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Journal articles on the topic 'Apropiacionismo'
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1
Lizarazo, Diego. "La fotografía como existencia: Apropiación y reinterpretación fotográfica." deSignis, no. 28 (January 1, 2018): 101–24. http://dx.doi.org/10.35659/designis.i28p101-124.
Full textAbstract:
El presente trabajo analiza las relaciones entre el lenguaje y el tiempo, como principio constitutivo de la fotografía. La fotografía es entendida aquí como interpretación del tiempo en la doble tensión entre convención/resistencia y existencia/lenguaje. De esta forma, el movimiento artístico apropiacionista resulta en tres sentidos pertinente para esta clarificación: porque la interpretación de tiempo que realiza la fotografía es una forma de apropiación semiótica y existencial, porque el apropiacionismo fotográfico (como movimiento artístico) es una intensificación de la condición de toda fotografía como existencia interpretada en el tiempo; y porque el análisis de algunas de las experiencias de radical apropiación fotográfica muestran los límites, las paradojas que la propia apuesta estético-política del apropiacionismo experimenta.
2
Del Río Castañeda, Laro. "Notas sueltas sobre el “apropiacionismo crítico” de Javier García Rodríguez." Impossibilia. Revista Internacional de Estudios Literarios, no. 26 (November 30, 2023): 131–46. http://dx.doi.org/10.30827/impossibilia.262023.29386.
Full textAbstract:
Este artículo ahonda en la propuesta apropiacionista del teórico de la literatura y escritor Javier García Rodríguez. El apropiacionismo nos anima a repensar nociones centrales en los estudios literarios, como la de canon, originalidad o intención autorial. En su aplicación al género académico, hace evidente la compleja red de convenciones sobre la que construimos el conocimiento humanístico. Así, mediante el humor y el extrañamiento, la obra de García Rodríguez pone en cuestión los métodos clásicos de la investigación universitaria y sugiere nuevos caminos, entre lo literario y lo crítico, para renovar el modo en que teorizamos sobre la ficción.
3
Castillo Cadenas, Mildred. "Dos momentos en De Ánima de Juan García Ponce: Ecfrasis y apropiacionismo." Nuevas Poligrafías. Revista de Teoría Literaria y Literatura Comparada, no. 1 (February 11, 2020): 101–20. http://dx.doi.org/10.22201/ffyl.nuevaspoligrafias.2020.1.1110.
Full textAbstract:
Este artículo analiza dos momentos en la novela De Ánima (1984) de Juan García Ponce, en los cuales se utiliza el recurso de la ecfrasis y el apropiacionismo. Me aproximaré a estas estrategias con el objetivo de observar su funcionamiento en la estructura narrativa, además del efecto de sentido que producen en una lectura que los considere. También pretendo detallar algunas cuestiones de la relación pintura-escritura para observar el tratamiento intermedial establecido por el autor. El primer momento revisa la relación de una obra del pintor Lucas Cranach el Viejo y el procedimiento narrativo utilizado por García Ponce para articular a Paloma, protagonista femenina. El segundo momento contempla el análisis de dos ecfrasis, cuyo origen es Le Déjeuner sur l'Herbe de Édouard Manet, desde dos perspectivas de la misma representación visual. Asimismo, prestaré atención al tratamiento apropiacionista y su efecto de sentido derivado. El artículo se apoya en la noción de ecfrasis de Luz Aurora Pimentel, Irene Artigas y James Heffernan; la estructura abismada de Helena Beristáin; el apropiacionismo de Juan Martín Prada; y el concepto ánima-animus de Carl Jung. Para las imágenes se hace referencia al Cranach Digital Archive.
4
López Iglesias, Matías, and María Teresa Gigosos Tamariz. "Apropiacionismo del arte en publicidad: No sé si a Goya le hubiera gustado esto." Uru: Revista de Comunicación y Cultura, no. 9 (January 4, 2024): 115–32. http://dx.doi.org/10.32719/26312514.2024.9.8.
Full textAbstract:
El presente estudio contrasta la relación entre el arte y la publicidad dentro del movimiento apropiacionista, para demostrar que la publicidad se aprovecha de los bienes culturales y artísticos para contextualizarlos y hacerlos propios con el fin de sacar un beneficio. Metodológicamente, se realizan once entrevistas en profundidad a expertos: cuatro publicistas —Luis Bassat, Rafa Fortis, Daniel Cuadrado Romera y Lara Martín Ortega— y siete artistas —Santiago Bellido, Manuel Tamariz, Julio Falagán, Belén González Díaz, Carlos Trigueros Mori, José Francisco Vaquero Mata y Chema Alonso—. Se parte de la campaña “+ 1,5 ºC lo cambia todo”, lanzada por WWF en la Cumbre del Clima 2019, que hace uso de obras de Patinir, Goya, Soroya y Velázquez cedidas por el Museo del Prado. Se cuestionan y analizan preguntas acerca del apropiacionismo y el impacto del arte en las campañas publicitarias, si se considera esta reutilización un plagio de bienes culturales, y si perjudica directamente en el ejercicio de la profesión y la protección legal de las obras artísticas. Se concluye que la publicidad hace uso del arte, pero se valora positivamente el apropiacionismo por su labor educativa y difusora de cultura. No obstante, se señala su uso principal como una técnica de venta. Legalmente, se abandona en manos de la deontología profesional la resolución de vulneraciones de derechos de propiedad intelectual que diluyen los límites artísticos en que se inspira toda comunicación creativa, especialmente en los mensajes persuasivos.
5
Elvira Navarro, Andrea. "Apropiacionismo y reciclaje de la noción de traducción en El fill del corrector / Arre, arre, corrector, de Adrià Pujol Cruells y Rubén Martín Giráldez." Anales de Literatura Española, no. 42 (January 7, 2025): 145–58. https://doi.org/10.14198/aleua.27161.
Full textAbstract:
Se propone en este artículo el análisis de El fill del corrector / Arre, arre, corrector, de Adrià Pujol Cruells y Rubén Martín Giráldez con el fin de estudiar técnicas apropiacionistas como la reescritura, el ready made o la anotación y su afán por revisar, releer y revalorizar ciertos conceptos desechados por la cultura dominante; esto es, subrayar el afán de reciclaje que entrañan dichos recursos. En concreto, se atenderá a la obra como reflexión acerca del oficio de la traducción en la literatura contemporánea a la que se impone la idea de traducción creativa sostenida hasta el siglo XIX en el circuito editorial. Asimismo, se atenderá a las repercusiones que acarrea el uso del apropiacionismo en el plano paratextual, en la autoría de la obra y en la recepción de la misma para evidenciar el carácter crítico del apropiacionismo en la actualidad.
6
De la Torre Amerighi, Iván. "PICASSO EN RAY SMITH. DEL HOMENAJE Y LA APROPIACIÓN A LA SUBVERSIÓN ANAMÓRFICA.: From homage and appropriation to anamorphic subversion." El Pájaro de Benín, no. 9 (2023): 3–24. http://dx.doi.org/10.12795/pajaro_benin.2023.i9.01.
Full textAbstract:
El presenta artículo analiza las relaciones de interacción entre las creaciones significantes de la historia del arte, en especial la obra de Pablo Ruiz Picasso, y la producción del artista norteamericano Ray Smith. El apropiacionismo y el homenaje se entremezclan como signo de la producción artística de Smith de las últimas décadas, sin abandonar un punto de vista crítico ni el componente irónico en todas sus obras.
7
Ruiz Bañón, María Luz. "Narrativas dislocadas en el espacio-tiempo alternativo de The Clock de Christian Marclay." HUMAN REVIEW. International Humanities Review / Revista Internacional de Humanidades 11, Monográfico (2022): 1–9. http://dx.doi.org/10.37467/revhuman.v11.4351.
Full textAbstract:
The Clock es una videoinstalación en la que el ritmo ficticio del celuloide se humaniza a través de un relato que opera desde la anacronía del apropiacionismo de imágenes de archivo. Marclay utiliza en su montaje diferentes mecanismos de dislocación narrativos, sonoros y visuales que, unidos al uso anacrónico de la imagen fílmica, generan una experiencia heterocrónica en el espectador. El resultado es la generación de una alternativa al concepto de espacio-tiempo normalizado que es resignificado como un concepto multirrítmico y heterogéneo, ofreciendo la posibilidad de pensar otra realidad que nos devuelve la autonomía y el control de su experimentación.
8
Sobrino, Soledad. "Por la ventana del tiempo. Algunos casos de apropiacionismo en el arte argentino." Boletín de Arte, no. 19 (September 21, 2019): e012. http://dx.doi.org/10.24215/23142502e012.
Full textAbstract:
El siguiente artículo indaga en un fenómeno particular del arte moderno y contemporáneo argentino: la apropiación, por parte de ciertos artistas, de obras pictóricas nacionales del pasado para producir las propias. Si bien se reconoce a la cita como un elemento constitutivo de la historia del arte, para este análisis partiremos de la hipótesis de que la apropiación de obras nacionales es particularmente frecuente en momentos de inestabilidad política y social, y que los artistas parten de ellas para abrir nuevos puntos de vista respecto al pasado. Se analizarán puntualmente algunos casos de apropiación iconográfica de la obra Sin pan y sin trabajo (1894), de Ernesto de la Cárcova, realizados durante el siglo XX. Finalmente, se hará una primera aproximación al apropiacionismo como operatoria del arte contemporáneo, donde esta misma obra resulta reinterpretada con frecuencia.
9
Pastor, Sheila. "Una membrana creativa: expansión y apropiacionismo en la literatura última de Jorge Carrión." Anales de Literatura Española, no. 42 (January 7, 2025): 159–82. https://doi.org/10.14198/aleua.26940.
Full textAbstract:
Este artículo estudia la última literatura de Jorge Carrión – el falso diario Lo viral (2020), las novelas Membrana (2021) y Todos los museos son novelas de ciencia ficción (2022), el ciclo de pódcast Solaris (2020-2021) y un corpus de ensayos y artículos de crítica cultural publicados en The New York Times (2019-2021)– como un proyecto de escritura conceptual que hemos denominado «ciclo del siglo XXI». Para ello, en primer lugar se reconstruye la historia textual que conduce a la escritura y difusión de las diferentes obras entre 2019 y 2022, incidiendo en las redes temáticas que se tejen entre ellas. En un segundo momento se analiza el núcleo conceptual del ciclo, la novela Membrana. Finalmente, se examinan las diferentes vías de expansión y las estrategias de apropiacionismo que operan en este entramado creativo. El propósito último es delinear la poética del siglo XXI que ofrece esta membrana creativa, incidiendo en sus relaciones con el arte conceptual y las prácticas curatoriales, el pensamiento contemporáneo y las escrituras subversivas. Desde la intersección de la creación y el pensamiento, en suma, el «ciclo del siglo XXI» plantea una reflexión sobre el presente y el futuro inmediato que nos invita a cuestionarnos qué nos define como humanidad, cómo se definen nuestras ficciones y qué ventura aguarda a ambas.
10
Helgueta Manso, Javier. "El espectador desarraigado. Reflexiones en torno a "Concierto para el bioceno" de Eugenio Ampudia." Tropelías: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, no. 35 (January 30, 2021): 93–109. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_tropelias/tropelias.2021355029.
Full textAbstract:
Este trabajo busca analizar la obra Concierto para el bioceno(2020) de Eugenio Ampudia. Esta pieza no solo cumplió como función musical, sino en cuanto obra compleja —concierto, performance, instalación, vídeo montaje— y acontecimiento mediático y polémico. Ampudia ha sido criticado por su discutible propuesta ecologista; así también, algunos artistas le han acusado por apropiacionismo de la idea principal: colocar plantas en la proscenio. Sin embargo, no ha sido atendido el desplazamiento o suplantacióndel espectador desde un punto de vista estético. Para lograr este objetivo, es necesario emplear la teoría posdramática (Lehmann) y pensar el contexto pandémico. Este tipo de obras se enmarcan en un arte postantropocéntrico que anticipa la muerte del espectador.
11
Mora Díez, José Enrique. "Fantasmas de la paternidad. Mecanismos de adaptación posmoderna en "El dulce porvenir", de Atom Egoyan." Artigrama, no. 19 (December 9, 2022): 547–70. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_artigrama/artigrama.2004198353.
Full textAbstract:
El concepto de adaptación cinematográfica ha sufrido profundos cambios en los últimos años. Las relaciones entre cine y literatura no pueden entenderse ya según criterios de fidelidad al texto (clasicismo) o analogías estructurales (modernidad). El universo posmoderno ofrece un panorama más complejo: entran en juego estrategias como la intertextualidad y el apropiacionismo, prácticas habituales del arte contemporáneo. El filme de Atom Egoyan El dulce porvenir, adaptación de la novela homónima de Russell Banks, no se entiende ya como «ilustración» o «recreación» del texto original. La novela es sólo un punto de partida que el director reelabora e interpreta desde sus temas habituales: las cuestiones de la identidad, la fragmentación del universo moderno y el papel de la imagen en la sociedad posmoderna.
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Guerrero Zegarra, María Alexandra. "El poder se nutre de dogmas. El apropiacionismo en la obra de Herman Braun-Vega." Letras (Lima) 92, no. 135 (2021): 177–90. http://dx.doi.org/10.30920/letras.92.135.13.
Full textAbstract:
El presente artículo tiene por objeto demostrar, dentro de las artes visuales, el papel del apropiacionismocomo principio de articulación en la obra del artista plástico peruano Herman Braun-Vega, a través de los elementos y personajes tomados por el artista a partir de la Historia del arte occidental. Concretamente, se analiza la propuestas estética e ideológica de la obra El poder se nutre de dogmas (Velásquez [sic], Huamán Poma de Ayala, El Greco) (2006), y se concluye que la imagen adquiere un nuevo significado por el propiacionismo de la figura, en tanto que es recontextualizado y reinterpretado, ya que el apropiacionismo en la obra de este artista tiene un fin de relectura/re-articulación de la memoria (individual, sociopolítica ehistórica). Esto se pone en evidencia a través de la narrativa visual y la función del discurso político y religioso que contienen las imágenes de las cuales se apropia. La libertad creadora de Herman Braun-Vega se pone en evidencia en cuanto modifica los elementos plásticos y estructuras compositivas de obras que forman parte de la historia del arte occidental, y la reproducción de personajes y elementos representados, los que retrata con gran maestría en la pintura, con la finalidad de lograr una unidad en el espacio pictórico.
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Iáñez Picazo, Javier. "Poéticas de la superficie: brillo y lujo en el apropiacionismo neoyorquino de los años ochenta." Arte y Políticas de Identidad 29 (December 30, 2023): 87–111. http://dx.doi.org/10.6018/reapi.598731.
Full textAbstract:
This article aims to re-read the artworks of three New York artists (Jeff Koons, Richard Prince and Alan Belcher) who worked during the eighties through techniques of appropriations from magazine ads. The common thread of the investigation will be the presence of brightness both in its appropriations and the advertising images that served as original source. The first part of the article is dedicated to the importance of materiality and desire in comercial photography, as well as its associations with the semiotics of luxury. The second part is concerned with the shine as a concept in relation to other ideas related to cultural and social factors such as higiene and purity, taking both its negative (pathologized) and positive (fetishized) aspects. The final part focuses on approaching the main attributes that caracterize the postmodern superficiality of commodities and works of art, which in this case are reduced to three: the reflection, the uncanny and the flatness. El presente artículo tiene como objetivo realizar una relectura de la obra de tres artistas neoyorquinos (Jeff Koons, Richard Prince y Alan Belcher) que trabajaron durante los ochenta a través de apropiaciones de anuncios en revistas. El hilo conductor de la investigación será la presencia del brillo tanto en sus imágenes apropiadas como en las publicitarias que sirvieron de fuente originaria. Una primera parte del artículo está dedicada a la importancia de la materialidad y el deseo en la fotografía comercial, así como sus asociaciones con la semiótica del lujo. Una segunda parte se ocupa de poner el brillo en relación con otras ideas atravesadas por factores culturales y sociales como la higiene y la pureza, tomando sus aspectos tanto negativos (patologizados) como positivos (fetichizados). Una última parte se centra en aproximarse a los principales atributos que caracterizan la superficialidad postmoderna de los bienes de consumo y las obras de arte, que en este caso se reducen a tres: el reflejo, lo siniestro y la planitud.
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Pineda Repizo, Adryan Fabrizio. "¿Apropiación o canibalismo?" MODOS: Revista de História da Arte 8, no. 2 (2024): 64–104. http://dx.doi.org/10.20396/modos.v8i2.8674744.
Full textAbstract:
En este texto se aborda la cuestión de la apropiación del objeto en la obra de arte a partir de una mirada cruzada con las relaciones con el archivo del acto antropofágico en Latinoamérica, entendido como un acto inmerso en una particular manera de movilizar formas de subjetividad y de resistencia. Esto implica entender la apropiación no como un gesto artístico de adoptar la apariencia y negar la funcionalidad del objeto, sino como la inscripción de una relacionalidad entre formas de subjetividad en conflicto vía el objeto en la obra. Ello implica revisar el planteamiento heredado del apropiacionismo, explorar las formas en que la antropofagia implicó una manera de constituir la subjetividad y la transgresión y, finalmente, mostrar cómo dicha forma de transgresión puede leerse en algunas motivaciones del arte colombiano.
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FRAGA COSTA, SABELA. "La estrategia humorística en la agencia visual feminista." RE-VISIONES, no. 11 (December 2021): 190–206. http://dx.doi.org/10.57149/re-visiones.11.14.
Full textAbstract:
Este artículo se propone explorar los espacios de disidencia que se generan en el terreno de las imágenes gracias al humor y al apropiacionismo, dos herramientas fundamentales para el movimiento feminista de las últimas décadas. Para comprender su capacidad transgresora en lo visual, este texto dialogará con las obras de varias artistas que experimentan con las formas y los sentidos que los discursos hegemónicos imponen. Veremos como el hecho de jugar con lo inapropiado e imaginar lo (im)posible en el terreno artístico no implica perder de vista la experiencia directa y las luchas colectivas. El potencial político de transformación de los recursos creativos analizados en este trabajo desarticula el régimen de visualidad que el poder estipula con su reparto de luces y sombras. Pero sobre todo nos ofrece la posibilidad de movilizar la imaginación, desafiar la mirada y agitar los cuerpos.
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Garrido, Román María Mar, and Pérez Luisa Sánchez. "Copias de copias: la apropiación de la apropiación en Arte Contemporáneo Copies of copies: appropriation of appropriation in Contemporary Art." OBSERVAR. Revista electrónica de didáctica de las artes. Universidad del País Vasco VOLUMEN 2, NÚMERO 11. (2017): 13 (pp. 203–217). https://doi.org/10.5281/zenodo.3254948.
Full textAbstract:
Resumen Este artículo estudia la apropiación como repetición y copia. Propone un análisis del Apropiacionismo desde dos enfoques: la desviación de significados debida a cambios de temporalidad de la obra y su contexto, y la desviación generada con la aparición de la conectividad global gracias a la web 2.0, y a la materialización del Arte Digital. El artículo propone, en primer lugar, un análisis temporal de la obra After Walker Evans de Sherrie Levine, como forma de apropiación clásica derivada de la desviación contextual. En segundo, un acercamiento al mundo del Arte Digital para analizar la apropiación de la apropiación, copias de copias, como forma de remediación basada en el concepto de “Arte como bien común” y su enfoque hacia la materialización del Arte Digital. Para ello serán estudiadas las obras aftersherrielevine.com y Printwikipedia de Michael Mandiberg y Street Ghost y Overexposed Series de Paolo Cirio. Palabras clave: Repetición, copia, Apropiacionismo, Net.art, remediación Abstract This article studies appropriation as a form of repetition and copy. The text proposes an analysis of Appropriationism from two points of view: the deviation of meanings derived from changes on the temporality of the work and its context, the deviation generated by the appearance of global connectivity thanks to Web 2.0, and by the materialization of Digital Art. The article proposes, firstly, a temporal analysis of Sherrie Levine’s work After Walker Evans as a form of classic appropriation derived from the contextual deviation. Secondly, an approach to Digital Art to analyse the appropriation of appropriation, copy of copy, as a form of remediation based on the concept of "Art as a common good" and its focus on the materialization of Digital Art. Michael Mandiberg’s works Aftersherrielevine. com and Printwikipedia and Paolo Cirio’s works Street Ghost and Overexposed Series will be set to study. Keywords: Repetition, copy, Appropriationism, Net.art, re-mediation.
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Sarria Fernández, Carlos. "Juicy Salif, diseñado por Philippe Starck y comercializado por Alessi." i+Diseño. Revista Científico-Académica Internacional de Innovación, Investigación y Desarrollo en Diseño 6 (October 2, 2011): 109–14. http://dx.doi.org/10.24310/idiseno.2011.v6i.12642.
Full textAbstract:
Si realizamos un recorrido por la obra de Philippe Starck, resulta evidente que es un artista de su tiempo, un artista posmoderno ya desde sus inicios. Pero como todo autor que destaca de la media, no se conformó en seguir la estela del movimiento artístico del momento, sino que fue uno de los que los definió. En sus piezas encontramos la revisión de formas artísticas ya abandonadas y la mezcla entre ellas en un aparente ‘totum revolutum’ en el que todo vale y conforma su sello más genuino. El apropiacionismo, la ironía, la desdramatización del objeto y su función están presentes en toda su obra. Si además consideramos que su labor creativa la ha realizado desde el campo del diseño, podríamos llegar a la conclusión de que Starck ha conseguido con ella acortar las distancias ideológicas —que no estéticas— que existen entre arte y diseño.
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Sánchez Pérez, María Luisa, and María Garrido-Román. "Copias de copias: la apropiación de la apropiación en Arte Contemporáneo." Observar. Revista Electrònica de Didàctica de les Arts, no. 11(2) (October 3, 2017): 203–17. https://doi.org/10.1344/observar.2017.11.2.6.
Full textAbstract:
Este artículo estudia la apropiación como repetición y copia. Propone un análisis del Apropiacionismo desde dos enfoques: la desviación de significados debida a cambios de temporalidad de la obra y su contexto, y la desviación generada con la aparición de la conectividad global gracias a la web 2.0, y a la materialización del Arte Digital. El artículo propone, en primer lugar, un análisis temporal de la obra After Walker Evans de Sherrie Levine, como forma de apropiación clásica derivada de la desviación contextual. En segundo, un acercamiento al mundo del Arte Digital para analizar la apropiación de la apropiación, copias de copias, como forma de remediación basada en el concepto de “Arte como bien común” y su enfoque hacia la materialización del Arte Digital. Para ello serán estudiadas las obras aftersherrielevine.com y Printwikipedia de Michael Mandiberg y Street Ghost y Overexposed Series de Paolo Cirio.
19
Álvarez, Marta. "“Que nos devuelvan la belleza": propuestas postpornográficas de María Cañas." Kamchatka. Revista de análisis cultural., no. 19 (June 30, 2022): 47. http://dx.doi.org/10.7203/kam.19.20779.
Full textAbstract:
Este trabajo estudia el uso de la imagen pornográfica en la obra de María Cañas (1972), una de las grandes figuras del apropiacionismo en el cine experimental español. Partiendo de los análisis de la teoría y crítica fílmica feminista, así como de filósofxs y sociológxs que aportan una perspectiva de género, plantearemos si las películas de la autodenominada Archivera de Sevilla — en particular El perfecto cerdo (2005), La cosa nuestra (2006), Down with Reality (2006), Fuera de serie (2012), Sé villana. La Sevilla del diablo (2013), La mano que trina (2015), Expo’Lio 92 (2017), La cosa vuestra (2018) y Padre no nuestro (2019)—, más allá de las imágenes robadas a la pornografía industrial, pueden entenderse como ejemplos de una postpornografía que cuestiona las representaciones y las estructuras socioeconómicas que las determinan, denunciando un capitalismo basado en la violencia y proponiendo un feminismo antiespecista que pasa por la reapropiación de los cuerpos vulnerables.
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De Molina Rodríguez, Santiago. "La problemática de la copia sin original. El apropiacionismo en la casa Farnsworth de Mies van der Rohe." VLC arquitectura. Research Journal 12, no. 1 (2025): 81–105. https://doi.org/10.4995/vlc.2025.21721.
Full textAbstract:
Este artículo examina la problemática del fenómeno de la copia en la cultura contemporánea por medio de lo sucedido con la obra del arquitecto Mies van der Rohe. A través del estudio de las sucesivas copias que sufrió la casa Farnsworth se explora cómo la copia puede ser más que un acto de homenaje posmoderno o de pura usurpación. El caso de la obra del arquitecto alemán demuestra que es posible la aparición de nuevos fenómenos como el de la copia sin original y permite contemplar derivadas que afectan al tema de la autoría y la originalidad contemporánea. La actitud de Mies hacia la copia de su obra, donde entiende que es un inmejorable instrumento de propagación de su mensaje, así como la práctica de la copia de sí mismo, han adquirido con el tiempo un carácter premonitorio, proporcionando una perspectiva única para examinar la vigencia del apropiacionismo en diversos campos, más allá de la arquitectura y el arte. El artículo concluye con una reflexión sobre el impacto de la copia en la interpretación y la evolución de la arquitectura moderna en relación con el concepto de la autenticidad y cómo la copia puede dar pie a la aparición de nuevos originales.
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Pérez Vidal, Iván. "143D, el experimento audiovisual underground frente al mercantilismo de las plataformas." AusArt 12, no. 1 (2024): 241–55. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.25804.
Full textAbstract:
A finales de los años 90 y durante la primera década del s. XXI, con la difusión de las cámaras de video domésticas y semiprofesionales, se producen propuestas audiovisuales previas a la creación de plataformas de video online que se agrupan en torno al festival 143Delicias. Este artículo aborda un análisis de las dinámicas del festival a la luz de la deriva del consumo del audiovisual en el actual sistema tardo capitalista. Revisa la propuesta del inicio del milenio en contraposición a la sobreexposición y absorción del medio audiovisual por el mercantilismo de las plataformas. 143D se caracteriza por la socialización directa y la visualización activa en grupo, fuera de las salas de cine o de los espacios dedicados al arte contemporáneo, donde el videoarte se experimenta de forma compartida, sin subordinación a un sistema de valores cerrado o controlado. Las piezas proyectadas abordan temas sociales y políticos a través del humor, mediante estéticas a menudo cercanas al videoclip, sin renunciar a la experimentación con los medios, la conceptualización, la cita, el apropiacionismo o el cuestionamiento del propio medio audiovisual.
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Ortega Rodríguez, Shaula. "LA VIDEOCREACIÓN COMO REPRESENTACIÓN DE LA IDENTIDAD FRACTALIZADA." Tercio Creciente, no. 25 (April 19, 2024): 59–79. http://dx.doi.org/10.17561/rtc.25.8520.
Full textAbstract:
El presente artículo trata sobre el análisis de la videocreación “Fractalidad desfragmentada” realizada a partir de la conceptualización y experimentación de nuevos lenguajes narrativos a modo de collage audiovisual. El planteamiento de la temática parte de las diferentes problemáticas basadas en la construcción de la identidad femenina influenciada por la cultura imperante y enfocada desde un paradigma crítico creativo. Para ello se plantea una investigación basada en la propia práctica artística como fundamento de la construcción de nuestro conocimiento.
 El tratamiento del proyecto tiene una doble perspectiva semiótica construida a partir de metáforas y otros recursos retóricos a fin de evidenciar la influencia de las estructuras sociales en la construcción de la identidad. Como menciona Jose Luis Brea (2.007) los ojos no perciben todo lo que hay en una imagen aunque llega de manera inconsciente a nuestro cerebro, por ello por una parte, el paralelismo simbólico es concebido desde una perspectiva que no es evidente, como como ocurre con el desarrollo del propio proceso de creación y la elaboración técnica de toda obra artística, donde la estructura del montaje y el uso del apropiacionismo de imágenes sin ser visibles, apoya y fundamenta conceptualmente del segundo enfoque significativo del contenido temático. 
23
Bonfill, Anna Zaera, Yolanda Tortajada Giménez, and Antonio Caballero Gálvez. "La reapropiación del insulto como resistencia queer en el universo digital: el caso Gaysper." Investigaciones Feministas 12, no. 1 (2021): 103–13. http://dx.doi.org/10.5209/infe.69684.
Full textAbstract:
El auge y resurgimiento de grupos extremistas conservadores en el Estado español ha venido acompañado de un incremento de imágenes y mensajes de odio contra el feminismo y el colectivo LGTBIQ+ (Kimmel, 2019; Halberstam, 2018). Los discursos hegemónicos y no hegemónicos se encuentran en una batalla por la representación (Hall, 1997) de la que los grupos minoritarios han quedado excluidos y discriminados. La democratización que han supuesto las redes sociales ha generado un espacio crítico desde el que los públicos no hegemónicos pueden subvertir los discursos dominantes y generar nuevas imágenes simbólicas a partir de la apropiación y el sabotaje cultural (Morduchowicz, 2012; Harold, 2004). Este fue el caso de “Gaysper”, un fantasma con la bandera del orgullo LGTBIQ+, que el partido político Vox empleó en un meme de internet para representar al colectivo como uno de los enemigos nacionales. Esta investigación se ha realizado a partir de un análisis crítico del caso de estudio mencionado así como la constitución de dos grupos de discusión con participantes del debate online. El artículo supone una reflexión crítica sobre el apropiacionismo y el uso del humor como herramientas subversivas de desactivación a los ataques homófobos y sexistas de las nuevas olas conservadoras. “Gaysper” ejemplifica la consolidación de las redes sociales como escenario excepcional para la construcción de identidades políticas, y un símbolo del poder creativo del colectivo LGTBIQ+ para convertir en orgullo y esperanza, lo que surgió desde la violencia homófoba y sexista.
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Francos Maldonado, Concepcion. "Libro del artista en la didáctica del español y en las alfabetizaciones múltiples en contexto multilingüe y multicultural." DIGILEC: Revista Internacional de Lenguas y Culturas 11 (December 30, 2024): 218–39. https://doi.org/10.17979/digilec.2024.11.11108.
Full textAbstract:
Con el presente trabajo se pretenden resaltar las potencialidades de las artes en el desarrollo integral de las personas y como herramienta transversal al currículum, su contribución a la formación en alfabetizaciones múltiples, a la comprensión y al uso de diferentes códigos y sus posibilidades para abordar el aprendizaje de una nueva lengua. El marco teórico recoge aportaciones del discurso posmoderno y sus repercusiones en educación artística y en la epistemología educativa. Se establecen interrelaciones entre las artes, los libros-álbum, el libro de artista y referencias culturales ejemplificadas, especialmente, en artistas mujeres y también en tres artistas varones, que expresan en su obra diversidades, posibilidades de transformación individual y colectiva, diferentes códigos, incluida la palabra y el alfabeto, creaciones colaborativas, autorretratos y apropiacionismo. Finalmente, se plantea una propuesta de intervención didáctica interdisciplinar basada en artes para la enseñanza de español en contexto escolar multicultural de Educación Secundaria Obligatoria: creación de un libro de artista relacionado con el autorretrato. Se articula en un proyecto de lengua y de creación en el que se realiza la lectura de un libro-álbum, se exploran sus nexos con las artes y se nutre de propuestas de las y los artistas seleccionados para plasmar saberes y vivencias en la creación final del libro de artista. Como consideraciones finales podemos señalar que la realización del proyecto posibilitó al alumnado encontrar fuentes y cauces para desarrollar su creatividad, representar aspectos identitarios y de su experiencia, así como aprender una nueva lengua y al encuentro intercultural entre personas de diferentes lenguas y culturas.
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Vázquez, José Fernando. "Origen iconográfico y proceso de creación de la Niña muerta (1957) de Antonio López. La relación de la fotografía y la pintura bajo el signo del apropiacionismo." Arte, Individuo y Sociedad 33, no. 1 (2020): 305–22. http://dx.doi.org/10.5209/aris.68389.
Full textAbstract:
Este artículo propone una descodificación del cuadro Niña muerta (1957) de Antonio López. Una pintura clave de los años cincuenta que debe ser abordada desde varias perspectivas de interpretación para comprenderse en su totalidad. Con tal propósito este estudio plantea en su desarrollo el análisis tanto de su origen iconográfico como de su construcción morfológica, para así aclarar las diferentes tácticas que el artista asume en su estructuración ideológico narrativa. En este sentido, presentamos un texto en el que se evidencia, por un lado, el uso de la fotografía por parte del artista como fuente de inspiración para la creación de esta pieza, tratándose en profundidad el proceso apropiacionista que efectúa López para concebirla –bajo el parámetro de fusión de lo fotográfico con lo pictórico como estrategia representativa–. Mientras, por otro, se pone de manifiesto la clara convivencia idealizada de la realidad e irrealidad en la misma, manifestándose en consecuencia como una pintura esencial en la composición de su época surrealista.
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Gómez Díaz, Francisco José. "La apropiación y el reciclaje en la creación audiovisual como recurso crítico. Caso de estudio: La mano que trina. María Cañas." Original y copia, del remake al meme: adaptaciones, réplicas y recreaciones en la comunicación, no. 17 (March 4, 2022): 209–32. http://dx.doi.org/10.24137/raeic.9.17.9.
Full textAbstract:
La presente investigación muestra el desarrollo de la apropiación y el reciclaje como técnica de creación audiovisual contemporánea, en formato de vídeo y como herramienta crítica, mostrando su evolución y cómo la técnica se enriquece como recurso creativo destacando la evolución de las tecnologías de la información tanto en la creación como en el visionado de las piezas a través de las plataformas digitales actuales. Desde los reproductores VHS, el software de postproducción audiovisual y su implementación, Internet o incluso la manipulación de videojuegos para generar nuevos contenidos. La investigación incluye el análisis de la pieza La mano que trina, de María Cañas, que recoge el espíritu de la técnica apropiacionista y que permite observar cómo la artista documenta y critica, desde el humor, la sociedad de la información contemporánea y su relación con la sociedad de consumo.
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Pérez Manzanares, Julio. "Relecturas y revisiones del Museo: algunos apropiacionismos de género y 'queer' en el arte español desde los ochenta a la actualidad." Anales de Historia del Arte 29 (October 15, 2019): 207–27. http://dx.doi.org/10.5209/anha.66059.
Full textAbstract:
Una de las prácticas más conocidas de la “posmodernidad” en el territorio artístico y visual ha sido la denominada técnica “apropiacionista”. Leída como cuestionamiento de las figuras tradicionales de obra única, del “genio” relacionado con la autoría de la obra y del objeto artístico auratizado, algunos de los trabajos más conocidos al respecto han abierto la discusión hacia cuestiones de carácter identitario, político y biográfico que superan las prédicas de cualquier posible estilo “posmoderno”. En el presente artículo, hemos escogido algunas obras realizadas en el Estado español cuya fuente iconográfica fue tomada del Museo del Prado, eterno punto fuente de la cultura española. La presencia de imágenes extraídas de la pinacoteca, y resignificadas desde puntos de vista vinculados con las cuestiones de género y la teoría queer, nos servirá para tratar de observar el papel del Museo como espacio legitimador de discursos, la posibilidad de creación de relatos contrahegemónicos y “contralecturas” por medio de prácticas visuales que revisitan su colección, así como el impacto que éstas mismas han podido tener en la introducción de revisiones de los propios paradigmas museísticos.
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Zenere, Alejandra Panozzo. "LiMAC. LA APROPIACIÓN COMO PRÁCTICA CONTEMPORÁNEA." Revista Europeia de Estudos Artisticos 6, no. 2 (2015): 41–53. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v6i2.90.
Full textAbstract:
Este trabajo intenta revisar de forma preliminar y exploratoria algunas construcciones discursivas que se reconocen en torno a las producciones de arte contemporáneo. Entender este tipo de propuesta plástica comprende ciertos criterios estéticos que diferencian el conjunto llamado contemporáneo de la totalidad de las producciones artísticas. Por consiguiente, nos detenemos en aquellas experiencias que instalan como musa inspiradora piezas artísticas de colecciones públicas y privadas, que a través de la práctica de apropiación genera nuevos planteos sobre la autenticidad de una obra de arte. Por esta razón el recorrido nos obliga a problematizar, en primer lugar, características presentes en la producción contemporánea, y segundo en aspectos de la práctica apropiacionista, mecanismo crítico sobre la originalidad de una pieza artística. Por último, ejemplificar este tipo de experiencia desde la obra Museo de Arte Contemporáneo de Lima (LiMAC) de la artista Sandra Gamarra. Este análisistrata de aportar nuevas miradas sobre interrogantes analizados a lo largo de la historia del arte, pero desde la especificidad que despliega este modo de ser contemporáneo, que nos ubicará en una relectura de relaciones, discursos e instituciones artísticas para reflexionar desde su propia naturaleza.
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Zenera, Alejandra Panozzo. "LiMAC. LA APROPIACIÓN COMO PRÁCTICA CONTEMPORÁNEA." ERAS | European Review of Artistic Studies 6, no. 2 (2015): 41–53. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v6i2.100.
Full textAbstract:
Este trabajo intenta revisar de forma preliminar y exploratoria algunas construcciones discursivas que se reconocen en torno a las producciones de arte contemporáneo. Entender este tipo de propuesta plástica comprende ciertos criterios estéticos que diferencian el conjunto llamado contemporáneo de la totalidad de las producciones artísticas. Por consiguiente, nos detenemos en aquellas experiencias que instalan como musa inspiradora piezas artísticas de colecciones públicas y privadas, que a través de la práctica de apropiación genera nuevos planteos sobre la autenticidad de una obra de arte. Por esta razón el recorrido nos obliga a problematizar, en primer lugar, características presentes en la producción contemporánea, y segundo en aspectos de la práctica apropiacionista, mecanismo crítico sobre la originalidad de una pieza artística. Por último, ejemplificar este tipo de experiencia desde la obra Museo de Arte Contemporáneo de Lima (LiMAC) de la artista Sandra Gamarra. Este análisis trata de aportar nuevas miradas sobre interrogantes analizados a lo largo de la historia del arte, pero desde la especificidad que despliega este modo de ser contemporáneo, que nos ubicará en una relectura de relaciones, discursos e instituciones artísticas para reflexionar desde su propia naturaleza
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Santos-Hermo, Alberto. "Repercusiones del blanqueo selectivo en el Callejón de los Punkis. ¿Anomalía, apropiacionismo o malentendido?" Atrio. Revista de Historia del Arte, December 23, 2021, 46–62. https://doi.org/10.46661/atrio.6292.
Full textAbstract:
El presente trabajo analiza la situación actual del grafiti vigués en relación con las políticas municipales, a través de un caso que podemos considerar como blanqueo selectivo, sito en un callejón que comunica las calles Lepanto (nº9) e Irmandiños (nº18). En este lugar, que vivió su apogeo durante La Movida en los ochenta y que es en la actualidad uno de los pocos spots clásicos de grafiti situados en el centro de la ciudad, se ha llevado a cabo un tapado sistemático de superficies en determinadas zonas en el transcurso de una campaña municipal de limpieza, con la peculiaridad de que en una de sus áreas se han borrado únicamente firmas, conservado intactas las piezas de escritores como Stim74, Cris o Rade. Se planteará una explicación a esta aparente anomalía.
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López Fernández, Elba. "LA AUTORÍA Y LA APROPIACIÓN." Revista SOBRE 6 (July 20, 2020). http://dx.doi.org/10.30827/sobre.v6i0.9388.
Full textAbstract:
El apropiacionismo encarna el sistema de producción cultural vigente donde la democratización del consumo ha dado lugar a la reproducción masiva, la clonación y la multiplica- ción exponencial de productos culturales. Unos lo consideran una herejía; algunos, un delito; y otros, un concepto perspicaz, por cuestionar nociones como la autoría, la autenticidad y la singula- ridad de las obras. Este artículo analiza su valor como reflexión necesaria de nuestro tiempo y también la paradójica situación en la que nos encon- tramos, en la que bajo los discursos de apropiación la pureza posmoderna oculta su narcisismo, simulando la desaparición del autor, que en realidad santifica a través de diversos medios, quejándose en el fondo de cierto exceso, de cierto desenfreno democrático en el arte.
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Rogel, Carla, and Carolina Fernández-Castrillo. "La creatividad vernácula en la era digital: enseñanza de la comunicación publicitaria en entornos conectivos." Revista ICONO 14. Revista científica de Comunicación y Tecnologías emergentes 20, no. 1 (2021). http://dx.doi.org/10.7195/ri14.v20i1.1700.
Full textAbstract:
Esta investigación surge en respuesta a la demanda por parte del alumnado centennial y millennial de nuevas fórmulas para el desarrollo de la creatividad a través del uso de las nuevas tecnologías. El artículo plantea la necesidad de incorporar el apropiacionismo como estrategia educativa para promover la competencia creativa en la era digital. El objetivo principal del trabajo consiste en fomentar nuevas fórmulas didácticas que consientan la integración de las dinámicas sociotecnológicas que marcan las interacciones del día a día en la red. Se ha adoptado el mash-up como herramienta principal para llevar a cabo una propuesta metodológica de innovación docente en los estudios de comunicación publicitaria dentro del contexto académico. La construcción del modelo denominado lateral visual thinking supone una revisión del pensamiento de diseño con base en dos características distintivas de los procesos comunicativos en la actualidad: la creatividad vernácula y la práctica del pensamiento lateral mediante la recombinación de materiales de diverso origen y autoría en la World Wide Web.
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Rodriguez-Posada, Adolfo. "No-literatura: aproximación a la ontología débil de la literatura después del fragmentarismo." Rilce: Revista de Filología Hispánica, December 1, 2021, 1173–203. http://dx.doi.org/10.15581/008.37.3.1173-1203.
Full textAbstract:
La llegada del siglo XXI ha contemplado la difusión de una serie de prácticas conceptualistas literarias cuyo origen se remonta a las primeras vanguardias. El fragmentarismo característico del cambio de siglo ha dado paso a una concepción del arte verbal que sabotea los pilares de la poética moderna. Así pues, textos convencionales no literarios se presentan como literarios siguiendo las técnicas habituales del apropiacionismo artístico. Este fenómeno emergente en la praxis literaria del siglo XXI desborda los principios sólidos de la teoría literaria (ficción, literariedad, estilo, género) y está fundamentado sobre una ontología diferente y alternativa que se aleja de una concepción belletrística de la literatura. El propósito de este artículo pasa, por lo tanto, por aproximarnos a las señas de identidad propias de una ontología débil de la literatura después del fragmentarismo. Sobre la base de la dicotomía aristotélica esencia/accidente se abordarán obras emblemáticas del conceptualismo literario en el ámbito hispánico (Peicovich, Katchadjian, Fernández Mallo, Cussen, Zambra, Mora) para ilustrar el concepto de no-literatura que aquí se introduce para designar y agrupar aquella literatura que sin acabar de serlo no deja por ello de manifestarse como arte verbal.
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Ayala, Natalia. "El arte apropiacionista en el marco de la reproducción de la obra de arte." REVISTA IMAGO, no. 3 (February 18, 2022). http://dx.doi.org/10.56908/imago.n3.279.
Full textAbstract:
No es nuevo el estrecho nexo que se gesta entre el arte y la tecnlogía en la contemporaneidad. Asimismo, hay una capacidad y ante todo una necesidad innata del ser humano de imitar, representar y reproducir tanto los objetos que rodean su entorno y las imágenes que configuran su persepción del mundo exterior como las otras cosas que los demás han hecho.
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Mínguez García, Hortensia. "Apropiacionismos y resignificaciones de la obra “Various small fires” de Ed Ruscha. / Appropriationism and reinterpretations of the artwork “Various small fires” of Ed Ruscha." Tercio Creciente, June 1, 2017. http://dx.doi.org/10.17561/rtc.mextra1.2.
Full textAbstract:
Durante más de cincuenta años, los libros de artista de Ed Ruscha han favorecido una particular tendencia apropiacionista. Por ejemplo, su obra “Various Small Fires” (1964) ha sido “reescrita” por autores como Bruce Nauman (1969), Jonathan Monk (1969), Lucas Batten y Jonathan Sadler (2003), Thomas Galler (2009), Scott McCarney (2010), Doro Boehme y Eric Baskauskas (2010) y Marcella Hackbard (2010), generándose con ello, un movimiento de apropiacionionismos y resignificaciones que se cierra, al menos temporalmente, con “Various Small Shipwreck… and big Fires” (2016) de autoría propia.El objetivo del presente texto, es el de analizar dichas obras y sus relación con “Various Small Fires”, tomando a Ed Ruscha como fundador de discursividad, y al libro en sí, como icono para la memoria colectiva de los amantes de este género artístico y para la historia del hombre en general. Un análisis que nos ayudará a visualizar cómo algunos artistas bajo la figura del replicante han rehecho el estilo ruschiano para la construcción de nuevos discursos que, inevitablemente refractan, nuestras actuales prácticas de creación y producción editorial en un mundo cada vez más globalizado y dominado por los medios de comunicación masiva. Appropriationism and reinterpretations of the artwork “Various small fires” of Ed RuschaFor over fifty years, the artist’s books of Ed Ruscha have generated an appropriationist trend around the world. For example, his work “Various Small Fires” (1964) has been “rewritten” by authors such as: Bruce Nauman (1969), Jonathan Monk (1969), Luke Batten and Jonathan Sadler (2003), Thomas Galler (2009), Scott McCartney (2010), Doro Boehme and Eric Baskauskas (2010) and Marcella Hackbard (2010), etc. All of them have generated an appropriationist movement and resignifications which is closed, at least temporarily, with “Various Small Shipwreck ... and big Fires” ( 2016) of own authorship. The objetive of this text is to analyze these works and their relation to “Various Small Fires”, taking Ed Ruscha as founder of discourses, and the book itself, as an icon for the collective memory of lovers of this artistic genre and our history, too. Aso, this analysis will help us visualize how some artists under the figure of replicant have remade the style of Ruscha for the construction of new discourses that, inevitably, refracted our current practices of creating and publishing in an increasingly globalized world dominated by mass media.
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Fernández-Castrillo, Carolina, and Celia Ramos. "Social web and photojournalism: User-generated content of the Russo-Ukranian war." Comunicar 31, no. 77 (2023). http://dx.doi.org/10.3916/c77-2023-07.
Full textAbstract:
The research is focused on the emerging practices of digital photojournalism in war contexts, in relation to the use of user-generated content from social networks. The focal point is the coverage of the Russo-Ukrainian conflict by the two main online newspapers of the belligerent countries: Ukrayinska Pravda and Rossiyskaya Gazeta. From the analysis of an initial sample of 7,194 articles (6,646 Ukrainian and 548 Russian), published during the first semester of the war, the preferred type of graphic content and the degree of presence of images from the different social platforms will be determined. Likewise, the article offers a theoretical innovation on the current state of the routine of war digital photojournalism, introducing the definition of the concept of “false collective source” due to the appropriation of mechanisms of collective intelligence for potential propaganda purposes. The informative use of the social web has generated a transition from “gatekeeping” to “gatewatching” that makes it necessary to review the state of the art to avoid a possible instrumentalization of the role of users. Finally, a decalogue is proposed to combat digital illiteracy and identify new appropriation practices, by distinguishing the use of the social web as an information source versus its use as a mere distribution channel. La investigación enfoca su interés en las prácticas emergentes del fotoperiodismo digital en contextos bélicos en relación con el uso de contenidos generados por usuarios desde las redes sociales. El estudio se centra en la cobertura del conflicto ruso-ucraniano por parte de los dos principales diarios digitales de los países beligerantes: Ukrayinska Pravda y Rossiyskaya Gazeta. A partir del análisis de una muestra inicial de 7.194 artículos (6.646 ucranianos y 548 rusos), publicados durante el primer semestre de la guerra, se determinó el tipo de contenido gráfico preferente y el grado de presencia de imágenes procedentes de las distintas plataformas sociales. Asimismo, el artículo ofrece una aportación de innovación teórica sobre el estado actual de la rutina del fotoperiodismo digital bélico, introduciendo la definición del concepto de «falsa fuente colectiva» como resultado de la apropiación de mecanismos propios de la inteligencia colectiva con fines potencialmente propagandísticos. El uso informativo de la web social ha generado una transición del «gatekeeping» al «gatewatching» que requiere una revisión del estado de la cuestión con el fin de evitar una posible instrumentalización del papel del usuario. Por último, se plantea un decálogo para combatir la desalfabetización digital e identificar las nuevas prácticas de corte apropiacionista, mediante la distinción del uso de la web social como fuente informativa frente a su utilización como mero canal de distribución.