Dissertations / Theses on the topic 'Apollinaire, Guillaume (1880-1918) – Et l'art'

L'objectif de cette thèse est de procéder à une étude comparée entre deux poètes, Guillaume Apollinaire (1880-1918), et Vinicius de Moraes (1913-1980). Ces deux auteurs se rejoignent par la similitude des formes de leur lyrisme. Celui-ci prend en effet sa source dans la nature mélancolique des deux auteurs qui chantent une présence féminine perdue et désirée à la fois. La douleur de la perte de l'objet amoureux est transcrite par les images d'un sujet mélancolique qui erre à travers le monde à la recherche d'une femme qui s'efface et s'évanouit comme l'amour. Pour cette étude, nous recourons en partie à une approche psychanalytique nous appuyant notamment sur les travaux de Julia Kristeva sur la mélancolie. Vinicius de Moraes a séjourné à Paris et a lu Alcools de Guillaume Apollinaire. Le poète brésilien écrit alors un poème, A ponte Mirabeau (Le pont Mirabeau) fortement inspiré de celui du poète français. Le corpus de base de notre étude comparatiste est essentiellement constitué par le recueil Alcools d'Apollinaire, et en ce qui concerne Vinicius de Moraes, par les poèmes écrits pendant ou après le séjour à Paris. Mais au-delà de la poésie, ils ont été tous deux sollicités par d'autres formes artistiques : la musique, la peinture et la danse et ont tous deux poursuivi le rêve d'une synthèse des arts, construisant, grâce au mouvement et aux couleurs, une nouvelle réalité de l'objet amoureux comme du monde
The purpose of this thesis is to compare two poets, namely Guillaume Apollinaire and Vinicius de Moraes. These two authors share a similarity of forms in their lyricism. This interpretation derives from the melancholic nature of the two authors who sing a feminine presence that is lost and desired at the same time. The suffering for the loss of the object of their love is transcribed by images of a melancholic subject that wanders across the world in the search of an elusive woman that disappears like love. The analysis in this study is partially supported by a psychoanalytical approach , specially as present in the studies of Julia Kristeva on melancholy. Vinicius de Moraes read Alcools by Guillaume Apollinaire during his stay in Paris. The Brazilian poet then wrote a poem, A ponte Mirabeau which is strongly influenced by the French. The literary basis of this comparative study is made up essentially by the anthology Alcools by Apollinaire, and as far as Vinicius de Moraes is concerned by the poems written during or after his stay in Paris. Besides poetry they were also related by their involvement with other artistic forms : whether dealing with music, painting, or dance they both pursued the dream of a synthesis of art forms that would create a new reality of the love object and the world through movement and colors

La notion d’orphisme est née à la veille de la Première Guerre mondiale. Forgée par Guillaume Apollinaire, elle lui sert à désigner l’art nouveau et audacieux de ses amis-peintres, notamment ceux réunis autour de Robert Delaunay. Cependant, dès cette époque, le terme, utilisé de manière imprécise par le poète, pose problème. Depuis, les controverses se multiplient et durant le siècle qui nous sépare de l’invention de ce nom tout ce qui touche à l’orphisme a été remis en cause, jusqu’à son existence même. Prenant position contre cette attitude, nous proposons dans cette thèse d’envisager la production et les conceptions artistiques de l’époque sous un angle nouveau. En nous défaisant des étiquettes traditionnelles de nombreux « -ismes », nous prenons – selon la suggestion d’Apollinaire – le mythe d’Orphée comme un outil permettant de réanalyser l’art du début du XXème siècle. Cette relecture (des parcours des artistes, de leurs sources d’inspiration, des rapports entre différents centres artistiques et acteurs de la scène artistique), ainsi qu’une analyse comparative des œuvres ont pour but de démontrer que ce que nous appelons l’« orphisme » ne fut pas un concept artificiel, appliqué de manière parfaitement arbitraire à la somme des trajectoires – quelques peu accidentelles et indépendantes les unes des autres – de différents artistes, mais plutôt une évolution logique et cohérente, dont l’ampleur et l’impact sur la postérité ne furent jamais appréciés à leur juste valeur. En utilisant le mythe d’Orphée comme fil conducteur structurant notre analyse, nous mettons donc en évidence les grandes lignes de l’évolution du phénomène auquel Apollinaire a donné le nom d’orphisme : les origines et l’interprétation du terme et de la conception mêmes, le contexte historique et artistique de l’apparition et de l’évolution du mouvement, les rapports entre ses différents acteurs, les sources d’inspiration des artistes et enfin une évolution stylistico-chronologique de cette tendance
The notion of Orphism was born on the eve of the World War II. Forged by Guillaume Apollinaire, it served him to describe a new and bold art of his friends, especially those concentrated around Robert Delaunay. However, the notion was already troublesome back then: ill-defined and unclear, it was used by the poet in a vague way. Since then, the controversies continue to mount and in a century that elapsed since the invention of the notion, everything concerning Orphism is questioned, even its very existence. Contesting this negationist approach, we propose in this thesis to analyze the artistic production and conceptions of this period under a new light. We are distancing ourselves from the traditional labels of “-isms” and we are using the Orpheus myth – as suggested by Apollinaire – as a tool which allows us to reanalyze the art from the beginning of the 20th century. This new analysis – of artists’ career paths, their fascinations, relationships between different artistic centers and between people involved in this avant-garde – and the comparative analysis of artworks serves to prove that what we call Orphism is not an artificial concept, applied in an arbitrary manner to the somewhat accidental and independent career paths of different artists. On the contrary, Orphism is a logical and consistent evolution, whose true importance and impact was never fully appreciated. By using the Orpheus myth as a guiding thread, we are bringing to light the main lines of the evolution of Orphism: the origins and interpretation of the notion and the conception, the historical and artistic context in which the movement was born and was evolving, the relationships between its actors, artists’ inspirations and, last but not least, the stylistic evolution of Orphism over the time

Ce travail vise a analyser les mots de trois domaines sensoriels (couleur, lumiere et son) dans les poemes d'apollinaire. Il se constitue de 4 parties. Dans la premiere, nous avons decele les mots qui contiennent l'idee de ces trois domaines et qui sont les objets concrets de ce travail. Dans la deuxieme partie, nous avons analyse la representation des couleurs sous l'etiquette de <>. D'une part, nous avons retenu les mots qui sont directement lies a ceux de couleur par la syntaxe. De l'autre, nous avons saisi les mots qui, sans designer la couleur pour autant, contiennent le trait /couleur/ dans leur sens: neige, ange, argent, etc. Pour le blanc, sans, feu, fleurs, etc. Pour le rouge, etc. La troisieme partie est consacree a la lumiere et nous avons examiner ses images sous trois angles distincts: polysemie, figures et association. Ainsi, le soleil, par exemple, est la source de lumiere, il devient <>, et souvent, sa presence entraine celle de l'ombre. Enfin, la derniere partie porte sur le son. Celui-ci se divise en trois selon la source ou la tonalite: voix, bruit et musique.

This master's thesis examines how the liquid metaphor articulates the creative/creation ideal in Guillaume Apollinaire's collection of poems Alcools. Our analysis is inspired by Gaston Bachelard's theories, notably the ones found in his books, L'eau et Les reves (1942) and La psychanalyse du feu (1949).
The first chapter analyses the link between the artistic ideal and moving water imagery. It seems that this mobility is a live and human characteristic of art. The second chapter deals with three types of celestial metaphors, all representing the ideal, that is, the Sun, the Moon and the Milky way. The third chapter focuses on the theme of alcohol, which is a sort of "supermetaphor" of poetic distillation, encompassing all the other metaphors.
The successive examination of these varied liquid images in Alcools suggests that the poet's ideal involves a happiness based on the tranquillity originating in the "sentiment maternel" and a sense of artistic satiety.

Guillaume Apollinaire a écrit de nombreuses lettres d'amour, qui présentent non seulement un intérêt documentaire, mais aussi un intérêt littéraire. Les lettres adressées à Lou et à Madeleine sont particulièrement remarquables tant par leur quantité que par leur qualité. Notre problématique consiste à tenter de définir la poétique des lettres d'amour d'Apollinaire, son rapport avec les caractères textuels de la lettre et son lien avec la poétique de l'œuvre littéraire du poète. Nous étudions tout d'abord la fonction de communication propre à ces lettres qui établissent une relation épistolaire entre le " je ", destinateur, et le " tu ", destinataire. Ensuite, nous étudions le discours amoureux, qui, tout en ayant pour but de communiquer avec la bien-aimée, comporte de nombreuses expressions poétiques. Enfin, nous examinerons la poétique présente non seulement dans les poèmes épistolaires et les passages lyriques, mais aussi dans les passages prosai͏̈ques
Guillaume Apollinaire wrote many love letters, which show not only a documentary interest, but also a literary interest. The letters to Lou and to Madeleine are particularly remarkable for their quantity as well as for their quality. Our question consists in trying to define the poetics of Apollinaire's love letters, its relation with the characters of the epistolary text and its bonds with the poetics of the literary works of this poet. First, we study the communicating function of these letters, which establish an epistolary relation between "I", sender, and "you", addressee. Then, we study the amorous discourse, which aims to communicate with the beloved, and which comprises many poetic expressions. Finally, we study the poetics, which exists not only in the epistolary poems and in the lyrical passages, but also in the prosaic passages

L'oeuvre de fiction d'apollinaire merite, par son ampleur, sa diversite, son originalite, une etude synthetique que nous avons placee sous le signe de cette "heresie" exhibee dans le titre du premier recueil de contes. En effet, la confrontation de la verite et de l'erreur, de la norme et de l'invention; de l'ordre et du desordre, dynamise, au-dela du strict domaine religieux, l'ecriture fictionnelle. C'est "l'heresie narrative" qui nous retient surtout. Elle consiste d'abord, pour un ecrivain se proclamant poete, a ne pas remier le recit, a proposer des fictions qui accueillent la poesie et le theatre, a brouiller les reperes du reel et de l'imaginaire. Le concept elargi et mataphorique d'heresie permet aussi de rendre compte de la distance que prend le prosateur avec les codes herites du dix-neuvieme siecle. Apollinaire fait souffler un "esprit nouveau" sur les techniques de narration, la representation du temps et de l7espace. Il joue ostensiblement avec ses personnages, les noms et les portaits. A travers leurs actions, leur recherche de pouvoir et de savoir, il illustre sa propre quete d'identite et ses angoisses de createur. Par l'analyse des principaux points d'ancrage du recit de fiction, nous nous proposons de definir la poetique d'appollinaire prosateur et les grands principes de son estherique narrative
Apollinaire's fiction is so large, diverse and original that it deserves a synthetic study which we have named refering to the "heresy" which is exhibited in the title of his first collection of stories. Indeed, the confrontation of truth and error, of norm and invention, of order and disorder dynamizes his fictional writing beyond the domain of religion proper. We are mainly interested in the "narrative heresy". It consists above all, for a writter who claims to be a poet, in not renoucing the narrative genre, in offering fiction works which are host to poetry and theater, and in blurring traditional landlmarks of reality and fantasy. Heresy, as a broadly constructed and metaphoric notion, also enables us to give an account of the aloofiness of the prose writer vis-a-vis the codes which the xixthh century bequeathed. Apollinaire breathes a "new spirit" into narrative techniques, into the representation of time and space. He plays ostensibly with his characters, names and portraits. Through their actions, their pursuit of power and knowledge he illustrates his own quest for identity and his anguish as a creator. Through the analysis of the main constituent elements of the fictional narrative, we propose to define the poetic of apollinaire as a prose writer and the great principle of his narrative aesthetics

Entre la deuxième moitié du 19e s. Et la première moitié du 20e, la figure du saltimbanque est récurrente dans l'art. Son évolution coïncide avec la transformation de la figure de l'artiste et l'entrée dans la modernité. Le saltimbanque apparaît d'abord dans la littérature romantique ; simple représentation pittoresque et manichéenne, il devient chez Musset, Hugo, Sand, une figure allérorique de l'artiste. Alter ego idéalisé chez Banville, double distance du poète chez Baudelaire ou Mallarmé, sa présence s'assortit d'une réflexion sur le sens d'une parole poétique que le poète pressent menacée. Le poète n'est d'ailleurs qu'un pitre méprisé par le public qui se livre a un art dérisoire et vénal. Ce questionnement s'amplifie avec la fin du siècle : chez les symbolistes et les décadents la récurrence du thème de la pantomime et l'engouement pour les arts populaires résonnent comme la chronique d'une mort annoncée de la littérature et des mythes. Les décadents trouvent alors dans la figure du Pierrot et dans l'imaginaire de la foire un reflet déformé et parodique de leurs propres hantises. Or, c'est ce Pierrot moribond, par l'importance qu'il accorde conjointement aux arts populaires et à l'inconscient, qui va servir de tremplin à l'émergence d'un art nouveau. Chez Apollinaire comme chez Picasso, corps et spiritualité se retrouvent unis dans la même vision messianique du poète/ saltimbanque à qui incombe la tâche -légère- de révéler au peuple la modernité du monde. La reconstruction de nouveaux mythes se réalise alors, dans un syncrétisme de fantaisie. Dès lors, l'artiste, le plasticien (Léger, Calder. . . ), poète (Mc Orlan, Prévert. . . ), dramartuge ou comédien se fait saltimbanque en reprenant à son compte les outils et la fantaisie du cirque. Ainsi, cet art vivant qui se réclame du cirque a, comme lui, partie liée avec le danger et la mort ; la création s'assimile alors à la piste circulaire en devenant un lieu de tentatives, de péril et d'exposition

Les poètes, par nature plus sensibles au rayonnement de leur environnement, sont par conséquent parmi les premiers à percevoir l'ombre de la menace qui pèse sur la France avant que la guerre ne surgisse. Ils ne peuvent se soustraire à leur temps; leurs œuvres doivent dans ce cas particulier et plus qu'à tout autre moment, être une traduction sincère et un témoignage éternel de l'état d’esprit collectif face aux horreurs que traverse leur nation. Cet ouvrage affirme l'impossibilité de séparer la société, donc son histoire, de la littérature ; autrement dit, les écrivains sont inéluctablement rattachés aux événements de leur temps d'autant plus s'il s’agit d'une cause nationale considérée par la majorité comme étant légitime. En ne séparant jamais les mots des actes, Guillaume Apollinaire se présente comme étant le modèle du poète engagé par excellence. Selon lui, vivre prend tout son sens dans le devoir de lutter contre l'injustice et l'oppression, sacrifiant toute liberté personnelle au profit de la collectivité. Le premier chapitre relate la «deuxième» naissance d’un Guillaume Apollinaire plus mûr, plus raisonnable et de surcroît plus responsable ; un écrivain qui entend lier son destin à celui de la France, sa patrie d'adoption, pendant la Grande Guerre, en répondant volontairement à l'appel patriotique et tout en laissant derrière lui les futilités de sa vie privée ainsi que sa carrière. Dans le deuxième chapitre est analysé l'impact évident de la guerre sur la poésie apollinarienne. Le poète excelle alors à dégager la noblesse et la gloire de ces soldats combattant dans l'abnégation la plus totale, assaillis par d'incommensurables souffrances. Dans le dernier chapitre, on découvre l'enchevêtrement ingénieux de deux univers quasiment opposés que sont ceux de la féminité et de la guerre, une expérience littéraire unique en son genre qui témoigne du talent incontestable de cet éminent poète
Poets are, by nature, the first to detect the threat which hangs over France before the beginnings of war. Consequently they cannot evade the times, and their works have to be a sincere rendering and permanent account of the collective spirit, faced with the horrors which the nation is experiencing. Without ever separating words from acts, Guillaume Apollinaire appears to be the model of the committed poet par excellence. The first chapter relates the «second birth » of a more mature, reasonable and responsible poet, who intends to link his destiny to that of his adopted country. In the second chapter the evident impact of the war on his poetry is analyzed, which draws out the nobility and the glory of the soldiers. In the last chapter, the eminent poet shows his talent by ingeniously interweaving the two opposite universes of war and femininity

La rencontre de Guillaume Apollinaire avec Paris a été déterminante dans la vie du poète, tant sur le plan intellectuel qu'existentiel. Dans son œuvre où elle occupe une place de choix, la capitale française ne représente pas seulement un lieu de vie mais une source d'inspiration et d'écriture extrêmement féconde. Bien qu’héritée de toute une tradition littéraire de la ville qui s’est développée au XIXe siècle, la poésie apollinarienne de Paris est conçue sur le mode de l’« esprit nouveau » qui accompagne la naissance d’une ère placée sous le signe de la découverte et du progrès, et s’intègre aux recherches esthétiques des avant-gardes artistiques et littéraires caractérisées par l’audace et le goût de l’aventure. Entre tradition et invention, le Paris d’Apollinaire n’est pas seulement celui du « Pont Mirabeau » et de « Lettre-Océan » qui, d’Alcools à Calligrammes, témoigne d’une volonté de s’affranchir de certains « modèles » et de créer une poésie libre de toutes contraintes qui dit le « réel » en empruntant les voies de l’imaginaire, c’est aussi la capitale fascinée de l’infatigable « flâneur des deux rives », ou insolite et secrète du guide passionné ; c’est encore la ville subjective et mentale du « guetteur mélancolique » confronté à son passé douloureux, ou aux prises avec le monde moderne ; c’est, enfin, la ville rêvée et phantasmée de « l’enchanteur » des ponts et des noms de Paris
Guillaume Apollinaire's encounter with Paris was a decisive event in the poet's life, both intellectually and existentially. In his artwork where Paris occupies a place of choice, the French capital does not only represent a place of life but a source of inspiration and extremely fertile writing. Although inherited from an entire literary tradition of the city that developed in the nineteenth century, Parisian apollinarian poetry is conceived on the mode of the "new spirit" that accompanies the birth of an era under the sign discovery and progress, and integrates with the aesthetic research of artistic and literary avant-gardes characterized by daring and the taste of adventure. Between tradition and invention, the Paris of Apollinaire is not only that of the "Mirabeau Bridge" and "Letter-Ocean" which, from Alcools to Calligrammes, demonstrates a desire to get rid of certain "models" and to create a poetry free of all constraints that says the "real" by borrowing the ways of the imaginary. Paris is moreover the fascinating capital of the tireless "stroller of both banks", or of the unusual, surreptitious and passionate guide; It is also the biased and cerebral city of the "melancholy watchman" confronted with his painful past, or grappling with the modern world. Paris is, finally, the dreamed and phantasmatized city of the "charmer" of the bridges and of the names of Paris

Mon travail consiste à étudier des éléments du “ fonds populaire ” dans l’œuvre théâtrale et dans les textes de fiction en prose d’Apollinaire ; à restituer leur contexte temporel et géographique. Je considère la façon dont il les utilise et enfin je tente d’élucider la façon dont s’élabore la signification multiple de ces éléments. Qu’il s’agisse des mots, qu’il s’agisse des mœurs, chaque élément du fonds populaire est chargé d’un double, voire d’un triple sens imprévu et qui se fonde sur un système de signes collectif et personnel. Chaque œuvre du poète crée un univers nouveau avec ses lois propres et avec l’implication particulière d’éléments du fonds populaire. Mon étude montre combien Apollinaire fait appel à ce fonds populaire sur le plan non seulement de la matière, mais aussi de la structure
This work is the study of the inherent elements of folk culture in Apollinaire's theatrical works and fictional prose, placing their context in time and geographical location. I examine the way he uses these elements and I try to clarify the ways in which their multiple meanings can be developped. Whether concerning words or way of life, each element from folk culture is loaded with an unexpected double or even triple meaning based on a system of collective and personal signs. Each of the poet's works creates a new universe with its own laws and particular emphasis on elements fron folk culture. My study shows the extent to which Apollinaire draws on this popular culture not only in subject matter but also in structure

Cette thèse analyse les enjeux de la diversification des styles et des représentations du poète chez trois écrivains, Blaise Cendrars, Max Jacob et Guillaume Apollinaire. L’essentiel du corpus s’étend de 1912-1919, soit les années de guerre et l’immédiat avant- et après-guerre. La carrière de ces trois poètes prend alors son envol; ce sont des initiateurs de l’avant-garde poétique postsymboliste. L’une des caractéristiques saillantes de leur démarche est de multiplier les représentations de soi souvent divergentes ou contradictoires, accompagnées d’autodérision et/ou d’autopromotion hyperboliques, de porte-parole fictifs ou de transformations stylistiques importantes. Cela va à l’encontre d’une tendance à l’effacement du poète dans la poésie moderne et contemporaine. Mais les deux phénomènes d’effacement et de mise en scène excessive, témoignent d’une même interrogation sur la place du poète dans la société et du monde extérieur à l’art. Face au poème, poser la question « qui parle? » revient à demander à quel titre il parle, de quel droit, depuis quelle position: affaire de valeur et de légitimité. Pour peu que le poète n’ait plus de rôle social ou symbolique clair, il peut se retirer de son poème sous prétexte que la particularité de son existence n’a aucune pertinence, – ou bien profiter de l’indétermination de son statut pour jouer les rôles qui lui plaisent; mage, oracle, soldat, paria, etc. Jacob, Apollinaire et Cendrars optent pour ce jeu de masques qui témoigne à la fois d’une inquiétude – le poète n’a-t-il plus aucune place? – et d’une aspiration à l’universel: parler enfin pour tous – en devenant chacun tour à tour
This dissertation examines the diversification of styles and representations of the poet in the work of three writers, Blaise Cendrars, Max Jacob and Guillaume Apollinaire. The works studied extend from 1912 to 1919, from before to immediately after World War I, when these poets would establish their careers as initiators of the post-Symbolist avant-garde. Their work exhibits proliferating and often contradictory presentations of the poet, often assigned to fictional speakers, hyperbolically self-deprecating and/or self-glorifying, and displaying disorienting shifts in style and technique. These self-presentations run counter to a crucial trend in modern and contemporary poetry, in which the figure of the poet tends to disappear. Yet self-effacement and excessive self-display both bear witness to the same questioning of the poet’s place in society and the world beyond the boundaries of art. To ask « who is speaking » in the poem entails the question of the poet’s value and legitimacy: on what grounds, from which position, with what right the poet speaks. If the poet no longer has a clear social or symbolic role, he may choose to remove himself from the poem under the pretext that his particular existence has no relevance, – but he may also exploit the indeterminacy of his status to play all the roles he desires; mage, oracle, soldier, pariah, etc. Jacob, Apollinaire et Cendrars opt for this masquerade that manifests at once an anxiety – does the poet have no more role to play? – and an aspiration: to become universal, to speak at last for all human beings – by becoming each individual in turn

En tant que phénomène urbain, la flânerie apparaît une fois avec les bouleversements socio-économiques du XIXe siècle. Bien qu’associée à une déambulation gratuite et désœuvrée, elle institue cependant une approche nouvelle et fragmentaire de la ville. Le changement de perspective sur la rue entraîne aussi un changement de perspective sur l’art et la littérature. Ainsi, un Balzac ou un Baudelaire se montre particulièrement intéressé par la figure paradoxale et flottante du flâneur. Dans une possible généalogie du concept se place aussi la création hétéroclite et inclassable de Guillaume Apollinaire. La passion de l’écrivain pour la brocante et les faits divers, pour les histoires insolites et les personnages exceptionnels détermine la critique littéraire à lui appliquer l’étiquette péjorative de flâneur. En partant de ce cliché de la réception, notre thèse se propose de démontrer que la flânerie, chez Apollinaire, ne représente pas seulement un rapport à l’espace, mais aussi une manière d’être et de penser. À travers une analyse formelle, thématique et poétique de l’oeuvre théorique et littéraire de l’écrivain, nous envisageons donc de montrer que la flânerie constitue un thème, une méthode et un principe esthétique valides. Sans être négative, la flânerie se veut plutôt la métaphore d’une œuvre en perpétuelle métamorphose où le décentrement, la discontinuité et l’hétérogénéité ne représentent pas de notions dépréciatives, mais de vrais piliers esthétiques
As urban phenomenon, “flânerie” appears together with socio-economic changes of the nineteenth century. Although associated with a factice wandering, it introduces a new and fragmented approach of the city. The change of perspective on the street also leads to a change of perspective on art and literature. Thus, a Balzac or a Baudelaire is particularly interested in the paradoxical and floating figure of the “flâneur”. In a possible genealogy of the concept, a special place is taken by the diverse and unclassifiable creation of Guillaume Apollinaire. The writer’s passion for “brocanteurs” and trivia as for unusual stories and exceptional characters determines literary criticism to apply him the pejorative label of “flâneur”. Based on this cliché of the critical reception, our thesis is to demonstrate that “flânerie”, for Apollinaire, defines not only a relation to space, but also a way of being and thinking. Through formal, thematic and poetic analysis of the writer’s literary and theoretical work, we plan to prove that “flânerie” is a theme, a method and a valid aesthetic principle. Without being negative, “flânerie” is rather the metaphor of a work in perpetual metamorphosis where collage, discontinuity and heterogeneity are not derogatory concepts, but true aesthetic pillars

Cette thèse s’attache à interroger et essaie de définir l’évolution stylistique de l’écriture d’Apollinaire, en l’articulant aux manifestations syntaxiques du continu et du discontinu au sein du discours poétique. Nous y observons comment le discontinu s’inscrit dans la pensée et l’écriture apollinarienne, tant sous la forme d’un motif obsédant, celui du morcellement et de la dissolution du corps, que comme principe de construction du discours, par les figures de juxtaposition et de raccourci syntaxiques. Nous essayons d’étudier les spécificités et l’évolution diachronique de la syntaxe poétique d’Apollinaire, grâce aux apports méthodologique de la textométrie (en particulier du logiciel de statistique textuelle : TXM).Nous analysons plusieurs dispositifs textuels représentatifs de l’articulation apollinarienne du continu et du discontinu : la proposition subordonnée relative, les effets de mise en liste et d’émiettement syntaxique (énumérations, accumulations, juxtapositions), ainsi que le cas particulier que constitue les calligrammes (espace de synthèse poétique, à l’image du renouvellement des régimes de visibilité). Ce type de structures et d’organisations du discours poétique permet en effet d’interroger les enjeux de la plasticité de l’écriture apollinarienne
This thesis aims to examine and define the stylistic evolution of Apollinaire's writing in light of the syntactic continuity and discontinuity in poetic discourse. It studies the place of discontinuity in his work, both as a haunting motif of the fragmentation and the dissolution of the poet's body through space, as well as a principle of discursive construction, by instances of juxtaposition and shortened syntax. It attempts to study the specificities and the diachronic evolution of Apollinaire by using textometry as a methodological tool (specifically the software for textual statistics: TXM). This thesis analyses several textual structures that represent Apollinaire's articulation of continuity and discontinuity: the relative subordinate clause, the effects of listing and syntactical splitting (enumerations, accumulations, juxtapositions), as well as the particular example of caligramms (a space of poetical synthesis, for instance the extension of regimes of visibility). This type of structure and organization of poetic discourse allows us to analyze the question of the plasticity of Apollinaire's writing

Cette thèse interroge le sens du mythe orphique dans la poésie de six auteurs européens du début du XXe siècle (Valéry, Rilke, Trakl, Apollinaire, Campana, Goll), et le sens de la poésie orphique dans la modernité. En partant du double constat d’une crise de la Weltanschauung signant la désertion de la transcendance et du sens, et d’une crise du langage héritée de Mallarmé, cette thèse définit la poésie orphique comme une tentative de ré-enchantement visant à refonder la place de l’être dans le monde, le sens de la mort et la profondeur ontologique de la poésie. La thèse pose la question de l’unité ou de l’éclatement d’un lyrisme orphique moderne. Elle propose une mise au point historique sur les sources de l’orphisme jusqu’au début du XXe siècle, puis un parcours analysant le passage de la mythologie à des poétiques orphiques parfois opposées dans leur aboutissement (réharmonisation de soi et du monde, catabase sans fin, démembrement du sujet, incarnation par l’orphisme de l’idée d’une poésie parfaitement composée). Cette thèse s’attache aussi à définir l’orphisme dans ses dimensions musicales et picturales, interroge les liens entre orphisme et union des arts, et étudie la langue musicalisée et picturalisée des poètes, ainsi que plusieurs œuvres vocales et plastiques (Honegger, Poulenc, Webern, Weill, Delaunay, Dufy, Klee, De Chirico). Enfin, considérant le mythe selon sa dimension fondatrice d’une manière d’être au monde, cette thèse envisage la poésie orphique du début du XXe siècle comme le signe et le moyen d’un désir de retour à une forme de rapport mythique au monde où l’être, dans le chant, coïnciderait avec le sacré et avec le dicible
This thesis examines the meaning of the myth of Orpheus in the poetical works of six early twentieth century European poets, and the meaning of Orphic poetry within a context of modernity. Having taken into account a twofold crisis, both of the Weltanschauung – revealing that any sense, or transcendent reference, is missing – and of language (Mallarmé’s legacy), this thesis defines Orphic poetry as an attempt to re-enchant the world, in order to give new roots to the being, a new meaning to death, and a new ground to settle poetry’s ontological depth. The thesis tries to determine if such a lyricism is unique or manifold. It makes a historical mise au point from the sources of Orphism up to the twentieth century; then, it tries to describe the transformation of mythological elements into poetical principles – from which may even have issued contradictory achievements (setting back harmonious links between the world and the self; endless katabasis; dismemberment of the I; Orphic embodiment of a perfect poetry). Our thesis also tries to describe how Orphism is conveyed through music and painting: it questions the link between Orphism and the union of the arts, and studies the poet’s music-like and picture-like language, as well as some vocal or painted works (Honegger, Poulenc, Webern, Weill, Delaunay, Dufy, Klee, De Chirico). At last, as it considers myth as the settling of a new way of being-in-the-world, this thesis pictures early 20th century Orphic poetry both as the symptom and the way of a desire to get back some kind of mythical relationship to the world, in which the being, the sacred and the sayable, through the poetical song, would prove coextensive

Notre étude de la peinture dans la poésie vise à analyser la poétique de l’ambivalence de deux arts appartenant à des traditions artistiques différentes. D’autant plus que la poésie par sa diversité formelle et son questionnement sur l’être devient un champ d’étude vaste et privilégié. Notre analyse s’est limité à des corpus choisis à savoir les œuvres de Guillaume Apollinaire, de Paul Éluard, de Francis Ponge et de Jean Tardieu qui ont côtoyé des peintres. Elle s’est élaborée à partir de la recherche de nouvelles formes graphiques et plastiques. De fait, la peinture « dans » la poésie désigne cet espace pictural intermédiaire dans la disposition des mots du poème et surtout cette intrusion de la peinture et du dessin dans la poésie privilégiant l’image visuelle au XXème siècle. Cette intrusion nous permet de cerner la problématique de l’image poétique rendue picturale. D’une façon générale, notre méthode ne répond point à des objectifs comparatistes mais elle tente de faire ressortir la spécificité et le caractère éclectique de la poésie à travers une étude stylistique des procédés d’écriture. Cette méthode stylistique, tout en assurant la corporéité de la peinture dans la poésie du XXème siècle, examine une activité picturale qui se déploie dans le cadre poétique. C’est effectivement dans l’échange entre plusieurs arts que vit le langage poétique
Our study of the painting in the poetry aims at analyzing the poetics of the ambivalence of two arts belonging to different artistic traditions. Especially since the poetry by its formal variety and its questioning on the being becomes a field of vast study and privileged. Our analysis limited itself to corpuses chosen, to know the works of Guillaume Apollinaire, Paul Eluard, Francis Ponge and Jean Tardieu which went alongside to painters. It is elaborated from the search for new graphic and plastic forms. Actually, the expression of the painting "in" the poetry indicates this intermediate pictorial space in the arrangement of the words of the poem and especially this intervention of the painting and the drawing in the poetry privileging the visual image in the twentieth century. This intervention allows us to encircle the problem of the poetic image made pictorial. Generally speaking, our method does not answer comparative objectives but it tries to highlight the specificity and the eclectic character of the poetry through a stylistic study of the processes of writing. This stylistic method, while insuring the insertion of the painting in the poetry of the twentieth century, examines a pictorial activity which displays in the poetic frame. It is effectively in the exchange between several arts which lives the poetic language

Guillaume Apollinaire est incontestablement l’un des poètes français les plus célèbres du XXe siècle. Celui qui a participé aux mouvements d’avant-garde et écrit des poèmes comme «Le Pont Mirabeau» et «La Chanson du Mal-Aimé», s’est pourtant livré à une autre activité littéraire moins connue du grand public. En effet, la «prose d’imagination»—contes et romans—de l’écrivain est conçue dans les règles de «l’esprit nouveau», et selon une poétique de « la surprise » qui caractérise aussi ses vers. Friand de curiosa et de bizarreries de toutes sortes, le prosateur Apollinaire manifeste une prédilection pour les hérétiques, les aventuriers, les maniaques, les poètes disgracieux et les artistes originaux. Il n’a pas peur d’aborder des sujets étonnants, voire hétérodoxes, à la recherche du renouvellement esthétique. Cette écriture très particulière peut s’inscrire dans une certaine lignée de la littérature, parmi les genres et les ouvrages des auteurs voués à ce qui est fantastique, mystérieux, anticlérical ou subversif. Comme la vie et l’œuvre sont inséparables dans le monde apollinarien, il est naturel que la curiosité et le goût du bizarre de l’écrivain laissent des empreintes dans sa bibliothèque personnelle, ses agendas et dans ses chroniques anecdotiques. Et c’est effectivement dans le domaine du journalisme que se trouvent maintes «authentiques faussetés» d’un Apollinaire conteur, qui excelle à mêler le réel et l’imaginaire. Une telle tendance fusionnelle se traduit aussi par le mélange des genres artistiques et littéraires dans sa fiction, laquelle témoigne d’une volonté d’inventer au-delà de certains «modèles», de créer une nouvelle esthétique libre de contraintes formelles, tout en restant fidèle aux principes défendus par le poète Guillaume Apollinaire
Guillaume Apollinaire is undoubtedly one of the most famous French poets of the twentieth century. However, apart from being a key figure in the early avant-garde movements and the author of The Mirabeau Bridge (“Le Pont Mirabeau“) and The Song of the Ill-Beloved (“La Chanson du Mal-Aimé“), the poet played another literary role less known to the public today. In fact, the “imaginative prose” (“la prose d’imagination“)—short stories and novels—of Apollinaire was written in the spirit of “l’esprit nouveau“ and in accordance with a poetics of “surprise“ which also shaped his poetry. Being an avid reader of curiosa and other unusual texts, the prosateur Apollinaire had a predilection for heretics, rogues, maniacs, ungraceful poets and eccentric artists. He was not afraid to write about shocking or unconventional subjects while aiming for aesthetic renewal. This very distinctive fiction writing belongs probably to a certain tradition in literature, where Apollinaire and some of his works remain among the genres and the authors who devoted themselves to fantastic tales, mysteries, anticlerical stories or other subversive texts. Since worldly experience and literary enterprise are inseparable in Apollinaire’s world, it is natural to notice many signs of the writer’s curiosity and his taste for the bizarre in his private library, his journals and his magazine columns. In fact, a large number of the so-called “true falsities“ (“authentiques faussetés“)—a term invented by Apollinaire himself who, as a brilliant raconteur, excelled in mixing reality with fantasy—can actually be found in the writer’s journalistic writing. As for his work of fiction, a similar tendency for mixing also reveals itself in the fusion of different artistic and literary genres. The “imaginative prose“ shows the author’s will to invent out of some existing “frameworks“, to create a new aesthetic free of genre constraints, while remaining faithful to the principles defended by the poet Guillaume Apollinaire

Apollinaire, Cendrars et Maïakovski vivent une époque de changements qui modifient l’ordre des choses, offrant une mutation dont le progrès technique est l’illustration la plus évidente pour ces poètes qui glorifient les nouveaux moyens de communication comme le train dont le mouvement ininterrompu sert de fil conducteur à tout le poème de Cendrars la Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France ou comme l’aviation chantée par Apollinaire dans « Zone » et mise en scène par Maïakovski dans Le prolétaire volant. Le voyage devient un thème privilégié de cette poésie résolument tournée vers le mouvement. Entrevoyant une transformation irréversible, ils se trouvent aussi confrontés à un monde nouveau, qu’ils appréhendent dans sa misère, sa violence et son caractère brut. La ville moderne en est l’un des motifs les plus emblématiques. Elle apparaît comme un décor théâtralisé et digne de devenir objet d’une poésie qui se veut novatrice. Chantres de cette modernité naissante, ils se font les témoins voire les porte-parole de l’humanité misérable qui hante ce décor. Apollinaire et Cendrars évoquent souvent les émigrants, populations déracinées, sans patrie, en quête d’un illusoire Eldorado, tandis Maïakovski fait défiler toute une série d’infirmes dans sa tragédie Vladimir Maïakovski tragédie. Si le monde moderne devient objet d’observation, il est aussi cadre de l’errance poétique. A la soif de voyage de Cendrars correspond une problématique interrogation existentielle, alors qu’Apollinaire, entre tradition et modernité, confronte le mal être du mal aimé au monde qui l’entoure. Maïakovski, lui, cherche désespérément, à travers un lyrisme exacerbé, à lutter contre un esprit bourgeois et ignorant de la misère et des transformations du monde et à convaincre de la nécessité d’instaurer la révolution de façon complète. Marqués par la conscience aiguë de la nouveauté, ils se trouvent cependant pris entre un monde ancien, rejeté mais toujours présent, et un avenir incertain et inquiétant. C’est dans ce contexte que se met en place la problématique quête du moi. Le poète se heurte à un monde autre, indifférent qui ne le comprend pas, qu’il cherche à apprivoiser et à façonner tout en construisant une identité bien fragile. De l’observation du monde moderne arpenté par le poète naît une esthétique de la trivialité poétisée dans l’évocation d’une réalité crue, nue sans détour ni euphémisme. Le beau y côtoie le laid, à la suite de Baudelaire qui introduisit le monde moderne dans la poésie. Ainsi l’actualité vécue de façon aiguë fait –elle l’objet de l’attention du poète et devient poésie. Rendre le réel dans son immédiateté induit un lyrisme intense et douloureux où la quête prend la forme d’une plainte, d’une supplique et d’une révolte en même temps qu’elle pose un questionnement sur la poésie, ses formes nouvelles et son rôle dans ce monde moderne
Apollinaire, Cendrars et Maïakovski lived in an era of changes which initiated a new order of things, bringing about a transformation best illustrated by technical progress in the minds of these poets who glorified the new means of communication such as the train whose steady movement is the main thread of the whole poem by Cendrars Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France, or the plane glorified by Apollinaire in « Zone » or staged by Maïakovski in Le prolétaire Volant. Travelling became the privileged theme of this poetry consecrated to movement. Foreseeing an irreversible transformation, they were confronted with a new world that they grasped through its wretchedness, its violence and its rawness. The modern city is one of their most emblematic motives and it seems like a theatre set deserving of becoming the subject of a new poetry meant to be innovative. As the heralds of this budding modernity, they became the witnesses and even the spokepersons of wretched mankind who haunts this setting. Apollinaire and Cendrars evoke the migrants, the uprooted and stateless populations in quest for an unrealistic Eldorado whereas Maïakovski in his tragedy Vladimir Maïakovski presented a series of disabled people. If the modern world turned into a subject of observation, it is also a frame for poetic wandering. To Cendrars's thirst for travelling corresponds the problematic questioning of existence whereas Apollinaire, between tradition and modernity, opposes the malaise of the unloved one to the surrounding world. For Maiakovski's part, through heightened lyricism, he desperately seeks to struggle against a « bourgeois spirit » which ignores the misery and great changes of the world and to convince of the necessity to bring about an utter revolution. Impregnated by an acute awareness of novelty, they are caught between an old world, rejected but still present, and an uncertain worrisome future. It's within this context that the problem of the quest for the self is outlined. The poet comes up against a different and insensitive world which doesn't understand him, a world he tries to tame and shape while forging a quite fragile identity. An aesthetic of triviality poeticized in the depiction of a gritty, naked reality in an upfront way and with no hint of exaggeration is born of the poet's observation of the modern world. The beautiful is seen beside the ugly, as for Baudelaire who introduced the modern world to poetry. Thus reality experienced in a sharp way is the focus of the poet's attention and turns out to be poetry. Portraying the reality in its immediacy implies an intense and painful lyricism in which the quest turns out to be moaning, a plea and a rebellion as it questions poetry itself, its new forms and its status and role in the modern world

Dans la poésie et dans les théories poétiques et esthétiques d’Apollinaire, de Cendrars et de Reverdy, entre « Pâques à New York », « Zone » en 1912, et Le Manifeste du surréalisme de Breton en 1924, une fracture apparaît au niveau de la forme. Liée forcément à l’abandon de la mimèsis en tant qu’imitation de la réalité, cette nouvelle poétique se veut rupture nette avec le réalisme, mais rejoint également des conceptions vitalistes de la pensée de Nietzsche et de Whitman, et à travers une nouvelle poétique de l’image et du langage poétiques, dont l’ambition est paradoxalement de réinventer le « réalisme » dans la poésie par « rapprochement des réalités éloignées » (Reverdy). Ce sont notamment des dispositifs de la « poésie visuelle » qui produisent des effets au niveau de la lecture en tant qu’expérience et expérimentation à la fois. Quels sont les enjeux de cette « poétique de la réalité » ou de ce « lyrisme du réel » et sa place dans la modernité poétique ? Les expériences et expérimentations du corpus, lesquelles se caractérisent par la fracture des formes, et utilisation des fragments « bruts », des éléments de réalité, sont étudiés avec une approche phénoménologique, mais dans une perspective essentiellement esthétique. Le mérite de la phénoménologie merleau-pontyienne est de mettre en valeur les aspects corporaux de la perception, et c’est exactement dans ce sens-là que toutes ces expérimentations représentent des stratégies poétiques d’immersion du lecteur dans l’expérience esthétique et des dispositifs d’une réception corporelle qui est « instinctive », c'est-à-dire « pré-linguistique » et, selon l’expression de Merleau-Ponty, « pré-objective », concernant ainsi également l’invention linguistique, c'est-à-dire la poésie en tant que « parole parlante »
In the poetry and in the poetic and esthetic theories of Apollinaire, Cendrars and Reverdy, between « Pâques à New York » and « Zone » in 1912, and Le Manifeste du surréalisme by Breton in 1924, fracture determines poetic forms. Evidently connected to the abandonment of mimesis as imitation of reality, this new poetic tendency wants clean break with realism, but also rejoins the vitalist conceptions of Nietzsche and Whitman, through a new conception of poetic image and language, with a seemingly paradoxical ambition to reinvent « realism » in poetry by “bringing together distant realities” (Reverdy). Particularly the devices of “visual poetry” produce certain effects in the act of reading as an experience and experimentation both. What are the challenges of these "poetics of reality" or of this “lyricism of the real” and their place within modern poetry in general ? These experiences and experiments of the poetry, characterized by fracture of forms, and usage of “raw” fragments, elements of reality, are studied here with a phenomenological approach, but from an essentially aesthetic point of view. The merit of the phenomenology of Merleau-Ponty is that it highlights the corporal aspects of perception, and it’s exactly in that sense that all these experiments represent poetic strategies of immersing the reader in the aesthetic experience and devices of corporeal reception which tends to be more « instinctive », even « pre-linguistic », and according to the expression of Merleau-Ponty, « pre-objective », thus concerning also the invention of language, and poetry as “parole parlante”

Qu'elle écrive contre, avec ou malgré la tradition, une certaine partie de la modernité poétique voit dans le dialogue avec la tradition un principe esthétique fondamental. La présente thèse se propose de le montrer à travers une approche intertextuelle des oeuvres de Lautréamont, Rimbaud, Apollinaire, Ponge, Deguy et Jude Stéfan. Le premier livre envisage deux rhétoriques de la subversion. "Les Chants de Maldoror" déconstruisent méthodiquement l'épopée : déconstruction des règles du poème, éclatement du tissu épique par intrusion de sous-genres parasitaires, hybridation du genre dégénérant en roman-feuilleton. Chez Rimbaud, l'esthétique inaugurale du centon débouche sur une crise de la pratique imitative, soulignée ensuite par le traitement violemment parodique des intertextes parnassien et verlainien. "Illuminations", par la pratique de l'autocenton et de l'autopastiche, achève ce processus permanent d'éradication. Le deuxième s'arrête à l'inverse sur deux poétiques de la réinscription. L'inscription subtile de la mémoire générique, la fabrication de toutes pièces d'un sujet lyrique proprement intertextuel, le jeu entre l'ancien et le nouveau dans les poèmes interdiscursifs traduisent le souci chez Apollinaire d'inventer un "nouveau lyrisme" relié à l'héritage. Chez Ponge, le travail sur des grands socles de la tradition (Lucrèce, Malherbe, Littré) apparaît comme la condition nécessaire à l'avénement d'une écriture objective, "désaffublée" et "autogène". Le troisième livre analyse deux entreprises de recyclage. Sur fond d'effondrement du culturel, Deguy risque une poétique de la conservation profanante en généralisant trafic simoniaque des récits et des métarécits. Stéfan fait du poème un potlatch de livres recyclant ironiquement la "Peau pourrie" de la poésie dans une poétique du croisement et du détournement
Whether they write against, with or despite tradition, a certain part of the poetic modernity sees the dialogue with tradition as a fundamental aesthetic principle, which this thesis aims at demonstrating through an intertextual approach of works by Lautréamont, Rimbaud, Apollinaire, Ponge, Deguy and Jude Stefan. The first book views two rhetorical approaches on subversion. "Les Chants de Maldoror" methodically deconstruct the epic- deconstruction of the rules of the proem, rupture of the epic web with the intrusion of parasitical sub-genres, hybridization of the genre degenerating into serial story-. In Rimbaud's work, the aesthetics inaugural to the cento builds up to a crisis on imitation practices, then underlined by the violently parodic treatment of the Parnassian and Verlaine intertexts. Through the practice of the "autocento" and the autopastiche, "Illuminations" puts this permanent process of eradication to an end. Conversely, the second book focuses on two poetics of reinscribing. The subtle engraving of the generic memory, the complete fabrication of an utterly intertextual lyrical subject, the interplay between the modern and the ancient in his interdiscourse poems express. Apollinaire' concern to invent a "new lyrism" tied to heritage. As for Ponge, his work on the great foundation stones of tradition (Lucrèce, Malherbe, Littré) is seen as the necessary condition of the accession to an objective way of writing, both "desaffublée" and "autogenous". The third book analyses two recycling ventures. With the cultural collapse as a background, Deguy goes as far as risking a poetics on the debasing conservation by putting simonist trafficking of discourse and metadiscourse into general use. By Stéfan's standards, the poem becomes a potlatch of books ironically recycling the "rotten skin" of poetry into a poetics of crossbreeding and embezzlement

Le Bestiaire ou Cortège d’Orphée (1911) d’Apollinaire attire toujours les mélodistes de notre temps. S’inscrivant dans une tradition ancestrale, les mises en musique des petits poèmes d’animaux guidés par Orphée constituent en effet un inestimable « jardin zoologique » pour les musiciens. Apollinaire imaginait-il une exploration de ce type ? Ces créations musicales à partir du Bestiaire sont-elles, à titre posthume, un hommage au poète ? Des plus célèbres, celles de Poulenc et Durey (1919), à celle de Régis Campo (2008) en passant par les recueils de Claude Ballif et Robert Caby (1945), chacune des versions donne lieu à un réinvestissement spécifique des poèmes. Dans cette étude diachronique allant de 1919 à 2008, les compositions concernées sont analysées dans leur contexte puis examinées à travers la pluralité des langages musicaux qu’elles mettent en oeuvre. Outre Poulenc et Durey, voici, par ordre chronologique, les auteurs abordés : Yves Nat (Dans vos viviers, dans vos étangs, 1943) ; Claude Ballif (Le Cortège d’Orphée, op. 1b, 1945-1948) ; Robert Caby (Cycle inédit de sept mélodies, 1945-1948) ; Robert Cornman (Le Bestiaire Alpha, 1961-1963, Le Bestiaire Bêta, 1972) ; Jean Absil (Bestiaire op. 58, 1964) ; Lionel Daunais (Bestiaire, 1978) ; plus près de nous : May Breguet (Bestiaire, 1982) ; Alain Corbellari (Bestiaire bis, 1991) ; Rachel Laurin (Bestiaire op. 22, 1992) ; enfin, John Carbon (Bestiaire, 2002) et Régis Campo (Bestiaire, 2008)
The poem collection Le Bestiaire or Cortège d’Orphée (1911) by Apollinaire still attracts vocal composers of our time. Drawing on ancestral traditions, the setting to music of short poems about animals guided by Orpheus constitutes an inestimable “zoo” for musicians. Did Apollinaire imagine an exploration of this type? Are these musical creations, from Le Bestiaire onward, posthumously, homages to Apollinaire? From the most famous of animal cycles by Poulenc and Durey (1919), to that of Régis Campo (2008), as well as the collections of Claude Ballif and Robert Caby (1945) , each version gives rise to a specific reingagement with the poems. In this diachronic study from 1919 to 2008, the compositions in question are analyzed in their context and examined through the plurality of musical languages that they employ. In addition to Poulenc and Durey, here, in chronological order, are the other composers discussed: Yves Nat (Dans vos viviers, dans vos étangs, 1943); Claude Ballif (Le Cortège d’Orphée, op. 1b, 1945-1948); Robert Caby (Cycle of seven songs, 1945-1948); Robert Cornman (Le Bestiaire Alpha, 1961-1963, Le Bestiaire Bêta, 1972); Jean Absil (Bestiaire, op. 58, 1964); Lionel Daunais (Le Bestiaire, 1978); more recent, May Breguet (Bestiaire, 1982); Alain Corbellari (Bestiaire bis, 1991); Rachel Laurin (Bestiaire, op. 22, 1992); and, finally, John Carbon (Bestiaire, 2002) and Régis Campo (Le Bestiaire, 2008)

Pourquoi une thèse sur Rabelais, en 2012 ? Certes : en apparence on ne présente plus l’écrivain, qui s’inscrit ànotre Panthéon, sans conteste, comme l’un des « pères » de la littérature française. Pourtant, le constat quifonde notre propos, c’est qu’il y a, justement, une nécessité urgente à réintroduire Rabelais. Auprès du grandpublic – parce que les lecteurs la délaissent, souvent induits à penser qu’elle est illisible ou inactuelle. Leréintroduire, aussi, dans le discours de la critique généraliste, dont les recherches les plus stimulantes tendent àrejeter Rabelais, et son époque dans la sphère du non-littéraire. C’est aussi ce que les rares études sur laréception de l’écrivain indiquent : en suggérant qu’au-delà d’une série de reprises ponctuelles ou d’imitationsde second rang, l’auteur n’aurait pas eu de réelle postérité chez les écrivains modernes – et qu’il se serait heurtéà un « malentendu », sinon à une déconcertante « défiguration ». En somme, à l’époque moderne, l’oeuvre deRabelais s’identifie insidieusement à un objet du patrimoine : plus qu’à un objet littéraire – de rechercheslittéraires. Et en 2012, malgré soi, l’on en viendrait à reprendre les conclusions amères de Céline : que Rabelaisa « raté son coup ». Alors que faire ? Notre thèse sur les « fils de Rabelais », envisageant successivement les casde Nerval et d’Apollinaire, entend récuser ce constat accablant. En réhabilitant la notion de « fils » enlittérature, nous montrerons que Rabelais possède bel et bien une postérité dans la littérature moderne : qu’auXXIe siècle, son oeuvre réussit encore à faire parler d’elle – et à inspirer de nouveaux regards critiques
Why present a thesis on Rabelais in 2012? Clearly, at first sight, we no longer need to showcase a writer who has undoubtedly earned his place in our Pantheon as one of the "fathers" of French literature. Yet, our whole thesis is based on the premise that there is a pressing need to revitalise Rabelais in our literary consciousness. Readers neglect his work – often led to believe that it is unintelligible or outdated – and the trend in the most stimulating of critical studies is to reject Rabelais and his era into the non-literary sphere. This is what the rare studies of how the writer was received show : they suggest that, aside from a series of one-off replications or substandard imitations, the author is not really a source of inspiration to modern writers – his legacy has come up against "misunderstanding" and has even bafflingly been "distorted". In short, in our modern age, Rabelais' work is insidiously identified as part of our heritage, rather than literary matter or a subject for literary study capable of inspiring critics and writers. If, in 2012, against our better judgment, we are tempted to concur with Céline's bitter conclusions: that Rabelais "failed in his design ". What should we do about it? The aim of our thesis on the "sons of Rabelais" is to challenge this damming conclusion, by considering successively Nerval’ and Apollinaire’ cases. Through a rehabilitation of the notion of a literary descendant or “son”, we will show that there is a clear thread between Rabelais and modern literature, and that in the 21st century, his work can still, and always still, succeed in attracting debate and discussion – inspiring fresh critical thought. Keywords : Rabelais – Nerval – Apollinaire – filiation – reception – posterity – analogy – manner

Cette thèse a pour ambition de fournir des clefs pour la compréhension d'un des axes sur lesquels se développe la poésie expérimentale dans l'extrême contemporain (des années cinquante à aujourd'hui), ce qui implique un retour amont aux sources de la poésie dite "visuelle". Il s'agit d'abord de donner sens à cette appellation hautement problématique de "poésie visuelle", dont la rélaité formelle ne saurait se réduire à la dimension de la "visualité", en somme de la rendre à sa pluralité, à sa complexité, aux tensions et contradictions qui en font la richesse. Le chapitre initial est donc destiné à dessiner les conditions historiques de l'émergence, à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, d'une langue poétique visible. La grande partie parcourt le socle de l'aventure, à partir de la double expérience fondatrice et complémentaire de Mallarmé et de Rimbaud, d'une part, D'apollinaire. . . .

La recherche porte sur la notion du théâtre telle qu'elle se développe chez Savinio à partir de son premier texte théâtral, écrit en langue française, "Les Chants de la mi-mort". On pourra pas se dispenser de remarquer les influences d'Appollinaire et, plus tard, l'importance de son maître à penser en matière théâtrale : Pirandello. Avec "Capitano Ulisse" et "Alcesti di Samuele Savinio" touche à l'expression, la plus importante, de son œuvre théâtrale au point que on peut considérer ces pièces unies dans un idéal dytique métaphysique. Dans ces pièces Savinio se mesure avec la reprise de la matière tragique : comme dans "Capitano Ulisse" le drame récrivait l'aventure mythique du héros homérique, également le personnage d'Alcesti revit dans l'histoire de Madame Goerz, femme juive au temps du nationnal-socialisme. Chez Savinio agit la volonté de démontrer l'impossibilité du tragique au XX ème siècle : la normalisation des héros les plus mythiques et la banalisation des faits, les plus tragiques, imposés par la scène, doivent être étudiés à partir de cette déclaration d'inaccessibilité. L'œuvre qui naîtra comme une transcription pour la scène des contes écrit par l'auteur même ("Il suo nome", "La famiglia Mastinu") va se caractériser pour une reprise des facteurs méta-théâtrales qui opéraient d'ailleurs dans ces pièces. Avec "Emma B. Vedova Giocasta", Savinio choit en faveur de la mesure réduite de l'acte unique qui porte à une condensation de la dramaturgie. Une seule pièce et un seul mouvement d'attente fébrile du personnage
This study focuses on the concept fo theatre, as developed by Alberto Savinio since his first theatrical play written in French ("Les Chants de la mi-mort"). The study will, first, highlight the influence of Apollinaire on the work of Savinio and, then, will stress the importance of Pirandello, who can be considered his master on the theatrical subject. "Capitanon Ulisse" and "Alcesti di Samuele" représent the higthest form of his theatrical expression to suche and extent that these two pièces can be considéred as interlinked in an ideal metaphysical diptych. In both plays, Savinio tackles the concept of regeneration of the tragedy : similarly to the story of "Capitano Ulisse", were the adventures of the Homeric hero are reinterpreted, the figure of Alcesti appears anew in the story of Mrs Goerz, an Jewish woman who lives during the period of national socialism. Savinio's work, which is the result of a collection of short stories ("Il suo nome", "La famiglia Mastinu") will be characterised by a revisitation of meta-theatrical factors, which were already present in previous pièces. In "Emma B, vedova Giocasta", Savinio chooses a lighter option : the one act play. This choix leads to a condensation of dramaturgy, since it is composed of one pièce and of one single feverish waiting movement of the main character

Les éclatements successifs du sujet-oxymore chez Apollinaire à partir de 1907-1908 donnent lieu à une définition sémiotique stable du Je-Poète. La crise de la poésie est assumée par cette définition, passible de retours allotopiques (scissions) ou projetée vers son ouverture spatiale et calligrammatique. À cette crise le sujet-tmèse, chez Huidobro, répond par une stratégie de disjonction (1917-1918) progressivement euphémisée. Dans la structure de la tmèse on repère un passage annoncé par plusieurs symptômes (réfraction, ostranenie, thématique des horloges) qui relisent la crise apollinarienne à travers le constat de l'absence du présent poétique. De là la nécessité de déployer une narration implicite du mythe du poète, dynamisée par un emploi citationnel apollinarien massif. Dans Altazor se redéfinit cette narration nourrie par une culture post-biblique ou altazorienne, par le dialogue avec les avant-gardes et par des résurgences oxymoriques apollinariennes. Le parallélisme Huidobro / Reverdy (1915-1918) permet de dégager la spécificité et la continuité avec le passé littéraire de ce mythe huidobrien, et la comparaison avec le dadaïsme et le surréalisme (années 20) le replace autour de la problématique de sa légitimité diversement orientée sur des axes pragmatiques conflictuels. La représentation du sujet comme signe double révèle ses zones d'oscillation -historiques, esthétiques, culturelles - et confirme dans l'écriture poétique de la guerre la visée unitaire et médiatrice du système oxymorique en opposition à un sujet-tmèse obligé à rééquilibrer la crise de la poésie d'un point de vue figural et culturel
Summary : Successive breaking-ups of the oxymoron-subject in Apollinaire from 1907-1908 onwards lead to a stable semiotic definition of the I-as-Poet. The crisis of poetry is taken charge of by this definition that may undergo allotopic returns (scissions) or be projected towards its spatial and calligrammatic opening up. In Huidobro's work, the tmesis-subject responds with a progressively euphemised strategy of disjunction in 1917-1918. In the structure of tmesis, we spot a passage announced by several symptoms (refraction, ostranenie, the theme of clocks) which reread the Apollinarian crisis by acknowledging the absence of a poetic present. Hence the need to deploy an implicit narration of the myth of the poet, dynamised by massive use of quotations from Apollinaire. Altazor redefines this narrative nourished by a post-biblical or “Altazorian” culture, a dialogue with the avant-gardes and oxymoric resurgences from Apollinaire. A parallel between Huidobro and Reverdy from 1915 to 1918 allows us to detect both the specificity of this Huidobrian myth and its continuity with the literary past, while a comparison with Dada and Surrealism (in the 20s) situates it on the background of questions of legitimacy diversely oriented on conflictive pragmatic axes. The representation of the subject as a dual sign reveals its several areas of oscillation (historical, aesthetic and cultural) and confirms in the poetic scripture of the war the wholistic and mediating goal of the oxymoric system, as opposed to the tmesis-subject obliged to re-balance the crisis from a figural and cultural point of view

L'œuvre d'Ovide constitue une inépuisable source d'inspiration pour les écrivains et les artistes français ou européens. Du Moyen Âge jusqu'à l'époque romantique, des poètes, des peintres et des musiciens se réfèrent en permanence aux Métamorphoses et à L'Art d'Aimer d'Ovide. Au XXème siècle, avec l'avènement d'une pluralité de mouvements esthético-littéraires, nous constatons que la présence d'Ovide se maintient à un niveau important. Des peintres, comme Salvador Dali et Pablo Picasso, qui avec leurs œuvres ont ouvert de nouvelles voies, dans le milieu figuratif, peignent, le premier L'Art d'Aimer et le second les Métamorphoses d'Ovide. Des poètes célèbres comme Guillaume Apollinaire et Jean Cocteau écrivent, le premier des œuvres poétiques et le second une pièce de théâtre ainsi que des scénarios de films inspirés par les héros mythiques ( Éaque, Icare, Hercule, Orphée) des Métamorphoses d'Ovide. Des musiciens comme Igor Stravinsky et Darius Milhaud composent des opéras et des ballets, influencés par l'œuvre du poète latin. En général, le courant artistique créé par les écrivains et les artistes de l'avant-garde a trouvé dans le personnage d'Orphée, qu'Ovide a représenté si subtilement, une très riche matière. Les arts et les lettres valoriseront encore d'autres grandes figures - tant il est vrai que l'œuvre ovidienne demeure étonnamment vivante vingt siècles après sa création
Ovid's work was and always will be an inexhaustible source of inspiration for French writers and artists and Europeans generally. Since the Middle ages and the years of the late romanticism, poets, painters and musicians constantly refer to ideas from Ovid's "Metamorphoses" and the "Ars Amatoria". .

La thèse examine l'utilisation de l'écriture dans deux types de poésies visuelles, les poésies calligrammatiques et les poésies spatialistes, qui illustrent les deux pôles constitutifs de l'écriture comme de l'image : la figure et l'espace. Ces deux tendances de la poésie visuelle, qui existent aussi bien en France et au Japon, forment les deux grandes parties de la thèse. A l'intérieur de la première partie, l'auteur examine d'abord quelques exemples historiques d'écritures figurées attestées dans les deux pays, avant d'aborder la période moderne et contemporaine en France avec Guillaume Apollinaire, Pierre Albert-Birot, Jean Tardieu puis Jean-François Bory. Elle étudie comment chaque poète investit la notion d'idéogramme de valeurs différentes: choisi par Apollinaire pour désigner l'une des formes de cette poésie nouvelle qu'il explore dans les années 1914-1918 avant d'être abandonné au profit de << calligramme >>, le terme apparaît chez ses successeurs tantôt comme une terminologie provisoire, tantôt comme un modèle fédérateur unifiant littérature et peinture, tantôt enfin comme un élément entrant dans la composition de poèmes mixtes. La deuxième partie est consacrée aux poésies de l'espace et en particulier au spatialisme, mouvement créé par le poète Pierre Garnier au début des années soixante, ainsi qu'à ses ramifications au Japon. L'auteur y défend la thèse que la poésie spatialiste, qui, dans ses discours théoriques se veut une poésie de la langue en général, est en réalité très précisément une poésie de l'écriture. Elle analyse les métamorphoses qu'y connaît la lettre alphabétique, et étudie les poèmes supranationaux élaborés en commun par Pierre Garnier et Niikuni Seiichi dans les années soixante et soixante-dix. Le dernier chapitre est consacre au travail de Niikuni Seiichi au Japon, et à la poésie visuelle japonaise dans son ensemble.

L’étude de locutions de soldats, de La Jeune Parque de Valéry et de Calligrammes de Apollinaire manifeste une variété de fonctionnements psychiques durant la Première Guerre mondiale. La lecture utilise les instruments d’intelligibilité de la psychologie collective proposés par Freud. Collecté par Gaston Esnault, Le poilu tel qu’il se parle révèle les inventions des soldats pour supporter la guerre et la dénoncer. Le régime de terreur n’empêcha pas les soldats de fonctionner en collectifs démocratiques. Le réalisme et la décence de locutions en témoignent malgré l’horreur ou la détresse vécues : compromis entre la violence et sa dénonciation par l’humour. Paul Valéry a participé à l’idéologie patriotique : La Jeune Parque présenta aux classes sociales dominantes un miroir. La censure collective a refusé d’entendre la présence de la guerre dans ce poème. Certains mots, images suggérées, indices figurent la sujétion de Valéry au régime dominant. La lecture de vers en regard des événements éclaire des phrases obscures. Le référentiel de l’Antiquité masque la guerre. Dans Calligrammes, Apollinaire dit à ses lecteurs sa mélancolie, à l’œuvre dès avant son engagement dans la guerre, amplifiée au fur et à mesure qu’il agit la guerre, en revient blessé, puis se dégage des identifications collectives. Une lecture attentive du poème Il y a révèle sa fonction dans le recueil : un calligramme issu de la guerre et adressé à la femme aimée, figurant la guerre dans son horreur et ses angoisses. Apollinaire dénonce la censure collective. La langue commune offre aux locuteurs, même en temps de guerre, la possibilité de fonctionner en régime démocratique
The study of the sayings of soldiers, of La Jeune Parque by Paul Valéry, and Calligrammes by Guillaume Apollinaire demonstrates a variety of psychic functions during the First World War. The readings use the tools of the intelligibility of collective psychology put forward by Freud. Collected by Gaston Esnault, Le poilu tel qu'il se parle reveals the creative ways in which ordinary soldiers contrived to bear and denounce the war. The regime of terror imposed did not stop the troops functioning, wherever possible, in democratic collectives. The realism, the decency of certain sayings testifies to this, despite the horror and distress the troops experienced. Certain sayings remain coarse and constitute a compromise between violence and its denunciation by humour. Paul Valéry participated in the patriotic ideology : La Jeune Parque presented a mirror to the dominant social classes. Collective censorship has refused to see the presence of the war in this poem. Certain words, implicit images, sometimes clues reveal Valéry's subjection to the collective dominant regime. The reading of verses in light of events clarifies obscure phrases. The classical frame of reference masks the contemporary war. In Calligrammes, Apollinaire tells his readers of his melancholy, already present even before his engagement in the war, and which has been amplified proportionately by his participation in the war, coming back wounded, then disengaging himself from collective identifications. A close reading of the poem Il y a reveals its function in the collection : a 'calligramme' born of the war and addressed to the beloved, featuring the horror and anguish of the war. Apollinaire denounces collective censorship. Everyday language offers its speakers, even in wartime, the possibility of functioning in a democratic process