programme in Higher Education.
Typescript. Includes bibliographical references (leaves 249-259). Also available on the Internet. MODE OF ACCESS via web browser by entering the following URL: http://gateway.proquest.com/openurl?url_ver=Z39.88-2004&res_dat=xri:pqdiss&rft_val_fmt=info:ofi/fmt:kev:mtx:dissertation&rft_dat=xri:pqdiss:NR29536

The work seeks to gain an understanding of the concept of spirit in Hegel's Phenomenology of Spirit. The objective will be met by means of Hegel's interpretation of Sophocles' Antigone and Diderot's Rameau's Nephew. In its most immediate form the spirit appears as an organically structured whole which Hegel identifies with the Greek ethical substance. Superficially this substance is conceived as a harmonious organism; in reality - as Antigone's and Creon's paradigmatic conflict shows - it is beset by inner conflicts. The once unitary and organically structured spirit decomposes into individual forms of consciousness during the Roman period and develops in further course into a subject freed from anything substantial. It is in this course of the spirit evolving into a subject that Hegel presents his interpretation of Rameau's Nephew. Rameau represents the self-negating and self-destructive spirit, who has completely identified with Antigone's and Creon's revolt and has lost the capability of accepting anything not issuing from his consciousness. The last part of the work presents the spirit as a movement seeking to encompass both of these extremes, i.e. the extreme of the substance devoid of subject as well as the extreme of subject negating the substance. In the context of the Phenomenology of...